18 de julio de 2024

El Grupo Jack presenta "In movimento", obras de Patricia Martínez en su espacio de la Recova de Posadas


El Grupo Jack, Multimarca Premium con más de 30 años de experiencia en el rubro automotriz comienza su Ciclo de Arte en Auto Dante, Carlos Pellegrini 1526, Recova de Posadas.
 
En esta oportunidad se presenta “In Movimento”, obras de la artista Patricia Martínez que podrán visitarse hasta el 9 de agosto.
  

Patricia es autodidacta, posee un gran manejo del color, la luz y la técnica. Le gusta tomar un color y probar con él todo lo que puede dar. Trabaja sabiamente el acrílico y el óleo. Sus obras nos inducen a una contem- plación silenciosa en un encuentro para escuchar las propias pulsaciones. Su pintura es una combinación sensible de pasión y color. Concreta el milagro de convertir casi totalmente la abstracción en una declarada figuración, con presencia de los cálidos en agudos contrastes con los fríos. Afirma la artista: “El arte es la expresión más auténtica del alma. Me gusta jugar con la fuerza del color y la espontaneidad de las mezclas. Cuando veo como se integran los elementos, dialogo y disfruto con mi obra”.

  
Patricia Martínez, Susana Araujo y Eleana Pardini
 
La exposición cuenta con la curaduría de Susana Araujo y Eleana Pardini.

 
Esta muestra acompaña el nuevo Fiat Fastback diseñado por el equipo de Stellantis Design Center South America y desarrollado sobre la plataforma MLA. Es su primer SUV coupé y nuevo tope de gama entre los vehículos de pasajeros de la marca. Posee la mejor combinación de habitabilidad, performance y elegante diseño italiano.

13 de julio de 2024

Biga Art Gallery está presentando “El camino del deseo”, una muestra de Santiago Torriglia

 
En esta, su primer muestra individual en una galería de arte, el artista nos invita a explorar el deseo desde diferentes ángulos y perspectivas, mostrándonos como éste se transformó en el motor que lo llevó hasta donde está hoy. Nos permite entrar en su intimidad y nos cuenta de manera casi cronológica el camino recorrido, siempre impulsado por la intensidad del deseo.
De la plenitud, a etapas más oscuras marcadas por la tragedia, el autodescubrimiento, la relación con sus vínculos más intensos, sus pasiones, sus fortalezas y sus puntos más débiles, todo lo que lo llevó a romper con estructuras propias e impuestas y poder crear un nuevo ser sobre viejos patrones.

 
“Mi formación artística se nutre de diversas fuentes, desde el arte popular y el muralismo hasta el minimalismo y el arte conceptual. Mi obra se inscribe dentro del minimalismo figurativo, una corriente que busca reducir la forma a lo esencial y que se caracteriza por el uso de colores planos, formas geométricas y líneas simples. El deseo es el concepto que articula la obra, es lo que me impulsa a crear, a expresarme, a comunicarme. El deseo es lo que me conecta con el espectador. El deseo es lo que cuestiona las normas, las convenciones, los límites. El deseo es lo que revela la complejidad y la diversidad del ser humano.
 
 
Mis obras se componen de líneas moduladas de distinto grosor, que crean formas orgánicas y dinámicas, y de rectas que cortan la tela con precisión, creando contrastes y tensiones. Los colores vibrantes que predominan en la obra son una invitación a entrar en mi mundo, a sentir lo que yo siento, a ver lo que yo veo. 
 
La ambivalencia de los dibujos, que pueden ser leídos como figuras o como fondos, como objetos o como espacios, representan el deseo; que puede ser fuente de placer o dolor, de libertad u opresión, de unión o de separación. Busco, a través de mi obra, interpelar al espectador, lo invito a reflexionar sobre su propio deseo, sobre sus motivaciones, sus aspiraciones y sus contradicciones. Poniendo al deseo como motor de la expresión y como una fuerza vital que nos impulsa a crear, a comunicar, a transformar” expresa el artista.
 
 
La muestra se puede visitar hasta mediados de agosto, de lunes a viernes de 10 a 19 hs. en Biga Art Gallery, Arenales 1181, Buenos Aires, Argentina.
 

