14 de diciembre de 2018

Galería Calvaresi presenta “Dar en el Blanco”, muestra homenaje a Ricardo Blanco, curada por Edgardo Giménez


Galería Calvaresi presenta “Dar en el Blanco”, muestra homenaje a Ricardo Blanco con curaduría y puesta en escena de Edgardo Giménez, quien ha plasmado un ámbito que realza la creatividad y audacia del notable diseñador argentino, cuya silla “Twist II” integra la Colección del Museo de las Artes Decorativas del Louvre.
La muestra presenta un recorrido biográfico a través de los distintos muebles de asiento diseñados por Blanco a lo largo de su vida, entre ellos una copia de le obra que está en el Louvre. Está integrada por dos series de sillas -entre ellas, Twist II-, que irán rotando de acuerdo a un esquema preparado por el curador que, como es su costumbre, sorprenderá al espectador con inesperadas ocurrencias.


Ricardo Blanco nació en Buenos Aires en 1940 y falleció a fines del año pasado. Arquitecto y diseñador industrial de gran prestigio, fue un referente de esas especialidades en el ámbito internacional. Estudió en la Facultad de Arquitectura de la UBA y asistió al seminario de Tomás Maldonado. Sus diseños de mobiliario, particularmente de sillas y sillones, se destacan por su originalidad e innovación.
A lo largo de su carrera recibió numerosas distinciones: el CAyC (Centro de Arte y Comunicación) le entregó el Premio Lápiz de Plata al Diseñador de Muebles; ganó el Primer Premio Logo (UTN), el Primer Premio Concurso de Equipamiento Escolar, Museo de Bellas Artes de La Plata; Premio CAYC al Diseñador de Muebles; premio Destaque Movelsul, Brasil, y el Premio Konex de Platino.
 
Edgardo Giménez junto a dos sillas diseñadas por Ricardo Blanco
Sobre él ha dicho Edgardo Giménez: “El tiempo es el mejor modo para conocer de verdad a alguien. No la palabra, sino los hechos son los que van dibujando la verdadera identidad.
Este es el caso del arquitecto Ricardo Blanco. Después de varios años, he podido apreciar su buena disposición para dejar huellas permanentes que tienen que ver con el diseño actual y su influencia en la sociedad. El diseño es uno de sus mayores intereses, no solo para su propia creación, sino en general. Esta pasión lo ha motivado siempre, al punto de crear dentro del Museo de Arte Moderno un fabuloso espacio donde está representado gran parte del diseño nacional. Esta difícil tarea solo la asume alguien que ama a su país, y deja un patrimonio de gran interés, porque a través del diseño se dibuja la historia del cambiante gusto con que hemos vivido los argentinos y la sociedad en su conjunto.”
 
La muestra se puede visitar de lunes a viernes de 11 a 18.00 hs., los sábados de 12 a 18 hs. y los domingos de 12 a 17 hs., con entrada libre y gratuita, hasta el 24 de febrero en Calvaresi, Defensa 1136, San Telmo, Buenos Aires, Argentina.

La galería Isabel Anchorena presenta “Fantasía del caminante” de Marcelo Vattuone en el hotel Sofitel de Recoleta


Hasta el 31 de marzo se exhibe en el lobby y el restaurante del hotel Sofitel Buenos Aires de Recoleta, “Fantasía del caminante” de Marcelo Vattuone.
Presentada por Isabel Anchorena y con la coordinación de Grace Grisolia, la muestra recorre los diferentes períodos del artista, llevándonos de la figuración a la abstracción. 



“A lo largo del camino que Marcelo Vattuone nos propone recorrer en esta muestra podemos ir recogiendo pequeños fragmentos de historias, imágenes, anhelos, que a pesar de su diversidad, van fundiéndose en la medida en que nos adentramos en él. Este camino no es lineal sino que se abre a un conjunto de posibilidades en las que el espectador elige su rumbo y tiene la posibilidad de ir descubriendo paso a paso nuevos significados a través de una enorme vastedad de colores, texturas y formas. Vattuone, logra fundir lo que se percibe, con lo que se ve y lo que se intuye, transgrediendo los límites de lo conocido sin dejar de prestar atención al mundo sensible. Poniendo en juego lo esencial y el todo dentro de un mismo plano. 
‘Fantasía del caminante’ está compuesta por obras de diferentes períodos que van de la abstracción a la figuración, manteniendo siempre una sensación de silencio, de estrecho vínculo con el mundo natural. Es una invitación a deambular entre diferentes tiempos, climas y emociones moviéndonos en un espacio desconocido pero que a la vez nos resulta secretamente propio, familiar.
Se trata de una larga caminata, para encontrarnos, al fin, frente a nuestros propios sentimientos.” Sylvia Hausheer, noviembre 2018.
 

Marcelo Vattuone
Marcelo Vattuone nació en Buenos Aires, en 1973. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Asistió al taller de Naum Goijman durante dos años. Trabaja como docente hasta el 2003. Ese año abandona la docencia y se dedica definitivamente a su vocación artística. Ha realizado las siguientes exposiciones individuales: Fragmentos en la sombra (Galería Isabel Anchorena, Buenos Aires, 2005); Paseo nocturno (Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, 2006); Sobre la tempestad (Centro Cultural Borges, Buenos Aires, 2008); Vientos, Mares, Lluvias, Pájaros, Homenaje a Saint-John Perse (Museo Casa de Yrurtia, Buenos Aires, 2011); Les oiseaux de passage (Galería Isabel Anchorena, Buenos Aires, 2011) ; El sublime extravío (Galería Vesco-Gorriarena, Buenos Aires, 2012). Desde el año 2005 presenta su trabajo en Arte BA (Galería Isabel Anchorena). En el año 2007 expone en Londres en The Smithfield Gallery y en el año 2009 en San Pablo en SP-Arte con la Galería Isabel Anchorena. Su obra se encuentra en importantes colecciones privadas del país y del exterior. Entre las principales ciudades se destacan Londres, Bruselas, Munich, Roma y Nueva York Reside y trabaja en Buenos Aires.

