16 de septiembre de 2021

Llega al Museo Nacional de Bellas Artes la artista conceptual coreana Kimsooja como parte de la BIENALSUR

Andrés Duprat (frente al micrófono), Aníbal Jozami y Diana Wechsler, junto con el director del Centro Cultural Coreano en la Argentina, Cho Moonhaeng, y autoridades de Amigos del Bellas Artes.

El Museo Nacional de Bellas Artes exhibe, del 17 de setiembre al 21 de noviembre, la muestra “Kimsooja. Nómada”, que presenta por primera vez en Buenos Aires la obra de la artista coreana Kimsooja (1957, Daegu, Corea del Sur), referente internacional del arte conceptual multimedia y del videoarte, como parte de la tercera edición de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo del Sur (BIENALSUR).

La práctica de Kimsooja combina performance, video, fotografía e instalaciones de sitio específico utilizando textiles, luces y sonido. En muchos de sus trabajos, recupera las acciones cotidianas de las mujeres de la sociedad coreana, sus objetos, usos y costumbres.

 Kimsooja. Cities on the Move - 11633 KM Bottari Truck [Ciudades en movimiento - 2727 km Camión Bottari], 1998-2001
 
Con la curaduría de Diana Wechsler, directora artística de la bienal, la exposición reúne fotografías, instalaciones, objetos y videos de la creadora coreana, donde los bottaris -bulto constituido por una manta colorida tradicional de su país, que envuelve una selección breve de objetos significativos para sus poseedoras- son omnipresentes.
Sobre la instalación con bottaris, la curadora analiza: “Cada uno de ellos es una versión condensada del mundo, de un mundo singular, íntimo, encerrado o cobijado –más bien– por una manta que envuelve, protege y oculta a la vez un conjunto de objetos necesarios con los que la noción de “necesidad” se podría redefinir en el encuentro de cada uno de ellos o en la imaginación de todos los que los observamos”.


Kimsooja, Cities on the Move - 2727 KM Bottari Truck. Fotografía, 1997-2009

Además, se proyectará sobre una pared de la sala su emblemática “Mujer aguja”, video estrenado en el CCA Kitakyushu en 1999. En el audiovisual, Kimsooja, de espaldas a la cámara, aparece en Tokio, Shanghái, Delhi, Nueva York, Ciudad de México, El Cairo, Lagos, Londres, Patan y Nepal, lugares de conflictos irresueltos que la artista trata de sanar metafóricamente mediante la aguja.
Según explica Wechsler, el trabajo de Kimsooja -quien se define como “nómada”- “transita fluidamente entre espacio y tiempo en busca de captar o ponerse frente/en/entre realidades diversas”. “Observar serenamente en medio de la multitud le ofrece la posibilidad de «sentir empatía por la humanidad» a la vez que la acerca a «captar la esencia de lo efímero de la realidad humana»”, agrega.

Siguiendo los ejes curatoriales “Tránsitos y migraciones” y “Modos de habitar”, la exposición del Bellas Artes se suma a los otros dos capítulos que componen el proyecto “Kimsooja en Buenos Aires” de BIENALSUR, con curaduría de Wechsler, que busca establecer enlaces, nuevos sentidos, y empatizar con y en diferentes culturas y sociedades: el “Capítulo 1: Kimsooja. El encuentro con el otro”, que se inauguró el 10 de setiembre en el MUNTREF sede Hotel de Inmigrantes, y el “Capítulo 3: Kimsooja. Una experiencia interior”, que podrá verse desde el 21 de septiembre en el Centro Cultural Coreano.

BIENALSUR 2021 se desarrolla de manera simultánea en más de 124 sedes, 23 países y 50 ciudades del mundo, con la participación de alrededor de 400 artistas. Más información: https://bienalsur.org/es.
 
La artista coreana Kimsooja. Fotografía: Bryan Tatcher, por cortesía de More Art and Kimsooja Studio

Kimsooja es una reconocida artista conceptual y multimedia nacida en Daegu, Corea del Sur, en 1957. Su trabajo combina performance, producciones audiovisuales, fotografía e instalaciones de sitio específico realizadas con textiles, luces y sonidos.

Articulando lo conceptual con la esfera de la experiencia, sus producciones buscan despertar la autoconciencia y la conciencia del ser con otros. La artista investiga temas vinculados con la condición humana, al tiempo que aborda cuestiones como la estética, la cultura, la política y el medioambiente.
 
Su principio de "no hacer" -que responde a una investigación conceptual y estructural sobre la acción a través de la movilidad y la inmovilidad- invierte la noción del artista como actor predominante. El trabajo de Kimsooja propone cuestionarnos la propia existencia, el mundo y los grandes desafíos de la época.

Ha expuesto en centros de arte internacionales como el MoMA PS1, Museo Reina Sofía, Centre Pompidou Metz, Guggenheim Museum Bilbao, Museum of Modern Art Saint-Etienne, Kunstmuseum Palast Dusseldorf, PAC Milan, ICC Tokyo y MMCA Seoul. Ha participado de las Bienales de Venecia y San Pablo, entre otros prestigiosos espacios.
Actualmente, vive y trabaja en Seúl, Nueva York y París.

La muestra se exhibe en la sala 33 del MNBA, Av. del Libertador 1473, Ciudad de Buenos Aires. Puede visitarse, con entrada gratuita, en los horarios del museo: jueves a domingo, de 11 a 18 hs., solo con turno previo gestionado en https://www.bellasartes.gob.ar/paginas/planea-tu-visita/.
 