19 de junio de 2024

Herlitzka & Co. festeja sus diez años de vida con una muestra que exhibe sus propias entrañas

La galería Herlitzka & Co. presenta “Descifrar el porvenir”, propuesta con la que celebra una década. La exhibición, que ocupa la galería entera como una gran instalación, invita a los espectadores a conocer su espacio desde sus entrañas, para repensar y analizar el porvenir. 

En esta década, Herlitzka & Co. enfrentó diferentes desafíos, en contextos socioeconómicos adversos. Mostrar todas las obras (con sus embalajes, en muchos casos) -exhibir sus propias entrañas- implica también un mecanismo de análisis que incluye conocer la dinámica propia de nuestro espacio, y el contexto nacional e internacional en lo que concierne al mercado del arte y consumos culturales. Consideramos que este estudio de situación es clave para rever acciones a futuro, repensar nuestra praxis y alcances. Mediante un trabajo en equipo, se apunta a una instancia superadora, a una renovación. 

“En la antigüedad consultar las entrañas de los animales era una práctica para descifrar el porvenir que se extendió de la Mesopotamia a Grecia y fue adoptada por etruscos y romanos. La exhibición que acompaña los primeros diez años de esta galería podría ser pensada como la intención de consultar las entrañas. Tomar distancia de una determinada narrativa llamada a articular un sistema de afinidades formales o lingüísticas y expresar un movimiento de adentro hacia afuera. Algo así como un desplazamiento destinado a invertir los términos habituales de una muestra. Sacando las entrañas y exponiendo todo aquello que habitualmente se encuentra lejos de la mirada ajena, en almacenes y trastienda. La operación parecería metaforizar intentos de respuestas a las numerosas inquietudes que plantea la incertidumbre del presente con relación al porvenir. Repensar todo y sopesar el balance en términos de lo que se puede proyectar como debe y haber”, escribe Ana María Battistozzi en el texto de sala.

Se puede visitar hasta el 5 de agosto, de lunes a viernes de 11,en a 19 horas en Libertad 1630, CABA.

10 de junio de 2024

Aura Gallery presentó 4 jóvenes artistas mujeres de su staff: Fernanda Kusel, Lucía Erijimovich, Constanza Pulit y Martina Ponssa

 
Aura Gallery es una galería de arte pensada como espacio de impulso y difusión de artistas representativos del pensamiento y producción contemporáneas. 

La galería comenzó en 2020 de manera pop up, participando de ferias y muestras, en varias ocasiones en colaboración con otras galerías y espacios culturales.

En abril 2024 Aura Gallery abrió sus puertas como home gallery en Recoleta, Buenos Aires, procurando un espacio físico que permite una programación planificada y desarrollo de exhibiciones, contribuyendo al circuito artístico de la ciudad.

Aura se interesa por los lazos transdisciplinares, exhibe proyectos individuales, colectivos, experimentales y de investigación. Asume la diversidad de espacios, formatos y actores de las prácticas artísticas actuales y emergentes.

El 6 de junio Aura Gallery presentó 4 jóvenes artistas mujeres de su staff: Fernanda Kusel, Lucía Erijimovich, Constanza Pulit y Martina Ponssa.

Fernanda Kusel 

Fernanda Kusel compone escenas cotidianas de mesas con comida, ofrecidas como ofrenda amorosa. Todo está planeado para la aceptación de los comensales, pero éstos no se conocen y parecen no llegar nunca. Ante su ausencia, la tensión queda focalizada en la coyuntura de los objetos y alimentos, en los instantes previos a su consumación. En contrapunto a la paleta pastel y colores vibrantes queda expuesto un componente enigmático de melancolía y de evidente paso del tiempo.

Lucia Erijimovich
 
El trabajo artístico de Lucia Erijimovich es a primera vista una exploración constante de lo cotidiano para adentrarse en un viaje de descubrimiento a la complejidad de las experiencias emocionales, a los vínculos y la vida colectiva.
La síntesis de los elementos pintados y de los momentos efímeros que muestran la riqueza de la vida cotidiana dan lugar a una representación cargada de capas de significados que trascienden lo evidente y lo tangible.
La velocidad y el ritmo de los trazos expresionistas acentúan la búsqueda de condensar una carga emocional, psicológica y social.

