15 de febrero de 2019

El Pabellón de las Bellas Artes de la UCA presenta la muestra "Estadios" de Laura Alercia

 
El jueves, 14 de febrero se inauguró en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA la muestra "Estadios" de Laura Alercia, artista de fina sensibilidad que aborda el tema de las migraciones y construye un relato inquietante sobre las multitudes que se ven obligadas a abandonar sus lugares de orígenes y convertirse en emigrantes, refugiados o exiliados por fuerzas que no pueden controlar, como la pobreza, la represión o las guerras.
 
La exposición, curada por Cecilia Cavanagh e Ismael Dande, está compuesta por 31 obras realizadas en tinta y acuarela sobre papel en las cuales la artista despliega sus ideas y sensaciones frente a esa dolorosa realidad. Como expresan los curadores, Alercia “a través de una serie de decisiones estéticas, ella lucha contra el caos de los eventos actuales dentro de un espacio fijo. Con cada vistazo, las obras revelan nuevos detalles sutiles y alientan al espectador a reconsiderar sus percepciones (política, cuerpos, arte, imágenes), nuevamente”.
 
En el origen de estas obras, subyace el pensamiento de Alercia, para quien "El sistema económico y los estados sociales de la humanidad se han hallado eternamente ligados, y la historia del mundo ha demostrado que basta con ejercer pequeños cambios en elementos básicos de la economía para percibir notables transformaciones en la sociedad. Es así que durante los distintos regímenes políticos-económicos que tuvieron lugar durante la evolución de las sociedades se gestaron diferentes Estadios en la humanidad que han obligado al hombre a cambiar sus hábitos, sus prioridades, sus formas, su lugar y su espacio".  

Dicen los curadores: “En la obra de Laura Alercia habita la historia de la humanidad en tránsito. (…) Son esas mismas razones y situaciones las que inspiran las pinturas de esta serie. Son espectros que llevan las huellas de su proceso. A medida que la artista trabaja y vuelve a trabajar, borra y reconsidera sus marcas, registra sus trabajos en el soporte donde elige trabajar según su momento de producción”.
 
La artista expresa que: “Mientras trabajo en este proyecto ESTADIOS, el motivo de partes del cuerpo desprendidas realmente comenzó a surgir. Ojos, brazos y alas, representados en garabatos gigantes, casi caligráficos, parecen elevarse a través de sus papeles”. Así, agrega que: “Tales formas orgánicas reemplazaron las estructuras que había encontrado previamente en materiales arquitectónicos”.
 

Laura Alercia nació en 1963 en la ciudad de Córdoba. En 1989 se recibió de abogada en la Universidad de Tucumán y es doctora en derecho público y economía de gobierno. Desde pequeña mostró su inclinación por el arte, pero sólo en 2003 asistió a los  talleres de dibujo y pintura de Mónica Diokmedjiao y Julio Lavallen, en Buenos Aires. En 2010 realizó estudios sobre el color en la École delle arts de Paris y sobre la figura con Juan Arata, en Berlín. En 2011 volvió a París para asistir a un curso de pintura contemporánea en la Escuela Superior de Bellas Artes. De regreso estudió con Ariel Mlynarzewicz, Eugenio Cuttica y Martín Reyna. También realizó clínica de obra con Yuyo Noé y estudió en la Universidad Di Tella con Eduardo Stupía.  

Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en el país y en el exterior. En Houston realizó una performance de pintura en vivo en el estudio Xavier de Elizabeth González Barranco y formó parte de la promoción de artistas latinoamericanos egresados del departamento de Art Contemporany del Museo MoMa.
 
“Su estudio es su experimento -afirman Cavanagh y Dande- una prueba temprana que puede o no resultar en una obra de arte terminada. Escritos errantes intentan insertar mensajes de odio (las esvásticas, la adoptada mascota de la supremacía blanca René la rana) en el tapiz de líneas gestuales y se remplazan con imágenes de píxeles ofensivos con colores y diseños alternativos sobre manchas provocadas intencionalmente, y el curso de las tintas que logran colores propios. El proyecto combina sus consideraciones actuales: yuxtaposiciones inesperadas, la potencia de las protestas y las imágenes populares, la creación y el borrado, y las voces incorpóreas. Si Alercia decide seguir adelante con esta línea de trabajo podría marcar otra salida formal significativa.”
 
Estos Estadios son para Alercia "una estructura metafórica de nuestra historia colectiva para el espectáculo, la propaganda y el crimen".
 
La muestra permanecerá hasta el domingo 10 de marzo de 2019 y se puede visitar con entrada libre y gratuita, de martes a domingo de 11 a 19 hs. en Alicia M. de Justo 1300, Puerto Madero, Buenos Aires, Argentina.

8 de febrero de 2019

El Centro Cultural Coreano inauguró la muestra "El camino de la tinta - un abrazo al mundo"


Casi 300 personas se dieron cita en la sede del Centro Cultural Coreano para la inauguración de la muestra "El camino de la tinta - un abrazo al mundo", de la Asociación de pintores-calígrafos coreanos y argentinos. El director del Centro Cultural Coreano, Jinsang Jang, presentó la exhibición junto al artista Park Sung Gil y a la presidenta de la asociación, Nilda Peró mientras caía el sol en el escenario exterior del CCC, que desde noviembre funciona en su nueva sede de Maipú 972.

