22 de septiembre de 2018

El Museo de Arte Tigre exhibe los grandes exponentes del arte argentino en su colección


Con el objetivo de acercar su patrimonio cultural a vecinos y turistas, presenta piezas de artistas como Antonio Berni, Fernando Fader, Raúl Soldi, María Obligado De Soto y Calvo, Santiago Cogorno y Norah Borges, entre otros. La entrada es gratuita para los vecinos de Tigre.

Antonio Berni. Changuita con zapallo, óleo sobre tela, 1953
En el marco de una política cultural que busca acercar a los vecinos y turistas las obras de arte del patrimonio municipal, el Museo de Arte Tigre inauguró una muestra que incluye más de 50 piezas de artistas de la talla de Antonio Berni, Fernando Fader, Raúl Soldi, María Obligado De Soto y Calvo, Santiago Cogorno y Norah Borges, entre muchos otros. Las piezas de arte están exhibidas en tres salas de la planta baja del museo, y cada una de ellas representa una temática diferente. La entrada es gratuita para los vecinos de distrito.
 
Santiago Cogorno. Figura recostada, témpera sobre papel, 1943 
 
“El Delta del Paraná. Paisaje único” exhibe las pinturas de Fermín Eguía, Pablo Pater, Fausto Eliseo Coppini, Famuceno Oroquieta, Juan León Pallière, Ernesto Valls, Jorge Beristayn, Luis Aquino, Jorge Larco, Carlos Barberis y María Obligado De Soto y Calvo.
Mientras que “Retratos y figuras. Itinerario” presenta obras de Santiago Cogorno, Cesáreo Bernaldo de Quirós, Norah Borges, Raúl Soldi, Miguel Diomede, Valentín Thibon de Libian, Severo Rodríguez Etchart, Emilio Caraffa, Francisco Parisi, Waldimiro Melgarejo Muñoz y Antonio Berni.
 
Fermín Eguía. Serie del Delta, técnica mixta sobre papel, 1989 
 
Finalmente, en “Paisaje Infinito” se destacan los trabajos de Fernando Fader, Faustino Brughetti, Luis Cordiviola, Cupertino del Campo, Atilio Malinverno, Armando Repetto, Miguel Carlos Victorica, Carlos de la Torre, LuisTessandori, José Malanca, Jacques Witjens, Léonie Matthis, Stephen KoekKoek, Cleto Ciocchini y Carlos Pablo Ripamonte.
El museo, que desde junio es dirigido por Graciela Arbolave, posee una colección propia conformada por más de 200 obras de renombrados artistas, en su gran mayoría argentinos, que a través de distintos géneros como paisaje, retrato e imágenes del Delta, ilustran tipos y costumbres del país y comunidades que forjaron la nación.
 
Miguel Carlos Victorica. Viejo leyendo, óleo sobre tela, 1927
El Museo de Arte Tigre, ubicado en Paseo Victorica 972 de Tigre, se puede visitar de miércoles a viernes, de 9 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 12 a 19 hs.

21 de septiembre de 2018

"Homenaje a la Belgrano" en el Museo Perlotti


El sábado 22 de octubre inaugura la exposición "Homenaje a la Belgrano" en el Museo de Esculturas Luis Perlotti, en la cual participan artistas docentes de la Escuela Superior de Eduación Artistíca Manuel Belgrano. Se puede visitar hasta el 15 de octubre de 2018, de martes a domingos y feriados de 10 a 18 hs. en Pujol 644, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

En palabras de Oscar de Bueno: 
"Esta muestra tiene por intención crear un sitio de encuentro donde podamos exponer y compartir conocimientos acerca de la Escultura y su enseñanza en un ámbito tan distinguido como el Museo Luis Perlotti.
Son obras de Docentes que desarrollamos una actividad común: el compromiso de la creación artística junto a la tarea académica en el Departamento de Escultura.
Nuestra Escuela, de alguna manera heredera de la Academia de Geometría y Dibujo que fundara en 1799 Manuel Belgrano, tiene una larga historia. Durante décadas se llamó Escuela Nacional de Bellas Artes recibiendo hoy el nombre de Escuela Superior de Enseñanza Artística de la que egresan profesores superiores en artes visuales.
La Belgrano
llega hasta nosotros con su mística intacta y su identidad renovada, formadora de artistas y maestros de reconocida trayectoria nacional e internacional. Por nuestros talleres de escultura transitaron como docentes y/o alumnos: Antonio Pujia, Julio Le Parc, el Premio Nobel de la Paz Adolfo Pérez Esquivel, Aurelio Macchi, Marta Minujín, Leo Vinci, Julián Althabe, Hernán Dompé, Juan Carlos Distéfano, Norberto Gómez, Ricardo Dagá, César Fioravanti, Enrique Romano, Rogelio Polesello, Rubén Locaso, Alberto 'Bastón' Díaz (Académico de Número en la Academia Nacional de Bellas Artes), Raúl 'Pájaro' Gómez, Lydia Galego entre muchas otras personalidades de la Cultura y de la Enseñanza Artística. A todos ellos nuestro homenaje y recuerdo.
Hoy, como siempre, nos reúne la tarea de participar en la construcción de una cultura identitaria, donde la educación pública artística cumple una función medular: formar profesionales idóneos con conciencia crítica en su especificidad como así también ciudadanos estrechamente vinculados con su comunidad.
En el ámbito académico trabajamos a partir de propuestas pedagógicas que organizan y jerarquizan la diversidad de lenguajes, contenidos, proyectos, materiales y resoluciones técnicas en el contexto de la escultura contemporánea.
En esta “Sala Cesar Fioravanti” exponemos nuestras verdades poéticas sin la intención de imponerlas, a fin de construir un vaso comunicante para compartir con la comunidad el tiempo de la creación y su indispensable reflexión."
 
Expositores: Karina Actis, Eduardo Armocida, Beatriz Blackhall, Cecilia Cabrera, Yamila Cartannilica, María Angélica Cornejo, Oscar del Bueno, Jorgelina Fernández, Silvana García, Morena Maehashi, Juan Pablo Marturano, Mariano Müller, Osvaldo Pellegrini, Daniel Rizza, Marina Román, Paula Mara Torres, Juan Figuerero.

