24 de abril de 2019

Cabinet Óseo presenta "Reinos" en el Museo de Arte Decorativo


La escultora Celina Saubidet y la diseñadora industrial Marina Molinelli Wells se unen en Cabinet Óseo, un desarrollo artístico originado en el interés de ambas por las ciencias naturales, el arte y la espacialidad. Siendo ambas hijas de médicos, el vínculo de la infancia con la anatomía regresa de forma lúdica expresando la madurez de las artistas.
Desde el comienzo en 2004 investigan la anatomía humana, visibilizando su interior, rematerializándolo en joyas, esculturas e instalaciones de pequeño y gran formato. Las artistas investigan la anatomía humana y de la naturaleza para hacer visible lo invisible. 
Huesos, órganos, piel y fluídos cobran forma en materiales nobles, irresistibles al tacto, suaves y con brillo, conformando piezas fuertes que, paradójicamente, cristalizan la fragilidad del cuerpo efímero.

Niña trepando una "Crisálida"
Actualmente está exhibiendo "Reinos" en el Museo de Arte Decorativo. En esta muestra se presentan sus últimas investigaciones desplegada en cuatro espacios del Museo. Hiladas por esa mirada que abstrae, poetiza y transfigura las formas como quien intenta descifrar un idioma que nos hable en común y nos reconecte con un todo.

Niño en el interior de una "Crisálida"
"El amor infinito por las formas y procesos de la naturaleza ha unido a Celina Saubidet y Marina Molinelli Wells en un tercer ente que las trasciende y que es mucho más que la suma de las partes: Cabinet Óseo. Ambas hijas de médicos, artista y escultora una, diseñadora industrial la otra, potencian su visión y desarrollan desde pequeños objetos y joyas hasta esculturas e instalaciones de grandes dimensiones. 

(…) A Cabinet le interesa de la naturaleza lo que no está al alcance del ojo humano, no solamente en términos de su capacidad física, sino aquello que para las consideraciones de la cultura cotidiana es insignificante o desdeñable como la cáscara de maní o una ramita perdida en el jardín. Lo desoculta y le da carácter de objeto estético, lo convierte en joya, lo amplía en escultura o lo cristaliza en memoria eterna. Hace de las más modestas cosas un talismán para habitar, contemplar o portar. Y lo hace porque en ese repertorio de su interés lee una lengua común. Ese es el movimiento completo y es lo que nos ofrece como experiencia en esta exhibición. Para Cabinet Óseo la forma es un lenguaje." Silvia Gurfein


La muestra se puede visitar hasta el 12 de mayo en el Museo de Arte decorativo, Av. Libertador 1902, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.


Más de 8000 obras y proyectos se postularon en La Bienal 2019


El pasado 15 de marzo cerró la convocatoria dirigida a jóvenes de entre 18 y 32 años para La Bienal 2019. El volumen de inscripción de esta nueva edición supera en un 22% el de la edición anterior en la que se habían postulado 6600 obras y proyectos.

En relación a la inscripción por disciplina: visuales y literatura son las que registran mayor cantidad de postulaciones seguidas por música, escénicas y audiovisuales. En visuales 1447 jóvenes participan de la convocatoria artistas visuales y 560 en muestra individual. En literatura, 1090 escritores participan de la convocatoria cuento, 1402 de poesía y 420 de novela. En música se recibieron 522 postulaciones para producción de disco y 990 para bandas y solistas. En escénicas se recibieron 336 postulaciones para producción de obra escénica, 428 para creadores escénicos y 125 para teatro musical. Por último, en audiovisuales, 400 artistas participan de la convocatoria directores audiovisuales y 306 de experimentación audiovisual

Los primeros días de junio La Bienal anunciará públicamente quiénes serán los artistas y proyectos seleccionados que participarán y se producirán en esta edición. Todos ellos tendrán en agosto la posibilidad de acceder al Campus Bienal, compuesto por cinco programas intensivos de formación interdisciplinaria del que participan los bienalistas con diferentes creadores invitados. Paralelamente desde mediados de mayo hasta fines de agosto La Bienal acompañará a través de financiamiento y tutorías la producción de los 18 proyectos nuevos que verán la luz en septiembre: 4 muestras visuales, 5 obras escénicas, 3 discos, 3 proyectos audiovisuales y 3 novelas.

Entre el 25 al 29 de setiembre, a treinta años de la primera Bienal de Arte Joven,  el Centro Cultural Recoleta se convertirá en el espacio de exhibición en el que los artistas seleccionados en las cinco disciplinas compartirán sus creaciones con toda la ciudad.

23 de abril de 2019

La galería de arte Zurbarán está exhibiendo una muestra de pinturas de Juan Lascano


"Jazmín y Rosas", óleo sobre lienzo, 2019
 
"Juan Lascano es un artista que pinta a gran velocidad, pero curiosamente esta pintura fue realizado en diversas etapas porque al pintar únicamente del natural por momentos debe amoldarse a las condiciones climáticas. Para esta pintura el artista quería dar con la luz del sol que llagaba a madia mañana, por los que las jornadas se acotaban para realizarlo en ese momento del día.
Lo primero que nos llama la atención de la pintura es la modelo asomándose por una ventana, pero lo curioso es que todo lo que el artista nos muestra es una excusa para poder pintar las rosas. Lascano hacía tiempo las quería retratar, pero no quería pintarlas en soledad.
La modelo es la nieta de un vecino y fue ella quien sin proponérselo le puso nombre a la obra. La misma se titula "Jazmín y Rosas", serán ustedes quienes deduzcan el porqué."

La muestra se puede visitar de lunes a viernes de 10,30 a 21 hs. y los sábados de 10 a 13 hs. con entrada libre y gratuita en Cerrito 1522, Buenos Aires, Argentina.