Itaú Cultural vuelve a viajar por América Latina comenzando por Buenos Aires



Con el propósito de difundir entre el público toda su colección, Itaú Cultural da continuidad a la itinerancia de la exposición "Moderna Para Siempre – Fotografía Modernista Brasileña de Itaú Cultural". Esta vez, la muestra vuelve a hacer una temporada latinoamericana, comenzando por Buenos Aires, Argentina, donde se exhibe del 14 de diciembre al 3 de febrero en la Embajada del Brasil. Luego, la muestra va al Centro de Exposiciones SUBTE, en Montevideo, Uruguay, y termina el recorrido en el Museo de Arte Contemporáneo en Santiago, Chile. En Brasil pasó por 15 ciudades.  

En total, la muestra reúne 103 imágenes producidas en Brasil por maestros de la fotografía. Muchos forman parte del importante movimiento local llamado Foto Cine Clube Bandeirante, de artistas como Geraldo de Barros, German Lorca, Mario Fiori, Eduardo Salvatore, Thomaz Farkas, José Oiticica Filho, Marcel Giró y Ademar Manarini.  

Con curaduría del fotógrafo e investigador Iatã Cannabrava, Moderna para Sempre reúne trabajos de 22 artistas reconocidos, con enfoque en su participación en el Foto Cine Clube Bandeirante, en particular, y en su importancia en el movimiento modernista para la cultura e identidad brasileñas.  

“Atentos a las transformaciones que ocurrían en el mundo, los fotógrafos modernos brasileños devoraron influencias para crear una nueva fotografía, cuya premisa fue una lectura esencialmente creativa y de ruptura”, explica Iatã Cannabrava.

De Gertrudes Altschul, una de las pocas representantes del género femenino en el fotoclubismo a partir de la década de 1940, están expuestas Arabescos em Branco (1960), Composição (s.f.) y Composição II (s.f.).  Se unen a estas las obras de Rubens Teixeira Scavone, como la contemporánea Abstração #5 (1950) y Composição Moderna (1953), de Gaspar Gasparian. Además de trabajos de Ino Alhanat y Paulo Pires, entre otros, están presentes en la exposición 23 trabajos de José Yalenti. 
 
La exposición se puede visitar de  lunes a domingos de 10 a 18 hs. en el Espacio Cultural de la Embajada de Brasil, Arroyo 1142, Buenos Aires, Argentina.

13 de diciembre de 2018

El Museo Fernández Blanco presenta la exposición "Las vidas de los objetos. Donaciones recientes 2014-2018"


El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires presenta la exposición temporaria “Las vidas de los objetos. Donaciones recientes 2014-2018”, selección de piezas patrimoniales donadas al Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco (MIFB) en el período 2014/18, restauradas y puestas en valor por el equipo de conservación del Museo para su exhibición.
Curadores: Patricio López Méndez, Fabián Pieruzzini, Gustavo Tudisco.
Inauguración: Viernes 14 de diciembre a las 19 hs.
El Museo Isaac Fernández Blanco retoma una tradición de exhibiciones iniciada en 2003 y realizada por última vez en 2012. La misma tenía como fin, no sólo celebrar con el público las donaciones recientes, sino también promover esta práctica que ha enriquecido notablemente nuestras colecciones coloniales y republicanas, poner de relieve la labor que sobre ellas han ejercido los investigadores y conservadores del museo y reconstruir, con ese trabajo silencioso, las muchas vidas de los objetos. 
Anónimo. Coronación de la Virgen, óleo sobre tela, Alto Perú, fines del
siglo XVIII. Donación Carlos Pemberton Ambrosetti
“No hay mejor lugar para una colección que un museo, porque en él se la investiga, se la restaura y se la difunde. Esa frase encierra el rescate de las historias perdidas que hay detrás de los objetos.  Estos fueron creados con un fin determinado en el taller de un artesano, según las demandas de un comitente o las que exigía un mercado consumidor de nuevas burguesías en ascenso. Con el tiempo, su fin utilitario o la lectura de los mismos, evidente a los ojos de muchos, se fue desdibujando para integrar un conjunto diverso y nutrido, regido por los intereses y códigos de un coleccionista. Finalmente, por una razón u otra, los objetos aislados o reunidos en colección, llegan al museo con su bagaje de datos ocultos sobre capas superpuestas. Develarlas es el trabajo diario de los cuerpos técnicos de un museo. No siempre se arriba a buen puerto pero, ese es el motor que impulsa a intentarlo y a celebrar con el público, la satisfacción de una misión cumplida y fortalecer la sinergia que produce la conciencia pública de donantes y trabajadores del arte por el rescate de nuestros bienes culturales.” Patricio López Méndez, curador principal del MIFB.
 
Madame Campano. Traje de novia de Yvonne Perrier de De Ridder. Raso y bordado de perlas, Buenos Aires, circa 1917. Donación Maud De Ridder 
 
La exposición se puede visitar hasta el 22 de abril de 2019, de martes a viernes de 13 a 19 hs. y sábados y domingos de 11 a 19 hs.en  la sala SUM, en el subsuelo de la sede del Palacio Noel del Museo Fernández Blanco, Suipacha 1422, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Entrada general: $30. Bono contribución: $10. Miércoles gratis.

Se inaugura el 62° Salón de Artes Plásticas “Manuel Belgrano” en el Museo Sívori


El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires presenta la exposición 62° Salón de Artes Plásticas “Manuel Belgrano” 2018, que se inaugura el sábado 15 de diciembre a las 12 hs. en Av. Infanta Isabel 555, frente al Rosedal de Palermo.
Se exponen las obras premiadas y seleccionadas durante 2017 en las categorías pintura,
escultura, dibujo, grabado y monocopia.
La muestra permanecerá abierta al público hasta el 3 de febrero de 2019.
Organizado por el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori el Salón de Artes Plásticas “Manuel Belgrano” es, desde 1945, el certamen que premia a artistas argentinos y residentes en diversas disciplinas fomentando la trayectoria, la continuidad y la práctica en el arte.

