24 de abril de 2018

Estela Pereda inaugura "El más acá" en el Museo José Hernández


El viernes 27 de abril a las 18.30 horas inaugura en el Museo de Arte Popular José Hernández, una exposición en donde la artista propone construir un mundo mejor hoy "aquí y ahora", sin esperar al "más allá".
“Estela nos transporta a la simplicidad y espontaneidad del mundo cotidiano con las cruces y altares populares en clara expresión de reverencia hacia el ‘más allá’. Cruces adornadas con flores, ofrendas acumuladas con el tiempo, exvotos cosidos entre paños. El ser humano transforma aquello que lo rodea y sienta un ambiente festivo en donde antes había muerte. Y en este proceso va definiendo su esencia.” nos dice Carolina Pampliega, la curadora de la muestra.
Estela Pereda se expresa a través del dibujo, la pintura, las instalaciones, los objetos, las cajas, el libro de artista, el video y el arte textil. Sensible, curiosa y expresiva, desde muy temprano investigó temas relacionados a nuestra identidad y le sedujo el sincretismo religioso producto del encuentro cultural de nuestros pueblos originarios con el europeo y que derivó en un inmenso abanico de devociones populares.

Dice Estela Pereda: "El Mundo es de por sí sagrado porque el Hombre -¿hombre o mujer?- ha nacido de él y pertenece a la Naturaleza. Se trata del 'gran misterio' y de su gravedad incomprensible. Estoy en El más acá y todas las vidas son sagradas en El más acá.
Procuré abordar esta exposición desde la historia de la humanidad, desde la memoria antigua. Me interesa el amonite porque se desarrolla según medidas que los griegos en tiempos remotos llamaron 'divina proporción'. Ellos construyeron sus templos con dichas medidas. También diseñé el juego de la rayuela con este índice.
Para el antropólogo Teilhard de Chardin, filósofo y místico, la evolución universal aparece como una gran cruzada que nos convoca a trabajar en la dirección necesaria para lograr convergencias. O sea que, sin esperar al 'más allá', podríamos construir un mundo mejor hoy 'aquí y ahora', premisa que obedece a una de mis mayores preocupaciones. 


Observo el mundo cotidiano, tomando conciencia de mi pertenencia a este continente y a este país. Procuro acercarme a otros para entender… Siempre me llamó la atención cómo al lado de realidades desérticas y duras aparecen capillas y cruces adornadas profusamente, y así ponen un toque de alegría en esta visión desoladora. ¿Cuál es el sentido? ¿Tratarán de conseguir más vida, mejor vida? ¿Será que la vida somete más que la muerte?
Siento admiración por los hombres y mujeres que pueblan nuestro territorio, desde la cordillera hasta la pampa, su forma de tomar la existencia y de aceptar lo irreparable. Lo hacen con resignación.  Podemos agregar: lo hacen con la sabiduría que otorga estar cerca de la tierra…"

Durante la exposición la artista y la curadora brindarán visitas guiadas conversadas los días jueves a las 17 y domingos a las 18 hs.
La muestra permanecerá abierta hasta el 17 de junio del 2018 y se puede visitar de martes a viernes de 13 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. en Av. del Libertador 2373, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Entrada $30. Miércoles gratis.

La exposición “Tinta negra” de Osvaldo Decastelli que se exhibe en la UCA, confirma el talento de un artista pionero en experimentar con nuevos materiales


El jueves 26 de abril a las 18.30 hs. se inaugura, en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA, la exposición “Tinta negra” de Osvaldo Decastelli uno de los artistas más creativos del panorama de las artes visuales, que desde hace más de 30 años adoptó el cartón corrugado como material para sus obras.

La muestra, curada por Cecilia Cavanagh, directora del Pabellón, consiste -según describe la curadora- “en una selección de obra gráfica de gran tamaño, en la cual Decastelli exhibe la armonía de una continuidad en su obra, con una intangible distinción de los mismos elementos, agrupados en cinco núcleos temáticos y con dos ejes formales: grabados digitales en relieves y transferencias sobre papel fotográfico”.

En palabras de Rodrigo Alonso: "Fotografía y cartón son protagonistas de dos grandes instalaciones (de Decastelli) que reflexionan sobre el mundo contemporáneo. En la primera, Copia de seguridad (2006-2009), una misma imagen se reproduce con leves variaciones en un conjunto de planos suspendidos.
La multiplicidad de las transcripciones hace inútil la pregunta por el original. Como sucede en muchos medios actuales –la fotografía, el video, lo digital-estamos  ante un universo de copias en el que ya no importa la imagen primigenia…”

Cavanagh, a su vez, comenta que “En Hendiduras de luz (2012-2016), una instalación de placas radiográficas de planchas de cartón corrugado, Osvaldo Decastelli resalta el modo de descubrir, de iluminar lo escondido, la intención de conocer la verdad”. Mientras que en los grabados digitales de Fondo (2015-2016), “el propósito del artista es tomar al ‘fondo’, a la parte de atrás, a lo oculto, a lo que casi no se ve, trayéndolo a un primer plano, y haciendo que el frente retroceda. Dándole visibilidad a lo último, incitándolo a que se interrelacione con el resto, provocando deliberadamente una situación de movilidad al conjunto, enriqueciendo y potenciándolo”.

Particular interés para los amantes de la literatura tiene -según acota con propiedad la curadora- “Apropiación de textos para mi mujer (2016), un libro objeto con imagen de corrugado al que se le despega una de las láminas que lo constituye y simula el pasar de las hojas. Lo compone una fotografía transferida al corrugado, en varios bloques del mismo material, y que contienen textos de “Rayuela” con tipografía de máquina de escribir. Siguiendo la idea de Cortázar en que el libro puede tener distintos caminos de lectura, en éste se pueden manipular los bloques de forma aleatoria”.

Osvaldo Decastelli nació en Buenos Aires, donde se graduó en artes visuales. En 1985, adoptó como material al cartón corrugado y desde 1992 trabaja en escultura, objetos e instalaciones, alternativamente. A partir de 1999 incorporó arte digital a su lenguaje plástico.
Realizó exposiciones individuales en importantes escenarios del país: Centro Cultural Recoleta, M.A.C.L.A de La Plata, Museo Eduardo Sívori, Salas Nacionales de Cultura, Museo de escultura Luis Perlotti, Villa Victoria en Mar del Plata, museos de Bellas Artes de Tandil y Salta y Pabellón de las Bellas Artes de la UCA. Asimismo, expuso en Xunta de Galicia, Madrid, España. 

