El MACBA exhibe "Línea y Vibración" de Josefina Robirosa

 

El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires - Fundación Aldo Rubino presenta la primera exhibición del año: "Josefina Robirosa (1932-2022, Argentina) - Línea y Vibración", curada por Rodrigo Alonso.
La exhibición reúne obras de una etapa de su producción en diálogo con artistas mujeres presentes en la colección permanente de MACBA.

Según Mercedes Casanegra, "La obra de Robirosa posee un hilo medular que es la naturaleza y que a la vez es el velo de otro más profundo: un interés por los lazos espirituales del mundo, por la realidad no visible".

Josefina Robirosa. “Cabezas”, acrílico sobre tela, Colección MACBA

"Sin embargo, ese hilo conductor -que, en efecto, es el más evidente a lo largo de su trayectoria- no ha sido el único. Durante un período entre mediados de las décadas de 1960 y 1970, la figura humana cobra un lugar central, en sintonía con la explosión poblacional que sigue a las Grandes Guerras, el protagonismo de la juventud, el crecimiento de la cultura de masas, y la importancia social cada vez mayor de las comunicaciones y las nuevas tecnologías. En este contexto, la artista argentina desarrolla una serie de obras singulares, a medio camino entre la geometría y la figuración, conformada por líneas y franjas multicolores, que no sólo empatiza con la revolución cromática del pop-art y los dinamismos del arte óptico y cinético, sino que, además, ofrece una mirada especial sobre el mundo contemporáneo." Fragmento de texto curatorial de Rodrigo Alonso.

Josefina Robirosa. “Hombre caminando”, c.1969, óleo sobre tela. 

Colección privada

La exposición se puede recorrer hasta el 26 de junio, de 12 a 19 hs. (martes cerrado) en el MACBA, Av. San Juan 328, CABA. 

Se inaugura "Donde vos estás" de Maitemazz en galería Centoira

El martes 7 de marzo se inaugura "Donde vos estás", una muestra de la artista internacional Maitemazz en la galería Centoira. En el Mes de la Mujer se exhiben obras de gran compromiso ideológico.

La mirada de Maitemazz registra y descubre lo que la mayoría de la gente no percibe cuando circula por las calles de la ciudad. Todos vemos carteles, grafitis, adornos o publicidades sujetas al accionar de los transeúntes y al paso del tiempo. Pero ¿qué aparece por debajo de lo arrancado? ¿Qué aparece pegado o escrito por encima?  Frase sobre frase, cartel sobre cartel, rostro sobre rostro, diálogos anónimos. Las fotografías aparentan comunicar algo, pero el espectador atento descubrirá en ellas las contradicciones y paradojas que marcan el pulso vital de la ciudad. Nada mejor que la calle como testimonio de una época, de las modas, de la política, y de una forma de vivir.

Muchas veces preferimos no hablar de grieta, ni de política, ni de religión, mejor no hablar de temas que puedan potencialmente encadenar un enfrentamiento, exponernos a la cancelación de quienes opinan diferente.  Pero la calle no miente porque muchas veces la gente se expresa en forma anónima – o no.   Unos hablan y otros contestan. Para descubrir esos diálogos hay que “leer” las paredes.

Nos es fácil encontrar soluciones para todos estos problemas de abusos, trata, femicidios, abortos, pero ya es un buen principio tomar conciencia de cuáles son; para empezar desde abajo, desde la casa, desde la escuela. Para que cada uno piense cómo alegrar, cómo defender, como aportar paz a su pequeña porción de mundo.

El trabajo textil que se exhibe en la vidriera, Tejiendo paz, realizado con los capuchones de vino no se desvincula de todos los temas relacionados con esta muestra.  “La profesión del arte es muy individualista, nos lleva muchas veces a encerrarnos en el taller, donde perdemos la noción del tiempo.  Con este trabajo descubrí un modo de conciliar el trabajo artístico con largos momentos de diálogo en familia, puedo escuchar, y al mismo tiempo “tejer” capuchones de vino que la gente me regala, y de paso reciclar material precioso que iría a parar a la basura. La palabra Paz se repite en diferentes idiomas, paz, peace, pace,  y mnp con la n  invertida que  significa Paz tanto en Ucrania como en Rusia.  Paz en el mundo, paz en las familias, paz dentro de nosotros mismos.  Sin paz tampoco es posible luchar por otros valores, sin paz no podemos ni empezar a hablar, ni escucharnos, ni ser libres de pensar y expresar nuestras ideas con libertad», nos explica Maitemazz.

También se exhibe una serie de 4 obras, Sin clientes no hay negocio. La idea de una sociedad que se queja de la prostitución y de la trata de personas, pero paga por sexo no es nada nueva, Berni y muchos otros lo representaron,  pero no por eso pierde dramatismo.  Si bien es cierto que  puede haber algunos casos de prostitución libremente consentida, en la mayoría de los casos existe un aprovechamiento de personas vulnerables para Trata. Esto implica el ofrecimiento engañoso de trabajo, la captación, el traslado, la recepción o acogida de personas con fines de explotación, ya sea dentro del territorio nacional, como desde o hacia otros países. La trata de persona es un delito, sin importar si hay consentimiento o no de la víctima. Constituye una de las más graves violaciones a los derechos humanos, ya que su finalidad es la obtención de una ganancia a costa de considerar a las personas como mercancías, afectando su dignidad, integridad y libertad.  Las víctimas permanecen escondidas tras oscuras paredes – pocas llegan a contar su historia – pero si uno mira los carteles de la calle los indicios son abrumadores.  Sin embargo, muchas veces la corrupción estatal y policial esconde y protege a quienes pueden garantizarles una “tajada” de sus negocios de sangre.  Y los clientes prefieren no preguntar, no involucrarse. Pagan por un servicio y miran para otro lado. Sin ellos no habría negocio.

