19 de marzo de 2019

El Centro Cultural Borges presenta la exposición “Silvio Fischbein: obra inconclusa”


Recortes de periódicos y revistas de todas partes del mundo, mapas, cartones, fragmentos de maderas, telas y tejidos, cuentas de collares, puertas, sillas, atriles, teclados de piano y un sinfín de objeto de la vida cotidiana son los elementos con los cuales Silvio Fischbein creó las obras de la espectacular exposición “Silvio Fischbein: obra inconclusa”, que desde el jueves 14 de marzo se exhibe en el Centro Cultural Borges.
Bajo la curaduría de Federico de la Puente, la exhibición se presenta en el marco del lanzamiento de su libro “Silvio Fischbein: Artista Visual 2”, editado por la Pollock–Krasner Foundation y que incluye textos del curador, de María Paula Zacharías y de Laura Regianato. Este verdadero aconteciniento confirma la vigencia de un notable artista visual y director cinematográfico, que fue alumno de Batlle Planas y a quien se distinguió, en Francia con el Premio George Mellies, y en Estados Unidos con la beca de la Pollock–Krassner Foundation en dos oportunidades.
La muestra repasa los 50 años de trayectoria de Fischbein en cruce con su obra última; integrando sus series, en las que se mezclan trabajos escultóricos, instalaciones, videos y ensamblajes de objetos de la vida cotidiana.


Frente a esta diversidad inclasificable, el artista plantea: “Yo no trabajo con pintura, trabajo con colores. Yo no reproduzco objetos, los incorporo”.
Por su parte, de la Puente precisa que “la producción visual y audiovisual de este artista, en definitiva, plantea un diálogo múltiple. El objeto en cuestión se expande, se contrae, se escurre entre quienes deseamos aprehender la totalidad de su sentido. Esta maquinaria toma una gran variedad de formatos y soportes: objetos ensamblados, collages, audiovisuales, instalaciones, textiles, etc.”.
Y continúa: “En las obras visuales, la textura aparece por la acumulación de elementos (materiales y simbólicos). En las piezas audiovisuales encontramos una narración muchas veces fragmentada. Una imagen que nos interpela, lejana a la idea de ventana transparente. El autor utiliza el plano como un soporte de escritura. Fischbein construye, enumera, yuxtapone, juega con el múltiple y la acumulación para recordarnos lo infinito de los sentidos y lo finito en nuestra mirada”.

A su vez, Zacharías afirma en el libro: “La composición, el color, pero también la trama y la textura son los elementos principales en sus trabajos. Hay una manera de pintar sin gesto, sin pincel, a través de la disposición de los elementos que Fischbein atesora y ordena. (…) Disfruta el hacer. En sus entretejidos, en su laboriosa configuración, en la cuidada terminación, en la paciente espera de toda obra, ahí está su expresión. En el amor con que junta, clasifica y dispone, recorta y fija, protege, enmarca. Y así, con acumulaciones de diminutas figuras escogidas, Fischbein ha delineado un lenguaje con el que habla en su propio estilo. Su obra es reconocible y claramente suya”.

Mientras que Regianato afirma que “La línea de fuga principal que atraviesa toda su producción parece ser una dialéctica de las preguntas, interrogaciones que nos afectan y vinculan no sólo para generar otros lazos entre artista-obra-públicos sino también, y de forma más urgente, para conectar su obra-cuerpo entre diáspora y regiones en una memoria poblada de reminiscencias; entre recuerdos objetuales y modos de producción; entre realidades y sueños que la mantienen conectada a una matriz que crea sentido”.

Silvio Fischbein nació en 1949 y se graduó como arquitecto y planificador urbano en la Universidad de Buenos Aires. Fue profesor titular regular de diseño audiovisual, FADU, UBA y profesor titular ordinario de realización en la Facultad de Arte, Universidad del Centro. Actualmente es profesor consulto de la Universidad de Buenos Aires. Fue director de la carrera de diseño de imagen y sonido, FADU – UBA, donde creó y dirigió La Fábrica Audiovisual.
En la actualidad es subsecretario de cultura de la FADU – UBA. Asimismo, es presidente de AAVRA, Asociación de Artistas Visuales de la República Argentina.
Como director cinematográfico realizó 30 cortometrajes, 2 vídeoartes y 5 largometrajes de ficción. Obtuvo el Premio George Meliès, año 1984. En 2015 se editó el libro “Silvio FISCHBEIN – Artista visual”, financiado por la Pollock–Krasner Fundation.
El consagrado maestro del diseño Ricardo Blanco dijo sobre Fischbein: “En momentos del arte actual, en los cuales los artistas dan por terminadas sus ‘preguntas’ muy rápidamente, percibir una obra con expectativa positiva, es muy enriquecedor para el observador”.

La exposición permanecerá hasta el jueves 4 de abril y se puede visitar de lunes a sábados de 10 a 21 hs. y domingos y feriados de 12 a 21 hs. en el Centro Cultural Borges, Viamonte 525, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

18 de marzo de 2019

El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori presenta la exposición "Silvia Torras. Resplandor. 1960-63"


El miércoles 20 de marzo a las 18 hs. inaugura en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori la exposición "Silvia Torras. Resplandor. 1960-63".

Se exhibirán alrededor de 40 pinturas de la década del 60 acompañada de importante material de acervo. Silvia Torras gran creadora catalana que actúo un breve lapso en nuestro país y que ha sido olvidada por la historiografía local. Participó del movimiento informalista. A decir de la curadora Florencia Qualina su pintura es extática, dionisíaca, como si hubiera sabido que iba a contrareloj y se agotaría pronto.
La muestra se puede visitar hasta el 17 de junio de 2019 en Av. Infanta Isabel 555, frente al Rosedal de Palermo.