La exhibición permanecerá hasta el 18 de mayo de 2018 y se puede visitar con entrada libre y gratuita, de martes a domingos de 11 a 19 hs. en el Pabellón de las Bellas Artes - Pontificia Universidad Católica Argentina, Alicia M. de Justo 1300, Puerto Madero, Buenos Aires, Argentina.

23 de abril de 2018

El Museo Nacional de Bellas Artes inauguró "Diario Gráfico", de Guillermo Roux, y "Una historia, una colección. Donación Elía/Robirosa"


El Museo Nacional de Bellas Artes presenta dos muestras, recientemente inauguradas: "Diario Gráfico", con 290 dibujos en birome realizados por Guillermo Roux entre 2015 y 2017, y “Una historia, una colección. Donación Elía/Robirosa”, una selección con 27 de las 84 obras que los galeristas Alberto Elía y Mario Robirosa decidieron ceder generosamente al MNBA en 2017. 

"Estamos muy contentos de presentar estas excelentes exposiciones que, desde el afecto, se hacen más grandes todavía", expresó el director del Bellas Artes, Andrés Duprat, quien encabezó el acto en compañía de Roux, Elía y Robirosa.


"La obra exhibida de Roux asombra porque es absolutamente íntima y potente, hecha en hojas de cuaderno y con una birome, y remite a un período de convalecencia, que lo motivó a hacer una suerte de diario visual", explicó Duprat.

Con curaduría de Cecilia Medina, "Diario Gráfico" despliega -en las salas 39 y 40 del museo- las páginas extraídas de los 12 cuadernos personales de Roux, dispuestas en orden cronológico. La muestra se completa con los 177 dibujos de la misma serie que, desde el jueves 19 de abril, se exhiben en la Casa Central de la Cultura Popular Villa 21-24, dependiente del Ministerio de Cultura de la Nación. “Lo que más me conmueve es la idea de descentralizar el acceso al arte”, destacó Roux acerca de las dos sedes de la muestra.
 

Sobre la génesis de esta serie, realizada de madrugada, contó: "Estuve internado un tiempo y, cuando volví a mi casa, no era más yo, no sabía quién era. Entonces se me ocurrió escribir un diario y empecé a garabatear en estos cuadernos lo que me rodeaba: una manzana, un frasquito de remedios, un bastón". "Luego apareció un espejo y de repente me miré y me vi viejo, diferente. Me propuse dibujarme sin hacer la menor concesión, tenía que aprender a conocerme", confesó el artista, quien también plasmó en estos papeles imágenes propias y recuerdos, junto con su mirada sobre la moda, la política o la mujer, entre otros temas. 


En referencia a la donación, que ya integra el patrimonio del museo, su director manifestó: "Elía y Robirosa han hecho una labor importante en el mundo del arte y la cultura argentina, reuniendo obras de los años 70, 80, 90, hasta comienzos del siglo XXI. Es una colección magnífica, pensada y compuesta a través de los años con su mirada lúcida sobre ese período”.

Según Robirosa, "esta donación es una apertura pública de lo que normalmente los coleccionistas guardan en depósitos. Nunca nos pensamos como coleccionistas; desde la galería queríamos ayudar a mostrar la obra de generaciones jóvenes, de los 80 en adelante, y así fuimos acumulando obras buenísimas".
 

Jorge Pietra. "En la mitad del camino", 2000, acrílico sobre tela
 
"Desde sus inicios, el Museo Nacional de Bellas Artes fue armando su acervo con donaciones particulares importantes -historizó Duprat-. Estas obras han pasado a engrosar el patrimonio del museo, que es de todos los argentinos". Dirigiéndose a Elía y Robirosa, agregó: "Que hoy ustedes confíen en una institución pública para mantener, preservar y difundir este gran acervo nos llena de orgullo y supone una gran responsabilidad que, por supuesto, vamos a cumplir".
 

Diego Perrotta. "El hipnótico Dragón de tres cabezas",  2016, acrílico sobre tela
 
La muestra, curada por los investigadores del MNBA, Florencia Galesio y Pablo De Monte, presenta en la sala 38, obras de Juan José Cambre, Alicia Carletti, Guillermo Conte, Margarita De Koenigsberg, Hernán Dompé, Alfredo Benavídez Bedoya, Luis Frangella, Germán Gargano, Alberto Heredia, Gabriel Messil, Marta Minujín, Luis Felipe Noé, Diego Perrotta, Duilio Pierri, Jorge Pietra, Luis Felipe Pino, Jorge Pirozzi, Jorge Simes, María Simón, Pablo Suárez, Juan Paparella. Las 27 pinturas y esculturas están ordenadas en dos núcleos: "El retorno a la pintura", compuesto por artistas de los años 80, y "Los referentes", es decir, los autores que influyeron y complementaron esta década signada por la vuelta a las prácticas artísticas tradicionales. 

Esculturas de Juan Paparella en cartón, papel y madera, 1985, y acrílico sobre tela de Gabriel Messil, 1980, detrás
 
Las exposiciones “Una historia, una colección. Donación Elía/Robirosa” (sala 38) y "Diario Gráfico" (salas 39 y 40) podrán visitarse hasta el 17 de junio, de martes a viernes de 11 a 20 hs., y los sábados y domingos de 10 a 20 hs., con entrada libre y gratuita en Av. del Libertador 1473, Buenos Aires, Argentina.

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La Casa Central de la Cultura Popular Villa 21-24 inauguró la muestra “Diario Gráfico” de Guillermo Roux


 La Casa Central de la Cultura Popular Villa 21-24, dependiente del Ministerio de Cultura de la Nación, inauguró la muestra “Diario Gráfico”, con 177 dibujos en birome realizados por Guillermo Roux (1929) entre 2015 y 2017.

Su director, Gustavo Ameri, manifestó que “es un orgullo para nosotros, además de un logro, tener la muestra en nuestra Casa, que está abierta y es para todos”. La presencia de la obra de “un artista del reconocimiento y el prestigio de Roux le da la posibilidad al espacio de posicionarse como un lugar donde exponer no solo a los artistas del barrio, sino también a artistas reconocidos”, remarcó.

Emocionado, el artista argentino Guillermo Roux confesó: “estos trabajos son el resultado de muchas noches de insomnio en las que no encontré otra solución más que dibujar”. Frente a una sala colmada de chicos en edad escolar, agregó que “nada paga este momento extraordinario en el que estoy con todos ustedes. Les agradezco que me hayan invitado a venir al barrio. Me siento muy contento de estar acá; siento el palpitar de los seres humanos que están y se los agradezco profundamente”.

