20 de febrero de 2017

"Paisaje de carnaval", un repaso por los comienzos del siglo XX hasta la actualidad


El Museo de la Ciudad, presenta la muestra “Paisaje de carnaval” en las vidrieras de la Casa Altos de Elorriaga, ubicada Defensa 187, de la ciudad de Buenos Aires.

Ante un nuevo aniversario del carnaval porteño que cada año ofrece música, alegría y color, el Museo de la Ciudad propone un repaso por su patrimonio que data desde comienzos del siglo XX hasta la actualidad.
La exposición cuenta con mascaras, disfraces y elementos relativos al carnaval, donde se puede distinguir a la murga porteña de otras poniendo en manifiesto la diversidad de trajes, estilos y cambios hasta llegar a nuestros días.
A través de esta exhibición se busca poner en valor la festividad del carnaval porteño y rescatar la vivencia a lo largo de su duración.

En 1869 se realizó en Buenos Aires el primer corso, con comparsas de negros y de blancos tiznados, que relucían con sus disfraces y su ritmo, mientras su canto y su baile al compás del bombo disparaban piernas y brazos al aire. En la actualidad,
Declaradas Patrimonio Cultural de la Ciudad de Buenos Aires desde 1997, las murgas trabajan durante todo el año para brindar espectáculos de mejor calidad, siempre manteniendo la tradición de la murga porteña.
La muestra estará en exposición hasta el día 19 de marzo.

15 de febrero de 2017

La BIENALSUR presenta los resultados de las convocatorias internacionales para proyectos curatoriales y propuestas de artistas


La BIENALSUR anuncia los resultados de las dos convocatorias internacionales para proyectos curatoriales y propuestas de artistas, de carácter libre, con la idea de invitar a pensar proyectos específicos e inéditos. En este sentido, se ha estimulado especialmente a aquellos destinados a intervenir/interferir en sitios no convencionales, espacios urbanos, públicos, etc., que permitan construir redes de referencias visuales que hagan de la Bienal una marca que señale el territorio más allá de las salas específicamente destinadas a exposiciones. 

377 proyectos preseleccionados de 2543, provenientes de 78 países diferentes, que fueron elegidos teniendo en cuenta su singularidad e interés destinados a contribuir en la construcción de la filosofía y el concepto BIENALSUR. A partir de ahora comienza la etapa de análisis de la viabilidad y localización de los proyectos teniendo en cuenta los espacios y la envergadura de BIENALSUR.
En total, se han convocado artistas y curadores de: Alemania, Argelia, Argentina, Australia, Austria, Bélgica, Benín, Bolivia, Bosnia & Herzegovina, Brasil, Bulgaria, Canadá, Chile, China, Chipre, Colombia, Congo, Corea del Sur, Costa Rica, Croacia, Cuba, Dinamarca, Ecuador, Egipto, El Salvador, Emiratos Árabes Unidos, Escocia, Eslovaquia, Eslovenia, España, Estados Unidos, Estonia, Filipinas, Finlandia, Francia, Grecia, Guatemala, Honduras, Hong Kong, Hungría, India, Irán, Islandia, Israel, Italia, Líbano, Lituania, Malasia, Marruecos, México, Nigeria, Noruega, Países Bajos, Panamá, Paraguay, Perú, Polonia, Portugal, Puerto Rico, Reino Unido, República Dominicana, Rumania, Rusia, Serbia, Sudáfrica, Sudán, Suecia, Suiza, Suriname, Tailandia, Taiwán, Togo, Turquía, Ucrania, Uganda, Uruguay, Venezuela y Vietnam.

La BIENALSUR, Bienal de Arte Contemporáneo de América del Sur, es un evento de carácter bianual, no ocurre cada dos años sino a lo largo de dos años. La primera edición trata de promover un verdadero diálogo en condiciones de paridad entre algunos de los más destacados artistas del mundo y sus colegas de América del Sur. Capitaneada por Anibal Jozami, Director General, y Diana B. Wechsler, Directora Artística y Académica, y organizada por UNTREF, Universidad Nacional de Tres de Febrero, de Buenos Aires, Argentina. 
Con un modelo absolutamente inédito, BIENALSUR está en marcha desde 2016 y busca seguir el latido de las demandas de la actualidad tomando como espacio de exhibición el territorio sudamericano, reivindicando la idea de proceso presente en el arte contemporáneo, con unas bases surgidas de jornadas de diálogo de las que participaron artistas, curadores, coleccionistas, críticos, periodistas y público, bajo el lema SUR GLOBAL de las que se llevaron a cabo 11 encuentros públicos, y en streaming, a partir de noviembre de 2015.

Más información: www.bienalsur.org.