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires invita a disfrutar de un recorrido a través del tiempo y del territorio argentino a través de las obras de casi cien artistas


Victoria Noorthoorn, directora del MAMBA, presenta la exhibición junto a los curadores del museo y artistas a la prensa
 
El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires inauguró la exposición "Una historia de la imaginación en la Argentina. Visiones de la pampa, el litoral y el altiplano desde el siglo XIX a la actualidad".

Esta es la primera exposición en el país realizada en colaboración con museos de seis provincias, con aportes de las más variadas colecciones de la Argentina. Curada por Javier Villa, curador senior del Museo, la exhibición recorre diversos motivos visuales que surgen en nuestra tierra y son, aún hoy, reelaborados a partir de un repertorio de formas, repeticiones y actualizaciones.

En la sala ampliada de la planta baja del Museo de Arte Moderno se presentan más de 250 obras realizadas por 97 artistas, que abarcan desde el siglo XVIII hasta la actualidad, provenientes de tres geografías distintas: la Pampa, el Litoral y el Noroeste argentinos. Sobre cada una de estas geografías se asientan tres ejes de investigación: la naturaleza, el cuerpo femenino y la violencia.

Enrique Policastro. Paisaje de la pampa, 1948, óleo sobre tela
Colección de Arte Banco Provincia 
 
El recorrido por la fantasía pampeana comienza con sus nocturnos; el misterio y sus formas imaginarias bañan la vastedad oscura del territorio. Durante el día, las sombras del ombú se esclarecen y su figura deviene monumento metafísico que rompe el vacío. La inmensidad sublime finalmente muta en un enorme cementerio, entre los huesos y la sangre de batallas y mataderos. En el litoral también domina la incidencia bélica, pero combinada con seres y relatos fantásticos que surgen de la mezcla de lo zoomorfo, lo fitomorfo, lo antropomorfo y lo topográfico. En el noroeste, la línea ya no representa un horizonte claro, sino que juega con el trazo, el color y la materia que deja la montaña en la retina. La línea se vuelve dibujo sintético sobre superficies duras y blandas, como una nueva encarnación de los mitos precolombinos y los relatos coloniales, que reaparecen como marcas de agua o estelas geológicas.

Julio Suárez Marzal. Centinela de piedra, 1942, óleo sobre tela
Colección Museo Benito Quinquela Martín
Desde el altiplano, la figura de la mujer baja transformada en piedra, como virgen de la montaña, para luego volver a la Pampa húmeda, donde hará referencia a la figura de la cautiva y sus reelaboraciones contemporáneas.
"Una historia de la imaginación en la Argentina" propone indagar sobre cómo perduran los cimientos sobre los que edificamos y demolemos la cultura y la política de nuestro país. También invita a preguntarnos qué nos pasa actualmente con conceptos como “tradición”, o cuál es la incidencia del arte en la historia nacional. ¿Se puede pensar en Prilidiano Pueyrredón, Cándido López o Eduardo Sívori como una tradición imaginativa que arrastramos, tributamos o desarmamos? O, más que una tradición de hombres-pintores de Buenos Aires, ¿se podría tejer un linaje de visualidades que surgen de la imaginación geográfica? “El pasado no se puede cambiar, pero la historia se puede imaginar y reformular para diseñar el futuro”, sostiene el curador, Javier Villa.

Prilidiano Pueyrredón. Tormenta en la pampa, c.1860, óleo sobre tela
Colección Museo Histórico Cornelio Saavedra 
La Pampa
Se ingresa a la Pampa a través del mar. La llanura es la continuación de la inmensidad y, por lo tanto, su principal analogía. Así la describe Esteban Echeverría en las primeras líneas de La cautiva: girar en vano y no poder fijar el vuelo fugaz de la mirada, como se pierde el vuelo de un pájaro sobre el mar.
El mar contemporáneo de Santiago de Paoli que inicia la exposición presenta, sin embargo, dos puntos de anclaje: la luna y el sol, que podrían ser símbolo  de lo femenino y lo masculino, como también de dos Pampas distintas. Por un lado, la Pampa plateada del nocturno, misteriosa, cargada de belleza pero también amenazante, creadora de formas nuevas y fantásticas a partir de aquello que no es visible a simple vista. Por el otro, la llanura dorada del sol abrasador, que se inicia con las pampas vacías de tres pintores históricos de este paisaje: Prilidiano Pueyrredón, Eduardo Sívori y Martín Malharro. Aquello que fosforecía durante la noche se vuelve hueso durante el día y la sombra, que en la oscuridad era monstruosa y acechante, es un ombú que refugia y alivia. Éste se erige en el llano como personaje protagónico de la imaginación: es el lugar del alto, de la payada y sus relatos, de la siesta y sus sueños.
Desde el ombú de Pueyrredón hasta la figura orgánica y tajeada de Fernanda Laguna, el personaje va hilvanando un linaje formal, transformándose a lo largo de las épocas.

Cesáreo Bernaldo de Quirós. Los degolladores, 1926, óleo sobre cartón
Colección privada
Matadero
Si el mar inicia la deriva del personaje de María en el poema La cautiva, el ombú la cierra como su cementerio. Es el lugar donde se sepulta la figura femenina, que fue protagonista simbólica de la ocupación y división geopolítica de una de las regiones más fértiles de la Tierra. En la Pampa del pajonal, de la laguna y de lo horizontal, se eleva la figura vertical del árbol, que posteriormente deviene monumento. Ese anclaje simbólico tendrá, a su vez, su contrapartida material en la carne, atravesada por la violencia y la política.
La violencia del territorio se construye a partir de la analogía entre lo humano y lo animal, relación que se entreteje en las pinturas históricas de Bernabé Demaría, o que puede leerse en las dos analogías cristianas de San Huberto y San Sebastián sobre la tortura humana y animal utilizadas por Santiago García Sáenz y Luis Benedit. La Pampa es un territorio lleno de mataderos y osamentas, que aparecen en forma velada en las iconografías indígenas dentro de la pintura de Vicente Grondona o se vuelven una representación más directa sobre la violencia de las guerras civiles, como se ve en los degolladores de Cesáreo Bernaldo de Quirós o en el empalamiento del Chacho Peñaloza de Pablo Suárez. El facón es también una joya, hecha con cuero de animal o plata labrada. Las analogías entre lo humano y lo animal, el arma y la joya, dialogan hasta llegar a la abstracción formal en las obras de esta sección.

