20 de noviembre de 2017

El MUNTREF presenta "Naturaleza viva" en el marco de la BIENALSUR



El MUNTREF Museo de Artes Visuales -sede Caseros- vuelve a ser escenario de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur (BIENALSUR), esta vez con "Naturaleza viva", una exposición de artes electrónicas en la cual la relación entre dispositivos y entornos naturales pone en escena diversos problemas relacionados con el medio ambiente, el cambio climático y la extinción de la biodiversidad, que podrá verse a hasta fines de diciembre de 2017, en Valentín Gómez 4838, Tres de Febrero, provincia de Buenos Aires, Argentina.

El martes 7 de noviembre, Anne Wagner (USA) dialogó con Diana Wechsler sobre curadurías en la Bienalsur, en el Rectorado de UNTREF Sede Juncal. A continuación, el artista Eduardo Kac (BRA) dio una masterclass sobre las relaciones entre el arte, la biología, la biotecnología, la telepresencia y la robótica. Kac explora en sus obras la fluidez de la posición del sujeto en el mundo postdigital, cuestionando la evolución, la memoria y hasta la condición de la creación.

La muestra, curada por Mariela Yeregui y Nara Cristina Santos, es una iniciativa de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) y la Universidad Federal de Santa María (UFSM) y reúne trabajos de artistas desde perspectivas y recortes diferentes.
En la dinámica de vidas artificiales, los seres sintéticos también asumen comportamientos que emulan a los de naturaleza, recuperan sus materialidades o, simple y rotundamente, ponen en crisis miradas celebratorias de la tecnología. 

Los trabajos en esta muestra adoptan formas distintivas, privilegiando la propia autonomía de las partes en el marco de un todo integrado, donde cada una de las entidades es de naturaleza diversa pero en relación de paridad (hombres, plantas, dispositivos, etc.). Sobre todo, delinean otros puntos de vista en relación al contexto, superando la exterioridad de la mirada humanocéntrica para plantear un "estar-siendo" en términos de Rodolfo Kusch: un estar situado en la indeterminación, una humanidad dinámica en un acontecer empírico y particular.

Los artistas que forman parte de la exposición son los argentinos Ana Laura Cantera; Grupo Robótica Mestiza compuesto por Juan Ford, Laura Nieves, Leandro Nuñez, Mariela Yeregui, Miguel Grassi y Paula Guersenzvaig; Paula Gaetano y Gustavo Crembil; los brasileños Fernando Codevilla y Leonardo Arzeno, Raul Dotto y Walesca Timmen, Yara Guasque, Eduardo Kac, Guto Nóbrega y el Grupo NANO, Gilberto Prado y el Grupo Poéticas Digitais, Rebeca Stumm y las mexicanas Gabriela Munguía y Guadalupe Chávez del Colectivo Electrobiota.

16 de noviembre de 2017

FASE 9 fusiona las vanguardias del arte, la ciencia y la tecnología


El viernes 17 de noviembre a las 18 horas, se inaugura en el Centro Cultural de la Ciencia la novena edición de FASE, encuentro que cruza los campos del arte, la ciencia y la tecnología, del cual participan artistas de Argentina, México, Uruguay y Colombia. Además, se desarrolla en cinco sedes, presenta un nuevo formato y nuevos y originales contenidos.  
Bajo el título “Intervenciones y Recorridos”, la novena edición de este festival propone obras de gran originalidad como el contador del fin del mundo y la máquina de producir eclipses.

“El Fin del Sol”, de Alejandro Borsani
 
La primera, “El Fin del Sol”, de Alejandro Borsani apela un cálculo de la ciencia contemporánea según el cual dentro de 14.4 billones de años el sol consumirá todo su combustible y se volverá invisible para el ojo humano. La instalación consiste en un contador digital que se transforma en una cuenta regresiva de 454.118.400.000.000.000 de segundos (la cantidad de segundos en 14.4 billones de años). Utiliza energía solar para alimentar una pantalla de bajo consumo y un micro-controlador encargados de la cuenta regresiva.

Máquina de eclipses”, de Santiago Carlomagno
 
Por su parte, Máquina de eclipses”, de Santiago Carlomagno, es una instalación interactiva que simula un eclipse en tiempo real. Mediante proceso de programación y sensor de movimiento, la obra propone una simulación del fenómeno en la que el propio visitante  producirá un eclipse, moviendo la luna remotamente gracias a un sensor de movimiento (leap motion) que rastreará los desplazamientos de su mano replicándolos en el eclipse que se verá proyectado sobre el muro. 

"Poesía visual" de Alejandro Thorton

FASE 9 presentará un nuevo formato de exhibición y nuevos contenidos coln el objetivo de reflexionar sobre experiencias, acciones e intervenciones artísticas que experimentan modos posibles de producción y exhibición, a partir del trabajo colaborativo y comunitario, el intercambios de disciplinas y el desarrollo de procesos de investigación y creación.
Se instalará en 5 sedes de la ciudad: Centro Cultural Recoleta (CCR), Centro Cultural de la Ciencia (C3), Casa Nacional del Bicentenario (CNB), Centro Cultural Ricardo Rojas y Centro Cultural General San Martín (CCGSM), en diferentes fechas y horarios.
Además, se suman el primer Ciclo de Encuentros de Arte y Tecnología, con invitados internacionales, la Residencia FASE y los match, encuentros de diálogos entre artistas y científicos. 

"TBF_Project The Black Future | Set audiovisual" de Nicolás Vazuez, Amadeo Azar y Mariano Benavente. Conocé este set el 23 noviembre, 17:30 y 19:30 hs. en el CASo de la Casa Nacional del Bicentenario
 
Camino a los diez años, FASE se consolida cada vez más como una plataforma de referencia en el campo del arte, la ciencia y la tecnología, que promueve, estimula y difunde el trabajo de artistas, estudiantes e investigadores.
Se desarrollarán exposiciones y actividades específicas en diferentes soportes artísticos, como arte sonoro, audiovisual, bioarte, performances y sets audiovisuales. Y propuestas tan originales como un Taller de Robótica para Arte Sonoro, abierto para todo el público y un taller de cuerpo, sonido y tecnología dirigido a bailarines, actores, performers y artistas en general.
Además, se llevarán adelante un programa de extensión educativa, charlas, talleres, debates y se presentarán proyectos seleccionados, como performances, set e intervenciones efímeras.

