17 de julio de 2019

Exposición “Ese punto” de Nora Aslan en el Museo Caraffa de Cordoba


"Nigredo", detalle, 2000
 
Hasta el 1 de setiembre se puede visitar la exposición “Ese punto” de la artista Nora Aslan en el Museo Emilio Caraffa de Córdoba, que fue inaugurada en el marco de la BienalSur.

Esta gran exposición, curada por María Alejandra Gatti, no presenta un planteo cronológico y lineal, sino un espacio sin fronteras donde conviven una multiplicidad de obras de diferentes épocas de Aslan realizadas en múltiples lenguajes: fotografías, collages, objetos, instalaciones.
 
Diorama, 2014-19 
“La diversidad de materialidades que utiliza, resalta su enorme habilidad para tensar, en objetos de gran opulencia decorativa, aspectos horrorosos, espectáculos banales e incertidumbres, no sólo actuales sino atemporales y acaso universales. Su obra, de gran potencia conceptual, pareciera funcionar como amalgama de orfebre, o tejido artesanal que, producido con un material heterodoxo previamente hilado, reúne y oculta de manera barroca, imágenes tan tenebrosas como bellas” señala en el catálogo Florancia Ferreyra, integrante del área de investigación del Museo.
 
Una dinámica propuesta expositiva en las salas 2 y 3 se despliega (hasta sobre el piso, dentro de una de las salas) dando cuenta de la copiosa producción de esta multifacética artista. Al mismo tiempo, los visitantes pueden recorre los diferentes momentos creativos de Aslan en su extensa trayectoria.

“Sería ingenuo en este contexto no preguntarnos por el valor que tiene la mirada de una artista mujer hacia los espacios de lo periférico, hacia esas formas que oscilan entre lo monstruoso y lo kitsch, que asustan y a veces repelen, pero que a la vez pueden ser sumamente atractivas. Una mirada que a lo largo del tiempo señala esos márgenes, los toma y los trae de frente en una sintaxis que muestra los dientes.
 
Mantel de cocina, detalle, 1997
Ese borde entre lo seductor y lo marginal, ese mirar siempre hacia otros lados y la dificultad en el intento de categorizar y ubicar su producción según disciplina, corriente o tradición, es una marca en la obra de Nora Aslan. Una marca que señala otras vías, otros modos posibles, que enarbola la diferencia, ese espacio «entre» (esa característica que hace que una persona o una cosa sea distinta de otra), como espacio a ser explorado, como forma de estar en relación al mundo” describe en el texto curatorial María Alejandra Gatti. 


Nora Aslan nació en Buenos Aires en 1937. Estudió arquitectura en la Universidad de Buenos Aires entre 1956 y 1960. 

Realizó exhibiciones individuales en: Museo Nacional de Bellas Artes, Centro Cultural Recoleta, Interfaith Center, Galería Pavel Zoubok (Nueva York) y Galería Patricia Ready (Santiago de Chile), entre otras. Participó de numerosas exposiciones colectivas en Argentina, Brasil, Perú, Cuba, Estados Unidos, España, Portugal, Alemania, Austria, Suiza y Polonia.
 
A lo desconocido por lo mas desconocido, detalle, 2019
Entre otras distinciones recibió el Primer Premio en el Primer Salón Nacional de Arte Textil y en el Salón Municipal de Arte Textil así como el Premio Universidad de Palermo, y el Premio Konex en dos ocasiones.

Sus obras forman parte de las colecciones de: Dallas Museum of Art, Museo de Arte Moderno de Viena, Museo de Arte Contemporáneo de Sarajevo, Colección de Arte Latinoamericano de la Universidad de Essex, Internacional Collage Center de Fulton, Pennsylvania, Museo Sívori, Universidad de Palermo y Universidad de 3 de febrero, como también de colecciones privadas en Argentina, Estados Unidos y Europa. Fue docente durante más de 25 años en su taller particular.
 
Pelos, huesos, garras, plumas y una breve secuencia de pormenores, 2014
 
El Museo Emilio Caraffa se puede visitar de martes a domingos y feriados de 10 a 20 hs. en Av. Poeta Lugones 411, Córdoba, Argentina. Entrada general: $50.- Jubilados, estudiantes y menores: entrada libre y gratuita. Miércoles: entrada libre y gratuita.

OnceSiete Estudio de Arte presenta la exposición “Elipsis Urbanas”


OnceSiete Estudio de Arte presenta “Elipsis Urbanas”, con curaduría de Mariana Rodriguez Iglesias. La exhibición cuenta con obras especialmente seleccionadas de los artistas: Gabriela Boer, Pablo Lozano, Pablo Morgante y Mercedes Pérez San Martín, para poner en escena situaciones de elipsis y vacíos en contextos de imaginarios abstractos, más o menos geométricos, que se vinculan de diversas maneras con un repertorio tanto conceptual como visual de lo urbano.
 

Gabriela Boer
 
“Una elipsis es una supresión con fines estéticos. Se trata de una falta intencionada, de un evento que se quita a conciencia para construir un puente entre dos sucesos. El efecto de la elipsis resaltará, por lo tanto, menos al puente trazado que los dos extremos haciendo que nuestra atención se concentre, por contraste, en estas dos situaciones ahora inmediatas. Es una omisión que introduce la dimensión temporal a todo lo que toca.
 

Mercedes Pérez San Martín
En esta exposición presentamos obras especialmente seleccionadas de los artistas Gabriela Boer, Pablo Lozano, Pablo Morgante y Mercedes Pérez San Martín, para poner en escena situaciones de elipsis en contextos de imaginarios abstractos, más o menos geométricos, que se vinculan de diversas maneras con un repertorio conceptual y visual de lo urbano.
 