Cándido López. Batalla de Yataytí Corá, 2 de julio de 1866, óleo sobre tela
Colección MNBA
 El litoral
Nos introducimos paulatinamente en el Litoral. El agua y la tierra comienzan a entremezclarse y la línea del horizonte ya no es tan aplastante, sino que juega y serpentea. La línea y los colores fluyen liberados para construir nuevas formas, como en las obras de Juan Grela y Aída Herrera, de María Laura Schiavoni y Claudia del Río. Son repetición y cambio, pasan de las curvas desbocadas a los planos dóciles; como el río, que no para, pero cambia de ritmo en su movimiento. Esa interconexión sin límites claros entre el agua y la tierra del paisaje litoraleño tiene su eco en cómo la figura humana, la flora y la fauna se entremezclan en las obras. Las distancias se acortan aún más al llegar a la selva misionera, donde ya casi no hay horizonte ni perspectiva que saquen a pasear la mirada.
 

Fermín Eguía. Colectiva y peces bajo el agua, 1996, óleo sobre tela
Colección arq. Laura Birger 
 
Bajo esta presencia fuerte del río y de la tierra, aparecen dos tendencias. En obras como las de Cándido López, Santiago García Sáenz, Juan Pablo Renzi o Eduardo Favario, por un lado, la naturaleza se relaciona con una violencia social o política, directa o latente. Por el otro, cierta agresividad latente puede adquirir formas fantásticas, como en las obras de Leónidas Gambartes, Grela, Herrera, del Río, Fermín Eguía o Mauro Koliva. Tanto la selva que ofrece una inmersión fantástica, como la que despliega un escenario social y natural se combinan en la pintura que Florencia Bohtlingk desarrolló especialmente para la exposición, donde migraciones humanas contemporáneas emergen de las entrañas de la foresta. Son familias que bajan de Paraguay o de Brasil, serpenteando alrededor de hojas, loros y monos, como si fuesen un río humano que copia el color rojo de la tierra.

María Martorell. Roo Azul II, 1976, óleo sobre cartón
Colección familia Martorell 
El Noroeste
A partir de la figura de la montaña, ineludible en el noroeste argentino, aparece una línea sintética que recuerda las iconografías precolombinas, traza paisajes y personajes, relata viejos mitos y construye nuevos. Es la línea rocosa de un color que se recorta sobre otro, o de un pico filoso y caprichoso que recorta el cielo. Es la línea que deja el agua al secarse o que existe hace milenios como marca geológica. A partir de la piedra y la tierra, tanto la materia como la técnica adquieren una presencia inevitable en esta zona. Las líneas de la montaña se vuelven olas abstractas en las obras de María Martorell, la piedra dura se convierte en un tapiz blando en la cordillera de Martha Forté o se vuelve maleable en las cabezas de Leonardo Iramain.
Entre los mitos relatados en esta parte de la exposición, se destaca el del Esteco, desarrollado en la obra de Guido Yannitto: una ciudad ostentosa arrasada por la ira de Dios -que se manifiesta en el terremoto y la inundación- y una mujer con su hijo en brazos, convertidos en piedra, que avanzan muy lentamente sobre la ciudad Salta, que será destruida ante su llegada. A partir de esta figura y la de la virgen de la montaña, la exposición retorna al cuerpo femenino y su relación con el territorio y la naturaleza.

La cautiva
Una historia de la imaginación en la Argentina finaliza su recorrido al retornar a la Pampa húmeda de la cautiva. La forma del cuerpo femenino comienza a liberarse en los dibujos de Raquel Forner y Elda Cerrato, asume figuras híbridas orgánicas e inorgánicas en los retratos de Ilse Fuskova y Liliana Maresca, para llegar a la actualidad como una imagen más allá de los géneros, que desarma definitivamente las formas heredadas en busca de nuevas visualidades. En la obra de Florencia Rodríguez Giles, la reunión de cuerpos andróginos en el humedal invierte la construcción de “orden restituido” que nos había legado La cautiva, para volver a la bacanal como escena originaria de un nuevo “nosotros”, escribe Javier Villa. Y continúa: “Desde este espacio imaginario podrían surgir nuevas formas de pensar la comunidad y la política”.

Raquel Forner. La torre de Babel, 1947, óleo sobre tela
colección Fundación Forner-Bigatti
Artistas participantes:
Roberto Aizenberg, Nicanor Aráoz, Juan Batlle Planas, Eugenia Belin Sarmiento, Luis Benedit, Cesáreo Bernaldo De Quirós, Antonio Berni, Martín Blaszko, Florencia Bohtlingk, Jules Boilly, Fernando Brambila, Mildred Burton, Horacio Butler, Eudoro Carrasco, Juan Carlos Castagnino, Elda Cerrato, Gertrudis Chale, Laura Códega, Nora Correas, Adolfo D´Hastrel, Enrique De Larrañaga, Walter De Navazio, Santiago De Paoli, Claudia Del Río, Bernabé Demaría, Josefa Díaz y Clucellas, Diana Dowek, Matías Duville, Fermín Eguía, Franco Fasoli, Eduardo Favario, Augusto Ferrari, Raquel Forner, Marta Forté, Ilse Fusková, Leónidas Gambartes, Carlos Luis "Pajita" García Bes, Santiago García Sáenz, Carlos Gualberto Giambiagi, Max Gómez Canle, Modesto  González,  Alfredo  Gramajo  Gutiérrez,  Juan  Grela,  Denise  Groesman,


