22 de diciembre de 2017

“Abstracciones”, la última muestra del año en la galería de arte del Banco Nación


“Al dormir no veo mis párpados”, Ana Perissé (2009)
 
La galería de arte “Alejandro Bustillo” presenta la muestra “Abstracciones”, que reúne las obras de un destacado grupo de representantes de la rama de la pintura moderna.
Esta nueva selección de las obras, que integran el acervo institucional, es el cierre del presente ciclo de exposiciones de la galería del Banco Nación. 
La exposición se puede visitar hasta el 30 de enero de 2018, de lunes a viernes de 10 a 15 horas, en el hall central del Banco Nación ubicado en Rivadavia 325, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. 

20 de diciembre de 2017

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presenta la exposición "Ides Kihlen: Todo el siglo es carnaval"


El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires tiene la alegría de celebrar los cien años de la artista argentina Ides Kihlen con la inauguración de su exposición "Ides Kihlen: Todo el
siglo es carnaval".
La exposición, organizada por el equipo curatorial del museo, ocupa la Sala de Proyectos Especiales ubicada en el primer piso. La misma se conforma a partir de obras de mediano y pequeño formato que fueron seleccionadas directamente del taller de la artista y que permanecen inéditas: son, en su gran mayoría, papeles íntimos que permiten un acercamiento al desarrollo creativo de Kihlen.
 

Kihlen nació en 1917 en la provincia de Santa Fe, Argentina, y vivió durante su infancia viajando entre las orillas del río Paraguay, en la localidad chaqueña de PuertoBermejo, y del Rio de la Plata, en la ciudad de Buenos Aires. Desde pequeña manifestó el interés por el arte que sostuvo durante toda su vida. Ese camino atravesó todo el siglo XX -sus pensamientos, corrientes artísticas y coyunturas- en la búsqueda de un lenguaje propio; en él, la música también ocupa un lugar central y es el motor simbólico que guía la distribución de ritmos y silencios.
 
A lo largo de su vida, Ides Kihlen ha reimaginado las posibilidades de la pintura. Desandó los códigos académicos aprendidos en la Escuela de Artes Decorativas de la Nación, donde estudió bajo la dirección de Pío Collivadino. Interesada por las búsquedas abstractas, entabló diálogo con Emilio Perotutti, Juan Batlle Planas y Kenneth Kemble, a cuyos talleres asistió en distintos momentos de su vida. Como Kandinsky, Paul Klee o Xul Solar, incorporó musicalidad y sonoridad a su obra. “Todo en Ides Kihlen es dinámico: las infinitas posibilidades de desarrollo sobre el plano, la soltura de sus composiciones y la inmediatez de su línea”, como se lee en texto curatorial de la exposición.
 

En la obra de Kihlen, los elementos de la abstracción lúdica se conjugan con guiños de figuración que remiten al imaginario de la infancia, el juego y la música: banderines de circo, payasos, lunas, soles, barcos y peces, realizados con líneas que se abren y que dan lugar a un juego en el que la artista resuelve detalles de la figura con recortes y lentejuelas. El juego no aparece solamente como objeto de representación, sino también como un proceso de trabajo intuitivo y experimental que, en sus obras, equivale a la innovación, a la exploración de límites y a la fusión de las artes. Como reconoce la artista, su interés radica específicamente el proceso creativo y en la acción misma del pintar.
 
Ides Kilhen combina ritmos de formas abstractas con un repertorio personal de figuras geométricas, números y notas musicales. La potencia de su trabajo se encuentra en ese diálogo constante consigo misma y en su incansable pero festiva labor a lo largo de todo un siglo.
Esta exposición, así como las que se exhiben en el resto de las salas del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, se pueden visitar de martes a viernes de 11 a 19 hs.  y sábados, domingos y feriados de 11 a 20 hs. en Avenida San Juan 350, San Telmo, Buenos Aires, Argentina. Entrada general: $30. Martes: gratis.

Fundación Itaú lanzó la convocatoria a la 9ª edición del Premio Itaú de Artes Visuales


Fundación Itaú lanzó la convocatoria a la 9º edición del Premio Itaú de Artes Visuales, el cual promueve y estimula la producción artística emergente de la Argentina y da visibilidad a las expresiones artísticas de todo el país.

Este año se lanza, junto a la convocatoria anual, la categoría especial Realidad Aumentada.

Todas las obras finalistas serán exhibidas en un destacado espacio de la ciudad de Buenos Aires, en tanto que las obras distinguidas por los jurados de premiación pasarán a formar parte de la Colección Itaú de Arte Contemporáneo.

Los premios adquisición serán de:
1er. Premio: $ 100.000
2. Premio: $ 60.000
3. Premio: $ 30.000

El jurado de premiación está compuesto por: Valeria González, Eduardo Stupía y Mariano Sardón. El jurado de selección será anunciado en breve.
La curaduría está a cargo de Adriana Lauría y la coordinación será de Eugenia Garay Basualdo.

“Es un orgullo presentar una nueva edición de este Premio, un espacio para estimular la producción artística emergente de Argentina y dar visibilidad a sus nuevas creaciones. En esta edición, entendiendo que las nuevas tecnologías proponen novedosas formas artísticas, premiaremos la categoría Realidad Aumentada. Además, confiamos en superar la cantidad de participantes record que tuvimos en la edición 2016/2017 y estamos ansiosos por sorprendernos, como cada año” afirmó José Pagés, presidente de Fundación Itaú.

