14 de junio de 2019

El Museo Nacional del Grabado presenta la exposición "Sergio Sergi: la comedia del mundo"


El viernes 14 junio a las 18 hs. el Museo Nacional del Grabado inaugura "Sergio Sergi: la comedia del mundo", una exposición que reúne obras del reconocido artista, pertenecientes a los patrimonios del MNG, el Museo Nacional de Bellas Artes y de la colección del doctor Mauricio Neuman, curada por María José Herrera. 

"El acróbata", s/d 
 
Nacido en Trieste, Italia, en 1896, este entrañable artista que forma parte del imaginario argentino por la autoría de la ya mítica ilustración de la cabeza de la publicidad de Geniol, llegó a Buenos Aires en 1927, donde exhibió por primera vez en Amigos del Arte, la institución de gestión privada que, creada en 1924, daba lugar a las vanguardias plásticas de entonces. Allí expusieron, por ejemplo, Emilio Pettoruti, Xul Solar, Pedro Figari y otros artistas que pugnaban por la introducción de “lo nuevo”.

Su lenguaje artístico venía informado por el arte de las vanguardias -conocido de cerca en su tierra natal y en su formación en Viena-, por el expresionismo europeo, principalmente alemán, y por lo que estudió y vio en los museos: Francisco de Goya, Honoré Daumier y la extensa tradición del grabado satírico-político. Poco a poco, fue tomando nuevas formas y adaptándose a las diversas coyunturas y a los ritmos y urgencias que las vicisitudes propias, nacionales y mundiales le fueron imprimiendo.

En esta oportunidad única, el Museo Nacional del Grabado pone a disposición del público un recorrido por las etapas estéticas de este particularísimo grabador, un artista cuya obra es imposible de mirar con indiferencia, sea por la acidez de sus críticas, por el ingenio de su invención, o la maestría de su oficio. Un artista que creó un verdadero universo de personajes que se parecen a la vida: que no la imitan, sino que ofrecen su otro costado menos visible. 

La muestra se podrá visitar hasta el 4 de agosto, de martes a domingos y feriados de 12 a 20 hs. en Riobamba 985 - 4º piso, Buenos Aires, Argentina.

Instagram: @mndelgrabado.

13 de junio de 2019

La galería Calvaresi presenta la instalación de esculturas “Farola. Tapiz. Túnica”, de Daniel Basso

 
Hasta el 25 de agosto se exhibe en la galería Calvaresi la instalación de esculturas “Farola. Tapiz. Túnica”, de Daniel Basso, destacado artista contemporáneo que acaba de recibir el Premio Itaú de Artes Visuales, uno de los reconocimientos más importantes del país en su género, que se suma a galardones anteriores tales como el Primer Premio en Escultura en el Salón Municipal de Artes Plásticas de Mar del Plata, el Premio Klemm y, reiteradamente, el Premio Fundación Andreani, entre otros. 
  
La exhibición, curada por Lux Lindner, es en realidad una impactante instalación realizada con cinco obras de gran tamaño que ocupa toda la planta alta de la galería, y que muestra en toda potencia la audacia y creatividad de Basso.   

Artista difícil de clasificar dentro de un estilo, el texto curatorial de Lux Lindner aporta una aproximación: “Pienso que en la obra de Basso hay elementos de un pop frenado. Un pop alerta, consolidado que se sabe bajo sospechado de esconder armas de disfrute masivo. (…) Referencias  estilísticas de Basso: Richard Deacon, Anthony Caro. Un canon bastante recostado en la escultura inglesa posterior a Henry Moore, seca y lúdica a la vez. La morfología de una época de juvenil festividad alejada del pathos e inflación textural habitual de quienes han vivido una guerra de verdad”.
  
Daniel Basso nació en Mar del Plata en 1974 y entre los años 1994 y 1998 cursó estudios de pintura en la Escuela Superior de Artes Visuales “Martín Malharro”. 
En 2002 se produjo un hecho fundamental en su vida: es seleccionado como becario de Fundación Antorchas para las “Clínicas de Análisis y Producción de Obra” en Tandil, coordinada por Pablo Siquier, Luis Wells, Fabián Levenglik y Alicia Herrero. En 2003 participó del proyecto TRAMA en Mar del Plata junto a artistas locales y del exterior. En 2004 fue becado por Fundación Antorchas con el subsidio a la Creación Artística y asistió al taller de Daniel Joglar. En 2006 participó en el programa Intercampos II en Fundación Telefónica.   
Realizó exposiciones individuales en Baltar Contemporáneo (Mar del Plata, 2006), galería Appetite (Buenos Aires, 2008), galería Slyzmud (Buenos Aires, 2012 y 2016), Centro cultural Recoleta (Buenos Aires, 2015),  y Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires,, 2016). Asimismo ha participado de numerosas muestras colectivas y de importantes salones y bienales. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas. Fue seleccionado para el premio Braque 2017.
La exposición permanecerá hasta el domingo 25 de agosto y se puede visitar de lunes a sábados de 12 a 18 hs. y domingos de 12 a 17 hs. con entrada libre y gratuita en  Calvaresi, Defensa 1136, San Telmo.

