25 de marzo de 2019

Hache presenta "Film Fatale", segunda exhibición de Martín Sichetti en la galería, curada por Florencia Qualina


Film Fatale consiste en una serie de dibujos y videos que exploran el cine negro o film noir a partir de un cuerpo de películas producidas en su mayoría entre 1940-1960 y que contemplan a autores clásicos, como John Huston, Fritz Lang y Billy Wilder, también recuperaciones, como Ida Lupino - actriz, directora, productora, guionista - una figura precursora y a la vez lateral en la Historia del Cine canónica. Sichetti, a partir de una exhaustiva investigación en la que confluyen amor y erudición cinéfila, selecciona stills de películas para después trabajarlos en dibujos. Los videos, a su vez, se nutren de disparadores narrativos propios del cine negro. Film Fatale habla de identidades inestables, apariencias y ansias desatadas.
La muestra se puede visitar de martes a sábados de 14 a 19 hs. en Loyola 32, Villa Crespo, Buenos Aires.

La muestra “Germaine Derbecq. Frenéticamente decidida a ir hacia delante” que se exhibe en galería Calvaresi recupera a una notable pintora, crítica de arte y curadora


El miércoles 13 de marzo abrió al público en la galeria de arte Calvaresi la exposición “Germaine Derbecq. Frenéticamente decidida a ir hacia delante”, selección de pinturas que la talentosa artista, crítica y curadora francesa realizó en París entre 1920 y 1950, con la curadoría de Federico Baeza.

La muestra, que se desarrollará en dos montajes, es un verdadero redescubrimiento de una artista que postergó su propia obra para difundir la de su marido, el escultor Pablo Curatella Manes, y promover a la pujante vanguardia artística argentina de los años '50. Su última muestra se realizó hace casi medio siglo, al principio de la década los años ‘70.
A tal extremo llevó su generosidad que sólo después de su muerte, en 1973, su hijo descubrió en el taller de su padre las obras que integran esta muestra.

Jorge Curatella Manes (hijo de Germaine Derbecq y Pablo Curatella Manes) y Federico Baeza (curador de la muestra)
 
La exposición, curada por Federico Baeza, reúne pinturas de pequeño y mediano formato, producidas en su mayoría antes de su desembarco en Buenos Aires. Se dividirá en dos partes: la primera incluye pinturas de la década del 20 y el 30, mientras la segunda estará compuesta por pinturas abstractas y geométricas de la década del 40 y el 50.
En el caso de sus obras más tempranas, aparece una Derbecq íntima y casi secreta, el esbozo de una silueta previa a su consagración como la figura pública que el ámbito porteño del arte conoció.
La muestra también incluye una selección de textos críticos de Derbecq realizada por Florencia Qualina, junto con un audio que repara en el carácter de su escritura, un atributo imprescindible para acercarse al universo de esta promotora del campo artístico.


Desde su llegada a Buenos Aires, Germaine se constituyó en una agitadora cultural clave en un campo artístico inmerso en un enérgico proceso de modernización. Desde su lugar de crítica, curadora y artista, promovió una renovación de las indagaciones estéticas, especialmente entre fines de los 50 y comienzos de los 70, desde trincheras como la galería Lirolay -de la cual fue directora- y el periódico francés Le quotidien y, luego, la revista Artinf.
El subtítulo de esta exhibición alude precisamente a este movimiento modernizador a través de una cita tomada del texto que escribió para la muestra “14 Pintores de la Nueva Generación”, organizada en la galería Lirolay en 1960. Se trataba de una muestra que congregó a artistas jóvenes centrales en el desarrollo de la década como Alberto Greco, Silvia Torras, Felipe Noé, Olga López, Kenneth Kemble, entre otros.

Kenneth Kemble la recordaba como "una de las rarísimas personas con sensibilidad, visión histórica, coraje y discernimiento selectivo que han adornado nuestro pequeño mundillo teórico-práctico del arte. Fue la instigadora, creadora y promotora de Lirolay, una pequeña galería abierta alrededor de los años '58, '59. Allí sólo se exhibían -ante el escándalo bastante generalizado, por cierto- las obras que ella consideraba convenientes, fuesen famosos o totalmente desconocidos sus autores. Y desconocidos o casi éramos en ese momento Luis Wells, Antonio Seguí, Jorge López Anaya, Carlos Alonso, Rubén Santantonín, Marta Minujín, Nicolás García Uriburu, Federico Peralta Ramos, Luis F. Benedit, Luis F. Noé, Rómulo Macció, Ernesto Deira, Jorge de la Vega, Alberto Greco, Rogelio Polesello, Pablo Suárez, y yo, entre otros".

Escultura de Germaine Derbecq realizada por Pablo Curatella Manes
Germaine Derbecq nació en París en 1989, donde estudió con Maurice Denis, Paul Sérusier, André Lhote y Juan Gris y siguió cursos en la Académie Julian (1917), la Académie Ranson (1918) y la Académie Lhote (1920). Es más conocida por su trabajo como curadora y crítica de arte, una disciplina que estudió con el autor francés Maurice Reynal.
En 1922 se casó con el escultor argentino Pablo Curatella Manes y se convirtió en una importante promotora de sus colegas artistas en París y en Buenos Aires, donde organizó numerosas muestras. Entre 1960 y 1963 fue la primera directora de la galería Lirolay, desde donde impulsó las tendencias artísticas que surgieron en las décadas de 1950 y 1960.
En 1961 albergó la histórica exposición Arte destructivo, la primera presentación de los artistas informalistas en Buenos Aires. Derbecq fue crítica de arte del diario Le Quotidien y cofundadora de la revista Artinf, junto con Silvia de Ambrosini, Odile Baron Supervielle y Lidy Prati, en 1970.