La instalación Literal, aborda sin tapujos el tema del aborto. Ella lo explica de la siguiente forma «Muy duro y difícil abordar el tema del aborto. Ahora ya es ley, y la ley es amplia, por lo cual se ha convertido en un tema ideológico y muy dramático. La instalación lleva por nombre Literal porque muestra exactamente de qué se trata. Eso es un aborto. Tirar a la basura lo que “no sirve”. Los abortos son así, esos “seres” que se extraen del cuerpo de la mujer, terminan muchas veces de morir en un plato aséptico y luego se arrojan a la basura. El tema viene en si consideramos que “eso” que muere es una parte del cuerpo de la mujer que ya no sirve, en cuyo caso es un final lógico, como una pierna amputada o un apéndice. Pero si consideramos que “eso” es un ser humano, pues entonces estamos matando un ser humano. La enorme diferencia con la pierna amputada o el apéndice es que estos nunca podrían llegar a vivir. En cambio ese ser que se arroja – en algunos casos todavía vivo – a la basura … viviría! si se lo permitieran, aunque fuera con adoptantes. No es mi intención lastimar a nadie y comprendo que hay casos extremos, pero se hacen por día miles de abortos, cada vez más, y se va perdiendo la noción de lo que está ocurriendo en realidad.

Maitemazz nació y vive en Buenos Aires.  Es abogada (UBA) y artista plástica (IUNA) con orientación Dibujo.  Expuso muchas veces en forma individual y colectiva en el País y en el Extranjero (Lima, Paraguay,  Uruguay,  Miami, New York, Palm Beach,  Tokio, Dubai, Madrid, Roma, Bergen). Expone todos los años en BAPhoto.    Ganó varios premios sobre todo de Fotografía y  Arte Digital.

Fundación Proa presenta "Antropoceno", una exhibición que combina arte, cine, realidad virtual, realidad aumentada e investigación científica

Los artistas canadienses Edward Burtynsky, Jennifer Baichwall y Nicholas de Pencier durante un recorrido por la eshibición

 
Fundación Proa presenta el proyecto “Antropoceno”, una exhibición del gran fotógrafo canadiense Edward Burtynsky por primera vez en Argentina. A lo largo de las cuatro salas se reúnen monumentales fotografías, films de los artistas Jennifer Baichwal y Nicholas de Pencier y murales para sumergirse a través de dispositivos de realidad aumentada.

Edward Burtynsky. Carrara Marble Quarries, Cava di Canalgrande #2, Carrara, Italy, 2016. (Canteras de Mármol de Carrara, Cava di Canal Grande #2, Carrara, Italia).
Mural. Impresión por inyección de tinta de pigmento sobre vinilo adhesivo, 304.8 x 609.6 cm.
Cortesía del artista y Nicholas Metivier Gallery, Toronto .

Una muestra contemporánea que da cuenta de las nuevas formas de producción de arte y que se concentra en la problemática más actual que nos responsabiliza a todos: el cuidado de nuestro planeta. 

Edward Burtynsky. Uralkali Potash Mine #4, Berezniki, Russia, 2017. (Mina de Potasa Uralkali #4, Berezniki, Rusia).
Impresión por inyección de tinta de pigmento, 148.6 x 198.1 cm.
Cortesía del artista y Nicholas Metivier Gallery, Toronto.

Hasta cuatrocientos metros por debajo de Berezniki, Rusia, tuneladoras, referidas como "combinaciones", revelan capas de colores vivos de un antiguo fondo marino. Tiempo atrás los estratos de Zumaia se elevaron sobre el nivel del mar, estas sales minerales permanecieron bajo tierra.
Hoy, han sido revelados a través de la minería de potasa—un fertilizante indispensable. A medida que pasan las cosechadoras, se van detrás de las impresiones en la roca blanda que pueden parecer fósiles de la antigua vida marina del que se formaron.
Estas paredes de colores contienen los minerales que constituyen la potasa: una combinación de halita, carnalita y silvita. Completamente envueltas en la oscuridad, y con una extensión estimada de tres mil kilómetros.

Antropoceno, la nueva era geológica que, a grandes rasgos, se define por los resultados de las acciones humanas sobre la tierra, es un proyecto que lleva años de investigación, producción y desarrollo para los fotógrafos, documentalistas y cineastas que trabajan juntos desde aproximadamente el año 2006.
La exposición se compone de fotografías, videos y piezas en realidad aumentada que documentan y procuran concientizar sobre el impacto de nuestras acciones sobre el ambiente. 