Constanza Pulit

Constanza Pulit se inspira en experiencias íntimas y fábulas de su infancia, recrea imágenes que alguna vez vio o soñó. Los límites entre lo real y lo ficticio se pierden al punto de no saber qué imágenes fueron documentadas y cuáles puestas en escena. Sus obras investigan la tensión entre dualidades cómo la inocencia y la oscuridad, la ternura y el erotismo, la belleza y la decadencia. Trabaja sus fotografías sometiéndolas a distintos procesos de impresión generando un diálogo entre la imagen y su materialidad.


La obra de Martina Ponssa supone a la pintura como acto de búsqueda de verdad interior y de liberación.
Trabaja la imagen como posición crítica, se percibe una atmósfera “soft punk” por el gesto urbano del grafiti, el descontrol en el uso de la pintura y conceptos que invitan a mirar más allá de la superficie.
La obra es un recordatorio de los misterios y profundidades que merecen ser descubiertos y celebrados.

 

28 de mayo de 2024

“Mahuida: pintura de los Andes” de Guido Franco Ferrari en el Espacio de Arte del Banco Ciudad

 

“Un lugar cerca del cielo”, 2023 – 30 x 75cm – óleo con espátula sobre lienzo

Hasta el 28 de junio el artista plástico Guido Franco Ferrari presenta “Mahuida: pintura de los Andes” en el Espacio de Arte del Banco Ciudad (Florida 302 – CABA).

“Mahuida: pintura de los Andes” es una celebración de la naturaleza andina en Buenos Aires. Una ventana a la belleza y la serenidad de la Patagonia a través de la mirada única y talentosa de Guido Franco Ferrari, artista emergente nacido en Bariloche (Río Negro) y residente en Villa La Angostura (Neuquén).
 
La muestra busca visibilizar la Cordillera de los Andes ante el público para contribuir a la promoción de su belleza y fomentar su cuidado y preservación.

Guido Franco Ferrari es un artista emergente de 30 años nacido en Bariloche que, luego de estudiar cine y diseño (carreras que no terminó), descubrió que su verdadera vocación es pintar sobre la naturaleza para contribuir a la revalorización de nuestros ecosistemas y su consiguiente respeto y preservación. Inspirado y apadrinado por Georg Miciú (fundador de la Colección Georg de Villa La Angostura, Neuquén), Ferrari comenzó a pintar al aire libre en contacto directo con la naturaleza (al estilo impresionista), un camino que hoy continúa con el objetivo de retratar todos los parques nacionales de la Argentina. 

"Lejos"

Desde niño, Guido estuvo especialmente cautivado por la vida natural.  Hoy, los paisajes que rodearon su infancia y adolescencia son la fuente de inspiración de su obra... Lagos y montañas, vientos y soles acariciando la fauna y la flora autóctonas tan distintivas de la Patagonia.

"Calidez invernal"

En su búsqueda por capturar la esencia de la naturaleza de cada paisaje en su lienzo, Guido Ferrari pinta “au plein air”, al aire libre, en contacto directo con animales, vegetación, imponentes montañas y valles.  Sus producciones transmiten la fuerza de cada momento; el observador puede percibir escenas de la vida rural cotidiana o bien paisajes inexplorados con protagonistas animados e inanimados que construyen escenas singulares retratadas con óleo, pinceles y espátulas. 

"Rojo ñire"

“MAHUIDA: Pintura de los Andes” presenta paisajes patagónicos contemporáneos con los que el artista busca transmitir la majestuosidad de esos escenarios de la Argentina meridional, motivando su cuidado y preservación para las generaciones futuras.
Con tan solo 30 años este artista emergente ya ha realizado numerosas exposiciones en la Argentina, así como en diversos países de Europa y en los Estados Unidos.  Ha sido galardonado con destacados premios nacionales y fue reconocido por el Concejo Deliberante de Villa la Angostura como personalidad destacada en el rubro cultural (2017).

Otros artistas cordilleranos acompañan la muestra de Guido Ferrari, se trata de los escultores Martina Sosa y Emanuel Céliz, y las tejedoras de Bordellita, a cargo de Valentina Sordelli.  Una oportunidad para experimentar la majestuosidad de la cordillera en el corazón de la ciudad capital.