Se convoca a todos los artistas visuales mayores a 18 años de todo el país a participar, sin límite de edad. Las obras se recibirán hasta el 15 de enero de 2018.
La muestra con los ganadores se realizará en mayo en la Casa Nacional del Bicentenario.

Informes e inscripción en: www.premioitau.org.

19 de diciembre de 2017

61º Salón de Artes Plásticas “Manuel Belgrano”


El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori celebró la inauguración y entrega de premios correspondientes al 61º Salón de Artes Plásticas “Manuel Belgrano”.
Se exponen las obras premiadas, mencionadas y seleccionadas durante 2016 en las categorías
pintura, escultura, dibujo, grabado y monocopia en dos etapas, de acuerdo con el siguiente
cronograma:
Del 16 de diciembre de 2017 al 4 de febrero de 2018: dibujo, grabado, monocopia y obras premiadas en todas las disciplinas.
Del 17 de febrero al 18 de marzo de 2018: pintura, escultura y obras premiadas en todas las disciplinas.

Artistas premiados:

Primer Premio: Luis Niveiro
 
Pintura: 
Primer Premio: Luis Niveiro. Inocente por ahora, 2016, goma eva, goma acrílica impresión digital sobre tela, 180 x 200 cm. 
Segundo Premio: Andres Compagnucci. Competencia, 2016, óleo y acrílico sobre lino belga, 200 x 150 cm.
Tercer Premio: Liliana Golubinsky. Te estoy mirando… 2016, técnica mixta, 170 x 200 cm.
Mención honorífica: Maria Ester Joao y menciones: José Petroli, Clarisa Cassiau, Roberto Rey, Cristina Sikora, Ana Candioti, Eugenio Taboada, Gabriela Nigorra.
Jurado: Rubén Betbeder, María Elena Babino, Ricardo Roux, Diana Dowek, Jorge Abot.

Primer Premio: José Alberto Marchi
Dibujo
Primer Premio: José Alberto Marchi. La oscuridad de la luz, 2016, grafito sobre papel, 104 x 140 cm.
Segundo Premio: Javier Ferrante. Sin título, 2016, grafito y pastel tiza sobre papel, 150 x 150 cm.
Tercer Premio: Maximiliano D´ettorre Negri. Hermanos 2, 2016, grafito sobre tabla, 80 x 200 cm.
Mencion honorifica: Daniela Mizrahi y menciones: Jorge Salas, Gaston Silveira.
Jurado: Ángel Navarro, Soledad Obeid, Eduardo Stupia, Armando Sapia, Nicolas Menza.

Primer Premio: Oscar de Bueno
Escultura
Primer Premio: Oscar de Bueno. Del otro lado del portal, 2016, hierro soldado y piedra, 160 x 50 x 23 cm.
Segundo Premio: Fabio Miniotti. Al filo del viento, 2016, madera ensamblada, 250 x 110 x 37 cm.
Tercer Premio: Gerardo Feldstein. Puntos de apoyo, 2016, resina madera, 190 x 130 x 60 cm.
Mención honorifica: Guillermo Enrique Krüger y menciones: Janinne Wolfsohn, Silvia Abrevaya.
Jurado: Cesar Fioravanti, Adriana Laurenzi, Armando Ramaglia, Carola Zech, Antonio Oriana.

Primer Premio: Ariel Mlynarzewicz
 
Grabado
Primer Premio: Ariel Mlynarzewicz. Lazos de familia, 2016, aguafuerte buril esténcil, 100 x 120 cm.
Segundo Premio: Inés Saubidet. Aranyani. La diosa del bosque, 2016, xilografía, 50 x 126 cm.
Tercer Premio: Gabriela Álvarez. De la serie: Mirada de ciclista “Diario de viaje II”, 2015, serigrafía, 72 x 160 cm.
Mencion honorifica: MatÍas Amici y mencion: Josefina Neira.
Jurado: Osvaldo Jalil, Alicia Candiani, Juan Alberto Arjona, Alicia Diaz Rinaldi, Lucrecia Orloff.

Premio Único: Elena Davicino
Monocopia
Premio Unico: Elena Davicino. Te los devuelvo mañana, 2016, 100 x 70 cm.
Mencion honorifica: Alejandra Gondar y mencion: Carla Beretta.
Jurado: Osvaldo Jalil, Alicia Candiani, Juan Alberto Arjona, Alicia Diaz Rinaldi, Lucrecia Orloff.

El Museo Sívori se puede visitar de martes a viernes de 12 a 20 horas; sábados, domingos y feriados de 10 a 20 horas en Av Infanta Isabel 555, Parque Tres de Febrero, Buenos Aires, Argentina.
Entrada: $20. Miércoles, gratis; jubilados; menores de 12 años; personas con capacidad reducida y sus acompañantes; estudiantes universitarios y grupos de estudiantes de colegios públicos, gratis.

12 de diciembre de 2017

“Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino” llega a Córdoba


La muestra, que propone un diálogo entre obras de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes y de artistas contemporáneos del país, se inaugura el jueves 14 de diciembre, a las 20 hs. en el Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Caraffa”, de Córdoba.

