21 de agosto de 2019

Dos importantes muestras forma parte de MIRÁ Festival de Arte: “Homenaje a John Lennon” de Raúl Blisniuk y la muestra de pinturas de Prudencio Hernández


El miércoles 21 de agosto a las 19 hs. en el marco de MIRÁ Festival de Arte, se inauguran en el Centro Cultural Borges dos importantes muestras: “Homenaje a John Lennon” de Raúl Blisniuk y la muestra de pinturas de Prudencio Hernández.
 
“Homenaje a John Lennon” de Raúl Blisniuk
 
En el “Homenaje a John Lennon”, Raúl Blisniuk presenta las producciones visuales de la última etapa de su trabajo en honor al líder de la banda de Liverpool y referente indiscutido de una nueva forma de hacer arte a través de la música, de una nueva filosofía de vida centrada en la paz y el amor fraterno para toda la humanidad.  Así es como se podrá apreciar el rostro de John Lennon plasmado en diversos soportes, intervenido con elementos extraídos de famosos cuadros de artistas consagrados de todos los tiempos como “Las Meninas” de Diego Velázquez, “Guernica” de Pablo Picasso, trazos que remiten a la obra de Jackson Pollock así como referencias de tantos otros grandes de las artes visuales de todos los tiempos.
 
Raul Blisniuk en su taller
 
“Amo a Los Beatles, su creatividad, su fuerza para irrumpir en la segunda mitad del siglo XX con nuevas melodías, nuevas combinaciones de sonidos” -afirma Raúl Blisniuk-. “Innovadores absolutos no solo a nivel musical sino también en lo referente a una nueva estética en el mercado musical.  Concibieron “el mito” a través de una estrategia cuidada, pensada también en la forma de presentarse, en la estética y el estilismo que los caracterizó en cada momento, que fue transformándose a través del tiempo.  Y hoy, inspiran mi obra”.
 
“Homenaje a John Lennon” de Raúl Blisniuk
 
Orgulloso de su amor por The Beatles, en 1996, en el Palais de Glace presentó la primera gran muestra de objetos de colección de la banda en nuestro país, junto con obra de grandes artistas contemporáneos en tributo a estos cuatro grandes. 
Luego, en 2002 llevó parte de sus objetos de colección a La Rural: cientos de discos y fotografías, cuadros de artistas consagrados referidos a la banda, historietas, escenografías de tamaño real, autógrafos, tapas de diarios y afiches de sus presentaciones, cartas manuscritas de los artistas, premios, entre otros valiosos objetos del patrimonio de Blisniuk.
 
El público podrá revivir la magia -eterna- de la banda en este “Homenaje a John Lennon”, con obras actuales del artista, y muchos de los objetos exhibidos en las muestras anteriores: fotografías, cartas, documentos escritos y publicaciones de la época de apogeo de The Beatles, que forman parte de su vasta colección.
 
"Espiral ciudadano" de Prudencio Hernández 
 
La muestra de pinturas de Prudencio Hernández, curada por Julio Sapolnik, está integrada por una serie de pinturas que retratan edificios urbanos, cuyas siluetas apenas se divisan entre la bruma colorida. “Las sucesivas trasparencias permiten penetrar la tela y destacar la imagen -describe el curador-. No hay nada de ingenuo en la resolución plástica que propone, todo está pensado y se forja trabajando la pintura. Pero si, hay una inocencia que está presente y sobrevuela el sentido de la composición. Prudencio transita un mundo donde sobrevive el más fuerte y sin embargo en sus pinturas no existe la cólera. Una y otra vez se adentra en una creación donde personajes solitarios anhelan comunicarse”.
 
Obra de Prudencio Hernández

Prudencio Hernández es un destacado artista que ha recibido numerosas distinciones, como los premios Fundación Givré y Fundación Arché, Premio Nacional de Pintura Naif, Premio de Pintura Naif de la Asociación Latinoamericana de Artistas Plásticos y Primer Premio de Artistas en pequeño formato.
Además de dedicarse a la pintura desde su juventud, el artista es uno de los grandes referentes de los carruajes en nuestro país y posee una única e importante colección de carruajes históricos.

MIRÁ no es una feria ni una exposición. MIRÁ es un Festival de Arte, con todo lo que la palabra Festival significa. Organizado por el programa “Cultura al Día” que conducen Patricia Altmark y Julio Sapollnik, se trata de un encuentro directo entre los artistas y el público que deseen adquirir sus obras. MIRÁ no tiene paneles ni stands que interrumpan la mirada del espectador. Abarca todas las disciplinas: pintura, dibujo, grabado, esculturas, fotografías, textil, instalaciones y objetos.

Se puede visitar del 22 al 25 de agosto, de 12 a 20 hs. con entrada libre y gratuita en el Centro Cultural Borges, Viamonte 525, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

20 de agosto de 2019

Ya llega "MIRÁ Festival de Arte 2019" en el Centro Cultural Borges


Raúl Blisniuk, Patricia Altmark y Julio Sapollnik
 
Del 22 al 25 de agosto se realiza MIRÁ Festival de Arte 2019 en el Centro Cultural Borges, Viamonte 525, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Organizada por el programa “Cultura al Día” que conducen Patricia Altmark y Julio Sapollnik y “Un Lugar”, hosting presidido por Raúl Blisniuk, se ha consolidado como un evento importante dentro del circuito artístico de la ciudad.
 