La muestra se puede visitar hasta el 5 de mayo en galería Calvaresi (Defensa 1136, San Telmo)  de lunes a viernes de 11 a 18 hs., sábados de 12 a 18 hs. y domingos de 12 a 17 hs. con entrada libre y gratuita.

El Museo Nacional del Grabado presenta "Senos". Xilografías de Albino Fernández, José Manuel Moraña, Víctor Rebuffo y Luis Seoane


Albino Fernández. Sin título
El Museo Nacional del Grabado presenta "Senos", una exposición que reúne cuarenta xilografías de cuatro notables grabadores argentinos: Albino Fernández, José Manuel Moraña, Víctor Rebuffo y Luis Seoane, curada por la historiadora del arte Marie-Jo Cardinal.
Los artistas produjeron estas xilografías especialmente para integrar la obra literaria Senos de Ramón Gómez de la Serna, escrita en 1917 y reeditada en 1979 por el el sello de Albino Fernández y Asociados. 

Victor Rebuffo. Sin título
Se trata de una serie de grabados originales, todos ellos de 11.5 x 17 cm, inspirados en los textos pícaros, irreverentes, jocosos y de neto corte vanguardista del escritor español, que proponen un recorrido por los senos femeninos.  Desde aquellos que denotan el más atávico erotismo hasta los nutricios de una madre; senos de las jóvenes, que pueden ser ingenuos o procaces; senos que se disfrazan o se tatúan; senos que saben a higo fresco, o a miel, o son amargos; senos que se esconden o senos que son mirados; senos que deleitan el espíritu o senos que nos salvan de la muerte. Senos que Ramón Gómez de la Serna muchas veces ensalza, idealiza y otras veces describe descarnadamente, pero que no denosta, y que los artistas representaron en esas páginas a partir de sus particulares visiones. 

José Manuel Moraña. Los senos de las estúpidas
Completan la exposición los libros de De la Serna y otros grabados pertenecientes a la colección del museo. 

La exposición se puede visitar en la sede del Museo Nacional del Grabado (Riobamba 985, 4°piso) hasta el 12 de mayo, de martes a domingo y feriados de 14 a 20 hs. con entrada libre y gratuita. 

22 de marzo de 2019

Jorge Martorell participará con su muestra "El batacazo" del "Malbec World Day 2019", que se desarrollará en abril en New York



Desde nuestros orígenes, el vino tiene una profunda impronta en la historia e idiosincrasia argentina, nuestra cultura y tradiciones. Impregnó con su poderoso carácter al icónico tango argentino, en letras que cantan a su noble color, sabor y poesía. Y gracias al gran trabajo e impulso del Malbec argentino llevado adelante por prestigiosos enólogos, empresarios y el propio gobierno nacional, hoy asistimos a un verdadero batacazo, palabra del lunfardo tanguero rioplatense que significa: "Éxito. Triunfo. Acierto. Suceso afortunado y sorprendente".

Es así como el artista visual Jorge Martorell (Tucumán, con sede en Buenos Aires), llamó a esta muestra individual de sus obras de arte, realizadas para celebrar al vino Malbec en su gran fiesta anual: "Malbec World Day 2019", especialmente invitado por el Consulado General de Argentina en New York, a llevarse a cabo el próximo mes de abril 2019.

Martorell utiliza vino para realizar sus pinturas... o mejor dicho "Vinturas", como vector que interrelaciona todos los elementos a través de su paleta, inspirada en conceptos que hacen a la “argentinidad”, a la internacionalización de productos insigneas de Argentina como lo son el vino y el tango. Con esta técnica especial, recorre escenarios internacionales, mezclando la bebida nacional argentina con letras de tangos emblemáticos, en un maridaje perfecto.
Su “arte borracho”, embriagado de vino y la marca del lunfardo, son una nueva visión plasmada en figuras e imágenes vagabundas, algunas veces sacro, otras veces profano, como la vida misma. Tapices de pared, carteles urbanos callejeros, banderas argentinas intervenidas, brocatos de seda, papier colée, marcadores, bordados, acrílicos... todo bajo el tinte inequívoco del vino tinto malbec, dotando a sus trabajos de profundidad, riqueza y sutileza, una verdadera fiesta tanto técnica como emocionalmente.

Es que el malbec argentino es un batacazo y finalmente conquista al mundo. Como lo está haciendo Martorell.

20 de marzo de 2019

H + F - Herlitzka + Faria comienza el 2019 con una muestra de la pionera Margarita Paksa


Margarita Paksa. "Sin título o El avance urbano", 1996, hierro y pasto
 
H + F, Herlitzka + Faria, presenta la exhibición "Un mundo revuelto" que recoge el trabajo de Margarita Paksa, una pionera del minimalismo, el conceptualismo político y el cruce del arte y la tecnología, entre los años 1967 y 2006. 
La muestra, que estará abierta hasta el 24 de abril, se propone abordar los múltiples soportes en los que ha trabajado Paksa a partir de un relato visual vertebrado en sus series.

