10 de agosto de 2022

TIERRA en Herlitzka + Faria, con obras de Fernando 'Coco' Bedoya, Claudia Casarino, Nicolás García Uriburu, Carlos Ginzburg, Mónica Girón, Marta Minujín, Juan José Olavarría, Teresa Pereda, Alejandro Puente, Juan Pablo Renzi, Juan Sorrentino y Candelaria Traverso

Teresa Pereda

La galería Herlitzka + Faria inauguró "Tierra", una exhibición colectiva con obra de 12 grandes artistas de Argentina, Paraguay, Perú y Venezuela que ponen el foco en las representaciones vinculadas a la tierra. Lo hacen con propuestas que conjugan sensibilidad y agudeza, apelando tanto a la materialidad de la tierra como a sus asociaciones conceptuales. 

Hay obras de Marta Minujín, Carlos Ginzburg, Juan Pablo Renzi, Candelaria Traverso, Fernando ‘Coco’ Bedoya, Juan Sorrentino, Alejandro Puente, Claudia Casarino, Mónica Girón, Nicolás García Uriburu, Teresa Pereda y Juan José Olavarría.

Nicolás García Uriburu

 “La tierra es más que un elemento de la naturaleza, es un material culturalmente asociado a lo primigenio, a lo fértil y al ciclo de la vida”, señala en el texto curatorial Sofía Jones. Y añade: “El encuentro con estas producciones estimula una reflexión en torno a la fertilidad de la tierra, no en un sentido agrícola, sino entendiendo lo fértil como aquello ligado a la creación artística”.

“Esta gran variedad de aproximaciones puede conducir a la conclusión de que efectivamente, en cierta forma, todo está hecho de tierra. Una tierra que nos acompaña en el exilio y en el vínculo con lxs otrxs, que guarda una memoria del espacio que se habita, y que condensa en su materialidad una imagen de identidad cultural. Un material tan abundante como precioso”, escribe Jones.

Marta Minujín

En sala se exhiben registros de la acción "Comunicando con tierra", en la que Marta Minujín construyó un gran nido de hornero. En un intercambio simbólicamente potente, la artista recogió en el Machu Picchu 30 kilos de tierra con los que realizó el nido que exhibió en el CAyC, junto con 23 bolsas de plástico de un kilo cada una con esa tierra mezclada con tierra local. Tras la muestra, las bolsas con tierra fueron enviadas a colegas de otros países, con la consigna de que la mezclaran con tierra del lugar y volvieran a enviarla a Buenos Aires, para que a su vez la artista la llevara de vuelta a Machu Picchu.

Carlos Ginzburg

Se presenta el registro de "Tierra", acción de Carlos Ginzburg realizada en Arte de Sistemas, en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, que se completaba con la participación del espectador en distintos sitios. Por su parte, Candelaria Traverso, artista que aborda desde sus creaciones la simbología, la cultura y los diseños prehispánicos, trabaja con fardos de ropa y textiles que salen a la venta en ferias de Bolivia y del norte argentino. En la muestra se presentan vasijas elaboradas con tierra catamarqueña con formas de urnas ceremoniales de las culturas Aguada, Belén y Santa María. También se exhibe su serie "Cubos", estructuras con tierra y prendas de vestir prensadas, como los que la artista encuentra en los fardos de ropa provenientes de Estados Unidos, China y Corea expuestos para la venta en ferias de Bolivia y del norte argentino, donde encuentra materia prima y conceptual para sus obras.

Fernando 'Coco' Bedoya

En la obra de Juan José Olavarría la tierra aparece ligada a la bandera argentina, iconografía que el artista incluye aludiendo a su significado cultural, histórico y político en distintos contextos. Con ironía y acidez, en la serie "Cultura Trepa-Nación", Fernando ‘Coco’ Bedoya anula, con tapas de bebida cola de la más conocida marca internacional, el uso ceremonial de una serie de huacos (vasijas en cerámica usadas en los templos). También se exhibe su serie de dibujos "Taclla", en alusión a la herramienta agrícola utilizada por los pueblos precolombinos del imperio incaico. 

Juan Sorrentino
Con guiño al entramado simbólico entre la sangre, la tierra y lo americano, 
Juan Sorrentino presenta "Quincha" (del quechua qincha: cerco o palizada), que alude a un sistema constructivo tradicional de Sudamérica. "Kathino", la pintura de Alejandro Puente, está ligada al camino que inició el artista en 1967 cuando ganó la beca Guggenheim que le permitió estudiar y vivir en Nueva York, donde comenzó a interesarse por el arte textil prehispánico: con sello propio, devino maestro de la geometría sensible y del color.

Respecto a la serie "Capiteles" de Claudia Casarino, Jones señala: “Propone un discurso vinculado al papel que ocupa la mujer en la cultura y especialmente en la economía del Paraguay, dentro de la cual la población femenina tuvo durante mucho tiempo un rol destacado que se profundizó durante el conflicto bélico de la triple alianza”.

De Nicolás García Uriburu, quien desarrolló una fuerte búsqueda de la identidad latinoamericana y marcó la historia del arte con su temprana conciencia ecológica, se exhiben la pintura "Pampa y cielo" y la pieza en cerámica "Por donde miro está el sur".
 