Liliana Maresca. Sin título Liliana Maresca con su obra, fotografía de Marcos López, 1983, fotoperformance. Archivo Liliana Maresca
Vicente Grondona, Carla Grunauer, Aid Herrera, Carlos Herrera, Carlos Huffmann, Leonardo Iramain, Mauro Koliva, Fernanda Laguna, Luciana Lamothe, Daniel Leber, Alfredo Londaibere, Cándido López, Adrienne Macaire, Franco Mala, Martín Malharro, Calixto Mamani, Liliana Maresca, Lula Mari, María Martorell, Mónica Millán, Adriana Minoliti, Sasha Minovich, Catalina Mórtola, Manuel J. Olascoaga, Adolfo Ollavaca, Luis Ouvrard, Jean León Pallière, Fátima Pecci Carou, Máximo Pedraza, Emilio Pettoruti, Enrique Policastro, Marcelo Pombo, Prilidiano Pueyrredón, Roxana Ramos, Juan Pablo Renzi, Florencia Rodríguez Giles, Francisco Salamone, Elsa Salfity, Daniel Santoro, María Laura Schiavoni, FranciscoSilva, Eduardo Sívori, Antonio Somellera, Grete Stern, Pablo Suárez, Julio Suárez Marzal, Ricardo Supisiche, Julián Terán, Sotera Fernanda Terry, José Antonio Terry, Willems, Alejandro Xul Solar, Guido Yannitto.

Daniel Santoro. Victoria Ocampo observa la vuelta del malón, 2011, óleo sobre tela. Colección Jozami 
 
La exposición está acompañada por un ambicioso catálogo con textos curatoriales de Javier Villa e imágenes de las obras exhibidas. Asímismo, incluye un texto de Alejandra Laera, quien participó como colaboradora en la investigación, y una antología de textos literarios del período de la exposición realizada por la autora, que abarcan desde Esteban Echeverría a Gabriela Cabezón Cámara, entre muchos otros.

Esta exposición permanecerá hasta el 27 de octubre de 2019 y se puede visitar los días lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 hs. y los sábados, domingos y feriados de 11 a 20 hs. en Avenida San Juan 350, Buenos Aires, Argentina. Martes cerrado. Entrada general: $50.

22 de abril de 2019

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presenta la exposición "Clara Esborraz. La hora rota"



El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires exhibe hasta el 27 de octubre la exposición "Clara Esborraz. La hora rota".
Esta es la primera exposición en un museo de la joven artista argentina Clara Esborraz (Rafaela, Santa Fe, 1991) y fue realizada con la curaduría de Marcos Kramer, curador del Museo de Arte Moderno. "La hora rota" está integrada por un conjunto de dibujos creados específicamente para esta exhibición, que ocupa la sala de proyectos especiales del museo.
 

Producidos con materiales de uso común, como son la birome y el papel más corriente, los dibujos de Clara Esborraz presentan una serie de situaciones plagadas de objetos y espacios cotidianos que lentamente se abren a la fantasía surreal. Sus imágenes deforman la realidad, la llevan a situaciones irracionales donde un diente o una pava lloran, o donde un telón transpira. Así, crean un espacio nuevo entre los objetos domésticos reales y sus acciones imaginarias, entre la particularidad de su carácter hogareño y la amplitud de los sentimientos que comunican. “En ese camino, cada dibujo atraviesa simultáneamente el humor, la seriedad y la crisis”, sostiene Marcos Kramer.
 
Tales estadios emocionales se ofrecen en las imágenes en la forma de una convivencia caótica, haciendo complejo el ejercicio de diferenciar un dibujo del otro. Por esa razón, las escenas narradas por la artista están suspendidas en una tensión constante que demuestra la fragilidad que amenaza la calma de la vida cotidiana. Como afirma el curador, “con sus dibujos, la artista logra exorcizar esos peligros línea tras línea, color sobre color, creando composiciones contundentes que son como pequeños orificios a través de los cuales espiar la espesura de los objetos y las circunstancias”.
 

Cada papel tiene marcas de la fuerza de su trazo, las irregularidades y la debilidad de las superficies trabajadas con insistencia. Y en la propia acción de dibujar, cuando Clara Esborraz pasa una y otra vez sus lapiceras sobre el papel, la superficie plana y pulcra se va rayando y abollando mientras despliega emociones. Los papeles se agotan y deforman como los personajes que los habitan.
La exposición estará acompañada por un catálogo con textos de Marcos Kramer y una selección de obras de la artista que se podrá consultar y adquirir en la tienda del museo.

"Malbec. El Batacazo" solo-show artworks de Jorge Martorell en New York


En el Consulado General de Argentina en New York se está presentando durante todo el mes de abril 2019, el solo-show de Jorge Martorell "Malbec. El Batacazo", muestra de arte que acompaña la celebración de nuestra bebida nacional, en el marco del "Malbec World Day 2019" que tuvo un especial vernissage el 17 de abril. 
La muestra cuenta con el apoyo oficial del INPROTUR Instituto Nacional de Promoción Turística de Argentina, a través de Mercedes Blasi.
  
La exposición se abrió al público el pasado 3 de abril con una gran concurrencia internacional y acompañando la agenda cultural del Cosulado, como conciertos, el 20º aniversario del Havana Film Festival en New York y otros notables eventos programados especialmente para la comunidad latinoamericana residente en New York.
 