La modificación en el nombre de la galería se plantea dentro de la evolución de un espacio que fue insertándose en el mercado local e internacional, coordinando su relación estratégica con Henrique Faria Fine Art de Nueva York, apuntando a un trabajo de excelencia en su programación y relación con sus artistas, coleccionistas y público general y poniendo de manifiesto en esta modificación del nombre la representatividad de los socios de la misma.

Margarita Paksa. "Mariposa y bahía labial","Lo decía Kafka", "Polo sur" y "La explosión fue como una salida de sol". De la serie "Dibujos Rorschach", 1983
  
Luego de su consagratoria retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires en 2012, el interés internacional por la obra de Paksa ha crecido en paralelo con el redescubrimiento de un código sutil con el que suturó el abismo que se abrió entre las vanguardias artísticas y políticas a partir del demarcatorio '68. Un mundo revuelto se compone de casi treinta piezas que van desde la escultura en neón, objetos al borde del ready made, dibujos, collages y poesía visual.
Una reflexión de Paksa ilumina la determinación de su mundo estético: “Me preguntaba a mí misma, si luego de los sucesos de mayo del '68 había tenido dificultades para continuar con mi obra, y debo responder que sí las tuve. Tuve un problema ético: ¿qué sentido tenía expresarme con el minimalismo frente al momento de profundas revueltas que estaba viviendo el mundo y el hambre y la miseria imperantes en nuestro país?”. 


Detrás de esa idea se consolidaron sus series Escrituras secretas y Ojos ciegos, trabajos que ponen en entredicho la supuesta neutralidad del lenguaje y que marcaron su regreso a la praxis artística luego de cuatro años de experiencia docente en una villa miseria de La Tablada. A propósito de estas obras, señala Julia Detchon (Universidad de Texas) autora del texto crítico: “hacia 1976 la codificación de mensajes se había convertido no sólo en un problema semiótico, sino también político. Trazados a lo largo de retículas de perillas o ruedas pintadas, sus textos son apenas perceptibles. Los colores puros espectrales y los materiales industriales no conforman frases de protesta. Son una sensación de exasperación, de resignación ante la negación silenciosa de una cultura opresora del «no»”.

Paksa empezó la serie Ojos Ciegos apenas un año después, en 1977, tiempos difíciles para la expresión artística en Argentina. Sobre esta serie que toma como plataforma la cuadrícula constructivista y el alfabeto simbólico de Torres García, Detchon afirma que “organiza un vocabulario de elementos intercambiables: caras enojadas y angustiadas, puños cerrados y manos extendidas, pechos dislocados, televisores, cepillos de dientes, semáforos y ojivas fálicas. Cada uno de estos elementos funciona como un objeto sutil y discreto. Están dispuestos en la página como palabras en una oración, como parte de una enunciación fragmentada y yuxtapuesta. Se trata de una visión más terrible que la suma de sus partes cotidianas”.
 
Margarita Paksa, nacida en 1932, formó parte de Experiencias 67 y Experiencias 68 en el Instituto Di Tella, dos muestras que marcaron un hito en la producción argentina de los 60 y proyectaron la audacia de sus propuestas hacia el futuro, influyendo en la forma en que el arte contemporáneo concibe las relaciones entre el espacio, la obra y el espectador. En Experiencias 67, Paksa exhibió junto a Oscar Bony, Ricardo Carreira, David Lamelas, Pablo Suárez, Edgardo Giménez, Oscar Palacio, Cancela & Mesejean y Juan Stoppani. Su propuesta fue una avanzada de la desmaterialización de la obra de arte. Llamada 500 watts-4.635 ciclos-4,5 kilociclos se trató de un espacio totalmente a oscuras donde el espectador generaba sonidos al ser expuesto a células fotoeléctricas. En la polémica Experiencias 68 Paksa volvió a formar parte de los artistas escogidos por Jorge Romero Brest y presentó una instalación llamada Comunicaciones compuesta por un arenero con las siluetas de dos amantes ausentes y un reproductor wincofón que pasaba un disco con jadeos especialmente grabado y editado para la obra. La toma de posición frente a la acelerada radicalización que vivían el campo artístico y universitario la llevó a involucrarse en Tucumán Arde, experiencia en el cruce del arte conceptual y la participación política.

Margarita Paksa. 
"El arte ha muerto, viva al arte", 1979, neón sobre acrílico cristal 
 
En Un mundo revuelto estas experiencias que definieron la trayectoria de Paksa son continuadas por otros medios como sus apropiaciones del lenguaje publicitario (la escultura de neón El arte ha muerto, viva el arte), el psicoanálisis (su serie de dibujos a partir del test de Roscharch) y el reportaje periodístico (la serie de collages La guerra de Irak). A propósito de esta última, explica Detchon: “estos textos-collages apropian el lenguaje del reportaje periodístico -sólo parcialmente legible en símbolos castellanos, árabes y hebreos- para explorar las varias capas de abstracción que se producen no sólo a través de la confrontación y malentendidos culturales, sino también a través de la violencia que se comete virtualmente y desde la distancia”. El conjunto de obras dispuestas en Un mundo revuelto sostienen la capital importancia de Paksa en las corrientes de vanguardia que prefiguraron el arte contemporáneo y establecen una trama que la define en su singularidad. Su trabajo se define por una tensión poética que lo recorre de principio a fin: ente ética y estética; estructura y ambigüedad, materialidad y metáfora.
 