Obras de Javier de Aubeyson
 
MIRÁ no es una feria ni una exposición. MIRÁ es un Festival de Arte, con todo lo que la palabra festival significa. Se trata de un encuentro directo entre los artistas y el público que deseen adquirir sus obras.
Como parte del Festival MIRÁ, Raúl Blisniuk, artista plástico y el mayor coleccionista de The Beatles en América Latina  presenta “Homenaje a John Lennon”

“Homenaje a John Lennon” por Raul Blisniuk
 
MIRÁ no tiene paneles ni stands que interrumpan la mirada del espectador. Abarca todas las disciplinas: pintura, dibujo, grabado, esculturas, fotografías, textil, instalaciones y objetos.
MIRÁ Festival de Arte, publica un excelente catálogo con todos los artistas participantes. Así se convierte en un documento muy valioso para los expositores.

Obra de Ängeles Linch
El viernes 23 de agosto, Lechu deleitará al público asistente con sus canciones de varias épocas y de los Beatles.
Además, el sábado 24 de agosto se realizará, por tercer año consecutivo, el concurso de “Body-painting" organizado por Pintafan. Los artistas estarán pintando en vivo a partir de las 12 hs.

Obra de Carlota Fisch
La inauguración es el 21 de agosto a las 19 hs. y se puede visitar del 22 al 24 de agosto de 12 a 20 hs. con entrada libre y gratuita.
 

Premio Fundación Fortabat 2019


Alicia Herrero recibe el Primer Premio de Mari Carmen Ramírez (jurado) y Germán Barraza (director artístio de Colección Fortabat)

Por el décimo aniversario se convocó al concurso Premio Fundación Fortabat 2019 que recuerda y homenajea a los grandes premios realizados por la Fundación Amalia Lacroze de Fortabat en la década del 80 y del 90. Reconocidos artistas premiados, excelentes jurados y lugares de exhibición prestigiosos, convirtieron ese concurso en uno de los grandes hitos del arte de esa época. 

Valeria Maggi recibe el Primer Premio Jóvenes de Amalia Amoedo (jurado) y Germán Barraza (director artístio de Colección Fortabat)
 
Promover y difundir a los artistas nacionales, reconocidos y emergentes, es el objetivo de esta nueva convocatoria y la misión fundamental de la Colección Amalita. El jurado compuesto por Mari Carmen Ramírez, Marcelo Pacheco, Pablo León de la Barra, Amalia Amoedo y Rodrigo Alonso seleccionó 68 obras, de la cuales 45 son de la categoría mayores y 23 obras de la categoría jóvenes.

Alicia Herrero. "Sustancias, ritmos e instrumentos", 2019, técnica mixta sobre MDF y bastidor de madera 
 
De estas obras que componen la exhibición, se concedieron los siguientes premios:
• Categoría Mayores: primer premio de $320.000 para Alicia Herrero, segundo premio de $200.000 para Valentina Liernur y tercer premio $160.000 para Sofía Bohtlingk.
• Categoría Jóvenes: primer premio de $160.000 para Valeria Maggi y dos menciones de $40.000 para Nahuel Ferreira y Manuel Aja Espil.

Diego Perrotta. “Uno a uno bajo el silencio de la luna”, 2018, acrílico sobre tela (seleccionado)
El total de los artistas seleccionados mayores de 35 años son: Sergio Bazán, Juan Becú, Gisele Bliman, Florencia Bohtlingk, Sofia Bohtlingk, Dolores Casares, Juan Alejandro Castillo, L&D Chiachio & Giannone, Cynthia Cohen, Andrés Gastón Compagnucci, Roberto Cortés, Pablo de Montaldo, Juan Martin Di Girolamo, Diana Dowek, Manuela Durañona y Vedia, Franco Fasoli, María Ferrari Hardoy, Diego Figueroa, Onofre Roque Fraticelli, Valeria Gopar, Alicia Herrero, Mario Inchauspe, Ricardo Laham, Catalina León, Valentina Liernur, Valeria Maculan, Gustavo Marrone, Paula Otegui, Aimé Pastorino, Diego Perrotta, Julián Prebisch, Deborah Pruden, Victor Quiroga, Lucas Rocino, Belén Romero Gunset, Luciana Rondolini, Cristina Schiavi, Cristian Segura, Pablo Andrés Sinaí, Richard Sturgeon, Inés Szigety, Leila Tschopp, Paola Vega, Gabriela Winicki, Horacio Zabala.

Nahuel Ferreira. "Novus Narcissus", 2018, óleo sobre tela (Mencion jóvenes)
 
Los artistas seleccionados de 18 a 34 años son: Manuel Aja Espil, Andrés Alvez, Paz Bardi, Sofía Berakha, Cecilia Catalin, Alfredo Dufour, Nahuel Ferreira, Esteban Giannone Martinez, Camila Lamarca, Diffusion Line, Lucrecia Lionti, Gimena Macri, Valeria Maggi, Nadia Martynovich, Federico Manuel Mesaroli, Tiziana Pierri, Andrés Piña, Nicolas Ponton, Victoria Renzo, Nicolás Romero Escalada, Ana Clara Soler, Ariel Venegas, Mayra Vom Brocke.

Lucas Rocino. "De tierra colorada, 2019, óleo sobre tabla (seleccionado)
 
La exhibición de las obras seleccionadas y premiadas permanecerá hasta el 29 de setiembre de 2019 y se puede visitar de martes a domingos de 12 a 20 hs. en la Colección Amalia Lacroze de Fortabat, Olga Cosenttini 141, Puerto Madero, Buenos Aires, Argentina.