En la Sala Galería se pueden ver afiches callejeros de street art montados sobre rezagos de papelería urbana porteña, con frases sobre el vino de grandes personajes de la historia universal. Así también banderas argentinas intervenidas con vino malbec, una de ellas réplica de la bandera de Plaza de Mayo (de 5 x 8 m), con los soles de mayo pintados a mano en pintura de oro iridiscente líquido. En la Sala Biblioteca, Martorell realizó tapices de pared teñidos y sublimados con vino malbec que repasan el tango, los líquidos y los vidrios, en un perfecto maridaje bien argentino. 
 
Con muy buenas críticas y público asistente, "El Batacazo" de Martorell está dejando su huella en New York.

19 de abril de 2019

Se eligieron los finalistas del concurso "Mi oficio, mi historia"


En la República Argentina existen oficios creativos de calidad que requieren habilidades de alto nivel, excelencia en sus conocimientos y prácticas especiales que son parte de su patrimonio cultural. Es por ello que el Comité Colbert (Francia), la UNESCO, el Sistema Federal de Medios y Contenidos Públicos y el Programa Artesanado Argentino de la Vicepresidencia se unieron para dignificar los oficios de excelencia y sensibilizar sobre sus oportunidades laborales y reconocimiento social.   

El concurso “Mi Oficio. Mi Historia” fue una invitación para creadores artesanales de excelencia tuvieran la oportunidad de transmitir su pasión por el oficio, mostrando el trabajo que desarrollan en su ámbito y contando las razones por las que lo disfrutan y de qué manera este oficio es relevante tanto a nivel local como a nivel internacional.

Se recibieron 100 postulaciones de todo el país, representando oficios tan diversos como el telar, la luthería, el tallado en madera, la orfebrería, el fileteado, el dibujo y el diseño textil. Luego de un exhaustivo trabajo por parte de los miembros del jurado, se estableció la lista de los cinco finalistas:

o   Paulina Francisca Canavides (telar, 36 años, Salta)
o   Pablo Lavezzari (construcción de autómatas, 52 años, Córdoba)
o   Ramón Abelino Gutiérrez (tejido en vicuña, colectivo Laguna Blanca, Catamarca)
o   Hernán Nicolás Jesús Costa (lutería, 31 años, Buenos Aires)
o   Nikole Tursi (sombrerería, 32 años, Buenos Aires).

Las historias de estos cinco artesanos se tomarán como base para la producción de micros de TV con la producción del Canal Encuentro y la Televisión Pública Argentina.

El concurso culminará en junio con la entrega de los Premios Colbert Argentina. Quienes obtengan los dos primeros premios se beneficiarán de un premio monetario y el ganador del Premio Colbert Argentina viajará a Francia para participar de un encuentro en una de las casas miembro del Comité Colbert que esté vinculada a su oficio.

15 de abril de 2019

El Cultural San Martín presenta los 20 proyectos seleccionados e inaugura la primera serie de muestras correspondiente a los espacios de Gigantogalería, entrepiso, entresuelo, sala vertical y el hall de la sala AB


El Cultural San Martín anunciará los 20 proyectos seleccionados para exponer durante el 2019 y se realizará la inauguración de las primeras muestras correspondiente a los espacios de Gigantogalería, Entrepiso, Entresuelo, Sala Vertical y el Hall de la Sala AB.
Durante el periodo de convocatoria se recibieron más de 500 proyectos los cuales fueron evaluados por el comité de selección integrado por Patricia Rizzo, Adriana Lauria y Mariano Soto, curador general de artes visuales del Cultural.
Este año se lanzó un nuevo programa “Desarrollo de obra in situ” en el que se seleccionaron proyectos para obra de sitio específico o de “work in progress” (procesos de trabajo), que serán desarrollados en los espacios del Cultural con supervisión curatorial de la institución, y en los que, además, el trabajo de pre-producción, producción y montaje de la obra se lleva a cabo en equipo: el artista seleccionado junto con el equipo de producción y montaje del Cultural utilizando el espacio de trabajo institucional, como talleres y espacios de exposición. 
“Línea de tiempo” es la primera muestra seleccionada por el programa “Desarrollo de obra in situ” una instalación de sitio específico pensada por Rita Simoni para la Sala Vertical, en la que el espectador podrá ir al futuro o al pasado o quedarse en el presente. ¿Qué futuro, si lo hay, nos depara nuestra presencia como especie? Estas y otras preguntas y asociaciones podría hacerse un espectador activo, que se tiente a sentarse y estar, suba y baje las escaleras de la sala para ver qué hay más allá.
En el espacio Gigantogalería Marina Fernández Quiroga presenta “Desfasajes”, esta obra  surge del encuentro casual con diapositivas de una familia desconocida, que son proyectadas en formato de mural y que apela a la nostalgia construida a través de modalidades que ya no existen: la fotografía mural o el autocine que generan sentimientos de nostalgia y memoria.
María de la Vega con su serie “Refugios y Deseos” en Entresuelo, recrea a través de un cuerpo de obra formado por pintura y objetos lumínicos un laboratorio, ensayando y cuestionando la apertura a un cambio de paradigmas con respecto a las necesidades sociales y también personales del hombre en momentos de crisis.
La obra “Incidencia” de Walter Barrios en el Entrepiso es una intervención en el ventanal con material traslúcido que asegura los juegos lumínicos propios de un vitraux, el cambio de color de luz en el interior, que al filtrarse los rayos se proyectan sobre un piso blanco para generar mayor luminosidad.
El Archivo de la Memoria Trans presenta “Retratos y Carnavales” en el espacio Hall de la sala ABl, la muestra consiste en retratos de época durante los carnavales, además de ser un festejo anual era el  acontecimiento más esperado del año por ser uno de los únicos momentos de libertad, sin persecución policial y sin el juzgamiento de la sociedad. AMT ( Archivo de la Memoria Trans) se expresa como una práctica que establece la posibilidad de construir un territorio fértil donde plantear el debate sobre nuevas configuraciones de narración.  El equipo de trabajo está conformado por María Belén Correa, Magalí Muñiz, Carla Pericles, Ornella Vega, Carlos Ibarra, Cecilia Estalles, Florencia Aletta, y Cecilia Saurí. 
 