2 de septiembre de 2021

Abrió al público el Salón Nacional de Artes Visuales 2020/21

A partir del 2 de septiembre, se podrán ver 266 obras seleccionadas y ganadoras en el Centro Cultural Kirchner y la Casa Nacional del Bicentenario

A partir del 2 de septiembre, el Ministerio de Cultura de la Nación junto al Palais de Glace - Palacio Nacional de las Artes, con la colaboración de la Secretaría de Patrimonio Cultural; la Dirección Nacional de Museos; la Casa Nacional del Bicentenario y el Centro Cultural Kirchner, presenta la exposición de la 109.ª edición del Salón Nacional de Artes Visuales. La exhibición reúne 266 obras, 162 se exponen en Casa Nacional del Bicentenario y 104 en el Centro Cultural Kirchner.
El Jurado de premiación estuvo integrado por Diana Dowek, Daniel Fischer, María Amalia García, Marcela López Sastre y Diego Perrotta. 

 “Trabajadoras” de Gabriela Golder

Durante la ceremonia celebrada el 1º de setiembre en el Centro Cultural Kirchner se dieron a conocer las veintisiete obras premiadas:

Premio adquisición Presidencia de la Nación a la primera mejor obra del Salón Nacional de Artes Visuales: “Trabajadoras” de Gabriela Golder.
Premio adquisición a la segunda mejor obra del Salón Nacional de Artes Visuales: “Oriel” de Jorge Mónaco.
Premio adquisición a la tercera mejor obra del Salón Nacional de Artes Visuales: “La intuición” de Ana Benedetti.

Premios no adquisición a las tres mejores obras de cada una de las ocho categorías:

Escultura: “El plurente” de Nushi Muntaabski, “Get out” de Martín Di Girolamo y “Testimonios” de Andrés Paredes.
Mención Especial del Jurado: “Lluvia plateada” de Luciana Lamothe, “El equilibrio de la señora Miyuki” de Mónica Canzio y “Sin título” de la Serie “Trauma” de Lucía Pellegrini.

 “Oriel” de Jorge Mónaco
 
Instalaciones y Medios Alternativos: “Retard” de la serie “Momentum” de Silvia Rivas, “Fortuna material” de Eugenia Calvo y “Apropiaciones invertidas: Kevin Royk x Queen Cobra” de Queen Cobra.
Mención Especial del Jurado: “Ensayo para 11 fragmentos” de José Luis Landet, “Intemperie” de Vivi Blanco, “ADNI” de Andres Knob y “Tirar de la manta (descubrir lo que había de interés en mantener el secreto)” de Paola Sferco.

Grabado: “WoW” de Lulú Lobo, “Horas y espadas” de Adrián Sosa y “Los perros de la resistencia” de Ezequiel Verona.
Mención Especial del Jurado: “Los Benjamines” de Esteban Alvarez.

Dibujo: “Coordenadas de una aproximación alquímica” de Cynthia Kampelmacher, “Ahora del fantasma de Hamlet soy yo” de Lux Lindner y “Sin título” de Lucas Bragagnini.
Mención Especial del Jurado: “La postal, la casa Daneri, la bienal” de Amadeo Azar, “Diario” de Diego Bastos, “Sin título” de la serie “Vueltas por el Universo” de Miriam Peralta y “Humedad” de Magdalena Rantica.
 
“La intuición” de Ana Benedetti

Pintura: “El Pandenauta” de Alejandra Fenochio, “Jarrón con flores sobre fondo amarillo” de Daniel García y “Sin título” de la serie “Una casa en llamas” de Leila Tschopp.

Mención Especial del Jurado: “Humedales” de Florencia Fraschina, “Relaciones carnales en el Salón Oval” de Franco Fasoli y “This song goes like this BBBZZZZ” de Fernando Sucari.

Cerámica: “1007 cuentas” de Débora Pierpaoli, “Ura Callu - La lengua de Abajo” de Florencia Califano y “Mi mamá abanderada, mi papá en Atenas” de Rosalba Mirabella
Mención Especial del Jurado: “Tapiar Recoleta (French 2685)” del proyecto “Tapiar Buenos Aires” de Ignacio Unrrein y “Bajo Pueblo” de la serie “Cultura Proletaria” de Manuel Sigüenza.

Fotografía: “Objetos Memorables” de Viviana Zargon, “Madre” de Kenny Lemes y “La toma” de Rodrigo Sebastián Etem.
Mención Especial del Jurado: “Densidad orgánica mutante” de Manuel Antonio Fernandez, “asdasdas” de María de los Ángeles Peña, “Siete hipótesis sobre una desaparición” de Jesú Antuña y “Salón de eventos #10” de Florencia Blanco.

Textil: “Origen flujo derrame amarillo sombra fuga estoica colapso” de Guillermina Baiguera, “Sin título” de Yaya Firpo y “ÑANDU-JOUY” de Lia Porto.
Mención Especial del Jurado: “Jardinero y Kunko” de Alejandro Bovo Theiler, “La Meriendita” de Nina Kunan y “Metra-Corpiño Matilde, modelo covid 2020 de Co.Co.Pi. (Comando Corpiño Piquetero)” de Piquetera.

En la ceremonia también se destacó a los ganadores del Premio Nacional a la Trayectoria Artística: Anahí Cáceres, Alicia Herrero, Leandro Katz, Alina Neyman, Luis Pazos, Alfredo Prior, Norberto Puzzolo y Dalila Puzzovio.

Las obras adquisición integrarán la colección de arte del Palais de Glace.
El Salón Nacional de Artes Visuales es un certamen que se realiza de manera ininterrumpida desde 1911. Desde 2018, este concurso nacional garantiza la paridad de género en la selección y premiación de obras.
En esta 109.ª edición se inscribieron 2942 personas al Premio Salón Nacional de Artes Visuales, un número récord en la historia del concurso.
 
La exposición se puede visitar de acuerdo al siguiente detalle:
Centro Cultural Kirchner;
 del 2 de setiembre al 15 de octubre de 2021, de miércoles a domingo de 14 a 20 hs.
 en Sarmiento 151, CABA .
Visita con reserva previa en https://cck.gob.ar/.