Gardel y los deportes. Una muestra que pone en valor otra dimensión de la leyenda del tango


El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires presenta la exposición “Gardel y los deportes”, que se puede visitar hasta el 31 de marzo de 2019 en el Museo Casa Carlos Gardel, Jean Jaurés 735.

“Los burros, el fútbol y todos los deportes me atraen”, reconoció Gardel en 1933, ante un periodista de la revista La cancha. Practicaba gimnasia, aerobismo, natación, bochas, pelota vasca y tenis, al tiempo que cultivaba la amistad de célebres futbolistas, jockeys y boxeadores.

Esta exhibición muestra aspectos poco conocidos de la vida del Morocho del Abasto. Organizada en tres núcleos temáticos (fútbol, turf y otros deportes), la muestra reúne fotografías, documentos personales, discos, partituras, películas y objetos de época, que son testimonio del vínculo entre dos pasiones populares: Gardel y los deportes.
  
Entre sus amigos célebres, se encontraban destacados futbolistas, como Pedro Ochoa (de Racing) y Josep “El mago” Samitier, gloria del Club Barcelona. De sus múltiples encuentros con “Sami” y otros jugadores del Barca, Gardel atesoraba como recuerdo una pelota. Solía contar que se la habían regalado en Londres, luego de un encuentro en que el club catalán perdió ante el Arsenal por 7 a 1.

También asistió a la final del Mundial de Fútbol de 1930 en el Estadio Centenario de Montevideo, entre Argentina y Uruguay, en la que los locales se impusieron por 4 a 2 y obtuvieron la primera copa de un mundial organizado por la FIFA. Gardel visitó a ambas selecciones.

Deportistas y aficionados se apasionan a su vez por Gardel, tanto que Independiente y  Racing se lo disputan como “hincha”. La solución tal vez sea la propuesta por Gardel mismo, cuando respondió en una entrevista: “Mis simpatías las distribuyo entre todos por igual”.
 
Gardel con Mascchio y Leguisamo
 
Pero las carreras de caballos eran sus preferidas. El 17 de noviembre de 1918, Gardel estaba realizando una gira promocional en La Pampa junto a Razzano y la Orquesta de Firpo, cuando en el Hipódromo de Palermo se corría la “Carrera del Siglo”. Su “pasión por los burros” lo hizo volver para presenciar esa carrera. “Botafogo” venció a “Grey Fox” en la que se considera la más sensacional contienda de la historia hípica argentina.

Dos de sus más entrañables amigos provienen del ambiente del turf: el jockey Irineo “Pulpo” Leguisamo y el entrenador de caballos purasangres Francisco “Brujo” Maschio. Este último, preparaba a un caballo de Gardel por el cual el cantor sentía adoración: “Lunático”.

El repertorio gardeliano incluye varios tangos “turfísticos”, como “Leguisamo solo", “Palermo”, “Bajo Belgrano”, “”La catedrática”, “Soy una fiera”, “Polvorín”, “Uno y uno”, o el célebre “Por una cabeza”.
 
Carnet de Gardel del Club de pescadores
 
El cuidado del cuerpo siempre fue una preocupación para Gardel. Su afición por el buen comer se veía reñida con la consciente construcción de su imagen como “estrella”. El medio para lograr esa meta fue controlar su dieta y practicar gimnasia, natación, paleta, básquet y aerobismo, entre otras actividades deportivas. 

Asiduo visitante de la Asociación Cristiana de Jóvenes, YMCA o “la Yumen” como se la denominaba, tomaba clases de “gimnasia sueca” con Enrique Pascual, de las que participaban otros tangueros, como José Razzano, Julio De Caro, Juan de Dios Filiberto, Francisco Lomuto, en encuentros bautizados como “Clases de Bohemia”.
Además fue socio del Club de Pesca y encontraba tiempo para acudir con sus amistades a presenciar otro de sus deportes favoritos: el boxeo.

Horarios de visita: lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 18 hs. Sábados, domingos y feriados de 10 a 19 hs. Martes cerrado.
Valor de la entrada: 30 pesos. Miércoles gratis. Jubilados, estudiantes universitarios, personas de capacidad reducida y sus acompañantes, menores de 12 años, grupos de estudiantes de colegios públicos: sin cargo.

18 de septiembre de 2018

El MALBA presenta la exposición "Arte Latinoamericano 1900-1970 Colección Malba"


En el marco de los festejos por el 17º aniversario del museo, MALBA presenta un nuevo recorrido por el arte latinoamericano del siglo XX, a partir de las obras emblemáticas del patrimonio del museo. La exposición reúne 240 piezas de más de 200 artistas y destaca la riqueza artística y cultural del período moderno en América Latina, uno de los mejor representados en la Colección Malba. Se despliega en todo el primer piso del museo, con aproximandamente 900 metros.

Dividida en siete núcleos temáticos, la nueva puesta presenta un recorrido cronológico por las diferentes experiencias artísticas realizadas en la región desde los inicios de la modernidad, a principios del siglo XX, hasta el surgimiento del arte conceptual y político en los años 70. Se exhiben importantes artistas latinoamericanos como Xul Solar, David Alfaro Siqueiros, Emilio Pettoruti, Rafael Barradas, Pedro Figari, Joaquín Torres-García, Frida Kahlo, Diego Rivera, Wifredo Lam, María Martins, Antonio Berni, Fernando Botero, Hélio Oiticica, Lygia Clark, Lidy Prati, Jesús Rafael Soto, Lucio Fontana, Jorge de la Vega y Alicia Penalba, entre otros.

 

Entre las novedades, se destaca la presencia de Baile en Tehuantepec (1928) de Diego Rivera, considerada la obra más importante del maestro mexicano en una colección privada (comodato de Eduardo F. Costantini); la exhibición del conjunto de pinturas de Xul Solar, el grupo más significativo del artista en una colección pública por fuera del Museo Xul Solar; además de la presentación por primera vez en nuestro país de Formes volantes (Hakone, Ponente) (ca. 1969-76), importante obra de Alicia Penalba donada al museo por el Archivo Penaba en 2017.
 