Artistas premiados

Germán Wendel
 
Pintura
Primer Premio Adquisición: Tulio de Sagastisábal. El secreto. Óleo sobre madera (fibrofácil). 140 x 100 cm.
Segundo Premio Adquisición: Germán Wendel. Totenberg. Óleo sobre tela. 150 x 150 cm.
Tercer Premio Adquisición: Paula Grazzini. Sirenas. Técnica mixta. 100 x 150 cm.
Menciones: Hugo José Martí; Mariana Ferrari, Noelia Farías, Mónica van Asperen, Diego Bastos, Juan
Facundo Maldonado.
Jurados: por el GCBA: Lara Marmor y Mariana Marchesi y por voto de los participantes: Jorge Luis González Perrin, Inés Vega y Fabiana Barreda. 

Manuel Berisso
 
Dibujo
Primer Premio Adquisición: Catalina Chervin. Sin título. Pluma, lápiz y carbón sobre papel montado en tela. 200 x 150 cm.
Segundo Premio Adquisición: Guadalupe Buján. Inmensidad. Birome sobre papel. 15 x 10 cm.
Tercer Premio Adquisición: Manuel Berisso. Fragmento. Grafito sobre papel, 70 x 100 cm.
Menciones: Mariano Balbuena, Mónica Rojas.
Jurados: por el GCBA: María Alejandra Aguado y Cintia Mezza y por voto de los participantes: Jorge Meijide, Florencia Salas y Duilio Pierri.
 
Fabio Miniotti
Escultura:Primer Premio Adquisición: Fabio Miniotti. En el viento. Madera y plomo ensamblado, 198 x 171 x 36 cm.Segundo Premio Adquisición: José Gregorio Piuma. Piadosa imagen de la muerte. Talla directa y ensamble, 95 x 140 x 110 cm.Tercer Premio Adquisición: María Alejandra Causa. La casa está en orden. Ensamble, 160 x 65 x 175 cm.
Mención honorífica: Irene Banchero. 2 figuras en escena. MDF pinturas acrílicas, 182 x 80 x 80 cm.
Menciones: Liana Strasberg, Enrique Savio.
Jurados: por GCBA: María Cristina Rossi y María José Herrera y por voto de los participantes: Claudia Aranovich, Paulina Webb y Betina Sor.

Rafael Gil 
 
Grabado:
Primer Premio Adquisición: Rafael Gil. Oíd mortales. Punta seca, litografía, 120 x 150 cm.
Segundo Premio Adquisición: Mirta Kupferminc. No todo lo que brilla es oro. Aguafuerte, chine colee, troquelado, transfer sobre
caucho, 74 x 130 cm.

Tercer Premio Adquisición: Lucía Torres. De la serie “Migrante”. Litografia xilografía, 75 x 123 cm.
Menciones: Silvia Brewda, Adriana Cimino Torres, Magdalena Benegas, Liliana Esteban, Silvia Holzkan, Enrique Abeledo, Eduardo Boyo Quintana.

Carolina Cecilia Fernández
 
MonocopiaPremio único adquisición: Alejandra Gondar. El viaje 2. 60 x 100 cm.
Menciones: Ida Olijavetsky, Carolina Cecilia Fernández.
Jurados para grabado y monocopia: por el GCBA: María Lía Munilla Lacasa (Sandra Szir) y Ariel Mlynarzewicz y por voto de los participantes: Carlos Scannapieco, Zulema Maza y Marta Pérez Temperley.
 

El Centro Cultural Borges anuncia los espectáculos que se podrán disfrutar durante el mes de diciembre


Bien de Tango en el auditorio Astor Piazzolla
“Bien bailado y bien porteño”, un mágico viaje a los años dorados del tango.
Dirección artística: Federico Strumeio
Dirección musical: Gabriel Merlino
Producción General: Omar Fajardo – Federico Strumeio
Fiel a su estilo tradicional Bien de Tango realza y expone los elementos clásicos del baile y la música ciudadana en un completo y vibrante show en el cual la sensualidad, la elegancia, y la pasión tanguera se ponen de manifiesto en cada escena.
Bien de Tango presenta en esta oportunidad “ Bien bailado y Bien porteño”: 16 jóvenes cultores del más puro tango le dan vida a una sucesión de coloridas escenas musicales en un vibrante show que propone al público viajar con sus emociones desde la época dorada del tango hasta la moderna vertiginosidad del 2x4 en un espectáculo con los matices clásicos, pero a la vez de vanguardia.
Viernes y sábados de diciembre a las 20 hs. | Plateas numeradas $520.-  Pullman s/n $490.-
 


Con Alma De Tango  en el auditorio Astor Piazzolla
Producción Ejecutiva: Agustín Camino
Coreografía: Agustín Camino
Dirección general: Daniela González - Agustín Camino
 
Con Alma de Tango no es solo un show, sino una invitación a participar de una propuesta de nivel internacional en el corazón mismo de Buenos Aires.
Jueves 27 de diciembre a las 20 hs. Plateas numeradas $520.- Jubilados $420.-
 

Mi Flamenco en la sala III
En “Mi Flamenco”, dirigida y producida por Néstor Spada, el público entrará en el mundo del bailaor, en donde con su baile interpretará palos flamencos como las Alegrías, la Farruca, la Seguiriya y el Taranto.
Un espectáculo para disfrutar de las sensaciones que entrega el flamenco con su baile, el cante y la guitarra donde se funden en una sola expresión artística. Cuando los tres elementos están presentes, el baile  es lo que une, “Mi Flamenco” le hará llegar al publico la mirada y el sentir del bailaor en este nuevo espectáculo.
Lo acompañan los cantaores Claudia Montoya y Maxi Serral y Emiliano Cabrera en la guitarra . Cada noche habrá una Gran Bailaora Invitada, ellas son: Alicia Fiuri, Yanina Martínez y Hebe Zacco.
9 únicas funciones: 21, 22, 23, 28 y 29 de diciembre / 4, 5 y 6 de enero / Viernes y Sábados a las 21 hs / Domingos 19:30 hs. | Platea sin numerar $600.-
 