Edward Burtynsky. Cathedral Grove #1, Vancouver Island, British Columbia, Canada, 2017. (Cathedral Grove #1, Isla de Vancouver, Columbia Británica, Canadá).
Mural. Impresión por inyección de tinta de pigmento sobre vinilo adhesivo, 304.8 x 609.6 cm.
Cortesía del artista y Nicholas Metivier Gallery, Toronto

Jennifer Baichwal y Nicholas de Pencier. Exploding Danger Trees, Cathedral Grove, B.C., 2018.
(Árboles en Riesgo de Explosión, Cathedral Grove, B.C.). Video, 9’ 44’’. Cortesía de los artistas

Según el New York Times “Mucho antes de que la crisis climática fuera el centro de la preocupación mundial, el fotógrafo canadiense Edward Burtynsky viajaba por el mundo documentando lo que las personas han infligido al medio ambiente y, por extensión, a sí mismas.”

Burned Ivory Tusks #1, May 1, Nairobi, Kenya 2016. (Elephant Tusk Burn, Nairobi National Park, Kenya, 2018).
Acumulación de colmillos de elefante y su posterior quema, como mecanismo para lograr la abolición de la comercialización ilícita del marfil en el Parque Nacional de Nairobi, Kenia, 2016

En palabras de Edward Burtynsky, artista, fotógrafo y documentalista: “Nuestro planeta ha sido testigo de cinco grandes eventos de extinción, y estos han sido provocados por una variedad de causas: el impacto de un colosal meteorito, erupciones volcánicas masivas y actividad de cianobacterias oceánicas que generaron una toxicidad mortal en la atmósfera. Estos fueron los fenómenos naturales que rigen el flujo y reflujo de la vida. Ahora está quedando claro que la humanidad, con su explosión demográfica, industrial y tecnológica, se ha convertido en muy poco tiempo en un agente de un inmenso cambio global. 

Edward Burtynsky. Flood Damaged Cars, Royal Purple Raceway, Baytown, Texas, USA, 2017. (Automóviles Dañados por Inundación, Royal Purple Raceway, Baytown, Texas, EEUU).
Impresión por inyección de tinta de pigmento, 148.6 x 198.1 cm.
Cortesía del artista y Nicholas Metivier Gallery, Toronto.

Podría decirse que estamos a punto de convertirnos (si no lo somos ya) en los perpetradores de un sexto gran evento de extinción. Nuestro sistema planetario se ve afectado por una magnitud de fuerza tan poderosa como cualquier catástrofe global que ocurra naturalmente, pero causada únicamente por la actividad de una sola especie: nosotros. […] He llegado a pensar en mi preocupación por el Antropoceno, las marcas indelebles dejadas por la humanidad en la faz geológica de nuestro planeta, como una extensión conceptual de mis primeros y más fundamentales intereses como fotógrafo. Siempre me ha preocupado mostrar cómo afectamos a la Tierra a lo grande. Para ello, busco y fotografío sistemas a gran escala que dejan marcas duraderas. 

Edward Burtynsky. Makoko #2, Lagos, Nigeria, 2016. (Makoko #2, Lagos, Nigeria)
Impresión por inyección de tinta de pigmento, 148.6 x 198.1 cm
Cortesía del artista y Nicholas Metivier Gallery, Toronto

[…] Como grupo colaborativo, Jennifer, Nick y yo creemos que un compromiso experiencial e inmersivo con nuestro trabajo puede cambiar la conciencia de quienes se involucran con él, lo que ayuda a fomentar un debate ambiental cada vez mayor. Esperamos llevar a nuestra audiencia a la conciencia del resultado normalmente invisible del impacto acumulativo de la civilización sobre el planeta. Esto es lo que nos impulsa a seguir haciendo el trabajo". 

Edward Burtynsky. Muro Pengah #1, Parque Nacional de Komodo, Indonesia, 2017.

Jennifer Baichwal y Nicholas de Pencier. Pengah Mural Extension #1 Coral Portraits, Komodo National Park, Indonesia, and Great Barrier Reef, Australia, 2018.
(Muro Pengah Extensión #1 Coral Portraits, Parque Nacional de Komodo, Indonesia, y Gran
Barrera de Coral, Australia), Video, 0’ 41’’. Cortesía de los artistas

A través de una instalación mural y una serie de vídeos de extensión que se activan a partir del mismo, los artistas nos sumergen en la problemática del blanqueamiento de corales y la tensión resultante entre su preservación y la pérdida de coloración causada por estrés.
 

Edward Burtynsky. Freeman Island, Long Beach, California, USA, 2017. (Isla Freeman, Long Beach, California, EEUU).
Impresión por inyección de tinta de pigmento, 148.6 x 198.1 cm.
Cortesía del artista y Nicholas Metivier Gallery, Toronto.

 

Coproducida por la Galería de Arte de Ontario (AGO), el Instituto Fotográfico Canadiense -dependiente de la Galería Nacional de Canadá (NGC)-, y la Fundación MAST de Bologna, en Italia, esta exhibición es la culminación de un ambicioso proyecto artístico colaborativo, que incluye un largometraje documental, dos publicaciones, un programa educativo, un podcast y esta exposición en Fundación PROA.
Se puede visitar de jueves a domingos de 12 a 19 hs. en Av. Pedro de Mendoza 1929, Buenos Aires, Argentina.

