15 de abril de 2019

El Cultural San Martín presenta los 20 proyectos seleccionados e inaugura la primera serie de muestras correspondiente a los espacios de Gigantogalería, entrepiso, entresuelo, sala vertical y el hall de la sala AB


El Cultural San Martín anunciará los 20 proyectos seleccionados para exponer durante el 2019 y se realizará la inauguración de las primeras muestras correspondiente a los espacios de Gigantogalería, Entrepiso, Entresuelo, Sala Vertical y el Hall de la Sala AB.
Durante el periodo de convocatoria se recibieron más de 500 proyectos los cuales fueron evaluados por el comité de selección integrado por Patricia Rizzo, Adriana Lauria y Mariano Soto, curador general de artes visuales del Cultural.
Este año se lanzó un nuevo programa “Desarrollo de obra in situ” en el que se seleccionaron proyectos para obra de sitio específico o de “work in progress” (procesos de trabajo), que serán desarrollados en los espacios del Cultural con supervisión curatorial de la institución, y en los que, además, el trabajo de pre-producción, producción y montaje de la obra se lleva a cabo en equipo: el artista seleccionado junto con el equipo de producción y montaje del Cultural utilizando el espacio de trabajo institucional, como talleres y espacios de exposición. 
“Línea de tiempo” es la primera muestra seleccionada por el programa “Desarrollo de obra in situ” una instalación de sitio específico pensada por Rita Simoni para la Sala Vertical, en la que el espectador podrá ir al futuro o al pasado o quedarse en el presente. ¿Qué futuro, si lo hay, nos depara nuestra presencia como especie? Estas y otras preguntas y asociaciones podría hacerse un espectador activo, que se tiente a sentarse y estar, suba y baje las escaleras de la sala para ver qué hay más allá.
En el espacio Gigantogalería Marina Fernández Quiroga presenta “Desfasajes”, esta obra  surge del encuentro casual con diapositivas de una familia desconocida, que son proyectadas en formato de mural y que apela a la nostalgia construida a través de modalidades que ya no existen: la fotografía mural o el autocine que generan sentimientos de nostalgia y memoria.
María de la Vega con su serie “Refugios y Deseos” en Entresuelo, recrea a través de un cuerpo de obra formado por pintura y objetos lumínicos un laboratorio, ensayando y cuestionando la apertura a un cambio de paradigmas con respecto a las necesidades sociales y también personales del hombre en momentos de crisis.
La obra “Incidencia” de Walter Barrios en el Entrepiso es una intervención en el ventanal con material traslúcido que asegura los juegos lumínicos propios de un vitraux, el cambio de color de luz en el interior, que al filtrarse los rayos se proyectan sobre un piso blanco para generar mayor luminosidad.
El Archivo de la Memoria Trans presenta “Retratos y Carnavales” en el espacio Hall de la sala ABl, la muestra consiste en retratos de época durante los carnavales, además de ser un festejo anual era el  acontecimiento más esperado del año por ser uno de los únicos momentos de libertad, sin persecución policial y sin el juzgamiento de la sociedad. AMT ( Archivo de la Memoria Trans) se expresa como una práctica que establece la posibilidad de construir un territorio fértil donde plantear el debate sobre nuevas configuraciones de narración.  El equipo de trabajo está conformado por María Belén Correa, Magalí Muñiz, Carla Pericles, Ornella Vega, Carlos Ibarra, Cecilia Estalles, Florencia Aletta, y Cecilia Saurí. 
 
El Cultural San Martín se puede visitar, con entrada libre y gratuita, de martes a domingos de 15 a 21 hs. en Sarmiento 1551, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Mundo Nuevo gallery art presenta a Roger Mantegani con su "Obra reciente"


Mundo Nuevo gallery art está presentando una gran exposición de Roger Mantegani, tal como él la quiso nombrar, la misma es de “obra reciente”. Telas y papeles de grandes y pequeñas dimensiones, atravesadas por trazos monocromáticos en su mayoría. Si hay algo que caracteriza la obra es que en todas hay personajes reunidos, que parecen mirar, observar, pensar, que aparecen y desaparecen entre fuertes trazos y líneas que dan ritmo a la imagen.


“Con una sólida formación académica y técnica, Roger Mantegani es en rigor un pintor. El artista decide, en tiempos de contemporaneidad, desarrollar su obra a través de la práctica pictórica e indagar las múltiples e inagotables posibilidades que ofrece este campo y disciplina del arte. 
 
Su obra se desdobla en la pulsión entre figuración y abstracción y en la tensión entre realidad y ficción. Si algo caracteriza la obra de Roger Mantegani, en todas sus facetas y etapas, es su gran fuerza narrativa. Las imágenes de sus pinturas nos sumergen a complejos, impolutos o fragmentados escenarios habitados por personajes casi espectrales que nos observan, interrogan e inquietan.
El preciosismo y la notable destreza técnica, presentan relatos detallados con minuciosidad, en donde la elección del claro-oscuro nos conduce al sopor de atmósferas y a una realidad que se torna aparente y dudosa.
Las imágenes de Mantegani en su ficción o en su realidad, en su abstracción o figuración incitan al espectador a la introspección y al pensamiento que surge de la siempre intensa experiencia de la contemplación.” Luz Novillo Corvalán

Roger Mantegani nació el 20 de septiembre de 1957 en la ciudad de Córdoba, República Argentina. Obtuvo su formación académica en la Escuela Provincial de Bellas Artes Dr. Figueroa Alcorta, egresando con el título de maestro de artes plásticas. 
En 1981 viaja a París para estudiar un año con el profesor Lucio Loubet. Desde entonces ha expuesto en numerosas instituciones oficiales y culturales, así como en galerías privadas en Argentina, México, Venezuela, Estados Unidos, etc.. 