Las características de la exhibición no tienen precedentes en el arte argentino. Por primera vez en la historia el Museo Nacional de Bellas Artes es una de las dos sedes de una muestra cuyo recorrido se completa en la Casa de la Cultura Popular Villa 21-24.

En este sentido, Cecilia Medina, la curadora de “Diario Gráfico”, explicó que “lo que estamos viendo acá, en la Casa de la Cultura, es la otra parte de la exhibicion, que fue pensada en dos partes: una en el MNBA y la otra acá, en la Casa de la Cultura Popular”. Con respecto al contenido de la muestra, consideró que “los dibujos que Roux comparte aquí hablan de la realidad, de su contexto, y de cómo fue reincorporándose socialmente a partir de la prolongada internación que tuvo que atravesar”. Con esta doble exposición, “la gente puede llegar a Roux”, aseguró.

La exhibición podrá visitarse hasta el 16 de junio, de martes a sábados de 10 a 20, con entrada libre y gratuita, en la Casa de la Cultura Popular, Villa 21-24, Iriarte 3500, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. 
 

Actividades en el marco de la exposición "Con vida propia" de David Lamelas


En el marco de la exposición "Con vida propia", una exposición monográfica del artista argentino David Lamelas (Buenos Aires, 1946), Malba presenta una serie de actividades en torno a la muestra:



Conversación: 
"David Lamelas en contexto"
, por María José Herrera
, el jueves 26 de abril a las 18 h. en la Biblioteca.


En el complejo rompecabezas de la década del sesenta, cada artista fue una pieza única rodeado de otras piezas y todas juntas, en contexto, dieron por resultado un momento vibrante, contradictorio y también festivo. Esta charla se propone analizar lo peculiaridad de la obra de David Lamelas en un momento atravesado por movimientos sociales y artísticos que moldearon su personalidad creadora. 
Entrada libre y gratuita hasta agotar la capacidad de la sala. Tickets disponibles en recepción, una hora antes de iniciar la actividad.  

Conversación: "Las experiencias del Di Tella
. Primeras irrupciones del arte y la tecnología en Buenos Aires
" por Jazmín Adler
, el jueves 3 de mayo a las 18 hs. en la Biblioteca.


El Instituto Di Tella desempeñó un papel central para la historia de los cruces entre el arte y la tecnología en la Argentina. Convocados por un programa institucional que buscó configurar una nueva concepción de obra -innovadora, inventiva, modernizante-, numerosos artistas exploraron las posibilidades creativas ofrecidas por las tecnologías.
 Este encuentro plantea una aproximación hacia algunos de los proyectos pioneros presentados en Experiencias Visuales 1967 y Experiencias 1968. 


Entrada libre y gratuita hasta agotar la capacidad de la sala. Tickets disponibles en recepción, una hora antes de iniciar la actividad.

Curso: 
"Arte y tecnología en la Colección Malba"
, por Jazmín Adler
, lunes 14, 21, 28 de mayo y 4 de junio de 11 a 12:30 hs. en la Biblioteca.


 A lo largo de las clases, se analizarán obras, manifiestos y otros textos paradigmáticos con el objetivo de reconstruir los “amores” del arte y la tecnología entre los comienzos del siglo pasado y los inicios del tercer milenio: una relación que ciertamente constituye un eslabón clave para comprender los derroteros de la escena artística contemporánea.

 Costo: $1320. Descuentos especiales para Malba Amigos. 





Conferencia: "
Telefreud.
 ¿De qué hablan realmente las series de televisión?
", por Jordi Carrión, el 
viernes 27 de abril a las 19 hs. en la Biblioteca.

Las teleseries se han convertido en unas plataformas perfectas para observar el siglo XXI. A través de algunas de las más influyentes de los últimos años, como Mad Men, Game of Thrones, The Handmaid's Tale o Homeland, Jorge Carrión ofrecerá algunas claves para interpretar social, psicológica o geopolíticamente nuestra época. 




Con el apoyo de: Feria del Libro de Buenos Aires y Mecenazgo Cultural Buenos Aires Ciudad.

 
Entrada libre y gratuita hasta agotar la capacidad de la sala. Tickets disponibles en recepción, una hora antes de iniciar la actividad.



22 de abril de 2018

El Museo Nacional de Bellas Artes rinde homenaje a Graciela Sacco


En una muestra que celebra su trayectoria, se presenta su última obra, “¿Quién fue?”, en diálogo con dos trabajos emblemáticos de los años 90.

 
“Victoria”, de la serie Cuerpo a cuerpo, 1996-2011
Materiales: Heliografía sobre varillas de madera
Medidas: 220 x 320 cm.
 
El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el martes 24 de abril a las 19 horas, “Graciela Sacco (1956-2017). Muestra homenaje”, en la que se presentará la última obra de la artista argentina, “¿Quién fue?”, en diálogo con “Victoria”, de la serie Cuerpo a cuerpo -patrimonio del Bellas Artes- y “Una chispa basta para incendiar la pradera”, de la serie Bocanada, ambas concebidas a mediados de la década del 90.

El desarrollo de la obra de Graciela Sacco (Rosario, 1956-2017) puede considerarse una continuidad de los planteos comprometidos de la vanguardia rosarina de los 60, que también investigó. Su singularidad fue la crítica permanente, sin complacencias, y la búsqueda de nuevas técnicas que le permitieran profundizar un lenguaje artístico personal.

En 1992, Sacco fue la primera artista en utilizar la heliografía para imprimir imágenes sobre superficies como cucharas, valijas, zapatos, resignificando los objetos cotidianos. Una de sus obras más significativas producidas con esta técnica es “Victoria”, una gran empalizada compuesta por varillas de maderas encontradas en la calle, en las que imprimió la foto periodística de una manifestación del Mayo Francés, y que presentó en la Bienal de San Pablo de 1996. La obra, inspirada en la respuesta de Albert Einstein a la pregunta de con qué se combatiría en la tercera guerra mundial -“No sé en la tercera. Sí sé en la cuarta: con piedras y palos”-, abrió la serie Cuerpo a cuerpo, que Sacco desarrolló hasta 2011.