Pablo Lozano
La primera elisión sucede al nivel de la figura humana. En ninguna de las obras producidas por estos cuatro artistas vemos más que indicios de actividad humana, su cultura: construcciones, pozos, escombros, conglomerados, marcos, rejas, ornamentos, tramas, cuadrado, ortogonales y oblicuas. La siguiente supresión evidente es la del conjunto, o expectativa de una totalidad. Como vemos, en las obras prevalece el fragmento: a veces como emblemas (Boer, Morgante), que en tanto alegoría dan cuenta del contexto del que alguna vez fueron parte (fachadas, límites edilicios; edificios en pleno proceso de construcción); y en otras oportunidades la fracción aparece como textura y trama (Pérez San Martín, Lozano), más cerca de una idea de totalidad pero construída a partir de una yuxtaposición frágil, aparentemente provisoria, entrópica.
 

Pablo Morgante
 
Lejos están estas obras de la lógica de la cuadrícula urbana, aquella que alguna vez quiso ser la expresión de la racionalidad y el control territorial. En su lugar, Boer, Lozano, Morgante y Pérez San Martín, exhiben otros modos de estar en el mundo acordes a las velocidades, inmediaciones, angustias, ansiedades, pero también, esperanzas y soluciones de nuestra época: una urbanidad dionisíaca, articulada por ausencias, quebrada, pero viva y llena de energía. La ciudad posmoderna y latinoamericana, la que –siguiendo los arquetipos de Jung– se desembarazó de la exigencia de ser una Ciudad Ideal para comenzar a entregarse al juego libre que propone el mito del Jardín.” Mariana Rodríguez Iglesias.

La muestra podrá visitarse hasta 20 de agosto, de lunes a viernes de 13 a 19 hs. y sábados de 14 a 16 hs. en Av. Las Heras 3702 7ºA, esquina Scalabrini Ortiz, Buenos Aires, Argentina.

16 de julio de 2019

Proyecto 449 de Sara Santamarina es el protagonista de la nueva edición de #PuraMadera en espacioCetol


Cetol anuncia la tercera muestra del ciclo #PuraMadera presentando Proyecto 449. Sara Santamarina, oriunda de la localidad bonaerense de Beccar, es la joven artista a cargo de esta obra que compuesta por varillas de entre 80 y 100 años de antigüedad, de diferentes tamaños, que encastran perfecto entre ellas, a medida que el diseño va desarrollándose, captan nuestra atención. Estas maderas, supieron ser sostenes divisores de campos, potreros, a lo largo y ancho de Buenos Aires. Se seleccionan según sus diferentes tonalidades, texturas y olores que resaltan una vez que se pulen y cortan.
 

Con su trabajo, la artista se enfoca en dos pilares fundamentales: la idea de reciclado y la concepción de “100% natural”. Es decir, le da una segunda oportunidad a esas varillas, creando objetos únicos utilizando Lapachos, Quebrachos, Birá-pitá y Curupay con sus colores y texturas particulares. No hay intervención de ningún tipo de tratamiento, sino que todo es dado por las diferentes condiciones climáticas a las que fueron expuestas.
 

La tercera muestra de #PuraMadera, con curaduría de Federico Platener, inaugura el miércoles 17 de julio a las 19 hs. y podrá ser visitada hasta el 16 de agosto en espacioCetol (Av. del Libertador 6188 – CABA) de lunes a viernes de 9 a 17 horas.

15 de julio de 2019

Dos excelentes muestras para visitar durante el invierno en FOLA


FOLA presenta los nuevos proyectos de exposiciones que se exhiben en su espacio de Godoy Cruz 2626, Distrito Arcos, Palermo, ciudad de Buenos Aires.

"El fantasma de la libertad", con curaduría de Rodrigo Alonso, se exhibe hasta el 13 de octubre.

Dentro de los numerosos temas que han atraído la atención de los fotógrafos argentinos, el encierro pareciera ocupar un lugar singular. Quizás debido a que, al ver el tratamiento que damos a las personas más vulnerables o apartadas de las normas que nos rigen como colectividad, podemos evaluar la calidad humana de la sociedad en la cual vivimos.
 
Lo cierto es que muchos artistas han registrado las condiciones de hospitales psiquiátricos, cárceles, hogares de ancianos y otros espacios de cuidado y control, dejando testimonio de una cotidianidad diferente a la que estamos acostumbrados. Sus imágenes exhiben personas y situaciones frecuentemente sustraídas a la mirada, al tiempo que nos brindan un espejo para reflexionar sobre el valor y las fronteras de la libertad.
 
Artistas participantes: Sara Facio, Alicia D’Amico, Eduardo Gil, Adriana Lestido, Ataúlfo Pérez Aznar, Alfredo Srur, Helen Zout, Tony Valdez, Gian Paolo Minelli, María Eugenia Cerutti, Roberto Huarcaya, Pablo Cabado, Sub. Cooperativa de fotógrafos, Marcela Astorga, Eduardo Longoni, Paula Lobariñas, Sebastián Friedman

"La vida de Oscar" (ensayo fotográfico 1998 - 2016 y proyección de documental) de Daniel Muchiut con curaduría de Gabriel Díaz, se exhibe hasta el 4 de agosto.

Durante muchos años deambuló por la ciudad de Chivilcoy, cargado de bolsas, acompañado por perros. Nadie parecía darse cuenta de su presencia, apenas algunos se le acercaban. Simbolizó la caída de un ser a lo más profundo, nos devolvió el espejo de cuan cruel puede ser una sociedad.
 