Luego de varios años, se volverán a ver piezas claves como Mujeres con frutas (1932) de Emiliano Di Cavalcanti, El viudo (1968) de Fernando Botero y los artistas de la Nueva Figuración (Deira, Noé, De la Vega y Macció), además de una mayor representación de los artistas concretos entre los cuales se incluye a Rothfuss, Arden Quin y Vardánega; y los cinéticos como Boto, Palatnik y Le Parc.
 

El mural de Antonio Berni, Mercado colla o Mercado del altiplano, (c. 1936) -único fresco buono de temática indigenista que se conserva del gran maestro argentino- se integra a la nueva exposición junto con otras obras de períodos clave de la producción del artista como Susana y el viejo (1931), La puerta abierta (1932); Manifestación (1934), La mujer del sweater rojo (1935); La gran tentación (1962), El pájaro amenazador (1965) y Chelsea Hotel (1977) de su etapa en Nueva York, entre otras.

Las obras fueron elegidas entre las 600 que hoy integran el acervo del museo, teniendo en cuenta su relevancia para la historia del arte de la región y su proyección internacional. La selección estuvo a cargo de Victoria Giraudo -jefa de curaduría- en un fluido diálogo con Eduardo F. Costantini –fundador y presidente del museo- y con el coleccionista Ricardo Esteves, asesor para la adquisición de las piezas fundacionales del Malba.

“Más allá del territorio en común, esta exposición parte de la idea de América Latina entendida como un conjunto heterogéneo de corrientes y movimientos culturales”, explica Giraudo. “En este sentido, el acervo de Malba puede abordarse en direcciones múltiples que permiten establecer nexos no solo entre obras y autores, sino también entre países y regiones”, agrega.

Así como desde una mirada poscolonial ineludible, el arte latinoamericano no puede entenderse únicamente a partir de las denominaciones propuestas por la historia del arte europeo -idea que fue el eje central de Verboamérica, última investigación y exposición del acervo del museo, co-curada por Andrea Giunta y Agustín Pérez Rubio, Director Artístico de Malba, 2014-2018- tampoco parece posible negar que la historia del siglo XX estuvo marcada por esta hegemonía cultural euro-norteamericana, frente a la cual Latinoamérica generó discusiones y alternativas propias.

La exposición inaugurav el jueves 20 de setiembre a las 19 hs. y se puede visitar de jueves  a lunes de 12 a 20i hs. y miércoles de 12 a 21 hs. en Av. Figueroa Alcorta 3415, Buenos Aires, Argentina. Martes cerrado.
Entrada general: $140. Estudiantes, docentes y jubilados acreditados: $70. Menores de 5 años: sin cargo. Personas con discapacidad: sin cargo.

El CCK presenta la exhibición “Cartografía del milenio”, en homenaje al artista argentino Pérez Celis


La exposición reúne una cuidada selección de obras de distintos momentos de su producción artística que evidencian sus intereses centrales: el tiempo y el espacio. Celis abordó estos temas sumando una perspectiva local con profundas raíces americanistas.


15 obras en gran formato y 10 obras en papel de la serie del Milenio conforman la exhibición. Los trabajos más antiguos evidencian la importancia del territorio pampeano y de la iconografía de los pueblos originarios. Las creaciones siguientes muestran su continua obsesión por las geografías y los paisajes, con la pampa, el sur, la Argentina y Buenos Aires como referencias constantes. 

“A lo largo de su carrera, Pérez Celis llevó adelante una intensa investigación sobre dos aspectos fundantes del ser humano: el tiempo y el espacio. Estos aparecen con frecuencia en su pensamiento, en sus referencias visuales e incluso en los títulos de sus obras. El desarrollo de estos conceptos lo empujó a explorar las eras históricas, los símbolos que las atraviesan, sus devenires y sus conflictos”, señala Rodrigo Alonso, curador de la exhibición.
 
"Deep Space Sur", óleo sobre tela, 1989 
 
Nacido en Buenos Aires en 1939, Pérez Celis realizó estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano. Expuso por primera vez en 1956 y en 1959 se instaló en Uruguay, donde frecuentó al Grupo 8, integrado, entre otros, por Américo Spósito, Carlos Páez Vilaró, Miguel Ángel Pareja y Alfredo Testoni. Con el apoyo del crítico argentino Rafael Squirru, en 1960, expuso en la Primera Exposición Internacional de Arte Moderno en Argentina. Siguieron  exposiciones colectivas e individuales, de pintura, grabado y otras técnicas.

"Testigos del tiempo", 1998
 
Fascinado con la llanura argentina, en su etapa inicial se nutrió de grandes maestros de la pintura rioplatense como Leopoldo Presas, Juan Batlle Planas y Santiago Cogorno.
Realizó obras públicas, murales y esculturas en  Mercedes Benz (Japón), en el Patio de la Madera (Rosario) y en Buenos Aires en el Club Atlético Boca Juniors, la Universidad de Morón, la Universidad de Belgrano, el Edificio Fortabat FUBA y el complejo urbanístico Central Park de Barracas.
Desde 1957 realizó más de doscientas cincuenta exhibiciones individuales y colectivas en América latina, EE.UU., Canadá, Europa y Japón. En Argentina, se destacan sus exposiciones en la Biblioteca Nacional (1994), en el Palais de Glace (2001) y en el MNBA (2015).

"Valle fertil", técnica mixta sobre tela, 2004
 
Sus obras integran importantes colecciones privadas y de museos y galerías nacionales e internacionales. Obtuvo, entre otros, el premio del jurado de Montecarlo, el premio a la trayectoria otorgado por la Sociedad de Distribuidores de Diarios, Revistas y Afines de Buenos Aires y la Orden del Sol en grado de Comendador otorgada por el gobierno de Perú. En 2001, el Congreso de la Nación declaró su obra y su trayectoria de interés cultural y, en 2004, la Ciudad Autónoma de Buenos Aires lo declaró Ciudadano ilustre.
Vivió en Buenos Aires, Montevideo, Lima, Caracas, París, Nueva York y Miami. Falleció en Buenos Aires en 2008.