"Graciela Sacco es una de las artistas más relevantes y reconocidas internacionalmente de la escena argentina del arte contemporáneo. Sus obras poseen un doble código de lectura tan eficaz como perturbador. Por un lado, despliegan una seducción plástica irresistible y, por otro, nos proponen situarnos en una intemperie inquietante que nos descoloca e interpela”, postula Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes. “Dueña de una gran libertad para escoger formatos y materiales -heliografía, video, objetos, afiches- que le fueran útiles y eficaces para comunicar sus preocupaciones formales y conceptuales, sus alegorías apelan a la sensibilidad más profunda del ser humano. Siempre admiré su trabajo, de una audacia política incisiva, que trasciende la coyuntura y elude el panfleto. Su legado ―además de sus obras, que habitan este Museo― acaso estribe en las marcas que deja en la memoria visual del país”, concluye Duprat.

A la hora de elegir sobre qué temas trabajar, Sacco apuntaba a mostrar aquellas situaciones sociales irresueltas: planteos acerca del hambre, de los peligros y de las amenazas, del espacio mínimo que necesitamos para vivir o el registro de gente en tránsito, de los migrantes, las fronteras y los que quedan afuera. Problemas universales, que atraviesan las geografías y los tiempos. Sin embargo, nunca aceptó ser encasillada en el llamado arte político y se molestaba con quienes pretendían ver en su obra algún tipo de manifiesto revolucionario.

“Aunque habló muchas veces sobre los límites, ella parecía no tenerlos. Todo espacio abría una posibilidad de acción, de discurso, de reflexión. Podía exponer en un museo o realizar interferencias urbanas apropiándose de los códigos de cada lugar, agregando elementos discordantes y contradictorios. Nada esperable ni tranquilizador”, sostiene el curador de la muestra, Fernado Farina.

Su último trabajo, “¿Quién fue?”, es el eslabón final de una manera de enunciar. Un proyecto pensado para el espacio público, pero cuestionando a su vez el espacio íntimo. Esta obra abre y cierra la muestra con la que el Museo Nacional de Bellas Artes recuerda a la artista a manera de homenaje.

“Graciela Sacco (1956-2017). Muestra homenaje” podrá verse, hasta el 29 de julio, con entrada gratuita, de martes a viernes, de 11 a 20 hs., y sábados y domingos, de 10 a 20 hs.
en el segundo piso del MNBA, Av. del Libertador 1473, Buenos Aires, Argentina.
 
La exposición es parte de los homenajes a Graciela Sacco, junto con la retrospectiva “Preguntas”, que se lleva a cabo en MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo, y la exhibición “Entre nosotros”, que se realizará en noviembre en la Casa de América de Madrid.

20 de abril de 2018

Cultura y arte de la India en Buenos Aires


El 22 de abril, en el Centro Cultural Matienzo, será el estreno mundial de "Argentina ama India", documental del cineasta indio, recientemente radicado en Argentina, Souptik Chakraborty. Desde su propio punto de vista de extranjero emigrado a una cultura muy distante, el filme descubre numerosos ejemplos del interés porteño por el arte y las tradiciones indias, a la vez que muestra a otros indios recién llegados como el mismo director y también las formas de vida de la numerosa comunidad india de Salta, asentada allí hace un siglo.
La música, la danza y la literatura espiritual de la india son las tres disciplinas centrales que, con asombro y emoción, Chakraborty descubrió que eran cultivadas en profundidad por artistas y estudiosos argentinos, que son en parte protagonistas de "Argentina ama India". Como contrapartida, el propio realizador y sus compatriotas aquí radicados, revelan aspectos cotidianos o profundos de su condición de emigrantes. Según, Souptik, el film intenta reflejar el modo en que su llegada a un país lejano representó para él una nueva, inesperada y más amplia visión de la vida, la existencia como síntesis de culturas diferentes.
La película es una producción independiente, realizada en video de alta definición con 74 minutos de duración. La dirección de fotografía es de Juan Pablo Castino, también coproductor junto a Souptik, y la música es de intérpretes de la Escuela Sargam, Rasamrita Natya Yoga y Grupo Salta, todos de Argentina. 
Souptik Chakraborty nació en Calcuta, en 1984, hijo de un empleado del banco estatal y una profesora de ciencias de escuela secundaria. Hizo sus estudios primarios y secundarios en la escuela de Ramakrishna Mission, organización socio-religiosa que tiene también sede en Buenos Aires. Y aunque se graduó como ingeniero informático en la Universidad de Tecnología de Bengala Oeste y siempre estudió ciencias, desde la infancia su pasión fue la literatura.
Hace cuatro años la empresa multinacional informática para la que trabajaba le propuso trasladarse a su filial argentina, destino que sería temporario y con el tiempo se reveló definitivo. Hoy habla un buen español y lo sigue estudiando, conoce y se interesa por la cultura local, construye nuevos lazos y amistades. "Quiero quedarme aquí para siempre" dice, y afirma haber encontrado en su doble patria y en la traducción de una cultura dentro de otra, una nueva e insospechada dirección para su vida. En India, sus referencias sobre Argentina provenían del fútbol que siempre practicó y del Che Guevara, personaje célebre durante el gobierno comunista de Bengala Oeste entre 1977 y 2011. Pero antes de todo eso había leído a Borges, en bengalí. 
Souptik escribe poesía desde chico, a principio de los años 2000 publicó varios poemarios en bengalí, editó junto a algunos amigos un periódico literario, y actualmente trabaja en una novela. Y aunque en algún momento inició la traducción de sus poemas al inglés, la sensación de que su idioma no llegaba a gentes más allá de su frontera hizo que se interesara por la narración en imágenes. En India había realizado "Rehab", documental sobre rehabilitación en adicciones que fue muy celebrado en ocasión de su proyección con motivo del Día Internacional contra el Abuso de Drogas y Tráfico Ilícito. Y ahora, enamorado de Buenos Aires y sorprendido por los múltiples lazos entre su país y Argentina, presenta "Argentina ama India"

19 de abril de 2018

Edición especial de "El cine es otra cosa" en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires


Pablo Mazzolo. Fotooxidación 

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires anuncia una actividad especial de "El cine es otra cosa", en el marco de BAFICI, bajo el programa conjunto Definamos cine (un recorrido por el cine experimental de Pablo Mazzolo) que tendrá lugar el próximo sábado 21 de abril a las 18 horas en el auditorio del museo ubicado en Av. San Juan 350.

En 2018 se cumplen 20 años del programa de video y cine experimental del Museo de Arte Moderno -que lleva el nombre de El cine es otra cosa- y coincide con los 20 años de BAFICI.
Son 20 años de aportes para la construcción de una idea amplia de lo cinematográfico.