14 de febrero de 2017

El artista estadounidense Stevens Vaughn expone "Como tinte que fluye" en la UCA


El jueves 16 de febrero a las 18.30 horas se inaugura en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA la muestra "Como tinte que fluye" de Stevens Vaughn, artista estadounidense residente en China, célebre por su vida aventurera. La exposición está integrada por una serie de obras realizadas especialmente para esta ocasión y tiene el auspicio de la Embajada de los Estados Unidos en la Argentina y el patrocinio de Hafnia Foundation.

Stevens Vaughn usa siempre en su producción artística, como un ritual, la técnica del “dripping”, que no significa tirar el color en forma casual, sino al contrario, a partir de una indagación experimentada, distribuir cada gota del pigmento en un orden relativo donde la inestabilidad del soporte en su libre fluir origina figuras diversas: puede romperse en gotas, salpicar según el impacto con la superficie pero siempre de modo equilibrado o, como en algunos trabajos más recientes, el pliegue de la hoja determina la superficie cromática.

A menudo no hay ni siquiera una historia para narrar, se llega directamente al interior de la imagen, guiando la técnica hacia la exigencia expresiva de la visión. En sus operaciones meditativas, el artista jamás hace concesiones al estilo o a las exigencias del espectador, sino solamente al tenaz y paciente recorrido del color, a menudo diluido con un agua que lo torna más veloz todavía sobre hojas de papel inmaculado en la esforzada aventura de alumbrar la epifanía de lo existente.

Stevens Vaughn nació en Minnesota, Estados Unidos, y a los 19 años se convirtió en uno de los voluntarios más jóvenes del Cuerpo de Paz de los Estados Unidos. Luego de una vida aventurera que lo llevó a convertirse en un cantante country occidental en un hotel de Dubrovnik, en Yugoslavia, creó la Fundación Hafnia, que explora la diversidad cultural en la expresión artística y ha enseñado pintura y escultura a estudiantes de la Universidad de Beijing. Es mentor de artistas jóvenes en la Academia Dieter Roth, de Europa, y ha expuesto obras de arte en Xiamen, China.
 
“Un cuadro no es algo relativo a una experiencia: es una experiencia”. Este  pensamiento de Mark Rothko que bien podría describir el trabajo de Stevens Vaughn, artista que expresa el sentido de una esencialidad visual aparentemente confusa pero estructuralmente ligada a una visión irónica y colorida de la vida, el despliegue en un signo incontenible de una línea gestual engañosa, guiada por un ímpetu manual que revela una identidad pletórica de un expresionismo emotivo y cultural sólidamente inserto en la realidad.

Esa estructuración, o quizás mejor todavía la “ritualidad” de cada obra, está articulada como la expresión de un pensamiento no verbal, transformado en una composición orquestada hacia la revelación de la realidad, donde se consolida un ejercicio estilístico capaz de transformar el deseo en la ironía de la creatividad, en una dilatación diferida del tiempo y del espacio. Manchas, veloces coloraciones y prepotencias cromáticas contienen la definición del espacio, disputándoles a la naturaleza y a la poesía la búsqueda de soluciones formales, resueltas aquí en un uso inquietante de un elemento tan primordial como lo es el agua.

La muestra se puede visitar de martes a domingos de 11 a 19 horas, hasta el 12 de marzo de 2017, en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA, Alicia Moreau de Justo 1300, Puerto Madero, Buenos Aires, Argentina

12 de febrero de 2017

Cristina Santander expone en Mendoza


Cristina Santander presenta la muestra “Ayer y hoy”, con curaduría de Julieta Gargiulo en Bodegas O. Fournier, Mendoza. La muestra incluye pinturas, grabados, acrílicos y objetos y se puede apreciar a partir del 11 de febrero en Calle Los Indios s/n, Valle del Uco, Mendoza, Argentina. 

“Su obra transita diferentes escenarios y técnicas. Con una energía creadora que la lleva permanentemente hacia diversas expresiones: pinturas, esculturas, grabados, objetos, joyas y, actualmente, trabajos en vidrio y acrílico, ha logrado el reconocimiento internacional, tanto por su obra como por su importante trayectoria. En sus pinturas prima el dominio del color. Sus trabajos nos remiten, en su temática, a Velázquez y a Goya, a través de una relectura y recreación contemporánea, o bien transitan los caminos del Minotauro, las vibrantes selvas tropicales o sus sorprendentes jardines acrílicos.(…) Santander en esta exposición nos invita a recorrer junto a ella ese puente atemporal que transita entre la España clásica del ayer y su mirada contemporánea de hoy.” Fragmento del texto de Julieta Gargiulo sobre la muestra.