Mas información en: http://www.encuentrofase.com.ar/.

Gallery Days Distrito de las Artes: los barrios de San Telmo, La Boca y Barracas abren sus puertas a los amantes del arte


El 18 de noviembre entre las 15 y las 20 hs, 31 espacios de arte del Distrito de las Artes (nucleado en torno a los barrios de San Telmo, La Boca y Barracas) abren sus puertas y ofrecen actividades exclusivas para los GalleryFriends. El evento es libre y gratuito y lo organiza Arte al Día desde hace 17 años.
 
El Sur de la Ciudad crece con fuerza y se está convirtiendo en uno de los polos de arte más heterogéneos y versátiles de Buenos Aires. Grandes galpones, fábricas abandonadas y las tradicionales casas chorizo se transforman en galerías, centros culturales y residencias para artistas internacionales. Gallery propone descubrir y conocer antes que nadie este fantástico nuevo mundo del arte a través de recorridos urbanos guiados por especialistas, actividades exclusivas, acciones performáticas y aperturas exclusivas de talleres de artistas. El ingreso a todos los espacios que integran el circuito (museos incluidos) es libre y gratuito.

El circuito incluye 31 espacios de arte (galerías, museos, estudios de artistas y espacios
institucionales) que se agrupan en torno a 3 zonas: San Telmo, Usina y La Boca.
En la zona San Telmo, pueden visitarse: el Anticuario Gabriel del Campo (Av. Caseros 461),  las dos tiendas de Candido Silva | Arte Colonial Sudamericano y Artesanías Sudamericanas (Defensa 1066 Locales 13 a 20), Dottore Malatesta (Chacabuco 917), El más acá Club Cultural (Av. Caseros 514), Fundación El Mirador (Av. Brasil 301),  la Galería Buenos Aires Sur (Bolívar 1268) Granada Tienda (Av. San Juan 411), Marcelo Toledo Art Gallery (Humberto Primo 462) y Telmho Boutique Hotel (ubicado en Defensa 1086).
En zona Usina, el punto de encuentro es la Usina del Arte (Agustín R. Caffarena 1) donde pueden visitarse la exposición La Forma de La Boca, con curaduría de Florencia Malbrán (Sala Laberinto), la Usina de Películas Amateurs de Michel Gondry (Salón Mayor/ Espacio Creativo) y Bjork Digital (Bajo Autopista Dique 0). 

Los espacios que integran el circuito son: Barro Arte Contemporáneo (Caboto 531) que además será la galería afitriona del After Gallery auspiciado por Stella Artois y el sello discográfico Otras Formas con la presentación en vivo de Centolla Society a las 20 hs., Caffarena 86: espacio de arte (Agustín R. Caffarena 86),  el Centro Munar (Av. Don Pedro de Mendoza 1555), el Paseo de las Artes (Av. Don Pedro de Mendoza 650), Quadro Galería (Agustín R. Caffarena 199) y Walden (Av. Almirante Brown 808).
En la zona La Boca podrán visitarse: la colección de Fundación Andreani (Av. Regimiento de Patricios 1052 5º oficina 509), Galería Popa (General A. de Lamadrid 882), Isla Flotante (Av. Don Pedro de Mendoza 1561) y 488 Gallery (Benito Quinquela Martín 783). 

Entre los museos que podrán visitarse gratis presentando el pin GalleryFriend, se encuentran el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Av. San Juan 350), que presenta las exposiciones Sin título de Elba Bairon, Joven profesional multipropósito de Sergio Avello; Cómo atrapar el universo en una telaraña de Tomás Saraceno y Episodios Colección Pirovano III: “El camino de la abstracción. Diálogos sobre arte moderno entre Ignacio Pirovano y Tomás Maldonado”; además, a las 15 hs. ofrece una visita guiada por las exposiciones vigentes a cargo del Departamento de Educación del Moderno. También puede visitarse el MACBA - Fundación Rubino (Av. San Juan 328) que presenta la exposición Sutilezas de la línea de Eduardo Mac Entyre, destacado artista geométrico argentino. El Museo de Bellas Artes Quinquela Martín (Av. Don Pedro de Mendoza 1835) exhibe la muestra antológica de Alfredo Lázzari: Todo lugar es también un camino y ofrece dos actividades gratuitas imperdibles: a las 15 hs. la visita especial a la exposición para redescubrir un clásico desde los ojos contemporáneos (duración: 45 minutos) y a las 16 hs. La Boca, un Museo a cielo abierto, visita guiada por el barrio que transformó Benito Quinquela Martín (duración: 45 minutos). Fundación Proa (Av. Don Pedro de Mendoza 1929), por su parte, ofrece la instalación Forever Bicycles de Ai Weiwei en explanada de la Fundación, en el marco de la exposición que inaugura el 25 de noviembre.
 
En esta edición podrán visitarse en exclusiva varios talleres de artistas, lo que permite conocer sus universos privados de creación y conversar con ellos. Los estudios abiertos son: La Verdi (Av. Almirante Brown 726) abre los estudios de Magdalena Petroni, Ariel Montagnoli, Andrés Pasinovich, Ramiro Quesada Pons, Gabriel Chaile y Ernesto Baca; Casa Zur (Av. Brasil 675) con los talleres de José Luis Landet y Lucila Gradin; el estudio Claudia Aranovich (Chacabuco 1444); el estudio taller Creación (Av. Juan de Garay 461), con obras de Natalia Abot Glenz; y Las Meninas galería-taller (Defensa 1066 Local 22), con muestras de Ricardo Curchi, Mario Gallo y Natalia Juarez.
Otra de las actividades especiales de la tarde será el circuito de activaciones performáticas exclusivas, realizadas en el marco de la Maratón de Performance en el Gallery y curada por sus creadoras Dominique Melhem y Bárbara Alonso. Se realizarán activaciones a las 16:30 en Casa Zur, a las 17: 30 en El más acá Club Cultural y a las 18:30 en Colección Fundación Andreani.
 