Con la curaduría de Andrés Denegri y Gabriela Golder, curadores de El cine es otra cosa, se celebrará este aniversario con un programa conjunto que se enmarca en las actividades especiales de BAFICI. El programa está dedicado a la producción de Pablo Mazzolo, uno de los autores de cine experimental más destacados de la escena contemporánea.


Al finalizar la proyección, se realizará una mesa redonda con la participación de Pablo Mazzolo, Andrés Denegri, Gabriela Golder y un invitado especial del BAFICI. Bajo el título “Migraciones del film: de la industria del entretenimiento al arte contemporáneo”, la mesa tratará sobre la presencia del cine analógico fotoquímico en el campo del arte contemporáneo.


Agenda en: http://museomoderno.org/es/agenda/definamos-cine-bafici-en-el-moderno.

El Distrito de las Artes presenta la primera edición del año de Distrito Abierto


El Distrito de las Artes realizará, el 21 de abril de 15 a 19:30 horas, una nueva edición de “Distrito Abierto”, una jornada en la que los espacios artísticos de la zona sur de la ciudad de Buenos Aires abren sus puertas para que los vecinos puedan disfrutar de forma gratuita de producciones musicales, escénicas, visuales y literarias.

En esta oportunidad, se recorrerán galerías, museos y centros culturales con el fin de descubrir parte del ecosistema artístico que se está desarrollando en el Distrito de las Artes. Por este motivo, se facilitará el traslado en buses de manera gratuita, los cuales podrán abordarse desde 7 paradas entre las 15 y las 19 hs.

“Distrito Abierto es la oportunidad para que todos los vecinos de la Ciudad puedan disfrutar de un día diferente, conociendo importantes galerías, museos y centros culturales del Distrito de las Artes: el espacio de la ciudad donde conviven la creatividad, el talento y el arte”, comentó Juan Manuel Seco, director general de Distritos Económicos del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

El Distrito de las Artes es un ecosistema de creación, producción y difusión cultural, incluyendo a las artes visuales, escénicas, literarias y musicales, en los barrios de San Telmo, La Boca y Barracas. Tiene como objetivo potenciar el arte, una de las industrias estratégicas de la ciudad, y a la vez, generar desarrollo en barrios relegados, a través de la radicación de artistas y empresas, y del desarrollo de actividades culturales.

Para conocer todas las actividades y el recorrido de los buses:

18 de abril de 2018

El Museo de Arte Español Enrique Larreta inaugura la muestra "Salamanca a vuelo de pájaro y otras historietas literarias"


El Museo de Arte Español Enrique Larreta inaugura la muestra "Salamanca a vuelo de pájaro y otras historietas literarias", en el marco del programa Diez + Diez son Treinta el jueves 19 de abril a las 19 hs. en su sede de Av. Juramento 2291.
El Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) y la editorial Loco Rabia cumplen años y lo celebran en torno a la actividad que los ha unido: la historieta. A este festejo se suma el Museo Larreta presentando una serie de libros coeditados por ambas instituciones a lo largo de estos años.
Esta exposición reúne los dibujos originales de Salamanca a vuelo de pájaro, último trabajo que conmemora el octavo centenario de la Universidad de Salamanca, y una selección de las ilustraciones realizadas para Novelas ejemplares de Cervantes, Las Moradas de Santa Teresa de Jesús, Don Juan Tenorio de José Zorrilla, Juegos y pasatiempos en época de Cervantes y Ortega y Gasset: biografía no autorizada. Estas obras realizadas por destacados historietistas proponen un recorrido en imágenes y palabras que nos permiten acercarnos a los célebres clásicos de la literatura española.
El desafío es doble: entrar al mundo del cómic y al universo de los grandes escritores y pensadores de España. Curaduría: Patricia Nobilia

16 de abril de 2018

Se inaugura en el Centro Cultural Borges el Sistema de Amplificación de Aro Magnético


El 17 de abril a las 19.30 horas se inaugura en el auditorio Astor Piazzolla del Centro Cultural Borges, el Sistema de Amplificación de Aro Magnético, bajo la iniciativa de Patricia Ludueña comunicadora cultural y la aprobación de la dirección del Centro Cultural Borges, gracias a la donación del consejo directivo de la Mutualidad Argentina de Hipoacusia. Invitados Especiales: Rodolfo Garcia y Emilio del Guercio.
Este sistema permite la transmisión directa del sonido al audífono del hipoacúsico sin distorsión alguna.

El sistema de aro magnético denominado “Field” está especialmente diseñado para gente con discapacidad auditiva y que posea audífono con bobina telefónica. Ha sido proyectado y armado sobre las bases del conocimiento y la experiencia que Phonic Ear/Oticon ha obtenido a través de los años de ayuda a la gente con discapacidad auditiva en diferentes ámbitos. Por el avance de la tecnología y la gran demanda de calidad y confiabilidad ha sido posible crear un amplificador universal de fácil operación. Se trata de un sistema que entrega su señal de salida amplificada a un cable que se instala rodeando el perímetro de la sala. Como consecuencia, se produce en la superficie de la misma un campo magnético que copia exactamente a la señal audible. Este campo magnético es recogido por la bobina telefónica del audífono. No se agrega ningún accesorio extra. El uso de este tipo de sistema permite una transmisión directa del sonido al audífono sin los efectos adversos de la distancia, la reverberación o el ruido de fondo.

Se compone por un amplificador que recibe señal proveniente de una consola de sonido o micrófono, y que entrega su señal de salida a un cable que se instala rodeando el área donde pueda ubicarse cualquier público hipoacúsico. Como consecuencia, se produce en la superficie de la misma un campo electromagnético que copia exactamente a la señal audible. Éste campo electromagnético es recogido por la bobina de inducción del audífono, cuando éste es colocado en la posición “T” o en la función “bobina telefónica”. Al traducirse ésta señal, se la procesa y amplifica, generando nuevamente el sonido de origen muy cerca del tímpano, sin los efectos adversos de la distancia, la reverberación o el ruido de fondo. Según el área a cubrir, se selecciona la potencia del sistema adecuado. Su uso está orientado a auditorios, teatros y salones, pero también en el ámbito de la educación, abarcando aulas; como así también para el uso doméstico (por ejemplo, con un TV).