14 de marzo de 2019

Arte x Arte - Fundación Alfonso y Luz Castillo presenta "Carlos Saura. Imágenes & Ausencias"


A partir del sábado 16 de marzo se exhibe en Arte x Arte Fundación Alfonso y Luz Castillo “Carlos Saura. Imágenes & Ausencias”, con curaduría de Antonio Fernández Ferrer.

Esta muestra conmemora la trayectoria del cineasta español Carlos Saura, no solo en su rol de director sino también su intensa y continuada labor en otros territorios artísticos tales como la fotografía, la novela, la pintura o la dirección escénica.

Como quien no quiere la cosa, Saura señala: “Siempre me ha gustado dibujar y pintar. Mis dibujos se acumulan en carpetas desde hace años. Simultáneo este entretenimiento con la fotografía, a la que le he dedicado y dedico muchas horas. Además, mi vida transcurre escribiendo textos y guiones para las películas que voy a dirigir, alguna obra de teatro, varias novelas… y escuchando música”.

En la primicia que ahora se inaugura, con inicio en Buenos Aires, imágenes y ausencias se traban inextricablemente en múltiples sentidos: la novela Ausencias presagia una película todavía (¿hasta cuándo?) ausente; los llamados Fotosaurios construyen obras sobre la dialéctica presencia-ausencia de la imagen fotográfica que subyace debajo de los vigorosos trazos de color. En definitiva, la visita misma a la exposición supone acceder a un muestrario que parte de posibles lecturas (previas o posteriores, pasadas o futuras) de una obra ausente pero materializada en llamativas presencias.

La muestra podrá visitarse hasta el 26 de abril, de martes a viernes de 13.30 a 20 hs. y los sábados de 15 a 19 hs. en Lavalleja 1062, Buenos Aires, Argentina.

Salón Internacional de Escultura Contemporánea en el Centro Cultural Borges


Monique Rozanes 
 
El Centro Cultural Borges será la sede del Salón Internacional de Escultura Contemporánea, del 14 de marzo al 7 de abril. Con la curaduría de Susana Araujo y Alicia Cunto, se presentan artistas de Brasil, Chile, Uruguay, Estados Unidos y Argentina.
Un evento en el que podrán verse todas las técnicas que aborda la escultura: el mármol, el granito, el bronce, el hierro, la madera, las telas, la piedra, el neón, el vidrio, las instalaciones, la cerámica, el poliéster, el alambre, el papel y la chatarra, por mencionar solo algunos de los elementos.
 
Leonardo Gotleyb, Hipopótamo
 
Las obras escultóricas se expresan mediante formas sólidas, reales, volumétricas; ocupan un espacio tridimensional; tienen alto, ancho y profundidad, por lo que el volumen y bulto puede tocarse, rodearse y verse desde cualquier ángulo. Los elementos plásticos más importantes de la escultura son forma, espacio, línea, material, textura y últimamente, en algunos casos, el movimiento real. Para la creación de una escultura se puede usar cualquier material, siempre que otorgue al artista la capacidad de crear formas.
 
Cristina Santander, Ânge du Cadran
 
"En este Salón Internacional de Escultura Contemporánea hemos tratado de tener representantes de todas las técnicas ya que las variaciones son infinitas y queremos mostrar la versatilidad de nuestros artistas" expresan las curadoras.
La Plaza de las Artes será la Plaza de los Maestros, con obras de Claudia Aranovich, Nora Correas, Marina Dogliotti, Gustavo López Armentía, Monique Rozanes, Cristina Santander, Beatriz Soto García, Caciporé Torres y Leo Vinci.
 
Antonio Espinosa
 
El resto de los artistas participantes son:  María Agustina Bainotti, Marcelino Barrau, Claudia Belou, Juan Brambiya, Laura  Butera, Fanny Chateauneuf, Eduardo Chiacchio, Ana María Cortés, Teresa Delfino, Madeleine Engels, Karina Escalante, Nilda Fernández Uliana, María Eugenia Fernández Varela, Domingo Florio, Xavier Fontenla, Mónica  Fuksman, Alejandra Gavio, Silvia Gómez, Leonardo Gotleyb, Solange Heilentokker, María Teresa Lattes, Lagloria, Maitemazz, Cristina Martinelli, Paula Morgan, Adriana Omahna, Marilú Ortiz De Rozas, Luis Pazos, Daniel Penzutti, Lilia Perrone Carrillo, Humberto Poidomani, Lucía Porto, Stella Redruello, Gonzalo Sánchez, Damián Sondereguer, Laura Speroni, Antonio Spinosa y María José Villafañe.

11 de marzo de 2019

ARTEBA 2019: la edición 28 de la feria con fecha y formato renovado, se realizará en La Rural en abril


Del 11 al 14 de abril en La Rural, arteBA 2019 presentará una nueva edición de la feria anual de arte contemporáneo en Buenos Aires. La edición número 28 estrenará este año fecha y formato de exhibición, con un layout completamente renovado que dará mayor autonomía e identidad a cada una de sus distintas propuestas. La Feria reunirá a unos 400 artistas, representados por más de 80 galerías de más de 25 ciudades del mundo, y ofrecerá un nuevo programa de charlas y actividades complementarias que ampliará el marco de referencia de la producción local con destacadas presencias de la escena del arte de distintas latitudes.

El diseño de la feria para esta edición propone una organización de sus contenidos concentrada en dos sectores autónomos que jerarquizan la experiencia y los públicos específicos de cada uno, promoviendo nuevos diálogos y recorridos.