El Cascanueces en la sala III
Baires Sur Novus Ballet presenta El Cascanueces en el reino de las golosinas. Este ballet, el clásico navideño para toda la familia, basado en un cuento de Hoffmann y compuestos por el gran Tchaikovsky, cuenta la historia de dos hermanos, Clara y Fritz. El día de navidad el padrino de Clara, Drosselmayer, le regala a su sobrina un cascanueces. Durante la noche ella se levanta a ver el cascanueces, lo abraza y entonces todo crece y crea vida a su alrededor, llevándola a un mundo mágico.
Sábado 15 de diciembre a las 17 y 19 hs. (doble función) |Platea sin numerar $300.-
Jubilados y estudiantes $260.- Venta anticipada de lunes a viernes $230.-

El Museo Nacional de Bellas Artes presenta la exposición "Clorindo Testa: esta es mi casa"


La muestra, en formato ensayo, repasa el importante y singular legado plástico del pintor y arquitecto nacido en Italia en 1923 y fallecido en Buenos Aires en 2013. Con pinturas, dibujos e instalaciones realizadas a partir de 1968, la exhibición explora el cruce de disciplinas y presenta los modos en que el pensamiento visual de Testa se nutre de las técnicas de la arquitectura en la representación del espacio, herramientas con las que trabaja temas propios de la urbanística y la ecología.

En paralelo al diseño de edificios emblemáticos porteños, como la sede central del ex Banco de Londres (actual Hipotecario) o la Biblioteca Nacional, Testa forjó en etapas diversas su obra artística. Su primera exposición individual data de 1952, cuando presentó en la galería Van Riel obras ligadas a la figuración. Ya a mediados de los años 50, se inclinó por la abstracción libre, y entre 1960 y 1965, fue parte del informalismo y trabajó solo con blancos, negros y grises. En los años 70, recobró el color y una figuración que permea los códigos de la arquitectura para abordar una temática ecológica y humanista, donde la historia y la actualidad abren un debate crítico con tintes irónicos. Así, a través de dibujos, pinturas, esculturas e instalaciones, Testa crea desde la meditación del arquitecto: la vida en la ciudad y los problemas urbanísticos, las implicancias históricas de las pestes o los mitos de la historia americana y argentina se cruzan con sus recuerdos y vivencias para dar forma a un legado plástico tan importante como singular. Desde finales de los años 80, su lenguaje, siempre expresionista, sintoniza con las tendencias de la pintura posmoderna.

Clorindo Testa: “esta es mi casa” se realiza con el apoyo de la Fundación Clorindo Testa, la Secretaría de Cultura de la Nación y la Asociación Amigos de Museo Nacional de Bellas Artes, y el patrocinio de las empresas Hafelle y Enas. Las obras en exhibición provienen de la colección de la familia Testa, y de otros acervos públicos y privados, como el Bellas Artes, Cancillería Argentina y colección Balanz Contemporánea. y Daniela Mac Adden, y Fundación Proa.

12 de diciembre de 2018

Octava edición de FIVA, festival internacional de videoarte, en el Centro Cultural General San Martin


Del 14 al 16 de diciembre se realiza FIVA, el festival internacional de videoarte que se desarrolla anualmente desde el año 2011 en Argentina, en el Centro Cultural General San Martin, Sarmiento 1551, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
 
Luis Grane. ''Pachinko'', Argentina
 
Este Festival, que reúne anualmente una perspectiva actualizada de la escena audiovisual contemporánea internacional, exhibirá este año 54 obras de 97 artistas. Las obras participantes fueron seleccionadas por el jurado sobre 634 videos presentados por más de 648 artistas de 53 países de los 5 continentes.  
En la Argentina es la primera vez que se desarrolla con continuidad un festival de este estilo, de nivel global, ubicándolo en el calendario anual de festivales internacionales. De esta manera, FIVA se propone continuar y profundizar el incentivo a la creación audiovisual y fomentar la difusión de esta práctica artística contemporánea, beneficiando de este modo la producción de los realizadores.
 
Adrian Garcia Gomez. ''La Mesa', USA
 
El encuentro, realizado por Soledad Sánchez, Marcela Andino y Hernán Raggi, cuenta este año con un prestigioso jurado integrado por María Pallier (España), Gustavo Romano (Argentina) y José-Carlos Mariátegui (Perú), personalidades destacadas del ámbito artístico nacional e internacional. 
Entre los artistas argentinos seleccionados que participan del concurso se encuentran Carlos Trilnick, Narcisa Hirsh, Claudio Caldini, Paulo Pecora, Daniela Mutis, entre otros. También fueron seleccionados artistas de Francia, España, Alemania, Italia, Reino Unido, Pakistan, Israel, Perú, México, entre más de 50 países participantes.  
El 16 de diciembre a partir de las 18 horas será el día donde FIVA anunciará y entregará los premios a los ganadores.
 
Hadi Moussally. ''The12Project'', Francia
 
“Nuestra meta con FIVA es difundir esta práctica artística audiovisual, para acercarlo al público en general”, explicaron los organizadores, y agregaron: “Durante los últimos años, el Festival ha crecido en relevancia y notoriedad. Hemos recibido el apoyo del INCAA (Instituto Nacional de Cinematografía y Artes Audiovisuales) y FIVA fue declarado nuevamente de interés cultural por la Ciudad de Buenos Aires, permitiendo ser beneficiarios de la Ley de Mecenazgo”. 
El formato de la imagen en movimiento es una disciplina artística íntimamente ligada al arte contemporáneo y a las nuevas tecnologías. Desde su inicio, a mediados de la década del 60, ha ido ganando espacio y prestigio dentro de la escena artística local e internacional. Su presencia en Museos, Ferias y Bienales es amplia y central. La masificación de los medios tecnológicos necesarios para la producción de este formato, hace una práctica democrática y de extensa inserción en todos los estratos sociales, permitiendo defender la libertad creativa de los autores y la experimentación. 
El festival cuenta con también con actividades y programaciones fuera de concurso.
 
Colectivo FIELD ''Hidden Layer'' Reino unido
 
Más información en: 

10 de diciembre de 2018

Dos atractivas muestras cierran el año en FOLA


FOLA presenta las nuevas muestras que cierran la programación 2018 "Con La Luz de America Latina" (Fragmentos de la colección FOLA) en la sala 1 y el proyecto “Desierto" del artista Pablo Cabado que se presenta en las salas 2 y 3. Una excelente oportunidad de cerrar el año a puro arte.
 