MALBA presenta "Con vida propia" del pionero del arte conceptual David Lamelas



Malba presenta "Con vida propia", una exposición monográfica del pionero del arte conceptual David Lamelas (Buenos Aires, 1946), quien inicialmente obtuviera el reconocimiento internacional en 1968 por su trabajo en la XXXIV Bienal de Venecia, "Oficina de Información sobre la Guerra de Vietnam en tres niveles: imagen, texto y audio". Organizada junto al University Art Museum (UAM) de la California State University, Long Beach (CSULB), David Lamelas. Con vida propia se presentó originalmente en los Estados Unidos en 2017, en el marco del proyecto “Pacific Standard Time: LA/LA”, una serie de exposiciones temáticamente relacionadas y dedicadas a explorar las relaciones entre el arte latinoamericano y la ciudad de Los Ángeles.

David Lamelas fue uno de los grandes protagonistas de la escena artística argentina en la década del sesenta. Si bien su obra se asocia fundamentalmente con lo audiovisual, a lo largo de muchos años de una carrera sostenida y prolífica ha explorado una gran diversidad de medios. Lamelas fue capaz de aplicar las herramientas intelectuales que había desarrollado en sus inicios en Buenos Aires en los diferentes contextos en los que vivió: sus ideas sintonizaron de inmediato con las que circulaban entre los artistas de esas ciudades, ya se tratara de Londres, París o Los Ángeles. “A menudo, los relatos históricos sobre Lamelas originados en Europa y los Estados Unidos dan cuenta de la contribución del artista al conceptualismo como si se tratara de un europeo o un estadounidense. Pero hay que hacer hincapié en que el marco intelectual de su práctica surgió en la Argentina, en un momento realmente excepcional de su historia reciente”, señala la curadora María José Herrera.
 
"El Super Elástico", 1965/2007, MDF de mediana densidad pintado. Cortesía del artista y Maccarone, Nueva York/Los Angeles 
 
Sus primeros trabajos tienen una fuerte impronta pop, un movimiento que en Buenos Aires estuvo fuertemente vinculado en esos años al mítico Instituto Torcuato Di Tella. "El Súper Elástico" (1965) es una obra de inspirada en el héroe de los comics Plastic Man, con la que Lamelas llevó al extremo la relación entre el espacio pictórico tradicional, el plano del cuadro y el espacio de exhibición en sí mismo. Esta operación sobre el espacio tridimensional y la arquitectura preexistente también puede verse en "Conexión de tres espacios" (1966): en esta obra, Lamelas jugó con las similitudes visuales entre su escultura y las vitrinas comerciales, bajo la premisa de que la pieza no pudiera ser percibida como una totalidad. Para ello ubicó sus partes en diferentes salas; para ser completada, la obra requería que el espectador se movilizara.
 
Retrato de David Lamelas en Buenos Aires
La experimentación con la cultura popular y los lenguajes no-académicos propia del pop, también condujo en parte a lo que se denominó en la época “arte de los medios”. En América Latina, los artistas de vanguardia experimentaron con los medios masivos como forma de fomentar la internacionalización y elaborar las nuevas concepciones de tiempo y espacio. En este contexto, Lamelas presentó la obra "Situación de tiempo" (1967) en el ITDT. Esa instalación abre un espacio de reflexión sobre la manera en que las tecnologías nos involucran en su forma peculiar de tratar el tiempo y el espacio. Alineados en una sala, 17 televisores idénticos están sintonizados en canales sin trasmisión, que no emiten otra señal que ruido electromagnético. El autor propone al público “permanecer las ocho horas que la exposición está abierta para participar activamente en el tiempo”. La ya mencionada "Oficina de Información sobre la Guerra de Vietnam en tres niveles: imagen, texto y audio" (1968) contenía equipamiento de oficina Olivetti y un teletipo. Recibía las últimas noticias de la agencia italiana ANSA, que luego eran leídas en voz alta en seis idiomas y grabadas, de modo que los visitantes podían escucharlas cuando el locutor no estaba presente. Registraba así el momento más crítico de la Guerra de Vietnam.

El arte de los medios también adelantaba muchas de las líneas que serían trabajadas internacionalmente por el arte conceptual. En 1968, luego de su participación en la Bienal de Venecia, Lamelas se radicó en Londres e inmediatamente entro en sintonía con las corrientes europeas de avanzada y sus principales protagonistas: Marcel Broodthaers, Daniel Buren y Joseph Beuys, entre otros.

Continuando sus investigaciones sobre el tiempo, comenzó a trabajar en films con métodos tomados del nouveau roman, en particular, la ruptura con la linealidad de las narraciones tradicionales. “Es a través del cine como Lamelas se sintió más estrechamente asociado con el arte conceptual en aquellos años (…) Desde fines de los sesenta, el cine y la fotografía se convirtieron para Lamelas en sus principales medios para ‘codificar’ la representación, un aspecto canónico del conceptualismo”, explica Herrera.
 
"Rock Star (Character Appropriation)", 1974
 
En 1969 comenzó a trabajar en "Time as Activity", una serie de registros de situaciones y entornos urbanos en los que se entremezclan el metraje documental en fílmico o video junto a fotografías y textos. En la exposición podrá verse "Time as Activity Buenos Aires" (2010), compuesta por tres fotografías de la capital argentina. "Interview with Marguerite Duras" (1970) es una entrevista con la escritora francesa presentada -según la misma lógica- a través de una película de 16mm, 10 fotografías y 10 páginas de texto. Si Marguerite Duras juega un rol como ícono de la cultura francesa, las estrellas de rock son para Lamelas el emblema de la cultura inglesa: en la serie fotográfica "Rock Star (Character Appropriation)" (1974), emplea los códigos de la fotografía de rock, adoptando las posturas, los gestos, la iluminación y los ángulos de cámara convencionales de ese “género”. A su vez, otra serie de fotos, "The Violent Tapes of 1975" (1975), pone de manifiesto la forma en que las estructuras del lenguaje cinematográfico condicionan nuestro desciframiento de las imágenes. Por otra parte, en "Los Angeles Friends (Larger than Life)" (1976) Lamelas reelabora la idea de serie, en este caso reemplazando las imágenes fotográficas por retratos en lápiz de los artistas de la costa oeste norteamericana a los que frecuentaba.
 
En la explanada del museo se presentará además una nueva versión de la obra "Señalamiento de tres objetos", realizada en Hyde Park, Londres, en 1968, en Eslovaquia, en 1969, y en otros lugares, como el Fonds Régional d’Art Contemporain de Lorena, Francia, más recientemente. Esta será la segunda ocasión en que Malba exhibirá obras de Lamelas. En 2006, el museo presentó "Lo super-real. Obras 1969-1984", como parte una serie de homenajes que, desde fines de los años 90, revalorizaron la obra del artista argentino en su contexto de origen.