Oscar Ojeda, nació el 20 de octubre de 1950, en Misiones. A los 5 años, junto con sus hermanos Irma y Raul fueron traídos por su madre a Buenos Aires. Dejados en casa de una tía, maltratados, volvieron con ella, a vivir con su padrastro en un horno de ladrillos en Tortuguitas, partido de Malvinas Argentinas, gran Buenos Aires. 
No fue fácil la convivencia con el padrastro. Fue dolorosa. Dejo secuelas en los tres.
Cuando Oscar tenía 8 años y Raúl 5 años fueron llevados a La Plata al Juzgado de Menores, donde fueron entregados a distintos orfanatos. Raúl a Olavarría y Oscar fue a Chivilcoy.
 
Cuenta Raúl que al irse por un pasillo largo, llevado de la mano por dos abogados y arrancados definitivamente para siempre, Raúl le dijo llorando por última vez: “Titi no me dejes solo por favor”.
Nunca más se volvieron a ver.
Oscar trabajo en distintos hornos de ladrillo, llevaba una vida normal, tenía novia, amigos. Fue acusado injustamente por la policía, preso y golpeado. Lastimado en su estima, Oscar nunca más volvió a ser el mismo.
Vivió en la calle, en autos abandonados, en taperas, en pensiones, bajo chapas, plantas, muy precariamente. Debilitándose lentamente por la vida a la intemperie, en el 2003 cayó muy enfermo. Del Hospital recomendaron dejarlo en el Hogar de Ancianos Municipal. Lugar donde vive hasta hoy.
 
Pasaron 58 años, donde Irma y Raúl lo buscaron incansablemente.
Por cosas de la vida, el domingo 27 de agosto de 2017, volvieron a encontrarse. Fue estremecedor, hermoso y emocionante!
 

ESEADE inaugura su ciclo de exposiciones 2019 con "Desconcierto" de los artistas Marcela Moujan y Diego Alberti


Dentro del marco de actividades realizadas por el Instituto Universitario ESEADE para promover la producción artística se inauguró "Desconcierto" iniciando el ciclo expositivo de este año y celebrando tambien en esta oportunidad el 10º aniversario de la licenciatura en curaduria y gestion en arte.
 
Bajo la curaduría de Victoria Pittana y Vanesa Catellani se presenta un Desconcierto sobre las obras seleccionadas de Marcela Mouján y Diego Alberti.
En palabras de las curadoras “esta serie de realidades intervenidas se presentan
como una interacción de imágenes escenográficas complejas, donde no nos alcanza una sola mirada para comprender el trasfondo de conceptos en los cuales indagan los artistas”.

Ganadora de numerosos premios y becas desde 1994 hasta la fecha, Marcela Mouján ha participado en mas de 100 muestras, y representado a la Argentina en la Bienal de la Habana en 1997 y en la Bienal del MERCOSUR en 2001, entre otras.
Nació en octubre de 1970 en Buenos Aires. 
Se recibió de maestra nacional de dibujo en 1992 del Instituto B. Angélico, luego de abandonar su carrera de diplomacia.
Entre 1992 y 1997 vivió en Nueva York y Madrid, donde realizó numerosas exposiciones. Estudió en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York e instaló un taller de serigrafía. Regresó a Buenos Aires en 1997.
Su obra forma parte de las  colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes, MalBa - Colección Costantini-, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Daimler Collection de Alemania, y de numerosas colecciones privadas en Argentina y en el exterior.

Diego Alberti vive y trabaja en Buenos Aires (Argentina, 1978) es artista, docente (UNTREF) y programador.
Estudió diseño de imagen y sonido y diseño gráfico en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires.
La instalación interactiva, el video, la música electrónica, las artes escénicas y la
programación de video juegos son algunos de los formatos que le permiten a Alberti desplegar su universo creativo.
Su participación en los talleres del Espacio Fundación Telefónica, del Medialab del Centro Cultural de España en Buenos Aires y del Medialab Prado de Madrid terminaron de vincularlo con la escena de las artes electrónicas iberoamericanas permitiéndole experimentar materiales, formatos y modelos de producción.
Sus trabajos han sido exhibidos en los museos Juan B. Castagnino y MACRO de Rosario, en el Centro Cultural Recoleta, el Centro Cultural San Martín y el Centro Cultural de España de Buenos Aires, en el Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, en el Museo Municipal de Arte Ángel María de Rosa de Junín, en el Medialab Prado de Madrid y en FILE Festival de San Pablo entre otros.

La exposición permanecerá hasta el 27 de septiembre de 2019 y se puede visitar de lunes a viernes de 9 a 20 hs. en el espacio expositivo de ESEADE, Uriarte 2472 Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

14 de julio de 2019

El municipio de Tigre presenta la muestra “Paradigmas de la Reconquista. Más allá de la ilusión” de Duilio Pierri


La exhibición, que se exhibe en el Museo de la Reconquista, está compuesta por 15 obras inspiradas en el hecho histórico y fundante del museo: el desembarco de Santiago de Liniers con sus tropas frente a la institución, lugar donde se inicia la marcha hacia la Reconquista de Buenos Aires durante la invasión británica de 1806.
 
El artista, vecino del distrito, hace un recorrido desde el suceso de la derrota de Juan Calchaquí con los indios Quilmes hasta el hundimiento del crucero General Belgrano. Realiza una mirada a las relaciones entre la Argentina y sus habitantes de esa época, tanto criollos como pobladores originarios, con el imperio inglés. Algo interesante y distintivo es que Pierri deja todo abierto a la interpretación del público.
 
El Museo de la Reconquista presenta en sus 6 salas permanentes la historia natural y social del partido de Tigre, desde la formación de las islas del Delta, los legados de los pueblos originarios y la gesta de Liniers hasta la pujanza inmigrante que dio origen a cada una de sus localidades.

Con entrada libre y gratuita, esta muestra se puede visitar hasta el 18 de agosto, de miércoles a domingos y feriados de 10 a 18 hs. en el Museo de la Reconquista, Av. Liniers 818, Tigre, prov. de Buenos Aires.


