24 de enero de 2020

Fundación Tres Pinos y Museo MARCO presentan la exposición "Venus Perversa" del artista Kenny Lemes


Kenny Lemes presenta su primera exposición individual que Museo MARCO produce para la sala principal de exhibiciones temporales MARCO Arte Foco en su sede del Paseo de las Artes.

En la exposición titulada "Venus Perversa" el artista cubano-argentino presenta una serie fotográfica en la que explora, deconstruye y trastoca ideales hegemónicos de belleza, amor y género proyectados a partir de la imagen de Venus, la diosa mitológica, que han sido transmitidos e impuestos por el arte y la religión durante siglos.

En palabras del artista acerca de esta serie: “Hay un lugar fronterizo en las sociedades, fértil y germinal, donde algunos grupos tiran de la idea de símismos  que llevan culturalmente pegoteada a sus cuerpos y la deforman, como una imagen impresa en un nylon que se estira, o un glitch en una computadora. Estas minorías nacen y se encuentran en los bordes de la hegemonía y pervierten la idea de cierta Venus original, la diosa de la belleza y del amor, de la naturaleza, madre de un Cupido ciego.
Construyen la imagen de una Venus impura y esa imagen arde ante quien los mira, se mueve en las pupilas encendidas como un fuego negro: proyectan oscuridad profunda con la misma intensidad con la que irradian enormes lenguas de luz. Se besan, se cortan, se tatúan los lugares vacíos de la piel con anglicismos y con cualquier referencia que los conmueva del caudal profuso que la invasión cultural les trae a los iPhones o a las computadoras. (…)
Es fácil tomarles fotos en fiestas, pero retratarlos en sus casas es un fenómeno especial y muy raro. Su intimidad es casi siempre igual de caótica que su reflejo viral: familia disfuncional, la oveja negra, el niño raro. El baño sucio, la cama nunca hecha, desesperanza e inestabilidad. Y aún así: apariciones hermosas, grandiosas. Espectáculo a pesar de todo. Construir belleza nueva a partir de la Venus rota parece ser un lugar de fortaleza: ignorar por un instante las flores, mirar el agua pútrida y hablar de las mil paletas de verde que las bacterias hacen vibrar dentro de los jarrones.”

Kenny Lemes. S/t, serie Venus perversa.
Fotografía digital sobre papel de algodón
Kenny Lemes nació en Cuba (1985) y reside en Buenos Aires desde los once años. Se formó en clínicas de arte y de forma autodidacta.
En 2013 fue finalista al Premio Bridgestone; en 2014 fue seleccionado en el Festival de la Luz; en 2015 fue seleccionado en el Salón Nacional, la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires, finalista del Premio de la Fundación Williams de Arte Joven, becado por el Fondo Nacional de las Artes y en Centro Cultural Haroldo Conti y 1er. accésit en el Concurso del Centro de Fotografía Contemporánea de Bilbao, España.
En 2016 recibió la Mención Honorífica Premio de Artes Visuales del Fondo Nacional de las Artes y en 2017 fue seleccionado en el Premio Federico Klemm y en el Premio UADE a las Artes Visuales.
En 2018 su proyecto de exposición fue seleccionado por el Centro Cultural San Martín (Gigantogalería) y fue seleccionado en el Premio a las Artes Visuales del Fondo Nacional de las Artes, mientras que en 2019 ganó una beca a la formación del Fondo Nacional de las Artes (para formarme en CIA, Centro de Investigaciones Artísticas a cargo de Roberto Jacoby).

La exhibición puede visitarse hasta el 15 de marzo de 2020, de jueves a sábados de 12 a 19 hs. en Av. Pedro de Mendoza y Wenceslao Villafañe, Paseo de las Artes, barrio de La Boca, Buenos Aires, Argentina.

BAAEX 2020, el Festival Cultural del Hipódromo de Palermo, lanzó una convocatoria de artistas que estará vigente hasta el 10 de febrero


El Hipódromo de Palermo en conjunto con el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, abre sus puertas a la segunda edición del festival cultural BAAEX, que se realizará del 17 al 19 de abril en el marco de la Semana del Arte y concentrará a todas las disciplinas artísticas que suelen presentarse en el icónico predio porteño: pinturas, esculturas, fotografías, música, danza, videoarte, bodypainting y performances, se exhibirán en lugares representativos del Hipódromo, tales como: Salón Turf, Salón Oval, Galería Especial, Gradería Oficial, Rabieta, Bagatelle y espacios al aire libre.

Después del éxito de su primera edición, BAAEX invita a descubrir nuevos espacios de exhibición y una notable selección de artistas contemporáneos, que acercarán a los visitantes una mirada plural y federal de las últimas tendencias, haciendo hincapié en la originalidad de artistas jóvenes provenientes de distintos puntos del país. Además, el festival eleva su propuesta cultural incorporando como Directora Artística a la reconocida curadora Cecilia Medina.

“La saturación visual a la que estamos expuestos a diario es alarmante, por ello considero fundamental contar con espacios donde la vista pueda descansar y, de cierto modo, resetearse antes de apreciar la siguiente obra. Al conocer el Hipódromo de Palermo tuve la sensación de estar en museos como el de Mitsubishi en Tokio, donde el visitante, entre sala y sala, recorre un pasillo que da al parque y permite reflexionar, descansar y estar listo para la próxima obra como si recién se hubiese llegado al museo. Es mi intención que quienes visiten el Hipódromo de Palermo durante la nueva edición de BAAEX, puedan disfrutar de esta inigualable experiencia de mirar el paisaje único mientras se recorren las muestras”, destaca Cecilia Medina.
 