En la última escala de su gira nacional, “Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino” -la exposición colectiva que reúne 79 obras de los principales artistas del país, de distintas épocas, celebrando el Bicentenario de la Independencia- se presenta en el Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Caraffa” (Av. Poeta Lugones 411, ciudad de Córdoba), donde podrá visitarse hasta el 15 de marzo de 2018.
 
Xul Solar, "Celdas na roca", 1948. Colección Museo Nacional de Bellas Artes
Organizada por el Ministerio de Cultura de la Nación, a través de la Secretaría de Patrimonio Cultural, y el Museo Nacional de Bellas Artes, la muestra recorre dos siglos de arte argentino a través de un corpus de destacadas piezas pertenecientes a la colección del Bellas Artes -algunas de ellas, exhibidas por primera vez fuera de la institución- y un conjunto de obras de artistas contemporáneos de todas las provincias.

Esta selección -que incluye pinturas, esculturas, grabados, dibujos, fotografías, instalaciones, objetos y videoarte- establece un diálogo entre estilos, poéticas y materialidades diversas, a partir de la propuesta curatorial del director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat, y del director de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Tucumán, Jorge Gutiérrez.

Pío Collivadino, "Paisaje de Tandil”. Colección Museo Nacional de Bellas Artes
 
La exhibición se organiza en cuatro núcleos temáticos que no siguen una línea cronológica: Paisaje y territorio, Visiones sobre la subjetividad, Los cambios sociales, y Vanguardia y abstracción. “Sin pretender dar cuenta del universo plástico de dos siglos, la muestra tiende a proponer preguntas en torno al sentido del arte, la política, el territorio y la subjetividad argentina. De modo que se buscó construir sutiles líneas que conecten producciones diversas tanto en su formato como en su génesis y contexto, zonas de contacto y puntos de fuga que articulen la serie visual en cotejo con la serie histórica”, sostienen Duprat y Gutiérrez en su texto curatorial.

Prilidiano Pueyrredón, Pío Collivadino, Cándido López, Lino Enea Spilimbergo, Juan Carlos Castagnino, Ramón Gómez Cornet, Cesáreo Bernaldo de Quirós, Antonio Berni, Raquel Forner, Alejandro Xul Solar, Emilio Pettoruti, Grete Stern, Antonio Seguí, Annemarie Heinrich, León Ferrari, Luis Felipe Noé, Sara Facio, Rómulo Macció, Carlos Alonso, Norberto Gómez, Juan Carlos Distéfano, Marta Minujín, Guillermo Kuitca, Pablo Siquier, Marcos López y Liliana Maresca son algunos de los artistas seleccionados del valioso acervo del Museo Nacional de Bellas Artes.
 
Matias Duville, Sin título, 2015, carbonilla sobre papel
 
A ellos se suman los creadores contemporáneos Leticia El Halli Obeid (Córdoba), Ariel Mora (Neuquén), Marcelo Abud (Jujuy), Matías Duville (Buenos Aires), Tomás Espina (Buenos Aires), Rosalba Mirabella (Tucumán), José Ballivián (La Paz, Bolivia), Walter Tura (Formosa), Cecilia Teruel (Santiago del Estero) y Gustavo Groh (Tierra del Fuego), entre otros, lo que permite inscribir sus obras en algunas de las más importantes tradiciones plásticas del país.

El Museo Emilio Caraffa puede visitarse de martes a domingos, y feriados, de 10 a 20 hs. La entrada tiene un costo de $15 o una entrada combinada de $20 que brinda acceso, también, a los Museos Evita-Palacio Ferreyra y Palacio Dionisi. Los jubilados, menores y estudiantes entran gratis todos los días, mientras que los miércoles el acceso es gratuito para todo público.
 
Tomás Maldonado, "Homage to Ptolemy 2", 2005, acrílico sobre tela 
 
Esta exposición itinerante está acompañada de textos con aportes y reflexiones acerca del Bicentenario, elaborados por Viviana Usubiaga, Ana Claudia García, Nancy Rojas, Pablo Montini y Carina Cagnolo, especialistas y referentes de las artes visuales de diferentes ciudades de país. El catálogo completo está disponible en formato digital en: http://congresodetucuman.cultura.gob.ar.

Luego de su inauguración, el 1.° de julio de 2016, en San Miguel de Tucumán, “Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino” visitó instituciones públicas de Rosario, Mar del Plata, Neuquén, Salta y San Juan, para finalizar en Córdoba la itinerancia por siete provincias argentinas.

11 de diciembre de 2017

Se presentará en el Museo Nacional de Bellas Artes un libro que reune 25 años de producción del artista Diego Perrotta


El miércoles 13 de diciembre a las 18.30 hs. se realizará la presentación del libro “Diego Perrotta. Obra 1992 - 2017”, en la sala 33 del primer piso del Museo Nacional de Bellas Artes, ubicado en Av. del Libertador 1473, Buenos Aires.
Participan: María Teresa Constantin, Luis Felipe Noé, Eduardo Stupía, Andrés Duprat, Alberto Elía y Diego Perrotta.