Entre las novedades del ciclo 2017, se encuentran la asociación con Meridiano, la cámara argentina de galerías de arte contemporáneo, con el objetivo de unir fuerzas para continuar potenciando y fortaleciendo la escena contemporánea del arte porteño; y la alianza con el sello discográfico Otras Formas, que edita discos de artistas plásticos que también hacen música.

Más información en: http://gallery.com.ar/.

Fiat invita a la muestra de Alejandra Quiróz


La marca italiana invita a la muestra de Alejandra Quiróz denominada "Circuito Rosso" que se exhibirá del 16 al 24 de noviembre en Javier Baliña Galería de Arte.


Luego de varias temporadas en las que Fiat se hizo presente mes a mes con muestras de diferentes artistas, en ésta oportunidad presenta una serie de fotografías capturadas en el Autódromo Oscar y Juan Gálvez de la Ciudad de Buenos Aires, en el marco de la competencia "200 Km. de Buenos Aires" , correspondiente al calendario del Súper TC 2000, con la presencia en pista de la categoría Fiat Abarth Competizione.
La técnica utilizada es toma directa digital en color y blanco y negro. Junto a las fotografías se proyectará un video con la artista, realizado especialmente para la ocasión.

Alejandra Quiróz inició su formación en ésta disciplina en la ciudad de Nueva York luego de estudiar Licenciatura en Ciencias de la Comunicación en la UBA. Realizó numerosas muestras individuales; entre ellas en el Centro Cultural Konex, Fundación Alon para las Artes, Centro Cultural Recoleta y Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén. También participó en muestras colectivas y ferias en Italia, España, Australia, Beijín y San Pablo. Fue premiada por la Fundación Bollini, el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, y recibió un galardón por el concurso organizado por el Centro Cultural Konex.

Próximamente expondrá en el Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén, tras haber sido seleccionada en la 3° edición del premio Neuquén Contemporáneo.
Afirma Alejandra: "Circuito Rosso es una muestra que captura momentos fugaces colmados de velocidad, potencia, adrenalina. Se siente el paso del movimiento entre dos instantes, como si estuviéramos en una realidad virtual, somos ese crujir de los motores, somos esa velocidad, esos colores, somos esos pilotos que aceleran como si no existiera nada más afuera. Somos un circuito rojo en acción."

15 de noviembre de 2017

Espacio Pla presenta "#1 Persistencia" de Lucas DM


Espacio Pla presenta #1 Persistencia, muestra de Lucas DM con la curaduría de Lucas Zambrano, que propone una instalación sonora visual espacial temporal, que procesa muestreos sonoros en tiempo real buscando persistir en el espectador la fenomenología de la selección perceptual, alterando el sentido del espacio y tiempo en la sala, produciendo reflejos y transformaciones de la toma original.

En palabras del curador: "un algodón rojizo, repleto de olor a acetona, el traqueteo de la bicicleta al andar, la sonrisa en su boca, el filo del ventilador y la muchedumbre blandiente al salir del subte. Percibir es un acto de selección, fenomenológico, pero también de vinculación. Organizar, interpretar y sincronizar los estímulos pretenden un reflejo de lo otro. 
Tomamos el bondi, nos escurrimos entre los pasajeros, que también somos nosotros, nos sumergimos en una marea de eventos y sujetos que son abordados por el rebote de diferentes ondas: luz, sonido y otros emisores de energía. Todo refleja con todo, como los estímulos, metódicos e inabarcables en su totalidad pero denotados por nuestra atracción, determinados por resonancia, amplificándose al coincidir en frecuencia, anulándose por diferencias de fase."

En este sentido la percepción (visual, temporal, espacial) deriva en una persistencia memorial. Arbitraria y relativa, la percepción es distorsionada por nuestros estados de ánimo: las emociones que nos atraviesan hacen que nuestra percepción varíe, como así también la persistencia del estímulo. Un momento previo al proceso de multiplicación significante que necesita mantenerse eternizado, quieto e inmóvil.

Lucas DM (Buenos Aires, 1980) es vj y artista audiovisual, con bases en ingeniería en informática y diseño gráfico. Desde 2007 explora el campo de la imagen en tiempo real en relación al sonido y el espacio físico, desarrollando herramientas y ecosistemas de software específicos para cada proyecto.
Siempre asociado con diferentes artistas, sus trabajos abarcan desde performances e instalaciones audiovisuales en museos y espacios de arte a shows fulldome cuadrafónicos y desarrollos en grandes festivales.

En planta alta, las Intervenciones #1, #2, #3 y #4 de los artistas Kevin Kripper, Diego Alberti, Sebastián Tedesco, Lolo Armdz, Patricio González Vivo y Manolo Gamboa Naón entran en diálogo con la producción del artista Eduardo Pla en la muestra permanente Historia de un Malentendido, con curaduría de Merlina Rañi y Guido Corallo. La artista Azul De Monte culmina esta serie de participaciones que se dieron a lo largo del año con su obra Intervención #5 que inaugura el sábado 2 de diciembre.

14 de noviembre de 2017

El espacio de arte de la Fundación OSDE cierra el año con una exposición de Fray Guillermo Butler e intervenciones en salitas, vidriera y ascensor


Desde el jueves 9 de noviembre se presenta en el espacio de arte de la Fundación OSDE la exposición "Fray Guillermo Butler (1880-1961). La imagen sin tiempo", con curaduría de Tatiana Kohan.


Fray Guillermo Butler. "Hora del Crepúsculo 
(Paisaje de Córdoba)" o "Crepúsculo", 1923, óleo s/cartón. 67 x 100. 
Colección MPBA "Rosa Galisteo de Rodríguez" - Gobierno de Santa Fe 
 
La exhibición, de más de ochenta obras, se organiza alrededor de diferentes temáticas trabajadas por el artista: paisajes europeos, arboledas, claustros solitarios, pintura religiosa y serranías cordobesas. El conjunto se completa con sus proyectos de murales para la Iglesia de Villa María, vitrales e imágenes de los murales cerámicos emplazados en la estación Plaza Italia de la línea D del subte. A su vez, se exhibe una selección de tintas y lápices, dibujos que partieron de la observación directa de la naturaleza y fueron realizados al aire libre.
La doble condición de Butler -artista y sacerdote dominico- hizo que muchas veces su obra fuera interpretada en clave religiosa. La crítica dotó a sus pinturas de un velo místico y lo analizó como un solitario, olvidando que se relacionó con artistas que promovieron la renovación de las artes visuales locales del período tales como Pablo Curatella Manes, Juan Manuel Gavazzo Buchardo, Alfredo Guttero, Octavio Pinto y Miguel Carlos Victorica.