El director Jang destacó el valor que tiene la muestra para el centro cultural, ya que en ella conviven coreanos y argentinos compartiendo expresiones artísticas e intercambiando experiencias. A su vez, anunció que esta será la última muestra temporal que inaugure como director, debido a que su misión diplomática en el país finaliza a finales de febrero. En este sentido, expresó "para mí es una alegría pero también un orgullo haber podido ser parte de la construcción de esta nueva sede que albergará la cultura de mi país y ayudará a promover mejores relaciones amistosas entre nuestros pueblos. Fueron años de mucho trabajo, y a poco de partir puedo irme contento porque puedo ver los frutos de tanto esfuerzo".
Nilda Peró dedicó sus palabras de agradecimiento al director Jang y al centro cultural por el apoyo en esta y otras oportunidad en el pasado. Por su parte, el artista y profesor Park destacó la colaboración general de los artistas para lograr esta muestra.
  

La técnica empleada es el Sumukhwa, palabra coreana que significa tinta negra y agua. Tiene raíces en tradiciones milenarias que sintetizan el espíritu oriental, donde el artista debe plasmar en sus composiciones una combinación de síntesis y espontaneidad, con capacidad para conmover al espectador.

Algunas de las obras que se exponen toman la temática de “Los cuatro honorables caballeros”, que simbolizan las cuatro estaciones de la naturaleza y las virtudes del ser humano: el bambú (verano), el crisantemo (otoño), el ciruelo en flor (invierno) y la orquídea (primavera).
Con la misma pincelada, el arte de la caligrafía tradicional y contemporánea sella la concreción de la poesía y la necesidad de expresión del artista.
 
La caligrafía y la pintura tradicional coreana tienen una impronta muy personal que la diferencian de otros estilos orientales. Su técnica es despojada, corpórea y potente. Se mueve en contrastes, integrando la levedad del papel de arroz con la densidad del trazo de estilo coreano. Es contundente en su expresión, su huella se despega del fondo, a diferencia de otros estilos de caligrafía que se mueven en lo etéreo, que buscan difuminarse o que enfatizan el no decir.

En esta ocasión, son 24 artistas coreanos y argentinos quienes exponen sus obras en el Centro Cultural Coreano. Son profesores y estudiantes, compañeros y compañeras de ruta en un camino de aprendizaje conjunto ligado al estilo coreano de la pintura y la caligrafía. 

Artistas participantes:  Bo Myong - Aldo Paparella, CheongSeok – Lee Jung Hoon, Chi San - Lee Dae Yoon, Cho Dang - Park Nan Sun, Chu Un - Lee Haesook, EunSeo – Marta Elena Palumbo, Ga Hyeon - Namkoong Hee Min, Ho Chung - Marisa Reynoso, Inchon - Hwang Man Ho, In Dang - Nilda Peró, Javier Sánchez, Kyong Won – Shim Yong Suk, María Luisa Mayo, Mi Kang - Elsa Libonati, Mung Kang - Débora Mohadeb, Sandol – Kim Era, Seon Am - Miguel Karakachian, Sesun – Kim Hyejin, SeYoon – Lee Song Ja, Silvia Sánchez, So Cheon – Lee Hae Ryong, So Min - Irene Buffa, Song Chun – Park Seung Kil, Rita Ha.
 
La muestra se puede visitar hasta el 22 de marzo, de lunes a viernes de 9 a 18 hs. con entrada libre y gratuita.

7 de febrero de 2019

El Museo Sívori presenta la exposición "Lajos Szalay en Argentina"


El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori inaugura la exposición "Lajos Szalay en Argentina", el sábado 9 de febrero a las 12 hs. en su renovada sede de Av. Infanta Isabel 555 (frente al Rosedal), Parque Tres de Febrero, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Se presentan por primera vez en Buenos Aires más de 70 obras -entre dibujos e ilustraciones- realizadas por el artista húngaro Lajos Szalay durante su estadía en Buenos Aires y en Nueva York. A ellas se suman algunos dibujos de Enrique Barilari y dos grabados anónimos realizados a partir de dibujos de Szalay.
 

“La lucha de Jacob con el Ángel”, segunda mitad de la década de 1950, acuarela, tinta china sobre papel
 
Esta exposición se realiza en base a un convenio-marco suscripto entre el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y la Alcaldía de Budapest, organizadores junto con la Fundación de Arte Kovács Gábor, con especial apoyo y auspicio de la Embajada de Hungría en Buenos Aires.
La colección de la Fundación de Arte Kovács Gábor reúne más de 500 obras gráficas de Lajos Szalay y en la actualidad representa el acervo más completo de su obra. Alrededor de 400 dibujos recuperados del patrimonio del artista que su hija tuvo en su casa de San Diego, le agregan un valor especial a esta colección.
Estas obras fueron muy importantes para Szalay, que las llevó consigo durante su peregrinaje como “documentos” indispensables de su vida.
Durante los últimos 14 años, la Fundación de Arte Kovács Gábor realizó más de 150 exhibiciones en Hungría. El objetivo de KOGART es fomentar el arte contemporáneo a nivel local y en países periféricos, así como apoyar a jóvenes artistas y conformar su propia colección de arte húngaro correspondiente al último medio siglo. Esta entidad gestiona los patrimonios de Tibor Csernus, Miklós Borsos y Lajos Szalay, exhibidos con gran éxito en Hungría y otros países.

“Pescador y su esposa”, 1960, técnica mixta sobre papel
Lajos Szalay (1909-1995) ha sido uno de los más grandes dibujantes de la historia del arte. No en vano Pablo Picasso lo llamó "el próximo mejor artista gráfico del mundo". Es notable su gran influencia sobre muchos artistas gráficos de Argentina, país en el que Szalay enseñó durante más de una década.
Se dice que empezó a dibujar antes que a hablar. Comenzó su carrera como pintor, pero pronto les dio la espalda al tono y al color, adoptando el dibujo con tinta como único medio de expresión. Sus primeras composiciones están marcadas por líneas firmes e inequívocas, enfocando en los contornos de objetos y figuras y descartando cualquier tipo de modelado y espacialidad. 