Paksa ha explorado además el campo del arte digital y la holografía. En 2004 ganó el Gran Premio Salón Nacional en la categoría Nuevos soportes e Instalaciones y también la beca Guggenheim. Fue distinguida en tres oportunidades con el Premio Konex, ganó el primer premio Fortabat de pintura y realizó una residencia en el Banff Centre de Canadá.

Margarita Paksa ha sido elegida para abrir el calendario 2019 de muestras en la galería H+F porque reúne las características que definen la ambición y el propósito de la galería: romper la lanza por el arte latinoamericano de punta y reconocer a sus pioneros y pioneras con muestras de exhaustiva investigación. 

 

Luis Hernández Mellizo. “The place between words”, enciclopedia calada y mesa, de 2018 y “El lugar entre las palabras”, acrílico sobre tela recortada, basada en una ilustración del siglo XIX de Le Breton de la superficie lunar
 
En paralelo a la muestra de Margarita Paksa se inaugura en las salas E y S "El lugar entre las palabras", una serie de trabajos recientes del artista colombiano Luis Hernández Mellizo (Bogotá, 1978). Hernández Mellizo alterna entre Buenos Aires y Bogotá y es una de las figuras clave del arte contemporáneo latinoamericano. 

Luis Hernández Mellizo. "Océano", 2019, libro calado y acuarela
Esta muestra pudo verse antes en Ámsterdam, entre abril y mayo de 2018, y fue el resultado de una residencia de Hernández Mellizo en el BiljmAIR studio, en el barrio de Biljmer. Hernández Mellizo interviene diccionarios y atlas para trabajar en cuestiones que tienen que ver con el desarraigo y la identidad. A través de entrevistas donde indaga acerca de lugares, lenguajes y palabras, el artista intenta establecer un mapa de la multiculturalidad y preguntarse a la vez por su lugar entre ser un turista y un recién llegado a la comunidad. Las palabras clave de esos testimonios son buscadas luego en los libros a los que deconstruye para atisbar ese lugar entre las palabras donde hay algo que no puede ser dicho enteramente.   
 

19 de marzo de 2019

El Centro Cultural Borges presenta la exposición “Silvio Fischbein: obra inconclusa”


Recortes de periódicos y revistas de todas partes del mundo, mapas, cartones, fragmentos de maderas, telas y tejidos, cuentas de collares, puertas, sillas, atriles, teclados de piano y un sinfín de objeto de la vida cotidiana son los elementos con los cuales Silvio Fischbein creó las obras de la espectacular exposición “Silvio Fischbein: obra inconclusa”, que desde el jueves 14 de marzo se exhibe en el Centro Cultural Borges.
Bajo la curaduría de Federico de la Puente, la exhibición se presenta en el marco del lanzamiento de su libro “Silvio Fischbein: Artista Visual 2”, editado por la Pollock–Krasner Foundation y que incluye textos del curador, de María Paula Zacharías y de Laura Regianato. Este verdadero aconteciniento confirma la vigencia de un notable artista visual y director cinematográfico, que fue alumno de Batlle Planas y a quien se distinguió, en Francia con el Premio George Mellies, y en Estados Unidos con la beca de la Pollock–Krassner Foundation en dos oportunidades.
La muestra repasa los 50 años de trayectoria de Fischbein en cruce con su obra última; integrando sus series, en las que se mezclan trabajos escultóricos, instalaciones, videos y ensamblajes de objetos de la vida cotidiana.


Frente a esta diversidad inclasificable, el artista plantea: “Yo no trabajo con pintura, trabajo con colores. Yo no reproduzco objetos, los incorporo”.
Por su parte, de la Puente precisa que “la producción visual y audiovisual de este artista, en definitiva, plantea un diálogo múltiple. El objeto en cuestión se expande, se contrae, se escurre entre quienes deseamos aprehender la totalidad de su sentido. Esta maquinaria toma una gran variedad de formatos y soportes: objetos ensamblados, collages, audiovisuales, instalaciones, textiles, etc.”.
Y continúa: “En las obras visuales, la textura aparece por la acumulación de elementos (materiales y simbólicos). En las piezas audiovisuales encontramos una narración muchas veces fragmentada. Una imagen que nos interpela, lejana a la idea de ventana transparente. El autor utiliza el plano como un soporte de escritura. Fischbein construye, enumera, yuxtapone, juega con el múltiple y la acumulación para recordarnos lo infinito de los sentidos y lo finito en nuestra mirada”.

A su vez, Zacharías afirma en el libro: “La composición, el color, pero también la trama y la textura son los elementos principales en sus trabajos. Hay una manera de pintar sin gesto, sin pincel, a través de la disposición de los elementos que Fischbein atesora y ordena. (…) Disfruta el hacer. En sus entretejidos, en su laboriosa configuración, en la cuidada terminación, en la paciente espera de toda obra, ahí está su expresión. En el amor con que junta, clasifica y dispone, recorta y fija, protege, enmarca. Y así, con acumulaciones de diminutas figuras escogidas, Fischbein ha delineado un lenguaje con el que habla en su propio estilo. Su obra es reconocible y claramente suya”.

Mientras que Regianato afirma que “La línea de fuga principal que atraviesa toda su producción parece ser una dialéctica de las preguntas, interrogaciones que nos afectan y vinculan no sólo para generar otros lazos entre artista-obra-públicos sino también, y de forma más urgente, para conectar su obra-cuerpo entre diáspora y regiones en una memoria poblada de reminiscencias; entre recuerdos objetuales y modos de producción; entre realidades y sueños que la mantienen conectada a una matriz que crea sentido”.