Dolores Casares. "Ciudad en sombras", 2018, hilos metalizados sobre PVC con iluminación LED (seleccionado) 
  
Valor de la entrada:
Tarifa normal: $140. Tarifa reducida de $80 para menores de 12 años, jubilados, estudiantes y docentes. Miércoles: tarifa normal $80 y acceso gratuito para menores de 12 años, jubilados, estudiantes y docentes con acreditación.

19 de agosto de 2019

JBL® y Harman Kardon desembarcan en Argentina a través de Brightstar Argentina


Harman International, empresa subsidiaria de Samsung Electronics, líder en tecnologías conectadas para los mercados de consumo, empresas y automóviles, llevó a cabo la presentación y desembarco de JBL y Harman Kardon en Argentina de la mano de Brightstar Argentina, su distribuidor oficial.

Para ello, la marca realizó una original presentación en The Club House donde los directivos presentaron más de 20 nuevos productos JBL y Harman Kardon entre auriculares, parlantes y Smart/Home Audio. Los mismos se caracterizan por fusionar diseño, tecnología y calidad de sonido con el objetivo de amplificar cada momento y transformar lo cotidiano en excepcional.

Auriculares deportivos JBL Endurance
Cada categoría de producto cuenta con atributos diferenciales. Así, la serie de auriculares deportivos JBL Endurance presentan un diseño ergonómico, son inalámbricos y resistentes al sudor, mientras que los auriculares de ocio de la serie JBL Tune están diseñados para el día a día y brindar una inmersión profunda en la música, con diseño ligero y plegable. Entre los parlantes portátiles, se destaca que la mayoría son sumergibles en el agua, algunos modelos pueden recargar otros dispositivos con su batería de larga duración y la posibilidad para conectar más parlantes entre sí gracias a su tecnología exclusiva. 

En lo que se refiere a Home Audio la innovación viene de la mano del comando de voz y el sonido envolvente de alta fidelidad como lo demuestra la serie JBL Bar o el parlante portable inteligente JBL Link 10 que incorpora Google Assistant en español. Por último, los parlantes de exterior JBL Partybox ofrecen la conjunción del sonido característico de JBL y efectos lumínicos para animar una fiesta o evento en un espacio amplio.
 
JBL apunta a jóvenes buscadores de experiencias, dinámicos, energéticos en la que la música desempeña un papel esencial en sus vidas, gracias a sus productos creados para acompañarlos en su día a día. Harman Kardon, por su lado, busca posicionarse entre un público joven y adulto que se interese por obtener un sonido premium de altísima fidelidad para con la obra del artista, con un diseño sofisticado, elegante y de vanguardia.
 
Respecto al lanzamiento Rodrigo Rihl Kniest, presidente de Harman Brasil y VP de Harman para América del Sur, declaró: “Nuestro deseo, más que vender productos, es desarrollar el mercado de audio en Argentina con productos con alta tecnología como audífonos bluetooth, cancelamiento de ruidos, parlantes inteligentes con Google Assistant y sonido premium para una experiencia única estilo cine”.
 
JBL y Harman Kardon apostarán al país a través de Brightstar Argentina, empresa con más de 20 años de trayectoria internacional en manufactura y la distribución de tecnología móvil, con el objetivo de posicionar la marca en el mercado argentino y liderar la categoría de audio en los segmentos de auriculares, parlantes y Smart/Home Audio, con distribución en las cadenas de retail más importantes del país.

16 de agosto de 2019

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presenta la primera edición del Festival Escuchar [Sonidos visuales]


El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires anuncia la primera edición del Festival Escuchar [Sonidos visuales], que tendrá lugar los días 23, 24 y 25 de agosto en el renovado edificio ubicado en Avenida San Juan 350, San Telmo.

Wili Peloche (Argentina)
 
Escuchar [Sonidos visuales], es el ciclo de música experimental del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, dedicado a la exploración musical y sonora, con la curaduría de Jorge Haro y Leandro Frías. Junto con el ciclo de cine  experimental del MAMBA, ambos se constituyeron, a lo largo de los últimos 21 años de actividad ininterrumpida, como referentes y formadores de artistas, investigadores y profesionales interdisciplinarios, además de generar un espacio de visibilidad para las obras audiovisuales experimentales y un sitio de encuentro entre los artistas locales e internacionales y el gran público.

Méryll Ampe (Francia)
 
En 2019, el tradicional formato del ciclo se renovó para conformar un festival de tres días consecutivos donde concentrará toda su calidad artística en una oportunidad única en el año. La programación, que cuenta la participación de destacados artistas argentinos y extranjeros, ofrecerá conciertos, presentaciones audiovisuales, charlas, talleres para todo público y actividades especiales para niños y niñas.

En su nuevo formato, Escuchar [Sonidos visuales] mantiene su núcleo conceptual: el festival combina experimentación, investigación, promoción y reivindicación sonora, musical y audiovisual. Las propuestas artísticas que integran la programación abarcan desde una búsqueda más radical hasta ciertas aproximaciones a la cultura pop-rock, siempre desde una perspectiva innovadora, ligada a la utilización de tecnologías electrónicas y digitales.