El clásico Pabellón Azul, en el acceso central, estará dedicado pura y exclusivamente a las galerías de mayor trayectoria que integran la Sección Principal/Stage Irsa, seleccionadas estas por Eduardo Brandão (galerista de Vermelho, San Pablo), Ana Castella (actual jefa de desarrollo del Museo Tamayo y organizadora de Condo México 2018, Ciudad de México), Henrique Faria (galerista de Henrique Faria New York / Buenos Aires), Florencia Malbran (curadora independiente, Buenos Aires), y Julián Mizrahi (galerista de Del Infinito, Buenos Aires); y compartirá el espacio con Cabinet, cuya selección estuvo a cargo de Carla Acevedo-Yates (curadora asociada en el Eli and Edythe Broad Art Museum de Michigan), Florencia Malbran y Sharon Lerner (curadora de arte contemporáneo en el Museo de Arte de Lima-MALI); Solo Show Zurich curado por José Luis Blondet (curador de proyectos especiales en LACMA, Los Ángeles) y la nueva sección internacional de arteBA, Cardinal Site, cuyas galerías han sido convocadas por distintos art ambassadors invitados, entre ellos, Abaseh Mirvali, Patrizia Sandretto, y Mercedes Vilardell.

Galería Hache: Diego Figueroa, “Los jardines de Mi reina 4”, pintura, 2018

Además, y como otra novedad de esta edición, se ofrecerá el marco arquitectónico singular y autónomo del Pabellón de Equinos de La Rural para las áreas expositivas dedicadas a la producción joven, las publicaciones y los espacios institucionales, lo que refuerza el sentido de estas secciones como puerta de entrada al mundo del arte para entusiastas, nuevos coleccionistas y público en general. Entre ellas, Utopia Bombay, inédita sección joven de la feria, curada por Alejandra Aguado (curadora, Buenos Aires) y Carlos Herrera (artista y gestor independiente, Rosario), con un renovado programa de participación y exhibición (similar al que tuvieron las dos ediciones de arteBA Focus en Arena Studios), y una actualizada versión de la plataforma editorial de la feria: la Isla de Ediciones - Fundación Proa con selección y coordinación de Agustín Diez Fischer (Fundación Espigas / Centro de Estudios Espigas TAREA-IIPC – UNSAM). La coordinación de la Sección de Independientes estará a cargo de Pulso – Panorama de publicaciones independientes.

Así, esta edición de arteBA 2019 articulará, con diversas propuestas, el interior y el exterior de los pabellones de La Rural invitando al público a participar de una semana de arte en Buenos Aires.

Galería Centro de Edición: Cristina Hauk, “Cut Cut 013”, técnica mixta, 2018
 
Galerías participantes:
55SP / San Pablo, 80M2 Livia Benavides / Lima, Abra / Caracas, Acéfala / Buenos Aires, Aldo de Sousa / Buenos Aires, Alejandro Faggioni-Estudio de Arte / Buenos Aires, Arróniz Arte Contemporáneo / Ciudad De México, Atocha / Buenos Aires, Barro Arte Contemporáneo / Buenos Aires, Bendana | Pinel Art Contemporain / París, Bonita Galería / Buenos Aires, Carmen Araujo Arte / Caracas, Casa Quién / Santo Domingo, Casa Triângulo / San Pablo, Central Galería / San Pablo, Centro de Edición / Buenos Aires, Constitución / Buenos Aires, Cosmocosa / Buenos Aires, Del Infinito / Buenos Aires, Del Paseo / Punta del Este – Lima, Die Ecke Arte Contemporáneo / Santiago de Chile, Diego Obligado Galería de Arte / Rosario, El Gran Vidrio / Córdoba, El Mirador / Buenos Aires, Espositivo / Madrid, Gachi Prieto / Buenos Aires, Galería Ángeles Baños / Badajoz, Galería Nac / Santiago de Chile, Galería Nora Fisch / Buenos Aires, Galería Rubbers Internacional  /  Buenos   Aires,   Galería   van   Riel   /   Buenos   Aires,  Galería   Xs   /   Santiago   de   Chile,   Galerie   Jocelyn   Wolff   /  París,

Bonita Galería: Verónica Palmieri, “Este”, pintura, 2019
 
Granada Gallery / Buenos Aires, Hache / Buenos Aires, Henrique Faria New York & Buenos Aires / Nueva York – Buenos Aires, Hilo Galería / Buenos Aires, Imagen Galería / Mendoza, Instituto de Visión + (Bis) | Oficina de Proyectos / Bogotá – Cali, Isabel Aninat / Santiago de Chile, Isla Flotante / Buenos Aires, Intemperie / Córdoba – Buenos Aires, Jan Mot / Bruselas, Jorge Mara – La Ruche / Buenos Aires, La Arte + Almanaque / Salta – Ciudad De México, Lateral / Tucumán, Luisa Strina / San Pablo, LTD Los Angeles / Los Ángeles, Maman Fine Art / Miami – Buenos Aires, Mariacasado / Buenos Aires, MCMC / Buenos Aires, Miranda Bosch / Buenos Aires, Mite / Buenos Aires, Mor Charpentier / París, Moria Galería / Buenos Aires, Nn / La Plata, Pabellón 4 / Buenos Aires, Palatina / Buenos Aires, Parque Galería / Ciudad de México, Pasto / Buenos Aires, Piedras / Buenos Aires, Pinksummer / Génova, Polígrafa Obra Gráfica / Barcelona, Popa / Buenos Aires, Portas Vilaseca / Río de Janeiro, Proyecto Nasal / Lima – Guayaquil, Proyecto Paralelo / Ciudad de México, Proyectos Ultravioleta / Ciudad de Guatemala, PSM / Berlín, Quadro / Buenos Aires, Revolver / Lima – Buenos Aires, Roldán Moderno / Buenos Aires, Rolf Art / Buenos Aires, Ruth Benzacar Galería de Arte / Buenos Aires, Selvanegra / Buenos Aires, Sur / Montevideo – Punta del Este, The White Lodge / Córdoba, UV / Buenos Aires, Vasari / Buenos Aires, Vermelho / San Pablo, Walden / Buenos Aires, Whatiftheworld / Ciudad del Cabo.

8 de marzo de 2019

"Stellaria", una exposición de Patricia Miani en Patagonia flooring


Grace Grisolia -coordinadora de la muestra-, María Pía Cardoso Magri -presidente de la Fundación Patagonia Flooring- y Patricia Miani
Patricia Miani está presentando la exposición "Stellaria" en la Fundación Patagonia Flooring de Buenos Aires (Av. Córdoba 3942, CABA) hasta el 31 de marzo de 2019.