Galería Vasari presenta "Washi", exposición individual de Kazuya Sakai, que reúne obras inéditas sobre papel realizadas entre 1980 y 1995

 
Figura particular de la vanguardia informalista, introductor de la geometría en México, intelectual, traductory difusor de la cultura oriental, este artista argentino-japonés se estableció en Texas a fines de los años 70 y residió allí hasta su muerte.
 
Las obras que se presentan en esta muestra forman parte de este período tardío en su producción y exhiben sus heterogéneas indagaciones en la pintura a través de geometrías, caligrafías y paisajes verticales, pero siempre con una constante búsqueda espiritual.  
  
 
Como sostiene Eduardo Stupía en el texto que acompaña la exposición: “En esta nueva instancia introspectiva, es el papel el elemento común y el cuerpo sustancial que aporta no solamente presencia en tanto soporte físico sino latencia y espíritu. Precisamente Washi, la palabra japonesa que designa a la práctica de fabricación de papel artesanal, es el título de la muestra, compuesta exclusivamente por obras en papel de arroz y de algodón. El primero, con esa aparente fragilidad estructural que es sin embargo increíblemente resistente; el segundo, con mayor grosor, densidad y una muy porosa permeabilidad. La trama fibrosa y el grano en protagónica pregnancia de uno y otro aparecen y desaparecen como una alternancia fluida de consistencia e inmaterialidad, en las volubles andanzas del agua y el pigmento.”
  
Kazuya Sakai nació en Buenos Aires en 1927. En 1934 se trasladó a Japón donde estudió literatura y filosofía en la Universidad de Waseda, Tokio. A su regreso a la Argentina en 1951 empezó a incursionar en la pintura partiendo de la tradición caligráfica japonesa, tradición con la cual dialogó a lo largo de toda su trayectoria artística.  
 
Realizó su primera exposición individual en 1952 en la galería La Cueva. En 1957 integró el grupo Siete pintores abstracto y luego el Grupo de los cinco. Además de artista visual, fue un gran difusor de la cultura japonesa, orientalista, traductor y director de colecciones sobre Asia, amante de la música y docente en universidades de la Argentina, México y Estados Unidos.  
 
En 1963 se trasladó a Estados Unidos y al año siguiente, invitado por el Centro de Estudios Orientales del Colegio de México, se instaló en México D.F. donde residió hasta 1974. Allí comenzó su etapa geométrica, siendo la suya la primera exposición de arte geométrico en este país. Creó el Salón Independiente con el auspicio de la Dirección General de Difusión Cultural de la Universidad Autónoma de México y fue editor en jefe y director artístico de la revista Plural, dirigida por Octavio Paz, con quien fundó en 1987 la revista Vuelta. En 1977 se trasladó a Texas, estableciéndose en Dallas hasta su muerte.
  
 
Participó del envío argentino a la VI Bienal Internacional de San Pablo en 1961, y a la XXXI Bienal de Venecia en 1962. Fue distinguido con los siguientes premios: Medalla de oro, Exposición Universal de Bruselas, Bélgica, 1958; Primer Premio, Premio Nacional de Pintura, Argentina, 1960; Primer Premio, Salón de Pintura actual, Buenos Aires, Argentina, 1961.

Su obra forma parte de numerosas colecciones internacionales como: Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina; Museo de Arte Moderno de México, México DF; Museo de Arte Internacional "Rufino Tamayo", México DF; Museu de Arte Moderna, Río de Janeiro, Brasil; MoMA Museum of Modern Art, New York, USA; Institute of Latin American Studies, University of Texas, Austin, USA; National Museum of Modern Art, Tokyo, Japón; Museum of Modern Art, Tel Aviv, Israel, entre muchas otras.
 
La exposición se puede visitar del 12 de junio al 3 de agosto de 2019, de lunes a viernes de 11 a 19 hs. en Esmeralda 1357, Buenos Aires, Argentina.

11 de junio de 2019

Tres nuevas exposiciones se inauguraron en el Cultural San Martín


El Cultural San Martín presenta la segunda tanda de muestras del 2019. Los espacios corresponden al entresuelo, sala E y el hall de la sala AB. 

Mauro Pesoa y María del Carmen Toribio. QR Chaguar, 2026, tejido, Formosa
Patricia Hakim presenta en la sala E “QR: Entre lo ancestral y el futuro”. La muestra busca recuperar y ampliar los sentidos de la artesanía, del arte y de la tecnología al tensar los diversos contrastes productivos: conectando, exponiendo y difundiendo -en forma poética, inédita y tecnológica- las técnicas ancestrales y sus artesanos. Inversa y simultáneamente, entre los objetivos también están los de exponer y divulgar las tecnologías actuales. En este preciso juego de aparentes contradicciones tempo-culturales, de tradiciones e innovaciones, de aislamiento e interconexiones, de simplezas y complejidades, de pasado y futuro, es donde se centra el objetivo del proyecto: se trata de unir mundos.
 