“Mateo Evangelista”, 1946, birome sobre papel
La producción artística de Szalay en Tucumán (1949–1955) fue variada y abarcó varios géneros. Tuvo alumnos, participó en el taller de grabado de la universidad, pintó, modeló obras escultóricas y creó los -considerados- únicos relieves de hierro sobre la base de sus dibujos.
Debido a la falta de fuentes confiables, es imposible obtener una lista exhaustiva de todos los artistas que estudiaron con Szalay en Tucumán y Buenos Aires (1958-1960), y lo consideraron su maestro. Carmen del Ric, Enrique Barilari, Sra. Labé, Carlos Alonso, Martínez Howard, Roberto González, Juan Carlos Benítez, Virginia Carreño, Elvira Martin, Nogués Isaías y Ernesto (Ernő) Zajtai fueron, entre otros, algunos de sus discípulos.
Durante su estadía en Argentina, Szalay ejerce la docencia en la Universidad de Tucumán, publica cuatro álbumes de dibujos y realiza varias exposiciones individuales. 

“Carro”, c. 1960, tinta china sobre papel 
 
En 1960 Szalay se establece con su familia en la ciudad de Nueva York, donde reside por más de 25 años, alcanzando la madurez del estilo individual de dibujo con el que logra reconocimiento en la historia de la gráfica a nivel mundial. Toda una generación de artistas gráficos ha sido educada a partir de sus dibujos producidos en Hungría, Europa y América.
A su regreso a Hungría, en 1988, Sazlay se establece en Miskolc. Toda una nueva generación de artistas gráficos se formó a partir de sus dibujos realizados en Hungría, Europa y América del Norte y del Sur, convirtiéndose en los herederos de su comprensión de la línea, su visión original y el estilo único de su obra gráfica.
Sus obras aluden a casi todos los elementos esenciales de la cultura europea, desde el realismo de los dibujos rupestres hasta el expresionismo de la Edad Media y el modernismo de Picasso y sus contemporáneos.

La exposición se puede visitar hasta el 11 de marzo de 2019, lunes, miércoles, jueves y viernes, de 12 a 20 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. en Av. Infanta Isabel 555, frente al Rosedal. 
Entrada General: $50. Miércoles gratis. Jubilados, menores de 12 años, personas con discapacidad y sus acompañantes y estudiantes universitarios gratis.

El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires presenta "Rocca en la Usina - Retrato Argentino"


Charly García y Luis Alberto Spinetta 
 
Desde el 7 de febrero se podrá disfrutar de la primera retrospectiva de uno de los fotógrafos de mayor prestigio de Argentina, creador de algunos de los retratos más icónicos de las figuras de la cultura popular del país. 
Una muestra que invita a descubrir más de cien personalidades captadas por la lente de Gabriel Rocca, imágenes que se podrán disfrutar hasta el 24 de marzo, gratis, en la Usina del Arte y el Museo del Cine.
 
Gabriel Rocca es uno de los fotógrafos de mayor prestigio de Argentina, quien a lo largo de los últimos 35 años ha retratado a destacadas personalidades de nuestro país. Actrices, músicos, modelos, líderes de opinión, actores, deportistas, diseñadores. Mujeres y hombres de gran carácter que se han entregado a la foto con la misma pasión que pone Rocca en cada uno de sus disparos.
 
Gustavo Cerati
La muestra se divide en tres partes: las personalidades de distintos ámbitos retratadas por Rocca, las fotos del rock nacional hechas al comienzo de su carrera y un área dedicada a la moda en donde no sólo aparecen los retratos de las modelos sino también las campañas más impactantes que el fotógrafo realizó para diversas marcas.
Se podrán ver en la sala Laberinto y en el Museo del Cine retratos únicos en blanco y negro y color de Luca Prodan, Gustavo Cerati, Charly Garcia, Ricardo Mollo, Luis Aberto Spinetta, Diego Maradona, Carlos Tévez, Juan Martín del Potro, Susana Giménez, Dolores Barreiro y Juana Viale; entre otras personalidades.

 
Graciela Borges
Gabriel Rocca tuvo una gran inserción en el mundo de la música a través de sus fotos. A principios de los años '80 cubría recitales, salía de gira con los músicos y sacaba fotos. Casi sin darse cuenta, comenzó a profundizar su trabajo como director de arte, también hizo fotos de prensa, tapas de discos, puestas en escena y retratos emblemáticos que marcaron una época e hicieron historia.
La moda también forma parte de su universo, donde crea un estilo que lo identifica y lo transforma en una marca registrada. Juega con los cuerpos, los colores, las texturas. Redobla la apuesta de lo que busca comunicar una y otra vez. Rocca transforma la moda en un hecho artístico que se plasma en una campaña una editorial o una tapa de revista. Rockeó a la moda y le dio glamour al rock.
La retrospectiva estará acompañada por una serie actividades, especialmente pensadas por el fotógrafo, que incluirán testimonios de personajes retratados, clases sobre los secretos de la fotografía y charlas sobre el empoderamiento de la mujer a través de la foto.
 