Norbert Möslang (Suiza) por Reto Wettach
 
PROGRAMACIÓN:

Viernes 23 de agosto
10 a 13 hs. Taller: Estrategias Composicionales para Música Electro-acústica, por Rodrigo Sigal (México). Con inscripción previa en museomoderno.org.
18:30 hs. Audiovisual: Fernando Molnar (Argentina) presenta Konstrukttion, paisaje
sonoro
, un set visual, sonoro, musical, donde se genera un diálogo de imágenes filmadas en obras y edificios de estilo racionalista que fueron construidos por arquitectos alemanes entre 1920 y 1950.
19.30 hs. Conferencia: Presence, por Méryll Ampe (Francia). Basada en su trabajo sonoro
20.30 hs. Concierto: Norbert Möslang (Suiza). Norbert Möslang es una figura ineludible de la experimentación sonora en Europa, célebre por la potencia de sus directos y por haber integrado Voice Crack.
21.30 hs. Concierto: Carlos Alonso (Uno x Uno) (Argentina). El legendario experimentador argentino presenta Pasajero Cero.
 

Pablo Reche (Argentina)
Sábado 24 de agosto
10 a 13 hs. Taller: Estrategias Composicionales para Música Electroacústica, por Rodrigo
Sigal (México). Con inscripción previa en
museomoderno.org.
18.30 hs. Audiovisual: Concierto de Luciana Rizzo (Argentina) con visuales de Loló Bonfanti (Argentina).
19.30 hs. Conferencia: Norbert Möslang (Suiza)
20.30 hs.
Cruce audiovisual: Pablo Reche (Argentina) + Wili Peloche (Argentina).  Los artistas se presentarán juntos por primera vez para crear una propuesta con sonidos estáticos y paisajes visuales de geometría abstracta, que remiten a los postulados artísticos del modernismo.
21.30 hs. Concierto: Méryll Ampe (Francia) La artista realizará un concierto basado en grabaciones de campo. Méryll establece vínculos entre la práctica musical y visual utilizando técnicas relacionadas con la escultura: cortar, modelar, cincelar, etc.
 

Rodrigo Sigal (México) presenta Lumínico
Domingo 25 de agosto
16.30 a 18.30 hs. Escuchar MINI: experiencia sonora participativa para niños de 6 a 12 años. Con inscripción previa en museomoderno.org.
Taller: Dibujos que suenan, coordinado por Julio Nusdeo (Argentina).
La actividad propone prácticas lúdicas basadas en el uso de osciladores de onda cuadrada y su modulación a partir de la propiedad conductiva del grafito.
Los osciladores -circuitos electrónicos que generan sonido- se modifican al contacto con la cantidad de grafito aplicado en una hoja de papel donde los niños y las niñas dibujan. De este modo, se escucha cómo suenan los dibujos, como así también sus patrones rítmicos y melódicos.
19.30 hs. Audiovisual: Sol del Río (Argentina). Concierto audiovisual que reúne las producciones más recientes de la artista en un set minimal-techno e industrial desde una estética de-constructivista y neo-futurista.
20.30 hs. Audiovisual: Rodrigo Sigal (México) presenta Lumínico. El compositor mexicano regresa a la Argentina para participar de la primera edición del Festival Escuchar [Sonidos visuales]. Lumínico explora las conexiones entre los parámetros de audio y su posible representación visual en tiempo real.

Ubicación: Avenida San Juan 350, San Telmo, Buenos Aires, Argentina.
Horarios: lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 hs. Sábados, domingos y feriados de 11 a 20 hs. Martes cerrado. Entrada general: $50. Miércoles gratis.

15 de agosto de 2019

El Bellas Artes presenta la muestra “Transición Buenos Aires-París (1955-1959)” como parte del homenaje nacional a Julio Le Parc


El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura, el miércoles 21 de agosto a las 18 hs., la muestra “Julio Le Parc. Transición Buenos Aires-París (1955-1959)”, que presenta en el pabellón de exposiciones temporarias un centenar de pinturas, dibujos, acuarelas y grabados, algunos de ellos nunca exhibidos, que ponen de relieve la obra temprana del gran artista argentino.

“La obra de Julio Le Parc concita desde siempre un feliz sobresalto”, afirma el director del MNBA, Andrés Duprat. “El museo acoge esta muestra homenaje al gran maestro argentino con la certeza de que sus creaciones, en las que se cifran buena parte de las escuelas plásticas en que inscribió su labor -abstracción, arte cinético, conceptualismo, op art-, permiten retomar el diálogo con la tradición universal desde un lenguaje fiel a sí mismo que captura los dilemas de cada época con la potencia interpelante de toda novedad radical”.
 
Julio Le Parc, “Papelismo 5”, 1957, monocopia, 55 x 75 cm (estampa 39 x 54 cm). Atelier Le Parc 
 
La muestra, que puede visitarse hasta el 17 de noviembre, se inscribe en el homenaje nacional que celebra la trayectoria del artista a sus 90 años, bajo la dirección artística de Yamil Le Parc.

Curada por la directora artística del Bellas Artes, Mariana Marchesi, la exhibición abarca un período fechado entre las décadas de 1950-1960, desde sus épocas de estudiante en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires hasta sus primeros años en París, donde fundó el Grupo de Investigación de Arte Visual (GRAV) y realizó sus experiencias iniciales con la abstracción geométrica.