Juan Pablo Renzi
 
De Juan Pablo Renzi (Argentina, 1940-1992), se incluye un óleo del río Paraná de su Santa Fe natal, pintado en Buenos Aires en 1976, cuando se fue por las persecuciones políticas de la época. Integrante del grupo Tucumán Arde y precursor del arte conceptual, Renzi en los setenta también volvió a la pintura. Con economía de recursos, el paisaje que se exhibe en la muestra condensa un clima metafísico. “Creo en una razón mucho más compleja que de alguna manera comprende todos los mecanismos del pensamiento, que no descarta las zonas instintivas, afectivas e inconscientes”, señaló el artista, quien consideraba que arte y vida estaban indisociablemente ligados.

27 de julio de 2022

“Senderos de arte de ayer y de hoy”, de Adolfo Pérez Esquivel en el Museo Lucy Mattos: una muestra que une arte, historia y militancia

Lucy Mattos, Adolfo Pérez Esquivel y Laura Casanovas durante la presentación de la exposición

 El Museo Lucy Mattos está presentando la exposición “Senderos de arte de ayer y de hoy”, de Adolfo Pérez Esquivel, Premio Nobel de la Paz y activista defensor de los derechos humanos, quien muestra su faceta artística, la cual lo acompaña desde la infancia. Se trata de un conjunto de dibujos, pinturas, grabados y esculturas realizados desde 1950 hasta la actualidad.

La exhibición, curada por Laura Casanovas, propone un recorrido por los distintos períodos artísticos de Pérez Esquivel, que permiten observar las búsquedas plásticas para expresar sus preocupaciones sociales profundamente humanas. Una selección de cerca de 40 obras sintetizadoras de su trayectoria en las artes visuales. 

“Mural de la Madre Tierra” (copia del que está en Curitiba), acrílico
“Refugiados”, acrílico, 2016

Se exhiben, como describe Casanovas en el texto curatorial, “escenas que vislumbran identidades y culturas, la vida urbana, las luchas sociales, la fe religiosa de los desamparados, la guerra, el límite por momentos demasiado lábil entre vida y muerte, las dictaduras y las desapariciones, las manifestaciones artísticas de los pueblos, la mujer y los afectos familiares”.
 
Y más adelante, en el mismo texto, precisa: “Los dibujos en tinta, las xilografías, las pinturas en acrílico, acuarelas y las esculturas en bronce, madera, mármol y cemento descubren distintas etapas estilísticas con propuestas plásticas cercanas tanto al realismo como a las vanguardias, sobre todo de raíces latinoamericanas, pero con soluciones formales propias”.  Por último, la curadora opina que en los trabajos de Pérez Esquivel “resuenan ecos del arte moderno rioplatense, de la obra de Antonio Berni y su Juanito Laguna, del muralismo mexicano y del local del grupo Espartaco, entre otros”. 

“Metamorfosis del conductor”, tinta, 1970

En la misma línea, Lucy Mattos, la directora del museo, afirma: “Con un estilo que remite a los matices y conceptos que caracterizaron a los grandes muralistas mexicanos, las pinturas de Adolfo Pérez Esquivel exploran el mundo precolombino de América. Así como David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera y José Clemente Orozco trataron de consolidar los ideales sociales creados por la Revolución y cambiar los prejuicios contra los indígenas, Pérez Esquivel elaboró una obra que reivindica la tradición de los pueblos originarios”.
 
A su vez, el artista confirma: “Quiero contar la historia de América Latina. Primero soy artista, después militante. Las dos cosas se funden, todo mi arte tiene que ver con la vida, con lo que realizo y creo que eso es importante”. 
 
Laura Casanovas y Adolfo Pérez Esquivel
 
Pérez Esquivel ha sido artista desde siempre, si bien su nombre se asocia principalmente en todo el mundo con la defensa de los derechos humanos, la democracia y la no violencia, lo cual le valió el Premio Nobel de la Paz en 1980. “Dibujo y escribo permanentemente. Son lenguajes distintos. A veces entra la palabra y a veces la forma”, comentó mientras se preparaba esta exposición.


Adolfo Pérez Esquivel nació en Buenos Aires el 26 de noviembre de 1931. Hijo de una familia muy modesta, pasó casi toda su infancia como pupilo en el Patronato Español de Colegiales. Allí aprendió a tallar la madera y despertó su amor por la escultura. Su abuela Eugenia, que hablaba guaraní pero casi nada de castellano, le transmitió la historia y la tradición de los pueblos originarios de América.        

"La muerte enamorada de la vida", acrílico, 2016

Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y, simultáneamente, despertaron sus inquietudes sociales. "Tratábamos de hacer exposiciones -recuerda-, ir a las barriadas, hacer participar a los chicos. Hicimos muestras en fábricas y tratamos de que los obreros comenzaran a expresarse, a hacer sus propias obras".
       
En esa época conoció a Quinquela Martín, cuyo taller visitaba con sus amigos para verlo pintar y recibir sus consejos. Más tarde sería profesor en la escuela de arte que lo formó, en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de La Plata y en el Instituto del Profesorado de Azul. Su intensa actividad artística se concentró en la pintura, murales y monumentos, entre los que se destacan el “Vía Crucis Latinoamericano” y “Paño Cuaresmal” realizado en 1992 en conmemoración de los 500 años de la conquista de América.
  
Adolfo Pérez Esquivel hablando sobre el “Mural de los Pueblos Latinoamericanos”
 
Otras obras destacadas son: el “Monumento a los Refugiados”, en la Sede del Alto Comisionado de la ONU para los Refugiados (ACNUR) en Suiza; el “Mural de los Pueblos Latinoamericanos” en la Catedral de Riobamba, Ecuador; y su escultura de bronce en homenaje a Gandhi en la Plaza Gandhi, en Barcelona. Hay obras suyas en varios museos argentinos, como el Castagnino y el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario y en varias capitales de Latinoamérica, Europa y Canadá.