El Cultural San Martín se puede visitar, con entrada libre y gratuita, de martes a domingos de 15 a 21 hs. en Sarmiento 1551, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Mundo Nuevo gallery art presenta a Roger Mantegani con su "Obra reciente"


Mundo Nuevo gallery art está presentando una gran exposición de Roger Mantegani, tal como él la quiso nombrar, la misma es de “obra reciente”. Telas y papeles de grandes y pequeñas dimensiones, atravesadas por trazos monocromáticos en su mayoría. Si hay algo que caracteriza la obra es que en todas hay personajes reunidos, que parecen mirar, observar, pensar, que aparecen y desaparecen entre fuertes trazos y líneas que dan ritmo a la imagen.


“Con una sólida formación académica y técnica, Roger Mantegani es en rigor un pintor. El artista decide, en tiempos de contemporaneidad, desarrollar su obra a través de la práctica pictórica e indagar las múltiples e inagotables posibilidades que ofrece este campo y disciplina del arte. 
 
Su obra se desdobla en la pulsión entre figuración y abstracción y en la tensión entre realidad y ficción. Si algo caracteriza la obra de Roger Mantegani, en todas sus facetas y etapas, es su gran fuerza narrativa. Las imágenes de sus pinturas nos sumergen a complejos, impolutos o fragmentados escenarios habitados por personajes casi espectrales que nos observan, interrogan e inquietan.
El preciosismo y la notable destreza técnica, presentan relatos detallados con minuciosidad, en donde la elección del claro-oscuro nos conduce al sopor de atmósferas y a una realidad que se torna aparente y dudosa.
Las imágenes de Mantegani en su ficción o en su realidad, en su abstracción o figuración incitan al espectador a la introspección y al pensamiento que surge de la siempre intensa experiencia de la contemplación.” Luz Novillo Corvalán

Roger Mantegani nació el 20 de septiembre de 1957 en la ciudad de Córdoba, República Argentina. Obtuvo su formación académica en la Escuela Provincial de Bellas Artes Dr. Figueroa Alcorta, egresando con el título de maestro de artes plásticas. 
En 1981 viaja a París para estudiar un año con el profesor Lucio Loubet. Desde entonces ha expuesto en numerosas instituciones oficiales y culturales, así como en galerías privadas en Argentina, México, Venezuela, Estados Unidos, etc.. 

En el año 1980 obtuvo el Primer Premio del Salón de Pintura “Historiando Córdoba”. Dos años más tarde, fue merecedor de los más altos galardones en el Salón Banco Social de Córdoba, en el Salón Dr. Genaro Pérez y en la Fundación Pro Arte de Córdoba. En el año 1983 se presentó al Salón Nacional de Tucumán y obtiuvo el Tercer Premio. Dos años más tarde, recibió la Primera Mención en el Salón del  Honorable Senado de la Provincia de Córdoba.
 
 En 1986 recibió el Primer Premio en el Salón “Ciudad de Córdoba”, siendo también distinguido con el Primer Premio en la Bienal M. Chandon en 1989 y en el Salón Nacional de 1990.
Sus obras forman parte de diversas colecciones públicas y privadas. Varias de sus piezas han sido subastadas en las reconocidas firmas Sotheby’s y Christie’s de Nueva York. Actualmente vive y reside en la ciudad de Buenos Aires, Argentina.

 La exhibición se puede visitar hasta el 30 de abril, de lunes a viernes de 12 a 19.30 hs. en Callao 1868, Buenos Aires, Argentina.

El FNA entregó los premios del Concurso de Arte y Transformación Social


El Fondo Nacional de las Artes (FNA) entregó los premios de su Concurso de Arte y Transformación Social 2018, que repartió $1.300.000 a trece iniciativas de todo el país que trabajan en la intersección del arte con los procesos de transformación social.

"En el FNA nos parece muy importante alentar a las organizaciones de todo el país que buscan impactar de manera positiva en las comunidades mediante el arte. Sabemos que la expresión artística es, en muchos casos, una forma clave para transformar realidad", explicó en el acto Mariano Roca, presidente del organismo.

En esta edición, el Concurso -con el apoyo de CEDA Washington y Sedronar que otorgaron dos premios cada uno- reconoció proyectos cuyo eje es la  niñez, la juventud y los adultos mayores, tres universos etarios que requieren un acompañamiento especial.

Desde una biblioteca especializada en primera infancia en Resistencia, Chaco, pasando por un proyecto de intervención de tanques de agua en Santiago del Estero, hasta  un proyecto documental y pedagógico sobre fiestas en clubes de Bahía Blanca, estas son algunas de las iniciativas premiadas.

“El derecho humano al agua es una obviedad para quienes lo han conquistado”, señala María Santucho del Colectivo Cultural Chicho sobre el proyecto ganador “Pintura al agua”, que planea pintar cisternas de agua con tecnología del INTA instaladas en las zonas más áridas y pobres de Santiago del Estero. “Proponemos lograr, mediante la intervención artística, espacios de solidaridad y de encuentro, para visibilizar la problemática y también la solución tecnológica comunitaria implementada”.

"En Biblionidos, creemos que la narración tienen un rol protagónico en la transmisión de la oralidad a los niños, desde sus mamás. Por eso vamos a propiciar espacios con la comunidad en centros comunitarios y jardines. La lectura y los niños van a ser nuestra brújula", explicó Andrea Álvarez Gamarra sobre la iniciativa ganadora de Chaco.

