22 de octubre de 2019

El Museo de Arte Popular José Hernández presenta la exposición Florencio Molina Campos. Color, arte y tradición


La directora del museo Felicitas Luna, inauguró la muestra junto a las autoridades de la Asociación de Amigos del MAP, la curadora Consuelo Güiraldes y el presidente de la Fundación Molina Campos y senador Federico Pinedo
 
Florencio Molina Campos (1891-1959) habla de las costumbres y vida del hombre de campo argentino. A 60 años de su muerte, la Fundación Molina Campos y el  Museo de Arte Popular José Hernández, se unen para homenajear a este creador. Dibujante y excelente pintor, caricaturista naif, agudo observador llevó su paleta y sus colores más allá del límite nacional.

El baile, témpera sobre papel 1927
 
Florencio en sus obras pinta en detalle al paisano, a la pampa, el trabajo de campo y sus costumbres; sus casas, los caballos y carretas, el mate, los bailes camperos, tomados con una gracia que les da particularidad a sus obras. Pinturas y dibujos, piezas y material poco conocido es el que se exhibirá en el MAP, que por primera vez recibirá la obra de este artista que trascendió las fronteras nacionales para reivindicar un modo de vida que estaba en retraída.

Durante la exposición habrá una amplia programación de actividades, en las cuales se destacan las visitas guiadas para escuelas, grupos e instituciones por la sala y en un proyecto junto a la biblioteca que realizará una visita revisando bibliografía sobre el artista, su figura, y  temáticas relacionadas.

Noche de luna, témpera sobre papel

Florencio de los Ángeles Molina Campos nació en Buenos Aires el 21 de agosto de 1891. Entre sus ilustres y heroicos antecesores se cuentan los generales Luis María, Gaspar y Manuel Campos, entre otros.
Florencio Molina Campos, muy distante del ámbito castrense, pasó su vida alternando entre la Ciudad de Buenos Aires y los campos de sus padres en los pagos del Tuyu y General Madariaga, en provincia de Buenos Aires, y Chajarí, provincia de Entre Ríos.

En 1926, Florencio Molina Campos presentó su primera exposición en el Galpón de Palermo de la Sociedad Rural Argentina. Su muestra fue visitada por el Presidente de la Nación, Marcelo T. De Alvear, quien se convirtió en ferviente admirador de su obra y lo premió otorgándole una cátedra en el Colegio Nacional Nicolás Avellaneda.
 
El santo de la patrona, óleo sobre cartón, 1943 
 
En 1931 el pintor realizó su primer viaje a Europa y expuso en París. Más adelante viajaría infinidad de veces, invitado por diferentes gobiernos como representante cultural argentino. Fue profesor de las nuevas generaciones, tanto en el Colegio Nacional Nicolás Avellaneda como en Bellas Artes.
 
En esa época inició el contrato para ilustrar los almanaques de la firma Alpargatas, que se editaron desde el año 1931 a 1936, 1940 a 1945, 1961 y 1962. Constituyeron, quizá, su obra más difundida, y sobre ellos dijo Ruy de Solana: “los almanaques constituían un sinónimo elemental de lo barato y despreciable. Pero desde que este artista empezó a difundir sus trabajos por ese medio humilde y anual, los almanaques se convirtieron en la pinacoteca de los pobres”.
 
A la escuela, óleo sobre tela, 1943 
 
A partir de 1942, Molina Campos estrechó su relación con Walt Disney y fue contratado para asesorar al equipo de dibujantes para tres películas que los Estudios Disney estaban por realizar, ambientadas en la Argentina y basadas en obras del artista argentino y en los paisajes que habían visto en sus viajes a nuestro país. Luego por desacuerdos con el estudio cinematográfico renunció, por lo que Disney decidió convertir las tres películas en una sola, que se conoció como “Saludos, amigos”.

En 1944, el pintor formalizó un contrato que se extendería por 10 años en forma consecutiva con la firma norteamericana Mineapolis-Moline, para la que ilustró entre 1944 y 1958 una serie de almanaques similares a los de Alpargatas, pero que incluyeron -por sugerencia suya- maquinaria agrícola de esa empresa. Además efectuaron afiches, estampillas y naipes y se reprodujeron los cuadros en diarios y revistas. En 1951, editaron también 12 laminas de los originales de ese año.

El truco, témpera sobre papel
 
La exposición permanecerá abierta hasta el lunes 10 de febrero de 2020 y se puede visitar lunes, miércoles, jueves y viernes de 13 a 19 hs y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. en Av. del Libertador 2373, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Martes cerrado. 

Entrada general: $50. Miércoles gratis. Jubilados y estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo.

 

Se anunciaron los finalistas del Premio Azcuy


El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires dio a conocer los nombres de los siete finalistas de la primera edición del Premio Azcuy, concurso de convocatoria abierta y alcance nacional dirigido a artistas individuales y/o colectivos argentinos, emergentes o consagrados, que premiará una obra inédita.
 
Sobre un total de 304 propuestas presentadas por artistas de todo el país, se seleccionó a los siguientes finalistas: Carolina Raquel Antich, Elba Bairon, Diego Bianchi, Miguel Harte, Martin Legón, Florencia Sadir y Cristina Schiavi.