En el año 1980 obtuvo el Primer Premio del Salón de Pintura “Historiando Córdoba”. Dos años más tarde, fue merecedor de los más altos galardones en el Salón Banco Social de Córdoba, en el Salón Dr. Genaro Pérez y en la Fundación Pro Arte de Córdoba. En el año 1983 se presentó al Salón Nacional de Tucumán y obtiuvo el Tercer Premio. Dos años más tarde, recibió la Primera Mención en el Salón del  Honorable Senado de la Provincia de Córdoba.
 
 En 1986 recibió el Primer Premio en el Salón “Ciudad de Córdoba”, siendo también distinguido con el Primer Premio en la Bienal M. Chandon en 1989 y en el Salón Nacional de 1990.
Sus obras forman parte de diversas colecciones públicas y privadas. Varias de sus piezas han sido subastadas en las reconocidas firmas Sotheby’s y Christie’s de Nueva York. Actualmente vive y reside en la ciudad de Buenos Aires, Argentina.

 La exhibición se puede visitar hasta el 30 de abril, de lunes a viernes de 12 a 19.30 hs. en Callao 1868, Buenos Aires, Argentina.

El FNA entregó los premios del Concurso de Arte y Transformación Social


El Fondo Nacional de las Artes (FNA) entregó los premios de su Concurso de Arte y Transformación Social 2018, que repartió $1.300.000 a trece iniciativas de todo el país que trabajan en la intersección del arte con los procesos de transformación social.

"En el FNA nos parece muy importante alentar a las organizaciones de todo el país que buscan impactar de manera positiva en las comunidades mediante el arte. Sabemos que la expresión artística es, en muchos casos, una forma clave para transformar realidad", explicó en el acto Mariano Roca, presidente del organismo.

En esta edición, el Concurso -con el apoyo de CEDA Washington y Sedronar que otorgaron dos premios cada uno- reconoció proyectos cuyo eje es la  niñez, la juventud y los adultos mayores, tres universos etarios que requieren un acompañamiento especial.

Desde una biblioteca especializada en primera infancia en Resistencia, Chaco, pasando por un proyecto de intervención de tanques de agua en Santiago del Estero, hasta  un proyecto documental y pedagógico sobre fiestas en clubes de Bahía Blanca, estas son algunas de las iniciativas premiadas.

“El derecho humano al agua es una obviedad para quienes lo han conquistado”, señala María Santucho del Colectivo Cultural Chicho sobre el proyecto ganador “Pintura al agua”, que planea pintar cisternas de agua con tecnología del INTA instaladas en las zonas más áridas y pobres de Santiago del Estero. “Proponemos lograr, mediante la intervención artística, espacios de solidaridad y de encuentro, para visibilizar la problemática y también la solución tecnológica comunitaria implementada”.

"En Biblionidos, creemos que la narración tienen un rol protagónico en la transmisión de la oralidad a los niños, desde sus mamás. Por eso vamos a propiciar espacios con la comunidad en centros comunitarios y jardines. La lectura y los niños van a ser nuestra brújula", explicó Andrea Álvarez Gamarra sobre la iniciativa ganadora de Chaco.

"Nuestro proyecto apunta a brindar herramientas audiovisuales, técnicas y teóricas, a lesbianas y personas trans para que puedan trabajar sobre los conflictos que viven", relataron a su turno Mariana Carmona Torregrosa y Victoria Glansman, del Laboratorio de Cine y Audiovisual Comunitario que organizan en la ciudad de Córdoba.

La selección estuvo a cargo de un jurado compuesto por Mario Roitter, Martín Giménez Rébora, Gabriela Hillar y María Crovetto, en la Línea Infancia; por Martín Gómez, Inés Vernengo, Pablo Dragotto y Diego Ruiz en la Línea Juventud, y por Paula Mascías, Alan Plummer y Miriam Campos, para la Línea Adultos Mayores.

Como en la edición anterior, el premio de Arte y Transformación social articula una red de ministerios y organismos públicos que apoyan la iniciativa y como parte de esto coordinó en  la tarde de hoy rondas de intercambio para generar sinergia con los representantes de proyectos ganadores y las instituciones

Además, en el marco de esta entrega de premios, el FNA organizó, por primera vez, un Seminario Internacional sobre la temática con participación de representantes de diez proyectos del Reino Unido auspiciados por el Arts Council, para  generar un cruce de aprendizaje entre las organizaciones premiadas provenientes de diferentes ciudades del país, representantes de las iniciativas de arte y comunidad inglesas interesadas en conocer las prácticas “artetransformadoras” de Argentina y organismos públicos locales.

"Con el Seminario, generamos un espacio de encuentro entre personas de distintos lugares de la Argentina, del exterior y con diferentes ideas. Esperemos que esto siempre pase en nuestro país ", señaló, por su parte, Inés Sanguinetti, directora de Arte y Transformación del FNA.

Los organismos que acompañan el Concurso de Arte y Transformación social son: Ministerio de Educación, Cultura, Ciencia y Tecnología; Ministerio de Producción y Trabajo; Ministerio de Seguridad; Ministerio de Salud y Desarrollo Social; Ministerio de Justicia y Derechos Humanos; Secretaría de Gobierno de Ambiente y Desarrollo Sustentable; Sistema Federal de Medios y Contenidos Públicos; SEDRONAR; Agencia Nacional de Discapacidad; ENACOM; UNICEF Argentina; y Fundación CEDA Washington. El Seminario también tiene el auspicio de British Council, Arts Council, Flacso, Instituto Franco Argentino, Embajada de Francia en la , Alianza Francesa en Buenos Aires y Diálogo Franco Argentino.

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presenta "Max Gómez Canle. El salón de los caprichos"


Victoria Noorthoorn, Max Gómez Canle y Carla Barbero 
 
El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presenta "Max Gómez Canle. El salón de los caprichos", primera exposición antológica de Max Gómez Canle en un museo, cuya obra es una referencia ineludible para la pintura contemporánea argentina. 
Con curaduría de Carla Barbero, curadora del MAMBA, El salón de los caprichos reúne veinte años de producción artística de Gómez Canle, con trabajos realizados entre 1999 y 2019.