La artista argentina radicada en Italia Silvana Chiozza expone en Buenos Aires


Después de tres años, la artista plástica argentina radicada en Italia, Silvana Chiozza vuelve a exponer en nuestro país y lo hace en The Brick Hotel Buenos Aires, member of the Collection MGallery by Sofitel, de la cadena francesa Accor

Chiozza conocida internacionalmente por su pintura figurativa presenta la exposición, “Más allá de la nada”, su primera incursión en gran escala en el arte abstracto, como parte de su deseo de romper con estructuras y liberar a la materia de las formas y regenerarla con nuevos paradigmas.

El curador de arte contemporáneo italiano, Massimo Scaringella quien presentó la muestra hizo hincapié en la calidad y seriedad del trabajo de la artista el cual también fue reconocido por el pintor Yuyo Noé, primer visitante de la exposición. Ambos coincidieron en el uso del color y la luz en esta muestra y también en la fuerte influencia de los paisajes, leit motiv de la obra de Chiozza.

Hija del conocido medico psicoanalista argentino Luis Chiozza y nieta del pintor y escultor, Juan Chiozza quien fundó en 1918 “El Bermellón”, Silvana reconoce su interés en ambos géneros, figurativo y abstracto, explicado en su admiración por artistas tan distantes como Rembrandt y Mondrian, Torres García y Morandi y en la obra abstracta de Rothko y Burri.

Silvana Chiozza con Massimo Scaringella -curador de arte-, Eunice Santos -agregada cultural de la embajada de Colombia-, Christine Meyer -agregada cultural de la embajada de EEUU- y Maria Mezza -agregada cultural de la embajada de Italia-

En la inauguración estuvieron presentes, el Embajador del Reino de Noruega Dr. Jostein Leiro y Señora, María Mezza Agregada cultural de la Embajada de Italia, la agregada cultural de la Embajada de Colombia, Eunice Santos,la agregada cultural de la Embajada de EEUU Christine Meyer .También el médico, científico y académico Guillermo Jaim Etcheverry.   Los artistas plásticos Miguel D’Arienzo e Ignacio Alperín Bruvera. La escritora Silvia Plager, el arquitecto Carlos Libedinsky y la directora Alejandra Marano, entre otros.

Para la gerente general de The Brick Hotel Buenos Aires, Montserrat García, la muestra de Silvana Chiozza “Mas allá de la nada”, suma el compromiso del hotel con el arte, logrando en esta oportunidad que disfrutemos de la obra, de una artista argentina radicada en Cetona, en la Toscana italiana.
 
La exposición, abierta al público hasta el 31 de marzo, podrá verse en el foyer del primer piso del hotel ubicado en Posadas 1232, Buenos Aires.

El Museo de Arte Popular José Hernández presenta la muestra "Kosmos" del reconocido joyero Rafael Álvarez


Durante un mes el Museo de Arte Popular José Hernández exhibe “Kosmos. Joyería, fotografía, dibujo y pintura” del reconocido joyero Rafael Álvarez.

Joyas Ceres
 
Reconocido como uno de los más destacados orfebres contemporáneos de Argentina, Álvarez reflexiona acerca de lo sutil y contenedor, lo liviano y etéreo, la intuición, lo fantástico y la imaginación. El cosmos, un gran hueco que se crea a cada instante, nuestro espacio cercano que a cada minuto aparece y desaparece interpelado por sus límites.
Las obras surgen de una búsqueda artística subjetiva, conceptual y material con la intención de querer expresar en la joyería cualidades relacionadas a lo femenino.
El metal entonces se presenta como demasiado rígido. La investigación lo lleva por los caminos de la pintura, el dibujo, la fotografía y el video, y encuentra en el caucho las cualidades deseadas.
Joyas Gea
“Kosmos” es un universo femenino. Gea, Ceres, Maya, Venus, Diana, Metis, Io y Hera son las mujeres que habitan este espacio. Representantes de una estirpe mitológica que al mirar el infinito no se nombran aunque están presentes.
La muestra permanecerá abierta hasta el 13 de marzo y se puede visitar de martes a viernes de 13 a 19 horas y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 horas en Av. del Libertador 2373, Buenos Aires, Argentina. Entrada $10. Miércoles gratis.

La magia de los Pericet a través de sus vestuarios en el Centro Cultural Borges


El Centro Cultural Borges presenta la muestra Pericet, exposición del vestuario que el gran bailarín y coreógrafo español Ángel Pericet produjo para su ballet entre los años 1949 a 2005.