Los artistas seleccionados recibirán un financiamiento de $45.000 (pesos) cada uno y asesoría técnica y curatorial para la realización de sus respectivos proyectos de sitio específico. Éstos se presentarán en noviembre ante el jurado y a fines del mismo mes se anunciará al ganador. La obra premiada, a ejecutarse entre diciembre de 2019 y abril de 2020, recibirá el Premio Azcuy de $750.000 (pesos), además del costo de producción de la obra, que permanecerá en exhibición permanente en la torre Donna Terra, desarrollada por Azcuy en el barrio de Caballito, como patrimonio de los vecinos.

El jurado responsable de la selección estuvo conformado por Victoria Noorthoorn, directora del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; Javier Villa y Carla Barbero, curadores de dicho museo; Gerardo Azcuy, socio fundador y director general de Estudio Azcuy; Mónica Girón, artista; Carlos Huffmann, artista y director del departamento de arte de la Universidad Di Tella; y a nivel internacional, contó con la participación de Mélanie Bouteloup, directora de Bétonsalon - Centre d’art et de recherche & Villa Vassilieff, de París, Francia.

Sobre el Premio Azcuy
Con el fin de difundir y fomentar la producción artística nacional, este concurso  de arte entregará un único galardón, el Premio Azcuy, a una obra de arte  inédita de sitio específico.
La primera edición del premio se enmarca en la alianza institucional entre Azcuy, que a través de su Programa de Arte explora los vínculos posibles entre arquitectura y las artes visuales, y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, que desde sus inicios fue concebido como un museo de vanguardia, casa de los artistas argentinos, y un espacio dedicado a promover las últimas producciones de todas las disciplinas artísticas. Desde 2019, Azcuy se suma como empresa aliada del Museo Moderno.

“Es un honor para el Museo Moderno formar una alianza que tenga como fin promover el arte local. Estamos orgullosos de nuestra comunidad artística y de todo lo que tiene para aportar a la gran escena del arte. Con el Premio Azcuy continuamos apoyando a los artistas argentinos de las más diversas generaciones”, sostuvo Victoria Noorthoorn, directora del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

“En Azcuy, desde hace 25 años buscamos crear un impacto positivo y valores en la comunidad local por medio del arte y la acción social. El Premio Azcuy es una alianza a largo plazo y el primero de muchos certámenes que queremos llevar a cabo para promover y desarrollar el arte contemporáneo argentino”, afirma Gerardo Azcuy, socio fundador y director general de Azcuy.

Desde noviembre se exhiben una selección de obras de Anish Kapoor en Fundación Proa


El sábado 16 de noviembre inaugura en las salas de Fundación Proa la exhibición Anish Kapoor dedicada al artista británico nacido en la India y reconocido internacionalmente como una de las figuras más destacadas de la creación artística contemporánea. 

Dragon, 1992-1993 (Dragón), piedra caliza y pigmento.
Cortesía del artista © Anish Kapoor. Fotografía: Dave Morgan 
 
Con obras que van de 1992 hasta la actualidad, seleccionadas por el curador Marcello Dantas, la muestra abarca distintas series de la producción artística del artista y una amplia diversidad de materiales utilizados, tales como la cera, la piedra, el pigmento y el acero. Propone un recorrido a través de algunas de sus obras emblemáticas, algunas de ellas de gran carga dramática, y otras más elusivas, que se esfuman frente al espectador o distorsionan el espacio que lo rodea. 

Svayambhu, 2007, cera. Inst: Royal Academy of Arts, 2009.
Cortesía del artista © Anish Kapoor. Fotografía: Dave Morgan
Jugando con las dualidades y con la percepción de las formas, Anish Kapoor coloca al público en un terreno incómodo.  En sus palabras, “…para crear un arte nuevo, debes crear un nuevo espacio... [ser] muy activo, encontrarte en varios estados de transformación”.

A nivel internacional ha sido reconocido con el Premio Duemila por su participación en la 44° Bienal de Venecia, fue ganador del Premio Turner y ha recibido la distinción de Caballero, uno de los más altos honores de Inglaterra. Sus obras fueron exhibidas en Buenos Aires en 2017, en el Parque de la Memoria.

Double Vertigo, 2012 (Doble vértigo), acero inoxidable. 
Cortesía del artista © Anish Kapoor
 
A lo largo de la exhibición se desarrolla una serie de programas públicos, con el objetivo de generar una importante red de conocimiento e intercambio de ideas, charlas, y actividades paralelas para abordar la obra de Anish Kapoor desde distintas perspectivas. La exposición viene acompañada de múltiples actividades de educación y extensión gratuitas para niños, jóvenes y adultos.

La muestra, que cuenta con el apoyo de la Embajada Británica en Argentina y British Council, se podrá visitar hasta marzo de 2020 en Av. Pedro de Mendoza 1929, Buenos Aires, Argentina.

20 de octubre de 2019

5ª edición del Festival "El Cine Cocina"


El cine y la cocina siempre se llevaron bien. En el obrar, ambos necesitan imaginación y creatividad, para contar una historia, generar una emoción, despertar un deseo… Para aquellos que lo disfrutan es un paréntesis, una pausa, un momento de placer, intenso y evanescente. ¿Acaso no se acompañaron siempre? Hay sabores que nos remiten a las salas de cine, y platos que parecen salidos de una película.
 