Eduardo Carrera. (Colección FOLA)
“Formular la identidad de una fotografía latinoamericana podría detonar debates interminables. En cambio, es mucho más adecuada la tarea de pensar esta producción desde el contexto territorial en el cual se inscribe, con sus singularidades y sus incongruencias, con lo que pareciera serle propio y sus adaptaciones camaleónicas a la demanda global.
Las obras reunidas en esta exposición comparten el hecho de haber sido realizadas por autores de esa región. Por lo demás, responden a investigaciones personales, a miradas fundadas en las experiencias más diversas, al interés eventual. 
Arrojan cierta luz sobre el mundo contemporáneo desde el lugar que a cada uno le ha tocado o ha decidido ocupar. Este lugar es, además, el de la fotografía, el de la escritura a través de la luz; una escritura que desde hace casi dos siglos nos invita a repensar lo que vemos, sus relaciones con la realidad, y la propia visualidad.” Rodrigo Alonso.
 
Pablo Cabado. Desierto
 
Las fotografías que componen la serie Desierto fueron realizadas en la meseta Patagónica entre los años 2014 y 2017.
La noticia de un fortuito hallazgo de un peón de campo, quién en una de sus rutinarias recorridas a caballo encuentra un gigantesco fémur de dinosaurio, fue el motivo por el cual Pablo Cabado se interesa en fotografiar en esta área.
Ese encuentro fortuito derivó en el descubrimiento de uno de los yacimientos de fósiles mas importantes de la historia y en el hallazgo de los restos de un dinosaurio herbívoro de mas de 70 toneladas de peso, que habitó la Patagonia hace alrededor de 100 millones de años, durante el periodo Cretácico tardío.
El lugar es el Paraje El Sombrero en la provincia de Chubut, ubicado a una distancia de 200 km de la ciudad de Trelew y a unos 70 km internándose en la profundidad de la meseta.

Ambas muestras permanecerán en exhibición hasta marzo de 2019 y se pueden visitar de jueves a lunes, de 12 a 20 hs. en Godoy Cruz 2626 - Distrito Arcos, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Miércoles cerrado.

El Museo Lucy Mattos presenta la muestra “Raices” de Margit Ljosaa


“Esta muestra refiere a la memoria representada a través de una puesta en escena que da cuenta de un espacio tan rico y misterioso como es un bosque; que me conecta con mis orígenes de descendencia nórdica. 
El bosque despierta en mi, el amor y admiración por la naturaleza. En mis recorridos me surgió un aluvión de susurrantes historias que dieron lugar a la concepción de esta muestra. 
Encuentro que representa un templo sagrado, místico, enigmático, como la vida misma. El árbol, como hecho de la naturaleza, surge de sus raíces más profundas, ocultas en la tierra, a veces, al descubierto. Esas raíces son en las que indago a través de mis obras como una necesidad de descender hasta los fundamentos de la vida. 
Como en el devenir, el árbol se gesta y sale a la faz de la tierra con fuerza para convertirse en un árbol. Elevando su tronco, alzando sus ramas al cielo, entrecruzándose, tal vez, con otros árboles, generando así un gran entramado. Como en todo proceso de crecimiento, siempre llega lentamente su ocaso: las hojas y ramas caen siguiendo las mutaciones temporales. 
El árbol como eje del mundo es rodeado por el conjunto de cielos de la manifestación universal.”
 
Margit Ljosaa es una artista visual nacida en Buenos Aires, Argentina. Se formó en los talleres de Kenneth Kemble, Juan Doffo e integró el grupo de "Investigación Creativa" que dirigió Emilio Renart. Incursionó en el Grabado con Alicia Díaz Rinaldi. Posteriormente experimentó con fotografía en el taller de Pedro Roth y estudió Filosofía con Fermín Fèvre. Integra la Asociación de Artistas Papeleros de Argentina, la Sociedad de Artistas Visuales de Vicente López, la Fundación Soneira de la Prov. De Córdoba y el grupo de Instantes Gráficos que dirige Carla Rey.
 
Desde los años 80 expone sus obras en muestras individuales y colectivas en salas nacionales, provinciales y municipales, obteniendo más de 70 distinciones. 
Expone en museos de arte, galerías, centros culturales y participa de talleres de artistas en Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. Asistió a las Bienales de San Pablo (Brasil), Venecia (Italia), Documenta de Kassel (Alemania), Feria de Arco (España), Feria de Caracas (Venezuela) y Art. Miami (EEUU). 
Creó e integró el área Cultural de la Fundación Andreani siendo Curadora de sus Galerías durante una década. 
Fue Docente Plástica en el CEAVAO, Centro dependiente de la Subsecretaría de Cultura de Vicente López. 
Desde los años 80 hasta la actualidad continúa con su Taller particular como docente realizando muestras colectivas del mismo, anualmente.
Sus obras siguen exponiéndose en diferentes salones, galerías y museos nacionales.

La muestra se puede visitar hasta el 28 de diciembre, de miércoles a sábados de 11 a 19 hs. y domingos de 10 a 18 hs. en Av. del Libertador 17426, San Isidro, Buenos Aires, Argentina.

7 de diciembre de 2018

La galería de arte del Banco Nación cierra el año exhibiendo obras de su patrimonio artístico


Raul Soldi 
 
La galería de arte del Banco Nación, “Alejandro Bustillo”, cierra otro ciclo de exposiciones con “Colección BNA”. Desde los pasillos del primer piso de la Casa Central al hall de la sucursal Plaza de Mayo, sale a escena una selección de las obras más destacadas del patrimonio artístico del Banco.