Desde sus inicios, el hipódromo fue un lugar predilecto para el encuentro, siendo capaz de reunir a toda la sociedad porteña con sus actividades para toda la familia, espectáculos deportivos, shows musicales y ferias gastronómicas. La segunda edición de BAAEX retoma el espíritu de punto de encuentro convocando a un festival cultural donde el público accederá de forma libre y gratuita. 
 
Asimismo, invita a participar a todos los artistas cediendo los espacios del Hipódromo con el fin de potenciar la promoción de la cultura.
La convocatoria para exponer en el Salón Turf se encuentra abierta hasta el 10 de febrero y los artistas seleccionados se darán a conocer el 17 de febrero. Para participar, se deben solicitar las bases y condiciones haciendo click aquí.

La entrada es libre y gratuita y no se suspende por lluvia.

10 de enero de 2020

El espacio de arte de Fundación OSDE presenta “¿Sin color?”


Durante el mes de enero se exhibe en el espacio de arte de la Fundación OSDE: “¿Sin color?”, obras de la colección Fundación OSDE, con curaduría de Micalela Bianco. Se puede visitar en Arroyo 807, Buenos Aires, Argentina.
 

Hugo Aveta. Fotografía s/t, 2010
 
Artistas participantes: Hugo Aveta, Andrés Bancalari, Pablo Curuchet, Sara Facio, Carolina Furque, Eduardo Grossman, Eduardo Gualdoni, Pablo Guiot, Fabiana Ímola, Claudio Larrea, Florencia Levy, Antonio Martorell, Orlando Mayorga, Mariano Molina, Beatriz Moreiro, Horacio Paturlanne, Lisandro Pierotti, Gustavo Piñero, Gerardo Repetto, Anatole Saderman, Armando Sapia, Cristian Segura, Eduardo Stupía, José Luis Tuñón, Mariano Vilela, Martín Villalonga.

La muestra se acompaña por un texto de la curadora Micaela Bianco:

Un color que nadie mira es un color que no existe
Johann W. von Goethe
 

Mariano Vilela. S/t, 2006, grafito s/papel montado en aluminio
«Una serie de obras de la Colección de Fundación OSDE, ha sido seleccionada a partir de un denominador común: el uso de los colores blanco y negro.

Un color es un conjunto de símbolos y de convenciones. Tanto el blanco como el negro han sido considerados colores o no-colores en distintos momentos de la historia occidental. A su vez, el sistema cromático fue variando según la visión de la religión, la política, la ciencia, el arte, la psicología o la filosofía. ¿El color es onda o partícula? ¿Luz o materia?
 

Claudio Larrea. 2 fotografías s/t de la serie Una mirada acrítica, 2015
 
En 1704 Isaac Newton descubre, a través del método cienfífico la composición del espectro -violeta, índigo, azul, verde, amarillo, naranja y rojo- y excluye al negro y al blanco del sistema de colores. La luz blanca es la combinación de todos los colores de ese espectro, el negro la ausencia de luz. Y, a principios del siglo xix, el poeta, dramaturgo y filósofo Johann W. von Goethe publica su libro “Teoría del color” donde
pone en valor otros aspectos: el problema pictórico, el fenómeno físico, químico-fisiológico, y a su vez, la relación entre el aspecto material del color y la “naturaleza interior del hombre”.
 

Orlando Mayorga. Si entre ellos se pelean... , 2000,  tinta y grafito sobre papel
 
Durante los siglos siguientes perdura la oposición entre blanco y negro por un lado y el color, por el otro. Tanto el grabado como la difusión de la imprenta, en un principio, y el desarrrollo de la fotografía, el cine y la televisión, después, aportan a esta separación que la ciencia introduce a partir de los postulados de Newton.

Son los artistas de los siglos xx y xxi quienes otorgan al blanco y al negro todo su potencial y su realidad material: las pinturas negras y blancas de Kasimir Malévich o las producciones de la escuela de la Bauhaus, por mencionar sólo algunos ejemplos. De la misma manera, los textos de artistas argentinos contemporáneos escritos para esta exposición dan cuenta del fértil territorio que les brinda la exploración del negro y el blanco.
 

Eduardo Gualdoni
 
Asimismo, otro aspecto importante es la simbología que se le atribuye a todos los colores, y en particular al blanco y al negro. Como menciona el historiador Michel Pastoureau: “Transmiten códigos, tabúes y prejuicios a los que obedecemos sin ser conscientes de ello, poseen sentidos diversos que ejercen profunda incidencia en nuestro entorno, nuestras actitudes y comportamiento, nuestro lenguaje y nuestro imaginario."

A través de fotografías, grabados, pinturas, dibujos, objetos, esculturas -que sitúan al blanco y al negro en la contemporaneidad- y textos de sala -que historizan sobre estos dos colores- cabe preguntarse qué lugar ocuparon y ocupan el negro y el blanco, no solo en las artes visuales, sino también en las diversas producciones sociales a lo largo del tiempo.»

 

8 de enero de 2020

"Argentum Regina, la ciudad eterna" es la última muestra del fotógrafo argentino Claudio Larrea antes de volver a Barcelona


Luego de participar en mayo de este año en la Ópera de Estrasburgo (Francia), con la proyección de sus fotos como única escenografía en la ópera-tango "María de Buenos Aires" de Piazzolla/Ferrer y de exponer durante junio en el Centro Cultural San Martín, como finalista de la convocatoria de Artes Visuales, Claudio Larrea concluyó este año inaugurando la exposición "Argentum Regina, la ciudad eterna" a principios de diciembre en el MARQ Museo de Arquitectura y Diseño de la Sociedad Central de Arquitectos.
 