El primer núcleo de la muestra, “Los años de formación y la tradición de la enseñanza”, reúne una selección de dibujos y pinturas realizados por el artista en su etapa de alumno de la Escuela de Bellas Artes, una institución dominada por el peso de la tradición de la enseñanza artística. 
“La revuelta de los estudiantes y la experimentación de las formas”, el segundo núcleo, se concentra en el período 1956-1958, los últimos años de Le Parc en Buenos Aires, cuando lideró la agrupación que se rebeló contra los métodos establecidos para el aprendizaje del arte. En este contexto, se conformó un grupo en torno al taller de grabado de la Escuela, donde el artista realizó una serie de monocopias, por medio de las que inició sus exploraciones con las formas y el color sobre el papel.
 
Julio Le Parc, “Double progression”, 1959, acuarela sobre cartón, 49,5 x 49,5 cm. Atelier Le Parc
En tanto, “París 1959: el ojo y la superficie activa” se sumerge en los primeros meses de Le Parc en la capital francesa, donde produjo cerca de 150 acuarelas y dibujos con tinta que permiten observar el vuelco hacia la abstracción. En estas piezas -explica Marchesi- "se advierten los intereses que llevarían al artista a investigar conceptos como el movimiento o la serialidad, y su incidencia en los mecanismos de la percepción visual".

Con obras provenientes en su mayoría del Atelier Le Parc, la exposición se completa con un grupo de pinturas de colecciones particulares y la instalación lumínica “Inestabilidad. Proposición arquitectural”, una pieza clave de la producción del artista, que forma parte del acervo del MNBA y que integró la primera muestra de Le Parc en el Museo Nacional de Bellas Artes, en 1964.

"La relación de Julio Le Parc con el Museo Nacional de Bellas Artes lleva cincuenta y cinco años de historia. Las mismas salas, pero en 1964, albergaron la muestra La inestabilidad, que introdujo al público argentino una propuesta que, por primera vez, ponía al espectador en un lugar protagónico", afirma la curadora. "Con el despuntar del siglo XXI, casi cuarenta y cinco años después, Le Parc ofreció en el Bellas Artes una de sus mayores retrospectivas, Dialogando con la luz, donde desplegó la monumentalidad de sus obras emblemáticas. Hoy, el museo elige detenerse en una etapa menos explorada de la producción del artista", agrega Marchesi.

También podrán verse un conjunto de cajas de luz históricas y material audiovisual, en el que Le Parc explica tanto los mecanismos de funcionamiento de estas creaciones como las inquietudes que lo guiaron a plantear el movimiento real en las obras. Y en el hall central del Museo, recibirá a los visitantes un móvil de 1600 piezas que el artista eligió para exhibir en este espacio destacado, como complemento de la muestra.
 
Julio Le Parc, “8-11-8”, 1960, acuarela sobre cartón, 24 x 24 cm. Atelier Le Parc
Acompañará la exposición un catálogo bilingüe español-inglés, editado por el Museo, que reúne el cuerpo de obra exhibido e incluye textos de Julio Le Parc, Andrés Duprat, Mariana Marchesi, una cronología de los años abarcados por la muestra, y un ensayo exhaustivo de la investigadora Silvia Dolinko que analiza el rol de las técnicas gráficas en los años de estudiante de Le Parc y en el modo en que le abrió camino hacia sus futuras propuestas de renovación.

Se presentará, además, el libro “Julio Le Parc. Sé artista y cállate! Textos 1959-2017”, ideado por el creador mendocino y editado en español por el Museo Nacional de Bellas Artes. Originalmente publicado en francés, el volumen compila escritos políticos, manifiestos artísticos y notas de trabajo redactados a lo largo de su carrera, que permiten conocer de primera mano el pensamiento de Le Parc.

El museo, que depende de la Secretaría de Cultura de la Nación y cuenta con el apoyo de la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes, puede visitarse de martes a viernes, de 11 a 20 hs. y los sábados y domingos de 10 a 20 hs. (lunes: cerrado), en Av. del Libertador 1473, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

El ingreso general al museo para los residentes en el país es gratuito, mientras que la entrada al pabellón de exposiciones temporarias, donde se exhibirá “Julio Le Parc. Transición Buenos Aires-París (1955-1959)”, tiene un costo de $100 (cien pesos). Quedan exceptuados de este pago los menores de 12 años, las personas con discapacidad, los jubilados y docentes con acreditación, y los grupos de estudiantes. Los no residentes en la Argentina, en tanto, abonan $200 (doscientos pesos) para ingresar al museo, valor que incluye la visita al Pabellón de exposiciones temporarias. Los martes de 11 a 20 hs. y todos los días de 18.45 a 20 hs. la entrada es gratuita. La entrada abonada para visitar la muestra de Le Parc en el MNBA permite, además, recorrer la actual exposición del artista en el CCK, y viceversa: con el ticket del CCK, podrá ingresarse gratis al museo.
 
Julio Le Parc, París, 1960, exposición Antagonisme, Palais du Louvre. Cortesía Atelier Le Parc 
 
Julio Le Parc nació en Mendoza, en 1928. Considerado uno de los grandes representantes del arte cinético y contemporáneo, desde siempre investiga el movimiento y el rol del espectador en el arte.

A la edad de 15 años, ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”, que abandonaría en 1947. Se interesó por los movimientos de vanguardia que por entonces se perfilaban en Buenos Aires, como el arte concreto y el espacialismo de Lucio Fontana.