Casa Nacional del Bicentenario: del 2 de setiembre al 31 de octubre de 2021 de jueves a domingo de 15 a 19 hs. en 
Riobamba 985, CABA.
 Visita sin reserva previa: ingreso por orden de llegada hasta completar el aforo de las salas de exposición.

31 de agosto de 2021

Vuelve el Han Cine. El tradicional festival de cine organizado por el Centro Cultural Coreano regresa, esta vez en forma virtual


Del 6 al 26 de setiembre se realizará la octava edición del Han Cine - Festival de Cine Coreano, organizado por el Centro Cultural Coreano (CCC) en Argentina, que nuevamente se realizará en forma online en conjunto con el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) a través de su plataforma Cine.Ar Play (https://play.cine.ar/) y como parte de sus actividades en camino hacia la 36° edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. La programación estará disponible con el soporte técnico de ARSAT, de forma gratuita y sin restricciones para todo el territorio argentino, con 13 películas exclusivas que muestran el panorama de una de las industrias de cine más potentes del planeta.

El Han Cine es el primer festival en Argentina dedicado exclusivamente al cine coreano, y presenta en su programación la diversidad de producciones contemporáneas con el objetivo de facilitar al público el acceso a un cine producido del otro lado del mundo. 

 “Sueño prohibido” (Corea del Sur, 2019) Dirección: Hur Jin-ho

La octava edición del Han Cine permitirá ver largometrajes de distintos géneros y estilos, desde comedias románticas y dramas, hasta films de acción, animación y cine independiente. Entre las películas que componen esta edición está la más vista en Corea durante 2020, "El hombre del presidente", y dos films de época: "Sueño prohibido", con los reconocidos actores Choi Min-sik (Oldboy, El Almirante, entre otros) y Han Suk-kyu (El sastre del Rey, The Berlin File, etc.), y el drama "El libro de los peces", también basado en personajes históricos, como los dos films antes mencionados. 

 "Blues del Año Nuevo" (2021). Dirección: Hong Ji-Youn

Esta edición cuenta con fuerte presencia de directoras coreanas, que dirigen cuatro largometrajes de la programación. "La casa del colibrí", un drama que involucra la entrada en la adolescencia y las formas de relacionarse con los demás. "Hermanos en una noche de verano (Moving On)", ganadora del premio del jurado en la última edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. "Blues de año nuevo", un film que tiene varias escenas filmadas en Buenos Aires y las Cataratas del Iguazú, con gran participación argentina en la producción. Y "Kim Ji Young: nacida en 1982", película basada en el libro homónimo best seller en Corea y que es una referencia del movimiento feminista de ese país.

El director de culto Hong Sang-soo regresa al
Han Cine con "La mujer que escapó", premiada con el Oso de Plata a mejor director en la Berlinale 2020. También se podrán ver la taquillera comedia de acción "Hitman: agente secreto" y el thriller "Lluvia de acero: la cumbre", dos éxitos con estrellas de la pantalla surcoreana.  

 “Nadando al mar” (Corea del Sur, 2012) Dirección: Lee Dae-hee

Completan la programación el film de animación "Nadando al mar", el drama "Lady Baco", protagonizado por Youn Yuh-jung, actriz ganadora del Oscar, y algo de acción y suspenso a la coreana con "El gángster, el policía y el diablo", que cuenta en el reparto al carismático actor Don Lee.

Las películas del
Han Cine se podrán ver bajo modalidad de “video on demand” (VOD) a través de Cine.Ar Play (https://play.cine.ar/) hasta el domingo 26 de setiembre de forma libre y gratuita, sólo para espectadores en territorio argentino. Además, en las redes del CCC se realizarán sorteos, muestras virtuales y charlas especiales, entre otras actividades paralelas.  

  “Kim Ji-young: nacida en 1982” (Corea del Sur, 2019) Dirección: Kim Do-young

El festival es organizado por el Centro Cultural Coreano de la Embajada de la República de Corea y es recibido por el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, a través de la plataforma Cine.Ar Play y del Complejo Gaumont, con el apoyo del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), del Korean Film Council (Kofic), del Festival de Cine Independiente de Seúl, del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), y el soporte técnico de ARSAT.

 

18 de agosto de 2021

FOLA exhibe la muestra de Abraham Votroba "No me olvides"

 
Desde el jueves 19 de agosto el artista visual Abraham Votroba presenta su trabajo en la Fototeca Latinoamericana (Fola).

El artista nació en 1979 en Misiones, Argentina. Se graduó de técnico superior en 
imagen fotográfica en la Escuela Argentina de Fotografía.
 Obtuvo la beca al Meeting Place del FotoFest de Houston (EUA) en 2018.

“Mientras duerme el presente, crecen mis recuerdos.”


“Me interesa fotografiar aquello que tengo el temor de olvidar, quiero conservar
esos espacios vividos.


El hecho de vivir lejos de mi hogar familiar, me enseñó a ver a la distancia.
 

Una conexión que tengo con mi madre es a través de la naturaleza, de su
 jardín y busqué en ese lenguaje comunicarme con ella.”


Abraham Votroba tiene la particularidad de mostrar un proceso emocional en 
particular. En los recuerdos y objetos encuentra la tensión justa que la
combinación de imágenes puede dar.


“Traté de concentrarme en los pensamientos evocativos, aquellos momentos
en el jardín de la casa deshabitado por la siesta o las noches, aunque nunca en
silencio. Se escucha una voz interior de niño y la de una madre.”


Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas. Actualmente, dirige 
el taller de ensayo fotográfico “El peso del corazón” con dos libros publicados.


La cita es el jueves 19 de agosto a las 14, 16 y 17.30 hs., previa cita, con aforo
 controlado en FOLA: Godoy Cruz 2626, piso 1 – Distrito Arcos, CABA.