El Patronato de la Infancia, la Fundación Julio Bocca y Manos en Acción unidos por primera vez en la “Gran Gala por los niños”


La Gala se realizará el 10 de octubre a las 20.30 hs. en el Teatro Coliseo con la participación de  reconocidos artistas de la danza y el ballet como: Eleonora Cassano, María Riccetto, Karina Olmedo, Gustavo Wors, Emanuel Abruzzo, Roberto Peloni, entre otros.   Los artistas convocados realizarán muestras en el día de la danza junto al ballet de la Fundación Julio Bocca que festeja sus 20 años, con una  impresionante puesta en escena. Todo ello con la conducción de Verónica Varano.
Entradas a la venta desde $ 400.- en el Teatro Coliseo (Marcelo T de Alvear 1125) o por ticketek.com.ar.

El Patronato de la Infancia trabaja por la niñez carenciada desde hace 125 años y por sus puertas han pasado más de 1.000.000 de niños y jóvenes que se beneficiaron con la obra. Hoy día, el Patronato continúa con su trabajo enfocado en la educación, la salud, la alimentación y el desarrollo de valores a niños en situación de vulnerabilidad a través desde sus dos escuelas –Ángeles Custodios en la ciudad de Buenos Aires e Infancia 2000 en Benavíde - donde recibe a diario más de 1150 niños.

La Fundación Julio Bocca es una de las entidades sin fines de lucro en Argentina pionera en desarrollar programas de estudio académico de danza y teatro musical desde la creación de su propia escuela. Su característica principal es la solidaridad el acompañamiento y el compromiso en concretar los sueños de futuros artistas mediante su programa de Becas nacionales e internacionales desde hace 20 años.

Manos en Acción surge en el 2010, de la mano de Fifi Palou, quien junto un equipo de
profesionales y voluntarios, trabajan por la inclusión social, el desarrollo humano y comunitario de niños y familias en situación de vulnerabilidad, para fomentar la igualdad de oportunidades, desarrollando programas que apuntan a mejorar las condiciones de vida de los niños y familias carenciadas, siguiendo un modelo de gestión basado en el desarrollo comunitario y el cuidado integral de la familia. A través de sus tres sedes: Casa “Manos en Acción” Manzanares, Casa Manos en Acción Barrio Luchetti, y la Casa Manos en Acción Río Luján, se reciben y atienden diariamente a más de 550 niños y sus familias. En cada casa se desarrollan, en forma sistemática, los ejes de trabajo de “Manos en Acción”: salud y nutrición, educación, inserción social y laboral, promoción humana, sustentabilidad y conciencia ambiental y voluntariado.

17 de septiembre de 2018

El artista Julio Le Parc ilumina Casa Naranja con su arte óptico​


Julio Le Parc desembarca en Córdoba después de casi 18 años con "Visión Le Parc", una contundente selección de sus creaciones históricas y nuevas producciones exclusivas diseñadas para esta ocasión. La apertura es el 19 de septiembre a las 18 hs, donde se llevará a cabo una exclusiva charla entre Le Parc y Roxana Olivieri, en el auditorio de Casa Naranja (Córdoba).

A partir de las 19 hs, la presentación de la muestra será abierta al público en general, invitándolos a vivir una experiencia artística con música y audiovisuales del dúo AutoMartin, visitas guiadas y propuestas lúdicas para compartir con amigos y familia.
 
Serigrafía 
 
Entre las obras que podrán experimentarse en Casa Naranja se encuentran la reconstrucción de dos instalaciones interactivas de gran formato, realizadas por el artista a mediados de los años 60, y una de las emblemáticas "máquinas de luz" que le valieron el reconocimiento internacional como Le Parc Lumière. Además, se expondrá una escultura móvil de importantes dimensiones de sitio específico y una treintena de serigrafías que incluyen imágenes de La Longue Marche (1974) junto a otras series icónicas y trabajos más recientes.

"Visión Le Parc" se basa en la idea de percepción y propone alterar los sentidos, para perder la certeza de si eso que vemos es real o es sólo una visión. La exhibición es una producción de Naranja con curaduría del artista junto a su hijo Yamil Le Parc y la coordinación artística de Roxana Olivieri.

El programa de "Visión Le Parc" incluye una nutrida agenda de actividades diseñada para aproximarse a la obra entre las que se destacan visitas educativas para escuelas, recorridos guiados todos los sábados desde las 17 hs. y audioguía online.
 
Julio Le Parc
Julio Le Parc nació en Mendoza en 1928, en el seno de una familia obrera. En 1942 se trasladó a Buenos Aires y en 1958 obtuvo una beca para viajar a Francia. En 1960 fundó en París, junto a otros artistas, el influyente Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV). Reconocido en todo el mundo como un pionero y figura fundamental del arte óptico y cinético, Le Parc recibió en 1966 el Primer Premio Internacional de Pintura en la Bienal de Venecia. En 1984 regresó a la Argentina tras el retorno democrático. Desde los años 90 sus trabajos han sido expuestos en el MoMa de Nueva York, Museo Nacional Reina Sofía de Madrid, Centre Pompidou y Palais de Tokyo en París, Serpentine Galleries de Londres, MoCA de Los Ángeles, PAMM de Miami, Pinacoteca de San Pablo, MNBA y MALBA en Buenos Aires, entre otros. A lo largo de su carrera recibió numerosas condecoraciones, premios y homenajes. En la actualidad, Le Parc vive y trabaja en su taller de Cachan, en las afueras de París.
  
La exposición se puede visitar del 20 de septiembre al 31 de enero de 2019, de lunes a viernes de 9 a 20 hs. y sábados de 14 a 20 hs. en  La Tablada 451, Córdoba. Visitas guiadas los sábados desde las 17 hs.
Más información en Casa Naranja.