Luis Seoane
Desde el 5 de diciembre, y hasta el 31 de enero del próximo año, se podrán ver las obras de autores como Sívori, Fader, Soldi, Spilimbergo, Batlle Planas, Castagnino y Seoane, entre otros.
Se puede visitar la exposición de lunes a viernes, de 10 a 15 horas, en el hall principal de la sucursal Plaza de Mayo del BNA, ubicada en Avda. Rivadavia 325, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

6 de diciembre de 2018

Jowy Roman presentó la muestra “Miedo a Crecer” en su espacio de Villa Crespo


Este proyecto representa el trabajo de muchos años, viajes por diferentes lugares y exploración de técnicas y materiales diversos como resina, neón, aerosol, aerógrafo, acrílico, entre otros.
La muestra “Miedo a Crecer” que se exhibe en su espacio de Darwin 62 (Villa Crespo) es un pasaje del arte urbano a la sala, un quiebre muy importante en su carrera, un primer gran desarrollo en salón con una gran cantidad de obras, que sorprenden en creatividad, técnica y variedad.
 
Jowy Roman es una artista del pop urbano, vibrante y estridente. Detallista, en continua exploración de técnicas, materiales, lugares. Su inspiración está en lo cotidiano, y busca llevarnos a la fantasía, sorprender nuestras mentes con experiencias nuevas.
 
“Esta obra es un quiebre en mi carrera, al pasar a concretar una muestra individual, y establecer mi trabajo dentro de un salón, apuesto a hacer de este lugar mi nuevo mundo, ordenar mi trabajo urbano y hacerlo un trabajo de sala, pero siempre con esa impronta urbana, creando un espacio de fantasía donde dejemos volar nuestra imaginación y en este caso llevarnos a la niñez, a ese espacio que todos recordamos y guardamos como una fundamental parte de nosotros” dijo Jowy Roman, sobre su muestra.
 
“¿Qué sale si juntamos la mejor sensación de vértigo, la valentía y la tibieza de nuestro niño interior, 40 osos de resina multicolor, velocidad y lo más ágil del pop y la cultura urbana actual? La nueva muestra de Jowy Román, Miedo a crecer, es una alquimia con todo lo contrario al miedo: se trata de un mundo policromático donde encontrarse con las mejores armas para hacerle frente a un mundo rígido y opaco. Sus obras crean un espacio flexible y atrevido donde el espectador queda envuelta en una experiencia que le devuelve la exploración, la valentía y la ingenuidad de la infancia. Jowy pulveriza con sus colores todo lo lúgubre del mundo adulto y recupera el brillo del primer instinto. Como un regalo de cumpleaños de una niña a un adulto que dice: recuérdame, no te apagues” expresa Raul Flores, curador de la muestra. 

5 de diciembre de 2018

“Bienvenido a casa”. Una muestra que reflexiona sobre las personas, la arquitectura, la migración y la sostenibilidad



Por primera vez, la Casa Nacional del Bicentenario es sede de Días Nórdicos. Un proyecto que transformará la escena local en un gran laboratorio creativo a cielo abierto con prácticas de colaboración, intercambio y creación entre artistas, gestores, arquitectos, cocineros y educadores de países nórdicos y argentinos.

En el marco de este encuentro, se exhibe en el piso 3, la muestra "Bienvenido a casa (Welcome Home)" . Curada por el Nordens institut på Åland, esta exposición presenta problemáticas en torno a la arquitectura, las migraciones y la sostenibilidad. ¿Cómo se siente estar en casa? ¿Es el hogar, en su constitución básica, diferente de una cultura a otra, de un país a otro? El objetivo de este proyecto es mostrar cómo se puede imaginar y construir un hogar dentro de los límites de su economía, sin destruir la naturaleza.

La exposición no es solo una historia sobre el hogar o un modelo de cómo construimos nuestras casas en el futuro. Bienvenido a casa es una forma de pensar, que nos lleva a nuevas perspectivas y soluciones sostenidas.
La exposición ofrece talleres de arquitectura para niños y jóvenes, apuntando a que los niños puedan desarrollar una comprensión moderna y creativa de la arquitectura y las migraciones hogareñas combinadas con el diseño, las necesidades humanas, los sueños y la calidad de vida.
En la sede Centro Cultural Recoleta se organiza un festival que incluye recitales y performances.

Sobre Días Nórdicos:
Creado por  la empresa Zona de Obras y ROSA (The Danish Rock Council). Este festival nace en el año 2010 en España, y llega a América Latina en 2014. Se realiza en Argentina, Brasil, México, Chile, Uruguay y Perú.  Esta nueva edición del festival pone el foco en la economía creativa y sus infinitas oportunidades de conectar territorios, saberes y prácticas.
Más información en: http://www.diasnordicos.com/.

La muestra se puede visitar con entrada gratuita hasta el 16 de diciembre, de martes a domingo de 14 a 20 hs. en la Casa Nacional del Bicentenario, Riobamba 985, Buenos Aires, Argentina.

3 de diciembre de 2018

“Assemblage”, una experiencia que reune los sabores del chef Dario Gualtieri y el arte de Alejandro Avakian


El 26 de noviembre se realizó “Assemblage”, una experiencia donde los sabores y el arte se encontraron de la mano del chef Dario Gualtieri y el artista Alejandro Avakian.
En su espacio de la calle Armenia 1378, en el barrio de Palermo Soho, el chef recreo las obras de Avakian  a través de sus platos, mientras el artista pintaba obras comestibles que luego los asistentes disfrutaron.
 
El bistró de Dario Gualtieri está ubicado en el barrio de Palermo, en una  antigua casona de estilo italiano, con pisos calcareos y un imponente vitraux con vista al patio. En él se exhiben varias obras de Alejandro Avakian.
 
Alejandro Avakian es un artista argentino que vive y trabaja entre Barracas (Buenos Aires) y Brooklyn (Nueva York).
Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y allí conoció a Osvaldo Attila, su maestro. Al poco tiempo empezó a pintar en un taller del barrio porteño de San Telmo.
La vida académica quedó al margen. Así pudo profundizar el camino de una expresión personal, donde la forma y el contenido fueran de la mano y la libertad se transformara en la base de su obra. En esa época surgen los primeros planos blancos y las figuras de sus cuadros se desmaterializan. Su lenguaje se vuelve expresionista y a veces desmesurado.
 