Fray Guillermo Butler. "Paisaje de las Sierras de Córdoba", 1935, 
óleo s/tela. 35 x 50. Museo Municipal de Bellas Artes Tandil 

Asimismo, también se relacionó con un artista que fue muy influyente en sus ideas sobre la pintura: el artista y teórico francés Maurice Denis. A través de su concepción del arte hacía una lectura crítica de la producción contemporánea y valoraba una línea que tomaba como referentes a los artífices de la Edad Media y se distanciaba del ilusionismo renacentista.
Esta valoración del quehacer medieval se vincula con su interés por el trabajo con distintas técnicas, muchas de ellas consagradas -como el temple y el óleo- y otras consideradas menores -omo el pastel y la acuarela-. Asimismo, concibió obras para ser emplazadas en ámbitos específicos: murales sobre tela en la iglesia de Villa María -en la exposición se exhiben bocetos de los mismos-; murales mosaicos en el subte; vitrales en iglesias, capillas y residencias particulares. 
 
Fray Guillermo Butler. “Nápoles octubre 24 de 1955”, tinta, lápiz 
y lápiz color s/papel. 8,5 x 13. Colección particular
 
Así, la materialidad de sus obras tiene un espacio especial en la exposición, donde se pueden ver los distintos soportes sobre los que trabajó Butler -tela, madera, papel-, junto con los procesos de restauración que atravesaron algunos de sus proyectos y las ilustraciones realizadas por él para distintas publicaciones editoriales. 
Butler fue un religioso que concentró su atención en el paisaje, situando su mirada por fuera de los muros de la iglesia, enlazando de esta manera su pensamiento plástico con el de muchos de sus contemporáneos. La representación paisajística fue un tópico importante en la producción plástica de la época, a través de él se intentaba representar el ethos nacional.
Sus paisajes parecieran darnos una imagen idealizada de su tiempo, prácticamente no hay huellas del paso del hombre por ellos: el mundo del trabajo y la industrialización están ausentes, así como episodios clave de la primera mitad del siglo XX tales como las guerras mundiales, la crisis del 30, los golpes de estado, la guerra de España, el peronismo, la guerra fría. Sus imágenes se mantienen a distancia, parecieran ser paisajes tipológicos, una obra detenida y sin contingencias, una imagen que pareciera situarse fuera del tiempo. 

Fray Guillermo Butler. S/T, 1908, óleo s/cartón. 23,5 x 17.
Colección particular
Juan Butler nació en 1880 en la ciudad de Córdoba. Ingresó a la orden de predicadores de Santo Domingo a los dieciséis años. Luego de ordenarse sacerdote en 1907, eligió llamarse con el nombre de su padre, Guillermo. Sus primeros estudios de pintura los realizó con Honorio Mossi y Emilio Caraffa. 
En 1908 viajó a Roma con la finalidad de estudiar derecho canónico, para finalmente dedicarse a estudiar arte en la Academia libre de Florencia. En esa ciudad conoció la obra del Beato Angélico, figura que Butler reconoció como la más influyente en su carrera artística. Luego obtuvo una beca otorgada por el Congreso de la Nación y estudió pintura en París en la Academia Julian. Allí formó parte de la “Asociación de Artistas Argentinos” y de la “Asociación de Artistas Cristianos”, vinculándose con Victorica, Guttero, Curatella Manes y Maurice Denis. Aprovechó su estancia parisina para viajar por Europa y realizar apuntes de sus paisajes.
De vuelta en el país alternó estadías en Buenos Aires con otras en Córdoba. Desde el año 1915 participó del Salón Nacional, siendo reconocido en 1925 con el primer premio por su pastel Paisaje de Córdoba. Simultáneamente, Butler envió obra regularmente a salones municipales y provinciales tales como de La Plata, Mar del Plata, Rosario, Santa Fe, Tandil, entre otros, en los que obtuvo diversas distinciones.
Fue uno de los miembros fundadores de la Academia Nacional de Bellas Artes en 1936, y en 1939 abrió la Academia de Bellas Artes “Beato Angélico”, institución a la que se mantuvo ligado hasta su muerte, en 1961.
Fray Guillermo Butler. S/T [boceto para vitral], s/f, lápiz y acuarela s/cartón. 38 x 32,5. Colección particular
En el marco de la exposición se han programado las siguientes actividades:

Jueves 23 de noviembre a las 18 hs: encuentro con la curadora Tatiana Kohan, que realizará un recorrido por la sala, dando cuenta de los distintos ejes que articulan la exposición.

Jueves 30 de noviembre a las 18 hs: mesa redonda "Paisaje, religiosidad y materialidad en torno a la obra de fray Guillermo Butler".  Participan: Alejandro Bustillo, Alejandra Niño Amieva, Graciela Silvestri y Graciela Taquini. Modera: Tatiana Kohan.

Jueves 11 de enero a las 18 hs: encuentro con la curadora Tatiana Kohan, que realizará un recorrido por la sala, dando cuenta de los distintos ejes que articulan la exposición.

Simultáneamente, Laura Viñas presenta en las salitas del Espacio de Arte de la Fundación OSDE la intervención "Tiempos distintos y distantes."
Los paisajes que invaden la arquitectura son construidos, inventados, elaborados a partir de la percepción de los mismos, para crear nuevos lugares. Partes de fotos de distintos años componen una nueva imagen donde habitan tiempos distintos y distantes. 
En palabras de la artista: “Las imágenes que presento no están limitadas por marco alguno, tampoco poseen puntos de vista definidos. Son paisajes volátiles, apenas suspendidos, que desbordan, que se ajustan, que habitan las salitas, testigos silenciosos de bonanzas lejanas.”