Eugenia Streb. "Ceremonia de Flores"
 
En el entresuelo Eugenia Streb con “Ceremonia de Flores”. Sus obras  componen un conjunto de esculturas blandas que emergen como volúmenes sensuales del plano. La condición femenina a partir del cuerpo, lo blando, lo orgánico, lo táctil y la seducción. A través del color se cruzan reflexiones sobre nuestra identidad como seres emotivos y nuestra condición orgánica como seres vivos, en un recorrido lúdico de color y formas en el que subyacen vivencias personales.
 
"María de Waires. La divina decadencia". Claudio Larrea

“María de Waires. La divina decadencia. Recorrido arquitectónico de una república imaginaria” de Claudio Larrea, en el hall de la sala AB, es una serie de fotografías que consta de dos partes, la primera son edificios de la ciudad de Buenos Aires que llamó la República de Waires, ficcionando un cruce histórico y estético entre la República de Weimar (Alemania, 1919) y la ciudad de Buenos Aires. Y la segunda parte de la muestra cuenta con obra fotográfica que participa, en formato de grandes proyecciones  como escenografía en “María de Buenos Aires”; ópera-tango de Astor Piazzolla y Horacio Ferrer, estrenada en la Opera de Rhin (Estrasburgo) en mayo de 2019, y que se muestra por primera vez en Buenos Aires.

“La ciudad es el tema.
O, más bien, su fantasma.
De ahí el blanco y negro, las sombras expresionistas, los personajes adivinados o apenas entrevistos, una fascinación y una amenaza.
De ahí Buenos Aires.
El ojo de Claudio Larrea, más irónico que melancólico, nos revela inesperadamente en sus fotos que hubo (hay) una Weimar perdurable en Buenos Aires.
Podríamos pensar que Argentina tal como la conocemos hoy nació como República en 1916, con la asunción de Hipólito Yrigoyen como el primer presidente electo por la ley de sufragio universal.

 
Solo tres años después, en 1919 y en otro continente, nacía la República de Weimar.
Alemania había perdido la Gran Guerra y su castigo fue el tratado de Versalles.
La humillación se llevó puesto al káiser Guillermo, rey de Prusia y emperador alemán.
La renuncia fue enviada vía telefónica. Comenzaba la modernidad. Para Brecht, la modernidad fue el pináculo de la alienación del hombre.
Ciudades y seres que pueblan las pinturas de Grosz y de Otto Dix, o las películas de Murnau y de Fritz Lang, recodado por Metrópolis.
Lo que capta Claudio Larrea es un inquietante aquí y ahora con reminiscencias de guerra sorda, agazapada. Una guerra que la Argentina no vivió pero que recibió en la forma de inmigrantes aterrados en masa, gente que trajo sus propios artes y oficios, sus propias luces y sombras.
Y, desde luego, la Divina Decadencia.”
Gonzalo Demaría. 

 
Rita Simone. “Línea de tiempo”
Para agendar: el 14 y el 26 de junio a las 19 h. Rita Simoni brindará una clase abierta
sobre instalación de sitio específico en el marco de “Línea de tiempo”, una instalación pensada por la artista para la sala Vertical.  


10 de junio de 2019

La galería Hoy en el Arte exhibe "Vueltas de la vida" de Horacio Beccaria


En "Vueltas de la vida", Horacio Beccaria, nos adentra en su estrecha relación con el papel, técnicas e investigaciones, que dentro de su gran trayectoría, guiado por dialogos que rige el espiritu y sabias energías, le han acercado a innovadoras técnicas, al objeto y la tridimensión, grabados, técnicas mixtas y objetos, forman el conjunto de esta muestra.

Beccaría nació en Lanús, provincia de Buenos Aires, en 1945. Realizó sus estudios en las escuelas nacionales “Manuel Belgrano”, “Prilidiano Pueyrredón” y “Ernesto de la Cárcova”, egresando de esta última con el título de profesor superior de grabado, con Medalla de Oro al mejor promedio de egresados.
Se inició en la docencia en el año 1968. Es en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata donde ha desarrollado su actividad docente a nivel universitario a partir del año 1985. En la actualidad es profesor titular ordinario de la cátedra de grabado y arte impreso en dicha institución. También es profesor en la Universidad Nacional de Arte (UNA).

Desde 1970 es miembro fundador del “Grupo Arte Gráfico - Grupo Buenos Aires”, conjuntamente con César Fioravanti, Julio Muñeza, Marcos Paley, Ricardo Tau y Juan Carlos Romero.