Se presentó el libro "República de Waires" de Claudio Larrea en Arte x Arte

El sábado 3 de diciembre de 2022 se realizó la presentación del libro "República de Waires" de Claudio Larrea, con la participación de Eduardo Villar y Luz Castillo, en Arte x Arte, que además de poseer varias salas de exhibición de fotografía es una editoral especializada en libros y catalogos de fotografía.

Claudio Larrea, Luz Castillo y Eduardo Villar

"Para su relato y su fundación poética de Waires, el artista no recurre a datos históricos ni objetivos de Buenos Aires, sino exclusivamente a los que percibe o intuye su mirada de sensibilidad expresionista: lo que queda de una ciudad oscura que alguna vez, en otro tiempo -según otros relatos, otras ficciones- fue luminosa; que fue moderna y hoy parece melancólicamente detenida o fuera del tiempo; que quiso elevarse hacia el cielo en los años treinta y hoy parece sumergida en un pozo sin fin; con un paciente trabajo de arqueólogo visual, retira capa sobre capa y recoge con su cámara los restos velados que en esta ciudad quedan de aquella. Palacios sombríos, cúpulas majestuosas, juegos de la luz y la geometría, sueños de piedra y cristal, engañosa arquitectura de las finanzas, del poder y las instituciones, el orden de los hogares suntuosos y el de los modestos, monumentos de héroes olvidados bajo densos nubarrones grises, maniquíes que parecen a punto de despertar... En esos paisajes escenográficos se mueven los habitantes de Weimar, más cerca del sopor que de la vigilia. Con fragmentos de otros sueños, de otras épocas, Larrea sueña la larga noche de Waires y nos la muestra, siempre en pausa, huérfana de futuro y cargada de silencio." Eduardo Villar.

Mirta Herrero y Claudio Larrea durante la presentación del libro

Claudio Larrea nació en 1963, en Buenos Aires, Argentina.
Se mudó a Barcelona en 2001 y regresó a Buenos Aires en 2010.
Desde 2018, vive entre Barcelona y Buenos Aires.
Estudió en el Instituto Superior de Periodismo, Buenos Aires, Argentina.
Cursó una maestría en técnicas audiovisuales en el Instituto RTVE, Madrid, España.
Trabajó como director de arte gráfico en las revistas Playboy, Rolling Stone, MAN, Cosmopolitan (Argentina), Interiores (Barcelona).
Desde 1999 al presente es director de arte y production designer en publicidad, cine y videoclips, para varias productoras en Argentina, España y Europa.
Combina sus trabajos de publicidad y cine con su gran pasión: la fotografía.
Obtuvo el primer premio en el Concurso de Fotografía “Llocs del Món 2009”, Barcelona, España.
En 2015, Rise Art Gallery, Londres, Reino Unido y Praxis Art Gallery, Buenos Aires, Argentina y New York, Estados Unidos, comenzaron a representar algunas de sus obras fotográficas.
En 2016, Microsoft contrató una licencia mundial de un año para una de sus obras. En 2017 exhibió en la Fundación Getty de Los Ángeles, Estados Unidos, en la exposición internacional "Cómo leer El Pato Pascual" (Pacific Standard Time) y también fue galardonado con el Primer Premio en el concurso de fotografía "Art Decó Buenos Aires".
En 2019, la Opéra national du Rhin contrató una serie de sus trabajos fotográficos para ser proyectados como único escenario en la ópera-tango “María de Buenos Aires” de Astor Piazzolla, en la Ópera de Estrasburgo, Francia.
Desde 2020, Otto Galería lo representa en Buenos Aires,  Argentina. 

 

El libro puede conseguirse en las librerías del MALBA,  Museo Nacional de Bellas Artes, Asunto Impreso, Eterna Cadencia, Fundación PROA, Museo MARCO y claro, también en la tienda de ArtexArte, su sello editorial.

Gastón Herrera y María Maggiori en galería Praxis

"En esta ocasión, presento un grupo de obras recientes en acrílico de variables azules, donde la temática general es el paisaje, una continuación sobre la serie de bosques de Francia. En estas fuentes visuales insistía en perderme una y otra vez, como imaginaba que lo hacían los pintores y fotógrafos de la escuela de Barbizon, en imágenes que al momento eran virtuales para mi (internet y libros de fotografías). 

Sin embargo, en medio de esta persistencia por el tema, ocurre el amor y el viaje a Francia. Como una confluencia inexplicable, me encuentro visitando y transitando los bosques que tanto había dibujado, como un camino inverso sobre las fuentes, explorando una naturaleza desconocida, y a la vez familiar. Passage es este pasadizo vegetal de ida y vuelta, el transcurso entre lo real y lo imaginario. Un bosque que no desvanece y un amor que se torna habitable. Les comparto aquí estas impresiones dibujadas." Gastón Herrera.

El artista nació en La Plata en 1974. Cursó la Licenciatura de Bellas Artes de Rosario (UNR). Asistió a las Clínicas de Obra de Claudia del Río y Pauline Fondevila. Participó en los talleres de Rafael Cippolini, Carlos Herrera, Paola Vega, Fernanda Laguna y Gabriel Valansi.