En 1954, ingresó en la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova”, donde se involucró con los movimientos estudiantiles. Cuatro años después, obtuvo una beca del gobierno francés para estudiar en París. En 1960, fundó el Centre de Recherche d’Art Visuel (CRAV, luego denominado Groupe de Recherche d’Art Visuel, GRAV). El manifiesto del grupo, "Propositions sur le mouvement" (1961), da cuenta de sus principales preocupaciones y búsquedas: sus obras consistían en experiencias visuales centradas en el movimiento real, los reflejos de luz y la vibración.
 
Julio Le Parc, “Développements de cercles et carrés”, 1958, tinta sobre cartón, 24 x 24 cm. Atelier Le Parc
Para la Bienal de París de 1963, Le Parc propuso laberintos, recorridos y juegos con espejos para que el espectador participara activamente. Paralelamente, creó el movimiento internacional Nouvelle Tendance. El GRAV se disolvió hacia 1968, año en que Le Parc fue obligado a dejar el país por la revuelta del Mayo Francés. Desde 1974, realizó las denominadas “Modulaciones”, pinturas que eran el resultado de sus investigaciones dentro del arte óptico y cinético.

La primera retrospectiva de su obra se realizó en Buenos Aires, en el Instituto Di Tella (1967). Entre sus exhibiciones más importantes, también se cuentan “Le Parc & Le Parc” (Palais de Glace, Buenos Aires, 1988), “Julio Le Parc-Retrospectivamente” (galería Nara Roesler, San Pablo, Brasil, 2001) y la retrospectiva llevada a cabo en el Museo Nacional de Bellas Artes (2000).

Ha exhibido individualmente en diversas instituciones y museos del mundo, tales como el Metropolitan Museum of Art en Nueva York, el Palais de Tokyo en París, el Pérez Art Museum Miami (PAMM) en Miami y el Museo de Arte Latinoamericano (Malba) en Buenos Aires. Participó de numerosas bienales, como las de San Pablo (1957), París (1963 y 1965) y Venecia (1964, 1966 -cuando obtuvo el Gran Premio de Pintura internacional- y 1986).

Actualmente, vive y trabaja en París.

14 de agosto de 2019

UADE Art recibe una muestra internacional sobre el patrimonio inmaterial y arte contemporáneo italiano


Franceso Lauretta. Ídola remix, 2018, óleo sobre tela
 
UADE Art inauguró la exposición “Racconti (In)visibili. Patrimonio Inmaterial y arte contemporáneo italiano”, curada por Micol Di Veroli y Dominique Lora.

Esta exposición internacional, promovida por el Instituto Italiano de Cultura y por el Instituto Central de Demoetnoantropología de Roma, está patrocinada por la Embajada de Italia en Argentina, iniciando su recorrido en Chile, y continuando en UADE Art su itinerancia por Latinoamérica.
En 2013, UNESCO declaró como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad a cuatro fiestas religiosas italianas -Santa Rosa di Viterbo, Festa dei Gigli di Nola, Varia de Palmi y Faradda di candareri de Sassari-, que utilizan colosales estructuras procesionales, las famosas Máquinas a Hombro. Ése es el punto de partida de Racconti (In)visibili, la muestra internacional de arte contemporáneo que llega a la Argentina.
 
Davide Monaldi. Santuario, 2017, instalación en cerámica esmaltada
 
El recorrido se inicia dentro de un entorno audiovisual, de carácter inmersivo con cámara oscura y lluvia de sonido, creado por los documentales de Francesco De Melis en las procesiones católicas más famosas de la tradición italiana, y continúa con modelos a escala de las diferentes fiestas.

La exposición culmina con las obras de Giampaolo Bertozzi (1957) & Stefano Dal Monte Casoni(1961); Tommaso Cascella (1951); Flavio Favelli (1967); Dario Ghibaudo (1951); Silvia Giambrone (1981); Maria Lai (1919-2013); Francesco Lauretta (1964); Davide Monaldi (1983); Luana Perilli (1981); Rosaria Bosso (Roxy in the box); Marinella Senatore (1977); Giuseppe Stampone (1974); Sergio Tumminello (1974); Angelo Marinelli (1979), y Zaelia Bishop (1977).

Concebida como un viaje multisensorial al corazón y al alma de Italia, la exposición podrá visitarse hasta el 26 de setiembre, de 9 a 19 hs, en UADE ART, Lima 775, Buenos Aires, Argentina.

13 de agosto de 2019

Pinturas de Jaimes Roy y esculturas de Gavito se exhiben en Coleccion Alvear de Zurbaran


Desde el lunes 12 Colección Alvear presenta la muestra conjunta entre el pintor Juan Manuel Jaimes Roy (43) y el escultor Walter Gavito (1935 - 2017).
 
Jaimes Roy nos muestra al bodegón como si fuese una puesta en escena, todo lo que vemos esta como idealizado. Utiliza elementos comunes como un cacharro, jarras, flores e incluso limones como podemos ver en la imagen. Su obra, de paleta vibrante, nos recuerda a los prerrafaelitas.
 
Las esculturas de Gavito son un homenaje a la mujer, siendo casi su tema exclusivo entre sus creaciones. Por medio de su obra podrán apreciar la elegancia, sensualidad del género como nunca antes.
 