13 de mayo de 2021

El Museo Histórico de Buenos Aires Cornelio de Saavedra cumple 100 años y lo festeja con un ciclo de charlas virtuales

 

El Museo Histórico de Buenos Aires Cornelio de Saavedra cumple 100 años y para festejarlo invita al ciclo "Camino al Centenario", una serie de conversatorios virtuales, con historiadores y especialistas en sus colecciones. Será emitido por el canal de Youtube de Museos BA, los segundos y cuartos jueves de mayo a noviembre a partir del jueves 13 de mayo.

El centenario del Museo Histórico de Buenos Aires Cornelio de Saavedra propone reflexionar sobre temáticas de la historia de la ciudad y la historia argentina. El ciclo de conversatorios virtuales "Camino al centenario" presentará a historiadores y especialistas que recorrerán las piezas más destacadas de los más de veintiséis mil objetos de todo tipo y soportes que dan cuenta de la vida cotidiana, social, política y económica de la Ciudad.

El primer museo de la ciudad fue fundado en 1921, su patrimonio se inició con las colecciones de Ricardo Zemborain, que por voluntad testamentaria había legado sus colecciones artísticas e históricas a la entonces Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Entre las piezas más importantes se encuentra una de las principales colecciones sobre el gobierno de Juan Manuel de Rosas, platería colonial, óleos, objetos cotidianos, documentos, numismática, mobiliario, arte decorativo desde el período virreinal hasta el XIX.

Entre las propuestas de estas charlas quincenales se encuentran conversatorios sobre: la importancia de la colección Zemborain, la guerra de la Triple Alianza, las vistas de Buenos Aires desde el río, una lectura de las cartas de Manuelita Rosas con perspectiva de género, el patrimonio portuario, la epidemia de fiebre amarilla, la gastronomía en la época colonial y historia del fútbol de la ciudad, entre otros.

El ciclo comenzará el jueves 13 de mayo a las 19 hs. con la charla Rivadavia y el diseño urbano, un conversatorio entre Fernando Aliata, arquitecto (UNLP) y doctor en historia (UBA), y Raúl Piccioni, arquitecto y curador del museo. El mismo girará en torno a la personalidad de Rivadavia y su particular interés por el diseño urbano como un soporte importantísimo de su plan de reformas políticas y sociales. En ese sentido se abordará sus intentos de organización urbana, su labor normativa y sus propuestas de zonificación, así como sus ideas para la organización espacial de la campaña. 

El jueves 27 de mayo se realizará la charla Las cartas de Manuelita desde una perspectiva de género donde participará Lidia González, profesora de Historia (UBA) y coordinadora de Investigaciones del Instituto Histórico de la Ciudad de Buenos Aires, junto a Daniel Paredes, coordinador del área Investigaciones de la Dirección General de Patrimonio, Museos y Casco Histórico. En 1864 la familia Rosas ya hacía 12 años que estaban radicados en Inglaterra. Juan Manuel, en una granja ubicada en Southampton y Manuela, junto a su esposo y a sus dos hijos, en Londres. Desde allí mantiene un intercambio epistolar con su amiga Petronila Vilegas de Cordero.  Se analizará el contenido de once de esas cartas, escritas entre 1864 y 1884, allí las amigas comentan sus asuntos domésticos, su pesadumbre por el paso del tiempo y Manuelita admite, como un rasgo de mujer política, que “jamás escribo lo que no debe verse”.

El jueves 10 de junio se realizará la charla La transformación urbana de Buenos Aires en 1880-1890 entre Enrique Robira, Doctor en Historia (Universidad del Salvador), y José María González Losada, Master en Ciencias Sociales con Mención en Historia Social (Universidad Nacional de Luján). En 1880 la ciudad de Buenos
Aires es declarada capital definitiva de la República. Partiendo de este nuevo hecho jurídico se analizarán los proyectos y problemas urbanos que se planteaban entonces en distintas áreas de la ciudad. Y los nuevos lugares simbólicos que surgen.

El jueves 24 de junio se realizará la charla Los museos, el vínculo con la comunidad y la pandemia entre Lidia Colimodio Coordinadora del Centro Cultural Barrial Lola Mora que pertenece al Programa Cultural en Barrios de la Dirección de Promoción Cultural del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y Marcela Lenarduzzi Coordinadora del área de Extensión Educativa y Cultural del Museo.
Abordarán la construcción de un espacio alternativo en la experiencia de visita al museo, a través de la virtualidad que permitió componer un diálogo diferente con la comunidad, sortear los límites que nos fijaba la presencialidad. Se analizarán los encuentros virtuales del taller “La hora del té” perteneciente al Centro Cultural Lola Mora con el Museo.

23 de abril de 2021

Fundación Santander Argentina presenta "Implosión!" de Marta Minujín

 
Marta Minujín y Guillermo Tempesta durante la presentación para la prensa

El espacio de arte y cultura de Santander comienza su temporada 2021 con la exposición "Implosión!" de la artista Marta Minujín. Es un proyecto site specific que ocupará la planta baja y la terraza del edificio corporativo de Santander durante seis meses.

Respetando los protocolos vigentes, la exposición podrá ser visitada a partir del 8 de abril reservando lugar a través de la web de la Fundación: http://www.santander.com.ar/banco/online/fundacion-santander.

"Implosión!" es también el punto de partida del programa educativo que la Fundación Santander Argentina desarrollará durante la primera mitad del año. En el marco del Ciclo de Visitas, un curso itinerante a través del cual la Fundación ofrece recorridos virtuales al espacio de arte, Marta Minujín ofreció una visita a su exposición por el canal oficial de Santander Argentina en YouTube, el miércoles 14 de abril.