El MARQ presenta las exposiciones “El laberinto vertical” de Karina Chechik y “Uncanny Valley” de Jeremiah Chechik


El Museo de Arquitectura y Diseño (Marq) de la Sociedad Central de Arquitectos presenta dos exposiciones: “El laberinto vertical”, de Karina Chechik y “Uncanny Valley”, de Jeremiah Chechik, ambas curadas por Rodrigo Alonso.

“El laberinto vertical” de Karina Chechik
 
La exposición El laberinto vertical, que presenta Karina Chechik,  está basada en una idea del profesor Antonio Fernández Ferrer, catedrático de la Universidad de Alcalá de Henares y surge del deseo de homenajear a dos grandes personalidades: el escritor argentino Jorge Luis Borges, autor de los más famosos laberintos literarios, y el editor italiano Franco María Ricci, quien en sus 80 años de incesante actividad cultural también construyó un magnífico laberinto de bambú en la localidad de Fontanellato (Parma).
 
Maria Kodama y Karina Chechik
 
Borges y Ricci se han encontrado en diferentes oportunidades. Hoy lo hacen nuevamente a través de la obra de Karina Chechik, quien aborda la imagen del laberinto como punto de contacto con dos personalidades potentes e inspiradoras, que, además, condensan las bondades culturales de sus dos patrias. En efecto, en los últimos años, Chechik se viene desplazando incesantemente entre la Argentina e Italia. A partir de frases del primero, y de imágenes capturadas en la edificación del segundo, Karina Chechik erige un universo imaginario que combina la pintura, la fotografía, la instalación y el audiovisual.
 
“El laberinto vertical” de Karina Chechik
Las pinturas de Chechik recurren a la contemplación para agudizar la intensidad del tiempo. Matizan las variaciones de color mediante veladuras que acentúan la calma. La estructura formal cobra relevancia y hay prácticamente una expurgación de todo elemento narrativo, a excepción de algunas frases que aparecen cada tanto, a la manera de contrapunto literario. La fotografía, que fuera la herramienta de su investigación primaria, subyace en las telas y se cuela en un video que busca transmitir las atmósferas visuales y sonoras del intrigante laberinto italiano.

“El laberinto vertical” de Karina Chechik
 

En la instalación central, ubicada en el espacio de las escaleras, Chechik realiza una operación crítica perspicaz y desafiante al proyectar su laberinto en la altura y romper con el tradicional modelo horizontal. Y al multiplicar los estímulos sensoriales, al integrar espacio, tiempo, experiencia, ascensión, luz, movimiento y sonido, expande los campos en los cuales es posible perderse. Erige un laberinto de laberintos. Explora una complejidad que la sumerge en la imaginación borgeana, evitando quedar atrapada en la seductora imagen pictórico-fotográfica.

“Uncanny Valley” de Jeremiah Chechik 
 
"En la serie Uncanny Valley, Jeremiah Chechik explora los límites del registro fotográfico y su vínculo con la realidad. Para esto, realiza tomas de escenarios y personajes de videojuegos, y las manipula hasta obtener unas imágenes urbanas que entroncan con la tradición de la Street Photography (fotografía callejera) de autores como Garry Winogrand, William Eggleston, Lee Friedlander, Helen Levitt y Robert Frank, entre otros. 
La anulación del color y el ajustado tratamiento de las escalas de grises, ubican a estos registros fuera de cualquier cronología definida. 

“Uncanny Valley” de Jeremiah Chechik 
 
Las estructuras industriales estandarizadas y los elementos urbanos sin identidad propia refuerzan la incertidumbre sobre la ubicación – tanto espacial como temporal – de las imágenes. Las atmósferas sombrías, los amplios espacios vacíos, la soledad insistente, generan un sentimiento de inquietud y misterio que configura el clima emocional de toda la serie.
Las imágenes expurgan la acción y la violencia que están en el corazón de los juegos de los cuales parten, y se focalizan, en cambio, en la quietud y la cotidianidad. La composición denota la precisión de una mirada fotográfica orientada a la observación detenida. La superficie del diseño informático cede su lugar a la indagación y la profundidad. De esta manera, estos paisajes digitales, con sus acontecimientos algorítmicos, se convierten en una meditación sobre los escenarios de nuestro mundo contemporáneo." explica Rodrigo Alonso


Las exposiciones permanecerán abierta al público hasta el 30 de septiembre y se pueden visitar de martes a domingos de 13 a 20 hs. en Av. del Libertador 999 (esquina Av. Callao), Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.

14 de septiembre de 2018

Exposición de los seleccionados y premiados del concurso de la II Bienal de Joyería Contemporánea Latinoamericana en el Museo de Arte Popular José Hernández


Primer Premio: Vania Ruiz

Entre el 14 de setiembre y el 4 de noviembre se desarrolla la II Bienal de Joyería Contemporánea Latinoamericana  en el Museo de Arte Popular José Hernández.
Organizada por el Museo José Hernández y por Joyeros Argentinos, la exposición muestra obra de 123 artistas seleccionados que trabajaron bajo el tema “Vecinos”.

Joyeros de distintos países de Latinoamericana presentaron sus creaciones y fueron cuidadosamente seleccionados por dos jurados, uno de selección de obras para la muestra, y luego otro de premiación. El primer premio lo obtuvo Vania Ruiz, joyera chilena. El premio joya argentina fue para Laura Leyt.

Premio joya argentina: Laura Leyt
 
En la muestra protagonista se pueden ver a los principales exponentes de la joyería contemporánea de Latinoamérica. Además el concurso dá lugar a un despliegue de actividades asociadas a la joyería contemporánea que se extienden por toda la ciudad de
Buenos Aires. En simultáneo se presentan otras exhibiciones individuales y colectivas, jornadas, workshop intensivos, charlas y ferias.

En el Museo José Hernández participa con una exposición individual la joyera colombiana y jurado de esta convocatoria Nuria Carulla.

Laura Giusti, una de las organizadoras, presenta así el tema de esta convocatoria: “Asociados entre sí por la proximidad física o conceptual, se reconocen como vecinos personas, países, colores, ideas, objetos. Decir vecino es decir cercanía y frontera, vínculo y separación, semejanza y diferencia. Los vecinos juegan permanentemente a tocar y no tocar el límite, esa línea real o imaginaria, consentida y resistida que no debe ser atravesada, sobre la que se concentra atención y tensión”.
 