La arquitecta Mercedes Mas escribió el siguiente texto para la exposición:

"La mirada en lo ingrávido

En el camino de la expansión pictórica, Patricia Miani nos convoca una vez más para apropiarnos de su mirada sobre el mundo natural.
A través de Stellaria, recientemente expuesta en el Grand Palais de Paris, nos invita a la contemplación de un universo ingrávido y sutil, dando paso a toda una celebración de la naturaleza.
El medio ambiente y su fragilidad, lo efímero. El espacio arquitectónico modificado haciendo uso de la transparencia de manera contundente.
Así como un prisma descompone la luz en el espectro del arco iris, la obra se desfragmenta en múltiples juegos de colores, miradas, escalas y aproximaciones.
Nos sorprende a medida que nos acercamos. La sutileza se transforma en fuerza pictórica en cada pequeña pieza como si fuera una joya que no se puede apreciar plenamente si no es en el detalle de la aproximación.
Despliega el vacío y lo hace protagonista: vacío y silencio, dos elementos que hoy parecen imposibles en nuestro vertiginoso mundo diario.
La artista se adueña también del tiempo, del instante, como si atrapara un soplo de viento.
Tal como a la Alicia de Lewis Carroll, Stellaria le susurra a nuestro niño interior que abandonemos por un momento lo rutinario para volver a lo lúdico, a la fantasía de un mundo imaginario donde cualquier cosa es posible, incluso, atrapar un instante.
Y del mismo modo en que el conejo blanco le pregunta a Alicia: ¿cuánto tiempo es para siempre?
- A veces, solo un segundo."

Patricia Miani nació en la ciudad de Buenos Aires y es egresada de la Universidad Nacional de las Artes (UNA) donde realizó la carrera de licenciatura en artes visuales con orientación en pintura y luego un posgrado de especialización en medios y tecnologías para la producción pictórica. Asistió a clínica de obra con Pablo Siquier, Carlos Bissolino, Esteban Álvarez, Fabiana Barreda y Florencia Braga Menéndez.
Realizó residencias artísticas en Grecia, España y Francia. Participó del LIPAC 2010/Rojas-UBA y obtuvo la beca grupal del Fondo Nacional de las Artes de la ciudad de Buenos Aires. Recibió el premio Art in Design 2011 y ejerció la docencia en el departamento de arte de la Universidad Nacional de Lanús. Realizó la primer obra en colaboración con la Universidad de Tecnología de Troyes en Francia. Sus dos tesis, La pintura expandida (grado) y Hacia afuera de la bidimensión pictórica (posgrado), han sido publicadas a través de la Ley de Mecenazgo de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y declaradas de Interés Cultural en los términos de la Ley 2264.
Entre sus muestras individuales se destacan: Embajada Argentina en Paris (Francia), Museo Villa Carlotta (Lombardía, Italia), Museo de Bellas Artes de Pergamino (Buenos Aires, Argentina), Pabellón de las Artes de la Universidad Católica Argentina (Buenos Aires, Argentina), Galería Mar Dulce (Buenos Aires, Argentina). Participó en numerosas exposiciones grupales entre las cuales se encuentran: Art Capital 2019 (Paris, Francia), Bienal de Florencia 2017 (Florencia, Italia), Casa Argentina en Paris (Francia), Museo del Jardín Botánico Carlos Thays (Buenos Aires, Argentina), Casa de la provincia de San Luis (Buenos Aires, Argentina), Centro de arte Camac (Marnay sur Seine, Francia), Centro de Arte Contemporáneo La Casona de los Olivera (Buenos Aires, Argentina), Columbia College Chicago (Illinois, EEUU), Universidad de West England (Bristol, Inglaterra), Aeropuertos Argentina 2000 (Córdoba, Argentina), Academia de Arte de Hangzhou (Hangzhou, China).
 

6 de marzo de 2019

En marzo Casa Naranja presentará una exposición de Leandro Erlich


Single Cloud

 

A partir del 14 de marzo, en Córdoba podrá disfrutarse de una selección inédita de las obras más representativas de Erlich, enmarcadas en el arte conceptual. La exhibición incluirá instalaciones y esculturas de gran formato, algunas realizadas especialmente para este espacio. El público podrá habitarlas y recorrerlas, cuestionando lo que se ve en un juego de perspectivas, proyecciones y reflejos.
 

Window & Ladder

Con esta propuesta, Casa Naranja invitará a sumergirse en una experiencia que desafía los límites entre lo real, la ilusión y la ficción. En palabras de Erlich “Me interesa el arte como una herramienta de integración, de acción, de vinculación, me interesa generar proyectos en los que el arte escape a las fronteras de los centros convencionales de exhibición y se imbrique en el orden de lo cotidiano”.

Como novedad para este año, Casa Naranja producirá un ciclo de música en vivo en alianza con Cadena3, por el que pasarán artistas de primer nivel. El lanzamiento se realizó el pasado 25 de enero con un exclusivo show de La Sole.
  

Leandro Erlich portrait, copyright Guyot

Leandro Erlich es uno de los artistas contemporáneos argentinos más reconocidos en el mundo. Nacido en 1973 en Buenos Aires, ha representado a la Argentina en la Bienal de Venecia en dos oportunidades (2001 y 2005), y exhibido sus obras en importantes eventos y museos de todo el mundo. En Buenos Aires se han podido ver algunas de sus impactantes instalaciones en el espacio público, como la recordada intervención de 2015 en la que le “quitó la punta” al Obelisco porteño mediante un juego de espejos.


1 de marzo de 2019

129° aniversario del nacimiento de Benito Quinquela Martín: en 2019 renace el artista argentino más popular


El 1º de marzo se conmemora el aniversario 129° del nacimiento de Benito Quinquela Martín, el artista plástico argentino más popular. Y a 42 años de su fallecimiento, su amado barrio de La Boca lo recuerda como el ilustre pintor que le dio vida y logró darlo a conocer al mundo.