“El trabajo de Claudio Larrea indaga en un imaginario fantástico de Buenos Aires.
En este recorrido por un repertorio de sus imágenes nos devela una simbología de la arquitectura que decide registrar, su estructura física y metafísica. Espacio y tiempo adquieren en Claudio una valoración que concentra en la imagen de una Buenos Aires hodológica.
En este camino nos invita a habitar una arquitectura fantástica y maravillosa que celebra una Buenos Aires inmortal.
Nos propone un viaje por esta ciudad a través de su arquitectura.
¿Qué registra? ¿Cómo ordena los acontecimientos que allí suceden?
¿Cuáles son los recorridos, cuáles son las huellas que descifra, cuáles son sus mapas de la memoria?


En este repertorio, la organización del tiempo y sus claves espaciales son fundantes en la concepción de su imagen. Lugares de ciertas épocas y lugares en su devenir.
El territorio de Buenos Aires se presenta como una trama que teje diferentes tiempos y diferentes escalas; los tiempos del día, del año, de la vida, el tiempo interior y el tiempo colectivo; las escalas de la ciudad, los sitios y la morada; y nuestro cuerpo habitando estas fotografías como anclaje entre la dimensión espacial y la dimensión temporal.
Claudio introduce así distintos pares de relaciones: microcosmos y macrocosmos, sagrado y profano, multiplicidad y singularidad, devenir y muerte, sueño y realidad; y los redefine en la construcción de su imaginario urbano.
Así su mirada surge como Revelación y nos muestra un carácter mágico de la ciudad; una forma es inaugurada.
Nuestra ciudad de Buenos Aires de una imprecisa fecha es aquí centro del universo; y en su arquitectura se cifra la ceremonia de este viaje.” Victoria Baeza, directora del MARQ SCA.



Claudio Larrea nació en Buenos Aires, Argentina, en 1963.
Estudió periodismo e historia del arte en Buenos Aires y técnicas audiovisuales en Madrid. En 1986 comenzó su carrera profesional como director de arte en la producción de portadas y artículos para revistas: Rolling Stone, Playboy, Cosmopolitan. 

Paralelamente desde 1999 se desempeñó como director de arte en publicidad. 


A principios de 2001 se mudó a Barcelona (España), estableciendo su residencia allí durante nueve años. Durante ese tiempo trabajó como director de arte en publicidad y videoclips. 


En 2010, cuando regresó a Buenos Aires, comenzó una reconstrucción fotográfica de la ciudad, lo que lo llevó a desarrollar una visión personal de la arquitectura de Buenos Aires. 
Entre la geometría implícita de las formas y la obsesión por los detalles, su universo visual reinventa el pasado de una ciudad cosmopolita. Como resultado de esta búsqueda, presentó "El amante de Buenos Aires" y "República de Waires". 

En 2017, participó en la exposición "How to read Pato Pascual" (Pacific Standard Time-Getty Foundation de Los Ángeles).
 

La muestra “Argentum Regina. La ciudad eterna” se puede visitar de martes a domingo de 13 a 20 hs..en el Museo MARQ, Av. del Libertador 999 (esquina Av. Callao), Buenos Aires, Argentina.

7 de enero de 2020

Se exhiben las obras remiadas, mencionadas y seleccionadas del 63° Salón de Artes Plásticas “Manuel Belgrano”


En el centro: "Jardín de los presentes" de Marcelo Torreta (Primer Premio Adquisición Pintura). Gentileza Museo Sívori, HugoSerpaPhoto
 
El sábado 21 de diciembre se inauguró y realisó la entrega de premios del 63° Salón de Artes Plásticas “Manuel Belgrano” en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, con la presencia de las autoridades, miembros del jurado y artistas seleccionados.

Las obras premiadas, mencionadas y seleccionadas durante 2018 en las categorías pintura, escultura, dibujo, grabado y monocopia se exhiben hasta lunes 2 de marzo de 2020 y se pueden visitar en Av. Infanta Isabel 555 (frente al Rosedal), Parque 3 de Febrero, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Artistas premiados:
 
"Turbulencias" de María Ester Joao (Segundo Premio Adquisición Pintura).Gentileza Museo Sívori
 
Pintura
Primer Premio Adquisición: Marcelo Torreta. Jardín de los presentes. Acrílico s/tela, 165 x 185 cm.
Segundo Premio Adquisición: María Ester Joao. Turbulencias. Acrílico e hilos cosidos sobre lona, 160 x 160 cm.
Tercer Premio Adquisición: Balbina Lightowler. Paisaje rojo. Técnica mixta s/PVC cristal, 170 x 130 cm.
Menciòn Honorìfica: Adriana Ablin. De la serie Luz inocua. Acrílico s/tela, 150 x 150 cm.  
Menciones: Paula Sanderowicz, Pablo Lozano, Santiago Erausquin, Gisela Banzer.
Jurado: Viviana Usubiaga, María Isabel Baldasarre, Ernesto Bertani, Paula Otegui, Héctor Tessarolo.
 
Obra sin título de Patricia Gayone (Primer Premio Adquisición Dibujo).
Gentileza Museo Sívori
 
Dibujo
Primer Premio Adquisición: Patricia Gayone. Sin título. Grafito s/papel, 76 x 106 cm.
Segundo Premio Adquisiciòn: José De Marco. Ayer. Carbón s/tela, 160 x 120 cm.
Tercer Premio Adquisición: Sebastián González Calderón. Mi escalera. Marcador indeleble s/papel, 164 x 178 cm.
Mención Honorífica: Javier Calcaterra. Verdurazo. Grafito s/papel teñido, 125 x 125 cm.
Menciones: Santiago Raffo, Hugo Previtali, Refugio, Claudio Acuña, Mauricio Nizzero, Lucía Marchi, Jorge Ricciardulli, María Guadalupe Silva.
Jurado: Marcelo Adrián Giménez Hermida, Federico Baeza, Carlos Carmona, Fabián Attila, Blas Vidal.
 