12 de julio de 2019

"El sueño de Julio Verne", una comedia para toda la familia, en el Centro Cultural Borges


Desde el sábado 13 de julio se representará en el Centro Cultural Borges “El sueño de Julio Verne”, una comedia de aventuras ágil y moderna para toda la familia con atractivos números de música y canciones.

Dos hermanos -Lucía (estudiosa, ejecutiva y cerebral) y Manuel (torpe, vago y dependiente del teléfono celular)- aceptan limpiar y ordenar una casa abandonada. Allí encuentran un extraño artefacto que emite luces y sonidos que les hará viajar por el mundo y vivir experiencias extraordinarias inspiradas en las historias fantásticas del autor de "Veinte mil leguas de viaje submarino".
La obra, protagonizada por Ana Calderón y Peter Panthy, está dirigida por Carlos Algeri, autor de la comedia junto a María de Vedia. Edgardo Giménez ideó la escenografía y la estética de diseño y de su realización se encargó el orfebre Daniel Fahler.

Funciones: los sábados 13, 20, 27 de julio y 3 de agosto a las 14 hs. y los domingos 14, 21, 28 de julio y 4 de agosto a las 12 hs.
Entradas por boletería del Centro Cultural Borges (Viamonte 525, CABA) o por Plateanet


Comenzó "Tándem", la muestra colectiva donde el arte y la tecnología se fusionan


Más de 800 personas pasaron por Casa Naranja (La Tablada 451, Córdoba) y disfrutaron la apertura de Tándem, la muestra colectiva que propone una reflexión sobre cómo la tecnología ha transformado nuestra vida cotidiana, especialmente los vínculos entre las personas.

Tándem, una producción integral de Naranja, invita a explorar formatos, materiales y procedimientos que no se ven en las artes tradicionales, de la mano de jóvenes artistas argentinos contemporáneos y la curaduría de Luz Novillo Corvalán.

El recorrido comienza en el hall central, donde los visitantes podrán encontrar las intervenciones Cenizas de un árbol y Tile, de Juan Sorrentino; Islas de Lucas Aguirre; y Whisky Comic de Yamil Burguener.

Antes de descender por la escalera, en la sala contigua al balcón de la escalera, la artista Laura Colombo invita a vivir una experiencia inmersiva con Perceptive Corner donde el público puede moverse frente a una pared luminosa y generar efectos sonoros.

Ya en el subsuelo de Casa Naranja, Lucas Di Pascuale junto a la Cátedra de Dibujo IV de la Facultad de Artes de la UNC, propone Copiosa, un taller donde a través de distintos dispositivos acompañados de una serie de instructivos, invitan a dibujar sin necesidad de ningún conocimiento o experiencia previa.

Continuando por la sala ubicada detrás de la escalera mecánica, los visitantes se encontrarán con la obra Correspondencia, una creación de la artista Zoe Di Rienzo. Se trata de un espacio ambientado con máquinas de escribir, papeles y sobres. Quienes decidan participar, deberán seguir las instrucciones ubicadas junto a la obra para revivir una práctica en desuso.

En ese mismo nivel, se ubican Dispositivos para entrelazar un cuero, junto a Madre & Hija. Ambas obras corresponden a la artista Celeste Martínez y se exhiben con los planos de su diseño y una fotografía alusiva a la temática.

Al otro lado del pasillo espera la obra Clima, otra experiencia interactiva e inmersiva de la artista May Seguí, que propone descubrir los diferentes sonidos que se activan y superponen. Aquí, a la obra la construyen los visitantes con sus movimientos, como un DJ.

Zoe Di Rienzo presenta "Correspondencia"
El recorrido por la muestra culmina con Escalera, una obra del artista Gerardo Repetto con imágenes enigmáticas y silenciosas. Su obra sobre papel es el registro de una acción realizada por él mismo en las escaleras mecánicas de Casa Naranja.

Tándem se exhibirá en Casa Naranja (La Tablada 451, ciudad de Córdoba) hasta el próximo 14 de setiembre, con entrada libre y gratuita, de lunes a viernes de 9 a 19 hs. y los sábados de 14 a 19 hs. (domingos y feriados cerrado).

El espacio cuenta con audioguía para escuchar desde el celular y actividades especiales para disfrutar en familia. Habrá visitas guiadas abiertas a la comunidad todos los sábados de 16 a 19 hs; y en vacaciones de invierno, será de miércoles a sábado en el mismo horario.
También pueden agendarse visitas educativas para escuelas y grupos con previa reserva.  

Más información en casanaranja.com.ar.
 

11 de julio de 2019

30ª Muestra Anual de Fotoperiodismo Argentino en la Casa Nacional del Bicentenario



La Casa Nacional del Bicentenario inaugura la 30º Muestra Anual de Fotoperiodismo Argentino organizada por la Asociación de Reporteros Gráficos de la República Argentina (ARGRA) el jueves 11 de julio a las 18 hs.
 
Como desde hace más de tres décadas, la muestra propone un recorrido narrativo a partir de las imágenes más representativas del año anterior. En esta edición, se presentan fotografías, registradas en 2018, sobre los hechos más relevantes en materia de actualidad, deportes, retrato, vida cotidiana, política, naturaleza, medio ambiente, arte y espectáculos, ocurridos en el país y el mundo. Más de 150 fotografías en exposición, seleccionadas entre más de 3200 imágenes enviadas por reporteros gráficos de todo el país.   

Esta es la exhibición más importante de fotoperiodismo que se organiza en la Argentina y en la región. Desde sus inicios, a principio de 1980, y hasta la actualidad, la vasta concurrencia de público y la gran repercusión periodística han convertido a esta muestra en un acontecimiento único en la historia de la fotografía periodística argentina y en una cita ineludible para acceder al trabajo colectivo de los reporteros gráficos. 
 