La obra de este artista tiene como protagonista a la pintura, y desde allí ha desarrollado un método de trabajo e investigación sobre la historia del arte y de las imágenes que despliega en diversas experimentaciones materiales. Con una destreza técnica singular, su pintura investiga el potencial valor anacrónico de las imágenes y, en este sentido, la exhibición propone un recorrido lineal, aunque no cronológico, por la sala.


En El salón de los caprichos, nuevas imágenes de todos los tiempos giran alrededor del espacio y el recorrido aviva el encuentro entre la fuerza de la tradición pictórica occidental y la voracidad contemporánea. Paisajes clásicos de la pintura, en especial los flamencos, se combinan con estilos y técnicas diversas que incluyen expresiones geométricas argentinas hasta elementos de la cultura digital.

En la sala del segundo subsuelo del museo, se presentan las obras más importantes de Max Gómez Canle en una puesta que incluye dos producciones realizadas específicamente para la ocasión.
El renacimiento, el romanticismo, el barroco y el surrealismo metafísico son parte de una galería inagotable de imágenes que el artista recolecta a través de libros, catálogos e Internet. Esa galería se convierte en la fuente de la que extrae paisajes, temas y técnicas para revisar, copiar y pintar, e incluso para hacer diferentes versiones de sus obras. Ruinas, horizontes tormentosos, montañas, animales y personajes fantásticos son parte de su repertorio, que construye en una negociación permanente con el pasado.
 

En la exposición pueden verse obras de diversas series así como trabajos inéditos: desde sus primeras obras como Pampas (1999), unas pequeñas aguatintas que evocan la metafísica llanura argentina; Túnel (2007), donde el paisaje asoma a través de figuras geométricas vinculadas a la obra del artista concreto Raúl Lozza o Primera montaña (2001), en la que incorpora la cultura digital en personajes pixelados, hasta las torres que aparecen de manera recurrente en los más variados escenarios, celestiales y terrestres, que citan la obra de Roberto Aizenberg y que resuenan, de lejos, con la visión del arquitecto Francisco Salamone. También se incluyen piezas del proyecto “Amigos del siglo XX”, que desde los comienzos del 2000 comparte con María Guerrieri. Se trata de una colección realizada para la intimidad del hogar, obras de las vanguardias históricas que ambos copiaron a partir de reproducciones de catálogos de Lucio Fontana, Carlo Carrà y Félix Valloton, entre otros artistas. Algunas de estas piezas de la exposición, se amalgaman naturalmente con el resto de las obras, de modo que la condición de copia queda ligeramente velada.
 

De sus exploraciones materiales y espaciales, El salón de los caprichos comprende tanto sus obras en cobre, madera y bronce -con las que el artista refuerza la dimensión objetual de la pintura- sus trabajos en los que desarrolla superficies ornamentales como molduras, estantes y estructuras, lo que aporta al espacio características escenográficas. En este sentido, en sus obras más recientes, el artista entra en diálogo con la arquitectura apropiándose del volumen de las paredes para inventar nuevos planos, perforando o amplificando espacios, como en Esperando a Hitchcock (2018) y en otras donde sugiere leves superficies fantasmales, como en los cinco óleos sobre pared titulados Los fósiles (2019), presente en la antesala de la exposición.

Por último, la sala está atravesada por Capricho sudamericano, la instalación central realizada específicamente para esta ocasión: un gran panorama con un ecosistema fantástico donde conviven el día y la noche, las palmeras y los pinos, el desierto y la laguna.
 

“Así como un paisaje puede ser el telón de fondo para una ciudad y sus habitantes, esta exposición de Max Gómez Canle es el medio ambiente natural donde se cristaliza su deseo de conquistar el espacio y la forma a partir de una secuencia de encuentros afortunados”, sostiene la curadora Carla Barbero. 
 
Max Gómez Canle (Buenos Aires, 1972) estudió pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón desde principios de los años noventa. Su formación incluye la realización de trabajos de escenografía, carpintería y restauración, entre otros.  Expone sus obras periódicamente en el país desde el año 2001 y en San Pablo, Brasil, desde el año 2006. Sus pinturas fueron premiadas en el concurso 50° Aniversario del Fondo Nacional de las Artes (2008), en el certamen “10 años de Bola de Nieve” (2008) y en el LXI Salón Nacional de Rosario (2007). También obtuvo el Premio Ignacio Pirovano al Artista Joven (2007), otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte, y ganó los primeros premios de la Fundación Andreani (2013) y de la Fundación Federico Klemm (2014). Asimismo, obtuvo la beca arteBA-FLORA para realizar una residencia en Colombia.
 

En 2009 fue seleccionado para exhibir su obra en el proyecto Ventana, con el que cubrió la fachada del Edificio Del Plata, sobre la avenida 9 de Julio, en Buenos Aires. Entre sus numerosas exposiciones individuales en Buenos Aires, se destacan Condición y cabeza, en la Fundación Jorge Federico Klemm (2016), e Invasiones mutuas, en Ruth Benzacar Galería de Arte (2014). Entre sus exposiciones en el exterior, cabe destacar Fisonomía del tiempo, en Flora ars+natura, Bogotá (2014), y El devenir de una memoria, en Galería Casa Triángulo, San Pablo (2013).

La exposición se puede visitar hasta el lunes 11 de agosto inclusive.  
Además el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires exhibe las muestras: "Delia Cancela. Reina de corazones 1962-2018", "Mercedes Azpilicueta. Cuerpos Pájaros", "Nicolás Mastracchio~. Pulso" y "Una llamarada pertinaz. La intrépida marcha de la colección del Moderno".
Todas se pueden visitar en Avenida San Juan 350, los días lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 11 a 20 hs. Martes cerrado. Entrada general: $50. 
 

12 de abril de 2019

Se realizó la donación de “Alfabeto Lunar”, obra de Leandro Katz, a la Biblioteca Nacional Mariano Moreno


En el marco de la Semana del Arte organizada por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, se llevó a cabo la ceremonia de donación de la obra “Alfabeto Lunar” del artista argentino Leandro Katz a la Biblioteca Nacional Mariano Moreno.
 