 

"¿Cómo dar cuenta de lo que pasa cada día y de lo que vuelve a pasar?

Ver lo cotidiano, el paisaje cercano, eso que no interrogamos porque justamente lo vivimos sin percibirlo y queda en segundo plano.

Otro día, otras sombras, acerca la mirada a ciertas formas mínimas que se acentúan a la vista de una caminata, al instante en que se entretejen, al pensamiento en el aire. 

 

Caminar, dibujar y escribir tienen una similitud, cierto estado de introspección, meditativo y de tiempo paralelo. 

Las líneas trazadas a pincel permiten pensar en lo que anuncia y todavía no es. La geografía deviene extraña en un mundo donde las cosas se revelan/rebelan y adquieren un nuevo significado o simplemente dan cuenta de su presencia, como constancia del tiempo apenas insinuado. La familiaridad y la extrañeza se unen en un universo en movimiento, orgánico y voluble, volviéndonos a preguntar sobre cómo situarnos en ese lugar." María Maggiori.

La artista nació en Buenos Aires en 1975. Cursó estudios de arte en Paris, Francia (1994-1998) en la Universidad de La Sorbonne, Paris VIII y en la École de Sévrès. Continuó luego sus estudios en la Escuela Nacional de Artes Visuales en Buenos Aires Argentina. Asistió al Taller de dibujo de Eduardo Stupía en la Universidad Torcuato Di Tella (2015-2016), fue artista PAC, programa de arte contemporáneo (2015) también del Programa Yungas Tigre (2017) coordinado por Raúl Flores, participó del taller El texto de la obra (2018) a cargo de Silvia Gurfein, del seminario Vocabularios políticos de Claudia Ribas en el EAC (2019), Taller EAC de Victor Leme Riqué (2021) y del taller de Karina Peisajovich en el MNBA (2022). 

 

El artista chaqueño Leonardo Gotleyb expone su muestra “Adverbio de lugar” en Dain Usina Cultural

 

La muestra está compuesta principalmente de obras recientes, además de otras de diferentes períodos anteriores que engalanan esta particular espacio que reúne librería, café restó, galería de arte y un espacio multicultural excepcional. 

Endy Dain, Marisa Barossi y Leonardo Gotleyb 

 

Con 19 premios internacionales y más de 100 nacionales, Gotleyb es uno de los artistas más trascendentes en la escena nacional e internacional. Nació en 1958 en Resistencia, Chaco, Argentina. Estudió en las Escuelas de Bellas Artes Manuel Belgrano y Prilidiano Pueyrredón, donde se graduó como profesor de Dibujo y Grabado.
En la actualidad es profesor del Instituto Universitario Nacional de las Artes, IUNA.
Sus obras se encuentran en colecciones públicas y privadas.

La muestra continúa hasta el 6 de diciembre y se puede visitar en Nicaragua 4899, Buenos Aires.

 

La Colección AMALITA presenta "El arte es un misterio" hasta febrero de 2023

 

Liliana Maresca. Recolecta, 1990. Objeto de fundición en bronce con capa de oro de 24 kilates y base de granito gris. Colección particular

Colección Amalia Lacroze de Fortabat presenta la exhibición “El arte es un misterio⁠. Los años 90 en Buenos Aires” con curaduría de Francisco Lemus⁠.

Germán Barraza -director artístico de la Colección Fortabart- y Francisco Lemus -curador de la muestra

En relación a las exposiciones sobre los artistas de los años 90 que se han desarrollado en la Colección AMALITA en estos años, esta exposición propone a modo de síntesis, trazar una mirada panorámica sobre las transformaciones artísticas y culturales generadas durante esa década en Buenos Aires. A través de la selección de obras y documentos referidos a la actividad individual y grupal de artistas, activistas, instituciones y espacios, se da cuenta de la potencialidad creativa de un período clave en la historia del arte argentino y los relatos del arte contemporáneo. ⁠

Martín Di Girolamo. La soledad de Steffie, 1993, óleo sobre tela. Propiedad del artista

Artistas participantes: Sergio Avello, Elba Bairon, Feliciano Centurión, Martín Di Girolamo, Rosana Fuertes, Fabulous Nobodies (Roberto Jacoby y Kiwi Sainz), Silvia Gai, Mónica Giron, Alberto Goldenstein, Sebastián Gordín , Jorge Gumier Maier, Pompi Gutnisky, Miguel Harte, Graciela Hasper, Alicia Herrero, Fabio Kacero, Alejandro Kuropatwa, Fernanda Laguna, Benito Laren, Lux Lindner, Alfredo Londaibere, Ana López, Liliana Maresca, Emiliano Miliyo, Ariadna Pastorini, Marcelo Pombo, Elisabet Sánchez, Cristina Schiavi, Omar Schiliro, Marcia Schvartz, Alan Segal, Pablo Siquier, Pablo Suárez⁠.  

Marcelo Pombo. Sin título, 1987-1988. Esmalte sintético sobre madera con incljusiones calcáreas y velcro. Colección Brun Cattaneo

 

 

 

La exposición se puede visitar hasta febrero de 2023, de jueves a domingos de 12 a 20 h⁠s. en Olga Cossettini 141, Puerto Madero, Buenos Aires. Argentina. 