"Desierto" de Lihuel Pumilla (Primer Premio Adquisiciòn Escultura). Gentileza Museo Sívori, HugoSerpaPhoto

Escultura
Primer Premio Adquisiciòn: Lihue Pumilla. Desierto. Ensamble de maderas, 190 x 190 x 130 cm.
Segundo Premio Adquisición: Nadia Guthmann. Gemelos. Hierro desplegado, 155 x 200 x 170 cm.
Tercer Premio Adquisición: Liana Patricia Strasberg. Lo que no se deja ver. Resina, sangre artificial y plaqueta electrónica, 200 x 100 x 70 cm.
Mención Honorifica: Gabriela Alonso Strnad. Desmembrar. Ensamble, soldadura y hierro, 117 x 140 x 200 cm
Menciones: Camilo Guinot, Luciana Fernández.
Jurado: Oscar De Bueno, Julia Farjat, Adriana Lauria, Delfina Helguera.
 
"Correspondencia con GG IX" de Marta Belmes (Primer Premio Adquisición Grabado). Gentileza Museo Sívori
Grabado
Primer Premio Adquisición: Marta Belmes. Correspondencia con GG IX. Gofrado y digital, 90 x 70 cm.
Segundo Premio Adquisiciòn: Irma Amato. De la serie Fingida quietud VII. Xilo-collagraph y gofrado, 73 x 152 cm.
Tercer Premio Adquisiciòn: Andrea Moccio. Todos los jardines de mi madre. Tonergrafía, 90 x 150 cm.
Mención Honorífica: Hernán Borches. El hombre y el junco. Xilografía / aguafuerte / gofrado, 61 x 85 cm.
Menciones: Pipa Estefanel, Juan Nordlinger.          
Jurado: Olga Autunno, María Inés Tapia Vera, Isabel Diana Saiegh, Matilde Marín, Agustina Rodríguez Romero.
 
"Gemelos" de Nadia Guthmann (Segundo Premio Adquisición Escultura). Gentileza Museo Sívori, HugoSerpaPhoto

Monocopia
Premio Unico Adquisición: Marcelo Aguilar. El espectro de Lady Bird.180x80 cm.
Mencion Honorífica: Susana Rodríguez. Escritura: Códigos. 150x76 cm.     
Menciones: Matías Amici, Gonzalo Fernández Fichter.       
Jurado: Osvaldo Jalil, Alejandra Gondar, Estela Zariquiegui, Mercedes Puente, Carlos Scannapieco.

6 de enero de 2020

El Museo Nacional de Bellas Artes inauguró una gran muestra dedicada a Norah Borges


El Museo Nacional de Bellas Artes inauguró la exposición “Norah Borges. Una mujer en la vanguardia”, curada por el especialista Sergio Alberto Baur, que reúne más de 200 pinturas, dibujos, grabados y objetos -entre documentos, manuscritos, impresos y fotografías– de la artista plástica argentina Norah Borges (1901-1998).

“Desde el Museo queríamos dedicar una muestra a Norah Borges, considerando que esto significaba una deuda histórica, ya que la artista nunca había tenido una exposición individual en el primer museo nacional”, explicó el director del Bellas Artes, Andrés Duprat. “Esto se da en el marco de nuestra voluntad de presentar a artistas mujeres que, de alguna manera, han estado soslayadas en la historia del arte. Por ello, celebramos la inauguración de esta exposición monográfica de Norah Borges con curaduría de Sergio Baur”, agregó.
 
Instalación realizada a partir de una foto de Julie Méndez Ezcurra, tomada a Jorge Luis Borges, en su casa de Buenos Aires en los años ’80 con “La anunciación” (óleo sobre papel de 1945), donde se reemplazó la obra fotografíada por la real
“Norah Borges ha recorrido el siglo XX de una manera silenciosa y discreta, como su forma de ser. Compartió su juventud y años de formación con su hermano, Jorge Luis Borges, con quien mantuvo un diálogo cultural permanente entre literatura y artes visuales”, agregó Duprat.
 
"Los enamorados", boceto en lápiz y acuarela sobre papel (colección particular), y pintura en óleo de 1980 (colección Torre Crespo)
 
La muestra, que analiza toda la trayectoria de Norah Borges a través de obras de distintas épocas, provenientes de 28 colecciones públicas y privadas, se propone enlazar los mundos que vivió la artista desde su período de formación, y su destacado trabajo como ilustradora de la vanguardia española y argentina. También se exhibe documentación personal y bibliográfica que la ubican en el escenario de los años 1920 y 1930.
 
Gentileza MNBA. Fotografía: Matías Iesari

De la inauguración de la muestra, participaron la viuda de Jorge Luis Borges, María Kodama; el presidente de Amigos del Bellas Artes, Julio Crivelli, además de artistas, directores de museos, coleccionistas, diplomáticos y referentes del mundo de la cultura.

Por su parte, Baur, historiador y diplomático, comentó: “Norah Borges solía decir que los cuadros debían dar felicidad. Y realmente esa frase hizo un gran efecto en mí, porque haber concretado esta muestra junto al equipo impecable del Museo Nacional de Bellas Artes, me permitió compartir ese sentimiento. Poner en diálogo la obra de Norah con toda su dimensión constituye para mí una aspiración y un sueño al mismo tiempo”.  
 
“Un ángel”, 1949, óleo. Colección Torre Crespo
“Creo que esta muestra -añadió el curador- nos invita a reflexionar sobre el rol de la mujer artista en el siglo XX. El caso de Norah es absolutamente emblemático, porque es el de una artista con amplia vocación, comprometida en muchísimos sentidos”.