Luca Prodan 
 
“Estas fotos representan 35 años de mi vida y mi carrera. Cada imagen es una historia que se cuenta, un momento único, resultado de una experiencia mágica que vivo con cada uno de mis fotografiados. Mi trabajo es con la Luz. En cada foto atravieso el desafío  de  mostrar lo que a simple vista no se ve transformándolo en eterno. El protagonista se potencia y descubre sus nuevas identidades, se anima a jugar con lo que no registraba en su ser. Y es entonces que tiene lugar el acto fotográfico, donde no existen los limites. Y de esta manera las personas al transformarse en seres nuevos, se revitalizan, se conectan con lo que existía en ellos sin conciencia. Es un acto vital, nada más ni nada menos” reflexiona Rocca sobre su trabajo.
 
Gabriel Rocca
Visitas guiadas:

Martes, miércoles y jueves: 17.30 hs.
Viernes: 16 y 18 hs.
Sábados, domingos y feriados: 12 (en inglés), 13, 14, 15, 16 (en inglés) y 17 hs.

La Usina del Arte está ubicada en Agustin R. Caffarena 1, barrio de La Boca, Buenos Aires,  Argentina.

6 de febrero de 2019

“Secretos compartidos”, una antología de arte contemporáneo argentino se exhibe en el Centro Cultural Borges


El Centro Cultural Borges inakuguró la muestra “Secretos compartidos”, antología de obras de la Colección Tedesco, la más importante recopilación de arte argentino contemporáneo. Con curaduría de Virginia Fabri y Eduardo Stupía, se exhiben en distintas salas más de 160 trabajos realizados en soportes múltiples: pinturas sobre lienzo, dibujos sobre papel, técnicas mixtas, fotografía y escultura. La produccion está a cargo de Clara Lía Cristal, con la colaboración de Verónica Di Toro. 

Magdalena Jitrik. S/t, 1996, óleo sobre tela
 
“Reunir obras a partir de una colección tan amplia nos permite nuevos cuestionamientos y distintos ángulos de experimentación -expresa Virginia Fabri- Lo que en principio se realizó de forma puramente intuitiva, empezó a cobrar sentido al colgarse en las paredes. Mientras que en la sala Berni la selección giró en torno a los ejes: Naturaleza / Formas Geométricas, otra de las salas exhibe una selección basada en la línea y el dibujo. El resto de los espacios, exhibe obra donde se juega con las formas, el ritmo y el color. El resultado final del conjunto exhibido, se completa en la visión del espectador.”
El espectador podría preguntarse qué tiene en común la naturaleza (en este caso se trata de mayormente de árboles) con la geometría de las formas (tal es la combinación de obras en la sala Berni). “La respuesta no es sencilla -acota Fabri-, pero está presente a través del número de oro, considerado por Leonardo Da Vinci como la medida de la belleza perfecta; una proporción matemática presente de distintas formas de la naturaleza; en el grosor de las ramas de un árbol o las nervaduras de las hojas; en la geometría de las formas, en las obras de arte o, también, en la proporción del cuerpo humano.” 

Mariano Ferrante. "Relación 11-07", 2007, lápiz, tinta, acrílico, oleo y témpera sobre lino 
 
Por su parte, Eduardo Stupía, aborda el tema del coleccionismo: “Así como hay quienes conciben la invención de la enciclopedia como el triunfo de la razón en tiempos irracionales, puede pensarse que el coleccionismo -tanto el estatal y el institucional como el privado- adhiere a la loable, optimista vocación de preservar para las generaciones futuras los objetos que el mundo pondera como valiosos, trascendentes y fundamentales, salvándolos del desgaste y la acción destructiva del tiempo, la desidia, la indiferencia, el olvido, los cambios de paradigmas culturales y los conflictos terminales generados en gran medida por los protagonistas de ese mismo mundo.”
 
Fabián Burgos. "Espiral azul", 2010, óleo sobre tela 
 
“El coleccionista individual -agrega Stupía-, desde el más calificado por algún determinado saber o vocación hasta el mero comprador asistemático de arte, más impredecible o espontáneo, es por definición, y por derecho justamente adquirido, arbitrario y hedonista, y la lógica de sus colecciones muchas veces revela los naturales altibajos y baches de quien elije según sus gustos, sus caprichos y, eventualmente, de acuerdo a contagios u opiniones ajenas, presuntamente expertas. No obstante es justamente éste tipo de comprador quien aporta quizás la mayor cuota de dinámica, fluidez y vitalidad a eso que se llama mercado, funcionando muchas veces como el verdadero motor de las economías del consumo artístico…”  
Por último, Stupía hace justicia a Esteban Tedesco, “uno de los coleccionistas más importantes y consecuentes de la Argentina, quien además, se destaca como una notable excepción a la regla, en la medida en que su cuantiosa colección, que excede largamente las mil piezas, mantiene en medio de la mayor heterogeneidad de estilos, formatos y conceptos una calidad superlativa, consolidada y pareja, inmune al facilismo de las tentaciones pasajeras, construida con toda seriedad y sin snobismos, cerca de la revelación reflexiva, la responsabilidad cultural y la conciencia histórica”. 