Silvio Fischbein nació en 1949 y se graduó como arquitecto y planificador urbano en la Universidad de Buenos Aires. Fue profesor titular regular de diseño audiovisual, FADU, UBA y profesor titular ordinario de realización en la Facultad de Arte, Universidad del Centro. Actualmente es profesor consulto de la Universidad de Buenos Aires. Fue director de la carrera de diseño de imagen y sonido, FADU – UBA, donde creó y dirigió La Fábrica Audiovisual.
En la actualidad es subsecretario de cultura de la FADU – UBA. Asimismo, es presidente de AAVRA, Asociación de Artistas Visuales de la República Argentina.
Como director cinematográfico realizó 30 cortometrajes, 2 vídeoartes y 5 largometrajes de ficción. Obtuvo el Premio George Meliès, año 1984. En 2015 se editó el libro “Silvio FISCHBEIN – Artista visual”, financiado por la Pollock–Krasner Fundation.
El consagrado maestro del diseño Ricardo Blanco dijo sobre Fischbein: “En momentos del arte actual, en los cuales los artistas dan por terminadas sus ‘preguntas’ muy rápidamente, percibir una obra con expectativa positiva, es muy enriquecedor para el observador”.

La exposición permanecerá hasta el jueves 4 de abril y se puede visitar de lunes a sábados de 10 a 21 hs. y domingos y feriados de 12 a 21 hs. en el Centro Cultural Borges, Viamonte 525, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

18 de marzo de 2019

El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori presenta la exposición "Silvia Torras. Resplandor. 1960-63"


El miércoles 20 de marzo a las 18 hs. inaugura en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori la exposición "Silvia Torras. Resplandor. 1960-63".

Se exhibirán alrededor de 40 pinturas de la década del 60 acompañada de importante material de acervo. Silvia Torras gran creadora catalana que actúo un breve lapso en nuestro país y que ha sido olvidada por la historiografía local. Participó del movimiento informalista. A decir de la curadora Florencia Qualina su pintura es extática, dionisíaca, como si hubiera sabido que iba a contrareloj y se agotaría pronto.
La muestra se puede visitar hasta el 17 de junio de 2019 en Av. Infanta Isabel 555, frente al Rosedal de Palermo.

14 de marzo de 2019

Arte x Arte - Fundación Alfonso y Luz Castillo presenta "Carlos Saura. Imágenes & Ausencias"


A partir del sábado 16 de marzo se exhibe en Arte x Arte Fundación Alfonso y Luz Castillo “Carlos Saura. Imágenes & Ausencias”, con curaduría de Antonio Fernández Ferrer.

Esta muestra conmemora la trayectoria del cineasta español Carlos Saura, no solo en su rol de director sino también su intensa y continuada labor en otros territorios artísticos tales como la fotografía, la novela, la pintura o la dirección escénica.

Como quien no quiere la cosa, Saura señala: “Siempre me ha gustado dibujar y pintar. Mis dibujos se acumulan en carpetas desde hace años. Simultáneo este entretenimiento con la fotografía, a la que le he dedicado y dedico muchas horas. Además, mi vida transcurre escribiendo textos y guiones para las películas que voy a dirigir, alguna obra de teatro, varias novelas… y escuchando música”.

En la primicia que ahora se inaugura, con inicio en Buenos Aires, imágenes y ausencias se traban inextricablemente en múltiples sentidos: la novela Ausencias presagia una película todavía (¿hasta cuándo?) ausente; los llamados Fotosaurios construyen obras sobre la dialéctica presencia-ausencia de la imagen fotográfica que subyace debajo de los vigorosos trazos de color. En definitiva, la visita misma a la exposición supone acceder a un muestrario que parte de posibles lecturas (previas o posteriores, pasadas o futuras) de una obra ausente pero materializada en llamativas presencias.

La muestra podrá visitarse hasta el 26 de abril, de martes a viernes de 13.30 a 20 hs. y los sábados de 15 a 19 hs. en Lavalleja 1062, Buenos Aires, Argentina.

Salón Internacional de Escultura Contemporánea en el Centro Cultural Borges


Monique Rozanes 
 
El Centro Cultural Borges será la sede del Salón Internacional de Escultura Contemporánea, del 14 de marzo al 7 de abril. Con la curaduría de Susana Araujo y Alicia Cunto, se presentan artistas de Brasil, Chile, Uruguay, Estados Unidos y Argentina.
Un evento en el que podrán verse todas las técnicas que aborda la escultura: el mármol, el granito, el bronce, el hierro, la madera, las telas, la piedra, el neón, el vidrio, las instalaciones, la cerámica, el poliéster, el alambre, el papel y la chatarra, por mencionar solo algunos de los elementos.
 
Leonardo Gotleyb, Hipopótamo
 
Las obras escultóricas se expresan mediante formas sólidas, reales, volumétricas; ocupan un espacio tridimensional; tienen alto, ancho y profundidad, por lo que el volumen y bulto puede tocarse, rodearse y verse desde cualquier ángulo. Los elementos plásticos más importantes de la escultura son forma, espacio, línea, material, textura y últimamente, en algunos casos, el movimiento real. Para la creación de una escultura se puede usar cualquier material, siempre que otorgue al artista la capacidad de crear formas.
 