Con "El Cine Cocina", el primer festival de cine culinario argentino, se creó una selección de películas que celebran, cada una a su manera, lo universal del encuentro con un sabor inesperado o una escena conmovedora. Son películas en las que uno se reconoce en la cotidianeidad de un almuerzo en familia, o la expertise de un gesto bien ejecutado. Porque la cocina es el corazón de la casa y el cine la mejor manera de explorarlo.

El festival reúne películas de ficción y documentales, estrenos exclusivos y clásicos inolvidables, obras nacionales y películas del mundo entero.
Además de los films, el festival también es un momento dedicado a encuentros con profesionales de la gastronomía, talleres, degustaciones y charlas, que son formas de acceso a lo culinario desde nuevas perspectivas, para que el público pueda experimentar y apropiarse de manera única de la dimensión cultural y universal de la cocina. A divertirse, probar, degustar, dejarse llevar por los senderos de la imaginación… ¡sin olvidar de volver para la cena!

El Festival El Cine Cocina es un evento que reúne películas documentales y de ficción en las que la cocina es protagonista. Todas las películas proyectadas son gratuitas y están acompañadas por actividades didácticas o lúdicas para enriquecer la experiencia del público.

 

18 de octubre de 2019

Amigos del Bellas Artes cumple 88 años apoyando y acompañando al MNBA


Amigos del Bellas Artes es la asociación de amigos de museos pionera en la Argentina, fundada el 22 de octubre de 1931. Gracias al aporte de los socios, a donaciones individuales, a eventos específicos de recaudación de fondos y al desarrollo de actividades declaradas en 2017 de interés cultural y educativo por la Legislatura Porteña, la Asociación acompaña al Museo Nacional de Bellas Artes en la ejecución de sus exposiciones temporarias, en la actualización de su patrimonio a partir de la donación de obras de arte, en la ampliación de sus servicios de extensión cultural y en la realización de obras edilicias y apoyo de gastos de funcionamiento.

La relevancia de la Asociación se refleja en el aporte sostenido al MNBA. Al finalizar el año 2019, le habrá asignado aproximadamente 23 millones de pesos, 9 de los cuales se obtuvieron de “Da Vinci, una noche renacentista”, la comida anual de recaudación de fondos que, en septiembre, convocó a 400 personas.

Este ha sido un año de importantes logros. En abril se inauguró la nueva tienda de Amigos, emplazada en un lugar protagónico, en la planta baja del museo, a la izquierda de la entrada principal, con un diseño muy actual y novedoso. Se especializa en libros  de estética, fotografía, arquitectura, diseño y arte, especialmente para chicos, además de los catálogos de sello editorial propio.  Hasta el momento, ha editado más de 60 libros, algunos de cuyos títulos más recientes son: “César Paternosto: la mirada excéntrica" (2019); “Julio Le Parc" (2019); "Fígari" (2019); "J.M.W. Turner. Acuarelas" (2018); "El tapiz del General San Martín: historia de una restauración" (2018); "Una historia, una colección: donación Elía-Robirosa" (2018); “Guillermo Roux: diario gráfico" (2018); "Obras maestras del Renacimiento al Romanticismo" (2018); y "Rodin centenario en el Bellas Artes" (2018).


La tienda también ofrece productos propios -cuadernos, láminas, postales, libretas, tazas, juegos infantiles, reproducciones de obras, y muchos otros- o en alianza con marcas de diseño para desarrollar productos específicos para la colección permanente o de las exposiciones temporarias, como es el caso de los pañuelos y paraguas con motivo Le Parc, desarrollados junto a Perramus. Además, desde hace cuatro años, Amigos diseña inhouse su ya tradicional calendario y agenda con obras del Museo.

El nuevo emplazamiento, de 40m2 de superficie, se enmarcó en un proyecto de reorganización circulatoria integral del Museo, que también significó la apertura de las nuevas salas donde se exhiben piezas prehispánicas realizadas por las culturas del Noroeste Argentino entre los siglos V a. C. y XV de esta era, y obras de arte colonial. En este espacio se integra la colección del Museo Nacional de Bellas Artes, la colección del Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto y piezas provenientes de la donación Matteo Goretti, cuya apertura contó con el apoyo de la Sra. Claudia Caraballo de Quentin y de la Asociación.

Entre otros logros contabilizados durante 2019, vale destacar que, desde el mes de mayo, los socios de Amigos acceden sin cargo al MNBA y a sus exhibiciones temporarias, que por resolución de la Secretaría de Cultura de la Nación desde abril de este año son aranceladas.

En el área educativa Amigos cerrará 2019 con 20 mil matrículas, un crecimiento del 10% respecto de 2018, que comprenden a la carrera de Historia General del Arte, cursos de artes visuales, cultura, danza, música, literatura, patrimonio y turismo cultural -por ser sede de una Cátedra de la UNESCO en la especialidad-  así como  talleres de dibujo y pintura, actividades para niños y el programa “Amigos hacia la Comunidad”, que expresa el compromiso asumido por la Asociación de generar bienestar y mejorar la calidad de vida de grupos vulnerables a través del contacto con el arte.