Se puede visitar de lunes a viernes de 12 a 20 hs. y sábados de 10 a 13 hs. con entrada libre y gratuita, en Av. Alvear 1658, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

12 de agosto de 2019

El Paseo de las Artes Palacio Duhau presenta la muestra de fotografías de Carlos Dick Naya


"Narciso 1", fotografia digital, 2018
 
Se exhibe en Paseo de las Artes Duhau (Av. Alvear 1661) “Figura humana y arquitectura. Fotografías”, una excelente muestra de Carlos Dick Naya, desde el 8 de agosto al 1º de octubre de 2019.
Esta exhibición participa, como todos los años, de Buenos Aires Photo, que se realiza en La Rural del 6 al 9 de setiembre.
 

Antonio Álvarez Campillo, autoridades del Palacio Duhau, Mariana Povarché y Carlos Dick Naya
 
Carlos Dick Naya nació en Buenos Aires. en 1961. Escribano de profesión, abrazó la fotografía con pasión.
Su búsqueda para comprender y mostrar la belleza y la complejidad de los espacios urbanos y la vida de quienes se mueven en ella lo llevó a buscar y obtener capacitación profesional para dominar su arte.
En Buenos Aires se formó con Ricardo Martiniuk , posteriormente en el Central Saint Martins de la Universidad de las Artes y en Landmann Studios, ambos en Londres. 
Argentina, Inglaterra, Francia e Italia han sido escenarios de su inspiración.
 

"Sin título", fotografía digital, 2018
 
Exhibido en Buenos Aires y en varias ediciones de Paris Photo en Francia, la muestra actual presenta un proyecto fotográfico realizado por invitación especial de Landmann Studios y curado por Diego Ferrari en The Barbican Center, Londres 2018.

9 de agosto de 2019

Herlitzka + Faria presenta las muestras de dos artistas: la cordobesa Candelaria Traverso y el guatemalteco Esvin Alarcón Lam


Candelaria Traverso presenta "Chakana"
Herlitzka + Faria presenta “Chakana”, la primera muestra individual de la artista cordobesa Candelaria Traverso en Buenos Aires. Traverso resultó una de las grandes sorpresas de la última edición de la feria arteBA cuando el Museo Reina Sofía de Madrid eligió sumar a su notable colección la instalación "Periferia" exhibida en el stand de la galería. Con "Chakana", Traverso propone ocupar el espacio expositivo de la galería de arte contemporáneo con las estrategias visuales de las ferias ambulantes y los mercados de ropa populares, un linde entre la transacción global y la precariedad tercermundista. Para eso propone revisitar esa estética en cruce con los patrones abstractos del arte andino ancestral a partir de una serie de obras que van desde el dibujo al arte sonoro pasando por los tapices y las instalaciones.
La ancestral voz quechua “Chakana” significa “escalera” o “puente” y designa a la “cruz andina” que sigue presente en los diseño textiles del pueblo aymara. En sus obras, Traverso se apropia de esa forma y la aplica sobre embalajes que provienen de las factorías textiles asiáticas. Así, su uso de la Chakana establece una relación entre los pueblos originarios de los Andes centrales y las economías informales que florecen en esa misma geografía en el siglo XXI.


Candelaria Traverso es la artista más joven de esta galería y su obra refleja el interés de la misma por dar cuenta de los síntomas culturales propios de Latinoamérica con las herramientas del mejor arte contemporáneo. Esto se verifica también en "Periferia", instalación que Traverso realizó en Montevideo, Uruguay. Como lo explica la artista: “A través del tránsito por las ferias de la ciudad de Montevideo busqué adentrarme en las prácticas y maneras de habitar el mundo que remontan a tiempos primeros. Los resultados son piezas que reflejan historias de intercambios, migraciones y temporalidades múltiples”. En esta exhibición los materiales de las obras tienen procedencias diversas: desde los puestos ambulantes del barrio de Once y La Salada en Buenos Aires a ferias del norte argentino y Bolivia. Traverso los ha recorrido con una mirada que Federico Baeza, en el texto curatorial de la muestra, encuentra “en una bien calculada posición de observación, un lugar intermedio entre la distancia de la mirada etnográfica y la proximidad interesada de la autobiografía”. La misma artista, por su parte, explica: “Los intereses que atraviesan mi proceso artístico devienen de los múltiples desplazamientos que he experimentado desde niña, los cuales me hicieron apreciar fuertes contrastes culturales. Con el tiempo recuperé la dinámica de dislocación para aplicarla en mi producción, generando nuevas configuraciones en el ámbito artístico. La apropiación, tanto de objetos como de prácticas que pertenecen a lo cotidiano son constantes en cuanto procedimientos en mi trabajo, que además se vale de otros recursos como el dibujo, la cerámica, el video, la fotografía, buscando el medio adecuado cada vez. Los vínculos que voy trazando, los lugares por donde transito, y las situaciones que azarosamente ocurren, componen ese tiempo del hacer, de carácter único e irrepetible”.
 

Las obras de Chakana son objetos donde estos desplazamientos se hacen patentes. Como lo observa Baeza: “En el contexto de ese comercio informal y planetario Traverso se fue enfocando, como quien ausculta un síntoma, en la circulación de la ropa usada. Esta práctica, prohibida por algunos gobiernos como el boliviano, deja ver como pocas algunas aristas de la desigualdad global que sustenta los modos de producción actuales. Los fardos de ropa envuelta en bolsas de arpillera plástica exhiben con sus marcas impresas por los comerciantes itinerarios en el que las mismas zonas planetarias castigadas por los términos del intercambio reciben ahora usada aquella ropa que produjeron para las áreas centrales del esquema planetario”.
En la sala S, contigua al espacio expositivo central, Traverso introduce un dispositivo sonoro que refleja el audio barroco de los pasillos de una feria en Bolivia. Así, pone en evidencia una densa trama sociocultural. Explica Baeza que lo que allí se escucha es “Una mezcla de atavismos culturales y esa inclinación irrefrenable hacia un heteróclito futuro tan parecido a la ciencia ficción que define los perímetros trasnacionales de una irrefrenable estética chola. Una combinación de cultura popular y un, ya no tan nuevo, arribismo de burguesías emergentes que reorganizan el mapa del poder económico de la zona andina”.