En 1980, Pérez Esquivel recibió el Premio Nobel de la Paz en reconocimiento a su defensa de la Democracia y los Derechos Humanos por medios no-violentos, frente a las dictaduras militares en América Latina. En esa oportunidad expresó que recibía la distinción “en nombre de los pueblos de América Latina, y de manera muy particular de mis hermanos los más pobres y pequeños, porque son ellos los más amados por Dios; en nombre de ellos, mis hermanos indígenas, los campesinos, los obreros, los jóvenes, los miles de religiosos y hombres de buena voluntad que renunciando a sus privilegios comparten la vida y camino de los pobres y luchan por construir una nueva sociedad”.
 
Tintas de 1950 de lugares característicos de La Boca, como Caminito y Vuelta de Rocha
 
Venía de padecer los más salvajes malos tratos. En 1975, fue detenido y encarcelado por la policía militar de Brasil; en 1976, sufrió prisión en Ecuador junto con obispos y religiosos latinoamericanos y de Estados Unidos. En agosto de 1977, como consecuencia de su defensa de los Derechos Humanos y su apoyo a los familiares de las víctimas de la Dictadura desaparecidos, fue detenido, encarcelado y torturado en Buenos Aires. Puesto a disposición del Poder Ejecutivo, estuvo a punto de  ser sometido a un vuelo de la muerte.

 
Su lucha por la paz y la justicia no tuvo descanso: entre otras iniciativas, fue presidente del Consejo Honorario del Servicio Paz y Justicia de América Latina, presidente ejecutivo del Servicio Paz y Justicia Argentina, de la Comisión Provincial por la Memoria de Buenos Aires, de la Liga Internacional por los Derechos y la Liberación de los Pueblos. También es miembro del Tribunal Permanente de los Pueblos, del Comité de Honor de la Coordinación internacional para el Decenio de la no-violencia y de la paz, del Jurado Internacional del Premio de Derechos Humanos de Núremberg, del jurado del Premio de Fomento para la Paz “Félix Houphouet Boigny” de la UNESCO, y del Consejo Directivo del Instituto Espacio para la Memoria (IEM).

La exposición se puede visitar de miércoles a sábado de 11 a 19 y domingos de 10 a 18 hs. en el Museo Lucy Mattos, Av. Del Libertador 17426, Beccar - partido de San Isidro.

15 de julio de 2022

Vacaciones de invierno en los Museos Nacionales

Los Museos Nacionales de todo el país, dependientes del Ministerio de Cultura de la Nación, abren sus puertas en vacaciones de invierno con talleres, kermesse, cuentos, música, danzas, visitas guiadas, espectáculos teatrales, juegos y exhibiciones para las familias. He aquí los principales: 

VACACIONES PARA ARMAR EN EL CCK (Sarmiento 151, CABA)

El Centro Cultural Kirchner ofrece mas de 80 espectáculos musicales, propuestas escénicas y talleres para las infancias de la ciudad de Buenos Aires, la provincia de Buenos Aires, Santa Fe, San Juan, Córdoba y Misiones. Habrá distintos espacios gastronómicos para toda la familia. Del 13 al 31 de julio, de miércoles a domingos de 14 a 20 hs.
https://www.cck.gob.ar/vacaciones-para-armar-el-centro-cultural-kirchner-ofrece-mas-de-80-propuestas-para-chiques-adolescentes-y-adultes/22874/

CENTRO CULTURAL BORGES (Viamonte 525, CABA)

De miércoles a domingos, del 16 al 31 de julio y con entrada gratuita, habrá música, propuestas para primera infancia, cine, teatro, danza, biblioteca abierta y talleres de fanzine, construcción, dibujo y microhistorias. Algunas actividades requieren reserva previa.
https://linktr.ee/reservas.ccborges 

TECNÓPOLIS (Av. Juan Bautista de la Salle 4500 y Av. de los Constituyentes 2220, Villa Martelli)

Durante las vacaciones, el parque del Ministerio de Cultura orece cientos de actividades gratuitas para todas las edades. Durante vacaciones, abrirá de miércoles a domingos de 12 a 19. No es necesario reservar ni sacar entradas con anticipación.  

MUSEO HISTÓRICO NACIONAL, (Defensa 1600, CABA)

Actividades de miércoles a domingos del 9 al 31 de julio.
https://museohistoriconacional.cultura.gob.ar/

MUSEO MALVINAS E ISLAS DEL ATLANTICO SUR (Santiago de Calzadilla 1301, CABA)


Desde el 16 al 31 de julio, miércoles, jueves y viernes de 11 a 17 hs. y los sábados y domingos de 11 a 18 hs. el Museo Malvinas ofrece obras de teatro, talleres y música. Además se podrá visitar la Biblioteca Infantojuvenil “María Elena Walsh”, que cuenta con más de 150 títulos seleccionados para infancias y adolescencias y participar de la experiencia sensorial inmersiva “Pisar Malvinas”, solicitando turno previamente a través de la página web del museo. La entrada es libre y gratuita.
https://museomalvinas.cultura.gob.ar/

MUSEO CASA DE YRURTIA (O’Higgins 2390, CABA)

El museo invita a disfrutar de la programación especial de vacaciones de invierno que incluye talleres artísticos, recorridos participativos, lectura de cuentos y recitales.
Más información en: https://www.facebook.com/MuseoYrurtia 

MUSEO NACIONAL DE ARTE DECORATIVO (Av. del Libertador 1900, CABA)