Cristina Santander, Ânge du Cadran
 
"En este Salón Internacional de Escultura Contemporánea hemos tratado de tener representantes de todas las técnicas ya que las variaciones son infinitas y queremos mostrar la versatilidad de nuestros artistas" expresan las curadoras.
La Plaza de las Artes será la Plaza de los Maestros, con obras de Claudia Aranovich, Nora Correas, Marina Dogliotti, Gustavo López Armentía, Monique Rozanes, Cristina Santander, Beatriz Soto García, Caciporé Torres y Leo Vinci.
 
Antonio Espinosa
 
El resto de los artistas participantes son:  María Agustina Bainotti, Marcelino Barrau, Claudia Belou, Juan Brambiya, Laura  Butera, Fanny Chateauneuf, Eduardo Chiacchio, Ana María Cortés, Teresa Delfino, Madeleine Engels, Karina Escalante, Nilda Fernández Uliana, María Eugenia Fernández Varela, Domingo Florio, Xavier Fontenla, Mónica  Fuksman, Alejandra Gavio, Silvia Gómez, Leonardo Gotleyb, Solange Heilentokker, María Teresa Lattes, Lagloria, Maitemazz, Cristina Martinelli, Paula Morgan, Adriana Omahna, Marilú Ortiz De Rozas, Luis Pazos, Daniel Penzutti, Lilia Perrone Carrillo, Humberto Poidomani, Lucía Porto, Stella Redruello, Gonzalo Sánchez, Damián Sondereguer, Laura Speroni, Antonio Spinosa y María José Villafañe.

11 de marzo de 2019

ARTEBA 2019: la edición 28 de la feria con fecha y formato renovado, se realizará en La Rural en abril


Del 11 al 14 de abril en La Rural, arteBA 2019 presentará una nueva edición de la feria anual de arte contemporáneo en Buenos Aires. La edición número 28 estrenará este año fecha y formato de exhibición, con un layout completamente renovado que dará mayor autonomía e identidad a cada una de sus distintas propuestas. La Feria reunirá a unos 400 artistas, representados por más de 80 galerías de más de 25 ciudades del mundo, y ofrecerá un nuevo programa de charlas y actividades complementarias que ampliará el marco de referencia de la producción local con destacadas presencias de la escena del arte de distintas latitudes.

El diseño de la feria para esta edición propone una organización de sus contenidos concentrada en dos sectores autónomos que jerarquizan la experiencia y los públicos específicos de cada uno, promoviendo nuevos diálogos y recorridos.

El clásico Pabellón Azul, en el acceso central, estará dedicado pura y exclusivamente a las galerías de mayor trayectoria que integran la Sección Principal/Stage Irsa, seleccionadas estas por Eduardo Brandão (galerista de Vermelho, San Pablo), Ana Castella (actual jefa de desarrollo del Museo Tamayo y organizadora de Condo México 2018, Ciudad de México), Henrique Faria (galerista de Henrique Faria New York / Buenos Aires), Florencia Malbran (curadora independiente, Buenos Aires), y Julián Mizrahi (galerista de Del Infinito, Buenos Aires); y compartirá el espacio con Cabinet, cuya selección estuvo a cargo de Carla Acevedo-Yates (curadora asociada en el Eli and Edythe Broad Art Museum de Michigan), Florencia Malbran y Sharon Lerner (curadora de arte contemporáneo en el Museo de Arte de Lima-MALI); Solo Show Zurich curado por José Luis Blondet (curador de proyectos especiales en LACMA, Los Ángeles) y la nueva sección internacional de arteBA, Cardinal Site, cuyas galerías han sido convocadas por distintos art ambassadors invitados, entre ellos, Abaseh Mirvali, Patrizia Sandretto, y Mercedes Vilardell.

Galería Hache: Diego Figueroa, “Los jardines de Mi reina 4”, pintura, 2018

Además, y como otra novedad de esta edición, se ofrecerá el marco arquitectónico singular y autónomo del Pabellón de Equinos de La Rural para las áreas expositivas dedicadas a la producción joven, las publicaciones y los espacios institucionales, lo que refuerza el sentido de estas secciones como puerta de entrada al mundo del arte para entusiastas, nuevos coleccionistas y público en general. Entre ellas, Utopia Bombay, inédita sección joven de la feria, curada por Alejandra Aguado (curadora, Buenos Aires) y Carlos Herrera (artista y gestor independiente, Rosario), con un renovado programa de participación y exhibición (similar al que tuvieron las dos ediciones de arteBA Focus en Arena Studios), y una actualizada versión de la plataforma editorial de la feria: la Isla de Ediciones - Fundación Proa con selección y coordinación de Agustín Diez Fischer (Fundación Espigas / Centro de Estudios Espigas TAREA-IIPC – UNSAM). La coordinación de la Sección de Independientes estará a cargo de Pulso – Panorama de publicaciones independientes.

Así, esta edición de arteBA 2019 articulará, con diversas propuestas, el interior y el exterior de los pabellones de La Rural invitando al público a participar de una semana de arte en Buenos Aires.