Juan José Cambre. "Azul ultramar", acrílico sobre tela
Artistas participantes: Pablo Accinelli, Diana Aisenberg, Beto Álvarez, Marcela Astorga, Ernesto Ballesteros, Eduardo Basualdo, Remo Bianchedi, Sofia Bohtlingk, Fabián Burgos, Natalia Cacchiarelli, Oscar Carballo, Gabriel Chaile, Mariano Dal Verme, Grillo Demo, Beto De Volder, Verónica Di Toro, Matías Duville, Roberto Elía, Leopoldo Estol, Elisa Strada, Benjamín Felice, Mariano Ferrante, Ana Gallardo, Nicolás Gullotta, Silvia Gurfein, Graciela Hasper, Carlos Huffmann, Ignacio Iasparra, Juliana Iriart, Guillermo Iuso, Magdalena Jitrik, Silvana Lacarra, Fernanda Laguna, Luciana Lamothe, Donjo León, Alfredo Londaibere, Alexis Minkiewicz, Marcela Mouján, Nicolás Mastracchio, Adriana Minoliti, Eduardo Navarro,  Benjamín Ossa, Andres Paredes, Alfredo Prior, Dudu Quintanilha, Andrea Racciatti, Ines Raiteri, Martín Reyna, Miguel Rothschild, Rosana Schoijett, Leandro Tartaglia, José Vera Matos, Osías Yanov y Pablo Ziccarello, entre otros.

La exposición "Secretos compartidos" permanecerá hasta el 5 de marzo de 2019 y se puede visitar de lunes a sábado de 10 a 21 hs.  y domingos y feriados de 12 a 21 hs. en el Centro Cultural Borges, Viamonte 525, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Entrada general: $150. Jubilados y estudiantes, $100.
 

29 de enero de 2019

El Museo Nacional de Arte Oriental presenta una exhibición de su colección de botellas chinas de rapé (tabaco rallado)


Contenedores de rapé de la Dinastía Qing (China, 1644-1911)
 
Del 26 de enero al 24 de marzo se podrá visitar en la sala de exhibiciones temporarias del Museo Nacional de Arte Decorativo la exhibición de la colección de botellas chinas de rapé (tabaco rallado) del Museo Nacional de Arte Oriental.
Talladas en piedra, confeccionadas en vidrio, porcelana y metal, las botellas de rapé atraen no solamente por su pequeño tamaño, su gran variedad, sus formas y decoraciones sino también por sus significados ocultos. Todas ellas caben en la palma de la mano y esconden en su simbología ideas sobre las costumbres, la cultura y el pensamiento de China durante la última dinastía imperial.
Las botellas eran objetos de uso y también piezas de colección. Acompañaban en la vida cotidiana a sus portadores y se trasladaban junto a ellos por donde anduvieran. Así, se convirtieron en regalos preciados para embajadores, emisarios y personalidades distinguidas de todo el mundo, que en sus viajes las hicieron conocidas en todas las latitudes.
Esta muestra propone seguir el camino del tabaco desde América hacia Europa y luego a China, dar la vuelta al mundo y volver al continente americano para examinar esta colección de botellas de rapé. De este recorrido se desprenden reflexiones sobre cómo viajan las ideas, cómo son los objetos que nos rodean y cuáles son sus símbolos y significados.
“Mensaje en una botella. El rapé en China” podrá verse de martes a domingos de 12:30 a 19 hs. en el Museo Nacional de Arte Decorativo (Av. del Libertador 1902, CABA) con entrada libre y gratuita.

14 de enero de 2019

El Centro Cultural Borges presenta una exposición del fotógrafo, sociólogo y artista estadounidense Lewis Hine


La obra de Lewis Hine se presenta como un espacio ideal para analizar las diferentes implicaciones (éticas, políticas y artísticas) que convergen en la práctica fotográfíca.
 
New York City, 1910 
 
La fotografía social documental estaba apenas en sus inicios a principios del siglo XX; el trabajo de Hine logró darle un impulso fundamental, influyendo de manera directa en lo que será el movimiento del documentalismo fotográfico de los Estados Unidos de las décadas posteriores. Sin embargo el autor consideraba que el carácter testimonial y probatorio de la imagen analógica no iba en detrimento de su valor estético.

Hine entendió a la cámara fotográfica  como un instrumento al servicio de la investigación y la educación, como un medio de comunicación masivo y, a la vez, como una herramienta capaz de producir imágenes de una gran belleza formal y compositiva. Su obra presenta una alternativa de compromiso frente al esteticismo de los pioneros de la fotografía. Sus estudios sobre las condiciones de las clases bajas y marginales, el mundo del trabajo infantil y la llegada de los inmigrantes a los Estados Unidos  recogen todos estos aspectos.
 

En los años 20 inició una serie de fotografías tituladas "retratos de trabajo" (work portraits). En ellas tomaba juntos al obrero y su máquina creando una especie de homenaje a la contribución que el hombre hace, mediante su esfuerzo, a la industria moderna. Hine estaba convencido de que el progreso industrial era el resultado de la asociación, casi simbólica, entre el hombre y la máquina.

Entre 1929 y 1931 (plena época de la Gran Depresión) documentó la construcción del Empire State, no de los rascacielos más conocidos y emblemáticos de Nueva York,  En 1932 salió a la luz Men at Work (Hombres en el trabajo) la colección de imágenes en las que quedó plasmada la tarea de los trabajadores creando un testimonio visual que se convertirá en un hito de la fotografía mundial.
 
Hoy el legado de Lewis Hine se encuentra en diversas bibliotecas e instituciones. Más de 5000 fotografías suyas están en la colección de la  Biblioteca del Congreso Norteamericano, incluyendo varias sobre el trabajo infantil y de la Cruz Roja, así como retratos e imágenes del WPA y el TVA. Otras 10.000 imágenes de su autoría forman parte de  otras colecciones: la George Eastman House y la Albin O. Kuhn Library & Gallery de la University of Maryland, Baltimore County. Su obra fue donada al Museo Internacional de Fotografía George Eastman House, en Rochester, actualmente el principal centro de documentación de su obra.