Carmelita Pericet  en  "El baile del Candil" sobre "El Fandango" de A. Soler, estreno 1997, teatro Lola Menbrives, Sevilla 2009
 
Se trata de una muestra de arte textil excepcional que nos conduce a una de las tradiciones dancísticas más ricas del mundo. La historia de "La Escuela Bolera Sevillana" con esplendor en el XVIII Y XIX, se funde con la propia de esta familia de tres generaciones de artistas. Nos remite a la historia del Baile Español y a su riqueza sin igual, reflejada en la diversidad de diseños, bordados, accesorios y técnicas artesanales que tienen sus múltiples trajes. Y a una tradición de maestros que formaron a los más importantes bailarines españoles como Antonio Ruiz, Rosario Pilar López y Joan Magriñá.

Los vestuarios, exhibidos por primera vez fuera de los escenarios, fueron creados para las coreografías más representativas de Pericet: "La academia de baile de Sevilla", "Goyescas" de Granados, "España" de M. Chabrier, "Capricho Español" de Korsacoff, "Sombrero de tres picos" de Manuel de Falla - con figurines realizados para la puesta en el Teatro Colón de Buenos Aires - , y los bailes de "La Escuela Bolera" que han preservado y difundido hasta nuestros días.
Angel Pericet en "La Farruca del Molinero", diseño de vestuario y escenografía de  Hector Basaldua para el estreno 1969 en el Teatro Colón de "El Sombrero de tres picos" y "La Vida Breve" de De Falla. Figurín recreado por Pericet para las futuras reposiciones
La riqueza de telas, mantones de manila, chaquetillas de torero, los extraordinarios diseños realizados por artistas plásticos, las  batas de cola,  no son más que un bello telón de boca que al abrirse lentamente pone en escena la más alta y pura esencia del Baile Español  en todos sus géneros.
La proyección de clases magistrales de los maestros Ángel y Eloy Pericet, de fragmentos de espectáculos y los programas, son un aporte documental que pone en contexto la selección de las piezas expuestas.
Por otro lado, una muestra fotográfica abre un panorama plástico de valor en sí mismo, con tomas en escena que nos sumergen en la expresión de los intérpretes.

La exposición permanecerá en exhibición hasta el 19 de marzo y se puede visitar en la sala 23 del segundo piso del Centro Cultural Borges, Viamonte 525, Buenos Aires, Argentina.

10 de febrero de 2017

Faena Art inaugura su programa 2017 con la exhibición “Tropos” de Cayetano Ferrer



Ximena Caminos, directora artística de la organización internacional Faena Art, y Alan Faena anuncian la apertura de la exhibición Tropos del artista Cayetano Ferrer, ganador del Premio Faena a las Artes 2015.

El Premio Faena a las Artes es un premio bienal otorgado por un jurado internacional que reconoce la experimentación artística, alienta la exploración  pos-disciplinaria y fomenta la investigación de los infinitos vínculos existentes entre el arte, la tecnología y el diseño. La propuesta de Ferrer se relaciona con los conceptos de tiempo y duración a través de la arquitectura, y fue seleccionada por un jurado internacional que incluyó a Sonia Becce (Curadora independiente, Argentina); Caroline Bourgeois (Curadora, Pinault Foundation, Francia); Rita Gonzalez (Curadora, LACMA, EEUU) y Katie Sonnenborn (Co-Directora de Skowhegan School of New York, EEUU).
La exhibición, curada por Jesús Fuenmayor, actúa como una investigación que explora las ficciones arquitectónicas que pueden rastrearse en las artes industriales y decorativas de ciudades de todo el mundo y, en particular, en la del artista (Los Ángeles) y en el contexto de la exhibición en Buenos Aires, incluyendo la vida anterior de Faena Art Center como un antiguo molino.

Esta muestra implica la utilización de formas arquitectónicas apropiadas y olvidadas, estructuras y ornamentos decorativos que hacen referencia a varias épocas históricas. La obra reconoce el palimpsesto de identidades visuales contenidas en el arte y la arquitectura así como la naturaleza efímera de estas formas que parecen desarmarse a medida que se fabrican, destruyen y re-fabrican para ocupar nuevas formas.


El proyecto de Ferrer transforma el espacio del Faena Art Center en una fábrica para la producción de moldes de gelatina. La instalación existe en un estado de continuo devenir, de realización inacabada que rinde homenaje a la existencia del fragmento.

En el curso de la exposición la instalación se irá transformando debido a la acumulación de procesos orgánicos y mecánicos implícitos en la fabricación de los moldes. El espacio oscurecido estará misteriosamente iluminado por la luz y el calor que emana de los elementos escultóricos -conocidos como unidades de fundido-.

