Mónica Girón presenta en la sala C un recorrido por diferentes períodos de su creación artística. Sin la intención de construir un orden cronológico, sino más bien la vivencia de un viaje sinuoso por diferentes épocas, “Ejercicios con el modelo terrestre” explora tensiones inscriptas en la producción creativa de la artista y giran alrededor de figuras retóricas como territorio y cuerpo. Las obras constituyen formas y expresiones diversas en cuanto a formatos y materialidad, hay objetos escultóricos y audiovisuales, acuarelas junto a pergaminos, cada una de las piezas desarrolla pensamientos que exceden nuestras concepciones geopolíticas poniendo en crisis el uso del paradigma moderno.
Si el mundo fue un lugar para ser explorado, controlado y domesticado, hoy es un lugar donde la probabilidad sustituye la certeza. La muestra en sí es una plataforma a modo de artefacto cultural, en el cual transcurre una acción dirigida al público de martes a viernes de 16 a 19 hs y los sábados y domingos de 15 a 19 hs. La acción forma parte de una serie de investigaciones realizadas por Giron cuyo objetivo es detener y expandir nuestra observación y conceptualización sobre el saber en el arte. La desarticulación del parentesco natural de las imágenes instructivas, se disponen a ensayar su propio procedimiento y desencadenar una interrogación abierta.
Por su parte Deborah Pruden toma la sala J con “Auto Retro”, una muestra compuesta por un grupo de obras de grande dimensiones que abarcan desde la serie El fantasma de la libertad, de 2004, hasta la última serie perteneciente a la muestra que se llamó Amnesia, realizada en 2014. Las obras fueron realizadas en óleo sobre tela. Entre ellas se destaca Figura 255, una remake de la obra Petit Udnie de Francis Picabia, pero en formato políptico. Se incluyen algunos retratos de amigos pintados entre 2003 y 2005, de formato más pequeño y cuatro bodegones-naturalezas muertas, de distintas épocas.
Asimismo se podrá visitar el resto de las salas que cuentan con el aporte del nuevo comité curatorial conformado por Adriana Lauría, Ana María Battistozzi, Renato Rita, Rodrigo Alonso, Carlos Herrera, Esteban Tedesco, Alejandro Corres, Magdalena Cordero y Elio Kapszuk. Su mirada ha integrado a distintos actores a los diferentes espacios que tiene el centro cultural:
Asimismo se podrá visitar el resto de las salas que cuentan con el aporte del nuevo comité curatorial conformado por Adriana Lauría, Ana María Battistozzi, Renato Rita, Rodrigo Alonso, Carlos Herrera, Esteban Tedesco, Alejandro Corres, Magdalena Cordero y Elio Kapszuk. Su mirada ha integrado a distintos actores a los diferentes espacios que tiene el centro cultural:
Sala 12: “AMIA – Memoria Ilustrada: Buenos Aires Stencil”
Como conmemoración frente a los 21 años del atentado a la Asociación Mutual Israelita Argentina el colectivo de artistas Buenos Aires Stencil realiza un homenaje a las víctimas y a la vez ejerce una dura denuncia a la impunidad. BA Stencil nació en el año 2001, está compuesto por un colectivo de artistas pioneros en llevar esténciles a las calles de Buenos Aires, motivados por el potencial de la técnica. A pesar de no firmar sus obras, su estilo característico ha logrado una gran cantidad de adeptos a lo largo de los años. Considera que la colaboración y el trabajo colectivo es lo que le da al arte urbano un gran poder y alta capacidad de impacto y por ello insisten en producir en conjunto. El hazlo tú mismo es el norte y se ve reflejado en la organización, producción y distribución de sus trabajos.
Un austero carro de madera, hierro y soga soporta sobre su estructura cajas con los expedientes de la Causa AMIA, contiene material de las distintas instancias del proceso judicial que busca a revelar los motivos del atentado, la identidad de los ejecutores, colaboradores, instigadores y encubridores sin ninguna respuesta hasta el presente. La particularidad de este carro es que sus ruedas fueron confeccionadas por estudiantes de escuelas secundarias a partir de copias de expedientes convertidos en sólidos rollos. Junto al carro de la memoria se exhibe un audiovisual sobre el proceso de creación de la obra y la performance urbana llevada a cabo el 11 de julio de 2013, día en que unos 300 jóvenes de escuelas judías y no judías, privadas y públicas empujaron el carro desde el Hospital de Clínicas hasta las puertas mismas de la mutual.
Una serie de tarimas, dispuestas como camas, plantean un dispositivo de exhibición alternativo al clásico marco en la pared. La ambientación, doméstica e infantil, propone una dimensión donde seres geométricos habitan una utopía intima. Una serie de collages digitales toman referencias de diferentes fuentes e imaginarios: desde UPA Pictures o Hanna - Barbera, hasta casas de muñecas y dioramas. “Mi práctica en general es el resultado de mezclar conceptos entre sexualidad y geometría. Hago referencia al cuerpo humano y a condiciones de género: representaciones abstractas y geométricas son la mejor representación para imaginar seres sin género, una sociedad utópico-plástica sostiene la artista, y agrega: Una visión abierta de la sexualidad puede cambiar y mejorar la forma en que vivimos. Esto ha sido evidente a través de las contribuciones de las teorías feministas y Queer. En estas contribuciones, encuentro diálogos que son nutritivos para mi trabajo y desarrollo. También interpeló el género pictórico, mezclando los valores espirituales, la apreciación histórica, estéticas y estilos.”