Entre otras actividades de extensión vinculadas a la exhibición, durante el mes de mayo se darán talleres de formación artística exclusivos para clientes Santander que buscarán expandir las prácticas y reflexiones presentes en la muestra y en otros proyectos de la artista. 

Por otro lado, las visitas educativas continuarán su desarrollo en el aula virtual, invitando a docentes de todo el país a acceder a una guía de actividades y diferentes capacitaciones online para acercar a sus alumnos al arte contemporáneo a través de la obra de Marta Minujín.

Conceptos entrelazados, 2021, escultura blanda fluorescente multicolor
“Marta Minujín es la embajadora del arte argentino y un ícono internacional del arte de vanguardia, nos pone muy contentos recibirla en nuestra casa con un proyecto multidisciplinario que combina diferentes soportes para hacer de su obra, otra vez más, una propuesta única”, expresó Guillermo Tempesta Leeds, vicepresidente de Fundación Santander Argentina. 

De esta manera, el espacio de arte y cultura de Santander comienza su  temporada 2021: un año repleto de nuevos desafíos. Al mismo tiempo, reafirma su compromiso con la promoción y la difusión de la cultura, impulsando alianzas, y presentando propuestas de artistas argentinos de reconocimiento internacional.

"Desde los inicios de su carrera, Marta Minujin viene empleando colchones como soportes de los más variados trabajos. Los primeros aparecieron casi por casualidad, cuando la artista incluyó el de su casa en la realización de una obra; luego, los fue encontrando en descartes de hospitales, en la basura y en los lugares más insospechados. Al principio, los colchones eran objetos que le permitían incorporar un elemento de la sociedad de consumo en sus obras, pero de a poco se transformaron en una representación de la vida misma, ya que en ellos -como asegura Minujin- nacemos, morimos, hacemos el amor y pasamos gran parte de nuestra existencia" expresa Rodrigo Alonso en el catálogo.

"Implosión!" es un breve recorrido temporal donde los colchones no son simplemente un material en la obra sino más bien la encarnación de una filosofía de vida. Son objetos que inflaman los sentidos, elementos que forman parte de nuestra cotidianidad pero que al ser reconfigurados por la desbordante libertad de la creación artística nosinvitan a pensar en  la posibilidad de reformar todos y cada uno de los aspectos de nuestras vidas. Son estimulantes y empoderadores, como lo esla propia Marta Minujin.

Autorretrato mediático, 2021, escultura en hierro y neón con activación digital

Se suma en esta ocasión un recinto electrónico en el cual las franjas multicolores se proyectan al espacio, una suerte de galería blanda virtual, llamada Arte Inmersivo. En su interior, la piel de los colchones se transfigura en unaexperiencia audiovisual y lúdica que inunda al visitante e implosiona en su cuerpo y sensibilidad. Unnuevo formato para un desafío recurrente: dejar de lado hábitos y rutinas mentales para sumergirnossin restricciones en lo que el arte tiene de liberador.

Marta Minujín desarrolló, además, para la terraza de la Fundación, un "Autorretrato Mediático" con la consigna de ingresar y participar en un cuestionario propuesto por la artista, al que se accede aplicando el celular sobre el código QR que hay en los anteojos de la escultura. 

Mirta Herrero en el interior del "Autorretrato" de Marta Minujín
 
De esta manera, toda la exposición en Fundación Santander propone una experiencia lúdica, descontracturada e interactiva. 

Más información en: https://www.santander.com.ar/banco/online/landings/fundacion-implosion

5 de abril de 2021

El MNBA agrega a la reapertura de las salas del primer piso, tres muestras temporarias para disfrutar del arte argentino

 
 Presentación de las muestras con la presencia del director del MNBA Andrés Duprat, el presidente de la Asociación de amigos del museo Julio  Cesar 
Crivelli y las curadoras Carolina Jozami  y Georgina Gluzman
 
Ya se pueden visitar en el Museo Nacional de Bellas Artes las exhibiciones temporarias “El canon accidental. Mujeres artistas en Argentina (1890-1950)”, con obras inéditas de creadoras marginadas de la historia del arte; “Ferrari infinito”, una selección de piezas gráficas de León Ferrari de las décadas de 1970 y 1980; y “Pandemia”, la última creación de Marta Minujín, realizada durante el período del aislamiento.


Además, reabrieron las salas del primer piso del museo, que albergan la colección permanente dedicada a artistas argentinos e internacionales del siglo XX. De esta manera, junto con las salas de la planta baja ya habilitadas, se completa el recorrido por todo el edificio.

 "Pandemia" de Marta Minujín, 2020-21. Tiras de lienzo pintado y proyección sobre tela

Pandemia” es la producción que Marta Minujín emprendió en mayo de 2020. Para realizarla, la artista aplicó miles de tiras con pequeños cuadrados en blanco, negro y siete tonos de gris sobre una tela que supera los dos metros de alto y de ancho. A su vez, cada fragmento también proviene de un proceso minucioso, en el que Marta pintó pequeñas telas constituidas por líneas paralelas negras, blancas y grises. Más tarde, las cortó transversalmente en finas tiras que generan una trama de cuadraditos de no más de 2 o 3 milímetros de lado, que luego fue colocando en el gran bastidor.

 Reverso del bastidor de "Pandemia" intervenido por Marta Minujín

La obra se completa con la proyección sobre el bastidor de una imagen de la misma trama. Como complemento y contexto, se exhibe un registro audiovisual sobre la realización de la obra y contenidos en video que Minujín compartió en sus redes sociales durante el proceso.
La artista comentó: “Espero que todos puedan ver y disfrutar una obra que solamente pude haber hecho en tiempos de pandemia, porque era un año de aislamiento, y la única energía que podía recuperar en ese aislamiento era hacer esta obra. Entonces, pensé que era una obra para todos, porque todos vivimos lo mismo. Esos puntos blancos y negros simbolizan a todos nosotros, y cómo el mundo cambió”.
La obra podrá verse en el hall de entrada del MNBA hasta el 27 de junio de 2021. 