Este libro reúne 25 años de producción: libro de proyectos, 3 capítulos, 14 series temáticas, con texto de María Teresa Constantin.
El libro recorre y revisita los diferentes proyectos de trabajos que Perrotta viene realizando a lo largo de todos estos años. La edición está diseñada de manera cronológica, se divide en tres capítulos. El libro desarrolla los diferentes recorridos y experimentaciones en su trabajo, donde figuran fotos de obra, bocetos, documentos históricos y registros de montajes de las diversas exposiciones y proyectos.
El recorrido de los 14 proyectos está acompañado por textos críticos, que fueron realizados especialmente en su momento para las exposiciones. En ellos participan: María Teresa Constantin, Luis Felipe Noé, Eduardo Stupía, Diana Wechsler, Alfredo Benavidez Bedoya, María Carolina Baulo, Gabriela Vicente Irrazábal y Diego Perrotta. 

Características del libro:
176 páginas. Tirada 1000 ejemplares. Edición bilingüe. Formato: 30 x 23 cm cerrado / 60 x 23 cm abierto. Colores: 4 x 4 / Papel ilustración 170 gr. Tapa: Cartulina ilustración 300 gr. Colores 4 x 4
Laminado polipropileno mate. Encuadernación: binder cosido.
Coordinación: Luz Marchio / Traducción: Leticia Silva / Diseño: Fedora Fernández y Mayán / Gustavo Barugel / Fotografía: Gustavo Barugel.

8 de diciembre de 2017

Julio Le Parc visitó ARTEH, el nuevo espacio de arte de Hipercerámico


El artista mendocino de fama mundial realizó un recorrido de más de tres horas por el flamante espacio de arte que Hipercerámico inauguró hace apenas dos meses.
Los artistas que componen la actual exposición de ArteH, pudieron interactuar y detallar sus obras a un Le Parc que se mostró a gusto y no tuvo prisa para recorrer el espacio en detalle.

Le Parc junto a las autoridades de Hipercerámico y ArteH: Daniel Rueda, Amarú Gauna, Yumiko Seki, Julio Le Parc, Diego Pérez Colman, Virginia Lavilla y Mackenna Gauna
 
Fiel a su compromiso con la promoción y difusión del arte y la cultura mendocinos, Hipercerámico inauguró su propio espacio cultural. Son 70 metros lineales de exposición, ubicados en el interior del showroom y su nombre es ARTEH - Espacio Hipercerámico-.
El lugar, que abrió sus puertas con una importante muestra colectiva, ya puede ser visitado por el público.
La dirección y curaduría en artes se ha puesto en manos del marchand mendocino Daniel Rueda, quien trabajará desde su profesionalismo en el estímulo, difusión y reflexión sobre la creación artística a nivel regional, nacional e internacional ya que para el futuro se espera abrir el salón a otras manifestaciones artísticas.

Julio Le Parc interactuó con los artistas que exponen actualmente en ArteH compartiendo conceptos sobre sus obras
 
La idea central al crear este espacio es desarrollar un lugar en la región respetando las normas de exhibición y conservación en la materia y no limitándose a meras acciones de marketing. “Será, seguramente, un lugar donde los artistas encuentren un puente entre el público y sus creaciones, con los críticos, los coleccionistas y todos los que conforman este interesante y activo mundo del arte. Es un proyecto con finalidad pública y social”, destacó Diego Pérez Colman, gerente general de la firma.
 
Julio Le Parc con todos los artistas expositores
 
El otro aspecto para resaltar es que el espacio está pensado como un ámbito de recepción y exhibición de nuevos talentos y una contribución más a los clientes de Hipercerámico para que, cuando tengan la necesidad de imaginar sus hogares desde una valoración artística, puedan encontrar el lugar preciso para satisfacer sus demandas culturales.
El doctor Daniel Rueda trabaja desde 2005 en la difusión de los artistas visuales en los circuitos nacional e internacional. Referente en cuanto a la gestión cultural en Mendoza y la región, ha recibido reconocimientos de las cámaras legislativas de Mendoza y San Luis. Tiene en su haber profesional el trabajo realizado en distintas provincias argentinas, como asimismo en varios países.

7 de diciembre de 2017

El Museo Lucy Mattos presenta las muestras de Marta Lemel y Elsa Runde


El Museo Lucy Mattos está presentando las muestras de Marta Lemel "Jugar entre blanco y negro" y Elsa Runde "Vivencias”, del 3 al 30 de diciembre.

Marta Lemel es argentina y nació en Buenos Aires. Estudió dibujo y pintura con Feliza Zir, Fingerman y Locasso y asistió a Estímulo de Bellas Artes. 
Expone desde el año 1972. Realizó numerosas exposiciones individuales y colectivas en Argentina y el exterior. Fue seleccionada en salones nacionales, provinciales y municipales. Poseen obras suyas colecciones privadas de España, Bélgica, Checoslovaquia; la Comisión Nacional de Energía Atómica. la Embajada de Cuba y el Centro Cultural Borges.