"Nuestro proyecto apunta a brindar herramientas audiovisuales, técnicas y teóricas, a lesbianas y personas trans para que puedan trabajar sobre los conflictos que viven", relataron a su turno Mariana Carmona Torregrosa y Victoria Glansman, del Laboratorio de Cine y Audiovisual Comunitario que organizan en la ciudad de Córdoba.

La selección estuvo a cargo de un jurado compuesto por Mario Roitter, Martín Giménez Rébora, Gabriela Hillar y María Crovetto, en la Línea Infancia; por Martín Gómez, Inés Vernengo, Pablo Dragotto y Diego Ruiz en la Línea Juventud, y por Paula Mascías, Alan Plummer y Miriam Campos, para la Línea Adultos Mayores.

Como en la edición anterior, el premio de Arte y Transformación social articula una red de ministerios y organismos públicos que apoyan la iniciativa y como parte de esto coordinó en  la tarde de hoy rondas de intercambio para generar sinergia con los representantes de proyectos ganadores y las instituciones

Además, en el marco de esta entrega de premios, el FNA organizó, por primera vez, un Seminario Internacional sobre la temática con participación de representantes de diez proyectos del Reino Unido auspiciados por el Arts Council, para  generar un cruce de aprendizaje entre las organizaciones premiadas provenientes de diferentes ciudades del país, representantes de las iniciativas de arte y comunidad inglesas interesadas en conocer las prácticas “artetransformadoras” de Argentina y organismos públicos locales.

"Con el Seminario, generamos un espacio de encuentro entre personas de distintos lugares de la Argentina, del exterior y con diferentes ideas. Esperemos que esto siempre pase en nuestro país ", señaló, por su parte, Inés Sanguinetti, directora de Arte y Transformación del FNA.

Los organismos que acompañan el Concurso de Arte y Transformación social son: Ministerio de Educación, Cultura, Ciencia y Tecnología; Ministerio de Producción y Trabajo; Ministerio de Seguridad; Ministerio de Salud y Desarrollo Social; Ministerio de Justicia y Derechos Humanos; Secretaría de Gobierno de Ambiente y Desarrollo Sustentable; Sistema Federal de Medios y Contenidos Públicos; SEDRONAR; Agencia Nacional de Discapacidad; ENACOM; UNICEF Argentina; y Fundación CEDA Washington. El Seminario también tiene el auspicio de British Council, Arts Council, Flacso, Instituto Franco Argentino, Embajada de Francia en la , Alianza Francesa en Buenos Aires y Diálogo Franco Argentino.

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presenta "Max Gómez Canle. El salón de los caprichos"


Victoria Noorthoorn, Max Gómez Canle y Carla Barbero 
 
El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presenta "Max Gómez Canle. El salón de los caprichos", primera exposición antológica de Max Gómez Canle en un museo, cuya obra es una referencia ineludible para la pintura contemporánea argentina. 
Con curaduría de Carla Barbero, curadora del MAMBA, El salón de los caprichos reúne veinte años de producción artística de Gómez Canle, con trabajos realizados entre 1999 y 2019.

La obra de este artista tiene como protagonista a la pintura, y desde allí ha desarrollado un método de trabajo e investigación sobre la historia del arte y de las imágenes que despliega en diversas experimentaciones materiales. Con una destreza técnica singular, su pintura investiga el potencial valor anacrónico de las imágenes y, en este sentido, la exhibición propone un recorrido lineal, aunque no cronológico, por la sala.


En El salón de los caprichos, nuevas imágenes de todos los tiempos giran alrededor del espacio y el recorrido aviva el encuentro entre la fuerza de la tradición pictórica occidental y la voracidad contemporánea. Paisajes clásicos de la pintura, en especial los flamencos, se combinan con estilos y técnicas diversas que incluyen expresiones geométricas argentinas hasta elementos de la cultura digital.

En la sala del segundo subsuelo del museo, se presentan las obras más importantes de Max Gómez Canle en una puesta que incluye dos producciones realizadas específicamente para la ocasión.
El renacimiento, el romanticismo, el barroco y el surrealismo metafísico son parte de una galería inagotable de imágenes que el artista recolecta a través de libros, catálogos e Internet. Esa galería se convierte en la fuente de la que extrae paisajes, temas y técnicas para revisar, copiar y pintar, e incluso para hacer diferentes versiones de sus obras. Ruinas, horizontes tormentosos, montañas, animales y personajes fantásticos son parte de su repertorio, que construye en una negociación permanente con el pasado.
 

En la exposición pueden verse obras de diversas series así como trabajos inéditos: desde sus primeras obras como Pampas (1999), unas pequeñas aguatintas que evocan la metafísica llanura argentina; Túnel (2007), donde el paisaje asoma a través de figuras geométricas vinculadas a la obra del artista concreto Raúl Lozza o Primera montaña (2001), en la que incorpora la cultura digital en personajes pixelados, hasta las torres que aparecen de manera recurrente en los más variados escenarios, celestiales y terrestres, que citan la obra de Roberto Aizenberg y que resuenan, de lejos, con la visión del arquitecto Francisco Salamone. También se incluyen piezas del proyecto “Amigos del siglo XX”, que desde los comienzos del 2000 comparte con María Guerrieri. Se trata de una colección realizada para la intimidad del hogar, obras de las vanguardias históricas que ambos copiaron a partir de reproducciones de catálogos de Lucio Fontana, Carlo Carrà y Félix Valloton, entre otros artistas. Algunas de estas piezas de la exposición, se amalgaman naturalmente con el resto de las obras, de modo que la condición de copia queda ligeramente velada.
 

De sus exploraciones materiales y espaciales, El salón de los caprichos comprende tanto sus obras en cobre, madera y bronce -con las que el artista refuerza la dimensión objetual de la pintura- sus trabajos en los que desarrolla superficies ornamentales como molduras, estantes y estructuras, lo que aporta al espacio características escenográficas. En este sentido, en sus obras más recientes, el artista entra en diálogo con la arquitectura apropiándose del volumen de las paredes para inventar nuevos planos, perforando o amplificando espacios, como en Esperando a Hitchcock (2018) y en otras donde sugiere leves superficies fantasmales, como en los cinco óleos sobre pared titulados Los fósiles (2019), presente en la antesala de la exposición.