Sergio Avello. Sin título, 1989-2022. 80 cuadrados de papel enmarcados con vidrio y varilla de 8 x 8 cm c/u. Reconstrucción realizada por Daniel Joglar

“El arte de los años noventa se sitúa entre la salida de una profunda crisis hiperinflacionaria y el desarrollo del neoliberalismo; también, bajo el tiempo que impuso el vih, una pandemia productora de estigmas. Desde los márgenes hacia los espacios centrales, los artistas fueron influenciados por el underground y el activismo de la posdictadura. En este proceso, lograron tomar distancia de los grandes temas valorados por la tradición artística y, al mismo tiempo, formalizaron las imágenes de la contracultura que circulaban por todos los rincones de la ciudad. 

Pablo Suárez.Tres obras de 1987 en resina epoxi sobre bandeja de plástico con tapa de acrílico. Colecciones particulares

A medida que estas transformaciones se desplegaron, el vih avanzaba sobre los cuerpos. Se creaba con intensidad, mientras se despedían amigos y amantes. La belleza y el goce se mezclaron con la muerte. La subjetividad atravesó todo: las imágenes recurrentes, las operaciones estéticas, el discurso y los modos de agruparse. Lo personal adquirió una jerarquía inédita en la representación. Esto no significó una retirada de la política, sino el ingreso de la micropolítica como forma auténtica de ordenar los signos de una época.

Mónica Giron. “E-M: radal, ñire, ciprés, maitén, coihue, alerce, lenga, pehuén”, 1994. Instalación, masilla epoxi, fibra de vidrio y resina epoxi policromados. Realizada con el auspicio de Fundación Antorchas, taller de Barracas. Colección particular

A través de diferentes núcleos, esta exposición esboza un panorama del arte argentino de los años noventa. Más allá de los espacios emblemáticos, se suman recorridos y cuestiones que se han escurrido de las primeras escrituras sobre el arte del período. La idea es dar cuenta de una escena diversa, integrada por artistas innovadores, laboriosos y excéntricos que ejercieron la diferencia tanto en el terreno del arte como en la construcción plural de la identidad. 

Sebastián Gordín. Música de cucharitas en Eldor, 1994. Madera, cartón, piedras, papel aluminio y luces. Colección particular

El arte de los años noventa generó debates y posiciones antagónicas. Al día de hoy se presenta una sospecha acerca de su legitimidad como una experiencia propia del arte contemporáneo. La mirada de las instituciones de los países centrales parece no comprenderlo porque se distancia de la posición subalterna que ha definido al arte latinoamericano. No es un arte que verifique su época por medio de la protesta, pero sí da cuenta de su sensibilidad y del sentido de comunidad del cual emergió. 

Benito Laren. Visita guiada, 1996. Técnica mixta sobre vidrio. Colección Julián Mizrahi

En una escena en crecimiento y profesionalizada, se pudieron afianzar las relaciones con lo más próximo, se conformó una trama en la que los artistas comenzaron a apropiarse del paisaje cultural de su tiempo sin la habitual correspondencia con las agendas internacionales. Las obras poseen diferentes características, no hay un relato homogéneo que las unifique, pero responden de manera genuina a las condiciones en las que se podía hacer arte en Buenos Aires.” Francisco Lemus.

Jorge Gumier Maier. Sin título, 1992. Acrílico sobre madera calada. Colección Raúl Naón

Vení a descubrir las nuevas tendencias en Casa FOA Retiro 2022

 

Fachada Casa FOA. Foto: @uchimayfotos

 

Fiel a su espíritu, Casa FOA abre las puertas no solo de la exposición, sino también de un antiguo edificio de un gran valor patrimonial en el barrio de Retiro: el Pensionado y Casa Parroquial Madre Admirable ubicada en Suipacha 1410, esquina Arroyo, CABA. La exposición entrega la posibilidad de sumergirse en un espacio histórico reinterpretado por destacados diseñadores, arquitectos y paisajistas.

ESPACIO 34 - Patio + Arte. Desiree De Ridder + Grupo Charco.
Los Guardianes: en el centro los seres. En los puntos cardinales, cuatro guardianes totémicos. Son la Tierra y el barro transmutados por vía del agua, el aire y el fuego. 
Los guardianes de la fauna, alertas, son símbolo de la consciencia humana. Los animales fantasmales son la fragilidad inestable. 
Se trata de un grupo escultórico con figuras animales realizadas en cerámica por la escultora y ecologista Desiree De Ridder acompañadas de cuatro esculturas en adobe realizadas en conjunto con el colectivo artístico Charco. El resultado es una instalación site specific pensada para el patio del Museo Fernández Blanco que nos convoca a reflexionar sobre la necesidad de preservar el ambiente y la biodiversidad. Foto: @uchimayfotos

Además, por primera vez en su historia, estará conectada a un museo, sumando así un atractivo especial para los visitantes. Se trata del Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco, en la sede Palacio Noel que alberga las colecciones de Arte Virreinal Americano del siglo XVI, XVII, XVIII, el cual también será intervenido por la exposición en 5 espacios. En este caso se trata de un edificio neocolonial hispanoamericano.