Benito Quinquela Martín
 
Este 2019 será ‘quinqueliano’; ese legado estará muy presente, de forma popular, ya que la gente -y las nuevas generaciones- tendrá una oportunidad para redescubrir al célebre exponente de las artes plásticas: el destacado cineasta, Juan Bautista Stagnaro hará una película basado en su vida y obra. Además, el arte de Quinquela volvió a los Estados Unidos (tras 91 años sin exhibirse allí de manera oficial) con la muestra Edición limitada y coleccionable de giclées, obras seleccionadas y certificadas por la Fundación Benito Quinquela Martín, durante la semana de Art Basel -diciembre 2018-, de Art Palm Beach y Art Palm Springs (ambas este año en enero -Miami- y febrero -California-, respectivamente) a través de la Irazoqui Art Gallery.

En el plano social se destacan los talleres educativos y abiertos en escuelas, para público infantil/juvenil. Sin embargo, estos son solo algunos de los proyectos que se realizarán este año, junto a otros también relevantes pero que aún están en etapa de producción.
Para la Argentina, Quinquela fue un maravilloso artista que la representó carismáticamente en todo el mundo, aún la representa, y para quienes lo conocieron fue un ser humano admirable: sensible, humilde, con el alma y el corazón abiertos, dispuesto a dar todo por los más necesitados. Según su familia, quienes continúan el camino de la puesta en valor de su obra pictórica y humanitaria, a través de la Fundación Benito Quinquela Martín, por la difusión de su obra pictórica y la ayuda social, él es “un ser angelado que nos ha dejado una gran inspiración, una tarea ardua pero placentera y un largo camino por recorrer”.
Por todo ello, Benito está más vivo que nunca y así lo recordamos en un día como hoy pero de hace 129 años, nació signado para dejar huella en la historia de la cultura y el arte argentinos. No solo con su obra sino también con su generosidad, talento y virtud -tanto en lo profesional como en lo humano-.

Murales cerámicos en el espacio público
Hoy, el Museo Benito Quinquela Martín, inaugura nuevos murales cerámicos en el espacio público con reproducciones de distintas obras de la colección. Así, nuevamente el patrimonio del museo sale a las calles de su aldea para disfrute de todos, emplazándose en el mismo paisaje cultural que lo representa. 
Mienttras, el sábado 2 de marzo a las 13 hs. se inaugura la exposición “Quinquela lado B” donde se exhibirán dibujos totalmente inéditos, bocetos de los murales de la Escuela “Pedro de Mendoza” y algunas matrices utilizadas para la realización de sus grabados junto a óleos y fotografías del archivo del MBQM. Esta será una oportunidad para descubrir al gran dibujante y grabador que también fue Quinquela.
Durante la inauguración, se presentarán piezas musicales inéditas que grandes compositores argentinos dedicaron a Quinquela Martín. Por primera vez, estos tangos serán interpretados y compartidos para el disfrute de todos.

Los festejos conmemorativos que empiezan dentro y fuera del museo, continuarán a lo largo de todo el mes de marzo, con varias actividades y talleres que convocarán a vecinos, organizaciones e instituciones para celebrar un nuevo cumpleaños del “prócer boquense” por antonomasia.
Especialmente el sábado 23 de marzo se realizará una nueva barrileteada donde todos podrán sumarse con su propio barrilete para remontar los cielos que tantas veces fueron retratados por el artista boquense.

28 de febrero de 2019

Lo que se viene en arteBA 2019 en La Rural


Del 11 al 14 de abril en La Rural, arteBA 2019 presentará una nueva edición de la feria anual de arte contemporáneo en Buenos Aires. La edición número 28 estrenará este año fecha y formato de exhibición, con un layout completamente renovado que dará mayor autonomía e identidad a cada una de sus distintas propuestas. 

La Feria reunirá a unos 400 artistas, representados por más de 80 galerías de más de 25 ciudades del mundo, y ofrecerá un nuevo programa de charlas y actividades complementarias que ampliará el marco de referencia de la producción local con destacadas presencias de la escena del arte de distintas latitudes.
 

El diseño de la feria para esta edición propone una organización de sus contenidos concentrada en dos sectores autónomos que jerarquizan la experiencia y los públicos específicos de cada uno, promoviendo nuevos diálogos y recorridos.
 

El clásico Pabellón Azul, en el acceso central, estará dedicado pura y exclusivamente a las galerías de mayor trayectoria que integran la Sección Principal/Stage Irsa, seleccionadas estas por Eduardo Brandão (galerista de Vermelho, San Pablo), Ana Castella (actual jefa de desarrollo del Museo Tamayo y organizadora de Condo México 2018, Ciudad de México), Henrique Faria (galerista de Henrique Faria New York / Buenos Aires), Florencia Malbran (curadora independiente, Buenos Aires), y Julián Mizrahi (galerista de Del Infinito, Buenos Aires); y compartirá el espacio con Cabinet, cuya selección estuvo a cargo de Carla Acevedo-Yates (curadora asociada en el Eli and Edythe Broad Art Museum de Michigan), Florencia Malbran y Sharon Lerner (curadora de arte contemporáneo en el Museo de Arte de Lima-MALI); Solo Show Zurich curado por José Luis Blondet (curador de proyectos especiales en LACMA, Los Ángeles) y la nueva sección internacional de arteBA, Cardinal Site, cuyas galerías han sido convocadas por distintos art ambassadors invitados, entre ellos, Abaseh Mirvali, Patrizia Sandretto, y Mercedes Vilardell.
 