Trabajo de Elvira Cibotti
 
Durante el primer fin de semana (sábado 15 y domingo 16 de setiembre) se realizarán en el Museo de Arte Popular José Hernández las segundas Jornadas de Reflexión sobre la joyería contemporánea. El tema, en esta oportunidad, será “La joyería contemporánea: contexto, comunicación, compromiso”. Se concentran en la relación entre la práctica, la obra y el contexto: desde la permanente reflexión y cuestionamiento de su campo y especificidad, hasta su compromiso con el entorno, las ideas, el medio ambiente, el quehacer artístico, la formación en los talleres, la comunicación y el resultado desde los procesos creativos.
 
Segundo premio: Lorena Lazard 
 
Se puede visitar de martes a viernes 13 a 20 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. en  Av. del Libertador 2373, Buenos Aires, Argentina. Entrada General: $30. Miércoles gratis.

Las artes visuales están presentes en el nuevo Festival Ciudad Emergente


El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires presenta las propuestas en artes visuales de la onceava edición del Festival Emergente. Desde ilustraciones hasta intervenciones en el espacio, incluyendo fotografías e instalaciones de gran escala.
 
Las exhibiciones de este año en la Usina del Arte y alrededores, estarán encabezadas por la retrospectiva “Costhanzo en su laberinto – 30 años de dibujos”.  El creador de la imagen de todas las ediciones de Ciudad Emergente invita hasta el 21 de octubre a un recorrido por su trayectoria, además de trabajos inéditos y toda la evolución de su estilo único. El público también podrá sacarse una foto “adentro” de uno de sus dibujos. 
 
Cahen D'Anvers, Mónica y Sandra por  Studio Harcourt 
 
La muestra fotográfica “Mujeres Argentinas” será otro de los destacados. Una exhibición de retratos tomados por el mítico Studio Harcourt de París a 40 mujeres argentinas que marcaron tanto su época como la actualidad. L’Oréal Argentina, la Embajada de Francia, el Institut Français d’Argentine y el Hotel The Brick colaboraron en la creación y organización de esta muestra que podrá visitarse hasta el 21 de octubre, y que es una iniciativa que contribuye a promover la equidad de género y el empoderamiento femenino, a través de las imágenes de mujeres que se han destacado a lo largo de su vida por su liderazgo y trascendencia profesional.
 
"Cúpula para vos" de Manuel Ameztoy
 
En el marco del programa Arte en Barrios, el artista plástico Manuel Ameztoy instaló la “Cúpula para vos”, una gran obra realizada con enormes papeles de seda que cuelgan desde el techo de la Usina del Arte.
 
Por otro lado, la artista entrerriana Gisela Faure presenta “Retratos (con)fusiones”, imágenes que creó fusionando dos rostros en uno. La artista ha resuelto, en este catálogo donde se cruzan políticos y artistas plásticos, actrices y músicos, escritores y deportistas, científicos y cineastas, una suerte de álbum familiar. 
 
Gisela Faure. Marilyn+Marilyn
La idea es mostrar al espectador la diversidad y los resortes de su universo, un mundo privado de límites. Son 78 retratos de 1,30 mts x 1,30 mts, presentados por primera vez a gran escala.
 
El público también puede ser parte de “Feboasoma”, una obra en vivo que se completa con la intervención de los espectadores, devenidos en artistas, que podrán realizar bordados y diseñar tramas con descartes de la industria textil sobre una malla plástica.
 
Además, se presenta la intervención “Por amor al arte” a cargo de Homenajes Urbanos. Allí un artista y una curadora dan respuesta a través del arte urbano a la pregunta recurrente de porqué hacen lo que hacen.
 
“Cuadro a cuadro: 101 años de animación argentina” en el Museo del Cine. "Chicas"
 
Para completar la programación, en el Museo del Cine se puede visitar “Cuadro a cuadro: 101 años de animación argentina”, la historia integral de la animación argentina desde sus inicios hasta la actualidad. Además, jóvenes artistas ganadores de la convocatoria MMXVII del Museo del Cine muestran avances de su trabajo con equipos de video analógico obsoletos, en la muestra “Nuevos usos de viejas tecnologías: vj, instalación y video”.

Todo esto y mucho más forma parte del Festival Ciudad Emergente.
Más info en: http://festivales.buenosaires.gob.ar/2018/ciudademergente/es/home.

"Habitantes visitantes". Cultura y medio ambiente en el Centro Cultural Recoleta


Durante septiembre y octubre el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, CABA) presenta una programación con eje central en el medio ambiente. En "Habitantes visitantes" , hay charlas temáticas sobre el cuidado del medio ambiente, talleres sobre diseño sustentable, cocina de estación, cocina solar, ferias de alimentos orgánicos, de plantas, Ferias itinerantes de abastecimiento barrial, feria de productos de diseño sostenible, recitales y fiestas culturales pensadas exclusivamente para este ciclo. Con la presencia de referentes y figuras destacadas en la temática como Soledad Barruti, Evangelina Himitian, Soledad M. Vallejos, Elena Roger y la participación del mercado Sabe la Tierra, el Club de Reparadores, Pynandi, Dacal, Soema Montenegro, Seraarrebol y otros artistas como Mene Savasta, Xoana Herrera, y mucho más. 
Con entrada libre y gratuita, la programación especial de "Habitantes visitantes" es organizada en conjunto por el Ministerio de Ambiente y Espacio Público, Buenos Aires Semana del Diseño y el Centro Cultural Recoleta.

Fiestas culturales
El último jueves de cada mes, continúa Pachamama Cósmica, una fiesta cultural en la cual la música de raíz se fusiona con sonidos contemporáneos. Tambores ancestrales y pistas electrónicas celebran las culturas y las fuentes de inspiración de artistas que integran a la naturaleza en sus sonidos y buscan formas de expresión que fusionan música popular y experimentación.
Jueves 27 de septiembre, 19 hs. Pynandi + Pato Smink + Cez Comerci + Kautyvo + invitados.
Jueves 25 de octubre, 19 hs. Rumbo Tumba + Pol Nada + Matías Barutta + Laura Friedman.