Elsa Runde 
es argentina y se formó con Adriana Dellepiane, Teresio Fara, Kenneth Kemble y Guillermo Roux. 
Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Argentina, Brasil y Uruguay. 
Ha recibido las siguentes distinciones: 2ª mención en pintura del 39° Salón del Museo Sívori; premio Pío Collivadino y A.B de Collivadino del 54° Salón Nacional; premio artista de la zona del 34° Salón de San Fernando; mención en la 3ª Bienal de Pintura Centro Universitario de Villa Ballester; 1ª mención del 3º Salón Primavera, Club San Fernando; premio especial del jurado en pintura del 82° Salón de Otoño de SAAP 2017, Facultad de Derecho UBA; primer premio del concurso de pintura pequeño formato - bodega Dante Robino, galería Juana de Arte, entre otras. 
Poseen obras suyas museos y colecciones privadas de Alemania, Sudáfrica, Brasil, Argentina y Uruguay.

Las muestras se pueden visitar de miércoles a sábados de 11 a 19.30 hs y domingos de 10 a 18.30 hs. en  Av del Libertador 17.426, Beccar (San Isidro). El valor general de la entrada es $120. Los días miércoles: $60. Jubilados, estudiantes y docentes con acreditación: $60. 

El Museo Histórico Saavedra presenta la exposición "Buenos Aires, a vista de pájaro: Jean Désiré Dulin (1839-1919)"


Fragmento de la espectacular obra de Dulin, de 12 metros de largo, de la Buenos Aires de 1915. Foto Museo Saavedra
 
Recibida en donación desde los EE.UU., se presenta, por primera vez en Buenos Aires, una obra del dibujante francés Jean Désiré Dulin inédita y espectacular por su tamaño (12 metros de ancho y 1,46 de alto) en la que se puede ver la ciudad en una vista área panorámica desde el Riachuelo a Palermo. Realizada en temple-témpera y tintas artísticas sobre papel, fue exhibida en el Pabellón Argentino de la Exposición Internacional “Panamá - Pacífico” en la ciudad de San Francisco en el año 1915.
 
Jean Désiré Dulin en 1859. Foto Museo Saavedra 
Esta obra, que permaneció ignorada hasta hoy, es no sólo monumental en su concepción sino insuperable ya que en ella no sólo aparece lo que hubiera podido capturar una lente fotográfica sino aquello que con la posibilidad inminente de existir aún no existía, o lo que nunca llegaría a existir por haber quedado sólo en proyecto. Es, en este sentido, un devenir, el testimonio de una posibilidad. A semejanza de nuestra memoria y diferente del puro presente de una fotografía, la obra de Dulin contiene en una única mirada el pasado, el presente y el futuro de Buenos Aires.
 
Otro trabajo de Jean Dulin sobre Buenos Aires. Foto Museo Saavedra
 
Junto a ella se exhiben otras obras del artista que conserva el museo y las diferentes Buenos Aires a vista de pájaro realizadas durante la segunda mitad del siglo XIX, algunas de ellas también inéditas.
La muestra se puede visitar de martes a viernes de 9 a 16 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. hasta el 10 de abril de 2018 en el Museo Histórico de Buenos Aires "Cornelio de Saavedra", 
 Crisólogo Larralde 6309, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina. .Entrada general $5. Martes y viernes gratis.

5 de diciembre de 2017

¡Game On! El Arte en Juego llega al Centro Cultural de la Ciencia del 9 al 17 de diciembre


Llega la quinta edición de Game on! El Arte en Juego, en el Centro Cultural de la Ciencia, ubicado en Godoy Cruz 2270 de la ciudad de Buenos Aires, en el Mes de la Ciencia y el Videojuego.
La muestra completa estará abierta al público del sábado 9 al domingo 17, de 13 a 19:30 hs. Lunes 11 cerrado. 


A la convocatoria se presentaron trabajos de 23 países, de los cuales quedaron seleccionadas 30 obras de artistas de nuevos medios y desarrolladores de videojuegos de Argentina, Francia, Portugal, Estados Unidos, Escocia, Brasil, Inglaterra, México, España, Alemania, Polonia, Israel, Suiza e Italia, generando un recorrido multisensorial a través de instalaciones interactivas, videojuegos experimentales, artísticos y obras de game-art.

Game on! El Arte en Juego recibirá grandes personalidades como Luca Carrubba (presidente ARSGAMES España, investigador en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona), Tomasz Wlaźlak (artista multimedial en Polonia), Isabel Arvers (artista de Francia que realizó un juego sobre los inmigrantes), Daniel Benmergui (argentino creador de Fidel y Storyteller) y muchos más.

“Game on! El arte en juego busca brindar un espacio de exploración y discusión en torno al presente del videojuego experimental y artístico", dice Luján Oulton, creadora y principal responsable de Game On! El Arte en Juego. “La exhibición se ocupa también de problematizar y buscar respuestas a las mejores prácticas de inclusión de los videojuegos dentro del circuito artístico y el espacio público”, agrega.

Acompaña a la quinta edición una agenda de extensión compuesta por conferencias, talleres y performances en distintas salas del C3.

Más información en: 

El Fondo Nacional de las Artes entrego los premios a la Trayectoria Artística


“Me siento hecho en cine. Todo lo pienso en cine, lo hago en cine, lo cuento en cine. Este es un regalo que me da la vida. Lo tomo con memoria, afecto y gran alegría”. Con estas palabras el cineasta José Martínez Suárez agradeció anoche el Gran Premio FNA, en un acto que se realizó a sala llena en el Teatro Nacional Cervantes y que contó con la participación del ministro de Cultura Pablo Avelluto y la presidente del Fondo Nacional de las Artes (FNA), Carolina Biquard.
 