De manera muy temprana, a partir de 1964, obtiene el premio Mención en Grabado en el Salón Nacional, así como también el Premio Coronel Cesáreo Diaz, Premio Felipe Mariano Guibourg, Primer Premio de Grabado, Premio Cámara de Diputados de la Nación y Gran Premio de Honor Grabado, todos correspondientes al Salón Nacional.
A lo largo de su trayectoria artística logra gran cantidad de premios entre los que destacan: Primer premio Salón Swift de Grabado, Museo de Arte Moderno; Primer Premio Único Monocopia, Salón Municipal Manuel Belgrano; Primer Premio Salón Regional de la Provincia de Buenos Aires; Primer Premio Salón de Tucumán; Premio Salvador Caputo, Provincia de Santa Fé; Primer Premio Salón COAP, La Plata; Primer Premio Centenario de General Roca, Rio Negro; Primer Premio Salón Municipal Quinquela Martín, Ciudad Autónoma de Buenos Aires; Primer Premio Salón COAP, General Lamadrid; entre otros.

"Vueltas de la vida" se puede visitar hasta el 28 de junio, de lunes a viernes de 12 a 20 hs. y  los sábados con cita previa, en Juncal 848, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. 
El miércoles 26 de junio a las 18 hs. Horacio Beccaria abrirá "Diálogo: Del Grabado al Arte Impreso", con los asistentes a esta actividad gratuita de interés cultural educacional.

7 de junio de 2019

El Ateneo Popular “Esteban Echeverría” invita a participar del LXI Salón de Otoño / 2019


El Ateneo Popular Esteban Echeverría, entidad referente en el ámbito cultural nacional, cuenta con un vastísimo recorrido en lo que respecta al incentivo de las artes. En esta oportunidad invita a participar en el LXI Salón de Otoño en las siguientes disciplinas: dibujo, escultura, fotografia, grabado y pintura.

Medida máxima: 1 m de base incluido el marco.
Escultura: Medidas máximas 0,60m x 0, 60m, altura libre.
Inauguración del Salón y Entrega de Premios: viernes 26 de julio de 2019 a las 19 hs. en la sede de la Institución, calle 25 de Mayo 1168, San Fernando, Tel: 4744-5742.
Clausura: 10 de agosto de 2019.
La recepción de obras, listas para colgar, será desde el 15 al 19 de julio de 2019 (lunes a viernes) de 17 a 20 hs.
Reunión del jurado: 20 de julio de 2019.
Retiro de obras: dentro de los 30 días corridos a partir del 10 de agosto de 2019.
Los artistas podrán participar en distintas disciplinas y con una o dos obras por cada una de ellas.
El arancel por derecho de inscripción es de $ 150, por obra, por dos obras $ 250. Estudiantes con carnet habilitante: $ 100 por una obra y $150 por dos.
El arancel no será reintegrado, aún no siendo aceptada la obra.
El Ateneo cuidará la buena conservación de las obras pero no será responsable por deterioro o robo.
La Institución designará un jurado integrado por artistas visuales de reconocida trayectoria cuyo veredicto será inapelable.
La participación de este certamen implica el conocimiento y la aceptación del presente reglamento, quedando establecido que el jurado y la institución tienen plenas facultades para resolver cualquier eventualidad no prevista.

Premios para cada disciplina:
Primer Premio: $2000 no adquisición y diploma.
Segundo Premio: Medalla y diploma.
Tercer Premio y Menciones: diploma.
Premio al Artista de la Zona: Medalla y diploma.
Además se otorgará diploma a todos los participantes.

Lanzamiento de la convocatoria para participar de FIVA' 9

 
Se encuentra abierta la inscripción para participar de la novena edición de FIVA -Festival Internacional de Videoarte.
Podrán presentarse a esta convocatoria artistas mayores de 18 años de cualquier nacionalidad. La temática es libre y la participación gratuita. No se aceptaran obras realizadas con una fecha anterior al año 2017.
El jurado está conformado por Gustavo Romano (Argentina), María Pallier (España) y José Carlos Mariátegui (Perú).
Las bases y el formulario de inscripción pueden descargarse desde la página del festival: www.fivafestival.com.ar.
 
FIVA es en la actualidad el único festival Anual internacional de videoarte que se lleva a cabo en la Argentina.
El mismo se desarrollará durante el mes de diciembre de 2019 en Centro Cultural San Martín, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
 
El festival se ha consolidado como una fecha de trascendencia en el circuito internacional de festivales.
Año tras año FIVA reúne una perspectiva actualizada  de la escena audiovisual internacional. El festival propone continuar y profundizar el incentivo a la creación audiovisual y fomentar la difusión de esta práctica artística contemporánea.
 