Esta área se desarrolló trabajando en conjunto con instituciones tales como Fleni -con quien por tercer año consecutivo en septiembre realizamos  la jornada de charlas y talleres abiertos y gratuitos "Entre el arte y la memoria"-;  la Universidad Maimónides, con quien realizamos capacitaciones a alumnos de posgrado en gerontología; o la Parroquia Nuestra Señora del Socorro (Juncal y Suipacha, ciudad de Buenos Aires), con la que se organizaron visitas y talleres especiales para niños y adolescentes. Estas instituciones trabajaron en conjunto con la Asociación y aportaron conocimientos específicos en el manejo de público con necesidades especiales. A su vez, el sistema de becas del programa ofreció más de 100 vacantes gratuitas para que docentes y autoridades del Ministerio de Educación de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires cursaran la Carrera Corta de Historia General del Arte. También, acompañando esta labor formativa, se ofrecieron capacitaciones y vistas guiadas especiales a miembros del ESSARP (por English Speaking Scholastic Association of the River Plate), escuelas de habla inglesa asociadas a la Universidad de Cambridge, así como a docentes de la DEA, Dirección de Escuelas Artísticas de la ciudad de Buenos Aires.

Otro programa de Amigos que registra interesantes resultados es el de formación integral en artes visuales para chicos desde 5 años en adelante, que introduce a niños y niñas en la experiencia de la creación artística desde un rol en el que se activan el pensamiento, la sensorialidad y las emociones. Los talleres están pensados en clave pedagógica, con propuestas de artes combinadas -filosofía, poesía, tecnología, literatura, huerta, astronomía, fotografía-; de juegos y producción artística -como sucedió este año con el Festival del Día del Niño-;  o  de actividades individuales enmarcadas en ciclos temáticos. Se procura el acercamiento al Museo Nacional de Bellas Artes y a su colección, el disfrute por la creación visual, el juego y la exploración de los lenguajes artísticos. En tanto que el ciclo "Arte y conciencia plena" ofreció 8 encuentros a lo largo del año, pensados para niños y niñas acompañados por su mamá o un familiar cercano, y enfocados a alcanzar una conciencia más profunda sobre la realidad de las cosas y del mundo que nos rodea.

Jóvenes del Bellas Artes viene creciendo sostenidamente como categoría, con una variada agenda cultural y social  que busca fortalecer a través de cursos, visitas guiadas, visitas a ferias especializadas y a talleres de artistas, la vinculación entre sus miembros con las obras del patrimonio del museo en particular y del arte en general.

Amigos del Bellas Artes quiere agradecer profundamente a todos aquellos que apoyan su labor diaria: socios, alumnos, profesores, donantes y usuarios que disfrutan de las actividades desarrolladas específicamente para ellos y a todos aquellos que impulsan su deseo de seguir creciendo. 
 

17 de octubre de 2019

La Colección Amalita presenta la exhibición "Rómulo Macciò. Crónicas de New York"


Curada por Florencia Battiti y con museografía de Juan José Cambre, la exposición presenta una selección de obras de la serie que realizó el artista hacia fines de los años ochenta y principios de los noventa en New York. Muchas de ellas, pertenecientes a colecciones privadas, serán exhibidas por primera vez en Argentina.

La curadora Florencia Battiti, el artista Juan José Cambre y el director artístico de la Colección Fortabat Germán Barraza
 
… "Macciò pintó ciudades, como la suya, Buenos Aires, y también otras que visitó o frecuentó durante  diferentes períodos. Y claro, Nueva York no podía dejar de ejercer su hechizo sobre él, un conjuro repleto de esplendores y miserias. Allí, entre idas y venidas, vivió casi tres años, hacia fines de los años ochenta y, nuevamente, a fines de los noventa. Casi puedo verlo, apoyándose contra la vidriera de alguna librería donde se vende La hoguera de las vanidades, la novela que Tom Wolfe publicó en 1987 y que pinta un fresco descarnado de la capital financiera del mundo, o deambulando de noche por P. J. Clarke’s, lamentándose de la velocidad con que la gentrificación transforma una bella ciudad en una fortaleza consumista. 
Nueva York ofició de escenario perfecto para que Macciò probase, una vez más, la enorme capacidad expresiva y narrativa que tiene la pintura.
 

"Sun and cold on Nassau Street", 1990, óleo sobre tela. Colección privada
 
(…) Y sin embargo, a pesar de las innumerables imágenes de Nueva York que se agolpan en nuestra memoria, esta serie logra resignificarlas a todas; en realidad, Macciò las utiliza conscientemente a veces, inconscientemente otras, las deglute, las fagocita para devolverlas frescas -recreadas- en sus propias obras.
(…) Se trata entonces de imágenes construidas, elaboradas a partir de una síntesis personalísima que, si bien parten de algunas ideas de la realidad, se alimentan también de la memoria y de toda la carga subjetiva que esta conlleva. Claro, también cuentan sus propias fotografías -que Macciò consideraba meros bocetos, a pesar de que se vendieran carísimas- y cualquier otro factor que pudiera aparecer en el hacer y que él considerase apropiado para deconstruir el cliché, para dinamitar el estereotipo de una metrópoli vista una y mil veces.
 