Este año se podrá recorrer, además, el apartado dedicado a la Colección Pequeño Formato, con publicaciones de imágenes de Pepe Mateos y Gerardo Dell Oro; de Enrique García Medina y un tercer “libro colectivo”.

Para esta edición, el Comité Editor de la muestra estuvo conformado por Cristina Fraire, Lucía Merle, Marcos Zimmermann, Sol Vázquez y Pepe Mateos.

La exposición, que estará acompañada por una serie de charlas y de visitas públicas en compañía de reporteros gráficos que participan de la muestra, se podrá visitar hasta el sábado 10 de agosto, de martes a domingos y feriados de 12 a 20 en Riobamba 985, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori presenta el "Programa Transurrealismo. Arte y diversidad de Género" e inaugura la exposición "Mariette Lydis. Transicionar lo surreal"

 
Mariette Lydis. El ojo del universo, 1967, óleo sobre tela. Colección Sívori

"Transurrealismo. Arte y diversidad de Género" presentará exposiciones, un programa público, intervenciones artísticas y actividades diversas; forma parte del Programa Narrativas Cruzadas / Eje Modas que lleva adelante el Ministerio de Cultura de la Ciudad y refiere a las elecciones diarias que emergen de movimientos sociales y culturales.
Con curaduría de Teresa Riccardi, directora del Museo Sívori, la exposición "Mariette Lydis. Transicionar lo surreal" ocupa las salas A y B del museo. Reune más de 200 piezas: alrededor de 40 pinturas de la colección del museo donadas en vida por Mariette Lydis, más obras y una cronología con material de archivo proporcionado por la familia Correa y el Museo Nacional de Bellas Artes.  
"La libertad y la expresión creativa están presentes en cada rincón de la ciudad, todos tenemos algo para decir y en Buenos Aires esa pluralidad se transmite con alegría y pasión. Celebramos poder inaugurar esta importante muestra que forma parte del programa narrativas cruzadas de los Museos de la Ciudad. Seguimos apostando a la cultura como herramienta de inclusión, transformación y desarrollo y así entre vecinos y turistas seguir construyendo la identidad cultural de la Ciudad”, destaca Enrique Avogadro, ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.
Mariette Lydis. El infinito, 1967, óleo sobre tela. Colección Sívori

Fotografías, placas fotográficas, libros ilustrados por Lydis, placas de vidrio de sus obras, cartas, material documental, entre otros, ofrecen una semblanza de esta gran artista austríaca que se radicó en Buenos Aires en 1940, ciudad en la que fallece en 1970. Asimismo, en el transcurso de la muestra, Jorge y Cristina Correa presentarán oficialmente su libro En busca de Mariette Lydis.
“Este trabajo curatorial que indaga la colección patrimonial del Sívori, el archivo personal de la artista -perteneciente a la familia Correa-, su epistolario, la obra gráfica, el grabado y su pintura, presenta en esta exposición una reflexión que no solo visibiliza su producción sino que también pone de manifiesto su actualidad desde una perspectiva transgénero y transhistórica”, señala Teresa Riccardi.
Simultáneamente, se expondrán obras de Marcelo Pombo, Cecilia Szalkowicz, Begoña Cortázar, Patricio Gil Flood, Paulina Silva Hauyon, Bartolina Xixa, Malena Pizani y Effi Beth, entre otros artistas contemporáneos cuya producción dialoga con la impronta de Mariette Lydis.
Mariette Lydis. A dónde Van, 1967, óleo sobre tela. Colección Sívori.
En torno de esta propuesta se desarrollará también un programa público que incluirá talleres para las familias, recorridos especialmente diseñados para adultos mayores, encuentros para adolescentes y jóvenes, música en vivo, una jornada de literatura transfeminista, obras performáticas y lecturas de textos referentes del feminismo.

Effy Beth, Diana Maffia, Luciana Peker, Gaby Borrelli, Red Diversa, Muriel Frega, Movimiento De Juventudes Trans, Bachillerato Popular Mocha Celis, Laura Zambrini, Tian Aviardi & Crew, Panel Drag sobre la escena local, BIFE, Matías Abeijón, Mariana Luz Tichelli, entre otras personalidades del ámbito cultural, los estudios de género y la diversidad sexual, son algunos de los puntos fuertes de esta amplia y variada programación.  

Mariette Lydis. Madera y terciopelo, 1940, óleo sobre tabla. Colección Sívori
La exposición se puede visitar hasta el 23 de setiembre, lunes, miércoles, jueves y viernes, de 12 a 20 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs.
en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Av. Infanta Isabel 555 (frente al Rosedal), parque 3 de Febrero, Buenos Aires, Argentina.
Entrada General: $50. Miércoles, gratis. Jubilados, estudiantes universitarios, personas con discapacidad y sus acompañantes, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, gratis todos los días.

10 de julio de 2019

Walden gallery presenta la primera exposición individual de Magdalena Jitrik en la galería


Magdalena Jitrik. Sín título, óleo sobre tela
 
Bajo el título "La superación de la guerra", está compuesta por una selección de obras tanto recientes como de los años 90, período durante el cual participó del efervescente Centro Cultural Rojas y la Beca Kuitka. Se pueden ver óleos sobre tela de gran formato y dibujos en tinta sobre papel, muchos de ellos se exhiben por primera vez. El texto curatorial es de Raquel Masci.

Magdalena Jitrik. Un caso particular de amnesia, 1996, óleo sobre tela
La obra de Magdalena Jitrik está caracterizada por la confluencia de estilos y la diversidad de materiales y soportes. En sus trabajos se evidencian sus búsquedas personales. La estrecha vinculación entre su mirada respecto de lo social y lo político y su trabajo artístico se refleja en los títulos de sus exposiciones individuales: Manifiesto (1995), Revueltas (1997), Ensayo de un Museo Libertario (2000), Socialista (2001), Fondo de Huelga (2007), Red de Espionaje (2009), Vida Revolucionaria  (2012 y 2014), Linterna Internacional (2012) y El Fin, el Principio (2013), Venceremos // Black is beautiful (2017) y El silencio (2019).