Se puede visitar de miércoles a domingos de 13 A 19 hs. Entrada gratuita sin inscripción previa. Algunos talleres requieren inscripción previa. 
Mas información en: instagram.com/museodecorativo

Podés consultar la información detallada de todas las actividades de los museos nacionales en:
https://www.argentina.gob.ar/cultura/vacaciones-de-invierno-2022






6 de julio de 2022

Hasta el 14 de agosto se exhibe "Casa tomada" de Gaspar Libedinsky en el Museo Nacional de Arte Decorativo

“El origen de las especies”, 2020.
La obra toma la forma de un arrecife artificial totalmente rojo, compuesto por cerdas de plástico reciclado que luego de la exposición volverán a su uso habitual en la confección de escobillones para la venta

El Museo Nacional de Arte Decorativo está exhibiendo la exposición “Casa tomada”, la primera exhibición retrospectiva de Gaspar Libedinsky.
La muestra, que reúne más de diez años de producción de este artista y arquitecto argentino, propone un recorrido inmersivo e interactivo por los salones, patios y jardines del museo. 

"Nube", realizada con 400 escobillones suspendidos en el centro del jardín de invierno.

Las obras de Libedinsky dialogan con la arquitectura monumental del Palacio Errázuriz Alvear, a la vez que generan espacios de cercanía e intimidad e invitan a reflexionar sobre los límites entre arte y diseño. 

“Kunstformen der Natur” (2018-2022), compuesta por cerdas plásticas, en forma de escobillones comprimidos en planchas de acrílico simulando cuadros en una exhibición.

La exhibición temporaria “Casa Tomada” podrá visitarse hasta el domingo 14 de agosto de 2022, de miércoles a domingos de 13 a 19 hs. Los jueves 14 y 28 de julio a las 17 hs. habrá encuentros con el artista abiertos al público, para conversar sobre las piezas que integran la exposición.

“La economía circular del avestruz” (2019-2020). Dos avestruces construidas con módulos encastrados y plumeros.

Gaspar Libedinsky (Buenos Aires, 1976) es artista visual, arquitecto y curador. Su producción se despliega en el espacio público y privado, mediando entre la escala urbana y la intimidad del cuerpo: “Mi obra como artista está guiada por una serie de ideas fuerza: la transformación de lo ordinario a lo extraordinario, la transformación de lo marginal al objeto de deseo, la creación de lo ‘nuevo’ a partir de la reorganización de lo existente, el obstáculo como potencial”. 

Las ropas que forman la serie “Míster Trapo” (2010-2011) están elaborados de manera tal que los artículos que la integran pueden recuperar fácilmente su función original. Se trata de diseños de vestimenta masculina confeccionados con paños de limpieza como rejillas, trapos de piso, repasadores y franelas.

El Museo Nacional de Arte Decorativo (MNAD) está ubicado en Avenida del Libertador 1902, en el barrio de Palermo. Su sede es el Palacio Errázuriz Alvear, una residencia construida a principios del siglo XX y declarada Monumento Histórico Nacional en 1997. Actualmente, es uno de los pocos palacios de estilo académico francés que puede visitarse de manera libre y gratuita en Buenos Aires.

28 de junio de 2022

Jorge Pietra x 2: “América onírica” en la UCA y “El encierro” en Rubbers

Del 15 de junio al 24 de julio se exhibe la exposición “América Onírica” en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA.

La muestra, curada por Cecilia Cavanagh -directora del espacio-, reúne 16 acrílicos sobre tela, objetos y obras en técnica mixta sobre la América que el artista imaginó luego de los viajes que hizo por Bolivia, Perú, México y Brasil y el Amazonas. 

Y allí, como  explica Cávanagh en el texto curatorial, el artista: “incorpora en su obra el concepto de la integración de distintas culturas de nuestra región en un territorio común, libre de fronteras y nacionalidades”.
La experiencia con el consumo de peyote -especie conocida por sus efectos alucinógenos, con una larga tradición de uso tanto medicinal como ritual entre los  indígenas americanos-, se asocia a la utilización de imágenes desmembradas y fragmentadas en algunas pinturas en acrílico realizadas por Pietra. En ellas conviven fragmentos de cuerpos de hombres indígenas y de caras no identificables, imágenes recortadas de mujeres, cuerpos sangrantes de animales, árboles y una naturaleza salvaje en rojos puros, magentas vibrantes y distintas gamas de verdes, amarillos y violetas, con fuerte impronta fauvista.

Jorge Pietra con Yuyo Noé y otros artistas amigos
 
Se exhiben una serie de 4 objetos realizados en técnica mixta, entre ellos, “Chancho Galáctico”, un simpático y enigmático chancho redondo, con pelaje desordenado. Un detalle llama poderosamente la atención: la cara del chancho está cubierta por una semi esfera, desde donde el chancho observa el mundo que lo rodea. El vigía es otro de los objetos. Portador de una lanza y un escudo, el vigía era el personaje a cargo de la vigilancia de peligros en las culturas aborígenes. El penacho que se observa en su cabeza, nos brinda una idea del poder que ostenta.
 
“Recorriendo la muestra, se abren nuevas perspectivas… Son influencias visuales que nos llevan en búsqueda de nuestras raíces, a territorios inexplorados, a la soledad del individuo, al fundamento, a la esencia, a la transformación de formas físicas y materiales, de figuras y de lugares.”, continúa Cavanagh.
Por último, “América onírica es la contemplación amplia y armonizada de Jorge Pietra, que conduce al espectador a una galaxia de conceptos con características similares y análogas. Las imágenes de su obra enaltecen tanto la energía radiante del rojo, el amarillo exultante, el azul meditativo, y el marrón, como la conexión a la tierra, a través de  sus  pasteles y tintas sobre papel ”, concluye la curadora.