Teresa de Anchorena,  José Martínez Suárez y Carolina Biquard

Por su parte, Agustín Alezzo (Artes Escénicas-Teatro); Miguel Baudizzone, Jorge Lestard y Alberto Varas (Arquitectura); Jorge Strada (Arte y Transformación Social); Margarita Bali (Artes Escénicas-Danza); Jorge Gamarra (Artes Visuales); Milán Cardozo (Artesanías); Carlos Fracchia (Diseño); José y Carlos Aschero (Patrimonio) recibieron de manos del directorio del organismo los Premios a la Trayectoria 2017.  Charly García (música) y José Burucúa (Letras) también recibieron la distinción aunque no presenciaron el acto.

El Gran Premio FNA y los Premios a la Trayectoria Artística son las máximas distinciones que otorga el Fondo y tienen como fundamento reconocer anualmente la obra de artistas que, en mérito a su labor intelectual y creativa, han contribuido de manera positiva a enriquecer el patrimonio cultural de la Argentina. El Gran Premio consiste en $300.000 y los Premios a la Trayectoria Artística en $150.000.
 
El Gran Premio FNA fue entregado por primera vez en el año 1963 al escritor Jorge Luis Borges, en la categoría Letras. Numerosos artistas han recibido este galardón, entre los que se destacan: Armando Discépolo; Ariel Ramírez; Libero Badii; María Elena Walsh; Raquel Forner; Enrique Cadícamo; Marco Denevi; Tita Merello; Griselda Gambaro, Adolfo Aristarain; Edgardo Cozarinsky, Juan Falú, Josefina Robirosa y Horacio Salgán.

Del acto participaron personalidades de la cultura y autoridades nacionales, como Mirtha Legrand -hermana del cineasta Martínez Suárez-; Juan José Campanella; el presidente de la DAC, Carlos Galenttini; el director del Cervantes, Alejandro Tantanian, y Sebastián Blutrach, Inés Sanguinetti, Sergio Wolf, Teresa de Anchorena, Enrique García Espil, Iván Petrella, Alberto Manguel, Rosa Aiello, Marcelo Moguilevsky, Juan Javier Negri y Eduardo Stupía, como directores del FNA.

Vida y obra de Pasolini: imágenes de una pasión, en el Centro Cultural Borges


Decameron
 
El jueves 7 de diciembre a las 19 hs. se inaugura en el Centro Cultural Borges la exposición fotográfica "P. P.Passolini: Io so", de Enzo De Camillis, prestigioso escritor, escenógrafo y realizador cinematográfico italiano, especialista en la vida y la obra del gran artista italiano. La muestra incluye imágenes del archivo fotográfico del Centro Sperimentale di Cinematografia-Cineteca Nazionale de Italia, entre ellas las fotos del set de Ro.Go.Pa.G y del Decameron.
 
Ro.Go.Pa.G
 
Se exhibe una galería de imágenes tomadas durante la realización de las películas de Pasolini y fotografías de los acontecimientos más importantes de la historia italiana e internacional del periodo histórico en el que vivió el poeta y director (1922-1975). El conjunto permite seguir la trayectoria vital y artística de uno de los más apasionantes intelectuales italianos de la posguerra.
La exposición registra el difícil contexto social de Roma cuando Pasollini y su madre se radicaron en un suburbio de la capital italiana, en el barrio romano Monteverde, donde también vivía su amigo Attilio Bertolucci. Las duras condiciones de la vida cotidiana durante esos años dejaron en él una huella imborrable que reflejaría en sus escritos y en su obra cinematográfica. Esa experiencia inspirará tambien la novela Ragazzi di vita, que suscitó una enconada polémica.
 
Pier Paolo Pasolini 
 
En el marco de la exhibición, se proyectará el documental Un intellettuale in borgata (Un intelectual en el suburbio), de Enzo De Camillis, que narra la vida y el pensamiento de Pier Paolo Pasolini (de 1954 a 1975). El film recorrió diversos festivales y obtuvo el primer premio en el Festival Omovies, de Napoles, y en el Festival Internacional del Documental “Libero Bizzarri”. Fue finalista en el Festival de Cine Independente de Roma y ha sido proyectado en varias ciudades italianas, en Estocolmo, Lisboa y Sofia.
También se presentará el libro "Pier Paolo Pasolini - Io So...", de Enzo De Camillis, que se lanzó en año pasado en la Muestra de Venezia y en la Festa di Roma.
 

Completando este verdadero festival de la historia y la cultura italiana, se presenta también otro el libro: “Quando si faceva la Costituzione” (Cuando se hacía la Constitución), de la intelectual italiana Grazia Tuzi, un valioso testimonio sobre un período clave de la vida institucional italiana. 
Entre fines de los años cuarenta e inicio de los cincuenta se fundó en Roma la Comunità del porcellino, una asociación que albergó, gracias a la hospitalidad de las hermanas Portoghesi, a los políticos e intelectuales que fueron protagonistas de la Asamblea Constituyente. Telemaco Portoghesi Tuzi, descendiente directo de las hermanas Portoghesi, y su hija Grazia Tuzi construyen un relato íntimo y apasionado de esa singular comunidad a través de documentos y recuerdos personales, dando testimonio de una de las experiencias más influyentes y menos conocidas de la historia política italiana. La presentación tendrá lugar en el Auditorio Williams del Centro Cultural Borges, el 6 de diciembrela las 19 hs.