La exhibición podrá visitarse desde el 13 de junio hasta el 3 de agosto de 2019 en la nueva sede de Walden gallery, que reabrió sus puertas en el Centro de Arte y Comunicación (CAyC), un espacio histórico fundado por Jorge Glusberg que ocupó desde fines de los años 60 y durante tres décadas un rol fundamental en la escena del arte local. 

Este año, el espacio cumple el aniversario de los 50 años desde que se organizó la primera exposición llamada Arte y Cibernética.
 
El CAyC, junto a sus miembros fundadores llamados el Grupo de los Trece, funcionó como una institución experimental interdisciplinaria que logró internacionalizar a artistas y a teorías estéticas argentinas y latinoamericanas definidas bajo el concepto de “arte de sistemas”. Experimentaciones tecnológicas, conceptuales, performáticas, de temática social y política recorrieron el mundo y representaron a la Argentina bajo el sello CAyC.

Walden gallery re-emerge en esta histórica sede y se apropia del característico espíritu experimental del CAyC para seguir fomentando el diálogo permanente entre artistas de distintas generaciones.
 
Fundada y dirigida por Ricardo Ocampo, hace 11 años que esta galería trabaja para recordar y traer a la luz a grandes artistas que, por algún motivo, “han sido olvidados”. Walden gallery busca tender puentes y reflexionar sobre los procesos artísticos, las condiciones de producción, los consumos culturales y los vínculos político-afectivos entre obras, creadores, gestores, instituciones y espectadores.
 
Además de un nutrido calendario anual de exhibiciones y la participación en ferias internacionales, la galería cuenta con su propio sello editorial. En febrero de 2019 presentó Yulinda, una publicación trimestral, que pretende construirse como un espacio de difusión, discusión y pensamiento, que despierte interrogantes y aliente investigaciones venideras sobre prácticas artísticas contemporáneas.

Finalizó con gran éxito de público la sexta edición de la Semana de Cine Italiano


Con una gran participación del público argentino finalizó la sexta edición de la Semana de Cine Italiano en Buenos Aires. La muestra organizada por el Istituto Luce Cinecittà, en colaboración con Village Cines. contó con 14 de los films más interesantes y representativos de la producción del cine italiano actual.

En esta edición, el público local pudo disfrutar de la visita de 2 directores nóveles: Emanuele Scaringi (director de “La profezia dell’armadillo”, adaptación de la muy exitosa novela gráfica homónima de Zerocalcare y Valerio Mieli, que presentó su segundo largometraje, “Ricordi?”, que llegará a las salas comerciales argentinas en el mes de julio.

También acompañaron las proyecciones, los actores Irene Vetere, Bruno Lamantia y Giovanni Toscano, protagonistas de la recientemente estrenada “Notti magiche” y Matteo Olivetti, protagonista de “La tierra de la suficiencia”.  
El grupo compartió sus experiencias de rodaje con el público local y se realizaron Q&As y muy interesantes intercambios con los espectadores, tras las proyecciones de sus films.

Todas las funciones, que contaron con salas colmadas y un público ávido de adentrarse en las últimas producciones cinematográficas italianas, hicieron que esta exitosa edición contara con   3500 espectadores.

Seis de los filmes que participaron en la muestra tienen distribución confirmada; dos ya se han estrenado comercialmente y, los cuatro restantes, tendrán  pronta confirmación de fecha de estreno en Argentina.

El éxito de público, que crece año a año, y el apoyo de Village Cines, han confirmado la realización de la septima edición de la Semana de Cine Italiano que se desarrollará entre el 4 y el 10 de junio de 2020.

La galería de arte Zurbarán está exhibiendo los últimos trabajos de Marcelo Torretta


Ignacio Gutierrez Zaldivar, Enrique Burone Risso y Marcelo Torreta
 
Marcelo Torretta (56) es el creador de un mundo propio, autentico y personal. Sus creaciones son el resultado de un dialogo interno entre el consiente y el inconsciente, del recuerdo y la ilusión. Peso a esto el artista manifiesta que no hay motivos en sus creaciones, sus figuras no son el resultado de la obra, sino que son el propósito de las mismas, son la excusa para pintar.
Su obra nos invita a recorrerla, a detenernos y mirarla una y otra vez, puesto que siempre encontramos algo nuevo.
 

Marcelo Torretta nació en Morteros, Córdoba, el 9 de noviembre de 1962. Comienza su formación en el taller libre de artes plásticas Figueroa Alcorta de su provincia natal y los continua en la Escuela de Artes Visuales de Morteros. A partir de 1984 ingresa en la Escuela Panamericana de Artes de Buenos Aires en la que estudia diseño gráfico.
De 1987 a 1994 viaja a Europa y se establece en Italia. Actualmente reside en la Argentina.
Sus pinturas son sugestivas narraciones, crea universos con escasos elementos, un juego entre la fantasía y realidad.



La muestra se puede visitar con entrada libre y gratuita, de lunes a viernes de 10.30 a 21 hs. y los sábados de 10 a 13 hs. en Cerrito 1522, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Paraguay contemporáneo: la dimensión desconocida del arte latinoamericano


Claudia Casarino y Osvaldo Salerno con obras de Ricardo Migliorisi 
 
Herlitzka + Faria presenta “Asunción”, una muestra que reúne el trabajo de cuatro artistas faro que entre los años 70 y la actualidad le dieron a la escena paraguaya una identidad muy particular que merece ser descubierta por el mundo. Ellos son: Claudia Casarino, Fredi Casco, Ricardo Migliorisi y Osvaldo Salerno, artistas que transitan estéticas y soportes muy variados que van desde el pop y la psicodelia al arte conceptual a través del dibujo, la instalación fotográfica y el trabajo textil. Se trata de visibilizar un conjunto de obras y artistas sujetos al desarrollo sociopolítico del país vecino que fue regido por el régimen tiránico del general Stroessner durante 35 años. Estas piezas restablecen la voz paraguaya en el discurso del arte contemporáneo sudamericano.
 