Los moldes de estireno y yeso recuerdan los clásicos relieves tallados, objetos hechos a mano y artefactos industriales que hacen referencia a una multitud de símbolos, partículas lingüísticas de la antigüedad hasta la iconografía actual que existe dentro del paisaje urbano pero se reutilizan aquí dentro de los confines formales del espacio visual del arte. La ubicación es manipulada por el artista para convertirla en una fábrica para el procesamiento del pasado y, en última instancia, un depósito para la ornamentación de un nuevo lenguaje visual.

Ximena Caminos comentó sobre la exhibición: “Ferrer propone una instalación temporal y performativa que es, a la vez, increíblemente arquitectónica y visual. La obra solo existe gracias al intercambio de disciplinas y durante un tiempo no específico, nunca terminado. Una propuesta acorde con la misión de Faena Art, en última instancia, el proceso es en sí mismo la obra -una reacción alquímica al paisaje urbano y las narrativas históricas allí contadas".


La muestra “Tropos” se puede visitar del 10 al 25 de febrero del 2017, de miércoles a domingos de 12 a 19 horas, en Aimé Painé 1169, Puerto Madero, Buenos Aires, Argentina.

7 de febrero de 2017

Temporada 2017 de ópera de Buenos Aires Lírica


El 2017 es un año muy especial para Buenos Aires Lírica porque cumple 15 años desde su creación. Con 5 títulos y diferentes sedes de teatros, BAL se expande y celebra su labor en pos de la ópera.

Una compañía nueva, sin fines de lucro, decidida a ofrecer ópera profesional de calidad, en un contexto de respeto hacia sus artistas y de cordialidad hacia los socios: así surgía Buenos Aires Lírica, “Balírica”, hace quince años, con el ánimo de compartir una nueva experiencia con el público melómano de nuestra ciudad.

En el marco de su misión, creció hasta convertirse en la mayor asociación musical de la historia reciente de nuestro país. Así produjo 70 óperas totalizando más de 300 funciones, entre ellas importantes estrenos argentinos; exhumaciones; reincorporaciones al repertorio; y por supuesto los perennes de siempre... Por el camino Balírica obtuvo premios ACE, ACM, Konex y Rotary. Algunas producciones fueron exportadas a otros países. Las temporadas de Buenos Aires Lírica figuran en las carteleras internacionales y los críticos extranjeros les dedican habitualmente sus columnas en los medios de sus respectivas ciudades. La calidad se alcanzó contratando a artistas reconocidos, preferentemente argentinos y a veces extranjeros; invirtiendo en la realización de producciones que fueran dignas de la grandeza de la ópera; y explorando la totalidad del repertorio, no solamente el puñado de títulos de éxito garantizado. Una buena organización hizo posible que se crearan los "Encuentros con los Artistas" para nuestro Círculo de Amigos y las "Mesas redondas interdisciplinarias" abiertas a toda la comunidad interesada.

Hoy la innovación ha vuelto a ser el imperativo. Pero ya no para llenar un vacío en nuestro medio: ahora -como en todos los grandes polos líricos del mundo- se trata de sostener la vigencia de un arte centenario en medio de los cambios extremos en los gustos y en las costumbres que caracterizan a este Tercer Milenio. En la época de la interconexión global, de las redes sociales y de la inteligencia artificial, en el ocaso del CD y del DVD y cuando hasta la música ya reside en la "nube" y se degusta en mínimas porciones, cuando parece faltarnos el tiempo para detenernos y reflexionar pero cuando viajar a ver ópera en todos los lugares del planeta es una alternativa cada vez más factible, Buenos Aires Lírica no se conforma con acompañar sino que acusa el desafío y se dispone a profundizar su liderazgo. Para que la ópera no pase a ser cosa de otros tiempos y siga siendo el arte vital que a todos nos emociona.

La temporada 2017 está pensada para los melómanos tradicionales y los melómanos nuevos. Nuevos abonos con fechas flexibles a componer a gusto. Precios para todos. Algunas obras más breves. Nuevos y diversos escenarios.
Y como siempre, con muchos de los más distinguidos artistas: Nazareth Aufe, Ernesto Bauer, Marcelo Birman, Santiago Bürgi, Juan Casasbellas, Iván García, María Belén Rivarola, Carlos David Jaimes, Jaquelina Livieri, Marcelo Lombardero, Monserrat Maldonado, Martín Oro, Cecilia Pastawski, Marcelo Perusso, Mario Perusso, Pedro-Pablo Prudencio, Evelyn Ramírez, Walter Schwarz, por mencionar sólo a algunos de ellos.