"Señalamiento de tres objetos", Hyde Park, Londres, 1968
 
Como parte de la exposición se proyectarán en el auditorio del museo el film en 16mm "The Invention of Dr. Morel" (2000) y el video "Scheherazade" (1980), escrito y dirigido junto a Hildegarde Duane. 
En "The Invention of Dr. Morel", inspirado en la novela corta La invención de Morel de Adolfo Bioy Casares, Lamelas reflexiona sobre la relación entre diferentes momentos en el tiempo y la conciencia de la temporalidad: el pasado que nos forma, el presente en el que estamos y el futuro en el que nos proyectamos. 
"Scheherazade" hace referencia a la protagonista de Las mil y una noches: una novia que relata un cuento tras otro a su desposado, el sanguinario rey Shahryār, para postergar su ejecución y prolongar su vida. Finalmente, el rey se enamora de Scheherazade, y ella se convierte en reina. El video de Lamelas y Duane comienza con dos personajes, cada uno de los cuales se prepara para una entrevista: un acaudalado jeque de “un país de Medio Oriente”, representado por Lamelas, y una periodista encarnada por Duane. Los actores se mantienen en su papel del principio al fin, describiendo un recorrido que va de la agresión a un encuentro romántico en una piscina.

La exposición, curada por Kristina Newhouse y María José Herrera, permanecerá hasta el 11 de junio de 2018 y se puede visitar en la sala 5 del nivel 2 del MALBA, Av. Figueroa Alcorta 3415, Buenos Aires, Argentina.

11 de abril de 2018

El Fondo Nacional de las Artes presenta una muestra antológica de Josefina Robirosa


Del 15 de marzo al 15 de mayo, se puede visitar en la Casa Victoria Ocampo del Fondo Nacional de las Artes la muestra "Antológica 1956-1997", que revisa y revaloriza la producción de la artista plástica argentina Josefina Robirosa. 
 
Con la curaduría de Mercedes Casanegra, la exposición recorre las obras más importantes de Robirosa. Desde sus inicios en la pintura, Josefina fue una personalidad del mundo del arte. Como Victoria Ocampo, se destacó cuando las mujeres reconocidas en su medio no abundaban. Y también como la escritora, Josefina tuvo un rol esencial en la historia del FNA. En la década del 90, y durante ocho años, formó parte del directorio de la entidad. En 2016, el FNA la distinguió con el Premio a la Trayectoria Artística en la disciplina de Artes Visuales.

Casanegra comenta que Robirosa llegó a la escena artística de Buenos Aires en el período de difusión del arte abstracto en Buenos Aires. Recuerda que, a mediados de los años 50, la artista recibió el llamado del marchand Alfredo Bonino para invitarla a exponer junto a Domingo Bucci y Jorge de la Vega.
Sin título, 1969, óleo sobre tela
 
En 1957, fue invitada a participar de un grupo de artistas reunido bajo el nombre de "Siete Pintores Abstractos", entre quienes se contaban Martha Peluffo, Kazuya Sakai, Rómulo Macció y Clorindo Testa.
En esa época, Robirosa “practicaba una abstracción cálida, en oposición a la fría geometría; de expresión espontánea, inmediata, en un tono contenido y sutil”, según Casanegra. “Utilizaba finas líneas, que disponía, a menudo, en círculos y de manera rítmica. Trazaba espirales siderales con energías restallantes, que plasmó en témperas, dibujos y monocopias”, agrega. De fines de esa época datan las primeras manifestaciones de su interés por la energía invisible que atraviesa a las personas, a otros seres animados, al universo, a las máquinas imaginarias.

"Onda azul", 1997, acrílico sobre tela
 
Hacia 1967, la artista empezó a experimentar en pintura con líneas, franjas de colores y juegos geométricos que se alternaban creando volúmenes, una versión de arte óptico. “En esa vertiente, se lanzó a la tridimensionalidad con esferas de material sintético de un tamaño menor a un metro de diámetro. Se trata de objetos que se aproximan al arte pop. Luego, abandonó los volúmenes y lo óptico continuó sobre el plano. Líneas, figuras sintéticas, aparición del cuerpo humano, juegos de luz, ópticos y geométricos. De 1969 a 1975 se recluyó en un replanteo de su obra que gestó un cambio radical de su imagen, el cual surgió a través del dibujo”, explica Casanegra.

Hacia mediados de la década de 70, la obra de Robirosa transitó hacia una abstracción figurativa que caracterizó a la futura serie nombrada como “de los bosques”, iniciada en 1978. “He roto las barreras que aprisionaban a mis figuras”, dijo en el momento del cambio.
Este encuentro con la naturaleza, así como otras obras que refieren a otros momentos de su obra, pueden verse hasta el 15 de mayo, de martes a domingos de 12 a 20 horas, con entrada libre y gratuita, en la Casa Victoria Ocampo, Rufino de Elizalde 2831, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Gallery Nights: un recorrido por el arte y la música porteña

Este viernes, el circuito de Retiro y Recoleta de Gallery Nights inicia el año con una jornada en la que 30 espacios abren sus puertas fuera de sus horarios habituales.

La primera edición de Gallery Nights 2018 es la excusa perfecta para jugar a ser turista y conocer todo eso que hace de Buenos Aires una ciudad tan única. Este viernes 13 de abril desde las 18 y hasta las 21 horas, 30 espacios abren sus puertas fuera de sus horarios habituales para que quienes lo deseen puedan compartir una velada rodeados de grandes maestros del arte argentino y jóvenes promesas de la contemporaneidad.

Este evento, organizado desde 2001 por Arte al Día, es de entrada libre y gratuita e invita a recorrer los espacios que integran el circuito Retiro + Recoleta. Para eso, los interesados pueden ver el mapa completo en el sitio web del evento y armar el recorrido según sus intereses. Otra alternativa es tomar uno de los Gallery Tours gratuitos que son visitas guiadas por un especialista.

Hay 3 Gallery Tours disponibles que salen a las 18.30 hs. Uno de ellos sale de Solsken (Av. Quintana 302) y pasa por Bruggens, Cecilia Caballero, Rubbers, Zurbarán y Espacio Bresson.
Otro sale de Aldo de Sousa (Arroyo 858) y pasa por Rolf, Van Riel, Vasari, Museo Fernández Blanco y Geist&Zárate. Finalmente, la tercera alternativa sale a las 19:30 hs. del Hotel Panamericano (Carlos Pellegrini 551), y pasa por Fundación OSDE, Casa de Entre Ríos, Salas Federales, CA RO y Autoría Bs. As.