Ferias
En un clima de feria, alegre y amplio, el Recoleta propone acercar en un mismo lugar distintos emprendimientos y propuestas que vinculan el consumo responsable y al medio ambiente en la terraza. Desde las reconocidas ferias itinerantes de abastecimiento barrial hasta un original Club de Reparadores que invita a los visitantes a llevar sus objetos rotos o sus saberes de reparación, para compartir días de reparación colectiva. También forman parte de esta propuesta el famoso mercado Sabe la Tierra, que promueve la alimentación saludable; la feria Hábitat BA de diseño sustentable, la Red de Compostaje y la Feria Verde.
Sábado 15 de septiembre, 14 a 18 hs. Club de Reparadores + DJ PiWi.
Sábado 22 de septiembre, 12 a 18 hs. Ferias itinerantes de abastecimiento barrial.
Sábado 29 de septiembre, 12 a 18 hs. mercado Sabe la Tierra + taller de cocina de estación + DJ PiWi.
Sábado 13 de octubre, 14 a 18 hs. Feria Hábitat BA. Productos de diseño sostenible + DJ PiWi.
Sábado 20 de octubre, 14 a 18 hs. Feria verde + Red de Compostaje + DJ PiWi.

Charlas
Cuatro charlas inspiradoras con referentes del medio ambiente que han dedicado gran parte de sus vidas a investigar y generar conciencia están programadas para este ciclo. Por ejemplo, las periodistas Evangelina Himitian y Soledad M. Vallejos hablarán sobre la experiencia que llevaron adelante para investigar el fenómeno del hiperconsumismo en la sociedad actual cuando pasaron todo un año sin comprar nada más que lo necesario. Otra periodista referente del sector, Soledad Barruti, también disertará sobre los hábitos alimenticios y la constitución de los alimentos en la charla “El almuerzo desnudo”. También, formarán parte de esa propuesta las charlas MINCA, sobre temáticas ambientales.
Sábado 15 de septiembre, 15 hs. El desafío del consumo cero con Evangelina Himitian y Soledad M. Vallejos
Sábado 22 de septiembre, 12 hs. El almuerzo desnudo con Soledad Barruti.
Sábado 20 de octubre, 16 hs. Charlas MINCA con Ana Carolina Herrero + Christian Tiscornia + Javier Goldschtein + Tais Gadea Lara y Gonzalo del Castillo.

Talleres
En la programación de los talleres, habrá una oferta amplia que incluye paneles con especialistas en desarrollo energético, investigadores sobre el cambio climático y referentes de organizaciones internacionales para acercar experiencias sobre cómo generar energía renovable e implementarla en espacios urbanos. También habrá prácticas específicas para aplicar en la vida cotidiana, como la cocina solar, compostaje, huerta urbana, la creación de jabón ecológico a partir del reciclado de aceites y un reciclaje colectivo de telas que promete transformar mucho descarte textil.
Sábado 15 de septiembre, 17 hs. Reciclando Aceite.
Sábado 22 de septiembre, 15 hs. Taller de cocina solar.
Sábado 22 de septiembre, 17 hs. Taller de huerta urbana.
Sábado 13 de octubre, 16.30 hs. Reciclaje Colectivo con Dacal.
Sábado 20 de octubre, 14 hs. Taller de compostaje.

Recitales
Cuatro elementos
Domingo 30 de septiembre, 18 hs. Soema Montenegro.
Domingo 14 de octubre, 18 hs.  Seraarrebol.
Domingo 28 de octubre, 19 hs. Milena Salamanca.

Muestras e intervenciones
Ensayo Natural, de Xoana Herrera, hasta el 31 de octubre. 
La joven ilustradora Xoana Herrera crea universos en los cuales la naturaleza se impone. La artista diseña espacios cargados, con plantas y animales que crecen en armonía y se expanden en cada rincón que encuentran. Alejada de la figuración, sus ilustraciones tienen trazos intensos, profundos y líneas filosas que parecen cortadas por una tijera. En un medio ambiente que se manifiesta con fuerza, sus obras nos recuerdan que seguimos estando en medio de la naturaleza y todos los días tenemos la oportunidad de reconocerlo.
El árbol que cae, de Mene Savasta,
hasta el 31 de octubre.
Lo que oímos, ¿es ruido, sonido o arte? ¿Quién lo determina? Mediante una intervención sonora con múltiples parlantes y señales en la terraza y recova de El Recoleta, la artista marplatense Mene Savasta invita a una reflexión sobre la dimensión sonora y cuáles son los mecanismos sociales y culturales que median la escucha.


Cine
Domingo 28 de octubre, 16 hs. Navetierra. Presentación con Mariano Torre, Agustín Núñez y Elena Roger.

Hip hop
Los sábados de septiembre y octubre, de 15 a 20 hs., las tardes del Recoleta son de Hip Hop. B-boys, B-girls, street dancers, rap, djs y graffiti. Entrenamiento, foros, expos, shows y una gran celebración. En septiembre y octubre, la pasión por esta cultura incluye un programa especial sobre el cuidado del medio ambiente.
Sábado 15 de septiembre, 15 a 20 h. Taller de Breakin + Cyphers + DJs Sow + King of Battle Breakin FDL. Clases de breaking adolescentes entre 12 a 17 años, dictadas por los Profesores Bboys SPACE y COCO miembros de FDL clan + Entrenamientos y ciphers con dj residentes djs plaster, keynfu, cutlan y monti + Batallas Breaking 3 vs 3 kings of Battles FDL. Dj invitado especial para las Batallas desde Venezuela DJ SOW.

Clave 13/17
Domingo Clave, un punto de encuentro y espacio de expresión de chicos y chicas de 13 a 17 años. Recitales, lecturas, muestras y debates donde ellos y ellas toman la voz. Los domingos de septiembre y octubre, de 16 a 19 hs., las actividades recreativas y culturales pondrán en el centro de la escena la relación entre el hombre y la naturaleza, con una mirada creativa para que los jóvenes generen su propia voz sobre estos temas.