 

 

 

 




 



1 de mayo de 2024

Open studio de Isabel Picasso: “Todos contenemos multitudes”

“Las figuras que Isabel representa suelen estar en un estado meditativo. Se observan semblantes que expresan placidez y pacificación; las escenas y entornos que los circundan reflejan también beatitud. Podría decirse que sus obras se enfocan en interpretar simbologías y caracterizaciones relativas a la bienaventuranza; figuras y representaciones en una condición natural de elevación y serenidad.

Independientemente de cualquier análisis puntual sobre uno u otro de sus trabajos, hay un aspecto y perspectiva común en la producción que presenta y se ha convertido en eje central de su investigación pictórica, éste es su interés y curiosidad por la dimensión espiritual.

 

Visualmente, la materialidad de sus obras incluye tanto pinturas de gran formato como miniaturas, dibujos y pasteles y muchas de ellas incorporan luminarias LED que contribuyen a reforzar la idea de irradiación que la artista quiere incorporar en la lectura de sus obras. Llegar en lo posible a la noción de resplandor en sus representaciones. 


 
Las luces aparecen de forma intermitente y esa oscilación alterna les otorga apariencia de movilidad. «Como si las figuras se tornaran vívidas» al decir de la artista. También hay determinados objetos inanimados, como cofres o piedras en los que utiliza un lenguaje simbolista; éstos suelen ocupar un espacio central en la obra y aparentar estar en un estado de flotación, con una condición incorpórea.” Patricia Rizzo


Isabel Picasso junto a Alejandra Britos

Isabel Picasso estudió Bellas Artes en el Instituto Santa Ana y asistió a los talleres de Kenneth Kemble, Miguel Dávila y Luis Centurión entre otros. Hace más de veinticinco años pinta back-lights, pinturas sobre telas en cajas con luces leds. Su estética se basa en pintar imágenes oníricas, rostros, objetos con su luz interior. 

 

Su obra se expone galerías, centros culturales, museos, embajadas y consulados y también forma parte de diferentes colecciones. 


Su última muestra, "Todos contenemos multitudes" estuvo expuesta en el Museo Caraffa -Cordoba, Argentina- y en la embajada argentina en Washington -Estados Unidos-.
 


 








 
 

11 de abril de 2024

POP UP SALE de arte moderno y contemporáneo argentino

BaC Espacio de arte, de la ciudad de Salta, dirigida por Matias Bassani y Rosario Cornejo, en colaboración con GV Consultoria, de la ciudad de Buenos Aires dirigida por Gonzalo Vidal, organizan un POP UP SALE de artistas argentinos (1930-2023), los días 10 y 11 de abril, en Esmeralda 1319, para la cual se realizó una selección de obras de distintas corrientes artísticas. 


BaC Espacio de Arte presenta tres grandes exponentes surrealistas, los salteños Luis Preti y Osvaldo Juane; y el jujeño Eolo Pons, con obras que datan de los años 40, 50 y 60.  
De la escuela geométrica, herederos de algún modo, de lo que en su momento fue la abstracción,  a la singular María Martorell con un óleo del año 1978, que sigue estando muy vigente hoy en día, y al magnifico y ecléctico Mariano Cornejo, con cinco de sus geometrías que datan entre los anos 2017 y 2019.  


En dialogo junto a ellos, a tres artistas porteñas, la fabulosa Gabriela Aberastury, con dibujos, óleos y composiciones, con su particular mundo simbólico para expresar sus sentimientos e ideas. Lucrecia Orloff con estampas litográficas, xilográficas y aguafuertes/tinta, de sus series de Cebras, Teatro Colón y Circo, donde no solo se exponen sus grabados, sino también el soporte de piedras litográficas, tacos y chapas, realizados en la década del 2000/2010; e Inés Vega que nos conduce a mundos oníricos, con dos dibujos de grafito sobre papel y cuatro conmovedoras “esculturas blandas”, realizados en estas últimas dos décadas.  


Por su parte, Gonzalo Vidal de GV Consultoria con el fin de mostrar en paralelo, lo que sucedía en la plástica tanto en Salta como en Buenos Aires, muestra artistas rupturistas de la década del 40.
Exponentes del Arte Concreto, como Juan Melé y Raúl Loza, este último que continuó solo con un movimiento que se llamó Perceptismo. Del movimiento Madí, dos obras de Carmelo Arden Quin, que también fueron desarrollándose al mismo tiempo; y Manuel Espinosa que se inicia con los concretos junto una obra de Carlos Silva, pero que conjuntamente con Ari Brissi fueron parte del movimiento Arte Generativo.  