"Desde el Empire State", 1992, óleo sobre tela. Colección Amalita 
 
En este sentido, Mercedes Casanegra -quien se ocupó del derrotero de la Nueva Figuración pero también de la obra singular de Macciò- sostiene que sus pinturas no poseen una pretensión realista sino que su propósito es mucho más ambicioso: «Evocar, a través de la pintura, su cualidad misteriosa que es convertir a lo real en suprarreal, en una categoría que reside en el maravilloso puente entre lo visible y lo invisible». 
«Tengo la cabeza llena de pintura», le confesaba Macciò a Fernando García en una de las pocas entrevistas en las que no se lo percibe tan incómodo. «Pinto mucho en la cabeza. En la tela lo plasmo, pero nunca sale igual. Se va transformando. Nunca podés llevar la obra al ideal que soñaste.» 
Nunca sabremos cómo se vería ese ideal no alcanzado al que Macciò aspiraba llevar su obra pero quizás eso sea lo mejor. Al fin de cuentas, ¿qué vendría a ser una pintura ideal?, ¿la que se amoldó perfectamente a la idea? ¿La que no permitió que se colaran los desvíos? Fueron la fuerza, el dinamismo y los rotundos contrastes de la ciudad de Nueva York -con su capacidad de reunir lo mejor y lo peor del mundo, según sus propias palabras- lo que conmovía a Macciò, además del olor a cebolla frita, a imprenta, a cartón…
Hoy conmueve ver que estas obras siguen respirando vitalidad y que son el mejor testimonio de la máxima que el artista solía machacar: «En pintura, la pintura es lo más importante». Fragmento del texto del catálogo: "La cabeza llena de pintura", por Florencia Battiti.
  
"Bowery", 1989, acrílico sobre tela. Colección particular
 
"La pintura se muestra, no se dice. Es el arte del silencio. Se empieza tratando de no hacer lo que está hecho y en ese camino del libre juego de la imaginación no se sabe hasta dónde se puede llegar, ya que la pintura es una ciencia oculta, irracional; nace de un oscuro núcleo y no de conjeturas intelectuales. Me aburre absolutamente la conjetura en la pintura. Yo registro en mi conciencia temas de la realidad y luego los reflejo en la tela. La pintura nace en la cabeza, la mano ejecuta y el corazón le pone la emoción. Si hay poesía conmueve y si no la hay, no. Y eso es un milagro, no tiene explicación" expresaba Rómulo Macciò.

Pintor autodidacta, a los catorce años comenzó a trabajar en una agencia publicitaria. Fue director de arte en De Luca y luego en Walter Thompson. Se especializó en artes gráficas y realizó decoraciones y escenografías teatrales. Su primera exposición tuvo lugar en la galería Galatea de Buenos Aires en 1956.
En 1961 fue uno de los cuatro creadores del movimiento Nueva Figuración, una de las vanguardias más vitales de la pintura argentina. La obra de Macciò supo romper aquella falsa dicotomía entre abstracción y figuración, brindando una nueva mirada a la pintura abstracta al incorporar al hombre en ella. En su monumental obra, el ser humano es un motivo constante. 
Bohemio, temperamental, bon vivant e irreverente, Macciò es uno de los más importantes artistas de la segunda mitad del siglo XX en la Argentina. ciudadano del mundo, a lo largo de su vida residió en París, Madrid, Londres y Nueva York.
Realizó exposiciones individuales en salas y museos de París, Venecia, Milán, Roma, Barcelona, Bilbao, Madrid, Múnich, Colonia, Nueva York, Austin, México DF y La Habana. Fascinado por el bullicio y el desorden armonioso de Nueva York, a fines de los años ochenta decidió instalarse en esa ciudad.
 

Estableció su taller en Ann Street, en el Distrito Financiero, y frecuentó a muchos de los artistas residentes allí. En ese taller pintó gran parte de sus obras de la serie de New York, que luego expuso por primera vez en el Hôtel de Ville de París, entre octubre y diciembre de 1990 (Rómulo Macciò: Portraits de New York). 
A lo largo de su carrera Macciò recibió incontables distinciones. Entre las más destacadas están el Premio De Ridder en 1959, el Primer Premio Internacional del Instituto Torcuato Di Tella en 1963, el Guggenheim Award en 1964 y el Gran Premio de Honor del Salón Nacional en 1967. Representó a la Argentina en la Bienal de Venecia en 1968 y 1988, en la Bienal de París en 1969 y en la Bienal de San Pablo en 1963 y 1985.
Sus obras forman parte de las siguientes colecciones: The Solomon Guggenheim Foundation New York, Musée Royal d’Art Moderne de Bruselas, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Musée Cantonal des Beaux-Arts de Lausana, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Blanton Museum of Art: The University of Texas de Austin, The Walker Art Center de Minneapolis, Museo de Bellas Artes de Caracas, Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Museum of the 20th Century de Viena y The Aldrich Contemporary Art Museum de Connecticut.