ESPACIO 12 - Cocina Comedor. Ganadores de la Medalla de Oro Mercedes Malbran de Campos a la arquitectura y al diseño interior, la dupla compuesta por Daniel Germani y Estudio Memo (Patricia Mezzadra - Carola Moris) propusieron una Cocina-Comedor en un espacio austero en cuanto a su estética, y a la vez muy funcional.
Muros blancos con revoque grueso, piso granítico original, maderas cálidas, iluminación indirecta para acentuar la altura del espacio original, así como iluminación puntual y baja, decisiones tomadas para generar espacios íntimos y acogedores. Un jardín interior introduce la naturaleza y agrega un paisaje que toma protagonismo frente a la tranquilidad que transmite el resto de la ambientación.
Se trata de un espacio que mira al futuro con optimismo y que se beneficia y aprende de los cambios generados no sólo por la tecnología sino por los efectos de la pandemia”, definen sus autores. Foto: @uchimayfotos

La 38ª edición de Casa FOA puede visitarse hasta el 20 de noviembre de 2022 todos los días de 12 a 20 horas. Tiene 35 espacios distribuidos en tres plantas. Los amantes del diseño, el interiorismo y la arquitectura podrán ir descubriendo, a medida que avanzan en su recorrido, propuestas con una mirada puesta en el futuro. Una cava reversionada, unidades flexibles que se configuran según la necesidad, espacios de coworking con nuevas propuestas, dormitorios con rincones destinados especialmente para momentos de relax, baños que se transforman en spas y, mucho más.

Espacio 26  - Habitación principal. . Un dormitorio en esquina, con una secuencia lineal de ventanas que se asoman a la historia y proyectan al futuro a la vez.
A partir de la morfología y de su implantación, se diseñó un dormitorio con tres áreas entrelazadas, la de dormir con su área de lectura, la de trabajar y la de entrenamiento y bienestar, utilizando materiales nobles, texturas artesanales, planos espejados, muebles de nuevas melaminas y vidrios coloreados.
Muy tecnológico, domotizado, controlando todas las operaciones diarias haciendo uso de la tecnología actual.
En una caja pura, el protagonismo de un cielorraso central suspendido y de forma curvas sensuales y envolventes, con distintas capas de iluminación, envolvente, focalizada, general o decorativa,  que se va disponiendo según necesidad y momentos del día. Foto: @uchimayfotos

Las empresas sponsor, por su lado, presentarán novedades, lanzamientos y nuevas formas de aplicar sus productos de la mano de destacados talentos. Entre las marcas que acompañan esta edición se encuentran: Alba Pinturas, Roca, Canteras, Patagonia Flooring, Faplac, Nissan, Ternium, Tecnoperfiles, Vite, Silestone, Johnson Acero, Rielamericano, Rosen, Dekton, Atrim, Control4, Pampa Living, Longvie, Knauf, World  Led Go, Al Click, Rio Uruguay Seguros, ENAS y PIX Desarrollos Inmobiliarios. Asimismo, Casa FOA Retiro cuenta con el apoyo del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

Espacio 9 - Instalación Artística. Tania Ortiz y Magdalena Pujals son artistas y diseñadoras que tomaron el pasillo para crear "Trazos Hilvanados", una instalación donde entrelazan un relato a partir de líneas que sobrevuelan, se unen y se esfuman…. Foto: @uchimayfotos

Alba, marca líder de pinturas para hogar y obra del Grupo AkzoNobel, es nuevamente, y de manera ininterrumpida desde su primera edición, el color de Casa FOA mostrando las tendencias en color para el 2023. Además, en este marco también se celebran 20 años de la campaña global “Color del año” a partir de la cual se busca entregar a las personas y a los profesionales de arquitectura y diseño del mundo, la inspiración y la información necesarias para facilitar y mejorar la elección de los tonos, tanto para entornos residenciales como comerciales.

Durante los últimos ocho años, se distingue una creciente preferencia por los colores que se sienten positivos, cálidos y terrosos.
En las predicciones para el 2023 se aprecia cómo el medio ambiente toma el centro y lo protagoniza. La tierra se ubica como fuente de todo: bienestar, inspiración y proyectos de vida. Así se
elige un Color del año inspirado en la naturaleza, "Silencio de Invierno TM" , además de cuatro nuevas paletas que reflejan las diferentes formas en que ésta nos enseña y alimenta.

Espacio 10 - Baños públicos By ROCA. NAVE Atelier Sostenible cree que el diseño universal y sustentable es posible e imprescindible. Una planificación inteligente y dimensiones espaciales generosas pueden permitir que cualquier espacio ordinario se transforme en un espacio libre de barreras. De su lugar de origen, Jujuy, tomaron la paleta de colores que contribuye a generar un espacio cálido y vibrante a la vez. La mayoría de los baños públicos carecen del diseño y la funcionalidad necesarios para atender a las necesidades de la población. Todas las personas deberían sentirse cómodas y respetadas en estos espacios, ese es su objetivo. Foto: @uchimayfotos

La entrada puede adquirirse online en: www.casafoa.com o en boletería con un valor de $1800. Además, habrá 20% de descuento para estudiantes (presentando DNI y certificado), jubilados (carnet y DNI) y clientes RUS (presentando credencial) de lunes a viernes, e ingreso gratuito para personas con discapacidad (Acreditar certificado único de discapacidad) y menores de 15 años. También con Club La Nación 2x1 de lunes a jueves, y 20% de descuento de viernes a domingos. 