El desarrollo artístico de Norah Borges -hermana del célebre escritor y esposa del crítico y poeta español Guillermo de Torre- atraviesa con un lenguaje propio las formas de la modernidad. A lo largo del siglo XX, en contacto con la vida literaria de su tiempo, ilustró los primeros libros de escritores como Borges, Victoria y Silvina Ocampo, Julio Cortázar, Adolfo Bioy Casares, Eduardo Mallea, Ricardo Molinari, Concha Méndez Cuesta, Carmen Conde, Rafael Alberti, y los chilenos Luis Enrique Délano y Humberto Díaz Casanueva. También -como se ve en una sala dedicada a tal efecto- realizó ilustraciones para las revistas de vanguardia españolas “Grecia”, “Ultra” y “Baleares”, y fue colaboradora destacada de las publicaciones argentinas “Prisma”, “Proa”, “Martín Fierro” y “Valoraciones”, entre otras.

 
“Urbano y Simona”, 1975, témpera. Colección Torre Crespo
El guión museográfico de la exposición se basa en los textos de aquellos contemporáneos que reflexionaron desde la crítica y la poesía sobre la obra de Norah Borges. Los once núcleos que organizan el recorrido son “Infancia”, “Norah, una artista ultraísta”, “Norah Borges en la vanguardia” I y II, “Cartografías”, “Quintas y viaje a España”, “Norah ilustradora”, “Españoles de tres mundos”, “Salas de pintura y dibujo”, “Norah por Jorge Luis Borges” y “Manuel Pinedo: Norah Borges crítica de arte en los Anales de Buenos Aires”.
 
Ilustración de tapa en libro dedicado a la danza
“Norah Borges. Una mujer en la vanguardia” podrá visitarse hasta el 1º de marzo de 2020 en el pabellón de exposiciones temporarias del Museo Nacional de Bellas Artes, de martes a viernes, de 11 a 20, y los sábados y domingos, de 10 a 20, en Av. del Libertador 1473, Ciudad de Buenos Aires.
El público argentino o residente en el país puede recorrer el Museo con entrada gratuita todos los días. Para los visitantes extranjeros, la entrada general al Bellas Artes tiene un valor de $200 (martes de 11 a 20, y de miércoles a domingo, de 18.45 a 20: gratis).
 

27 de diciembre de 2019

Se presentó el calendario 2020 del Museo del Cine Pablo C. Ducrós Hicken


El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires finaliza la temporada 2019 del Museo del Cine con la presentación de su ya clásico calendario que en la edición 2020 dedica sus imágenes a las remakes del cine argentino y, desde la tapa, homenajea a José A. Martínez Suárez con la imagen de su película "Los muchachos de antes no usaban arsénico", que en este 2019 tuvo su remake con "El cuento de las comadrejas", de Juan José Campanella.

El calendario nace como una vía de difusión del patrimonio fotográfico y homenajea a diversos momentos pasados y presentes del cine argentino. Con el tiempo adquirió el perfil de entregas temáticas desde donde se presentaron en los sucesivos años: madres, novias, villanos, policiales, costumbres argentinas, literatura, directores, besos, homenajes a retratistas como Annemarie Heinrich y Sivul Wilenski balanceando aquellos rostros y perfiles recordados en la memoria popular con otros que merecen remarcarse. 
Este año las remakes del cine argentino encuentran espacio en las páginas a partir del diálogo que se establece entre "Los muchachos de antes no usaban arsénico", de José Antonio Martínez Suárez, y "El cuento de las comadrejas", de Juan José Campanella, estrenada este año. Ese diálogo permite ampliar el recuerdo de otras remakes y, fundamentalmente, homenajear al recordado realizador de cine argentino y presidente del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata fallecido a mediados de este año.
Desde sus primeras épocas la cinematografía se ha inspirado en fuentes literarias, teatrales, cómics, series de televisión y también, en otras películas. En el cine argentino no abundan demasiado las remakes, pero se han realizado varias versiones de clásicos del teatro popular y, de algunas producciones anteriores. Tal es el caso de Nobleza gaucha, gran éxito de público producido en 1915, cuya versión sonora se realizó en 1937. Más allá de las razones que llevan a un creador a reelaborar una película anterior, una de las cuestiones más interesantes de este tipo de producciones es que nos permiten atisbar las diferencias que cada época y autor imprimen en su versión.

26 de diciembre de 2019

Los "Conceptos" de Guillermo Mordillo a través de sus pensamientos y sus dibujos se exponen en el MARCO de La Boca



Fundación Tres Pinos presenta la muestra de Guillermo Mordillo “Conceptos”, que se exhibe en su sede del MARCO, Museo de Arte Contemporáneo de La Boca, Alte Brown 1031, La Boca, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Podrá apreciarse de miércoles a domingos de 11 a 19 hs. hasta el 23 de febrero de
2020.

Los que tuvieron el honor de tratar de manera habitual a Guillermo Mordillo escucharon repetidamente varias de las frases expuestas en esta muestra y en el catálogo que la acompaña, que representaban su particular forma de mirar la vida.
Muchos de estos pensamientos fueron vertidos en el catálogo de la muestra antológica realizada en el año 2009 en Mallorca, lugar querido por Guillermo tanto como Buenos Aires y donde veraneando, como todos los años, encontró su final recientemente.


En la muestra se pueden apreciar, además de las obras más representativas de su carrera, todos aquellos pensamientos sobre la vida y la profesión que son desconocidos al común de sus seguidores por la naturaleza de su obra. Paralelamente se proyectarán animaciones de varios periodos de su vida, secuencias de sus principales libros y algunas imágenes de publicidades realizadas para importantes firmas internacionales.