“Hoy podría decirte que ya no es más allá o más acá. El Universo se expandió y es parte de la misma experiencia. Encontrar gente increíble en el mundo que se pregunta o indaga sobre temas muy cercanos: de dónde venimos y hacia dónde vamos. Son preguntas que no serán abarcadas en su totalidad ya que la condición humana es limitada en sí misma. ¡Pero sí nos permiten acercarnos y darle sentido al presente! Cuando pinto siento que por ese instante la vida se detiene y es casi eterna. Es decir, se aleja de la muerte. Esto dura un par de días luego vuelvo a la finitud humana” expresa Avakian sobre él y su obra.

Llega AL DENTE vol.6. La feria gastronómica y cultural más esperada del barrio de Palermo, organizada por Il Ballo del Mattone


El 8 y 9 de diciembre llega la sexta edición de "Al Dente", el icónico festival para toda la familia que surgió en la calle Gorriti como celebración de El Día de la Italianidad en Argentina. Comida, música, arte, espacio para los más chicos y hasta un viaje a Italia bajo el concepto #dePalermoaPalermo: ¡esta edición está bien al dente!
 
Declarado de interés cultural por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, la feria gastronómica y cultural se llevará a cabo nuevamente en el Mercado de las Pulgas durante dos jornadas, con entrada libre y gratuita. El sábado 8 de 14 a 23 hs. y el domingo 9 de 13 a 21 hs., con ingreso por Enrique Martínez y Concepción Arenal.

Mirta Herrero y Adrán Francolini
 
Al Dente lleva la impronta de los creadores de IL BALLO DEL MATTONE Trattoria Galleria, una generación de jóvenes descendientes de italianos que muta y busca reinventarse a sí mismo en cada proyecto que encara. Es por eso que el festival sigue creciendo y su protagonismo no solo será italiano, sino que se transformará en una verdadera fiesta cosmopolita del barrio de Palermo para la cual se espera superar los 80.000 asistentes del volumen 5.

Lucas Stoessel retrata a Il Ballo del Mattone 
 
Celebrando el 30 aniversario del Mercado de las Pulgas, las nuevas tendencias gastronómicas serán protagonistas, con el acompañamiento de lo mejor del arte y la música emergentes. Referentes de la gastronomía tanto italiana como de otras colectividades, 6 foodtrucks, con opciones veganas y sin tacc y 35 stands de productos con la presencia de Buenos Aires Market serán parte del evento, que contará con la conducción de Frescolate, Ramitagram, Inti Rap, Manu Sarrabayrouse, Hernan Panessi y con la participación de Daniel Malnati, Claribel Medina, Diego Iglesias y Felipe Colombo. Además, Donato de Santis será el embajador de la Italianidad, con el fin de proteger y divulgar la verdadera cocina italiana presente con su food truck.

Este año, Al Dente junto a Agenzia Nazionale del Turismo y Alitalia presenta el concurso “De Palermo a Palermo". Los asistentes podrán participar por un viaje a Italia para dos personas con aéreos, estadía y excursiones incluidas. Habrá cupones disponibles en el Stand de Alitalia y el domingo 9, al finalizar el festival, se hará el sorteo.

La Fanfarria del Capitán
 
El Line Up musical cuenta con la presencia de artistas como Leo García, Cata Spinetta, Nico Cota, Lenni Funk, La Fanfarria del Capitán, Chasky Pum y la César Pavón Orquesta. El sábado habrá un especial de trap con artistas como Under MC y Naomi Preizler, Marciano Crew y, como ya es habitual en "Al Dente", el cierre musical estará a cargo de grandes invitados sorpresa.
 

El escenario principal lleva la marca de “Nómade”. Itinerante, ecológico y sustentable, es el primer escenario solar móvil de Argentina cuya idea e instrucción está basada en los festivales solares Bimble Bandada (UK) y Solar Festival (Alemania) que ayudaron a idearlo.
 
Al Dente vol.5 (2017) 
 
En el interior del Mercado se realzarán charlas, entrevistas y 
workshops sobre cocina, nuevas tendencias  e influencias  en comunicación de redes con la participación de Donato de Santis, Santiago Giorgini y Roberto Ottini, entre otros.
 

El festival contará, además, con la presencia de grandes artistas plásticos y performáticos acompañando los diferentes espacios tanto del mercado como de las calles, un espacio Cómic dentro del mercado, un sector de entretenimientos para todos y un espacio dedicado para la diversión de los más chicos.
Participan de esta edición El Cosmic Vegan Fest, el festival holístico y vegano organizado por Cosmic Community, nacido en Puglia (Italia) en 2013.

 "Al Dente" cuenta con el apoyo institucional de BA Capital Gastronómica, un programa de gobierno que busca impulsar a la ciudad de Buenos Aires como la capital gastronómica de América Latina. 

La galería MCMC presenta “El sonido luminoso de las formas”, de la escultora María Boneo


El miércoles 28 de noviembre se inauguró en la galería MCMC la exposición “El sonido luminoso de las formas”, de la escultora María Boneo, artista de exquisita sensibilidad cuya obra ha participado de bienales y exhibiciones en Florencia, Paris, Mónaco, Londres, San Pablo y Miami, entre otros eventos artísticos internacionales.
 

 
La muestra, con curaduría de Ana María Battistozzi, reúne los trabajos escultóricos más recientes de Boneo en resina coloreada y bronce niquelado que imponen, con sus alternancias espaciales, superficies pulidas y escalas crecientes, su rotunda presencia en el espacio.
 
Su obra, que supo ser figurativa, guarda las reminiscencias de ese pasado en la configuración de las líneas abstractas del presente. Es posible aún rastrear la memoria del cuerpo femenino en el minucioso programa de depuración de formas al que fueron sometidas sus esculturas.
De la talla en madera de sus inicios, a la talla en mármol, cuyos reflejos sugirieron muchos de los trabajos que en esta muestra se exhiben, fue preciso que Boneo pusiera en juego el cuerpo de un modo distinto pero también reorientara la percepción; ponderara la cualidad y la respuesta de la materia y la incidencia de la luz y recién a partir de allí, definiera la forma. Un proceso que pareciera ser sencillo, pero lejos esta de serlo.
 

María Boneo junto a la obra "En punto", 2016, bronce niquelado
María Boneo nació en Belgrado (Yugoslavia) y reside en Buenos Aires desde 1968. Se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y en los talleres de Miguel Ángel Bengochea, Leo Vincci, Aurelio Macchi y Beatriz Soto García. En 2005 continuó su formación en la escuela de Escultura, Statuaria Arte, en Carrara, Italia.
 