"Alfabeto Lunar" de Leandro Katz fue realizada en septiembre de 2018 con motivo de Rayuela, la exposición de obra en espacios públicos curada por Cecilia Alemani en el marco de la Semana Art Basel Cities: Buenos Aires 2018 organizado conjuntamente entre el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y Art Basel.
 
Leandro Katz y su obra "Alfabeto Lunar"
 
La misma podrá seguir disfrutándose en el ingreso a la Biblioteca Nacional Mariano Moreno gracias a la cortesía de los coleccionistas Amalia Amoedo, Alec Oxenford, Lodovico Rocca, Érica Roberts del directorio de arteBA, Adriana Rocca, la galería de arte Henrique Faria Fine Art y otros donantes particulares.
 
“La magnífica obra de Leandro Katz se suma a la gran oferta de arte que tiene la Ciudad. Con la donación de Alfabeto Lunar a la explanada de la Biblioteca Nacional Mariano Moreno seguimos fomentando la cultura en el espacio público para seguir creando más y mejor acceso a la cultura”, destacó el ministro de cultura Enrique Avogadro, quien en el mismo acto hizo entrega al artista de la distinción de Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura porteña. Y le agradeció al artista por “honrar la escena artística de la ciudad. “Es un privilegio y un honor contar con esta obra”, aseguró.
 
De izquierda a derecha: Diego Radivoy, Manuela Hansen, Patrick Foret, Ezequiel Martinez, Josefína Piacenza, Alec Oxenford, Adriana Rocca, Leandro Katz, Sigismond de Vajay, Enrique Avogadro, Érica Roberts, Enrique Faria, Amalia Amoedo y Mauro Herlitzka 
 
Por su parte, Katz, reveló que eligió emplazar su obra en la puerta de la biblioteca como una “entrada al mundo de los libros”. Y visiblemente emocionado agradeció a todos los que hicieron posible la donación de la obra y especialmente a la Legislatura porteña y el ministro de cultura por la mención.  

“Que una obra de arte de esta importancia y belleza señale el ingreso a la Biblioteca Nacional, es una metáfora de que la cultura siempre nos lleva a lugares donde podemos sentirnos mejores personas. En 1969 el hombre pisó la Luna; hoy todos los que asistimos a la Biblioteca tenemos a nuestros pies veintisiete fases con las letras de nuestro alfabeto. Aquí se aúnan arte y libros, letras e imágenes, gracias a este maravilloso Alfabeto lunar de Leandro Katz”, expresó Ezequiel Martínez, en nombre de la directora de la Biblioteca Nacional Mariano Moreno, Elsa Barber.

10 de abril de 2019

La Rural cumple 10 años de su colección Impulsarte2 en ARTEBA


Con 10 años de trayectoria ininterrumpida, el programa de estímulo al arte contemporáneo de La Rural expondrá, del 11 al 14 de abril en su espacio de arteBA, parte de su colección “Impulsarte”.  Y presentará un exclusivo catálogo con las 50 obras adquiridas entre 2009 y 2018, que reflejan la creación y el virtuosismo de 47 jóvenes talentos argentinos.
  
Juan Pablo Maglier, director de relaciones institucionales de La Rural, manifestó: “celebrar una década de colección, nos llena de orgullo y satisfacción; a la vez que da cuenta de nuestro compromiso sostenido con la iniciativa. Seguimos apostando a las nuevas generaciones y apuntalando al arte local”. 

El programa, que nació en 2009 con el objetivo de estimular el desarrollo de jóvenes talentos del campo de las artes plásticas y contribuir con su posicionamiento y crecimiento, se convirtió en una plataforma de talentosos artistas. Las obras, de distintas técnicas -fotografías, dibujo, pintura y técnicas mixtas-, hoy se exhiben en los espacios comunes del predio para poder ser disfrutadas por todos sus visitantes. La Rural logra así, fomentar la difusión de la cultura en sus múltiples formas y posibilidades.

El espacio “Impulsarte” diseñado para homenajear a una década de colección, exhibirá las obras adquiridas en 2018 y una selección de aquellas que integran la colección de otros años, elegidas por la armonía curatorial que guardan entre sí.
Como en otros años, se mantuvo la alianza con Diseñadores de interior Argentinos Asociados (DArA) y la Universidad Argentina de la Empresa (UADE) para su diseño. Así, el proyecto a cargo de las alumnas María Emilia Binda, Mariana De Sousa y Melany Moglia, propone un stand abierto, en donde los límites pasarán desapercibidos, con doble entrada, desde el frente y el lateral. 
Además, como innovación en el diseño se presentará un panel en "L", trasladable y susceptible de adoptar diferentes posiciones para cautivar la atención de la audiencia. El recorrido será simple y la disposición de su estructura sumará dinamismo, permitiendo conocer la evolución del arte, desde el 2009 a la actualidad.
 
El comité de adquisición -integrado por Juan Pablo Maglier (Director de Relaciones Institucionales de La Rural, Predio Ferial de Buenos Aires), Eva Grinstein (Crítica, docente y curadora especializada en arte contemporáneo argentino) y Victoria Verlichak (Crítica de arte, escritora y periodista)- es el encargado de seleccionar las piezas exhibidas por las galerías en arteBA 19; las cuales pasarán a formar parte del patrimonio de la compañía.

Artistas participantes del programa: Bruno Dubner, San Poggio, Lola Goldstein, Estanislao Florido, Florencia Rodríguez Giles, Florencia Blanco, Cynthia Kampelmacher, Máximo Pedraza, Pablo Accinelli, Amado Azar, Erica Böhm, Javier Barilaro, Diego Bianchi, Flavia Da Rin, Diego Haboba, Lucas di Pascuale, Amaya Bouquet, Leila Tschopp, Adriana Minoliti, Mauro Guzmán, Zoe di Rienzo, Octavio Garabello, Hernán Paganini, Viviana Blanco, Agustin Sirai, Nicolás Mastracchio, Carolina Magnin, Claudia del Río, Juan Becú, Gabriel Chaile, Marcela Sinclair, José Luis Landet, Leopoldo Estol, Valeria Maggi, Leticia Obeid, Jimena Croceri / María Guerrieri / Alfio Demestre / Luciana Rondolini / Débora Pierpaoli, Hernán Soriano, Bruno Gruppalli, Nahuel Vecino, Ana Clara Soler, Federico Lanzi, Malena Pizani, Gilda Picabea.