Osvaldo Salerno. Cartel, 1974/2019. Impresión sobre papel de tapa de registro metálico urbano de instalaciones telefónicas y linóleo
 
Augusto Roa Bastos, pluma mayor de la narrativa paraguaya, dijo alguna vez que el Paraguay es una isla rodeada de tierra en el corazón del continente. Parafraseándolo, el historiador Roberto Amigo, a cargo del texto crítico de la muestra, señala que “el arte erudito puede pensarse como otra isla, rodeada por el arte popular que, a veces, lo contamina y singulariza dentro de la globalización”. Paraguay tiene dos lenguas oficiales, el español y el guaraní, y del mismo modo toda su producción artística contemporánea es bilingüe, deudora de dos lenguajes visuales: el de las posvanguardias internacionales y el originario, exuberante expresión de su folclore.
 

Claudia Casarino. Apyte Ao (Corona de tela), 2011, instalación de vestidos de lienzo crudo
Esto se comprueba, por caso, en la obra de Claudia Casarino (1974). Apyte Ao es una instalación de vestidos de lienzo de algodón crudo que se enrollan en sus bases. Roberto Amigo explica que “Lo textil en el Paraguay ha sido asociado a la mujer popular, generadora del sustento doméstico desde la colonia al presente. No se trata aquí sólo de vestimentas desplegadas en el espacio. Casarino interpela desde los vestidos a la mujer como fuerza de trabajo”.
  

Dos obras de Ricardo Migliorisi. Tinta coloreada y marcador sobre papel 
 
Las huellas de la vida cotidiana bajo el brutal régimen de Stroessner pueden seguirse en algunas obras de “Asunción”. De los dibujos de inspiración psicodélica de Migliorisi (1948) señala Amigo que representan “una sexualidad jocosa que afirma la libertad individual y el goce de los cuerpos en la cerrazón de la dictadura. Frente a los cuerpos controlados presenta cuerpos híbridos, mezclados, mimetizados en bestias y objetos, donde lo femenino se entrelaza con lo queer”. Los grabados de Osvaldo Salerno (1952) aportan una reflexión sobre los años 70. “Es plausible asociar sus impresiones de llaves, candados, mangas como una metáfora de la opresión”, concluye el historiador. En tanto que Fredi Casco (1967) trabaja en los cruces entre el registro de la memoria y la política. Con fotografías halladas en los mercados de Asunción elabora un discurso sobre política, poder y cotidianidad mundana durante el régimen de Stroessner. 

Fredi Casco. El retorno de los burjos vol. 2, 2011, impresión digital, 7 fotografías y textos
 
Los artistas de “Asunción” forman parte de colecciones internacionales. Casarino tiene obra en el Victoria & Albert Museum de Londres; Fredi Casco en la Fondation Cartier pour l´art contemporain de París y el Metropolitan Museum de Nueva York; mientras que trabajos de Migliorisi y Salerno forman parte de colecciones privadas en América, Europa y Asia.
 
Otra particularidad de estos exponentes del arte contemporáneo paraguayo es su doble rol de artistas y agentes culturales. Casarino dirige la Fundación Migliorisi; Casco es el co-fundador del mes de la fotografía en Paraguay y Salerno fue Director General de Patrimonio de la Secretaría Nacional de Cultura.
 
Herlitzka + Faria lleva adelante una muestra como "Asunción" con el íntimo convencimiento de que relevar el mapa completo de nuestra región es sacar a la luz parte del mejor arte que puede verse hoy en las grandes ciudades del mundo. La exposición permanecerá hasta el 31 de julio y se puede visitar de lunes a viernes de 11,30 a 19 hs. en Libertad 1630, Buenos Aires, Argentina.

5 de julio de 2019

Se inauguró “Figari: mito y creación” en el Museo Nacional de Bellas Artes

 
"Barrios bajos", s/f, óleo sobre cartón. Colección Museo Figari 
 
Del 29 de junio al 15 de septiembre, podrán verse en el Museo Nacional de Bellas Artes más de 30 óleos, acuarelas y dibujos del gran artista uruguayo Pedro Figari (1861-1938), algunos de ellos emblemáticos y otros nunca exhibidos en la Argentina, provenientes de los acervos públicos del Museo Nacional de Artes Visuales y el Museo Figari, ambos de Uruguay.

Curada por el director del Museo Figari, Pablo Thiago Rocca, la exposición está organizada por el Museo Nacional de Bellas Artes junto con la Secretaría de Gobierno de Cultura de la Argentina, los ministerios de Educación y Cultura, y de Relaciones Exteriores de Uruguay, y la Embajada de Uruguay en Argentina, y se realiza en consonancia con el Mercado de Industrias Creativas Argentinas (MICA) 2019 -encuentro en el que Uruguay será país invitado de honor- y la Cumbre Cultural de las Américas en Buenos Aires.
 
“Figari: mito y creación” atraviesa todas las facetas del maestro uruguayo, incluso sus etapas formativas, para revelar un artista único, creador de una mitografía del Río de la Plata. La muestra dialoga con las tradiciones pictóricas de la región y propone un vínculo entre escuelas plásticas rioplatenses: uruguaya, brasileña y argentina. La selección de las obras, que abarca desde una acuarela temprana realizada en 1890 hasta los dibujos para la última novela publicada por Figari en 1930, se estructura en ocho núcleos temáticos: “La leyenda rioplatina”, “Nocturnos y crepúsculos”, “Corridas de toros y juegos”, “Vida primaria (serie de los Trogloditas)”, “El otro mundo”, “El bajo mundo”, “Crímenes” e “Historia Kiria”.
 