 "Ferrari infinito"

“Ferrari infinito” se presenta en el marco de las actividades que el Bellas Artes realiza por el centenario de nacimiento de León Ferrari. Con curaduría de Carolina Jozami, la exposición presenta producciones de las décadas del 70 y 80, que dan cuenta de la experimentación del artista con diversas técnicas gráficas, como la litografía, la xerografía, el aguafuerte y el arte postal.  
En referencia a la muestra sobre Ferrari, Duprat precisó que todas las obras exhibidas fueron donadas al Bellas Artes por la Fundación Augusto y León Ferrari Arte y Acervo (FALFAA). “León Ferrari había hecho una donación importante a nuestro Museo en 2004, y ahora la Fundación repite el gesto, así que estamos muy contentos. Como estas obras pertenecen a todos los argentinos, nos da mucho placer que el público pueda conocerlas”.

"Ferrari infinito"







 

Las piezas exhibidas, mas de un centenar, dan cuenta de los temas recurrentes a lo largo de la trayectoria de Ferrari -la existencia urbana; la estrategia, la lógica y el pensamiento desde tableros de ajedrez y laberintos; el lenguaje y las estructuras de la comunicación; y la civilización occidental y cristiana-, que desarrolló a partir de su experimentación con la línea, la escritura y la abstracción, y empleando diversas técnicas: la litografía, la xerografía, el aguafuerte y el arte postal, entre otras.
Jozami señala que Ferrari, en su afán por democratizar el arte, no dudó a la hora de numerar al infinito varias de sus series de grabados. “Este gesto, además de marcar una distancia respecto de la lógica mercantil de la obra de arte, reflejó la voluntad y el accionar inquebrantable de un artista comprometido con su época, pero fundamentalmente con comunicar y transmitir al infinito la idea de un mundo más justo”, afirma la curadora.
“Ferrari infinito” podrá visitarse en la sala 33 del primer piso del museo hasta el 27 de junio.

Eugenia Belin Sarmiento. Rettato de María Amelia Sánchez, 1891, óleo sobre tela. Colección Fabiana Bareda - Archivo Rosa Faccaro, arte argentino contemporáneo

Con curaduría de Georgina Gluzman, “El canon accidental” reúne en las salas 37 a 40 más de 80 obras realizadas por 44 artistas, con la intención de cuestionar los relatos establecidos en la historia del arte en nuestro país y recuperar la figura de estas creadoras, muchas de ellas ignoradas o desconocidas.
Integrada por obras del acervo del Bellas Artes, museos provinciales y municipales y colecciones particulares, esta muestra –inédita en la historia del Museo– permite apreciar pinturas, dibujos, grabados, fotografías y esculturas de artistas que, en algunos casos, serán exhibidas por primera vez.
 
Ludmila Feodorovna. Mar del Plata, s/f, óleo sobre tela. Colección MNBA

La nómina completa de creadoras participantes está integrada por Graham Allardice de Witt, Carolina Álvarez Prado, Hermi Baglietto, Eugenia Belin Sarmiento, Hortensia Berdier, Emilia Bertolé, Paulina Blinder, Gertrudis Chale, Lía Correa Morales, Josefa Díaz y Clucellas, Ludmila Feodorovna, Raquel Forner, Consuelo Remedios González, Annemarie Heinrich, María de las Mercedes Lacoste, Mariette Lydis, Cecilia Marcovich, Léonie Matthis, Andrée Moch, Ana María Moncalvo, Eloísa Graciana Morás, Laura Mulhall Girondo, María Obligado, María Catalina, Otero Lamas, Anita Payró, Hildara Pérez, Clelia Pissarro, María Carmen Portela, Sofía Posadas, Kettie Ross-Broglia, Hemilce Saforcada, Clorinda Sanna, Rosalía Soneira, Carlota Stein, Leonor Terry, Dora de la Torre, Aída Vaisman, Antonia Ventura y Verazzi, Ángela Adela Vezzetti, Elba Villafañe, María Washington, Ana Weiss, Julia Wernicke y Bibí Zogbé.

 
Ana Weiss. La abuelita, 1939, óleo sobre tela. Colección MNBA

El director del Museo sostuvo: “Es una muestra extraordinaria, producto de una investigación rigurosa sobre el rol de las mujeres artistas a fines del siglo XIX y hasta mitad del siglo XX, que mira con ojos críticos la historia del arte argentino y la propia historia del Museo. La mitad de las obras exhibidas pertenecen a nuestro acervo. Algunas ya se han mostrado, pero otras se verán por primera vez, y ese fue el trabajo de la curadora: sacar a la luz artistas y obras que fueron soslayadas por una mirada absolutamente masculina de la historia del arte”.

Por su parte, Gluzman contó que se trata de una exposición que empezó a soñar hace muchos años junto con la directora artística del Bellas Artes, Mariana Marchesi, y la investigadora Laura Malosetti Costa. “Presenta una historia posible del arte argentino, contada desde los márgenes. Siempre las historias se escriben desde el presente, nuestro presente nos reclama visiones diferenciadas e inclusivas, que pongan en cuestión ciertos dogmas, y la exposición juega con eso: finalmente, lo que aceptamos como canónico podría haber sido de otra manera, podría haber sido un accidente”, explicó.
 
 Jertrudis Chale. Indias, 1946, tinta y aguada sobre papel. Colección MNBA
 
“El canon accidental” se organiza en tres núcleos.