Se puede visitar de  martes a domingo, de 11 a 19 hs. con entrada libre y gratuita en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA, Alicia Moreau de Justo 1300, PB, Puerto Madero, Buenos Aires.
 

Por otro lado, la galería Rubbers Internacional presenta “El encierro”, también hasta el 15 de julio.

Dice el artista:
“Para mí el «encierro» comenzó unos meses antes de la aparición del COVID porque me atacó un virus, no identificado, diagnosticaron los médicos. En plena recuperación empezó  la pandemia. Todo el planeta estaba amenazado.
La peste con sus imágenes fabulosas del medioevo, las ratas, la guerra, las fosas llenas de cadáveres se aparecían en mis sueños, en las conversaciones con los amigos y en la calle en general .
Ahogado, en principio, por una especie de angustia apocalíptica. Lo único que me dió cierta calma (abrió nuevos espacios internos, me desprejuició de ciertos temas, hizo que se intensifiquen los colores, etc.) fue volver a pintar sobre telas y, también, armar cajas-objetos luminosos. La pintura, vieja amiga salvadora de todas mis crisis o caídas. 

El encierro, entonces, es un conjunto de pinturas que surgieron en esos tiempos donde el espíritu se ensanchó con la aparición desvergonzada de la muerte y el delirio, ¿por qué no?.
El inconsciente reprimido erosiona todo, lo que antes era casi un «recurso», ahora es parte principal de la «cosa». El encierro fue entonces como una liberación. Viajes, niñez, sueños, rebelión virtual, fascinación, eso es lo que trajo, una mezcla de cosas que inauguran esta propuesta con muchas más preguntas que confirmaciones”.

Se puede visitar  de lunes a viernes de 14 a 18 hs. con entrada libre y gratuita, en Av. Alvear 1640, PB, Buenos Aires.






21 de junio de 2022

“Bombonera”, la muestra de diseño de Ricardo Blanco, Edgardo Giménez y Daniel Basso, se exhibe en galería Calvaresi


La galería de arte Calvaresi presenta la inédita exposición “Bombonera”, con piezas de diseño coleccionable realizadas por Edgardo Giménez, figura emblemática del arte pop, el arquitecto y diseñador Ricardo Blanco y el artista marplatense Daniel Basso en conjunto con el estudio de arquitectura Florida. La muestra cuenta con la curaduría de Daniel Basso y Estudio Florida.

La exposición sorprende con un diseño audaz y un concepto distinto de exhibición y puesta en escena. La sala de exposición de la galería Calvaresi, se transforma en una caja de bombones, donde las piezas serian los bombones, cada una destacándose por si misma y a la vez siendo parte de un conjunto irresistible.

La iniciativa de la exposición surge a partir del interés de dicha galería  en el diseño coleccionable. El cruce entre el arte y el diseño es visible, tanto en la obra de Blanco y de Giménez, como en la obra de Daniel Basso, realizada en conjunto con el estudio de arquitectura Estudio Florida. Son piezas en el límite entre el arte y el diseño mobiliario, arte para consumir, con una fuerte impronta pop. 

Lo pop está presente, no tan solo en la obra exhibida, sino también en el título de la exposición y  la alusión al “arte para consumir”. El pop art es la abreviación en ingles de popular art (arte popular), tendencia artística surgida en Inglaterra en la década de los 50´s y popularizada en los Estados Unidos a partir de la obra de Andy Warhol. El pop, surgido en referencia a una sociedad de consumo desaforado y un gusto generalizado por lo inmediato y efímero, se proyectó hacia el arte, la publicidad, la moda y el diseño. 

En el caso de la exposición, el juego lúdico, el doble sentido y la libre asociación de ideas son permanentes. En este juego pop, los “bombones de la muestra” son objetos de uso cotidiano como sillas, sillones, mesas y lámparas de creativos diseños -muy presentes en una sociedad de consumo-.

Ricardo Blanco

Se destacan las piezas realizadas por Ricardo Blanco. Se trata de una serie de muebles diseñados por él, uno de los logros más significativos de la carrera de este destacado arquitecto y diseñador industrial, fallecido en el año 2017. Obsesionado por las sillas, uno de sus máximos objetos de pasión, estudio y orgullo, que volcó en múltiples diseños realizados en distintos materiales, el autor del libro “Sillopatía” editado por Editorial Argentina, dejó sentado el análisis de este objeto como “objeto de culto”, sobre todo para los diseñadores.

Se exhibe en esta “Bombonera” la “Silla amigable Friendly”, prototipo realizado originalmente por Blanco, para una serie diseñada formando una fila de asientos, que podrían ser filas de asientos de un teatro. Tanto las piezas “Mesa alta Amenabad” una mesa de vidrio, metal esmaltado y mármol; como “Centro de Mesa”, ambas realizadas en 1983, fueron creadas en el contexto de la experiencia vanguardista Visiva, como parte de una exposición propuesta para el Espacio Giesso. En esta experiencia Ricardo Blanco unió artistas, diseñadores gráficos, diseñadores industriales e incluso un grupo de estudiantes de la Universidad Nacional de La Plata. Por último, con su pieza “Sillón Cónico SNC”, creada para Stilka, Blanco plantea un nuevo sillón comodín, de forma cilíndrica (SCN), que busca acomodarse mejor a estructuras de livings más variadas. Blanco considera la serie de sillones CN como uno de sus principales logros de esos años. El mismo fue le primer sillón realizado en madera laminada curvada. A su vez, la fabricación del mismo parte de un molde , simplificando su producción.
 