Tadeo Muleiro presenta en la vidriera la intervención "Haqaypacha". 
En quechua "mundo de afuera" o "el mundo de lejos", Haqaypacha es un plano afuera del tiempo y el espacio, uno de los tres planos de los que estaba compuesto el mundo según la mitología Inca.
A través de esculturas blandas realizadas en tela, recurrentes en su obra, el artista busca en sus palabras "dar cuerpo y forma a una posible visión de esta supra-realidad". En esta oportunidad, rasgos de máscaras primitivas, disfraces de carnaval norteño y superhéroes, refuerzan la idea de lo híbrido -que también se reitera en su producción- convirtiendo a la vidriera en otra dimensión.

Luego de su itinerancia por distintas casas, galerías, talleres educativos, "En el fondo de todo hay un jardín", obra de Mariela Yeregui, llega al Espacio de Arte de la Fundación OSDE para intervenir el ascensor, que al igual que las Salitas del primer piso, conserva las características arquitectónicas de principios del siglo pasado cuando el edificio albergaba a la mueblería MAPLE. 
La obra de Yeregui surge de la contemplación constante del Olimpo, un ex centro clandestino de detención, y de la idea de que en el fondo de todo, incluso del terreno del horror, crece un jardín. "... Pero también puede ser un jardín personal, íntimo, que crece en el alma. Es un jardín de luz, es un espacio incipiente que puede dilatarse, expandirse y eclipsar las sombras", en palabras de la artista.

Todas las obras que se exhiben en el espacio de arte de la Fundación OSDE  podrán visitarse hasta el 13 de enero de 2018, de lunes a sábados de 12 a 20 hs. con entrada libre y gratuita, en Suipacha 658, primer piso, Buenos Aires, Argentina. Domingos y feriados cerrado. 

Tiemda FCH invita a conocer la nueva obra pictórica de Leticia Churba: "Cactus"


La obra de Lerticia Churba consta de 16 obras realizadas en el taller del maestro Ariel Mlynarzewicz. “Son obras realizadas en acrílico pintado sobre tela y tratan sobre la exploración de la trama abstracta transformada y resignificada con elementos realistas que intervienen el plano. Un mundo imaginario que juega con el plano gráfico y la profundidad 3D”, cuenta Leticia Churba.


Leticia se recibió de diseñadora gráfica en la UBA y el diseño se fue manifestando a lo largo de su vida en múltiples facetas. Es una de las creadoras de la marca de accesorios de moda Perfectos Dragones. Desde hace unos años se perfecciona en las artes culinarias y recientemente inauguró junto a Fernando Castañares, un café en Nuñez al que llamaron Très Café & Picoteo.

Inauguración: jueves 16 de noviembre a las 19 hs. en tienda fCH, Paraná 1172, Buenos Aires.

El artista Luis González Oliva cierra el ciclo Hacedores en espacio Cetol


Cetol presenta la última muestra del ciclo 2017: Hacedores. En esta oportunidad el artista Luis González Oliva expone una serie de obras en las que retrata gente de buena madera, un homenaje a grandes hacedores del arte

A partir de su técnica de taladro sobre madera logra materializar retratos con una fidelidad admirable. Personajes como: Frida Khalo, Andy Warhol, Jackson Pollock, Pablo Picasso, Marina Abramovic, Francis Bacon y Mr. Brainwash, entre otros, son los protagonistas de sus obras, quienes han puesto el hacer por sobre la inspiración.

Según el artista, después de una larga búsqueda experimentando, tratando de  atrapar la luz y la sombra que se crea a través de los agujeros, descubre que la obra estaba en el conjunto de éstos y la imagen que producen. Este fue el punto de partida para probar diversos métodos y materiales hasta llegar a lo que muestra hoy. La madera como  material de soporte, potencia y maximiza la obra, su nobleza y su uso novedoso, provocando un resultado que  genera un gran atractivo.
 
Luis Gónzalez Oliva. "Mr. Brainwash (artista plástico)
Esta serie de obras busca reinterpretar cada imagen en una nueva lectura, trabajando con minuciosa, metódica y estricta dedicación gráfica, resignificando la técnica del Puntillismo.  Realizando cuidadosamente pequeños agujeros en la madera se crea una nueva imagen pictórica. Representar retratos de artistas como Ai Waiwai, Warhol, Marina, Yayoi, Marta, Basquiat, es un gran desafío. 

“La versatilidad del material y la creatividad de los artistas nunca dejan de sorprendernos. Esta muestra concluye a la perfección el ciclo Hacedores. Las obras fusionan una serie de variables sorprendentes. Se une el trabajo de un artista hacedor, quien retrata gente de buena madera y además lo hace sobre el material noble, potenciando sus beneficios y capitalizando su calidez, para trasladarla a sus obras, permitiendo que sus personajes cobren vida y duren más entre nosotros”, destacó Cecilia Ferrario, Gerente Departamental de Marketing de Marcas Especiales de AkzoNobel Argentina.

La muestra puede visitarse de manera gratuita desde 16 de noviembre hasta el 18 de diciembre en espacio Cetol (Avenida del Libertador 6188), de lunes a viernes de 9 a 19 horas. Para informarse sobre la agenda de actividades de la marca puede visitarse su web: www.cetol.com.ar.

13 de noviembre de 2017

La galería de arte Ruth Benzacar presenta “Camarote equivocado" de Sebastián Gordín



El miércoles 15 de noviembre de 18 a 21 hs. la galería de arte Ruth Benzacar inaugura “Camarote equivocado" de Sebastián Gordín, última muestra de la temporada 2017.

Un crucero, compartimentos preparados para alojar a los pasajeros de modo temporario, mientras se surca mar abierto, se atraviesa la línea imaginaria del Ecuador, se participa de una fiesta de disfraces para la cual sólo se tienen dos palabras y un ojo en compota como única posibilidad. Recorremos alocadamente la cubierta inferior, abriendo puerta tras puerta. ¿Cuál es el camarote correcto? ¿Es el espectador el equivocado, es el artista, son las obras o es el encuentro equívoco entre ellos?

Diseño de exhibición: Mariano Pensotti, Gustavo Doliner, Sebastián Gordín. Arquitectura y producción: Gustavo Doliner.

La muestra se puede visitar hasta el sábado 6 de enero de 2018, de martes a sábados de 14 a 19 hs. en Ramírez de Velasco 1287, Villa Crespo, Buenos Aires, Argentina.