Por último, la sala está atravesada por Capricho sudamericano, la instalación central realizada específicamente para esta ocasión: un gran panorama con un ecosistema fantástico donde conviven el día y la noche, las palmeras y los pinos, el desierto y la laguna.
 

“Así como un paisaje puede ser el telón de fondo para una ciudad y sus habitantes, esta exposición de Max Gómez Canle es el medio ambiente natural donde se cristaliza su deseo de conquistar el espacio y la forma a partir de una secuencia de encuentros afortunados”, sostiene la curadora Carla Barbero. 
 
Max Gómez Canle (Buenos Aires, 1972) estudió pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón desde principios de los años noventa. Su formación incluye la realización de trabajos de escenografía, carpintería y restauración, entre otros.  Expone sus obras periódicamente en el país desde el año 2001 y en San Pablo, Brasil, desde el año 2006. Sus pinturas fueron premiadas en el concurso 50° Aniversario del Fondo Nacional de las Artes (2008), en el certamen “10 años de Bola de Nieve” (2008) y en el LXI Salón Nacional de Rosario (2007). También obtuvo el Premio Ignacio Pirovano al Artista Joven (2007), otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte, y ganó los primeros premios de la Fundación Andreani (2013) y de la Fundación Federico Klemm (2014). Asimismo, obtuvo la beca arteBA-FLORA para realizar una residencia en Colombia.
 

En 2009 fue seleccionado para exhibir su obra en el proyecto Ventana, con el que cubrió la fachada del Edificio Del Plata, sobre la avenida 9 de Julio, en Buenos Aires. Entre sus numerosas exposiciones individuales en Buenos Aires, se destacan Condición y cabeza, en la Fundación Jorge Federico Klemm (2016), e Invasiones mutuas, en Ruth Benzacar Galería de Arte (2014). Entre sus exposiciones en el exterior, cabe destacar Fisonomía del tiempo, en Flora ars+natura, Bogotá (2014), y El devenir de una memoria, en Galería Casa Triángulo, San Pablo (2013).

La exposición se puede visitar hasta el lunes 11 de agosto inclusive.  
Además el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires exhibe las muestras: "Delia Cancela. Reina de corazones 1962-2018", "Mercedes Azpilicueta. Cuerpos Pájaros", "Nicolás Mastracchio~. Pulso" y "Una llamarada pertinaz. La intrépida marcha de la colección del Moderno".
Todas se pueden visitar en Avenida San Juan 350, los días lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 11 a 20 hs. Martes cerrado. Entrada general: $50. 
 

12 de abril de 2019

Se realizó la donación de “Alfabeto Lunar”, obra de Leandro Katz, a la Biblioteca Nacional Mariano Moreno


En el marco de la Semana del Arte organizada por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, se llevó a cabo la ceremonia de donación de la obra “Alfabeto Lunar” del artista argentino Leandro Katz a la Biblioteca Nacional Mariano Moreno.
 
"Alfabeto Lunar" de Leandro Katz fue realizada en septiembre de 2018 con motivo de Rayuela, la exposición de obra en espacios públicos curada por Cecilia Alemani en el marco de la Semana Art Basel Cities: Buenos Aires 2018 organizado conjuntamente entre el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y Art Basel.
 
Leandro Katz y su obra "Alfabeto Lunar"
 
La misma podrá seguir disfrutándose en el ingreso a la Biblioteca Nacional Mariano Moreno gracias a la cortesía de los coleccionistas Amalia Amoedo, Alec Oxenford, Lodovico Rocca, Érica Roberts del directorio de arteBA, Adriana Rocca, la galería de arte Henrique Faria Fine Art y otros donantes particulares.
 
“La magnífica obra de Leandro Katz se suma a la gran oferta de arte que tiene la Ciudad. Con la donación de Alfabeto Lunar a la explanada de la Biblioteca Nacional Mariano Moreno seguimos fomentando la cultura en el espacio público para seguir creando más y mejor acceso a la cultura”, destacó el ministro de cultura Enrique Avogadro, quien en el mismo acto hizo entrega al artista de la distinción de Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura porteña. Y le agradeció al artista por “honrar la escena artística de la ciudad. “Es un privilegio y un honor contar con esta obra”, aseguró.
 
De izquierda a derecha: Diego Radivoy, Manuela Hansen, Patrick Foret, Ezequiel Martinez, Josefína Piacenza, Alec Oxenford, Adriana Rocca, Leandro Katz, Sigismond de Vajay, Enrique Avogadro, Érica Roberts, Enrique Faria, Amalia Amoedo y Mauro Herlitzka 
 
Por su parte, Katz, reveló que eligió emplazar su obra en la puerta de la biblioteca como una “entrada al mundo de los libros”. Y visiblemente emocionado agradeció a todos los que hicieron posible la donación de la obra y especialmente a la Legislatura porteña y el ministro de cultura por la mención.  

“Que una obra de arte de esta importancia y belleza señale el ingreso a la Biblioteca Nacional, es una metáfora de que la cultura siempre nos lleva a lugares donde podemos sentirnos mejores personas. En 1969 el hombre pisó la Luna; hoy todos los que asistimos a la Biblioteca tenemos a nuestros pies veintisiete fases con las letras de nuestro alfabeto. Aquí se aúnan arte y libros, letras e imágenes, gracias a este maravilloso Alfabeto lunar de Leandro Katz”, expresó Ezequiel Martínez, en nombre de la directora de la Biblioteca Nacional Mariano Moreno, Elsa Barber.