La brillante carrera de Blanco, lo llevó a ocupar cargos como la dirección del Área de Proyecto Objetual, la dirección de la carrera de Diseño Industrial y el Posgrado de Mobiliario. Fue curador de la Sección de Diseño del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y académico de número en la Academia Nacional de Bellas Artes.

Edgardo Giménez

En cuanto a Edgardo Giménez, este artista múltiple y dúctil, incursionó en la pintura, la escultura, la arquitectura, el diseño de muebles y de decorados teatrales y el diseño gráfico, utilizando para ello el lenguaje pop. El afamado artista Federico Klemm, se refirió a él como “el artista que llevó el pop hacia unas estructuras muy puras, donde prevalecía el diseño como obra y expresión de arte que se aplica a la calidad de vida.”

Giménez exhibe en la muestra “Lámpara de acrílico con aro de néon”, pieza realizada en 1968. Esta lámpara se comercializo en Fuera de Caja, el local de diseño de Romero Brest, y es un claro ejemplo de lo que muchos especialistas señalan: Edgardo se adelantó algunos años al Grupo Memphis, un colectivo italiano de arquitectura y diseño industrial, con gran influencia en los años 80´s. En cuanto al Mueble tipo Cabinet, realizado en 1969,  fue realizado por Giménez para Fuera de Caja y además se exhibió en la muestra “Fuera de Caja en Bonino - Homenaje a Alejandro Shaw”, 1970. El mismo está realizado a partir de volúmenes en orden decreciente y coronado con los rayos de ácrilico, frecuentemente usados por el artista.
 
Artista autodidacta, Giménez formó la compañía La Siempreviva, junto con Marilú Marini, Dalila Puzzovio, Miguel Ángel Rondano y Carlos Squirru. Formó parte en las Experiencias Visuales 67 en el Instituto Torcuato Di Tella (ITDT) y realizó escenografías para distintos espectáculos y producciones. En cine participó de los films de Héctor Olivera Psexoanálisis (1967), y Los neuróticos (1968), por el cual recibió en 1973 un premio de la Asociación de Cronistas Cinematográficos. En 1970, junto a Marta y Jorge Romero Brest y Raquel Edelman, fundó Fuera de Caja - Centro de Arte para Consumir (Galería Promenade Alvear). Dirigió el proyecto arquitectónico de la casa de Romero Brest, proyecto que integró la muestra MoMA, Transformations in Modem Architecture. Se desempeñó como diseñador de la imagen gráfica del Teatro San Martín (1980-1982) y el Teatro Colón le encargó su nueva imagen gráfica e institucional (1983). Participó de innumerables exposiciones en nuestro país, desde la década de los 90´s, entre otras, en el Museo Nacional de Bellas, Artes, Centro Cultural Recoleta, Centro Cultural  España, Centro Cultural Borges y Fundación Osde, entre otros espacios. 

Daniel Basso

La obra de Daniel Basso tiene un fuerte vínculo con diversas disciplinas como la arquitectura, el diseño gráfico, el diseño de interiores y hasta la repostería, que se integran en obras de un carácter personal e inconfundible donde también se vislumbran rasgos de la cultura de consumo. En este caso, junto con el estudio de arquitectura Estudio Florida, buscan recrear al popular macaron francés -un tipo de galleta tradicional de la gastronomía de Francia e Italia hecha de clara de huevo, almendra molida, azúcar glass y azúcar-, convirtiéndolo en este caso en un creativo mueble de asiento. “Macaron Florida” es parte del proyecto realizado en conjunto con Estudio Florida, cuyo objetivo es el de crear objetos utilitarios, que junten el arte con el diseño. Tambien se presenta la Mesa Ariston que homenajea al parador Ariston, construido por el arquitecto húngaro Marcel Breuer, el único proyecto diseñado y construido en Latinoámerica por el alumno y profesor de la Bauhaus. Daniel Basso junto con Estudio Florida recrean sus vigas, columnas y losas en madera de petiribí para realizar una mesa ratona.

Daniel Basso cursó estudios de pintura en la Escuela Superior de Artes Visuales en Mar del Plata y fue becado por Fundación Antorchas, el Fondo Nacional de las Artes, Fundación Telefónica, TRAMA (patrocinado por la Rijk Academie) y el Ministerio de Cultura de la Nación. Fue seleccionado para el premio Braque (2017, obtuvo el Primer Premio ITAU en Artes Visuales (2019) y realizó una residencia de tres meses en Atelier Mondial, Basilea, Suiza. Participó tanto de muestras individuales como colectivas, bienales, ferias y salones, tanto en el país como en el exterior.
 
El estudio de arquitectura “Estudio Florida” fue fundado en 2014 y es dirigido actualmente por la Arq. Agustina Servide  y la Arq. Sofia Calvaresi. Ambas egresadas de la Universidad Torcuato Di Tella y especializadas en real state por el posgrado en desarrollo de proyectos Inmobiliarios de la Universidad de Buenos Aires de Arquitectura y Urbanismo. Sus obras se publicaron en diversas plataformas y revistas como revista Arq. De Clarín, revista Plot, Designboom, Plataforma Arquitectura, Archdaily, ARQA Y Archello.