El Museo Nacional de Bellas Artes reabrirá sus puertas con espacios renovados, salas de exposición permanente de arte prehispánico y colonial, y tres importantes muestras temporarias


El Museo Nacional de Bellas Artes reabre sus puertas al público el 12 de abril próximo a las 18 hs. con la presentación de las nuevas salas de exposición permanente que albergarán las colecciones de arte prehispánico y colonial, y tres muestras temporarias: “Carlos Alonso. Pintura y memoria”, “Diana Dowek. Paisajes insumisos” y “Ninfas, serpientes, constelaciones. La teoría artística de Aby Warburg”, realizada junto con la Biblioteca Nacional, como parte del Simposio Internacional Warburg 2019.

La renovación de la planta baja concretada entre febrero y abril de 2019 responde a un plan de optimización de los espacios del Bellas Artes iniciado en 2016 con las obras de accesibilidad y recuperación del diseño original de Alejandro Bustillo.

Para facilitar el recorrido del público por la planta baja se diseñó un esquema de circulación más eficiente, que organiza de forma cronológica los sectores de exposición, siguiendo un eje de distribución central de las salas. A ello se suman la puesta en valor de la fachada y la apertura de nuevo espacio dedicado a la tienda del museo, ubicado en un lugar privilegiado del hall de ingreso.

Vasija subglobular policromada 550-950 d. C. Cultura Aguada (Hualfin)
Modelado por rodete y policromado.
Colección Guido Di Tella - Museo Nacional de Bellas Artes

En la planta baja, podrá iniciarse un recorrido cronológico latinoamericano a partir de la exhibición permanente de arte prehispánico, siguiendo por el arte colonial, hasta el arte argentino del siglo XIX. En el nuevo guión de arte nacional de este período, se incluye la obra “Soldado de la guardia de Rosas” (1842), del artista francés Raymond Quinsac Monvoisin, cedido en préstamo, proveniente de una colección particular. Esta iniciativa tiene por objetivo generar un diálogo entre obras invitadas con el acervo del Bellas Artes.
En total, hay seis salas dedicadas al arte americano, desde la época prehispánica hasta el Centenario.

“La decisión de honrar esa memoria visual -explica Andrés Duprat, director del Bellas Artes- obedece tanto a una intención de reparación, de justicia histórica, como, ante todo, de justicia poética: recuperar en la escena del museo la potencia de una producción que suele permanecer oculta a nuestros ojos. A la vez, permite releer la historia visual del territorio, pues es posible construir series con las vertientes plásticas que dialogaron con ella”.

Suplicante 300 a. C.-400 d. C. Cultura Alamito
Piedra tallada, pulida y perforada.
Colección Guido Di Tella- Museo Nacional de Bellas Artes
En la sala de arte prehispánico, se reunirán las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes y de la Cancillería argentina. Con curaduría de María Alba Bovisio, podrán verse cerca de 380 piezas de las diversas culturas del Noroeste Argentino -entre ellas, Ciénaga, Aguada, Condorhuasi, Alamito, Tafí, Santamariana y Candelaria-, datadas entre los siglos V a. C. y XV. En tanto, del período colonial, se exhibirán las Tablas de la Conquista de México, realizadas por Miguel Gonzales entre 1696 y 1715.

Además, en la planta baja se exhibirá el dibujo del artista italiano del siglo XVII Luca Giordano, adquirido en 2017 por la Asociación Amigos del Bellas Artes. Se trata de  un boceto preparatorio del óleo “Presentación de Jacob a Isaac”, perteneciente a la colección del museo.

El 12 abril, también se iniciará el calendario anual de exhibiciones con tres muestras temporarias, dos de ellas, de artistas argentinos: “Carlos Alonso. Pintura y memoria” y “Diana Dowek. Paisajes insumisos”. A ellas se suma “Ninfas, serpientes, constelaciones. La teoría artística de Aby Warburg”, la exhibición curada por José Emilio Burucúa que recoge las principales ideas del historiador de las imágenes alemán Aby Warburg (1866-1929).

Carlos Alonso. "Sin pan y sin trabajo", 1966, acrílico sobre tela.
Colección Museo Nacional de Bellas Artes
 
La muestra homenaje a Carlos Alonso reunirá en el Pabellón de exposiciones temporarias más de 50 obras del artista argentino, con curaduría de María Florencia Galesio y Pablo De Monte, investigadores del Bellas Artes. Se exhibirán pinturas y collages creados entre 1963 y 1989.

“No puede pensarse la historia del último medio siglo de la Argentina sin la obra de Carlos Alonso -asegura Duprat-. Es un hilo que la tensa, la denuncia, la interpela y la enmienda, a la vez que la sabe irreparable. Entre la alegoría y el realismo crudo, descalabrada por las violencias usuales, la producción del artista discurre por temas, formas y preguntas, con la sospecha de que la respuesta nunca cambiará. Y de que hay horror en ella”.

Como parte de esta muestra, que podrá visitarse hasta el 14 de julio, se exhibirá la reconstrucción de la instalación “Manos anónimas”, originalmente creada en 1976 para una exposición en el Bellas Artes que nunca pudo ser exhibida debido al golpe de Estado. Esta instalación ocupará un lugar central en el recorrido.

Diana Dowek. “Paisaje con retrovisor II", 1975, acrílico sobre tela.
Colección José y Jacqueline Abadi
 
La muestra “Diana Dowek. Paisajes insumisos”, curada por Mariana Marchesi, directora artística del MNBA, reúne una serie de obras creadas por la artista en la década de 1970. Partiendo del paisaje -uno de los géneros tradicionales de la historia del arte-, la autora aborda en esta selección los vínculos entre las artes plásticas y el testimonio como modo de pensar la narración histórica en términos visuales, y también de rebelarse e indagar sobre la violencia y la censura.