Los organizadores aspiran a superar la convocatoria alcanzada en la edición 2018 donde participaron 650 artistas de los 5 continentes.
FIVA está realizado por: Soledad Sanchez, Marcela Andino y Hernán Raggi, gestores culturales.
Esta edición se realiza con aportes de la Ley de Mecenazgo de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

6 de junio de 2019

Tesoros del Museo Nacional de Bellas Artes se exhibirán en la ciudad de Corrientes


La muestra itinerante "En tránsito. Tesoros de la colección del Bellas Artes", que reúne piezas de grandes maestros argentinos e internacionales, como Pablo Picasso, Antonio Berni, Xul Solar, Luis Felipe Noé, Emilio Pettoruti, Benito Quinquela Martín, Raquel Forner, María Martorell, Joaquín Torres García y Juan Carlos Castagnino, se presenta del 5 de junio al 28 de julio en el Museo Provincial de Bellas Artes “Juan Ramón Vidal”, de la ciudad de Corrientes.
 
Fernando Fader, “Capilla de Ischilín”, 1930
 
Organizada por la Secretaría de Gobierno de Cultura de la Nación -a través de la Secretaría de Patrimonio Cultural- y el Museo Nacional de Bellas Artes, la muestra recorre los cambios del lenguaje plástico entre fines del siglo XIX y fines del siglo XX, a partir de una selección de pinturas, dibujos y grabados de artistas del país y del exterior, que reflejan el perfil de la mayor colección pública de arte de la Argentina.

“El Museo Nacional de Bellas Artes atesora en su patrimonio una de las más importantes memorias visuales de la Nación”, afirma Andrés Duprat, director de la institución. “Su acervo reclama y propone nuevas lecturas que postulan un diálogo con la tradición pictórica producida y albergada a lo largo de nuestra historia”, continúa. “Esta exposición, pensada para ser exhibida en diversos puntos del país, está integrada por obras significativas, raramente mostradas, que recorren los principales ejes de la colección del Museo y que constituyen un relato con el cual es posible valorar la experiencia artística universal”, precisa.

Emilia Bertolé, “Autorretrato”
La exposición, que permite que obras destacadas del acervo del Museo Nacional de Bellas Artes puedan verse en distintos museos y espacios culturales de las diferentes provincias del país, tuvo como primera sede de itinerancia el Museo Provincial de Bellas Artes “Pedro Martínez”, donde se presentó entre abril y junio de 2018.
 
Curada por María Florencia Galesio y Pablo De Monte, del área de Investigación del Museo, la muestra reúne 33 obras organizadas en cuatro núcleos temáticos: “Retrato”, un recorrido por los modos de retratar a las personas a través de distintos estilos, como el naturalismo, el expresionismo y el cubismo; “Paisaje”, que incluye obras donde la idea del paisaje es un modo de definir lo nacional, junto con otras formas de representar la naturaleza, como las surrealistas y las constructivistas; “Figura”, que plantea diferentes miradas sobre un género cultivado durante siglos y que sufrió modificaciones tanto en lo formal como en lo conceptual; y “Abstracción”, donde las formas y sus relaciones son las protagonistas, en obras que van de la abstracción de la realidad a las propuestas que evitan la representación.
 
Antonio Berni, “El tanque blanco”
 
El Museo Provincial de Bellas Artes “Juan Ramón Vidal” está ubicado en San Juan 634, en Corrientes capital, y puede visitarse de martes a jueves, de 8 a 12 y de 16 a 20 hs., y los sábados, domingos y lunes, de 9 a 12 y de 17 a 20 hs.

Con esta muestra itinerante, el Museo Nacional de Bellas Artes continúa una de sus acciones fundamentales: consolidar su política de descentralización, poniendo en circulación por el país parte de su acervo, con el objetivo de ampliar su universo de destinatarios y dar mayor visibilidad a la colección.

La XVII Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires BA19 ya tiene fecha: será entre el 15 y el 26 de octubre de 2019


Desde el 5 de junio esta abierta la convocatoria al Premio Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires donde podrán participar obras y proyectos concretados, entre el 2015 y el 2019, realizados en la Argentina o en otros lugares del mundo, por arquitectos locales o extranjeros.

La Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires, anunció su nueva edición, que se llevará a cabo entre los días 15 y 26 de octubre de 2019, con sede en la Usina del Arte. Una vez más, BienalBA será un acontecimiento participativo y de interés para toda la comunidad a donde se presentará lo más destacado de la arquitectura y el urbanismo.

La selección de los trabajos será realizada por un comité especial integrado por Carlos Sallaberry, Roberto Converti, Miguel Jurado, Juan Carlos Fervenza, Carlos Dibar, Matías Glusberg, Barbara Berson, Gustavo Diéguez, Claudia Faena, Valeria Matayoshi, Guillermina Muñiz, Ana Rascovsky y Max Zolkwer.

Los trabajos seleccionados serán exhibidos en el marco de la muestra que se realizará durante el desarrollo de la bienal y serán publicadas en el libro catálogo. Además, los trabajos presentados participarán del Premio Bienal por categorías y del Gran Premio Bienal.

Los premiados participarán de la segunda edición del premio ON / Oscar Niemeyer, instituido por la Red BAAL (Red Latinoamericana de Bienales de Arquitectura) y serán parte de las exhibiciones internacionales que organice La Bienal. La selección para el Premio Bienal por categorías y el Gran Premio Bienal será realizada por un jurado internacional formado por los principales arquitectos invitados.