También se muestran dos artistas muy particulares como Victor Magariños, pertenenciente al grupo Arte Joven, pero con una impronta muy individual, y a Roberto Aizenberg, que navega dentro de la metafísica y el surrealismo.

Para todos estos artistas, su meca era París, donde estudiaban y se inspiraban, como así también Suiza, donde surge el Arte Concreto en la década de 1920 a 1930. 


Lo más interesante de un Pop Up quizás sea la posibilidad de mostrar distintos momentos de la historia del arte argentino, de una pluralidad muy interesante sin tener que atarse a un hilo conductor ni a una idea curatorial de exhibición. Libertad absoluta para poder mostrar artistas modernos y  contemporáneos que trabajan lenguajes difíciles de puede encasillar en un solo “ismo”, que no tienen principio ni fin. Una fiesta de artistas norteños y porteños de los últimos 90 años de arte argentino.

¿Qué es un POP UP SALE?

El fenómeno de los Pop Up Sale surge en los Estados Unidos a fines de los 90, la tendencia se fue extendiendo de a poco a países de Europa y Latinoamérica.  
En todos los lugares se convirtieron en una herramienta para mostrar artistas y vender obras, aunque originalmente no se perseguía como objetivo el volumen de venta, sino el posicionamiento estratégico entre su público cautivo y sumar potenciales clientes. 

Aquellos que apelan a los eventos Pop Up o temporales, se encuentran a la caza del llamado “efecto sorpresa”, ya sea por el lugar en donde se exponen las obras, como por la forma en que se exhiben. Trabajan sobre la idea de la exclusividad y la finitud de una propuesta diferente y novedosa. Las galerias buscan, por medio de los espacios temporales, crear mucha expectativas en el público.



6 de abril de 2024

Nuevas exposiciones en Fundación Andreani

Fundación Andreani abrió su programación de 2024 con tres exposiciones individuales: "Nadie Canta" de Indira Montoya,"Temporal" de Augusto Zanela y "Huancas" de Rodrigo Alcon Quintanilha.


"Nadie Canta" es una instalación de la artista cordobesa Indira Montoya
creada a partir de entornos virtuales, escultura 3D y performance.

Esta exhibición construye un entorno híbrido entre imaginarios virtuales y concretos. Fragmentos del bioma del monte chaqueño y el espinal cordobés, en franco proceso de extinción, se encuentran aquí con un gesto de conservación que fusiona aspectos recuperados directamente del paisaje y otros producidos a partir de procesos generativos de computadora. En este cruce evolutivo máquina-naturaleza aparece una realidad lúcida que nos permite construir una liturgia íntima en este mundo evanescente.

"Temporal" de Augusto Zanela constituye una instalación lumínica. Parte de reflexiones sobre las distintas percepciones del tiempo y la subjetividad humana en su representación.

Foto Guido Limardo, gentileza F. Andreani   

Y por último, "Huancas" de Rodrigo Alcón Quintanilha, parte del enigma de los menhires de Tafí del Valle, para realizar una restitución virtual de estas piedras monolíticas a su hipotético lugar de emplazamiento.  

Durante más de dos milenios, innumerables piedras monolíticas habitaron el valle de Tafí, enraizadas en el suelo conformando un territorio ancestral. En una verdadera desterritorialización, las Huancas, entidades sagradas andinas, han sufrido desplazamientos en distintos momentos sin registro alguno. Estos movimientos resultaron en sucesivas fracturas con sus espacios sagrados. 

Esta exhibición busca restituir el enigmático patrimonio lítico, de una manera artística, simbólica, y virtual mediante la técnica de realidad aumentada, filmaciones, fotogrametrías e imágenes de archivos.

Las exposiciones podrán visitarse hasta junio de 2024, de miércoles a domingos de 12 a 19 hs., con entrada libre y gratuita, en av. Pedro de Mendoza 1987, La Boca.