El Fondo Nacional de las Artes presenta la muestra “Victoria Ocampo. Construcciones y escenarios” en la Casa de Victoria Ocampo


A partir del jueves 2 de noviembre se puede visitar esta muestra que recorre la vida de la polifacética escritora argentina en la Casa Victoria Ocampo del Fondo Nacional de las Artes.

Con la curaduría de Ernesto Montequin y Fabio Grementieri, la exposición “Victoria Ocampo. Construcciones y escenarios” está compuesta por fotos, archivos, cartas con el arquitecto Le Corbusier, planos y archivos de la Revista Sur que revisan los distintos aspectos de la vida de la célebre y polifacética escritora  argentina.

“Mujer de letras llevar, madre fundadora de la arquitectura moderna argentina, activista de la música de vanguardia, mecenas de la literatura hispanoamericana del siglo XX, Victoria Ocampo (1890-1979) combina elementos de distintas disciplinas para construir una figura pública única en el país. En el recorrido que la lleva a su régie definitiva, plasmada en el “Olimpo” de Sur y en el “Parnaso” de Villa Ocampo, Victoria expone sus transformaciones: niñez decimonónica, adolescencia belle époque, juventud hispano-criolla, adultez moderna”, explican los curadores.

Se puede visitar de martes a domingos, de 12 a 20 horas, con entrada libre y gratuita, hasta el 31 de enero de 2018, en Rufino Elizalde 2831, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

12 de noviembre de 2017

Una muestra sobre Alberto Sordi en el CCK repasa vida y obra del cineasta italiano


El CCK inauguró el 2 de noviembre una muestra dedicada al actor y director italiano Alberto Sordi (1920-2003), cuyo recorrido atraviesa distintas etapas de su vida y trayectoria artística, como  su participación en el festival de Mar del Plata, en 1968.
Con la organización del Ministerio de Cultura de la Nación, el Sistema Federal de Medios y Contenidos Públicos (SFMCP) y la Società Italia Argentina (SIA), la exposición cuenta con diversas fotografías, afiches, videoinstalaciones, objetos personales y testimonios de Sordi, quien retrató con gran estilo a los personajes tragicómicos de la Italia de posguerra.

Alberto Sordi, 1980
 
Su prolífica filmografía -realizada desde los años 40 hasta la década del 90 inclusive- fue muy popular en distintas partes del mundo, con obras como Un italiano en América (1967); Mientras hay guerra, hay esperanza (1974); Encuentros prohibidos (1998), entre otras.
"Alberto Sordi fue uno de los mejores actores del siglo pasado. Cuando uno ve a Sordi en la pantalla, sabe lo que va a venir. La mejor y, al mismo tiempo, la peor versión del género humano. Y uno va a reír, o a llorar. O a llorar mientras se ríe", declaró el Ministro de Cultura de la Nación, Pablo Avelluto. "Alberto Sordi es el cine italiano. Vea usted a Sordi y se verá a sí mismo", continuó. 
Giorgio De Lorenzi, presidente de la asociación cultural bilateral de la SIA, quien, junto al Ministerio de Cultura de la Nación, colaboró e impulsó la iniciativa, aseguró que "Sordi interpretó genialmente al italiano con sus defectos y virtudes, víctima y héroe durante cien años de historia, por eso el subtítulo de la muestra es 'Historia de un italiano'".
La exposición del protagonista de “Un americano en Roma” tendrá sus puertas abiertas al público hasta el 27 de noviembre.

11 de noviembre de 2017

Noviembre Electrónico 2017 del 10 al 26 de noviembre en el Centro Cultural San Martín, el Planetario Galileo Galilei y el CCK


Desde el viernes 10 y hasta el 26 de este mes se realiza la sexta edición de Noviembre Electrónico, el encuentro que une las artes electrónicas y la cultura digital, un festival que combina la reflexión y la producción en torno al arte, la ciencia y la cultura.
 

Si bien las exhibiciones y actividades disciplinares se llevan a cabo en el Centro Cultural San Martín (Sarmiento 1551), se presentan obras de cine inmersivo en el Planetario Galileo Galilei (Av. Sarmiento y Belisario Roldán) y por primera vez, la actividad musical y de visualizaciones experimentales en tiempo real se realizan en conjunto con el CCK (Sarmiento 151).
 
Entre el 12 y el 19 de noviembre se exhibe "Realizades Alternativas" en la sala E del Centro Cultural San Martín, nueve proyectos de documentales interactivos de Sheffield Doc/Fest 2017, especialmente seleccionados para exhibirse en gira por Latinoamérica. Este tour, apoyado por el British Council, invita al público a experimentar obras de caracter documental a través de soportes de realidad virtual. Varios de los proyectos fueron traducidos al español y portugués especialmente para el tour.

En el patio cubierto del CCSM se presenta "ALADA" (Artefacto Laminar Algorítmico Digital-Analógico), un proyecto experimental que combina morfogénesis paramétrico-analógica y fabricación digital en un proceso de descubrimiento arquitectónico-espacial a partir de la flexibilización por corte, que deriva en una operación metafórica, una suerte de captura cinemática simultánea de un extraño ser alado al estilo Muybridge.

El hall de entrada se presenta "C.S.U - Constructores de sistemas utópicos", una instalación robótica de Ricardo Iglesias y Proyecto Untitled, producida por las universidades Maimonides y de Tres de Febrero.
En la sala B, Biopus presenta "Uturunku" (jaguar), una instalación que se presenta como un espacio ritual, frente a un hombre contemporáneo falto de religiosidad, deseoso de buscar espiritualidad en cuanto relato pseudo científico/religioso encuentra.

De miércoles a domingos y feriados, entre las 13 y las 20 hs, en el quinto piso del CCK (Sarmiento 151), podrá visitarse la muestra "Klang", una exhibición inmersiva y sensorial dedicada a los inicios de la música electrónica y concreta en la Argentina. La muestra, ideada por Gustavo Mozzi (Director del CCK), cuenta con la investigación de Laura Novoa, la conceptualización de Wustavo Quiroga y la puesta y el diseño de Alejandro Ros (referente internacional del diseño gráfico para música). Su emplazamiento en el espacio Sonido y Arte Digital del CCK busca generar un puente entre los inicios, la tradición y las últimas tecnologías.