2 de junio de 2022

La exposición retrospectiva “Christo y Jeanne-Claude” se exhibe en Fundación Proa hasta mediados de julio

 The Pont Neuf Wrapped. París, 1975-1985

El 22 de setiembre de 1985, un grupo de 300 trabajadores profesionales finalizó la obra de arte temporal "The Pont Neuf Wrapped". Habían desplegado 40800 metros cuadrados de tela de poliamida tejida, de aspecto sedoso y color arenisca dorada, que cubría los laterales y las bóvedas de los doce arcos, sin obstaculizar el tráfico fluvial. La tela estaba sujeta por 13 kilómetros de cuerda y asegurada por 12,1 toneladas de cadenas de acero. La envoltura permaneció por 14 dias.

“Christo y Jeanne-Claude” presenta un exhaustivo territorio de conceptos e imágenes fundamentales para apreciar el arte de la segunda mitad del siglo XX. La apropiación del espacio público, empaquetando monumentos, transformando el espacio natural con sus intervenciones, nos acerca a una de las tendencias más relevantes de la práctica artística.

El monumento al rey de Italia Vittorio Emanuele II, en la Piazza del Duomo, y el monumento a Leonardo da Vinci, en la Piazza della Scala, envueltos con tela de polipropileno y cuerda de polipropileno roja, otoño de 1970, Milán, Italia

El conjunto conforma una nueva e inédita mirada sobre el paisaje y el arte más actual. Desde sus comienzos en 1958 con las primeras propuestas de intervención y evolucionando hacia proyectos a gran escala pública -cuya finalidad es el arte mismo, en palabras de los artistas- la retrospectiva reúne las obras tempranas, denominadas Early Works y llega hasta sus últimos proyectos. El conjunto de fotografías documentales y la presencia de los artistas durante la realización de sus intervenciones en una selección de documentales aporta a la muestra un extenso y profundo panorama.

Valley Curtain, Project for Colorado, 1970

"¡Cómo ha evolucionado la carrera artística de Christo en los años recientes! El empaquetador de objetos hoy se dedica a monumentos y sitios de la naturaleza. Estamos en 1971, y piensa tapar todo un valle del estado de Colorado con una gigantesca cortina anaranjada, una inmensa lona que un equipo de obreros está instalando bajo la dirección del artista."  Jorge Helft, fragmento.

La presencia de Christo y Jeanne-Claude en nuestro país, se conoce ya en los años del Di Tella cuando el crítico Pierre Restany, invitado a participar como jurado del premio de 1964 y asiduo visitante de Buenos Aires y Montevideo, expone acerca de las nuevas tendencias del arte de ese período entre las que se circunscribía el Nuevo Realismo del que formaban parte ambos artistas.

The Gates, Project for Central Park, NYC, 2004. 
Collage in 2 parts. Pencil, fabric, charcoal, wax crayon, pastel, enamel paint, fabric sample and aerial photograph. 77,5 x 30,5 cm and 77,5 x 66,7 cm. Part of The Gates Documentation Exhibition Estate of Christo V. Javacheff

En abril de 1995, el antecedente principal de la presencia de los artistas en Argentina tuvo lugar en la galería Federico Jorge Klemm de Buenos Aires, que realizó la primera exposición de Christo y Jeanne-Claude con 26 obras entre proyectos, dibujos, fotografías de registro y litografías intervenidas. Algunas de ellas, pertenecientes a la Colección Klemm, están incluidas.

El criterio de selección de la curadora Lorenza Giovanelli, responde a la voluntad de reflejar las distintas etapas de la vida artística de Christo y Jeanne-Claude a partir de una serie de documentos que resulten representativos de la magnitud de sus instalaciones, para los visitantes de Sudamérica.

Christo y Jeanne-Claude está organizada por Fundación Proa con la colaboración del Estate of Christo V. Javacheff y el Museo de Arte Contemporáneo Atchugarry de Punta del Este y cuenta con el auspicio de Tenaris - Ternium.

Christo and Jeanne-Claude at Running Fence, California, 1976 Ph Wolfgang Volz

"En su colaboración artística con su esposa y socia de toda la vida, Jeanne-Claude -que comenzó en 1961 y fue oficialmente anunciada en 1994, cambiando los roles cliché de una escena de arte todavía conservadora y algo chauvinista-, Christo desarrolló proyectos monumentales y temporarios sobre un nuevo modelo de sistema de autofinanciación libre y abierto al público, que les mereció a ambos (Christo y Jeanne-Claude) un lugar único en la historia del arte" expresa Lorenza Giovanelli, curadora de la exhibición.

Y mas adelante agrega: "La apropiación y manipulación de los objetos de la vida diaria se convirtió pronto en su principal interés, al punto de ser una obsesión. Su enfoque era absolutamente radical. Estaba más preocupado por la textura y la forma que por el contenido. Si bien estaban escondidos en el envoltorio, como si estuvieran protegidos por una segunda piel, estos objetos eran reinstalados, como suspendidos de sus deberes sin evitar el statu quo previo a la acción artística, guiado a un estado de transición nómade, que se convertiría en la quintaesencia de sus proyectos a gran escala."

24 de mayo de 2022

"Camila saldrá esta noche " de la directora cordobesa Inés Barrionuevo se estrena el jueves 26 de mayo en las salas argentinas

Tras su premiere mundial en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y luego de haber recorrido numerosos festivales internacionales, “Camila saldrá esta noche”, cuarto film de la directora cordobesa Inés Barrionuevo, llega a las salas argentinas en mayo.