“En el centro de los géneros” presentará una serie de retratos, desnudos y naturalezas muertas creadas desde fines del siglo XIX por María Obligado, Eugenia Belin Sarmiento, Julia Wernicke, Ana Weiss, Hortensia Berdier y Sofía Posadas, entre otras.
El segundo núcleo, “En el centro de la consagración”, refiere a los cambios suscitados a partir de 1911, año de realización del primer Salón Nacional, y en las dos décadas posteriores. Fue entonces cuando un conjunto de mujeres -como Lía Correa Morales, Emilia Bertolé, Léonie Matthis, Paulina Blinder, Leonor Terry y María Washington- alcanzó un nivel de visibilidad y un reconocimiento inusitados.
 
Raquel Forner. Retablo del dolor, 1942, óleo sobre tela. Colección MNBA

El tercer núcleo, “En el centro de nuevas direcciones”, da cuenta de la historia de las artistas a partir de la década de 1930, cuando comenzaron a abordar la representación femenina en desnudos renovadores y en retratos modernos que contribuyeron a la formulación visual de la mujer nueva. Este conjunto incluirá piezas de Raquel Forner, Mariette Lydis, Annemarie Heinrich, Consuelo González, Cecilia Marcovich, Laura Mulhall Girondo, Carlota Stein y Gertrudis Chale, entre otras.

 
Solfía Posadas. El último sueño del General San Martín, 1900, óleo sobre tela, Colección MNBA
 
El Museo Nacional de Bellas Artes se puede visitarse de jueves a domingo de 12 a 19 hs. con entrada gratuita. Para reservar turnos y conocer el protocolo sanitario vigente, hay que ingresar a: www.bellasartes.gob.ar.



3 de abril de 2021

Proyecto Bios: primer evento online de Biotecnología, BioArte y ciencia en Argentina

 
Proyecto Bios: un espacio virtual alojado en el Centro Cultural de la Ciencia de Buenos Aires y una agenda de contenidos mixta, que se desarrollará del 5 al 9 de abril de 15 a 20 hs.

Proyecto Bios pretende conformar un círculo virtuoso entre el Arte, la Academia y la Ciencia para acompañar, difundir y divulgar los avances de la Biotecnología en el país, visibilizar y potenciar los trabajos de los artistas de BioArte y servir de fuente de información de la propuesta nacional de la Academia en las distintas especialidades de la Biotecnología.

Proyecto Bios se presenta como una oportunidad para que se conformen grupos de investigación artísticos de esta nueva especialidad del Arte Contemporáneo, cruzando la tecnología de las empresas, el conocimiento de la academia y la creatividad y libertad de los artistas para abordar las preguntas que esta década nos presentará.

Participan 25 artistas y teóricos referentes, 15 empresas de Biotecnología, 5 organizaciones de la temática y 16 Universidades de todo el país. Está conformado por:

  Biósferas de Joaquín Fargas

 
1. Un sitio web que contiene cinco áreas:
a. Panorama del Bioarte en Argentina: información de artistas, su trayectoria y sus obras. Varios artistas presentarán obras desarrolladas durante la pandemia, algunas de ellas interactivas.
b. Estado del arte de la Biotecnología en Argentina, indicando cuáles son las áreas de actividad y las investigaciones que se están realizando en la temática.
c. Mapa de la Academia en Biotecnología: qué Universidades están proponiendo carreras de Biotecnología y cuáles son sus especializaciones.
d. Acerca del BioArte: un espacio de información sobre esta vanguardia del arte y una línea de tiempo con sus principales hitos.
e. Bio zen: un espacio de introspección y exploración sensorial.

 Huerta Helicoide de Jorgelina Herrera Pons. Bienal Kosice II

 
2. Una Agenda de Contenidos del lunes 5 al viernes 9 de abril de 15 a 20 hs:
a. Conversatorios y charlas de empresas de Biotecnología y Universidades de todo el país abordando los avances en las distintas áreas de actividad y las propuestas del futuro que se viene.
b. Conversatorios de artistas categorizados en distintas especialidades del BioArte: Biorobótica, Biomateriales, AgarArt, Modelado Molecular, Biosensado y Biosonificación
c. Perfomances de arte microscópico y construcción de una bio-obra multimedia colectiva
d. Presentación de proyectos en plataforma interactiva en internet (Mozilla Hub) (vacantes limitadas).
e. Inauguración virtual de la muestra de BioArte en plataforma interactiva en internet Likelike, libre, gratuita, con avatar individual, el lunes 5/4 a las 19 hs.

Todas las actividades son libres y gratuitas y tomarán lugar en: http://proyectobios.com. Para más información, escribir a: info@proyectobios.com.

16 de marzo de 2021

"Los Mareados" en Fundación Cazadores

 

Leo Damonte, Cecilia Méndez Casariego, Mariana López y Sergio Bazán durante la presentación de la muestra
 

Leo Damonte, Mariana López y Cecilia Méndez Casariego exponen "Los Mareados" en la sala Imán de la Fundación Cazadores, una muestra curada por Sergio Bazán que alude, según palabras del curador, a "los artistas metidos en su obra, a aquellos que se concentran y desconcentran, los que sienten el vértigo y que se marean”. Y enseguida concluye: “Los tres artistas presentados en esta muestra son personas que se plantearon hacer una obra enloquecedora: estas ahí y al rato sentís que algo te está pasando”.

 

Leo Damonte

Nacido en Mercedes, provincia de Buenos Aires en 1978, Leo Damonte es profesor superior en artes visuales. Participa en muestras colectivas desde 2004. En el año 2007 realizó suprimera exposición individual en la galería Sicart en Barcelona, España. Al año siguiente, en 2008, recibió el Primer Premio Adquisición de la Bienal de Arte de Bahía Blanca. En 2009, obtuvo el Tercer Premio en el 98° Salón Nacional de Artes Visuales Nuevos soportes e instalaciones En 2013 ganó el premio Braque a las Artes Visuales en el Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (MUNTREF). Fue distinguido con importantes becas de capacitación y perfeccionamiento, durante 2005 participó de la Beca Nacional para talleres del FNA y del seminario Proyectos de arte del Centro Cultural Rojas. En 2006 gana la Beca de Intercambio y Cooperación de la Secretaria de Cultura de la Nación. Fue seleccionado para participar en Intercampos III de Fundación Telefónica. Participó en 2008 de la Beca LIPAC organizado por el Centro Cultural Rojas y la UBA; participó del programa Tec en arte III de Fundación Telefónica. En 2011 gana la Beca Nacional de Creación del FNA. Durante el segundo semestre de 2013 realiza la Beca de perfeccionamiento en la Cité lnternationale des Arts. París. En 2017 fue seleccionadopara participar en la Beca Sala Taller del EAC en Montevideo Uruguay. Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas.