Además, y como otra novedad de esta edición, se ofrecerá el marco arquitectónico singular y autónomo del Pabellón de Equinos de La Rural para las áreas expositivas dedicadas a la producción joven, las publicaciones y los espacios institucionales, lo que refuerza el sentido de estas secciones como puerta de entrada al mundo del arte para entusiastas, nuevos coleccionistas y público en general. Entre ellas, Utopia Bombay, inédita sección joven de la feria, curada por Alejandra Aguado (curadora, Buenos Aires) y Carlos Herrera (artista y gestor independiente, Rosario), con un renovado programa de participación y exhibición (similar al que tuvieron las dos ediciones de arteBA Focus en Arena Studios), y una actualizada versión de la plataforma editorial de la feria: la Isla de Ediciones - Fundación Proa con selección y coordinación de Agustín Diez Fischer (Fundación Espigas / Centro de Estudios Espigas TAREA-IIPC – UNSAM). La coordinación de la Sección de Independientes estará a cargo de Pulso – Panorama de publicaciones independientes.
 

Así, esta edición de arteBA 2019 articulará, con diversas propuestas, el interior y el exterior de los pabellones de La Rural invitando al público a participar de una semana de arte en Buenos Aires.
Más información en: www.arteBA.org.

"Hipersensorial", la nueva muestra de ArteH


Los artistas Mica Priori, Silvia Bove, Germán Álvarez y Sol Delgado con Daniel Rueda, Director de ArteH
 
El espacio de arte de Hipercerámico reunirá en su nueva exposición a Silvia Bove, Sol Delgado, Germán Alvarez y Mica Priori, quienes propondrán un recorrido lúdico, sensorial y vivencial en el que los productos que comercializa la empresa serán utilizados como objetos de arte. Abierta al público desde el 28 de febrero.

En esta oportunidad, la artista mendocina Silvia Bove es convocada para este desafío y ofrecerá una puesta en escena, con la participación de Sol Delgado, Germán Álvarez y Mica Priori, quienes llevarán al público a ser parte de la muestra y a interactuar de un recorrido lúdico, sensorial y vivencial, en el que cada uno tendrá la oportunidad de permitirse dejar salir del propio interior todo lo más bello, teniendo en claro que entre todos se está creando una experiencia.

Los artistas en acción
 
“Con una mirada lúdica, sensorial y vivencial, todos, desde sus distintos roles, actuaron como si coincidieran con José Martí cuando expresó que: ‘los pueblos, lo mismo que los niños, necesitan de tiempo en tiempo algo así como correr mucho, reírse mucho y dar gritos y saltos. Es que en la vida no se puede hacer todo lo que se quiere, y lo que va quedando sin hacer sale así de tiempo en tiempo, como una locura’”, dijo Daniel Rueda, director de ArteH.
 
En palabras de Inés Sanguinetti, a cargo del texto curatorial: “Silvia Bove ha creado para nosotros un espacio que en su tránsito afecta nuestros cuerpos para darles ritmo, espesor y nueva vida. Silvia nos ofrece un espacio circular, laberíntico, sin principio ni fin, sabiendo que siempre quedaremos atrapados en la muestra en un círculo en el que ningún momento podrá ser aislado y menos olvidado. Ella desea que salgamos cantando con Giuseppe Verdi “Libiamo, libiamo… y que la hora efímera se embriague de deleite”.

La muestra está abierta al público con entrada gratuita, desde el 28 de febrero hasta el 17 de mayo inclusive, de lunes a sábados de 9 a 13 y de 16.30 a 20.30 hs. en ArteH, espacio y galería de arte de Hipercerámico. 

27 de febrero de 2019

Una antología de medio siglo de obra de la artista Gracia Cutuli en el Museo de Arte Popular José Hernández


"Anasazi y la mariposa de Dickinson", 2019
 
Del 21 de febrero al 3 de junio de 2019 se exhibe en el Museo de Arte Popular José Hernández “Lenguajes entrelazados” de Gracia Cutuli. Una selección de lo más exquisito del arte textil contemporáneo de la artista argentina reconocida a nivel mundial.

“A la artista Gracia Cutuli le debemos, en la historia del textil, el haber unido las tradiciones europeas y americanas, y especialmente la afirmación de la excelencia del tejido andino. A partir de ella se fue tomando conciencia de nuestra personalidad multiétnica transportada al textil.
Su persistente tarea acerca de la comprensión del otro mediante los textiles, la lleva a cabo en todos los ámbitos: desde publicaciones hasta la docencia en todos los aspectos.” Ruth Corcuera, Academia Nacional de Bellas Artes (2015, fragmento Historia general del arte en la Argentina, ANBA).
  
"Jouy-en-Josas esquina Rimbaud", 2014-2016
 
“Gracia Cutuli Lenguajes entrelazados - Obras 1969-2019” presenta una selección de obras de cada década de los últimos 50 años, a partir de los '60 hasta su último trabajo pictórico de enero 2019. Obras tejidas en telar de alto lizo del período 1969-1994 se despliegan junto a piezas de técnica mixta donde el textil está inserto como metáfora. 
Pinturas entrelazadas con textos, otras que se funden con la imagen, aluden a la memoria inscripta en los signos tejidos  que  durante  siglos  fueron  guardianes  de  la  pertenencia  cultural  americana; algunos párrafos -ceremoniales, etnográficos, históricos o poéticos- se leen en idiomas originales.
 
El textil como lenguaje, como sistema de signos, se advierte en la obra de Gracia Cutuli en su interés por vincular tradiciones culturales y expresar con diferentes medios los puntos de inflexión de la historia, ligaduras de la compleja trama del pasado, del presente y del futuro.
  
"Huinca Toro!", 100 x 100 cm, 2004
 
Gracia Cutuli resignifica la iconografía textil de los pueblos americanos anasazi, aymara, inca, kamayura, maya, mapuche, nazca, tehuelche, wichí.  En la serie de los poetas se manifiesta con poesía tejida y poesía escrita. Entre otros hallazgos, en ella señala la influencia intercultural del textil en una referencia a una tela impresa de Jouy-en-Josas inspirada en textiles de la India, donde se insertan líneas de un poema de Rimbaud. En la cita a la “Metamorfosis” del poeta Ovidio, evidencia la metáfora textil implícita en la web, con la maldición en latín de la Diosa Atenea a Arachnea escrita en lenguaje htlm, entretejida en una telaraña bordada.  El textil, la más antigua tecnología desarrollada por el ser humano, presta su símbolo a la cibernética.
 