La exposición “Lewis Hine, la fotografía como crítica social” se puede visitar de lunes a sábados de 10 a 21 hs. y domingos y feriados de 12 a 21 hs. en la sala 21 del Centro Cultural Borges | Viamonte 525, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

11 de enero de 2019

La XVII Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires BA19 tiene fecha para octubre de 2019 en la Usina del Arte


Lo más destacado de la arquitectura y el urbanismo mundial, se presentará del 15 al 26 de octubre de 2019 en la Usina del Arte y convocará a arquitectos representativos de los cinco continentes a relacionarse a través de exposiciones, foros, conferencias y debates con miles de jóvenes universitarios, profesionales y familias. Están confirmados con exposiciones y disertantes, a través de sus embajadas en la Argentina, contenidos de Alemania, Francia, Dinamarca, Suecia, Noruega, Finlandia, España, Italia, Holanda y Australia.
 
Este año se realizará el Workshop Internacional BAhaus, un encuentro con estudiantes
locales y de la Universidad de Stuttgart combinando disciplinas como diseño, arquitectura, arte para desarrollar un proyecto en La Boca con el espíritu Bauhaus. Se sumará, además, el Workshop Internacional Academy van Bouwkunst Amsterdam "El ecositema natural de las ciudades", un encuentro con estudiantes locales y de la Universidad de Amsterdam.
 
También se presentarán la Muestra internacional de premios Global Award for Sustainable Architecture junto a conferencias de sus últimos ganadores, y la muestra Países Nórdicos a cargo de Sergio Danishevsky.
 
Entre los anuncios realizados durante la conferencia de prensa se hizo referencia también a una propuesta de colaboración entre Holanda y Argentina en el marco de la Bienal, liderada por Ana Rascovsky en conjunto con un grupo de arquitectos holandeses. La idea es investigar una temática que sea interesante para Buenos Aires. El grupo de holandeses estará formado por arquitectos de diversas insituciones.
 
Por su parte, un prestigioso grupo de profesionales de todo el globo fue invitado a participar de este acontecimiento de gran relevancia para la industria. Entre ellos se destacan: Elizabeth Diller, Amanda Levete de UK, Ma Yangson (MAD) de Beijing, Octavio Mestre de Barcelona, Boonserm Premthada de Bangkok Projects Studio, el estudio Sauerbruch-Hutton de Berlín, el colectivo Raumlabor de Berlin, Marta Maccaglia Asociaciön Semillas desde Perú y Nina Maritz de Namibia.
 
Dentro de este marco, Buenos Aires se convertirá en un espacio de diálogos culturales entrecruzados, con conferencias de renombrados arquitectos a nivel mundial y exposiciones que pondrán a la arquitectura en un primer plano de conversación.

La Usina del Arte, Espacio Cultural y sede de la Subsecretaría de Gestión Cultural, a cargo de Viviana Cantoni y el Ministerio de Cultura de la Ciudad, será nuevamente la sede de esta edición 2019. Desde allí, también se extenderá su programa hacia toda la ciudad, tomando a la arquitectura como un hecho cultural participativo de interés para toda la sociedad.

La Bienal de Arquitectura de Buenos Aires es uno de los eventos más importantes en su rubro de la región, pionera de las bienales de latinoamérica y reconocida dentro de la trilogía más relevante, junto con la de Venecia y San Pablo.
La organización del evento está a cargo de la Asociación Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires, CAYC y Grupo Mass.

9 de enero de 2019

El Centro Cultural Recoleta reabre sus puertas


Gracias a la obra, que demandó una inversión de 114 millones de pesos, el conjunto de tres edificios históricos que conforman el Recoleta (unos 17 mil metros cuadrados) recobra gran parte del valor patrimonial y arquitectónico de un edificio rediseñado en 1980 por los prestigiosos arquitectos y artistas plásticos Clorindo Testa, Jacques Bedel y Luis Benedit sobre lo que había sido un antiguo convento del 1700.  
"Amor de verano", intervención en la fachada del CCR creada por la artista Yaia
 
El 10 de enero, desde las 18 hs. y hasta la medianoche, el Recoleta reabre sus puertas con una fiesta para adolescentes y jóvenes, y actividades en todas las salas y en Plaza Francia: shows del solista pop Juan Ingaramo y del DJ Villa Diamante como parte de la nueva edición del ciclo Por amor al baile, una competencia de rap, entrenamientos de break dance, shows de beatbox, una feria de fanzines y cómics, un festival de cortos, karaoke queer, ciclo de poesía liderado por mujeres, talleres para adolescentes dictados por adolescentes, teatro por Improcrash, además de la inauguración de muestras de arte visual en las que participan artistas como el colectivo Doma, Grupo Bondi, Elliot Tupac, Pum Pum, Pica Pau y la francesa Séverine Hubard.
Consultá la agenda completa en: http://www.centroculturalrecoleta.org/agenda.  

Ahora el Centro Cultural Recoleta poseerá un mejor equipamiento técnico para los tres mil adolescentes y jóvenes artistas, creadores y activistas culturales que encabezan la programación y los 800 mil visitantes que pasan cada año. La creación de los nuevos espacios permanentes permitirán desarrollar mejor sus actividades durante todo el año. 
DJ Villa Diamante, fundador de ZIZEK Club y productor de mashups conocido por mezclar hip hop, cumbia, folklore y rock 

- Espacio Cultura Hip-Hop dedicado a los cuatro elementos de la cultura hip hop: graffiti, rap, dying y breaking y equipado con cyphers, gradas y mayores comodidades técnicas para shows, clases, entrenamientos, batallas de baile, freestyle y fiestas de hip-hop. El mural de la pared principal del patio fue pintado por Poeta, y Cabaio intervino íntegramente una de las salas como parte de la muestra "Viral Mural", curada por Rodrigo Alonso.
 