Galería Centro de Edición: Cristina Hauk, “Cut Cut 013”, técnica mixta, 2018
 
Galerías participantes:
55SP / San Pablo, 80M2 Livia Benavides / Lima, Abra / Caracas, Acéfala / Buenos Aires, Aldo de Sousa / Buenos Aires, Alejandro Faggioni-Estudio de Arte / Buenos Aires, Arróniz Arte Contemporáneo / Ciudad De México, Atocha / Buenos Aires, Barro Arte Contemporáneo / Buenos Aires, Bendana | Pinel Art Contemporain / París, Bonita Galería / Buenos Aires, Carmen Araujo Arte / Caracas, Casa Quién / Santo Domingo, Casa Triângulo / San Pablo, Central Galería / San Pablo, Centro de Edición / Buenos Aires, Constitución / Buenos Aires, Cosmocosa / Buenos Aires, Del Infinito / Buenos Aires, Del Paseo / Punta del Este – Lima, Die Ecke Arte Contemporáneo / Santiago de Chile, Diego Obligado Galería de Arte / Rosario, El Gran Vidrio / Córdoba, El Mirador / Buenos Aires, Espositivo / Madrid, Gachi Prieto / Buenos Aires, Galería Ángeles Baños / Badajoz, Galería Nac / Santiago de Chile, Galería Nora Fisch / Buenos Aires, Galería Rubbers Internacional  /  Buenos   Aires,   Galería   van   Riel   /   Buenos   Aires,  Galería   Xs   /   Santiago   de   Chile,   Galerie   Jocelyn   Wolff   /  París,

Bonita Galería: Verónica Palmieri, “Este”, pintura, 2019
 
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8 de marzo de 2019

"Stellaria", una exposición de Patricia Miani en Patagonia flooring


Grace Grisolia -coordinadora de la muestra-, María Pía Cardoso Magri -presidente de la Fundación Patagonia Flooring- y Patricia Miani
Patricia Miani está presentando la exposición "Stellaria" en la Fundación Patagonia Flooring de Buenos Aires (Av. Córdoba 3942, CABA) hasta el 31 de marzo de 2019.

La arquitecta Mercedes Mas escribió el siguiente texto para la exposición:

"La mirada en lo ingrávido

En el camino de la expansión pictórica, Patricia Miani nos convoca una vez más para apropiarnos de su mirada sobre el mundo natural.
A través de Stellaria, recientemente expuesta en el Grand Palais de Paris, nos invita a la contemplación de un universo ingrávido y sutil, dando paso a toda una celebración de la naturaleza.
El medio ambiente y su fragilidad, lo efímero. El espacio arquitectónico modificado haciendo uso de la transparencia de manera contundente.
Así como un prisma descompone la luz en el espectro del arco iris, la obra se desfragmenta en múltiples juegos de colores, miradas, escalas y aproximaciones.
Nos sorprende a medida que nos acercamos. La sutileza se transforma en fuerza pictórica en cada pequeña pieza como si fuera una joya que no se puede apreciar plenamente si no es en el detalle de la aproximación.
Despliega el vacío y lo hace protagonista: vacío y silencio, dos elementos que hoy parecen imposibles en nuestro vertiginoso mundo diario.
La artista se adueña también del tiempo, del instante, como si atrapara un soplo de viento.
Tal como a la Alicia de Lewis Carroll, Stellaria le susurra a nuestro niño interior que abandonemos por un momento lo rutinario para volver a lo lúdico, a la fantasía de un mundo imaginario donde cualquier cosa es posible, incluso, atrapar un instante.
Y del mismo modo en que el conejo blanco le pregunta a Alicia: ¿cuánto tiempo es para siempre?
- A veces, solo un segundo."

Patricia Miani nació en la ciudad de Buenos Aires y es egresada de la Universidad Nacional de las Artes (UNA) donde realizó la carrera de licenciatura en artes visuales con orientación en pintura y luego un posgrado de especialización en medios y tecnologías para la producción pictórica. Asistió a clínica de obra con Pablo Siquier, Carlos Bissolino, Esteban Álvarez, Fabiana Barreda y Florencia Braga Menéndez.
Realizó residencias artísticas en Grecia, España y Francia. Participó del LIPAC 2010/Rojas-UBA y obtuvo la beca grupal del Fondo Nacional de las Artes de la ciudad de Buenos Aires. Recibió el premio Art in Design 2011 y ejerció la docencia en el departamento de arte de la Universidad Nacional de Lanús. Realizó la primer obra en colaboración con la Universidad de Tecnología de Troyes en Francia. Sus dos tesis, La pintura expandida (grado) y Hacia afuera de la bidimensión pictórica (posgrado), han sido publicadas a través de la Ley de Mecenazgo de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y declaradas de Interés Cultural en los términos de la Ley 2264.
Entre sus muestras individuales se destacan: Embajada Argentina en Paris (Francia), Museo Villa Carlotta (Lombardía, Italia), Museo de Bellas Artes de Pergamino (Buenos Aires, Argentina), Pabellón de las Artes de la Universidad Católica Argentina (Buenos Aires, Argentina), Galería Mar Dulce (Buenos Aires, Argentina). Participó en numerosas exposiciones grupales entre las cuales se encuentran: Art Capital 2019 (Paris, Francia), Bienal de Florencia 2017 (Florencia, Italia), Casa Argentina en Paris (Francia), Museo del Jardín Botánico Carlos Thays (Buenos Aires, Argentina), Casa de la provincia de San Luis (Buenos Aires, Argentina), Centro de arte Camac (Marnay sur Seine, Francia), Centro de Arte Contemporáneo La Casona de los Olivera (Buenos Aires, Argentina), Columbia College Chicago (Illinois, EEUU), Universidad de West England (Bristol, Inglaterra), Aeropuertos Argentina 2000 (Córdoba, Argentina), Academia de Arte de Hangzhou (Hangzhou, China).
 