Se completa la exhibición con algunos catálogos de sus muestras, y parte de sus escritos, libros, revistas, tanto los de carácter didáctico e informativo para la Argentina como para difundir el arte del país en el exterior. Otras publicaciones se refieren a su trabajo a lo largo de su trayectoria y videos. Se realizarán visitas guiadas de la artista.
  
"Tupac Amaru central x Lowry", 2003
Acerca de Gracia Cutuli, la artista:
Diplomada en las Escuelas nacionales de Artes Visuales, continuó su formación en la FADU y en el IUNA. Fue becada en Francia en 1960-1961, donde estudió grabado con Johnny Fridlaender, Historia del arte con Pierre Francastel y realizó un stage en la Manufactura Nacional de Gobelinos.  Esta experiencia la motivó para  desarrollar una prolífica etapa de trabajo y experimentación, como ir al encuentro en el noroeste argentino de las tradiciones de tejido aún vigentes. Luego, en 1964, fundó la Galería El Sol junto a Jack Mergherian, la primera de América especializada en arte textil, de la que fue directora de arte hasta 1970.
Entre sus más importantes distinciones Cutuli recibió el Primer Premio del Salón Municipal del Tapiz en 1974, Gran Premio de Honor en el Primer Salón Nacional del Tapiz en 1978; Konex de Platino en 1982; miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes desde 2011.
"Componga un Vuelo de Garzas", 1979
Precursora en el arte textil, diseñadora de alfombras y tapices, grabadora y pintora desde sus comienzos, su primera exposición individual, con dibujos y pinturas, fue por invitación de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires en 1958, apenas finalizados sus estudios en la Academia Prilidiano Pueyrredón.  Hoy, 61 años más tarde, es el Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad que reitera esta invitación.
Gracia fue docente e investigadora desde los inicios de la carrera de diseño textil en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires hasta 2002, en la que obtuvieron gran repercusión los seminarios anuales sobre textil precolombino dictado por la lic. Isabel Iriarte. Asimismo, la artista produjo una serie de estudios como investigadora en el UBACyT “El textil como transmisor de cultura”.
 
La muestra se puede visitar los  lunes, miércoles, jueves y viernes de 13 a 19 hs. y los sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. en Av. del Libertador 2373, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
 

"Toda la luz del día", fotografías de Ignacio Iasparra en la galería de Arte del BNA


La Galería de Arte “Alejandro Bustillo” del Banco de la Nación Argentina presenta la muestra fotográfica de Ignacio Iasparra titulada “Toda la luz del día”.  
El artista nos ofrece un recorrido por obras de pequeño y gran formato, unidas por un hilo conductor en donde las luces y las sombras son lo que permite potenciar la capacidad de transformación que tiene la fotografía.

Fuji Instax
Ignacio Iasparra, es oriundo de 25 de mayo (Buenos Aires). Estudió en la Escuela Argentina de Fotografía, participó de talleres con Ricardo Torosian, Fabiana Barreda y estudió 2 años fotografía publicitaria en Foto Design.  
Desde 1997 he participado en numerosas muestras colectivas y en tres individuales. Sus fotos forman parte de la colección del MALBA y del MAMBA. Es merecedor de importantes distinciones en los concursos más reconocidos del circuito nacional, entre los que se destacan Fundación Klemm, Premio Petrobras BA Photo, Salón Nacional, etc.
La muestra se puede visitar la muestra del viernes 1° al viernes 29 de marzo, de lunes a viernes de 10 a 15 horas, en el hall principal de la sucursal Plaza de Mayo del BNA, Av. Rivadavia 325, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

25 de febrero de 2019

Cuatro exposiciones inician la temporada en el espacio de arte de la Fundación OSDE


(Destiempos) II, 2008, fotografía color. Autoría y dirección: Carlos Gallardo. Fotografía: Alejandro Leveratto
 
Desde el 21 de febrero, el espacio de arte de la Fundación OSDE presenta una muestra retrospectiva del artista plástico Carlos Gallardo, fallecido hace diez años, con obras de 1983 al 2008. Gallardo ha sido un artista plástico multifacético que ha combinado a lo largo de su carrera múltiples disciplinas artísticas.

María Teresa Constantin, directora del Espacio de Arte Fundación OSDE, ideó este homenaje, y la curadora Mercedes Casanegra ha tenido la responsabilidad de la selección de las obras que se presentarán.
 
Como lo denominó la crítica y curadora Dore Ashton, del Guggenheim Museum de New York, Gallardo, fue un artista “medieval” que ha transitado por una importante y destacada variedad de vocabularios y disciplinas en su vida profesional.
Fue diseñador gráfico, (creador de la carrera de diseño gráfico de la UBA junto a Roland Shakespear), jefe de diseño gráfico de editorial Abril, del Teatro San Martín, y de la revista Summa, entre otros espacios e instituciones.
Artista plástico, fotógrafo, escenógrafo, escultor, diseñador de vestuarios, creador de instalaciones.
  
Carlos Gallardo. Close Up IV
 
En la muestra se despliegan más de 100 obras de su autoría que van desde los afiches que diseñó en su gestión como director de arte del Teatro General San Martín hasta los bocetos de instalaciones de escena y vestuario de ballet para obras de Mauricio Wainrot, su compañero de vida. Sus trabajos para escenografía, siempre estuvieron atravesados por su producción plástica, razón por la cual Carlos Gallardo nunca se definió como escenógrafo sino como un artista plástico que instala en escena.