Además, en Milión (Paraná 1048) se presenta "Pase y cierre la puerta", un ciclo de arte vivo que convoca a diferentes artistas de distintas disciplinas (tv, cine, moda, teatro, plástica, danza, arte digital, fotografía, etc) a construir ocho habitaciones que trasforman el tiempo simultáneamente durante tres horas.
 
Forman parte de Noviembre Electrónico: Antevasin, encuentro entre científicos, ingenieros y artistas (21 de noviembre, de 19 a 22 hs.); Artmedia, el evento anual de diseño, arte e innovación tecnológica de la Escuela de Comunicación y Diseño Multimedial - Universidad Maimónides (23 de noviembre, de 18 a 21 hs.); Festival FASE: intervenciones y recorridos (22 al 26 de noviembre, de 15 a 21 hs.), que propone reflexionar sobre experiencias, acciones e intervenciones que experimenten nuevos modos posibles de producción y exhibición, a partir del trabajo colaborativo y comunitario, el impulso de intercambios disciplinares, y el desarrollo de procesos de investigación y producción que interceptan los campos del arte, la ciencia y la tecnología.

Entre los Workshops, se destaca el curso de Bioarte a cargo de Joaquín Fargas. Con la colaboración del taller de bioarte de la Universidad Maimónides y en el marco de actividades de extensión del Premio ArCiTec, la propuesta contiene un panorama de la historia del bioarte en el mundo. El curso es teórico práctico incluyendo experiencias como la extracción de ADN y visitas a laboratorios.

 
Cabe destacar el "Concierto de Música Visual en Fulldome. Understanding Visual Music" en el Planetario Galileo Galilei, el viernes 24 y el sábado 25 de noviembre.
Las obras que serán exhibidas fueron desarrolladas durante el primer taller Fulldome - UVM 2015/2016 organizado por el Centro de Experimentación e Investigación en Artes Electrónicas de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (CEIArtE-UNTREF) y el Planetario “Galileo Galilei”, en  colaboración con UNTREFMEDIA, la Universidad Tecnológica Nacional y el Centro Cultural San Martín.
El taller ofreció a los equipos participantes - seleccionados a partir de una convocatoria internacional abierta - una serie de encuentros con artistas, investigadores, técnicos, curadores y productores de distintos países, quienes compartieron sus conocimientos para la realización audiovisual en formato Fulldome. Cada equipo tuvo la oportunidad de experimentar e ir creando a lo largo de varios meses sus piezas, todas ellas especialmente concebidas para este formato inmersivo.

En la sala 1 y 2 del CCSM se presenta el Festival Drone Buenos Aires, exhibición de cortometrajes realizados con tecnología drone. El objetivo del festival es la promoción del uso creativo, artístico y responsable de la tecnología audiovisual drone. Se propone también como un puente entre el público y esta nueva técnica, fomentando la transmisión del conocimiento necesario para estimular los planos de investigación, desarrollo, fabricación y uso, estimulando así nuevas oportunidades de trabajo.
Para conocer toda la programación del festival, podés consultar la web: http://www.noviembreelectronico.elculturalsanmartin.org/.
 

9 de noviembre de 2017

Betina Balmaceda y Carolina Carubin exponen en el Espacio Ferrari del Patio Bullrich


Hasta el 21 de noviembre se exhibe “Entrelazando Historias”, un muestra de las artistas Betina Balmaceda y Carolina Carubin, con la coordinación de Lucila Isaurralde, en el Salón Ferrari del Gruppo Modena, ubicado en el segundo nivel del Patio Bullrich, Posadas 1245, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Paula Rivero, Betina Balmaceda, Carolina Carubin y Lucila Isaurralde 
 
Betina Balmaceda nació en San Juan, Argentina, en 1969 y vivió allí hasta los 26 años. Luego, por motivos familiares se radicó en diferentes lugares del interior del país y del exterior donde se nutrió de su cultura y de su arte, tomando clases y participando de exposiciones.

Obra de Betina Balmaceda
 
Apasionada por las texturas y los colores desde muy corta edad, investigó de manera autodidacta disfrutando ensayos de prueba y error. Con el paso de los años encontró un lenguaje propio, identificándose plenamente con una técnica mixta en la que papeles, telas, hilos, pintura y antiguos cristales de anteojos en desuso se incorporan con costuras y bordados y generan una multiplicidad de texturas visuales y táctiles. Busca generar un impacto visual y un misterio que atrape al espectador y que provoque en él la necesidad de recorrer cada centímetro de la obra y de sumergirse en ella para seguir descubriendo ese mundo de colores y texturas que tanto la apasiona y la inspira a seguir pintando.

Obra de Betina Balmaceda
 
Betina es arquitecta, recibida en la Universidad Nacional de San Juan, Argentina. Realizó cursos de dibujo con distintos medios (lápiz, carbonilla, pastel, tintas); cursos y seminarios de pintura con múltiples técnicas (acrílico, óleo, acuarela) y diferentes superficies de soporte (tela, madera, porcelana); cursos de arte abstracto, de vitrales y mosaiquismo. Actualmente asiste al taller de Paula Rivero donde continúa explorando nuevas técnicas, materiales y soportes de obra.

Obras de Carolina Carubin
 
Carolina Carubin es argentina, nacida en 1971. Se recibió de arquitecta en la Universisad de Mendoza en 1997.
Trabajó como arquitecta en el area de proyectos de viviendas en la provincia de Mendoza, desde 1997 hasta 2012. En 2012 se trasladó a Buenos Aires donde comenzó estudios de pintura en el taller de la artista Paula Rivero, donde continua hasta la actualidad. Ademas asistió a diversos seminarios de critica e historia del arte en la Universidad de Belgrano.
He participado en numerosas ferias de Arte como BADA o Arteespacio, en Buenos Aires donde tambien comercializa su obra.

8 de noviembre de 2017

Este viernes: última edición del Gallery Nights Retiro+Recoleta


El viernes 10 de noviembre a las 18 hs. les espera una nueva oportunidad de vivir una noche diferente, ya que galerías y espacios de arte abrirán sus puertas en el marco de la última edición de Gallery Nights 2017. Hasta las 21 hs. tendrán la oportunidad de convertirse en verdaderos conocedores de la escena artística de la ciudad y disfrutar de una noche con arte, música y novedades.