Los trabajos se deberán cargar en: http://labienalarq.com/concursos-2/ antes del 31 de julio de 2019 en la sección concursos.

4 de junio de 2019

Italia celebra 2 grandes aniversarios: 73 años de República italiana y 500 años de Leonado Da Vinci, genio italiano


Leonardo da Vinci, fallecido hace 500 años, reúne pasado, presente y futuro. Los festejos del 2 de junio, Día de la República Italiana, se realizaron, este año, con especial dedicación a él. Consistieron en un viaje por el arte, la tecnología del Made in Italy y la gastronomía para celebrar la vigencia del "In-genio italiano". 
La fiesta se celebró el 31 de mayo en la residencia del embajador Giuseppe Manzo y su esposa Alma Hado, con la presencia de importantes personalidades de todos los ámbitos.
 
Prototipo de bicicleta de Leonardo da Vinci 
 
Formaron parte de este recorrido, la obra "Segno Arte" de Pistoletto, inspirada en el Hombre de Vitruvio de Leonardo; las reproducciones de las máquinas de vuelo de Leonardo realizadas por el artesano cordobés Juan Carlos Zampieri; los modelos de la colección Alberta Ferretti diseñados para Alitalia y el itinerario en 3D del interior de un avión contemporáneo; el prototipo Leonardesco de la bicicleta, las imágenes de Gino Bartali, "Justo entre las Naciones", los modelos eléctricos de Enel X y la exposición de dos modelos de autos del Grupo FCA en honor a los 100 años de presencia de la empresa en la Argentina.
 
Albergo Etico Argentina
 
El in-genio italiano se manifestó también en la inclusión y la integración social: trabajó en el evento el personal del primer “Albergo Etico” fuera de Italia, cuyo objetivo es otorgar autonomía e independencia económica a personas con capacidades diferntes.
Luego del discurso inaugural se proyectó un panel interactivo sobre el Palacio Barolo, dedicado a la Divina Comedia de Dante Alighieri, diseñado por el arquitecto italiano Mario Palanti.
 
El escenario gastronómico ofreció platos del chef Mario Sciolla inspirados en las recetas de Leonardo da Vinci. Hubo dos homenajes a la amistad entre Italia y Argentina: "El abrazo" de Alejandro Marmo y las obras Luciano Garbati, “Testimonio”, “Vasiho” y “Alter fero”, como prueba de que el in-genio italiano aún vive en las obras de artistas ítalo-argentinos.
 

Ala batiente de Leonardo da Vinci 
 
In-genio Italiano
Este año, en homenaje al aniversario n. 500 del fallecimiento de Leonardo da Vinci, artista y científico, ícono del humanismo, hombre del futuro, la Embajada de Italia en Argentina está presentando “In-genio italiano, El arte italiano de innovar y construir el futuro”. Un ciclo de eventos, exposiciones, conferencias, seminarios y espectáculos que se llevarán a cabo a lo largo de todo el 2019, destinados a ilustrar el ingenio y la capacidad creativa italiana, interpretados por artistas, empresarios y protagonistas de la sociedad italiana y argentina.
 

Mirta Herrero en la fiesta en la Embajada de Italia
 
Leonardo, es el ícono del ingenio italiano que continúa  inspirando al mundo en su camino hacia el progreso en el arte y la empresa, la tecnología y literatura, la música y la innovación, la arquitectura y la ciencia. Se trata del mismo “genio e ingenio” que contribuyó a la creación de la Argentina que conocemos y que la “acompaña” hoy en la construcción de su futuro.

Martina Krapp se presenta en la galería de arte “Alejandro Bustillo” del Banco Nación


La galería de arte “Alejandro Bustillo” del Banco de la Nación Argentina exhibe la muestra "Mi sombra es un hueco en la tierra", de la joven pintora Martina Krapp, recientemente reconocida por el Fondo Nacional de las Artes con un premio estímulo en la categoría pintura.

La autora expone una selección de sus últimos trabajos para completar una serie de composiciones de gran tamaño en las que afirma, a la vez que renueva, su búsqueda estética.

“La propuesta fue pensada y realizada especialmente para esta galería. Las obras buscan la mirada curiosa de un espectador que tenga la capacidad de observar más allá de la mirada”, ha expresado la artista. 

La exposición puede ser visitada desde el martes 4 al viernes 28 de junio, de lunes a viernes de 10 a 15 horas, en el hall principal de la sucursal Plaza de Mayo del BNA, ubicada en Av. Rivadavia 325, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. 

La artista coreana radicada en Argentina Kim Yun Shin presenta sus obras en el espacio Cetol


Cetol, marca líder del grupo AkzoNobel en el cuidado y protección de la madera, presenta la segunda edición del ciclo #PuraMadera por Kim Yun Shin.