“Con esta exposición, el Bellas Artes presenta ante el público un conjunto de obras de extraordinaria potencia artística y política, de gran relevancia para la plástica nacional, y rinde homenaje a una de sus artistas fundamentales, quien no ha cejado en su labor durante más de cinco décadas”, afirma Duprat. La muestra podrá verse en las salas del primer piso hasta el 2 de junio.
 
La distancia de la mirada" de Antonio Seguí, 1976, carbonilla y pastel sobre tela.
Colección Museo Nacional de Bellas Artes
 
“Ninfas, serpientes, constelaciones. La teoría artística de Aby Warburg”, con curaduría de José Emilo Burucúa, propone ilustrar las ideas y categorías desarrolladas por el prestigioso teórico alemán, con piezas provenientes de distintas colecciones públicas argentinas. Los cinco núcleos de la exposición -que podrá visitarse hasta el 9 de junio en el primer piso- son “La ninfa”, “El héroe”, “La serpiente y la magia”, “El cielo estrellado” y “La distancia y la memoria”.

Estas iniciativas contaron con el apoyo de la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes. El Museo Nacional de Bellas Artes puede visitarse de martes a viernes de 11 a 20 hs. y los sábados y domingos de 10 a 20 hs. (lunes: cerrado), en Av. del Libertador 1473, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

El ingreso general al museo para los residentes en el país es gratuito, mientras que la entrada al pabellón de exposiciones temporarias tiene un costo de $100 (cien pesos). Quedan exceptuados de este pago los menores de 12 años, las personas con discapacidad, los jubilados y docentes con acreditación, y los grupos de estudiantes. Los no residentes en la Argentina, en tanto, deben abonar $200 (doscientos pesos) para ingresar al museo, valor que incluye la visita al pabellón de exposiciones temporarias. Los martes de 11 a 20 hs. y todos los días de 18.45 a 20 hs. la entrada es gratuita.

9 de abril de 2019

El MAT inauguró la muestra "Labor de artista. Aguafuertes de Benito Quinquela Martín”


El Museo de Arte Tigre inauguró la muestra "Labor de artista. Aguafuertes de Benito Quinquela Martín” con más de 50 obras. El intendente Julio Zamora y la directora del MAT, Graciela Arbolave, presentaron la exposición junto a la comunidad.

Benito Quinquela Martín es uno de los pintores argentinos más reconocidos por la fuerza expresiva de su pincelada y a la riqueza de su paleta, pero también por haber elegido como tema al barrio porteño de la Boca. 

En "Labor de artista", colección que se podrá recorrer hasta mediados de junio, se pueden apreciar unas 60 obras en torno a 1940, cuando incorporó la técnica de aguafuertes tras observar a Guillermo Facio Hebecquer en su taller de Parque Patricios. Con dicha incursión, la textura de grueso empaste, cede su lugar a un lenguaje visual que prescinde del impacto del color, y se vale en cambio de la superposición de líneas para estructurar las formas y generar la ilusión de volumen.

A propósito de la muestra, la directora del MAT, Graciela Arbolave, expresó: "Es el conjunto más completo actualmente de esta técnica de grabado, que refleja acontecimientos cotidianos que se daban en el puerto".

Por otra parte, junto a la muestra de Quinquela, también se presentó el Primer Salón Municipal. Su convocatoria estuvo dirigida a artistas visuales locales y de otros distritos, en las disciplinas dibujo y pintura. El objetivo de la iniciativa fue estimular, apoyar y dar difusión a las diversas producciones inspiradas en Tigre.

El MAT, desde su creación, se ha consolidado como un importante atractivo cultural. Su colección está integrada por las obras más representativas del arte argentino, comprendidas entre los siglos XIX y XX. En su mayoría, son expresiones de carácter figurativo que reflejan imágenes relativas a costumbres del país, y de las comunidades que forjaron la nación con sus paisajes y tradiciones.

Vecinos y turistas pueden visitar la muestra hasta el 30 de junio, de miércoles a viernes de 9 a 19 hs. y los sábados y domingos de 12 a 19 hs. Para mayor información: 4512 4528 o por email: infomuseo@tigre.gov.ar. Para los vecinos del distrito, la entrada es gratuita.

Llega MAPA - Feria de Arte, del 12 al 15 de abril, en el nuevo Complejo Cultural Art Media



Del 12 al 15 de abril se realizará en el nuevo Complejo Cultural en Chacarita CC Art Media, MAPA Feria de Arte.
La feria, que ya va por su tercera edición -anteriormente llamada FACA- será un espacio de exhibición para el arte local y regional. Se hará foco en las producciones de artistas jóvenes, proyectos autogestionados y propuestas expositivas originales.
Participaran galerías internacionales de Colombia, Miami, Chile y Perú. Algunas de ellas son: Ambos Mundos (Argentina), Quimera (Argentina), Piccadilly (Argentina), DC (Colombia), Bloc Art (Perú), Sasha D (Argentina), Galería La Sala (Chile), Espacio O (Chile), y artistas contemporáneos como Nacha Canvas, Ernesto Arellano y Dolores Casares. Habrá ciclos de charlas relacionadas con la actualidad del arte contemporáneo, presentaciones de proyectos y libros, ciclo de performances, entre otras actividades.
Adicionalmente, habrá un espacio institucional del Banco Ciudad con obras de herederos del patrimonio de artistas como Curatella Manes, Del Prete, Yente, Fioravanti y la artista internacional Magda Frank.
Además, este año la Feria logrará un mayor alcance en el mercado del arte ya que en el mes de octubre, se realizará en la provincia de Mendoza, y se constituirá como una de las principales plataformas artísticas de la Argentina.
La feria se puede visitar del 12 al 15 de abril de 15 a 22 hs. en Avenida Corrientes 6271, 1427 Ciudad de Buenos Aires, Argentina
Entrada: $200. Descuento 50% a estudiantes y jubilados.