Sala 11: “Federico Bacher – Autoextinción”
Bacher propone un homenaje rinoceronte negro, animal extinto. Busca comunicar un mensaje de carácter proteccionista de las especies y del planeta. Una impactante escultura de un rinoceronte muerto de cinco metros de largo por 1.70 metros de altura, modelado en un estilo clásico-expresionista; ocupará el centro de la sala. El artista parte de la idea que extinguir a una especie, en este caso a los rinocerontes negros, es extinguirnos a nosotros mismo en tanto humanos. También alude al carácter irreversible de la acción de borrarlos de la faz de la tierra siendo los humanos responsables de esta acción en contra de la naturaleza.
La muestra consta de dos piezas de video que forman una videoinstalación. Los videos parten de la observación de objetos cotidianos. Estos sufren alteraciones que tienen que ver con el color, la forma y con la virtualidad que genera una imagen de un objeto. La idealización y la mentira que provocan los medios como la publicidad y la gráfica, los contrastes cromáticos y el poder de las imágenes son algunos de los temas pensados para desarrollar esta serie.
Raitieri entiende a la ciudad como un territorio edificado, compuesto de imágenes provenientes de innumerables percepciones humanas, donde el habitante reconoce pertenencias a través de sus sentidos. Allí, es donde descubre, organiza y recrea la realidad por medio de la percepción. Esta percepción es netamente visual y se basa en los principios de organización, tanto de las partes segregadas como de su carácter unitario. La ciudad y su arquitectura se perciben con las leyes de la Gestalt, donde elementos arquitectónicos y urbanos se comportan como partes de un todo, con propiedades formales reconocibles e identificables, y que conforman una supra-estructura que adquieren cohesión perceptiva si se reconoce en ellas las cualidades de la buena forma, sostiene Raiteri. La composición pictórica que realiza la artista se impregna de ella, de un recuerdo de lo percibido. Como patrón óptico a través del cual las particularidades se asocian al significado y trascienden el objeto arquitectónico.
Ahora debe estar ocurriendo lo mejor, pero me daré cuenta más adelante nos presenta una serie de pinturas-instalaciones, un friso site-specific, hechas a medida para tres paredes que estarán repletas de dibujos y pinturas cual retablo en gran escala. Estas pinturas son ecos del aquí-ahora en una especie de performance del cuerpo de la artista sobre telas, paredes, papeles. El pincel cual espada que batalla la pasividad virtual del cuerpo y de la fotografía. Encuentros urbanos, retratos de gente leyendo, de perros, de gente en sus puestos de trabajo, imágenes nacidas de fotos inspiran la pintura. Hay un hilo fascinado con la energía que une las cosas. Se exploran conjuntos de representación en una entrega rara a las totalidades que el ser humano construye cada vez.
Salas 1 y 2: “Ezequiel Verona - La casa muerta”
La casa muerta se presenta como un ensamble entre objetos e instalaciones integrado por cinco obras compuestas por diecinueve objetos escultóricos, muebles y artefactos arquitectónicos. Es un proyecto que se desarrolla en el terreno de lo memorial, surge en base a objetos de carácter mobiliario y arquitectónico que el artista fue encontrando y buscando, objetos viudos, es decir que han perdido su lugar en el tiempo y espacio funcional, objetos que han sido dejados de lado, abandonados, desechados y olvidados.
La muestra nos presenta a Tersura, un personaje ficcional que vive de modo atolondrado y festivo sus aventuras en blanco y negro junto a sus amigos. En la misma se podrán apreciar escenas de su vida cotidiana, sus gustos y costumbres, quehaceres y rarezas que dibujan su peculiar mundo. Consta de veinticinco personajes y cuarenta reproducciones impresas en vinilo brillante montado en pvc espumado y cortado en láser.
Sala 13: “Selección de artistas Córdoba y Rosario: Cuerpos y paisajes”
Este proyecto surge de una convocatoria realizada de manera conjunta entre las Casas de la Ciudad de Buenos Aires en Córdoba y Rosario y el Centro Cultural Recoleta. La misma ha tenido como objetivo fundamental dar cuenta de la diversidad y riqueza artística de ambas ciudades, ha tendido importantes puentes de vinculación de estas grandes ciudades con la capital de nuestro país. Se han seleccionado seis artistas, tanto de Rosario como de Córdoba, que a través de diversos lenguajes y técnicas nos acercan la complejidad de la escena artística rosarina y cordobesa. Este proyecto persigue un encuentro permanente y potenciador entre las ciudades del interior del país y las instituciones de la Ciudad de Buenos Aires, dando respuesta a una sostenida demanda.
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| "Fan" de Nora Lezano: Spinetta y los Socios del Desierto, Buenos Aires, 14-6-1996 |
Nora Lezano es una artista que se expresa a través de la fotografía. Su principal foco, aunque no el único, es el universo del rock. En veinticinco años de trabajo ha creado una imagen particular y reconocible que identifica su naturaleza creativa pero también sus principios: no renunciar a la pasión por aquello que se retrata. El valor de su obra no radica en haber estado en el momento justo sino en lo que ella decidió hacer con ese momento. FAN, es una muestra con más de trescientas imágenes para recorrer en silencio y gritar con el alma.
Todas las muestras inauguran el día jueves 2 de julio y cierran el domingo 2 de agosto y se pueden visitar de martes a viernes de 13.30 a 20.30 hs. y sábados, domingos y feriados de 11.30 a 20.30 hs. en Junín 1930, Buenos Aires, Argentina.