Esta muestra sirve además como puntapié inicial para lanzar un espacio que fue ansiado por él y todos sus colegas y amigos, donde estará representada toda la rica historia gráfica del país, y la de sus ilustradores de diferentes vertientes: humor gráfico, historieta, ilustración y animación; sin soslayar a las nuevas generaciones que sin duda le darán continuidad.

Rodrigo Cadenas, Ricardo René Cadenas y los curadores Hugo Maradei y Gonzalo Cadenas
 
Por ello la Fundación Tres Pinos ha decidido la creación del Museo de la Ilustración Gráfica (MIG), institución que funcionará en el futuro, en el señorial edificio ubicado en la Avenida Almirante Brown y Pinzón del histórico barrio de La Boca.
Mientras se restaura el mencionado edificio (concebido y creado por el arquitecto Francesco Gianotti), la Fundación Tres Pinos ofrece un espacio para esta muestra, en su recientemente inaugurado Museo de Arte Contemporáneo -MARCO-, y además está procediendo a la catalogación, restauración, y puesta en valor de la futura colección del MIG, que tiene en custodia.

Obra realizada integramente el 6 de agosto de 2012, dia de su cumpleaños Nº 80
 
Mordillo nació el 4 de Agosto de 1932 en Villa Pueyrredón, Buenos Aires, Argentina. Emigro en 1955 y realizó toda su carrera en el exterior. Viviendo en Perú, Estados Unidos, España, Francia y los últimos veinte años en Mónaco. Falleció el 29 de junio de 2019 en Palma de Mallorca, España.
Realizó exposiciones individuales en Argentina, Alemania, Austria, Suiza, Italia, Eslovaquia, Israel, España, Bélgica, China, Polonia, Francia, Canadá y Unión Soviética.
 

Recibió alrededor de 50 premios internacionales, entre los que se destacan: Mejor Dibujante del Año, Canadá 1977; Palma de Oro, Italia 1978; Yellow Kid, Lucca, Italia 1984; Konex de Oro, Argentina 1992; tercer puesto entre 245 dibujantes de 46 países, Estados Unidos 1992; Medalla de Oro, Italia 1995; profesor y catedrático honorífico del humor, Universidad de Alcalá de Henares, España 1997 y 2002; Premio a la Animación Televisiva, Italia 1999 y 2002; Premio Especial de Honor, China 2004; Anima Fix, Israel 2010; Cámara de Diputados de la Nación, Argentina 2011; Personalidad Destacada de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, Argentina 2013.

Realizó trabajos de animación con su obra entre 1974 y 2018 en Francia, Alemania, Italia, Austria, China, Bélgica y Argentina.
Le editaron libros en Alemania, Holanda, España, Suiza, Portugal, Italia, Francia, China, Israel, Taiwan, Japón, Turkia, Gran Bretaña, Perú, Estados Unidos y Argentina. Algunos de ellos con prólogos de destacadas figuras como la actriz Jane Birkin, el mimo Marcel Marceau, el escritor Manfred Schmidt, el futbolista Pelé y los golfistas Severiano Ballesteros y Roberto De Vicenzo.

19 de diciembre de 2019

¿Fotos, Imagen de lo Real? La cámara de María Kodama

Se exhibe en el Centro Cultural Borges una selección de imágenes tomadas por “los ojos de Borges” durante sus viajes    


La Fundación Internacional Jorge Luis Borges presenta una inédita exposición de cincuenta  fotografías tomadas por María Kodama a lo largo de sus viajes por diversos países. La exposición, curada por Virginia Fabri sobre una preselección de Amanda Ortega, da cuenta de un aspecto desconocido para muchos: la pasión de María Kodama por la fotografía.
 
Munida de su cámara réflex o su celular, Kodama pasea por las calles y rincones de los países que recorre, retratando las más diversas imágenes que llaman su atención, buscando eternizar esos momentos. Desde las pirámides del antiguo Egipto; que guardan recuerdos imborrables de sus viajes junto a Borges, hasta una impactante fotografía del escritor en Ginebra, frente al muro de Los Reformadores; divertidos autorretratos de Kodama o un afiche casero que busca recuperar un gato llamado Borges, por azar desaparecido en fecha coincidente con la fecha del fallecimiento del escritor, son algunas de las imágenes que se ven en la exposición.
 

Por otra parte, muchas otras fotos exhibidas, muestran aspectos más propios del universo de María y su relación lúdica con el mundo, donde personajes del  pop art y el comic -como Batman, el Ratón Mickey o el Pato Donald- aparecen recurrentemente en sus fotos, muchas veces tomadas en vidrieras de jugueterías, ópticas  y centros comerciales. Así, la muestra nos sumerge en un universo visto a través de una personalidad muy singular y especial.


María Kodama nació en Buenos Aires de padre japonés. Mientras estudiaba la carrera de letras, conoció a Jorge Luis Borges, con quién compartía además su interés por las lenguas anglosajonas. Posteriormente iniciaron estudios del islandés, idioma en el que Borges estaba interesado, por considerarlo una lengua madre. Como es de público conocimiento, Kodama trabajó a su lado en el libro Breve antología anglosajona (1978) y viajo con el gran escritor a los Estados Unidos. En 1984, el libro Atlas contó los viajes que ambos realizaron juntos alrededor del mundo, El 26 de abril de 1986, la pareja se casó por poderes en Asunción del Paraguay, pocos meses antes de la muerte del escritor.  