Esta exhibición demuestra el diálogo profundo y rico entre la artista y los árboles. Kim Yun Shin nació en 1935 en la ciudad de Wonsan, hoy Corea del Norte. Estudió Bellas Artes en la Universidad Hongik en el centro de Seúl y luego se perfeccionó en París. En 1984, decidió migrar a Argentina, luego de ser cautivada por la riqueza y variedad de los árboles. Inició su recorrido artístico a principios de los años 60s con su primera exposición individual en Seúl, luego siguieron exhibiciones, grupales e individuales, en Estados Unidos, México, Brasil, Japón, Francia, China, Corea y Argentina.


Su obra comienza explorando la tridimensionalidad. Convierte en esculturas trozos de Lapachos, Caldenes, Quebrachos, Algarrobos y Palosantos donados por amigos y colegas. Con su trabajo, la artista busca interpretar el arte sin imponerse ante el mismo, realizando el ejercicio de buscar la verdad y ser finalmente humana. Además, lleva la naturaleza a un terreno simbólico en donde lo espiritual siempre está presente, basándose en la traducción de su apellido, donde “Yun” se usa para referirse a lo real mientras que “Shin” es lo espiritual.
 

La segunda edición de #PuraMadera, con curaduría de Federico Platener, podrá ser visitada desde el 6 de junio al 5 de julio en espacio Cetol (Av. del Libertador 6188 – CABA) de lunes a viernes de 9 a 17 horas.
Para informarse sobre la agenda de actividades de la marca puede visitarse su web: www.cetol.com.ar.

29 de mayo de 2019

El Centro Cultural Coreano presenta "Mundos cruzados", una muestra de siete artistas argentinas en homenaje a Corea.


Mundos cruzados propone un recorrido por la labor de siete artistas mujeres de Argentina, con un punto en común: la salida al encuentro de Corea como inspiración para la creación.
Exponen: Andrea Fried, Guigui Kohon, Liliana Golubinsky, Luchi Szerman, Luciana Levinton, Patricia Linenberg y Poupee Tessio, coordinado por Norma Duek Fine Arts.

Obras de Andrea Fried y Luciana Levinton 
 
Países que están en las antípodas del planeta se ponen en relación para dar espacio a la producción. La tarea de las artistas se vuelve una especie de alquimia cultural, en la cual se interpreta un mundo lejano con la percepción local y las herramientas cotidianas. Un foco libre sobre un país que se reconoce en un nuevo lugar en el entramado de naciones.

Obras de Liliana Golubinsky 
 
La muestra se puede visitar hasta el 12 de julio en Maipú 972, con entrada libre y gratuita.

27 de mayo de 2019

"Aires de Tragedia" en Fundación Beethoven


Gabriela Acha. Vanitas 1, 2016. Planta, resina, vidrio, metal y MDF
 
Hasta el 21 de junio de 2019 la sala expositiva de Fundación Beethoven (Av. Santa Fe 1452, CABA) exhibe “Aires de Tragedia”. Se puede visita de lunes a sábados de 14 a 20 hs.
 
Nati Cristo. Paisaje la hora mágica, 2016. Óleo, hojas de plata y tul sobre tela 
 
En esta muestra se presenta el trabajos de 12 artistas y 15 obras en sala entre fotografía, pintura, dibujo y escultura bajo la curaduría de Patricia Rizzo y asistencia curatorial de Vanesa Catellani.
 
Duilio Pierri. Bosque primario, 2005. Óleo sobre tela
 
Este recorrido visual inspirado en las letras de Lord Byron donde nos anticipa que en todo
momento feliz se encuentra latente la posibilidad de una tragedia. se presenta una selección de obras que evidencian el debate interno que tienen los artistas, en esa angustia, y expresan metafóricamente mediante sus diferentes técnicas, ese clima de tensión entre lo que es y lo que puede ser, entre el instante feliz y el peligro inminente.

Eugenia Calvo 
 
Los artistas cuyas obras se exponen son: Gabriela Acha, Eugenia Calvo, Nati Cristo, Cristina Fresca, Andres Giles, Nina Kunan, Eduardo Longoni, Gabriela Mesutti, Eugenia Petre, Duilio Pierri, Ana Clara Soler y German Wendel.

Nina Kunan. Tinta sobre papel, 2019

Pabellón 4 Arte Contemporáneo presenta “Un cielo discreto” de Javier Bilatz


Pabellón 4 Arte Contemporáneo presenta la muestra del artista Javier Bilatz “Un cielo discreto”, curada por Nestor Zonana Cohen.

7b. De la serie "Partes del Vacío", madera calada con texto generativo y backlight, 2019
De la serie "Partes del Vacío": "Una escritura diseñada para carecer de sentido”. La obra núcleo de esta muestra ("Un cielo discreto”, proyección generativa) busca poner en escena la percepción de un posible cielo estrellado, o el universo todo, de cuyos elementos o estructuras parecen emerger y disolverse textos. Hipótesis: ¿el universo es información? De ser así ¿podemos aprehender algún significado de la misma? Esta obra explora una idea/visión de un universo cuya materia prima es información. Un universo, por lo tanto, discreto.