8 de abril de 2019

El Centro Cultural Coreano de la Embajada de Corea organiza el 5º Festival de Gastronomía Coreana, del 9 al 13 de abril


La quinta edición del Festival de Gastronomía Coreana en Buenos Aires se renueva en propuestas culinarias y eventos. Por primera vez, el Centro Cultural Coreano (CCC) organiza, además del tradicional festival, una feria de comida coreana, que se realizará el 9 de abril entre las 12 y las 16 hs.
 
La feria se desarrollará con entrada libre y gratuita en la sede del CCC, en Maipú 972. Ahí estarán dispuestos cinco stands correspondientes a restaurantes y distribuidores coreanos, que ofrecerán al público platos y bebidas tradicionales de Corea a un precio no superior a $150 por plato o unidad. La propuesta culinaria de la feria es la de experimentar los sabores cotidianos de Corea e introducir mediante la comida a las calles típicas del país asiático. Los restaurantes que son parte de la feria ofrecerán platos como el bulgogi (carne salteada), chapjae (fideos de batata) y bibimbap (salteado de vegetales y carne), entre otros.
 
La segunda parte del festival se realizará del 11 al 13 de abril en el St. Regis Restaurant del Park Tower Hotel The Luxury Collection. Se ofrecerá a los comensales una cena buffet a cargo del prestigio chef Gwangho Choi, quien fue ganador de Master chef Korea 2014, y de Areumi Lee, especialista en food styling y participante de distintos programas culinarios en la TV coreana. Ambos fueron invitados por el CCC de manera exclusiva para este evento. 

La temática del festival 2019 es la variedad y sofisticación culinaria de la península coreana. El buffet recorrerá desde los sabores de las comidas más refinadas y elegantes hasta los complejos matices de la comida callejera.

El Festival de Gastronomía Coreana es organizado por el Centro Cultural Coreano de la Embajada de Corea y cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura, Deporte y Turismo de Corea y el Park Tower Hotel. Reservas y consultas al Restaurante St. Regis, Av. Leandro N. Alem 1193. Teléfono: (011) 4318-9211.

Cronograma del Festival
de Gastronomía Coreana en Buenos Aires:
- Feria de comida coreana: martes 9 de abril, de 12 a 16 hs. en el Centro Cultural Coreano, Maipú 972, CABA. Participan: AZIT, Chickenbar, Doquevi, Fa-song-song, Mr. Ho y NEO GEO.
- 5° Festival de gastronomía coreana – Buffet coreano: del 11 al 13 de abril a partir de las 20 hs. en St. Regis Restaurant, Park Tower Hotel The Luxury Collection, Av. Leandro N. Alem 1193, CABA. Chefs invitados de Corea: Gwangho Choi y Areumi Lee
Reservas e informes: StRegis.BsAs@luxurycollection.com o (11) 4318-9211.
 

Faena Art presenta "Faena Festival: This is not America, en Buenos Aires"; que tendrá lugar del 8 al 14 de abril en colaboración con la Semana del Arte y arteBA


Esta edición de Faena Festival, que tendrá lugar del 8 al 14 de abril, estará relacionada con el papel perdurable de Buenos Aires como un puerto que recibió y recibe a inmigrantes, refugiados y viajantes y que representa una voz multicultural de Latinoamérica hacia el resto del mundo. 
Faena Festival incluye nuevas comisiones, instalaciones y performances de los artistas Cecilia Bengolea, Alfredo Jaar, Isabel Lewis, Luna Paiva y Fernando Rubio. Además, incluye un ciclo de cine y video arte con obras de Joseph Beuys, Ana Teresa Fernández y Boris Mitic, entre otros.  
 
“Siempre imaginé nuestro Festival como una plataforma polifónica para amplificar voces y reunir artistas de distintos campos. No creemos en las limitaciones ni divisiones geopolíticas, por lo que en esta edición de Faena Festival exploramos las diversas interpretaciones de las Américas en toda su diversidad y complejidad”, afirmó Alan Faena. 
 
Alfredo Jaar. A Logo for America (1987). Impresión montada. Cortesía de Galerie Lelong & Co. y del artista
 
El Festival propone un nuevo formato curatorial de exhibición, que trasciende el distrito Faena en Puerto Madero, para ocupar diversos espacios y zonas de la ciudad de Buenos Aires, con una serie de intervenciones de arte público y performances que exploran la multiplicidad de comunidades y culturas, así como el palimpsesto de historias que han creado a las Américas, mientras que responde específicamente a Buenos Aires como uno de sus centros hemisféricos. Los diversos espacios intervenidos incluyen: la Plaza de la República, la Sociedad Rural Argentina, Parque Semana del Arte, Faena Hotel Buenos Aires y Faena Art Center. 
 
“En los tiempos oscuros en los cuales vivimos, los espacios del arte y la cultura son los últimos espacios de libertad. Es allí donde los artistas podemos respirar. Cuando la política ha fallado estrepitosamente, la cultura es nuestro mas precioso capital. Afirmémoslo: cultura = capital. El arte debe salir a la calle y ocupar cada espacio disponible para tratar de corregir el paisaje de mentiras que nos abrume. Tenemos que crear pequeños cracks en el sistema. Gracias a Faena, primero en Miami, ahora en mi querida Buenos Aires, “A Logo for America” sigue vivo e insiste sobre el verdadero sentido de la palabra América. Somos todos Americanos”, comenta el artista Alfredo Jaar. 
 
"Faena Festival revisa a América como un concepto más que como un lugar, una idea controvertida y poderosa que es más grande que las aguas y las fronteras que la enmarcan", señaló Zoe Lukov, organizadora del Festival y curadora de Faena Art. “Los artistas en el Festival han sido invitados a explorar el concepto de América como un mito y una narrativa que a veces nos ha atado y dividido, pero, en última instancia, tiene el tremendo poder de unificarnos. Al ocupar varias zonas intersticiales de la experiencia urbana, las performances e instalaciones site-specific buscan volver a imaginar los espacios transitorios como lugares de refugio, conexión y comunidad que son representativos de lo que es y puede llegar a ser nuestra "América". El festival fue concebido para Miami y Buenos Aires, porque los artistas toman este lugar como una de las ciudades emblemáticas de las Américas, puerta de entrada y santuario de la región”.  