12 de septiembre de 2018

6° Festival Nacional de Danza Española


El sábado 22 y el domingo 23 de septiembre de 2018, se desarrollará el 6° Festival Nacional de Danza Española organizado por el Grupo Gestor Al-Ándalus, conformado por la bailarina y coreógrafa de danza española Sibila y la profesora Chela Fernández Belli, en colaboración con el CCBorges. 

Este Festival, ya instalado tanto entre los hacedores de la danza española como entre el público argentino, cada vez más conocedor e inmerso en ese arte universal que es el flamenco, desplegará dos días intensos entre espectáculos, capacitaciones, muestras y documentales. Sibila y Chela, directora y bailarina respectivamente del ballet Al-Ándalus, han convocado a la gran prestigiosa maestra española Mayte Bajo, ex primera bailarina del Ballet Nacional de España, y jefe de dpto de la EPDCyL de Valladolid (Escuela Profesional de Danza Castilla y León) que engalanará este 6º Festival. Intervendrán 100 bailarines, una docena de escuelas de danza y jóvenes coreógrafos entre los distintos encuentros donde no faltarán Bulerías, Fandangos, Tangos, Alegrías y Soleares acompañando a destacados fragmentos de zarzuela y entrañables bailes regionales españoles acompañados de las clásicas castañuelas. 
  
Sibila y Chela Fernández Belli
 
Durante el Festival se desarrollará el Encuentro de Escuelas de Danza Española, se dictarán clases magistrales y clases especiales para bailarines.
El Festival tiene el objetivo de concentrar y reunir bailarines y público para conservar nuestro legado de la danza española y promover su evolución. En este 6º Festival se podrá disfrutar de lo mejor de la danza española actual. 

Mayte Bajo
Además, el sábado 22 de setiembre a las 21 hs. se realizará, en la sala Astor Piazzolla del Centro Cultural Borges, la Gran Gala  “Danza Española y Piazzolla”, un homenaje a la coreógrafa española Mariemma, en el marco del centenario de su nacimiento, y al músico argentino Astor Piazzolla. 
Participan: Sibila (coreógrafa y bailarina) y Chela Fernández Belli (bailarina y profesora) junto al Ballet Al-Ándalus, Mayte Bajo (primera bailarina española, invitada especialmente) Eduviges Picone (piano), Alberto Jáuregui Lorda con Contacto Tango (grupo musical), Fabiana Maggio (coreógrafa) y bailarines invitados.
La misma función también se brindará el domingo 16 de setiembre a las 19.30 hs. en el Teatro de Cámara de City Bell.

Ballet Al-Ándalus
 
Entradas para la Gala del sábado 22 de Septiembre disponibles a traves de PlateaNet o en Boleteria del Centro Cultural Borges. 

Exposición "Intervenciones escénicas", fotografías de Martin Wullich intervenidas por Luchi Szerman en Mundo Nuevo Gallery Art


El pasado jueves 6 de setiembre Mundo Nuevo Gallery Art inauguró la muestra del reconocido periodista, locutor y crítico teatral Martin Wullich y la artista plástica Luchi Szerman, dueña de una importante trayectoria de muestras individuales y colectivas, dentro y fuera del país.
 
Andrés Ruiz Quintero, curador de esta muestra de 26 obras donde convergen dos expresiones estéticas: fotografía y pintura, dice: “Con ayuda de dispares herramientas, ambos artistas plasman la obra final. Wullich con su cámara, desde la butaca de un teatro, captura diversas escenas de teatro, ópera, danza y algunas performances, que luego Szerman interviene con sus pinceles y pinturas al óleo. En la obra Los amantes de Toledo (fotografiada desde la butaca por Martin Wullich) los amantes se despiden rodeados de los nobles del 'Entierro del Conde de Orgaz' de El Greco en Toledo, pintados por Luchi Szerman. En Adagio Astral la bailarina de Botero trata de imitar al bailarín y toma con seriedad la ejecución de la coreografía.  De este modo, las escenas originales se resignifican y crean nuevos universos. Y es que la fotografía teatral le permite un juego ilimitado al plasmar elementos propios y ajenos en la imagen que Wullich le ofrece. Esta experimentación artística tiene como resultado una sinergia que proporciona un alto valor artístico a la obra final, no solo porque se trata del trabajo de dos corrientes artísticas disimiles sino que, a su vez, logran convivir orgánicamente en nuevas y eclécticas imágenes”.

"Martin con su cámara fotográfica disparada allí donde el actor, cantor o bailarín expresan lo mejor de sí sintetizando un argumento y Luchi Szerman con su pincel accionado por su apasionamiento operístico y de la cultura universal participa como una pitonisa lo invisible pero visible desde lo figurativo. Ninguno invade al otro y se complementan como una áurea con imágenes y sugerencias que enriquecen lo captado por la cámara y lo agregado a la temática dando más ilusionismo al cuadro.
La exposición de ambos en Mundo Nuevo Gallery Art es de una exquisitez pocas veces vista. Las intervenciones de Luchi Szerman y las fotos de Martin Wullich son una expresividad artística en la que la elegancia y la delicadeza atraen porque confirman la fórmula de menos es más. Así pinceles que bordan filigranas y seres que invitaron a una lente a ser atrapadas por su personalinterpretación argumental despiertan admiración y belleza a la enésima potencia.
La reinterpretación desde la butaca de un teatro por Martin Wullich a las intervenciones al óleo de Luchi Szerman logran dos situaciones maravillosas: la sincronización no invasiva de ver una una escena o personaje y la simultaneidad interpretativa individual que agrega riqueza conviviendo en una obra lo que cada uno es y siente.
Esta muestra única es un remanso para el alma de saber que Buenos Aires tiene un lugar donde el tiempo se detiene para aplaudir con un parpadeo al ARTE con mayúscula" expresa el texto de Marta Wolff.

La exposición se puede visitar de lunes a viernes de 12 a 20 hs. hasta el 28 de setiembre en Av. Callao 1868, Buenos Aires, Argentina.