Festival Clave 13/17
- Espacio Clave 13/17, pensado para que los adolescentes puedan habitarla de martes a domingo como si fuera su casa, con  sillones y puffs, metegoles, una zona para sacarse fotos y máquinas de comidas y bebidas. En Clave 13/17, un comité de chicos y chicas de 13 a 17 años son curadores y programadores del contenido adolescente de cada domingo y del festival Clave, que se celebra anualmente e involucra música, poesía, artes visuales y nuevas expresiones centennials como el cosplay (amantes de los juegos de rol y el manga que se disfrazan de sus personajes favoritos).
Este espacio fue diseñado por Federico Varone y los murales fueron creados y realizados por la artista Fernanda Calvo para la muestra "Mural Viral".

- La sala de dibujo, con mesas para ilustradores, diseñadores y público en general,
es una zona de trabajo y creación, planeado íntegramente por el grupo El Galpón, un grupo multidisciplinario formado por arquitectos, diseñadores y artistas. Será activado rotativamente por colectivos de ilustradores y artistas del mundo del cómic.

- La sala de estudio, un espacio para estudiar y trabajar equipado con wi-fi, enchufes y puestos para computadoras. Creada también por El Galpón, tendrá muestras permanentes dedicadas al cómic y la ilustración, que servirán de experiencia inspiracional para quienes aprovechen el espacio. 

- El espacio de ocio, una sala dedicada al relax y el ocio creativo: fue también diseñado por El Galpón y es un espacio cómodo, con alfombras para echarse a pensar, crear y despejarse.
También, se encuentran los espacios de talleres y salas de reuniones, diseñados y realizados íntegramente por la artista Inés Raitieri y la tienda,
sobre la entrada principal del Recoleta, diseñada por el reconocido artista visual y director de arte Rodolfo Pagliere, además del nuevo Hall de entrada, sobre la calle Junín, con un mobiliario de diamante de espejo rojo, también diseñado por Pagliere.  

Muestras:

"Amor de verano"
, intervención en la fachada del CCR creada por la artista Yaia.
 
"Estampar el mundo" en la sala 1.
Una muestra en la que nueve ilustradores argentinos crean patterns ilustrados, una pieza de diseño que permiten producir imágenes para luego aplicarlas en textiles, empapelados y objetos.  
Artistas: Juliana Pedemonte, Sol Linero, Regina, Laura Varsky, Ángela Corti, Ana Sanfelippo, Marcos Farina, María Elina Méndez y Mariana Pupé Pereyra.
Curador: Festival Sudestada (Ezequiel García, Alejandro Bidegaray, Pablo Picyk, Ángela Corti, Manuel Forbes).

"Puente - Historieta experimental de Argentina y Brasil" en la
sala 2.
Una exposición de autores de cómics de ambos países que desde hace varios años vienen empujando las fronteras de la viñeta tradicional.
Artistas: Julia Balthazar, Julia Barata, Muriel Bellini, Mateus Acioli, Denny Chang, Juan Narowe, No tan parecidos, Adonis, Puiupo, Iván Riskin, Un Faulduo, El Waibe.
Curadores: Rafael Coutinho y Alejandro Bidegaray.
 
"El último apaga la luz" en las salas 3, 4 y 5.
Artista: Séverine Hubard
 
"Viral Mural" en la sala Cronopios, sala J, sala C, sala L, espacio Hip Hop y espacio Clave. 
Desde que existen las ciudades, los muros son superficies de expresión pública. La exposición Viral Mural parte de esta referencia e invade las paredes del Centro Cultural Recoleta con intervenciones murales realizadas por artistas argentinos y extranjeros que provienen del arte urbano o reflexionan sobre él. 
Artistas: Earth Crusher, Doma, Ale Giorgga, Lu Yorlano, Elliot Tupac, Lacast, Elisa Strada, Fluorencia, Nuria Mora, Tec, Poeta, Malén Pinta, Cabaio, María Noel Silvera, Pum Pum, Unidos Crew, Valeria Calvo, Les soeurs Chevalme, Jorge Macchi y Florencia Aliberti.
Curador: Rodrigo Alonso. Diseño de Montaje: Daniel Fischer.

"Patio de Salvataje #3"
en sala 7.
Muestra de videos y gifs.
Artistas / curadores: Desarmadero (Karina Acosta, Bárbara de Lellis, Nicolás Bertona, María Elisa Luna).

"El juguete rabioso" en la sala 8.
Una muestra de muñecos de autor creados por artistas visuales, ilustradores, animadores, diseñadores, ceramistas y tejedores que proponen una nueva mirada, alejada de los parámetros del juguete tradicional. 
Artistas: Doma, Patricio Oliver, Cristian Turdera, La Barda, NosotrosCinco, Ganz Toll, Lola Goldstein, Bondi, DGPH, Luli Bunny, César Zanardi y Pica Pau.
Curador: Juan Pablo Cambariere.