Más información en: https://faenafestival.com/home-ba

5 de abril de 2019

Muestra de Esencialismo en el Centro Cultural Borges


El viernes 5 de abril a las 19 hs. se inaugura en el Centro Cultural Borges la muestra “Esencialismo Configuración en el siglo XXI”, representativa selección de pinturas de ese movimiento artístico, que desde su nacimiento, en 1986, ha ido formando creadores cuyas obras enriquecen al arte argentino y proyectan su influencia al exterior. 
 
La exposición, curada por Graciela Distéfano, está integrada por cincuenta y ocho pinturas que muestran una actitud lúdica. Se exhiben óleos, acrílicos, técnicas mixtas realizadas en variados soportes. Un despliegue original de montaje convierte a la obras en protagonistas de una atractiva instalación y crean un ámbito que invitan al espectador a una participación activa. 
 
Se desarrollará en dos montajes. El primero, del 5 al 28 de abril; y el segundo, del 2 al 26 de mayo en las Salas 32 y 33 del Centro Cultural Borges.
 
Helena Distéfano
El movimiento Esencialismo fue fundado por Heriberto Zorrilla y Helena Distéfano, artistas y maestros que comparten su pasión por el arte y sus vidas. Realizó su exposición fundacional en 1986 en el Centro Cultural San Martín de Buenos Aires, y posteriormente organizaron muestras en importantes ciudades del Interior, en Chile, España, Francia, México y los Estados Unidos.  
 
En palabras de la curadora, “el movimiento Esencialismo asume actualmente una representación genuina de la Configuración en el siglo XXI a través de un protagonismo instalado como resultado de una labor obstinada, consecuente y amplia, tanto en nuestro medio como por su proyección en el exterior”.
 
Por su parte Heriberto Zorrilla y Helena Distéfano expresan que “Esencialismo en el arte no es el resultado de la aplicación de normas o reglas que dirigen el trabajo; no es tampoco un ready made psicológico; es el resultado de una experiencia artística vivida con intensidad y su tiempo de realización, un terreno de siembra”.
Y agregan: “Esta muestra quiere ser un testimonio respecto de la coincidente actitud de sus participantes en cuanto al enfoque ante el arte, y una manifestación de la modulación personal de cada uno, que valoriza una diversidad enriquecedora.”
 
Heriberto Zorrilla
Expositores
Montaje 1: del 4 al 28 de abril de 2019
Artistas participantes:María Cristina Álvarez; Alejandra Asorey; Carola Bais; Norma Barrientos; Patricia Bathory; Mónica Bellini; Liliana Belvis; Ana Bernardi; María Elisa Bransboin; Ana María Caccin; Claudia Camjalli; Maite Corona; Marta Cruz; Gisella de Prinzio; Helena Distéfano; Juan Echeverría; Nicolás Federici; Mónica Fernández; Sandra Fernández; Gisela Floridi; Graciela Galvez Broz; Liliana Gavotti; Fernando Gastron; Emilia Ghirardi; Alicia Grippi; Alma Grondona; Silvia Hilerowicz; Alicia Imas; Perla Kot.

Montaje II: del 2 al 26 de mayo de 2019
Artistas participantes: Ana Lallana; Susana Lepori; Mabel Lombardo; Marta López Segura;  Silvina Marcus; Mónica Medina; Graciela Menarvino; Marisa Menarvino; Romina Mont; Marisa Montes Eire; Norma Novello; Olga Noya; Mariana Olivo; Liliana Parrilla; Graciela Pellegrino; Jorge Perales; Deborah Probe; Griselda Romano; María Del Carmen Romero; Norma Ruiz; Marian Scloccoo; Pablo Scuzzarello; Mirta Svampa; Graciela Turco; Marcela Vicente; Graciela Yerien; Heriberto Zorrilla.

4 de abril de 2019

MALBA inaugura "Proyecto Yungas"


En abril, Malba presenta la primera exposición colectiva de proyecto Yungas Arte Contemporáneo, una plataforma que propone una experiencia alternativa de entrenamiento, producción y pensamiento para artistas visuales en formación, además de activos gestores culturales en diferentes provincias de nuestro país.

Proyecto Yungas surge por la motivación de desarrollar y profesionalizar la escena artística argentina, promoviendo el diálogo y la experimentación. Apuesta por la federalización del arte y la cultura estimulando la producción y circulación de artistas del interior del país y promueve la generación de nuevos coleccionismos locales, que apuntan a la ampliación del campo de las artes visuales contemporáneas.

Se trata de un proyecto conjunto de Raúl Flores y Piero Sogno, que se desarrolla actualmente en Yungas Haus, una casona de estilo florentino en Villa Nougués, Tucumán. Erigida en la primera década del siglo XX, es una construcción notable del patrimonio cultural tucumano, inmersa en una tupida vegetación, típica de la selva de yungas, a 1350 metros de altura.

La exhibición en Malba es la primera del proyecto en Buenos Aires y permitirá conocer la producción de seis becarios, que trabajan en diferentes soportes y técnicas como pintura, escultura, instalación, videoarte y performance, además de sus redes de colaboración con otros artistas de Yungas e iniciativas culturales de sus provincias.

Artistas: Noelia Correa (Córdoba, 1984), Alfredo Dufour (San Juan, 1989), Benjamín Felice: (Tucumán 1990), Maia Navas (Corrientes, 1986), Sofía Noble (Tucumán, 1978), Damián Santa Cruz (Capital Federal 1984. Vive y trabaja en Córdoba). Curador: Raúl Flores. 

La muestra se puede visitar hasta el 2 de junio de 2019, en la sala 1 del nivel -1 del MALBA, Av. Figueroa Alcorta 3415, Buenos Aires, Argentina.