La muestra podrá visitarse desde el 17 de octubre de 2019 hasta el 23 de febrero de 2020, de martes a domingos de 12 a 20 hs. en la Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat, Olga Cossettini 141, Puerto Madero, Buenos Aires, Argentina.
Valor de la entrada: tarifa normal de $140, tarifa reducida de $80 para menores de 12 años, jubilados, estudiantes y docentes. Miércoles: tarifa normal $80 y acceso gratuito para menores de 12 años, jubilados, estudiantes y docentes con acreditación.

16 de octubre de 2019

Dos nuevas exposiciones se presentan en el nuevo espacio de arte de la Fundación OSDE


Luego de una exitosa apertura de la nueva sede de su espacio de arte, la Fundación OSDE presenta la exposición antológica "La herencia indócil de los espectros. Obras de Cristina Piffer" en la sala 1. 

La muestra reune una serie de trabajos realizados entre 1999 y 2019, que repasan su producción artística dedicada a interpelar la historia oficial de Argentina. Sus trabajos recuperan hechos históricos tales como el genocidio de los pueblos originarios durante la llamada “Conquista del Desierto”, la esclavitud y la explotación física de los indígenas, y su captura en la isla Martín García entre 1870 y 1890, entre otros. La artista pone en evidencia tensiones históricas, políticas y culturales que aún hoy persisten. 

Cristina Piffer. "200 pesos fuertes", 2011
 
Las obras de perfecta factura minimalista, están realizadas con materiales que refuerzan la idea de la violencia ejercida a lo largo de la historia: sangre de vaca deshidratada, carne, grasa y tripas vacunas. Asimismo, la artista utiliza recursos de archivos históricos, del registro fotográfico y de la impresión grabada para que la imagen sea una marca o una huella. En palabras del curador, Fernando Davis: "A través de procedimientos de impresión, registro fotográfico, calado y transferencia y utilizando materiales como grasa, carne, sangre deshidratada, metal y vidrio, la obra de Piffer diagrama soportes de inscripción, dispositivos de revelado que retienen esas memorias y relatos amenazados por el olvido y la cancelación". 

Sobre pulcras mesadas de acero pulido y formas asépticas, los objetos diseñados por Piffer se presentan en dispositivos que evocan mesas de disección o de autopsia, la práctica médica y quirúrgica, al mismo tiempo que refuerzan la referencia a la actividad del matarife y el ejercicio de la tortura. Violencia, identidad, patria y nación son los temas que Cristina Piffer revisa, interpela y cuestiona. 


Cristina Piffer. "Braceros", detalle, 2018
 
Cristina Piffer (Buenos Aires, 1953) es artista y arquitecta. Egresó de la Facultad de Arquitectura de la UBA. Estudió con Alejandro Puente. En 1998 presentó Como carne y uña, su primera muestra, en el Centro Cultural Borges. Realizó las exposiciones individuales Entripados (Galería Luisa Pedrouzo, Buenos Aires, 2002), Con la sangre en el ojo (Galería Ignacio Liprandi Arte Contemporáneo, Buenos Aires, 2010-2011), Contemporáneo 27. Cristina Piffer (MALBA - Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, 2011) y Argento (Galería Rolf Art, Buenos Aires, 2018). 

Ha participado de exposiciones colectivas en Sotheby’s (Nueva York, 2003) y Espacio Fundación Telefónica (Buenos Aires, 2004-2005), Fundación OSDE (Buenos Aires, 2008), Museum Morsbroich (Leverkusen, Alemania, 2011), Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, 2016) y Centro Cultural Kirchner (Buenos Aires, 2018). También expuso en la III Bienal Iberoamericana de Perú (2002), en la Bienal de las Artes, Valencia, España (2007) y en la Bienalsur (2017 y 2019). Participó en proyectos de arte público en San Juan de Puerto Rico, Berlín y Buenos Aires. 

Cristina Piffer. "Trenzados", detalle, 2002
 
Entre 2013 y 2017 formó parte junto a Javier del Olmo, Ana Maldonado, Juan Carlos Romero y Hugo Vidal del colectivo Artistas Solidarios. Con Maldonado y Vidal integra actualmente el grupo TR3S

Recibió el 4º Premio en la II Bienal de Arte de Bahía Blanca (Museo de Arte Contemporáneo, 1997) y Mención del jurado en el Premio Banco de la Nación Argentina a las Artes Visuales (2000). En 1998, el proyecto “La cruz del sur”, que realizó con Hugo Vidal y Claudia Contreras, fue preseleccionado en el Concurso Internacional de Esculturas Parque de la Memoria. En 2001 recibió un subsidio del Fondo Nacional de las Artes a la creación artística. En 2002 fue premiada como Artista del año por la Asociación de Críticos de Arte y distinguida con Diploma de Honor en los Premios Konex, en la categoría objetos.
Su obra integra colecciones públicas y privadas. Vive y trabaja en Buenos Aires. 

Maricel Álvarez. "2000 piezas / infinito singular"
Mientras, en la sala 2, se exhibe "2000 piezas / infinito singular", una propuesta de Maricel Álvarez que viene de ser exhibida en el Museo Provincial Palacio Dionisi, en Córdoba.

A partir de varias lecturas de fisonomistas del siglo XVIII en las que el rostro es un texto cifrado abierto a la interpretación del observador, la artista pone a disposición su rostro para una reflexión poética sobre los conceptos de identidad y alteridad.