4 de enero de 2019

El Hotel Panamericano Buenos Aires presenta la exposición “Buenos Aires Atmósfera” de Juan Ranieri


"Tardecita en Anarcolandia" acrílico sobre tela
 
Hasta marzo de 2019 se exhibe en el hall del hotel Panamericano Buenos Aires la exposición “Buenos Aires Atmósfera” de Juan Ranieri, curada por el marchand Roberto García.
“Gentrificación?”, 2018
 
La muestra está integrada por collages y grafitos, diez obras en total, en los que el artista nos presenta su particular percepción de la ciudad de Buenos Aires. Fachadas, trenes, monumentos y edificios, su visión desde la avenida del Libertador hacia el río, modificando los tamaños y las perspectivas,  creando una atmósfera porteña con la que podemos identificarnos.
  
“Formado como arquitecto, Juan Ranieri (Escobar, Buenos Aires, 1969) aborda la actividad pictórica con todos los prejuicios inherentes a su profesión. Entiende la ciudad y la periferia a través de sus patologías estéticas y coyunturales, sin olvidar las carencias éticas de la sociedad contemporánea. Su énfasis en el fracaso de la gestíón política es manifiesto en el metamensaje de sus obra. Utiliza técnicas convencionales como el dibujo en grafito, pintura acrílica, etc. pero también recurre a materiales y procesos que la construcción o la vía pública le proveen, tales como chapas de hierro oxidadas, antióxido, trapos de descarte, pintura asfáltica o masilla elastomérica entre otros. Las obras de Ranieri integran importantes colecciones en Argentina y en el exterior tales como Merril Lynch, Museum of Latin American Art Long Beach CA, Museo Quinquela Martín Buenos Aires, Bunge, Telecom Argentina, Fundación Fortabat y McDonald’s, entre otras.”

"Bienvenidos a La Matanza"
 
La exposición se puede visitar hasta el 18 de marzo de 2019,  todos los días con entrada gratuita, en el hotel Panamericano, Carlos Pellegrini 551, Buenos Aires, Argentina.

3 de enero de 2019

ArteH Espacio Hipercerámico presenta "Pintura pintura" de Daniel Bernal y Eli Hafner


ArteH Espacio Hipercerámico presenta dos muestras, despidiendo de este modo el 2018 y dando inicio a una intensa propuesta de verano con visitas guiadas y artist talks en otras acciones.
En esta oportunidad se cuenta con la curadora invitada Laura Valdivieso quien nos comparte una mirada sobre la “Pintura pintura” a través de dos propuestas individuales de los artistas Daniel Bernal y Eli Hafner en ambas salas del espacio dirigido por el gestor cultural y marchand Daniel Rueda.
 
"Yo no soy John Lennon" de Daniel Bernal
“Esta exposición de Daniel Bernal propone un recorrido por treinta años de trabajo, mediante un selecto conjunto de obras icónicas, elegidas dificultosamente debido a su cuantiosa producción. Dispuesta en forma cronológica, invita a de"scubrir dos líneas paralelas que la atraviesan: una de continuidad y otra de fuertes cambios, especialmente técnicos y algunos poéticos.
Sin muchos rodeos, el color y el tratamiento de las figuras son dos grandes indicadores de su transformación.
 
Daniel Bernal frente a su retrospectica de 30 años en el arte
 
Hay una primera etapa fuertemente monocromática, oscura, dominada por los marrones y grises, con un abordaje de marcada pictoricidad. En estas pinturas, que van desde 1989 hasta fines de los años noventa, el color armoniza con el dramatismo de la narración, y se constituye en un refuerzo expresivo. La figuración, siempre presente, se afilia a un expresionismo tardío que se emparenta con el movimiento de la Trasvanguardia.
A partir del 2000, en cambio, la paleta se vuelve furiosa. Colores primarios y secundarios plenos, saturados y casi puros se instalan en los fondos de los cuadros, los que conviven con un tratamiento de las figuras de carácter hiperrealista, que empieza a tomar fuerza. Una infiltración kitsch o pop se deja ver entrelíneas.” fragmento de texto de Laura Valdivieso, diciembre de 2018.
 
Detalle de la obra de Eli Hafner en pequeño formato
“Esta exposición de Eli Hafner está formada por una serie de pinturas de pequeño formato que encierran escenas cuyo eje central es la vestimenta.”
(…) “Tres aspectos principales se entrecruzan junto con una sensible nostalgia por la pintura costumbrista.
El primero es la temática propiamente dicha. El vestido como eje central de la serie. Las acciones revelan delicados rituales: coser, bordar, vestirse, vestir a otro, elegir accesorios. El atuendo aparece como decidor de muchas cosas. Puede advertir sobre la clase social, el momento de la historia y la cultura de pertenencia. Puede también comunicar información específica, como la soltería o la viudez, la naturaleza de una ocupación o de una religión. La artista propone al vestido como una segunda piel que connota a quienes lo visten.
 
Eli Hafner con su técnica de óleo utilizando agujas
 
El segundo es el encuadre o la composición. Eli crea pequeñas escenas, frontales, organizadas cuidadosamente para entrar en el cuadro. Los personajes parecen conocer que van a estar dentro de una imagen congelada y están dispuestos como para una fotografía documental. Domina la composición central y la mirada a la ‘cámara’.
El tercero es la técnica, mediante el uso de una herramienta insólita: una aguja. Combina la pintura lisa, tradicional, realizada con pincel, con un procedimiento de creación de textura controlada, como si fuera un bordado. El resultado es una sutil línea tridimensional.”  fragmento de texto de Laura Valdivieso, diciembre de 2018.

Ambas muestras permanecerán abiertas al público hasta el 15 de febrero de 2019, de lunes a sábados de 9 a 13 y de 16.30 a 20.30 hs. con entrada libre y gratuita, en ArteH Espacio Hipercerámico, ubicado en Av. Acceso Norte 6.5 KM, Las Heras, Mendoza.