En 2017 Buenos Aires Lírica presentará cinco producciones muy diferentes, todas con su sello inconfundible. Tres serán de ópera italiana (de Monteverdi, de Rossini y de Puccini), una de ópera francesa (de Offenbach) y otra, un concierto sinfónico-vocal alemán (de obras de Mendelssohn y de Beethoven). Adicionalmente, en conmemoración del 450º aniversario del nacimiento de Claudio Monteverdi, "el padre de la ópera", la apertura de la temporada con L'incoronazione di Poppea -en coproducción con Nuova Harmonia- tendrá lugar en el Teatro Coliseo.

El precio del abono: 5 funciones desde $1.850 hasta $5.850.  Para adquirir sus abonos comuníquese al 4812-6369 del 1º al 22 de marzo.

BALIRICA on line:
 

Josefina Madariaga presenta “El otro lado” en la galería de arte del BNA


La galería de arte “Alejandro Bustillo” comienza un nuevo ciclo de exposiciones con la obra de Josefina Madariaga, una joven representante de la plástica figurativa contemporánea.
Su muestra, “El otro lado”, es una selección de sus últimos y más representativos trabajos que expresan, a través de diversas técnicas y formatos, una delicada y cuidada figuración en donde la mujer ha tomado el centro de la escena.
La muestra podrá ser visitada hasta el miércoles 1° de marzo, de lunes a viernes de 10 a 15 hs. con entrada libre y gratuita, en el hall principal de la casa central del BNA, ubicado enla planta baja de  Rivadavia 325, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

6 de febrero de 2017

El Museo Nacional de Bellas Artes adquirió una obra del siglo XVII de Luca Giordano


El Museo Nacional de Bellas Artes adquirió, a fines de enero, en subasta de la casa Sotheby's de Nueva York, la obra "Isaac bendiciendo a su hijo Jacob", un dibujo realizado a mediados del siglo XVII por Luca Giordano (Italia, 1634-1705), uno de los máximos exponentes del barroco italiano.

La obra es un estudio en tiza roja sobre papel tonalizado de rojo, de 28,2 x 38,4 cm, y se considera una instancia preparatoria de la pintura "Presentación de Jacob a Isaac" de Giordano, que forma parte del acervo del MNBA y se exhibe en la sala 5, destinada al manierismo y el barroco.
“Esta adquisición es una gran noticia. Quiero agradecer especialmente al experto Ángel Navarro, curador de dibujo antiguo del Museo, quien realizó el hallazgo de la pieza en subasta y recomendó su compra, el apoyo del equipo de Investigación del Museo, y el interés y la veloz reacción de la Asociación Amigos del Bellas Artes. Gracias al esfuerzo y la voluntad compartida, hemos logrado que esta significativa pieza pase a  integrar nuestro patrimonio”, sostiene el director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat.
El dibujo fue adquirido por U$D 6.875, que aportó la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes. “La incorporación de esta obra enriquece la colección de dibujos italianos que posee el Museo y, a la vez, permitirá investigar el proceso creativo del gran artista napolitano Luca Giordano”, explica Duprat.

Giordano fue un pintor prolífico y de cuidadosa elaboración en sus trabajos. Atento observador de la producción artística de su tiempo, fue discípulo de José de Ribera, a quien secundó en su taller y de quien tomó composiciones que supo recrear con maestría. Tal es el caso de las series sobre los apóstoles o algunas escenas bíblicas, como Presentación de Jacob a Isaac (117 x 191 cm, Museo Nacional de Bellas Artes), y que posiblemente se trate de una obra de juventud del artista, donde reinterpreta la tela Isaac y Jacob (Museo del Prado, Madrid), que realizó su maestro hacia 1637.

Siguiendo una práctica habitual de los pintores de su época, especialmente aquellos que se dedicaban a la pintura de historia que comprendía grandes hechos del pasado, la mitología y los temas religiosos, Giordano estudiaba sus obras partiendo de dibujos. En ellos, poco a poco, perfeccionaba su composición hasta llegar a aquella que llevaría a la tela. “Tal es el caso del dibujo Isaac bendiciendo a su hijo Jacob: realizado a la sanguina muestra su típica forma de delinear diferentes partes, enfatizando sombras o acentuando trazos para remarcar algún personaje. Este dibujo muestra clara relación con la pintura de nuestro Museo. Pareciera ser igual, pero hay ligeras variaciones que el artista introduce en el óleo, como sucede con los rasgos del joven Jacob y, sobre todo, en el viejo Isaac. En él se ha acentuado la delgadez, y con su cuerpo enjuto, se acerca más a las figuras del maestro Ribera”, detalla Ángel Navarro.