La temática que propone la exposición de arquitectura y diseño para este año es “Escenarios Futuros”, una invitación a repensar hacia adelante el sentido vínculo con el diseño, las nuevas formas de habitar, la incursión de la tecnología en la vida cotidiana, sobre cómo lo sensorial modifica la experiencia del espacio, la sinergia entre arte, naturaleza y tecnología, los materiales que ayudan a la preservación del ambiente, generando congruencia e identificación, bienestar y armonía, entre otros temas. A la vez, y como en todas las ediciones, brindará un amplio panorama sobre las tendencias en diseño interior.

La temática se presenta también como una invitación a la reflexión sobre el destino de los edificios patrimoniales cuando dejan de funcionar en su modo original y necesitan aggionarse a la vida contemporánea.

El edificio que es sede de Casa FOA 2022 es una construcción que cuenta con protección patrimonial.
No existen datos precisos de la fecha de la construcción ni de su autor. Ya para 1920 era conocida como la "Casa de Arroyo" y había pertenecido a la familia Pinedo. Fue adquirida por Concepción Unzué de Casares (una de las donantes del Asilo Unzué de Mar del Plata) quien estaba en la búsqueda de un lugar donde instalar un Taller-Escuela para niñas de bajos recursos y logró la habilitación a través Frailes Menores Franciscanos.

Eduardo Santiere y Martín Weber exhiben sus obras en Herlitzka + Faria hasta noviembre de 2022

 

Eduardo Santiere y Mauro Herlitzka

La galería Herlitzka + Faria presenta "Espacios de placer", exhibición de Eduardo Santiere que reúne una selección de obras nunca antes exhibidas, realizadas con la singular técnica del scratching, creada por el artista.  

Santiere. A mil años luz, 2022
Lápiz color y scratching sobre papel

Con gubias de las que se usaban en los orígenes del grabado y elementos cortantes que parecen escalpelos, Santiere hace texturas híper delicadas y micro incisiones controladas. A veces, al extraer con infinita paciencia una capa del papel convierte la superficie en una especie de seda traslúcida. En otros casos, separa la  hoja hasta darle volumen. En sus trabajos el soporte deviene piel, superficie de placer.  

Santiere. Flores de primavera, 2022
Lápiz color y scratching sobre papel

Algunas series, como Distancia social, Flores de primavera y Urbanos tienen anclaje conocido. Con otras, en cambio, nos lleva a imágenes galácticas o a una mirada del mundo telescópica. Amante de la ciencia ficción y de los avances espaciales, Santiere crea universos y organismos impensados.

Denomina scratching a la técnica que desarrolló en Islandia, durante su residencia artística en Straumur Art Commune. Luego, expuso en el museo Listasafn Arnesinga. La textura y las huellas de lava de los más de veinte volcanes de este pequeño país que no tiene ejército inspiraron los primeros trabajos en los que raspó suavemente el papel. Luego, durante una década, siguió desarrollando su técnica en EE.UU., donde estuvo en diferentes residencias, como la centenaria MacDowell.  

Tres obras de Eduardo Santiere.

Lápiz color y scratching sobre papel

Trabajando sobre el papel de algodón como un cirujano o un orfebre, investigó la reacción de la superficie con distintas herramientas. Eximio dibujante, Santiere estudió y enseñó en la Universidad de Wisconsin.  

Santiere. Urbanos, 2021
Birome sobre papel

Colorea con lápices de colores, sin embargo no es fácil darse cuenta del material que usa. Hay en su trabajo obsesivo con las gubias, y en las infinitas capas pintadas con lápices de deslumbrantes colores, un gesto potente, a contrapelo de la cultura de la distante pantalla. El delicadísimo scratching y los colores con los que Santiere crea espacios de placer sólo son visibles con el contacto visual directo. Sin mediaciones ni pantallas de celular o computadora.  

Weber. Día Peronista #3, 2018
Cianotipo sobre papel

Mientras tanto en el espacio de la sala E, se inauguró "Bajo el mismo cielo" de Martín Weber. La muestra presenta las obras de la serie Día Peronista, cianotipos sobre papel que reflexionan sobre el pasado y su interrelación con el presente, sobre la importancia de la historia y de cómo los objetos y los cuerpos pueden alojar la memoria al ser un registro del contacto con los Blindex que protegían el féretro de Juan Domingo Perón, y que fueron rotos a martillazos para cortar y extraer sus manos, como bien expone Paula Bertúa en el texto curatorial.  

Martín Weber

Esta serie forma parte del proyecto Historias encarnadas, donde este artista de origen Argentino-Chileno indaga estos temas del pasado para ahondar en ellos y desentrañar sus referencias contextuales, los diversos rostros del anacronismo y de cómo aún interpelan el presente. 

Weber. Día Peronista, 2018
Cianotipo sobre papel

Ambas muestras se pueden visitar hasta el 9 de noviembre de 2022, de lunes a viernes de 11:30 a 19 hs. en Libertad 1630, Buenos Aires, Argentina.