 

Mariana López

Mariana López nació en Buenos Aires en 1981. En 2002 obtuvo una beca de Fundación Antorchas para estudiar con Sergio Bazán. Participó de la residencia Skowhegan School of Painting and Scultur en Maine, EE.UU en 2006. En 2010 participó de la Beca Kuitca en la Universidad Torcuato Di Tella. En 2016 fue beneficiaria del programa Plataforma Futuro del Ministerio de Cultura de la Nación para realizar una investigación sobre el Museo de Ciencias Naturales de La Plata. Obtuvo la Beca Creación del FNA en 2018. 

Principales muestras individuales: Frontera, Galería Mite, 2019. Mar de Solís, Munar Arte, 2018; Sala de secado, Espacio Kamm, 2015; El vuelo de la remera blanca, Schlifka Molina, 2013, entre otras. 

 

Cecilia Méndez Casariego

Cecilia Méndez Casariego nació en Buenos Aires en 1980. Es artista visual y docente. Estudio en la Escuela de Bellas Artes “Manuel Belgrano” donde obtuvo el título de maestro nacional de dibujo (2002) y profesora en artes visuales (2005). Asistió al taller de dibujo con Marcia Schvartz en la Escuela de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. Realizó clínica de obra con Sergio Bazán y Silvia Gurfein. En el 2013 es seleccionada para participar en la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires. En el 2017, participa De la IV Jornada de Performance, Investigación de Antropología del cuerpo en el Centro Cultural Paco Urondo, U.B.A. Participa en diferentes muestras individuales y grupales siendo las más destacadas: “Acto”, Galería Elsi del Río (2019); “Tu recuperación”, Fundación Osde(2018); “Mirada blanca”, Taller Citroen, La Gran Paternal 03 (2018); “Los infantes en el paraíso”,Centro Cultural Recoleta (2015); “Diámetro y Caída”, Galería Schlifka Molina (2014); Bienal de Arte Joven, Ciudad Cultural Konex (2013); Mito Arte Contemporáneo, Uruguay (2012); “Las Octavas”, Fábrica Perú (2011); “Verano”, Galería Jardín Luminoso (2009); Arte Ba 08, Galería Jardín Luminoso (2008); “Erótica”, Galería Appetite (2009); “Desnudos en la Cárcova” Escuela Ernesto dela Cárcova (2007); “La voz del erizo”, Ciclo de arte y poesía, Goethe Institute (2006). Vive y trabaja en Buenos Aires.

 

Leo Damonte. “Dispositivo de dialogo 1. Figuraciones contradictorias en tres ficciones y algunas variables”, 2020/2021

La licenciada María Carolina Baulo escribió el siguiente texto para esta exposición:
“Situación incierta si las hay, el estar mareados nos remite a una pérdida del registro exacto del espacio que habitamos. Como si todo se convirtiera en una enorme masa giratoria en torno a nuestro cuerpo, aturdidos y sin equilibrio, nos entregamos a una posible caída libre sin amortiguación. Es quizás esta una interesante metáfora para aproximarnos mínimamente a la experiencia creativa del artista cuando reflexiona y acciona sobre su obra. «Los Mareados», según el curador de la muestra Sergio Bazan, alude a "los artistas metidos en su obra, aquellos que se concentran y desconcentran, los que sienten el vértigo y que se marean. Los tres artistas presentados en esta muestra son personas que se plantearon hacer una obra enloquecedora: estas ahí y al rato sentís que algo te está pasando". Y viniendo de un artista cuyo hacer en el campo del arte define una trayectoria prestigiosa tanto en la producción de una obra con carácter e impronta propia así como también en su rol de formador y guía de otros artistas, aplicando siempre una mirada aguda y perspicaz, las palabras de Bazan llevan al espectador a querer penetrar en ese espacio que promete hacerle vivir una experiencia estética desestabilizante, a llevarlo a navegar por aguas turbulentas, a recorrer caminos laberínticos, caer en remolinos espiralados y prestarse a juegos ópticos para fundirse en el espacio habitado por esas obras «enloquecedoras» las cuales, como mínimo, brindan un paisaje superador de la realidad inmediata.
 

 Cecilia Méndez Casariego. “Tu bien te salvará”, 2020/21, instalación

 

«Los Mareados» está conformada por una trilogía de artistas que componen, cada uno de ellos, un movimiento único dentro de una sinfonía donde deben coexistir las particularidades para sonar al unísono como un todo coherente. Materia y espacio son conceptos centrales en las búsquedas de los artistas, ejes constructivos de un relato complejo donde desde el volumen, la luz, el color, las texturas e impacto espacial general de las instalaciones, las esculturas, y lo bidimensional de las telas trabajadas con óleo, el espectador se acerca a universos heterogéneos desde lo estético y lo conceptual pero que sin embargo, logran integrarse escoltados por un criterio curatorial que logra destacar los vínculos latentes e invisibles a la mirada a vuelo de pájaro, demandando atención y reflexiones extraordinarias frente a un conjunto de trabajos que desafían las lecturas comunes.”


Para visitar la muestra concertar cita por instagram @fundacioncazadores.