Además, junto al sello Otras Formas que edita discos de artistas visuales que hacen música, Gallery Nights 2018 creó un nuevo ciclo musical para cerrar los After Gallery. Esta sección se realizará de la mano del artista Benito Laren y su LarenBand, quien presentará a las 21.30 horas un show en vivo en Miranda Bosch Gallery en Montevideo 1723.

La próxima edición será en el Circuito Palermo / Villa Crespo el sábado 5 de mayo de 15 a 19 hs.
Las novedades se pueden seguir en Instagram @gallerybuenosAires y en Facebook /gallerybuenosaires y en el sitio web gallery.com.ar.

10 de abril de 2018

"Diagonal Sur 2" en el Centro Cultural Borges


El jueves 12 de abril a las 19 horas se inaugura en el Centro Cultural Borges la exposición "Diagonal Sur 2", con obras de los artistas más representativos del arte contemporáneo argentino. La exhibición está curada por el prestigioso crítico francés Philippe Cyroulnik, uno de los mayores estudiosos de las últimas corrientes artística de nuestro país.
 
Con la colaboración en la curaduría de la artista Verónica de Toro y la producción general de Clara Lía Cristal, las muestras reúnen obras de Lea Lublin, Jorge Macchi, Josefina Robirosa, Roberto Jacoby, Diana Aisenberg, Carolina Antoniadis, Marcelo Grosman, Fabiana Barreda, Nicola Costantino y Ana Gallardo, Alicia Penalba, Teresa Pereda, Karina El Azem, entre otros.
 
La exhibición se divide en dos muestras: "La otra mitad del mundo del arte (Fragmento)", que reúne trabajos de artistas mujeres, mientras "¿Qué puede el arte en tiempos de crisis?" alude a la capacidad del arte de mostrar una realidad sin nombrarla. Las obras de ambas muestras pertenecen a colecciones privadas.
 
La otra mitad del mundo del arte (Fragmento)
 
Flavia Da Rin, sin título, 2005, impresion Lambda color
 
 Dice el curador: «Aquí elegí presentar el conjunto de las mujeres artistas, pero me abstuve de seleccionar las obras en función de mis gustos personales. Por el contrario, mi objetivo fue ofrecer un conjunto que permitiera conocer su realidad compleja y la evolución de los gustos del coleccionismo, su subjetividad. En ese sentido, permite mostrar también una faceta de la evolución del gusto. La mayor parte de las artistas pertenecen a la generación de los años 1990-2000 y hay que subrayar la gran diversidad de las obras y la presencia de muchos artistas cuya proyección supera ampliamente, hoy en día, al escenario estrictamente argentino.»
 
Integran la muestra obras de: Diana Aisenberg, Carolina Antoniadis, Marcela Astorga, Elba Bairon, Fabiana Barreda, Jazmín Berakha, Raquel Bigio,  Sofía Bothlingk, Natalia Cacchiarelli, Diana Chalukian, Cynthia Cohen, Nicola Costantino, Jimena Croceri, Flavia Da Rin, Marina De Caro, Desirée De Ridder, Verónica Di Toro, Marcolina Dipierro, Ana Eckell, Karina El Azem, Claudia Fontes, Carolina Fusiler, Ana Gallardo, Mónica Girón, Cecilia Glick, Silvia Gurfein, Graciela Hasper, Annemarie Heinrich, Melisa Hernández, Nora Iniesta, Juliana Iriart, Magdalena Jitrik, Silvana Lacarra, Fernanda Laguna, Luciana Lamothe, Catalina León, Valentina Liernur, Helena Lindelen, Lea Lublin, Tristana Macció, Valeria Maculan, Nuna Mangiante, Liliana Maresca, Mónica Millán, Adriana Minoliti, Marta Minujín, Marcela Mouján, Gladys Nistor, Karina Peisajovich, Alicia Penalba, Teresa Pereda, Agustina Pesci, Cristina Piceda, Liliana Porter, Deborah Pruden, Andrea Racciatti, Inés Raitieri, Josefina Robirosa, Florencia Rodríguez  Giles, Mariela Scafati, Rosana Schoijett, Alejandra Seeber, Mariana Sissia, Elisa Strada, Mariana Telleria, Paola Vega y Judi Wethein.
 
¿Qué puede el arte en tiempos de crisis?
 
Gabriel Valansi, Aula 301 Facultad de Arquitectura y Urbanismo, 2005, fotografía color directa 
 
Esta exposición reagrupa las obras de catorce artistas: Beto Álvarez, Marcela Astorga, Karina El Azem, Federico Colletta, Marcelo Grosman, Roberto Jacoby, Luciana Lamothe, Jorge Macchi, Nuna Mangiante, Gian Paolo Minelli, Jorge Miño, Santiago Rey, Elisa Strada y Gabriel Valensi.
 
Luego de aclarar que la palabra 'crisis' del título no se refiere a la actualidad del país, sino al último medio siglo, Philippe Cyroulnik explica que "el sentido de esta exposición es registrar la capacidad que tienen las obras de percibir la realidad del mundo y que, sin aludir a ella de manera directa, establecer una correspondencia con esa realidad; no son obras que denuncian una situación sino metáforas de esas circunstancias (...) Con su propio poder pueden encarnar o hacer resurgir los cantos, los gritos y los fantasmas de nuestra humanidad. Condensan en ellas la materia de vidas y de experiencias múltiples. Absorben y restituyen lo real según un modo particular sin la necesidad de 'representarlo'."
 
Y agrega: "A través de sus luces y de sus sombras, de sus formas y de sus imprecisiones, en lo hondo de sus palabras y de sus rasguños, en los arrugamientos y los emparejamientos que las constituyen, las obras son lo real condensado y amalgamado. El poder de una obra reside en esa manera de interpelarnos, de evocar en tono claro oscuro, a merced de una textura o de una imagen, algo que llevamos con nosotros de lo que es lo real y el mundo, de su luz y de sus sombras. La fuerza de estas obras es de estimular y estremecer nuestra mirada, así cómo una pregunta alienta la observación".
 
La exposición cuenta con la colaboración de la Fundación Tres Pinos y la Asociación Civil Banderas Unidas.