Según la artista: “2.000 piezas / Infinito singular piensa al rostro como único, intraducible, inabarcable. Como el infinito singular del otro, de todo otro. Las muchas piezas que lo componen, como las de un rompecabezas, se ensamblan con delicadeza y precisión. Sin embargo, su secreto nunca se devela. Se trata, entonces, de ir al encuentro del rostro del otro, que me afecta y me importa (Lévinas habla de conmoción) para abandonar nuestra mismidad”, se lee en el texto de sala.

Maricel Álvarez. Captura de pantalla del video de "2000 piezas / Infinito singular"
 
Maricel Álvarez es una artista del campo de las artes escénicas. Su práctica se desarrolla en la intersección del teatro, la performance, la danza y las artes visuales, generando una fusión de los espacios en los que el cuerpo, como un aparato artístico y crítico, se puede manifestar.  

Este enfoque interdisciplinario es reflejo de su formación: cursó estudios de literatura en la Universidad de Buenos Aires y se formó con destacados maestros en teatro y danza contemporánea. Trabaja como actriz de teatro y cine, directora, curadora y docente, colaborando en proyectos de artistas como Emilio García Wehbi, Alej Nora Lezano y Edgardo Cozarinsky, entre muchos otros, y desarrollando sus propias creaciones.
 

Sus trabajos se han presentado en prestigiosos espacios en Argentina y en el extranjero, tales como Teatro Colón, Teatro Argentino de La Plata, Teatro General San Martín, Centro Cultural Kirchner, Konzert Theater Bern (Suiza), Berliner Festspiele (Alemania) y Akademie der Künste Berlin (Alemania). Ha participado de la Bienalsur en 2017 y ha sido becada en dos oportunidades por el Goethe-Institut para perfeccionarse en Berlín. Ha sido curadora de la Bienal de Performance en 2017 y 2019. 

Ambas exposiciones se pueden visitar de lunes a sábados de 12 a 20 hs. hasta el 14 de diciembre en Arroyo 807 (esquina Esmeralda), Ciudad Autónoma de Buenos Aires.


15 de octubre de 2019

El Museo Nacional de Arte Decorativo y DARA presentan la exposición retrospectiva del diseñador argentino Juan Azcue


Entre el 4 de octubre y el 2 de noviembre se exhibe en el Museo Nacional de Arte Decorativo la exposición "Juan Azcue. Diseño 1:1". Organizada por DARA - Diseñadores de Interiores Argentinos Asociados. La muestra, que cuenta con la curaduría de Gabriela Reston, Martín Zanotti y Eduardo Aldacour, exhibe los 40 años de trayectoria de Juan Azcue y pretende reflejar su importancia en la historia del diseño argentino. Se puede visitar de martes a domingos de 12.30 a 19 hs. con entrada libre y gratuita, en Av. del Libertador 1902, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Juan Azcue referente indiscutible del diseño que se inició en los años 80 en Buenos Aires, fue protagonista del movimiento más importante que tuvo el interiorismo en esa década y que hoy continúa vigente.
 

La carrera de Juan Azcue como diseñador tuvo dos grandes etapas: una primera que emula estilos clásicos con el virtuosismo que lo caracteriza toda la vida; y la siguiente, en la que Juan se atreve al desafío de dar verdadero cauce a su talento. Entonces las vidrieras de Azcue Diseños se convierten en instalaciones que integran con maestría el carácter, la inteligencia, la originalidad, el humor, el espíritu de síntesis y la saludable irreverencia que caracteriza a cada una de las piezas allí exhibidas, tanto como a su autor.

En esos muebles confluyen la observación solitaria del mundo natural, la experimentación con diferentes tipos de maderas con esa cualidad manual y alegre que tiene el juego infantil; también los bocetos del aprendiz de dibujante que oscila entre la intuición acerca de su propio genio y una autoexigencia tortuosa.
Ese mobiliario también delata la fascinación por los movimientos de vanguardia que Juan Azcue recién llegado a la gran ciudad descubre y en los que se sumerge con avidez, porque eran el arte, la cultura y la bohemia que su pulsión estética le pedía a gritos.
Finalmente, si uno aguza la mirada estudiando esas creaciones también entiende que las lecciones de las luces y las sombras de la galería y las formas primitivas del mundo rural resultaron tan determinantes en su impronta creativa como lo fueron los estudios formales posteriores.
 
Los autores del proyecto y curaduría, el Arquitecto Martín Zanotti y el diseñador Eduardo Aldacour, convocados por  DArA han organizado y producido junto a Gabriela Reston (que posee el legado de la colección de Juan Azcue) y al Museo de Arte Decorativo la exposición proponiendo  seis grandes pasarelas que recorren el edificio para dar acción a un gran desfile de mobiliarios y objetos del diseñador.  El recorrido de la muestra  es libre y hace mención a una visión de la historia del diseñador venido del campo de Tandil  a la ciudad.

La esencia creativa de Juan Azcue está basada estructuralmente en los muebles rurales y en piezas agrícolas con un enfoque de pensamiento con terminaciones netamente contemporáneas, por tal razón la muestra se divide en dos sectores: un sector llamado Campo, donde se verá plasmado a modo de ganado su colección de muebles y un sector denominado Despacho en el que se podrá apreciar el proceso de trabajo que hace valor y homenaje a los 40 años del diseñador en la gran ciudad.