María Kodama es licenciada en letras de la Universidad de Buenos Aires, que la ha designado Profesora Honoraria. Es fundadora y presidenta de la Fundación Internacional Jorge Luis Borges, autora de prólogos diversos, estudios preliminares de antologías y libros, entre los que cabe destacar: “Relatos” y “Homenaje a Borges”. Obtuvo muchos premios, entre ellos: “Alicia Moreau de Justo”, “Orden al Mérito de los Caballeros de San Martín de Tours”, “Dama de Honor de la Orden de los Caballeros de San Martín de Tours”, “Chevalier des Arts et Lettres”, “Officier des Arts et Lettres” y “Orden del Sol Naciente de Japón”. Es miembro de la Asociación Argentina de Estudios Americanos y del Consejo Asesor Internacional del Foro Ecuménico Social y Presidenta Honoraria del Premio La Rosa D'Oro de Palermo (Italia). Ha dictado numerosas conferencias en España, Suiza, Grecia, Italia, Gran Bretaña, Francia y en el país, así como en distintas Universidades nacionales y extranjeras.
  

La muestra se puede visitar de lunes a sábado de 10 a 21 hs. y  domingos y feriados de 12 a 21 hs. en el Centro Cultural Borges (Viamonte 525, CABA) hasta el 21 de enero próximo.

MALBA presenta "Ernesto Neto. Soplo", primera exposición retrospectiva del artista brasilero en nuestro país


Curada por Jochen Volz y Valéria Piccoli (director y curadora jefe de la Pinacoteca de São Paulo, donde la exposición se presentó de marzo a julio, 2019), la muestra reúne sesenta piezas producidas desde finales de los años ochenta hasta la actualidad. Obras sobre papel, fotografías y grandes instalaciones inmersivas, que ponen en diálogo el espacio expositivo y el cuerpo del visitante, activando todos sus sentidos.

“Desde el comienzo de su trayectoria, Ernesto Neto viene explorando y expandiendo radicalmente los principios de la escultura. Gravedad y equilibrio, solidez y opacidad, textura, color y luz, simbolismo y abstracción son las bases de su práctica artística, un continuo ejercicio sobre el cuerpo colectivo e individual, sobre el equilibrio y la construcción en comunidad”, observa el curador Jochen Volz.
 

Velejando entre nós, 2012/13 

 En la exposición, la trayectoria del artista es presentada a partir de dos aspectos: por un lado, las obras que invocan los sentidos del observador y desafían su cuerpo a que participe e incluso se sumerja en la escultura; por el otro, las obras que solicitan una activación por parte del espectador y apuntan a una noción de cuerpo colectivo, al estimular, de forma lúdica, el contacto y la convivencia. 
La dimensión ritual que la práctica del artista viene adquiriendo en los últimos años evidencia el modo en que sus esculturas han creado y explorado dimensiones sociales cada vez más complejas. 



O sagrado é Amor, 2017
En un momento marcado por el descompás entre el ser humano y la naturaleza, Ernesto Neto propone que el arte sea un puente para la reconexión humana con esferas más sutiles. “El artista es una especie de chamán. Él trata con lo subjetivo, lo inexplicable, aquello que sucede entre el cielo y la tierra, con lo invisible. Desde ese lugar, consigue transportar cosas”, concluye Neto.

Ernesto Neto nació en Río de Janeiro (Brasil) en 1964. Expone desde 1988 en su país y desde 1995 en el extranjero.

Entre sus exposiciones individuales recientes destacan: Gaia Mother Tree, Zurich Main Station, presentada por la Fondation Beyeler, (Zúrich, Suiza, 2018); Boa, Museum of Contemporary Art Kiasma (Helsinki, Finlandia, 2016); Rui Ni / Voices of the Forest, Kunsten Museum of Modern Art (Aalborg, Dinamarca, 2016); Aru Kuxipa | Sacred Secret, TBA21 (Viena, Austria, 2015); The Body that Carries Me, Guggenheim Bilbao (Bilbao, España, 2014); Haux Haux, Arp Museum Bahnhof Rolandseck (Remagen, Alemania, 2014); Hiper Cultura Locura en el Vértigo del Mundo, Faena Arts Center (Buenos Aires, Argentina, 2012); La Lengua de Ernesto, MARCO (Monterrey, México, 2011) y Antiguo Colegio de San Ildefonso (Ciudad de México, 2012); Dengo, MAM (São Paulo, 2010). También destacan sus participaciones en la Bienales de Venecia (2017, 2003 y 2001), Lyon (2017), Sharjah (2013), Estambul (2011) y São Paulo (2010 y 1998). Su obra está presente en diversas colecciones importantes, entre ellas: Centre Georges Pompidou (París), Inhotim (Brumadinho), Guggenheim (Nueva York), MCA (Chicago), MOCA (Los Ángeles), MoMA (Nueva York), Museo Reina Sofía (Madrid), SFMOMA (San Francisco), Tate (Londres) y TBA21 (Viena).

Junto con la exposición, se presenta un catálogo de 160 páginas editado por Pinacoteca. Para la itinerancia en Buenos Aires, Malba diseñó una nueva tapa y produjo la edición bilingüe español e inglés de la edición original. 
El libro inclye la reproducción de todas las obras de la exposición y reúne textos de los curadores Jochen Volz y Valéria Piccol, junto con dos ensayos de las especialistas Clarissa Diniz y Els Lagrou. 

La exposición permanecerá hasta el 16 de febrero de 2020 y se puede visitar en Av. Figueroa Alcorta 3415,  Buenos Aires , Argentina. 

14 de diciembre de 2019

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires inauguró la exposición “Sergio De Loof: ¿Sentiste hablar de mí?”