3 de abril de 2024

Francisco Alejandro Verni presenta "Geometrías", una muestra inspirada en la sociedad actual

F. A. Verni. Inicios para la creación, esmalte sobre madera

Francisco Alejandro Verni está exhibiendo "Geometrías" en Quintana 420, un pequeño bar en el corazón del barrio de Recoleta. 

"Mi interés por el arte y su desarrollo comienza a una edad muy temprana. Durante mis primeros años tuve la suerte de estar en contacto con Clorindo Testa en su estudio atelier. El se encargó de demostrarme que la arquitectura y el arte no solo van de la mano, sino que se retroalimentan constantemente.

En el año 2021, comencé a gestar mi primera colección; “Geometrías”. Ésta, busca analizar de manera crítica los diferentes aspectos de la sociedad actual, dando lugar a la discusión sobre diferentes problemáticas y puntos a resaltar para generar conversación.
Busco continuar con esta colección y afianzar cada día más mi estilo de hacer Arte. Siempre teniendo en mente que la unión de la técnica y la teoría es la única manera de lograr material de calidad que logre impacto real en el tiempo" explica Verni.

Este joven artista nació el 10 de octubre 1998, en Buenos Aires, Argentina.
Estudió arquitectura en la Universidad Torcuato Di Tella con campo menor en arte y proyecto. Durante la carrera fue alumno de Claudia Schmidt, Francisco Liernur, Alberto Delorenzini, Ciro Najle, entre muchos otros. Esto le permitió aprender mano a mano con los que se encargaron de escribir y estudiar los diferentes sucesos dentro del mundo del arte latinoamericano y la arquitectura; Además, debido a la exigencia para el desarrollo de proyectos, trabajo uniendo materialidad, teoría y técnica para consolidar cada paso.

6 de noviembre de 2023

"Qué hacer con el pasado en un presente como éste" es la nueva exposición que presenta la galería Maman para conmemorar los 40 años ininterrumpidos de Democracia

 
Luis Benedit, Cruz Azul, 2002 y Pablo Suárez, Monumento al mendigo, 2003
 
Conmemorando 40 años ininterrumpidos de democracia, la galería Maman Fine Art inauguró una muestra colectiva que reúne las obras de nueve artistas relevantes: Dolores de Argentina -artista conceptual y nueva incorporación- junto a los históricos de la galería, Rómulo Macció, Luis Benedit, Pablo Suárez, Norberto Gómez, Nicolás García Uriburu, AldoSessa, Luis Wells y Alberto Heredia.
 
Aldo Sessa, Obelisco reflejado, 2001

Con curaduría de Patricia Pacino y dirección general de Guillermo Alonso, la muestra propone celebrar y también reflexionar a través del trabajo de estos artistas, la mayoría delos cuales implican o implicaron una ética a través de su estética.
 
Nicolás García Uriburu, Coloración Fuente de los españoles y Plaza Congreso. Homenaje a la democracia Buenos Aires , 1983
 
El título de la muestra debe su nombre al nuevo proyecto de Dolores de Argentina, una artista que realiza arte público y que últimamente trabaja en torno a la noción de monumento histórico. Sus intervenciones urbanas friccionan la noción de visibilidad e invisibilidad sobre obras de gran carga simbólica en el imaginario social y en la constitución de una nación.
Como parte de “Qué hacer con el pasado en un presente como éste,” se presentán en sala fotografías de sus intervenciones urbanas.
 
Dolores de Argentina, Deidad Griega. El Trabajo, Plaza Colón. Córdoba y escultura de neón, ambas de 2023
 
También se presenta “La estrategia del eclipse”. Obra de tiempo y sitio específico que se realizó en la plaza San Martín entre el 27 y el 30 de octubre en la ciudad de Buenos Aires. Esta obra de arte público forma parte de la muestra colectiva de la galería y su registro fotográfico se integrará junto a las obras expuestas en la sala.
Además, se expondrán fotos inéditas de una perfomance de la artista realizada en 2010 junto a algunas de sus obras históricas realizadas con neón. Material que la artista frecuenta siendo la palabra, la materia y forma plástica de sus obras. 
 
Rómulo Macció, Los inmigrantes 2, 1993
 
Acompañan la muestra textos de sala como el ensayo crítico del licenciado Daniel Capardi sobre La estrategia del eclipse y el texto curatorial de la licenciada Patricia Pacino.