Se podrán apreciar sus pinturas, objetos, dibujos, fotografías, esculturas, afiches premiados del Teatro San Martín, diseños de escenografías y vestuarios, y vestuarios reales cedidos por el Teatro San Martín del Complejo Teatral de Buenos Aires.
También imágenes en video de puestas coreográficas como de exposiciones en museos, galerías de arte, teatros, y reportajes al artista.

Las fotografías, los objetos y las instalaciones, tienen como tema recurrente el tiempo y la memoria. En palabras de Mercedes Casanegra: “Estas series poseen un clima de raíz existencial, esa idea de que los seres humanos fuimos lanzados a la existencia. No es a la belleza del mundo a lo que remite la obra de Carlos Gallardo, sino a la fugacidad de lo que está detrás de las imágenes en apariencia estáticas.”
 
Carlos Gallardo. Finale (detalle), 2003, 
12 atriles, cartas, gelatina, bisagras, zinc
. 
Instalación
 dimensiones variables 
 
Ejemplo de ello, Finale (2003), instalada en el centro de la sala del espacio de arte de la Fundación OSDE, un conjunto de doce atriles como los utilizados por los directores de orquesta. Los mismos, en vez de pentagramas, contienen cartas con un baño de acrílico traslúcido que las protege del paso del tiempo. Una versión de esta obra, con césped sobre los atriles, homenajea al artista, frente al Teatro Colón en plaza Lavalle de Buenos Aires.

Además de esta exposición, se exhiben “Naturaleza modificada”, intervención en salitas de Dora Isdatne, “Cuarentena” de Hernán Salamanco, en la vidriera, y “Margit Eppinger Weisz. Travesías” con curaduría de Cecilia Rabossi.
 
Dora Isdatne. "Naturaleza modificada". Foto de Luis Falduti
 
A la manera de las estructuras genéticas, las piezas en cerámica esmaltada de Dora Isdatne se ensamblan formando volúmenes que remiten al mundo vegetal y animal. Estos cuerpos artificiales son pensados a partir de formas orgánicas, como si fueran alteraciones de la naturaleza que conocemos.
Dispuestas en las dos salas, las esculturas agregan color al espacio y lo enrarecen. Las salitas se van dejando habitar, así, por una “Naturaleza modificada”.
 
"Cuarentena" de Hernán Salamanco
En la vidriera del espacio de arte de la Fundación OSDE lo que separa el afuera del adentro es apenas una capa de vidrio. Y es detrás de esa delgada transparencia que se instala “Cuarentena”, un políptico de diez chapas ensambladas.
En esta obra a gran escala Hernán Salamanco recurre al esmalte sintético para componer un paisaje cifrado. Un paisaje en el que, esta vez, su intención será hacer prevalecer las luces y sombras por sobre el color. Y en el que su soporte, las chapas para carteles, vuelven a acercarse al medio para el que fueron pensadas; no quedan a la intemperie pero están cerca. A diferencia de los anuncios publicitarios para los que suelen usarse su contenido sería en este caso, una excepción. 
De esta manera, Cuarentena irrumpe en la retórica de la calle del microcentro. Existe dentro de su ajetreo: los recorridos de los paseantes y sus voces, los autos, las sirenas, los ladridos ocasionales. Casi toca ese territorio para invitar a los que pasan a dejarse sorprender y hacer un alto. Detener la marcha para tener su propia experiencia ante al encuentro, intencional o accidental, con la pintura.
 
Margit Eppinger Weisz. S/t, 1984. Colección de la familia
 
La exposición “Margit Eppinger Weisz. Travesías” recupera distintas etapas de la producción de la artista, desde sus tempranas pinturas de retratos familiares, pasando por una serie de dibujos de especial interés histórico, hasta sus últimas creaciones realizadas durante sus viajes por Europa, Latinoamérica y África registrando, paisajes, personas y atmósferas.
 
Margit Eppinger Weisz. Autorretrato, ca. 1980. Colección de la familia
Margit Eppinger Weisz nació en Budapest en 1902. Estudió allí con el maestro Adolf Fényes. A mediados de la década de 1920, vivió y trabajó en Berlín y París, donde realizó fotomontajes e ilustraciones relacionadas con la moda para la revista Vogue y para diversas publicaciones. En la década del treinta en Budapest participó activamente del ambiente cultural, hasta que, con el estallido de la guerra debió dejar la ciudad. Margit y su familia regresaron a Budapest en 1945, luego de haber sobrevivido a la persecución nazi, gracias a la ayuda de una familia húngara que los ocultó.
De regreso a su ciudad, su casa recibió la visita de artistas y escritores como Corneille, Jacques Doucet, Louis Aragon, y músicos como Sándor Reschofsky y Zoltán Kodály. Muchos de ellos dejaron registro de sus visitas en un pequeño cuaderno de su hija Marion, que forma parte de esta exposición. En esta etapa también se vinculó con artistas de la llamada “escuela europea", nucleados en la ciudad de Szentendre.
 
Margit Eppinger Weisz. Beregfy, 1945. Colección Museo y Archivo Judío de Hungría
A fines de 1945, Margit fue la única artista autorizada a asistir a los juicios contra los criminales de guerra para poder retratarlos. Dieciocho dibujos en carbonilla de esta serie, llegan a la Argentina provenientes del Museo y Archivo Judío de Hungría, para formar parte de esta exposición. En palabras de la curadora, Cecilia Rabossi, "Margit interpretó el lenguaje corporal de los acusados y capturó sus expresiones y posturas; precisaba plasmar las imágenes de los culpables frente a la justicia."
Ya en la Argentina, Margit abandonó el mundo de las artes visuales para adentrase en el textil, primero colaborando con diversos talleres y luego concentrándose en la empresa familiar. En 1966, recuperó la práctica artística y trabajó intensamente hasta su fallecimiento.

Todas las exposiciones podrán visitarse del 21 de febrero al 27 de abril, de lunes a sábados de 12 a 20 hs. en el espacio de arte de la Fundación OSDE, Suipacha 658, primer piso, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.