6 de marzo de 2019

En marzo Casa Naranja presentará una exposición de Leandro Erlich


Single Cloud

 

A partir del 14 de marzo, en Córdoba podrá disfrutarse de una selección inédita de las obras más representativas de Erlich, enmarcadas en el arte conceptual. La exhibición incluirá instalaciones y esculturas de gran formato, algunas realizadas especialmente para este espacio. El público podrá habitarlas y recorrerlas, cuestionando lo que se ve en un juego de perspectivas, proyecciones y reflejos.
 

Window & Ladder

Con esta propuesta, Casa Naranja invitará a sumergirse en una experiencia que desafía los límites entre lo real, la ilusión y la ficción. En palabras de Erlich “Me interesa el arte como una herramienta de integración, de acción, de vinculación, me interesa generar proyectos en los que el arte escape a las fronteras de los centros convencionales de exhibición y se imbrique en el orden de lo cotidiano”.

Como novedad para este año, Casa Naranja producirá un ciclo de música en vivo en alianza con Cadena3, por el que pasarán artistas de primer nivel. El lanzamiento se realizó el pasado 25 de enero con un exclusivo show de La Sole.
  

Leandro Erlich portrait, copyright Guyot

Leandro Erlich es uno de los artistas contemporáneos argentinos más reconocidos en el mundo. Nacido en 1973 en Buenos Aires, ha representado a la Argentina en la Bienal de Venecia en dos oportunidades (2001 y 2005), y exhibido sus obras en importantes eventos y museos de todo el mundo. En Buenos Aires se han podido ver algunas de sus impactantes instalaciones en el espacio público, como la recordada intervención de 2015 en la que le “quitó la punta” al Obelisco porteño mediante un juego de espejos.


1 de marzo de 2019

129° aniversario del nacimiento de Benito Quinquela Martín: en 2019 renace el artista argentino más popular


El 1º de marzo se conmemora el aniversario 129° del nacimiento de Benito Quinquela Martín, el artista plástico argentino más popular. Y a 42 años de su fallecimiento, su amado barrio de La Boca lo recuerda como el ilustre pintor que le dio vida y logró darlo a conocer al mundo.

Benito Quinquela Martín
 
Este 2019 será ‘quinqueliano’; ese legado estará muy presente, de forma popular, ya que la gente -y las nuevas generaciones- tendrá una oportunidad para redescubrir al célebre exponente de las artes plásticas: el destacado cineasta, Juan Bautista Stagnaro hará una película basado en su vida y obra. Además, el arte de Quinquela volvió a los Estados Unidos (tras 91 años sin exhibirse allí de manera oficial) con la muestra Edición limitada y coleccionable de giclées, obras seleccionadas y certificadas por la Fundación Benito Quinquela Martín, durante la semana de Art Basel -diciembre 2018-, de Art Palm Beach y Art Palm Springs (ambas este año en enero -Miami- y febrero -California-, respectivamente) a través de la Irazoqui Art Gallery.

En el plano social se destacan los talleres educativos y abiertos en escuelas, para público infantil/juvenil. Sin embargo, estos son solo algunos de los proyectos que se realizarán este año, junto a otros también relevantes pero que aún están en etapa de producción.
Para la Argentina, Quinquela fue un maravilloso artista que la representó carismáticamente en todo el mundo, aún la representa, y para quienes lo conocieron fue un ser humano admirable: sensible, humilde, con el alma y el corazón abiertos, dispuesto a dar todo por los más necesitados. Según su familia, quienes continúan el camino de la puesta en valor de su obra pictórica y humanitaria, a través de la Fundación Benito Quinquela Martín, por la difusión de su obra pictórica y la ayuda social, él es “un ser angelado que nos ha dejado una gran inspiración, una tarea ardua pero placentera y un largo camino por recorrer”.
Por todo ello, Benito está más vivo que nunca y así lo recordamos en un día como hoy pero de hace 129 años, nació signado para dejar huella en la historia de la cultura y el arte argentinos. No solo con su obra sino también con su generosidad, talento y virtud -tanto en lo profesional como en lo humano-.

Murales cerámicos en el espacio público
Hoy, el Museo Benito Quinquela Martín, inaugura nuevos murales cerámicos en el espacio público con reproducciones de distintas obras de la colección. Así, nuevamente el patrimonio del museo sale a las calles de su aldea para disfrute de todos, emplazándose en el mismo paisaje cultural que lo representa. 
Mienttras, el sábado 2 de marzo a las 13 hs. se inaugura la exposición “Quinquela lado B” donde se exhibirán dibujos totalmente inéditos, bocetos de los murales de la Escuela “Pedro de Mendoza” y algunas matrices utilizadas para la realización de sus grabados junto a óleos y fotografías del archivo del MBQM. Esta será una oportunidad para descubrir al gran dibujante y grabador que también fue Quinquela.
Durante la inauguración, se presentarán piezas musicales inéditas que grandes compositores argentinos dedicaron a Quinquela Martín. Por primera vez, estos tangos serán interpretados y compartidos para el disfrute de todos.

Los festejos conmemorativos que empiezan dentro y fuera del museo, continuarán a lo largo de todo el mes de marzo, con varias actividades y talleres que convocarán a vecinos, organizaciones e instituciones para celebrar un nuevo cumpleaños del “prócer boquense” por antonomasia.
Especialmente el sábado 23 de marzo se realizará una nueva barrileteada donde todos podrán sumarse con su propio barrilete para remontar los cielos que tantas veces fueron retratados por el artista boquense.