En la línea de las grandes apuestas de producción del Museo Moderno, “¿Sentiste hablar de mí?” es la respuesta de Sergio De Loof a la invitación de dicho museo a celebrar su impronta y su legado. Con curaduría de Lucrecia Palacios, la primera exposición antológica del artista reúne sus trajes, creaciones, films y videos realizados desde mediados de los años ochenta hasta la actualidad, y presenta nueve grandes ambientaciones en las que De Loof imaginó nuevas formas para desplegar esos materiales. El resultado es una obra monumental que incluye pasillos palaciegos, obras de teatro, un carnaval y una tienda que vende sus creaciones, entre otros espacios.

Piloto Super Top de Sergio de Loof. Foto de Viviana Gil. Archivo fundación IDA
“Es un orgullo para toda la ciudad contar con la muestra de Sergio De Loof, este artista diverso y visionario. Con su obra, el público tendrá una mirada sobre la estética cultural de Buenos Aires de estas últimas décadas, cuando se recobraba libertad expresiva, y las noches creaban cruces entre hacedores y disciplinas. El Museo Moderno nos acerca así a un capítulo singular de nuestra cultura, invitando a nuevos públicos y generaciones a vivirlo y seguir de este modo agregándole valor a los museos de la Ciudad, que buscan hacer al vecino protagonista. Un museo que no sólo está abierto al barrio sino al mundo”, dijo Enrique Avogadro, ministro de cultura de la ciudad de Buenos Aires. 
Producción de fotos del desfile North Beach de Sergio de Loof. Modelos: Mariana Schurink y Nahuel Vecino, 2001. Foto s.d. Fundación IDA
“Es una inmensa alegría y un honor para el Museo Moderno celebrar la genialidad de un artista de la talla de Sergio De Loof, quien merece llamar la atención del mundo dada su infinita creatividad, su talento para ampliar la noción de arte, su invitación a la inclusión, la diversidad de género y la libertad de expresión. Con su alegría e inventiva transgresora, marcó a toda una generación al moldear tantos espacios sociales y nocturnos de Buenos Aires durante décadas y produjo sus cientos de desfiles con los más diversos materiales que tuvo a mano, sorprendiendo siempre con su mirada”, sostiene Victoria Noorthoorn, directora del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
 
Sergio de Loof vistiendo a Amaya Bouquet para una producción de fotos, 2001. Foto s. d. Fundación IDA
 
Diseñador de moda, videasta, fotógrafo, estilista, escenógrafo, pintor, artífice de espacios nocturnos centrales del under porteño como El Dorado (1991), el Morocco (1993) y Ave Porco (1994), entre otros, Sergio De Loof es uno de los artistas más influyentes y dinámicos de las últimas tres décadas argentinas. Todos estos espacios fueron legendarios e inventaron una noche inédita para una Buenos Aires que intentaba dejar atrás las costumbres instaladas durante la dictadura. En ellos, arte y nocturnidad se integraban: fueron boliches, bares y también centros culturales. Su programación incluía desfiles, exposiciones y obras de teatro, donde se cruzaban los mundos hasta entonces antagónicos de los artistas e intelectuales, los empresarios, el universo fashion y la farándula, en un contexto de libertad y experimentación. De Loof fue una figura central de la moda de autor de principios los años noventa. Concibió sus desfiles como reuniones colaborativas y comunitarias, cercanas al teatro.

Participaban en ellos sus amigos o conocidos, con cuerpos bien diferentes y lejanos de los de las supermodelos. Así, daba lugar en sus trabajos a las disidencias corporales y sexuales. En sus pasarelas, los modelos bailaban y actuaban con las ropas que el artista había compuesto con retazos, prendas de segunda mano, papel y revistas. En la creación de estos diseños, hizo uso de técnicas como el ñandutí, el bordado, el patchwork y el reciclaje, entre otros.
 
Fotos de registro del rodaje del video de 1990 de Sergio de Loof y Sebastián Orgambide. Personas: Christian Dios (Christian Delgado) y amigo. Foto de Gustavo Di Mario. Fundación IDA
Para los años dos mil, hacía más de una década que el nombre De Loof era sinónimo de una sensibilidad única, con la que creaba ambientaciones, ropas y desfiles fantásticos haciendo uso de materiales desprestigiados. Con ellos, el artista ha forjado su propio estilo, el trash rococó, que se caracteriza por la amalgama barroca de consumos culturales eclécticos y efímeros.

“De Loof vinculó su personalidad excéntrica y desprejuiciada con su obra al punto de   que, en muchos casos, se hacen indiscernibles. Siempre en el límite entre el arte, la  moda, el diseño y el escándalo, la figura de De Loof tiene un pie dentro y otro afuera  de cualquier sistema. Creador de “una moda hermosa para pobres y feos”, su figura se  desliza vertiginosa como el creador de un obra que combina el quehacer comunitario y  la expresión individual, la pobreza y el lujo, el paladar aristocrático y el gozo popular”,  afirma la curadora Lucrecia Palacios.
 
En esta línea, la exposición se constituye como una gran obra de De Loof en sí misma, y pone de manifiesto la creatividad y el refinamiento sin límites de un artista prolífico que marcó a toda una generación y que reunió y exaltó concepciones estéticas tan potentes como contradictorias.
 
En palabras de Victoria Noorthoorn: “El Museo Moderno dio carta blanca a De Loof para que propusiera la exposición de sus sueños, y lo acompañamos en cada paso para hacer realidad esa obra. Estamos orgullosos de poder presentar esta gran exposición gracias al trabajo comprometido de nuestro equipo y el fundamental apoyo y la colaboración de tantos profesionales e instituciones de Buenos Aires”.

La exposición se puede visitar hasta el 26 de abril de 2020 en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires ubicado en Avenida San Juan 350, en el barrio de San Telmo.