"Vigilancia", 1922, óleo sobre cartón. Colección MNAV
“En Figari, estamos ante escenas amables que incluyen al espectador en la vida plena de los sectores populares, exenta de la mirada extrañada de quien contempla a figuras sociales que le resultan no asimilables, -afirma el director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat- en ese sentido, su obra reviste un carácter político inmediato, en tanto postula la igualdad del género humano, más allá de razas y clases o identidades”.
 
Por su parte, Rocca subraya que la muestra ofrecerá la oportunidad de apreciar a un “artista inquieto, exuberante, imprevisto, que creó con sus pinceles una sucesión de temas que reflexionan sobre múltiples aspectos de la condición humana”. “Figari realizó series pictóricas que abarcan desde la vida del hombre de las cavernas hasta las ceremonias religiosas contemporáneas, transitando por las corridas de toros y los crímenes pasionales, entre otras, revisando una y otra vez sus procedimientos creativos”, agrega el curador de la muestra, inédita y especialmente ideada para presentarse en la Argentina.
 
"El asesinato de Quiroga", 1923, óleo sobre cartón. 
 
Iniciado como artista en su madurez, Figari contaba con 60 años de edad cuando inauguró su primera exposición de pintura en Buenos Aires. Según comenta Rocca, “concibió entonces un programa artístico centrado en la ‘leyenda del Río de la Plata’: una pintura evocativa y fantástica a la vez, que recrea los patios coloniales, las danzas criollas, los candombes de los negros esclavos y libertos, cuyas peripecias fueron a menudo escamoteadas en los manuales de historia”.
 
“Esta muestra de Figari es uno de los más altos homenajes a la rica cultura rioplatense -afirma el embajador de Uruguay en Argentina, Héctor Lescano Fraschini-. Explicar la figura de Pedro Figari no es tarea fácil, supo desempeñarse como abogado, periodista, diplomático, escritor, pintor; nació y vivió en Uruguay durante muchos años, pero fue en Argentina donde se dedicó de lleno a la pintura. Que hoy, casi un siglo después de que fijara residencia en Buenos Aires, se esté llevando adelante esta gran muestra, es un acontecimiento histórico. No solo por el honor de que el anfitrión sea el Museo Nacional de Bellas Artes, sino también porque está conformada en su totalidad por piezas pertenecientes al acervo cultural público uruguayo; y por el enorme trabajo y coordinación que Argentina y Uruguay realizaron para que fuera posible. Por eso, la muestra ‘Figari: Mito y creaciónʼ constituye un ejemplo de auténtica integración a partir de la cultura”, agrega sobre la importancia binacional de esta exposición.
 
Pedro Figari
Reseña biográfica de Pedro Figari (Montevideo 1861-1938)
Hombre multifacético, Figari fue abogado, periodista, educador, político, filósofo, poeta y pintor de extensa e intensa trayectoria. En 1895, como abogado defensor de pobres en lo civil y en lo criminal, asumió la defensa del alférez Enrique Almeida y demostró su inocencia en el célebre caso del crimen de la calle Chaná.
Fue electo diputado por el Partido Colorado en dos ocasiones, 1896 y 1900; ocupó la presidencia del Ateneo en 1903, y el cargo de abogado del Banco República entre 1905 y 1915. Sus escritos periodísticos en contra de la pena de muerte fueron decisivos para la aprobación de la ley abolicionista que se promulgó en Uruguay en 1907.
 
En 1912, publicó en Montevideo el tratado “Arte, estética, ideal”, en el que desarrolla sus concepciones filosóficas. Entre 1900 y 1910, redactó varios proyectos de ley para la creación de escuelas de arte y en 1915 asumió la dirección de la Escuela Nacional de Artes y Oficios (ENAO), consagrándose enteramente a formar obreros artistas.
Desconforme con la desaprobación del plan de reformas, renunció a la dirección de la ENAO y a los demás cargos públicos en 1917 para dPrtar inicio en Buenos Aires a una carrera de pintor profesional, junto con su hijo Juan Carlos (Montevideo, 1893-París, 1927).
 
Portada de "Historia Kiria", s/f, tinta sobre papel. Colección Museo Figari
 
El reconocimiento artístico llegó primero en el ámbito bonaerense en 1921, y luego en París, donde se radicó a partir de 1925. En esta época de gran esplendor creativo, realizó exposiciones por Europa y América, y recibió la visita de personalidades del mundo artístico e intelectual, como James Joyce, Pablo Picasso, José Ortega y Gasset y Paul Valéry.

A la par de su pintura, incursionó entonces en la narrativa de ficción con relatos breves y obras de teatro. Luego de la muerte de su hijo y colaborador, Juan Carlos, publicó en 1928 el poemario “El arquitecto” y dos años más tarde, la novela utópica “Historia kiria”.
Retornó a su ciudad natal en 1934 para ocupar el cargo de asesor artístico del Ministerio de Instrucción Pública de Uruguay. Continuó exponiendo hasta 1938, año en que falleció en Montevideo a la edad de 77 años.

“Figari: mito y creación”, que cuenta con el apoyo de la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes, permanecerá hasta el 15 de septiembre en las salas 32 y 33 del primer piso del museo. El Museo Nacional de Bellas Artes y todas sus exposiciones se pueden visitar de martes a viernes de 11 a 20 hs. y los sábados y domingos de 10 a 20 hs. (lunes cerrado), en Av. del Libertador 1473, Buenos Aires, Argentina. El público argentino o residente en el país podrá recorrer esta muestra con entrada gratuita.