Candelaria Traverso.
Serie, 2019. Patchwork en arpillera sintética
Candelaria Traverso nació en 1991 en Córdoba, Argentina, vive su niñez en la provincia de Juyuy y regresa a su ciudad natal para continuar sus estudios en la Universidad Nacional de Córdoba, en donde se gradúa en Artes Visuales. En 2017 se trasladó a Buenos Aires en donde realizó el programa de Agentes de CIA y la Beca ABC. Actualmente realiza el programa de Artistas x Artistas, coordinado por Fundación El Mirador. Realizó diversas muestras en Buenos Aires, Córdoba y el NOA (Noroeste argentino). Formó parte de residencias artísticas, como Residencia Sala_Taller (EAC - Espacio de Arte Contemporáneo, Montevideo, 2018); Muela, residencia para artistas del NOA (2016); La Paternal Espacio Proyecto (Buenos Aires, 2016); Residencia Yungas coordinada por Raúl Flores (Tucumán, 2015); entre otras. Sus últimos trabajos fueron seleccionados y expuestos en los premios de la Fundación Williams de Arte Textil, en el Museo Benito Quinquela Martín (2016); en Proyecto A (2017); en la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires (2017) y en el premio de Escultura del Salón Olmos, Córdoba, Argentina, donde ganó el segundo premio con su obra Chakana. Participó en la feria Mercado de Arte (Córdoba, 2017 y 2018). Su obra Periferia (2018) forma parte de la colección del Museo Reina Sofía.
 

Esvin Alarcón Lam.
Erupción lavanda, 2019, acrílico sobre tela
En paralelo a la muestra de Candelaria Traverso, se exhibe, por primera vez en Argentina,  en la sala E de la galería, la obra del artista guatemalteco Esvin Alarcón Lam. Se trata de un conjunto de pinturas reunidas bajo el sugestivo nombre de "Erupción Lavanda". Alarcón Lam conjura en sus obras de inspiración neo geométrica el paisaje volcánico de su país con un señalamiento político de los derechos de las comunidades LGTBQ. Así, se apropia de un símbolo oprobioso del nazismo: el triángulo rosa con el cual fueron señalados los 50 mil hombres gay asesinados en campos de concentración. Al hacerlo patente en su pintura, el guatemalteco se apropia del símbolo. En los año 70 fueron las comunidades homosexuales de Alemania las que los resimbolizaron como signo de protesta y, luego, en 1987, un grupo de artistas y diseñadores gráficos en los Estados Unidos lo invirtieron para que con la frase “Silencio=muerte” sobreimpresa sirviera para identificar el activismo en los tiempos de la mortífera expansión del HIV/SIDA. Una segunda serie aplica las investigaciones cromáticas del maestro abstracto Josef Albers a distintas banderas del colectivo sexual.
 

Esvin Alarcón Lam (Guatemala, 1988) concurrió a la Universidad Rafael Landívar y estudió arte en la Escuela Nacional de Arte en la ciudad de Guatemala. Su trabajo ha sido exhibido en la Osage Art Foundation, Hong Kong (2017); la Bienal de Arte Paiz, Guatemala (2016); Space Collection, Irvine, California (2016); Materia Cruda, Galería de Arte de la Universidad Rafael Landívar, Guatemala (2016); Líneas de la manoSicardi Gallery, Houston (2015); 5 Revoluciones por minuto, 9.99 Gallery, Guatemala (2015); Spatial Acts, The Americas Society, Nueva York (2015) y 5 días: puertas abiertas, Centro Cultural de España, Guatemala (2013). Sus obras se encuentran en las siguientes colecciones públicas: Space Collection, Irvine, California y Fundación YAXS, Ciudad de Guatemala. Vive y trabaja en Guatemala.

Ambas muestras se pueden visitar hasta el 19 de setiembre, de lunes a viernes de 11.30 a 19 hs. en Libertad 1630, Buenos Aires, Argentina.

8 de agosto de 2019

La galería Adriana Budich inaugura "Colores para vivir" de Charly Terán


Una muestra alegre y colorida para grandes y chicos, ya que además de ser artista plástico gran parte de su carrera estuvo dedicada a la creación y el diseño de personajes -desde la idea original hasta su concreción en variados proyectos- para series infantiles de televisión sobre todo de Disney Latinamerica, en donde colaboró entre otros con “El Jardín de Clarilú” (ganadora de varios premios) donde participó como encargado del diseño y creación del conjunto de los personajes, “Art Attack” donde fue director de arte y productor y creador de Vicente Van Coco, en “Playground” participó como director de arte y diseñador y “Héroes de la naturaleza donde fue responsable de la idea original y diseño de personajes.

La muestra inaugura el sábado 10 de agosto a las 19 hs. en Gurruchaga 1145, Palermo, Buenos Aires, Argentina.