2B. De la serie "Partes del Vacío", 2019
Esta escritura, diseñada desde cero, y desvinculada de cualquier lenguaje previamente existente, propone al espectador la experiencia de situaciones u objetos en los cuales se perciba la presencia de "textos" (estáticos o animados), y en consecuencia la interrogación por el potencial sentido expresado. La base de cada obra de esta serie es un software que programé, que genera los “textos” en formatos estándar de la industria gráfica y audiovisual, a través de reglas de aleatoriedad controlada, gestión de dirección de recorrido, aplicación de espacios probabilísticos, etc. Dado la extendida premisa de que cualquier lector, cuando menos, completa el sentido de lo que lee (contraria a la idea de que cada texto tiene un sentido unívoco, independientemente de quien lo lea, bajo la sola condición de "conocer el idioma"), a través de la exposición y experiencia de estas obras busco potenciar al máximo la situación de "sentido proyectado" de las personas, dado que por diseño (y si se quiere, por tenacidad), esta escritura carece completamente de sentido intrínseco, y cualquiera que emerja de la experiencia de enfrentarse a sus textos será, a los efectos prácticos, creación del espectador. 

Esta muestra cuenta con el apoyo del Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias

Javier Bilatz
Javier Bilatz nació en la ciudad de Buenos Aires en 1968. Artista tecnológico, músico, programador, y docente. Su formación incluye el paso por Facultad de Arquitectura (UBA), becas del espacio Fundación Telefónica, más de dos décadas en la industria gráfica y retoque fotográfico digital para publicidad; programación creativa y modelado 3D, y la escuela del Sindicato Argentino de Músicos.  
Seleccionado en el Salón Nacional de Artes Visuales en 2008 y 2014. Participa desde 2005 en muestras individuales y colectivas en galerías, ferias de arte, museos y fundaciones de Argentina, y en ferias de arte internacionales en EEUU, Colombia y Chile. 
Trabaja principalmente sobre procesos y código de programación, adaptando y generando formatos y técnicas a la medida de sus proyectos. Explora temas como la naturalización de la imagen tecnológica en la vida cotidiana, la incomunicación, interrogantes sobre los sujetos; partiendo de las corrientes geométricas del siglo XX y la tensión entre abstracción y figuración. Sus obras forman parte de colecciones del país y el exterior.
 
Yo estoy (autoretrato laberíntico, de la serie "Estancia"), 2015, fabicación digital, polyfan cortado a láser 
 
La muestra puede visitarse de lunes a viernes de 14 a 19 horas hasta el 22 de junio de 2019, con entrada libre y gratuita, en Ramirez de Velasco 556, Villa Crespo, Buenos Aires, Argentina.


24 de mayo de 2019

Arte x Arte presenta “Más allá del ritual. Retrato grupal en la fotografía argentina”


ArtexArte - Fundación Alfonso y Luz Castillo presenta la exposición “Más allá del ritual. Retrato grupal en la fotografía argentina”, con la curaduría de Daniel Merle.

El retrato de grupos es un género pictórico que en el campo de la fotografía adquiere formas y significados diversos, alejados muchas veces de los modos de representación validados en la historia del arte. En principio fue identidad y cohesión del grupo familiar, de la reunión de amigos, de la celebración social. Desde multitudinarios retratos de militares hasta las selfies en las redes sociales, el retrato grupal es expresión política, ética, y social de una comunidad. Esta muestra propone un recorrido por ciertas expresiones de la fotografía como arte contemporáneo en relación con amplios aspectos de la fotografía anónima y familiar desde fines del siglo XIX hasta la actualidad.
 
Artistas: Luis Abadi, José Beleno, Natalia Calabrese, Mario Augusto Canale, Eduardo Carrera, Ángel Della Valle, Claudio Divella / Diario Clarín, Nicolás Falduti, Luis Gregorio Fernández, Nilda Fiorito, Sebastián Friedman, Gustavo Germano Pamela Ghisla, Diego Goldberg, Andrea Guedella, Estela Izuel, Christiano Junior, Ariadna Lasser, Alejandro Lipszyc, Marcos López, Gian Paolo Minelli, Fernando Paillet, Santiago Porter, Dalila Puzzovio, Juan Pablo Renzi, Res, Cecilia Reynoso, Sabina Romani, Patricia Salas, Silvia Sánchez Puch, Juan Ignacio Sarrabayrouse, Lena Szankay, Eduardo Tilcara, Gabriel Valansi, Enzo Velasco, Martín Weber, Graciela Zaires.


La exposición permanecerá abierta al público hasta el 27 de junio de 2019 y se puede visitar de martes a viernes de 13.30 a 20 hs. y los sábados de 15 a 19 hs. en ArtexArte - Fundación Alfonso y Luz Castillo, Lavalleja 1062, Villa Crespo, Buenos Aires, Argentina.