 La película, protagonizada por la joven debutante Nina Dziembrowski, relata el proceso de maduración y empoderamiento de Camilia y es a la vez un relato íntimo de la vida de las adolescentes. La búsqueda de la propia identidad, la diversidad de identidad de género, el abuso, la construcción de la propia tribu y la sororidad son algunos de los temas que transita.


Listado completo de salas
 
• Cine Gaumont
• Hoyts Puerto Madero
• Atlas Caballito
• Hoyts Unicenter
• Hoyts Quilmes
• Showcase Norte
• Showcase Haedo
• Cinépolis Avellaneda
• Cinépolis Mendoza
• Showcase Rosario
• Espacio INCAA Cine Teatro Victoria – Entre Ríos
• Espacio INCAA Sala Orán - Salta
• Espacio INCAA C. C. Cotesma, San Martin de los Andes - Neuquén
• Espacio INCAA Cine Teatro Español, Cinco Saltos - Rio Negro
 
Sinopsis

Camila se ve obligada a mudarse a Buenos Aires cuando su abuela enferma gravemente. Deja atrás a sus amigos y una escuela secundaria pública liberal por una institución privada tradicional. El temperamento feroz pero prematuro de Camila se pone a prueba.

Ficha Técnica

Nombre original: Camila saldrá esta noche
Título en inglés: Camila comes out tonight
Duración: 103 min.
Idioma: Español / Inglés
Color
Países: Argentina
Calificación: SAM 13 con reservas

Con: Nina Dziembrowski, Maite Valero, Adriana Ferrer, Carolina Rojas, Guillermo Pfening, Diego Sánchez, Federico Sack, Laura Daniela Visconti.

Nacida en la ciudad de Córdoba, Argentina, Inés Barrionuevo, es una directora, guionista y productora de 39 años. Dirigió cortometrajes, documentales y tres largometrajes. Su primer cortometraje “La quietud” fue parte de la Competencia Oficial en Locarno. Su primer largometraje “Atlantida” se estrenó en el Festival de Cine de Berlín 2014, luego su segunda película “Julia y el zorro” se estrenó en la Competencia de Nuevos Directores en el Festival de San Sebastián en 2018. Su tercer largometraje “Las Motitos” se estrenó en el festival de cine de Mar del plata 2020. Su última película "Camila saldrá esta noche" forma parte de la Sección Oficial del 69 Festival Internacional de cine de San Sebastián.

 Inés Barrionuevo

Sobre El Proyecto


Camila saldrá esta noche es una película que comenzó a filmarse en febrero del 2020. Nos agarró el fatídico marzo de ese año en el medio del rodaje y tuvimos que terminar de filmar la película casi un año después. Más allá de los conflictos que esto generó (continuidad de los actores por ejemplo) sirvió para repensar lo que faltaba por filmar y empezar montar un esqueleto de la película.  Reescribimos las escenas en medio de una cuarentena obligatoria y yo empecé un montaje para luego continuarlo post rodaje. Esto fué algo único. Lo que parecía una desgracia del destino en algún punto se volvió una potencia para dejar macerar la película en un extraño proceso. Rara vez una tiene la posibilidad de cortar un rodaje, pensar y seguir filmando.
 


Con la directora de fotografía Costanza Sandoval fue la primera vez que trabajamos juntas y nos entendimos perfectamente desde el primer minuto. Trabajamos junto a María Eugenia Sueiro en la dirección de arte reflexionando sobre bloques de color y texturas. Cómo era el mundo del colegio y como era el mundo de afuera, el de una posible libertad. Todo en un gama de azules celestes y grises en una monotonía de lo que significa para Camila la entrada a este nuevo mundo institucional. Como contraste el mundo de la fiesta con colores que aparecen en el vestuario la foto y el arte. Tratamos de plantear una cámara amable con los personajes, en búsqueda del rostro. Siempre acompañando a nuestra protagonista y su punto de vista. En este sentido hicimos un uso de ópticas bastante acotado, usando siempre los mismos lentes. Probando en qué personaje funcionaba mejor un lente o un tipo de encuadre y recogiendo siempre sus miradas.
 


En el casting trabajamos primero en la búsqueda de la protagonista, ella nos indicaría el camino de cómo armar su familia sus amigos, sus antagonistas y sus intereses sensuales y románticos. Cuando encontramos a Nina Ziembrowsky ya pudimos armar todo el resto de personajes que no eran pocos. Trabajamos fuertemente en los vínculos entre ellos para que cuando se mirase la película fuese tan natural como ver una familia o un grupo de amigues de siempre. Tuvimos un tiempo considerable de ensayos para poder armar estos vínculos. Siempre respetando el guión y lo que traía pero oyendo también lo que tenían para aportar los jóvenes en cómo se encaran algunas cosas desde  una mirada más fresca.

El proceso de montaje junto a Sebastian Shacjer fue de muchísima conversación. Es una película donde cada decisión se tomaba en base a posturas que tomamos nosotros frente al mundo que teníamos y cómo construimos el artificio pero sin dejar nunca de lado lo que pensara nuestro personaje. Cada cosa llevaba muchos cafés de por medio. El personaje de Camila nos dictaba lo que debíamos hacer en el montaje. Intentamos ir hilvanando estas secuencias para siempre seguir el transcurso emocional de la protagonista y que nunca eso te abandone en el transcurrir de la película. Fue un trabajo de muchísima búsqueda pero también de mucha gratificación. Hay algo que decanta cuando una escena esta armada y que casi no se puede explicar y es parte del pulso general de la película”. (Inés Barrionuevo)