"Hacer de un espacio una experiencia vital y estética es algo que Juan Azcue supo lograr con pocos recursos pero de manera extraordinaria. Sus muebles, interiores y escenografías lo legitiman a lo largo de más de 40 años como un creador notable; siempre marcando tendencia y el más alto nivel en el diseño argentino.
Trabajador meticuloso, amante del detalle y creador de modos hápticos siempre admirables, llenos de intuición, ingenio y riesgo. En sus icónicas piezas es posible descubrir guiños sutiles a destacados "form givers" de la modernidad como Mackintosh, Van de Velde, Hoffmann, Breuer o el irreverente y transgresor Grupo Memphis, y al mismo tiempo lograr con un minúsculo gesto, transformar una piedra, una rama caída o unos tientos de cuero en algo sorprendente. En sus palabras: "Sacarle el jugo a lo simple", "Hacer de lo ordinario, algo extraordinario".
Protagonista sobresaliente de Casa FOA por décadas, una de las estrategias más efectivas y consecuentes en la difusión del diseño y la arquitectura de interiores.
Hoy DArA, de la que fuera fundador y activo miembro, y el Museo Nacional de Arte Decorativo se unen para homenajear a uno de los más creativos, elegantes y audaces diseñadores argentinos, que con su hacer definió un modelo que debe ser tomado por las nuevas generaciones como ejemplo de lo que somos capaces cuando nos proponemos transitar seriamente el camino del esfuerzo, la rigurosidad, el tesón y la pasión." Arq. Martín Marcos, director del Museo Nacional de Arte Decorativo.

14° Concurso Nacional UADE de Artes Visuales


UADE Art inauguró la muestra de obras seleccionadas y premiadas en el 14° Concurso Nacional UADE de Artes Visuales.
Un jurado conformado por Maria Teresa Constantin, Claudio Fabián Ongaro Haelterman, Maroa Lightowler, Lucie Haguenauer y Horacio de las Carreras distinguió a los siguientes participantes:
 
"Peces" de María Verónica Calfat 
 
• María Verónica Calfat, primer premio: $ 80.000.- + U$S 6.000.- (en concepto de beca para Programa Formativo en el exterior).
• Nicolás Martella, segundo premio: $ 70.000.-
• Ezequiel Verona, tercer premio: $ 60.000.-
• Vilma Villaverde, mención a la trayectoria.
• Nushi Muntaabski, mención especial.
 
"Albergue Warnes. La Dicha, La relocalización y La Demolición"
de Ezequiel Verona
La muestra podrá visitarse hasta el 7 de noviembre, de lunes a viernes de 10 a 20 hs. en  UADE Art, Lima 775, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. La entrada es libre y gratuita presentando DNI. 
Para más información: www.uade.edu.ar/art o comunicarse a: uadeart@uade.edu.ar.

14 de octubre de 2019

Se presentó una nueva edición del programa "Italia en 24", esta vez dedicado a la provincia de Entre Ríos


Se presentó una nueva edición del programa "Italia en 24", dedicado a promover el fortalecimiento de las relaciones entre ese país europeo y cada una de las provincias argentinas en todos los sectores de cooperación, haciendo hincapié en las peculiaridades de cada territorio.
 
La secretaria de turismo y cultura Carolina Gallard, el gobernador de Entre Ríos Gustavo Bordet y el embajador de Italia Giuseppe Manzo

Esta vez, la provincia de Entre Ríos fue recibida en la embajada de Italia en Argentina, donde se presentó la programación del Segundo Festival Internacional de Cine de Entre Ríos (FICER). Dicha provincia estuvo representada por el gobernador Gustavo Bordet y la secretaria de turismo y cultura Carolina Gallard.
Además del embajador Giuseppe Manzo, anfittión del evento, estuvo presente la Asociación italiana de la industria cinematográfica, audiovisual y multimedia, representada por el señor Roberto Stabile.
 
El 2° Festival Internacional de Cine de Entre Ríos FICER se realizará en Paraná del 15 al 19 de octubre y tendrá a Italia como “país de honor”, puesto que tiene una larga tradición en cine y con el cual se mantienen lazos de cooperación culturales e históricos.
El cine en Italia genera casi cuatro mil millones de euros, con más de 2000 empresas involucradas, la mayoría son pymes que se caracterizan por una gran capacidad de innovación. Una oportunidad para acrecentar estos lazos de cooperación con homólogas entrerrianas, cuyas producciones son muchas y muy buenas.
 
Mirta Herrero,  directora de Pandorama, durante la presentación del FICER en la embajada de Italia
 
Cabe destacar que esta presentación se realizó previo a la Feria Internacional de Turismo de América Latina (FIT), que tuvo lugar en Buenos Aires del 5 al 8 de octubre, donde la Embajada de Italia dispuso de un pabellón exclusivo donde, entre otras propuestas, se presentó la “Guía a las raíces italianas”, elaborado por el Ministerio de Relaciones Exteriores Italiano, que tiene como objetivo fomentar un turismo diferente, acercandoa los descendientes de italianos a los pueblos de donde provienen sus antepasados y de donde proceden muchas de sus costumbres.