El circuito Retiro / Recoleta se caracteriza por concentrar un gran número de galerías especializadas en pintura y escultura de los grandes maestros del arte argentino que a la vez conviven con propuestas sumamente contemporáneas de galerías más jóvenes. En el recorrido de Gallery se suman además espacios de arte institucionales, tiendas de diseño y hoteles, poniendo de manifiesto la heterogeneidad y versatilidad de esta particular escena cultural de la ciudad.


Hay muchas formas de recorrer los espacios que integran el circuito Retiro + Recoleta: se puede armar el recorrido según intereses personales descargando el mapa completo en: www.gallery.com.ar, acercarse a los checkpoints donde orientadoras especializadas brindan información sobre cada espacio, o tomar uno de los Gallery Tours gratuitos (visitas guiadas por un especialista). Hay 3 tours para elegir: uno que sale a las 18.30 hs. de Colección Alvear de Zurbarán (Av. Alvear 1658) y pasa por Galería Rubbers, Cecilia Caballero Arte Contemporáneo, Miranda Bosch Gallery, Solsken y galería Del Infinito; otro que sale a las 19 hs. de Aldo de Sousa (Arroyo 858) y pasa por RGII, Espacio_tomado.2 en el Hotel Own Recoleta, galería Vasari y galería Palatina; y otro que sale a las 19.30 hs del Hotel Panamericano (Carlos Pellegrini 551), desde donde realizaremos una caminata nocturna por calles y arquitecturas legendarias y visitaremos galerías especializadas en arte de Grandes Maestros Argentinos.


Este evento, organizado desde 2001 por Arte al Día, es de entrada libre y gratuita. Se sostiene gracias al apoyo incondicional de empresas como Grupo OMINT, Hotel Panamericano, Laboratorios Dihemo y Palacio Duhau - Park Hyatt Bs. As., y los media partners Diario La Nación, Muchnik & Co. y Distrito Arte. Cada encuentro se condimenta convidando a los asistentes con una copa de vino cortesía de Bodegas Catena Zapata o una botellita de cerveza Stella Artois.

Malba se renovó para mejorar la experiencia de los visitantes


A 16 años de su fundación -en septiembre de 2001- Malba encaró un ambicioso proyecto de reforma de la planta baja de su edificio, para mejorar el acceso, la circulación, la comunicación y la calidad de los servicios ofrecidos a los visitantes. La obra surgió como respuesta al rápido crecimiento y posicionamiento de Malba en la escena artística y cultural de la Ciudad y a la necesidad de ampliar su hall central, debido al incremento de las audiencias, que eligen el museo como un punto de encuentro y centro de participación. 


La remodelación estuvo a cargo del estudio Herreros, quien creó un proyecto con el fin de mejorar el acceso, la circulación, la comunicación y la calidad de los servicios ofrecidos a los visitantes. Con base en Madrid, el estudio Herreros realizó importantes proyectos en el mundo del arte -como el Museo Edward Munch en Oslo y la remodelación de las áreas expositivas del Museo Reina Sofía en Madrid- y eligió a Neolith, la superficie compacta sinterizada de piedra natural, para formar parte de su obra debido a sus características distintivas y ventajas.
La reforma alcanza las áreas de acceso, recepción, informes, amigos, biblioteca, tienda, restaurante y baños. Neolith se colocó sobre superficies existentes, lo que permitió realizar la obra sin demolición, acortando los tiempos de trabajo y reduciendo el polvo en la obra, algo muy relevante para cuidar las obras de arte del museo. Este enfoque de proyecto permitió colocar 1000 m2 de material cerrando el museo por sólo tres semanas. Neolith se utilizó combinando modelos de medida fija y cortes a medida, lo cual permitió en balance perfecto entre una estética sofisticada y una velocidad de avance ambiciosa.

“El proyecto se propone transformar el hall del museo en una suerte de plaza pública interior: un espacio que al tiempo que resuelve las nuevas necesidades derivadas del crecimiento del museo en los últimos años, ofrece un lugar amigable e inclusivo, capaz de inscribirse en la vida cotidiana de los visitantes por su simplicidad. Este lugar, que es dinámico pero que también invita al descanso, actúa como transición amable entre la ciudad y las salas expositivas, entre el público y el arte, visibilizando la misión del museo contemporáneo como lugar de reflexión sobre el mundo que habitamos”, explica Juan Herreros, socio fundador del estudio, quien define al proyecto como una gran instalación construida totalmente en seco que no pretende competir ni afectar al edificio original del Malba –resultado de un concurso público internacional, que ganó el estudio cordobés AFT (Atelman, Fourcade y Tapia), sino estimular el interés de los visitantes por el arte contemporáneo a través de la reducción de la solemnidad y las complejidades.
 

Con el objetivo principal de mejorar la experiencia de los visitantes, se propuso ampliar el área de acceso y recepción en un gran espacio central, que permite a simple vista localizar las diferentes propuestas y servicios. La operación principal, que implica la transformación de unos 1000m2, contempla la igualación de los pisos en una superficie común y el desplazamiento de la isla de informes y cajas hacia uno de los laterales del edificio, con la incorporación de un sistema de pantallas como soporte de comunicación, digital y dinámico.
 

La tienda, a su vez, pasa a ocupar un espacio central sobre las escaleras principales; mientras que los baños son remodelados para adaptarse a las necesidades de un museo contemporáneo. El restaurante, además de su remodelación total e integración al hall del museo, tendrá además un nuevo concesionario: Ninina, que contará con una superficie total de 330 m² más una terraza con deck con capacidad para 58 cubiertos. Estará abierto de lunes a viernes de 08 a 22 hs. y los sábados y domingos de 09 a 22 hs., ampliando el rango horario para acompañar a las diferentes actividades del museo como las funciones de cine, cursos y conferencias, entre otros. (+ info de Ninina: http://www.malba.org.ar/ninina/).
El museo reabrió el jueves 2 de noviembre con la inauguración de la muestra “México moderno. Vanguardia y revolución.”, compuesta por un conjunto de 170 piezas emblemáticas de más de 60 artistas, incluyendo a los más grandes maestros de la primera mitad del siglo XX: Frida Kahlo, Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Leonora Carrington, entre otros.