La exposición se puede visitar de lunes a sábado de 10 a 21 hs. y los domingos y feriados de 12 a 21 hs. en Viamonte 525, Buenos Aires, Argentina.

El Distrito de las Artes abrió sus puertas a los vecinos el fin de semana pasado


El Distrito de las Artes realizó el pasado fin de semana “Distrito Abierto”, un evento donde más de 50 espacios artísticos abrieron sus puertas para que los vecinos puedan disfrutar de sus producciones musicales, escénicas, visuales y literarias.
La actividad se realizó el 1, 2 y 3 de diciembre y se dividió en tres zonas geográficas: Caminito, Usina y San Telmo, respectivamente.
 
Los vecinos pudieron disfrutar de charlas, talleres de teatro, exposiciones, orquestas en vivo, visitas guiadas, entre otras. Por primera vez, cada espacio artístico del Distrito mostró su detrás de escena para dar a conocer sus obras y actividades.
El Distrito de las Artes es un ecosistema de creación, producción y difusión cultural, en los barrios de San Telmo, La Boca y Barracas. Tiene como objetivo potenciar el arte, una de las industrias estratégicas de la Ciudad, y a la vez, generar desarrollo en barrios relegados, a través de la radicación de artistas y empresas, y del desarrollo de actividades culturales.

Juan Manuel Seco, Director General de Distritos Económicos, comentó: “Distrito Abierto fue la oportunidad para que todos los vecinos de la Ciudad puedan disfrutar de un día diferente, conociendo la trastienda de un gran ecosistema artístico como lo es el Distrito de las Artes”.

El MACBA presenta "Eduardo Mac Entyre. Sutilezas de la línea"


"Ritmos rojos sobre negro, 1990 y 1994, acrílico sobre tela. Colección familia Mac Entyre
 
El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires - Fundación Aldo Rubino presenta "Eduardo Mac Entyre. Sutilezas de la línea", exposición curada por Cristina Rossi que permitirá recorrer las transformaciones de la línea en su obra no figurativa entre el 28 de octubre y el 11 de marzo de 2018. Tras la primera muestra de “Arte Generativo” -realizada junto a Miguel Ángel Vidal en 1960- Mac Entyre concibió una obra rica en inflexiones. La exhibición enlaza los primeros trabajos no figurativos, próximos al arte concreto, con sus búsquedas dentro del arte óptico y cinético.

"Dinamismo circular", 1973, pintura acrílica sobre placas de acrílico, barras de acrílico, madera y motor. Colección familia Mac Entyre
El guión curatorial reúne pinturas, cajas cinéticas, obras modulares y en papel que se articulan en cuatro núcleos que tratan: la producción temprana, las variaciones en la generación de la forma y la vibración a partir de la circunferencia, así como la preeminencia de la luz en la pintura y en la obra cinética. El último núcleo subraya el carácter libre y lúdico con el que buscó variantes para un mismo tema e invita al espectador a experimentar con las transformaciones de la forma.

"Pintura generativa 4, 1974-75, acrílicos de colores. Colección familia Mac Entyre

Internacionalmente reconocido por su imagen generativa, Mac Entyre cultivó diferentes líneas de expresión, sea mediante la abstracción y las posibilidades de la representación figurativa como a través de la explotación de todos los recursos plásticos disponibles. La muestra presenta estas etapas a partir de una selección de documentación y de un conjunto de pinturas que, entre sus últimos trabajos, interpretaron un grupo de piezas de arte africano.

Serie africana
 
Presentada en los cuatro pisos del Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires a partir de la curaduría de Cristina Rossi, "Eduardo Mac Entyre. Sutilezas de la línea" es una oportunidad para disfrutar la obra y la trayectoria de este significativo artista argentino.

"Dinámica cromática", 2013, acrílico y madera. Colección familia Mac Entyre

Eduardo Mac Entyre (Buenos Aires, 1929 – 2014) inició sus investigaciones en torno al arte geométrico a inicios de la década de 1950 en el marco del Grupo Joven, integrado, entre otros, por Miguel Ángel Vidal, Víctor Magariños D. y Federico Martino. Allí estudió las raíces del arte concreto, las teorías de Max Bill y Georges Vantongerloo y la escuela de la Bauhaus. En 1959 cofundó, junto con Miguel Ángel Vidal, el grupo Pintura Generativa, término sugerido por el coleccionista Ignacio Pirovano para describir un arte que se propone generar formas nuevas y reflejar el proceso generativo de las cosas. En 1960 escribieron el Manifiesto Arte generativo, y tuvo lugar la primera muestra del grupo en la galería Peuser.

"Luz en diagonal", 1996 y "Lo espiritual de la forma, 2000, ambas en acrílico sobre tela. Colección familia Mac Entyre
 
Mac Entyre se orientó a la utilización del círculo y la curva para la generación de formas como es evidente en muchas de sus obras más destacadas, como las que integran el patrimonio del MACBA - Fundación Aldo Rubino. De acuerdo con Rafael Squirru, su geometría va más allá de un simple juego sensorial; sus círculos y curvas devienen símbolos espirituales que alcanzan repercusión universal.