De la misma manera, el área de investigación y curaduría del museo destaca la importancia de la adquisición. “La sanguina ilustra un episodio del Génesis (27, 1-29) y nos acerca tanto al pensamiento del artista como al procedimiento utilizado para construir la imagen final que quedará plasmada en la pintura Presentación de Jacob a Isaac. Esta presenta pequeñas variaciones respecto de la escena y de los personajes del dibujo, que indican el desarrollo visual que el artista fue desplegando en las diversas versiones”, subraya el informe del equipo liderado por Florencia Galesio.

24 de enero de 2017

Miranda Bosch y Cecilia Caballero presentan "Rodeados" de los artistas Sofía Durrieu y Gaspar Acebo


Rodeados es un intento por experimentar la forma como algo abierto, difuso, de bordes no tan reconocibles. La muestra es un experimento que propone una serie de ejercicios, una escala de movimientos que van desde la rumia que habita el encierro, hasta la presunta ruptura que sugiere una fuga.
Para que el experimento funcione será necesario participar activamente: disponer al cuerpo -a su espíritu- a la acción y a la situación. En soledad o en contacto con otros, habrá que moverse: salir del espacio consensuado y reconocible de las galerías y ganar la calle. Habrá que manipular objetos que no serán propios y hacerse responsable por ellos, establecer acuerdos, buscar y hasta distraerse para lograr ver. Con estos rodeos, se intentará habitar el borde y de ese modo perforarlo, estirarlo, disolverlo, sacudirlo, desconocerlo, con la esperanza de que la forma pueda manifestarse como reverberancia. El merodeo, la indefinición y la falta de certeza probarán ser tan necesarios al hacer, como el hacer mismo.
Durante el proceso de trabajo, dos artistas -Sofía Durrieu y Gaspar Acebo-, un curador -Santiago Bengolea- y dos galeristas -Cecilia Caballero y Eleonora Molina- templaron sus resistencias, volviéndose más permeables.
Buscaron extenderse más allá de la comodidad estrecha del yo solitario para ir al encuentro de un "uno" ampliado, dinámico, heterogéneo, mutante y pluriforme.
La experiencia de colaboración se desplegó al margen de las certidumbres razonables, más allá de dónde llega la vista. El rodeo es una pregunta, una acción que no es ni un círculo ni una línea recta, aunque tal vez los incluya. Habrá que caminar la pregunta. Al comienzo, los pasos serán torpes, luego cobrarán el ritmo vital”.

La muestra inaugura el 26 de enero a las 19 horas en Montevideo 1723/20, Buenos Aires, Argentina. Se puede visitar de de lunes a viernes, de 13 a 19 hs.

18 de enero de 2017

La muestra fotográfica “Kioscos de mi País” llega a Punta del Este para rendir un homenaje a los kioscos de Uruguay y Argentina


La muestra llega a Uruguay luego de realizarse el año pasado en Argentina con fotografías tomadas a lo largo y ancho del país. En esta oportunidad, podrán verse 36 fotografías tomadas en ambos países. Hay imágenes de kioscos de Colonia, Maldonado y Montevideo, y de los sitios más poblados y más remotos de la Argentina.
El escritor y periodista uruguayo Alejandro Ferreiro, autor de novelas como “Portland”, “El arte del parpadeo” o “Pavura”, entre otras obras, escribió un emotivo texto para la ocasión que recitó con especial sensibilidad a los asistentes e invitados al evento: “Hablemos de kioscos. Exageremos como si fuéramos un kiosquero entusiasta, que ofrece de todo, objetos y chucherías, meriendas y pegotines, y una absurdidad de cosas opacas y coloridas. (…) Exageremos como si fuésemos el niño que hoy conoce su primer kiosco. (…) Un kiosco es la vida cuando la vida está comenzando y es por eso que en un kiosco la vida se multiplica”.
Por su parte, Marcelo Blanco, Gerente de la filial de Uruguay de Arcor, contó durante el evento que “La relación de Arcor con los kioscos se remonta al origen de la compañía. Desde un primer momento fueron el principal punto de contacto con nuestros consumidores, la casa donde viven nuestros chocolates y golosinas. En la actualidad Arcor Uruguay llega a 3500 kioscos de todo tipo, grandes, chicos, medianos, 24 horas. En la playa, en el pueblo, en la rambla….a través de distintos formatos, pero siempre kioscos que nos acompañan a cada uno de nosotros desde nuestra querida infancia”, agregó.
La muestra, producida por Nah! Contenidos y curada por Julio Suaya, incluye fotografías realizadas por los uruguayos Guillermo Musé y Alejandro Mazza Iorio, y los argentinos Bernardina Boveri, Maximiliano Blanco, Luis Abadi, Julieta Weller, Gastón Bernabé Genco, Christian Granja, Marcos Urisa y Beto Kitsner. Podrá visitarse en forma gratuita hasta el 16 de febrero inclusive en la Plaza General José Artigas (Avenida Gorrero entre 25 y 23) y en la Plaza del Ingenio, sobre la Rambla Artigas y calle 26.