Ha realizado exposiciones individuales en el Museo Nacional de Arte Decorativo, galería Studio Abba, Florencia, Italia, Espacio Ai Miracoli, Venecia, Italia y  en Art Yoo, en Punta del Este, invitada por Phillippe Starck y Joseph Kavana.

Su obra recibió numerosas distinciones: Mención del Salón Nacional de Artes Visuales, Paláis de Glace, Buenos Aires (2014); Arte Siglo XXI, Primer Premio de Escultura, Museo Antonio Balvé (2002) y el Segundo Premio del Salón Grabado y Escultura Ernesto de la Cárcova, Asociación Estímulo de Bellas Artes, Buenos Aires (2003).En año 2018 fue seleccionad para el Salón Nacional de Artes Visuales, con su obra “Duo”.
 

En la pared: "Relieve", resina poliéster, 2017 y en el centro: "Casi de gala", 2016, bronce laqueaado
La curadora recuerda que “María Boneo ha mencionado en reiteradas oportunidades la forma nido como un rasgo significativo que le interesa destacar en su obra. Si las imágenes del mundo no son -como señala Jean Grondini- simples duplicaciones de la realidad y que en verdad corresponden a interpretaciones que se encuentran implícitas en nuestra relación con el mundo sería interesante explorar el sentido de esta forma en la obra de María Boneo. ¿Será que remite acaso a la noción de refugio o al natural, por el mero instinto de seguridad, como sostienen algunos autores, Bachelard entre ellos?, ¿O por la urgente vocación constructiva de quien imagina una morada?”
 

Y continúa Battistozzi: ”Tal vez sea posible pensar el movimiento interno de sus obras como un vórtice; es decir como un polo de energía que en su rotación atrae inevitablemente los cuerpos hacia el centro. Una suerte de remolino que aspira toda fuerza vital hacia un centro del que no resulta posible escapar. En desafiante contradicción con el impulso del arte actual que insiste en considerar a la forma bella con cierto desdén, María Boneo se empeña en ella. Se concentra en afirmar la insoslayable presencia de formas que, como es posible advertir en las obras exhibidas en El sonido luminoso de las formas, gravitan en el espacio desde una escala creciente, cada vez más audaz.”
 


La muestra se puede visitar de lunes a viernes de 11 a 19 hs. en Av. Presidente Figueroa Alcorta 3032, P.B., Buenos Aires, Argentina.

1 de diciembre de 2018

La muestra “La Razón (1905-2005) Un siglo de fotoperiodismo argentino” evoca una época dorada de la prensa argentina


El Pabellón de las Bellas Artes de la UCA presenta la exposición “La Razón (1905-2005) Un siglo de fotoperiodismo argentino”, una selección de 50 imágenes publicadas en el primer vespertino de Buenos Aires.
La muestra, curada por Abel y Axel Alexander y Andrea Cuarterolo, se diseño sobre la base de una exhibición organizada con motivo del centenario de la fundación de La Razón, en 2005, que entonces tuvo la curaduría de Abel Alexander y Andrea Cuarterolo, en el marco de una intensa agenda cultural que incluyó exposiciones, conciertos y jornadas de actualización periodística. Y la muestra fotográfica permitió revivir momentos destacados del fotoperiodismo argentino.
 
“La historia de La Razón, como uno de los principales medios en la industria de diarios en la Argentina, se extendió por más de un siglo -rememora Luis Vinker, actual director periodístico de ese periódico-. El diario se fundó a comienzos del siglo XX dentro de un país pujante y cambiante, en plena ola inmigratoria y de tensiones político/sociales que resultan una constante. Después de sucesivas transformaciones -en contenidos, formatos, distribución- La Razón se consolidó como uno de los vespertinos masivos y de punta, alcanzando tiradas cercanas al medio millón de ejemplares entre las décadas del 30 y 50.”
Vinker agrega: “La Razón atravesó también por los avatares de toda empresa, cambios de propiedad y orientación, algún período de discontinuidad a fines de los 80. Su última etapa, que se extendió entre 2000 y 2016 dentro del Grupo Clarín, ya fue distinta, convertido en un diario de circulación gratuita dentro de los medios de transporte del área metropolitana. Pero tampoco así cedió su fibra ni su sensibilidad periodística, incorporando otro perfil de lectores y acompañando todos los sucesos -políticos, urbanos, culturales, deportivos- que constituyen la “noticia” cotidiana”.
 
Por su parte, los curadores explican: “Como toda gran empresa periodística, La Razón priorizó desde el comienzo su departamento gráfico, iniciando en el país una nueva modalidad con relación al reportaje fotográfico. El mismo estuvo a cargo de un talentoso y escogido equipo de fotógrafos de prensa, los cuales contaban con una moderna infraestructura para la época: amplios laboratorios, galería fotográfica de pose, modernas máquinas fotograbadoras, el servicio de prestigiosas agencias internacionales y, muy especialmente, una amplia red de fotógrafos corresponsales en las principales ciudades del interior del país”. 
Y continuan: “Así, La Razón fue pionera en su despliegue de grandes coberturas fotográficas sobre los mayores eventos nacionales. Empuñando las voluminosas cámaras Spido Gaumont o Speed Graphic aquellos reporteros cubrieron toda una gama de acontecimientos políticos, sociales, económicos, militares, deportivos, tragedias colectivas o catástrofes naturales. Fueron fotógrafos de prensa como José Amorós, André Moreau, Sivul Wilenski, José León, Sergio Delrosso, Luis Ramírez o Pedro Uzal, algunos de aquellos destacados profesionales que cimentaron la fama del ágil vespertino. En muchas oportunidades, sus dramáticas fotografías se convirtieron en vehículo de movilización popular para grandes iniciativas solidarias.”
 
La muestra permanecerá hasta el miércoles 19 de diciembre de 2018 y se puede visitar con entrada libre y gratuita, de martes a domingo, de 11 a 19 hs. en Alicia M. de Justo 1300, PB, Puerto Madero, Buenos Aires.