En 1967 participó de la exhibición Latin-American Art, 1931–1966, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), con la obra Generative Painting. Black, Red, Orange (1965), que integra su colección permanente. En 1968 participó en las exposiciones Four New Argentinean Artists (galería Bonino, Nueva York) y Beyond Geometry (Center for Inter-American Relations, Nueva York). Recibió varias distinciones, entre las que se destacan el Primer Premio UNESCO (Bienal de San Pablo, 1961), el Premio Nacional de Pintura (Instituto Torcuato Di Tella, Buenos Aires, 1966) y el Diploma al Mérito (Fundación Konex, Buenos Aires, 1982). Como parte del movimiento de arte cinético argentino, sus trabajos fueron incluidos en la muestra "Real/Virtual. Arte cinético argentino de los años 60" del Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, 2012). Sus obras integran importantes colecciones a nivel internacional.

La curadora Cristina Rossi y los hijos de Eduardo Mac Entyre: Cristian, Analia y Roger Mac Entyre
 
"No pocas veces, en charlas de familia, nuestro padre sacaba a relucir su gran amor por el arte en general, no sólo por las artes plásticas.
Siempre nos decía que todas las artes estaban fuertemente vinculadas y que cada artista hacía su camino con el material que mejor maneja o cree manejar.
'Para pintar un buen cuadro, hay que escuchar buena música y leer un buen libro' solía repetir.
Su inmensa obra jamás hubiera sido posible sin la fuerte pasión que ponía en ella y en la vida, además de su intenso y metódico trabajo. Siempre citaba a Picasso: "La inspiración existe pero te tiene que encontrar trabajando".
(…) "También hacía hincapié en la extrema importancia de las obras que resisten el paso del tiempo, "Ahí está la inmortalidad" afirmaba. Jamás sospechamos que aquella aseveración nos iba a calar tan hondo después de su desaparición física." 
(…) "Nunca antes habíamos sentido la inmortalidad tan cerca." Palabras de Analia, Roger y Cristian Mac Entyre.

La exposición se puede visitar los lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 hs. y los sábados y domingos: 11 a 19:30 hs. en Av. San Juan 328, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina. Ingreso hasta 30 minutos antes del cierre. Martes: cerrado.
Más información en: www.macba.com.ar.

4 de diciembre de 2017

Dos Exposiciones para las Fiestas en el Museo José Hernández


El Museo de Arte Popular José Hernández presenta dos exposiciones: "Navidad en Perú. Pesebres artesanales" y "Los Santitos de la Quebrada. Homenaje a Hermógenes Cayo".

El proyecto sobre los pesebres artesanales "nace con la ilusión de llevar al alcance de todos la Navidad, compartiendo con nuestros hermanos argentinos parte de nuestra cultura y dando a conocer también nuestras costumbres y a los maestros de la artesanía peruana".
 
La muestra consta de más de 15 pesebres realizadas en cerámica, piedra y madera tallada, tejidos en algodón, lana y paja. Se eligieron las obras más representativas de cada una de seis regiones del país (Ayacucho, Cuzco, Junín, Arequipa, Lima, Piura, La Libertad), cada una con su impronta y sus características, dando un panorama del enorme caudal de arte que tiene el Perú.
Hace 16 años que la Asociación de Damas Peruanas en Argentina realiza, en época de Navidad, la exposición de pesebres peruanos. La misma ha sido presentada en diversos museos y salas de exposiciones. Esta muestra ha sido Declarada de Interés Cultural de la Ciudad por la Legislatura Porteña.

La muestra "Los Santitos de la Quebrada" es un homenaje a Hermógenes Cayo, mediante el arte popular de la Quebrada de Humahuaca y la Puna Jujeña con las figuras de bulto y misa chico del Imaginero Eduardo Escobar y las acuarelas de Marcela Ruiz Echeverría.
La provincia de Jujuy, especialmente la Quebrada de Humahuaca -declarada Patrimonio Cultural de la Humanidad en 2003- y la Puna se caracterizan por una profunda religiosidad popular. Don Hermógenes Cayo (1907-1968) demostró esta particularidad de hombres y mujeres jujeñas en sus obras de arte expresadas a través de su imaginería indígena.
La imaginería religiosa es parte de nuestra cultura. Las expresiones culturales surgen por una necesidad, y la necesidad de inspirarse y llegar a lo sublime, a lo religioso, es lo que hace que el hombre cree sus propias imágenes e intérprete lo celestial.

Por eso es que termina siendo tan atractivo el tema de la imaginería, donde el hombre andino, como lo hizo Hermógenes Cayo con devoción y minuciosidad, le pone su impronta y recurre a los elementos que tiene a su alrededor para crear su propia imaginería o la imagen de aquello que está en el cielo, sintiendo que de alguna manera está bajando eso que está arriba a este plano.
Los Santitos forman parte de la cotidianidad de los pobladores de la Quebrada y la Puna. En sus calendarios figuran días en que sus pobladores caminan varios kilómetros por senderos sinuosos para “pasar misa” a sus santos o a la virgen de su devoción.

Ambas exposiciones se pueden visitar hasta el 28 de enero del 2018, de martes a viernes de 13 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. en Av. del Libertador 2373, Ciudad Autónoma de Buenosj Aires. Entrada $10. Miércoles gratis.