17 de enero de 2017

La Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) llevará a cabo dos muestras en la ciudad de Madrid, España


Antonio Berni. La casa del pintor, 1959, óleo sobre tela
 
"Antonio Berni: entre la expedición fotográfica y la reinvención del grabado" -que se exhibirá en el Museo Lázaro Galdiano y es producida por el MUNTREF y curada por Diana Wechsler, con la colaboración del Archivo Antonio Berni- se trata de una muestra de gabinete, que se centra en la serie de Juanito, que Berni desarrolló a lo largo de las décadas del sesenta y setenta, y en la relación entre la exploración de campo llevada a cabo por el artista en las zonas marginales de la ciudad de Buenos Aires y la manera en que estas indagaciones lo condujeron a la reinvención del modo de construir imágenes.
Figura central en los debates estéticos de la modernidad, representante argentino en diversas exhibiciones internacionales desde 1935, premiado en la Bienal de Venecia en 1962, Berni (Rosario, 1905 – Buenos Aires, 1981) “se identifica por su extensa trayectoria atravesada por sucesivos tránsitos, ensayos, experimentaciones y búsquedas permanentes a través de diferentes formas expresivas en las que la dimensión material de sus obras emerge como uno de sus aspectos identitarios” explica Diana Wechsler.
La muestra que acoge la sala Arte Invitado del Museo Lázaro Galdiano propone acercar al espectador las vías de exploración de la realidad llevadas a cabo por el artista mediante registros fotográficos resultantes de sus expediciones por los barrios humildes, las calles de la ciudad; los bocetos rápidos y los recortes de prensa, en suma aquellos materiales que alberga su archivo personal y confrontarlos con su producción de xilografías y xilo-collages. Estos últimos revelan no sólo sus expediciones en las calles sino también la construcción de imágenes e historias de gran potencia expresiva y singular captación de las problemáticas contemporáneas, a partir de materiales encontrados, de vestigios de esa sociedad industrial en pleno crecimiento.
Entre las obras que componen la muestra se encuentran: Los astros en villa cartón, 1962; La casa del pintor, 1959; Juanito y los pájaros, 1961; Juanito pescando, 1961; Juanito remontando un barrilete, 1961; Juanito con pescado, 1961; Juanito Bañándose, 1962, Juanito lleva a su hermano, 1962; Juanito dormido, 1962.
Esta exposición, se enmarca en un acuerdo de colaboración entre el Museo Lázaro Galdiano y la UNTREF y forma parte del programa institucional de ARCOmadrid 2017.  

Martín Oesterheld. Personas que no conozco, lugares que no recuerdo, 2016

"Ejercicios de Memoria" se exhibirá en Casa de América y reúne obras de artistas argentinos y chilenos, producidas al cumplirse los 30 y 40 años del último golpe cívico-militar en Argentina, el 24 de marzo de 1976, que marca un quiebre histórico con los proyectos revolucionarios y con las utopías de cambio social. Los trabajos son expuestos juntos por primera vez en esta muestra que se realiza en Madrid y  cuentan con la producción y curaduría de la UNTREF.
Hace diez años, el MUNTREF, a partir de una propuesta de Andrés Denegri y Gabriela Golder, realizó la muestra "Ejercicios de Memoria" con diez artistas argentinos y tres chilenos que, a partir de sus obras, planteaban ejercicios para recordar, retener imágenes, palabras, sonidos, gestos para no perder la memoria.  
En 2016, en el marco de la tercera edición de la Bienal de la Imagen en Movimiento de la UNTREF, y a 40 años del golpe cívico-militar, se reeditó el proyecto y se invitó a diez artistas argentinos a elaborar una obra que propusiera un nuevo espacio de reflexión, miradas singulares que invitaran a nuevos ejercicios de memoria.
Los artistas que forman la muestra son: Claudia Aravena, Guillermo Cifuentes, Edgar Endress, Gustavo Galuppo, Julieta Hanono, Iván Marino, Eduardo Molinari, Nicolás Varchausky, Leandro Núñez, Ricardo Pons, Alejandro Schianchi, Graciela Taquini, Carlos Trilnick, Mariela Yeregui, Magdalena Cernadas, Martín Oesterheld; Christian Delgado, Nicolás Testoni, Gustavo Fontán, Ana Gallardo, Hernán Khourián, Ignacio Liang, Juan Sorrentino, Jonathan Perel y Carlos Trilnick. 
Ambas muestras se presentarán en Madrid, España, a partir del 20 de enero de 2017.