5 de abril de 2021

El MNBA agrega a la reapertura de las salas del primer piso, tres muestras temporarias para disfrutar del arte argentino

 
 Presentación de las muestras con la presencia del director del MNBA Andrés Duprat, el presidente de la Asociación de amigos del museo Julio  Cesar 
Crivelli y las curadoras Carolina Jozami  y Georgina Gluzman
 
Ya se pueden visitar en el Museo Nacional de Bellas Artes las exhibiciones temporarias “El canon accidental. Mujeres artistas en Argentina (1890-1950)”, con obras inéditas de creadoras marginadas de la historia del arte; “Ferrari infinito”, una selección de piezas gráficas de León Ferrari de las décadas de 1970 y 1980; y “Pandemia”, la última creación de Marta Minujín, realizada durante el período del aislamiento.


Además, reabrieron las salas del primer piso del museo, que albergan la colección permanente dedicada a artistas argentinos e internacionales del siglo XX. De esta manera, junto con las salas de la planta baja ya habilitadas, se completa el recorrido por todo el edificio.

 "Pandemia" de Marta Minujín, 2020-21. Tiras de lienzo pintado y proyección sobre tela

Pandemia” es la producción que Marta Minujín emprendió en mayo de 2020. Para realizarla, la artista aplicó miles de tiras con pequeños cuadrados en blanco, negro y siete tonos de gris sobre una tela que supera los dos metros de alto y de ancho. A su vez, cada fragmento también proviene de un proceso minucioso, en el que Marta pintó pequeñas telas constituidas por líneas paralelas negras, blancas y grises. Más tarde, las cortó transversalmente en finas tiras que generan una trama de cuadraditos de no más de 2 o 3 milímetros de lado, que luego fue colocando en el gran bastidor.

 Reverso del bastidor de "Pandemia" intervenido por Marta Minujín

La obra se completa con la proyección sobre el bastidor de una imagen de la misma trama. Como complemento y contexto, se exhibe un registro audiovisual sobre la realización de la obra y contenidos en video que Minujín compartió en sus redes sociales durante el proceso.
La artista comentó: “Espero que todos puedan ver y disfrutar una obra que solamente pude haber hecho en tiempos de pandemia, porque era un año de aislamiento, y la única energía que podía recuperar en ese aislamiento era hacer esta obra. Entonces, pensé que era una obra para todos, porque todos vivimos lo mismo. Esos puntos blancos y negros simbolizan a todos nosotros, y cómo el mundo cambió”.
La obra podrá verse en el hall de entrada del MNBA hasta el 27 de junio de 2021. 

 "Ferrari infinito"

“Ferrari infinito” se presenta en el marco de las actividades que el Bellas Artes realiza por el centenario de nacimiento de León Ferrari. Con curaduría de Carolina Jozami, la exposición presenta producciones de las décadas del 70 y 80, que dan cuenta de la experimentación del artista con diversas técnicas gráficas, como la litografía, la xerografía, el aguafuerte y el arte postal.  
En referencia a la muestra sobre Ferrari, Duprat precisó que todas las obras exhibidas fueron donadas al Bellas Artes por la Fundación Augusto y León Ferrari Arte y Acervo (FALFAA). “León Ferrari había hecho una donación importante a nuestro Museo en 2004, y ahora la Fundación repite el gesto, así que estamos muy contentos. Como estas obras pertenecen a todos los argentinos, nos da mucho placer que el público pueda conocerlas”.

"Ferrari infinito"







 

Las piezas exhibidas, mas de un centenar, dan cuenta de los temas recurrentes a lo largo de la trayectoria de Ferrari -la existencia urbana; la estrategia, la lógica y el pensamiento desde tableros de ajedrez y laberintos; el lenguaje y las estructuras de la comunicación; y la civilización occidental y cristiana-, que desarrolló a partir de su experimentación con la línea, la escritura y la abstracción, y empleando diversas técnicas: la litografía, la xerografía, el aguafuerte y el arte postal, entre otras.
Jozami señala que Ferrari, en su afán por democratizar el arte, no dudó a la hora de numerar al infinito varias de sus series de grabados. “Este gesto, además de marcar una distancia respecto de la lógica mercantil de la obra de arte, reflejó la voluntad y el accionar inquebrantable de un artista comprometido con su época, pero fundamentalmente con comunicar y transmitir al infinito la idea de un mundo más justo”, afirma la curadora.
“Ferrari infinito” podrá visitarse en la sala 33 del primer piso del museo hasta el 27 de junio.

Eugenia Belin Sarmiento. Rettato de María Amelia Sánchez, 1891, óleo sobre tela. Colección Fabiana Bareda - Archivo Rosa Faccaro, arte argentino contemporáneo

Con curaduría de Georgina Gluzman, “El canon accidental” reúne en las salas 37 a 40 más de 80 obras realizadas por 44 artistas, con la intención de cuestionar los relatos establecidos en la historia del arte en nuestro país y recuperar la figura de estas creadoras, muchas de ellas ignoradas o desconocidas.
Integrada por obras del acervo del Bellas Artes, museos provinciales y municipales y colecciones particulares, esta muestra –inédita en la historia del Museo– permite apreciar pinturas, dibujos, grabados, fotografías y esculturas de artistas que, en algunos casos, serán exhibidas por primera vez.
 
Ludmila Feodorovna. Mar del Plata, s/f, óleo sobre tela. Colección MNBA

La nómina completa de creadoras participantes está integrada por Graham Allardice de Witt, Carolina Álvarez Prado, Hermi Baglietto, Eugenia Belin Sarmiento, Hortensia Berdier, Emilia Bertolé, Paulina Blinder, Gertrudis Chale, Lía Correa Morales, Josefa Díaz y Clucellas, Ludmila Feodorovna, Raquel Forner, Consuelo Remedios González, Annemarie Heinrich, María de las Mercedes Lacoste, Mariette Lydis, Cecilia Marcovich, Léonie Matthis, Andrée Moch, Ana María Moncalvo, Eloísa Graciana Morás, Laura Mulhall Girondo, María Obligado, María Catalina, Otero Lamas, Anita Payró, Hildara Pérez, Clelia Pissarro, María Carmen Portela, Sofía Posadas, Kettie Ross-Broglia, Hemilce Saforcada, Clorinda Sanna, Rosalía Soneira, Carlota Stein, Leonor Terry, Dora de la Torre, Aída Vaisman, Antonia Ventura y Verazzi, Ángela Adela Vezzetti, Elba Villafañe, María Washington, Ana Weiss, Julia Wernicke y Bibí Zogbé.

 
Ana Weiss. La abuelita, 1939, óleo sobre tela. Colección MNBA

El director del Museo sostuvo: “Es una muestra extraordinaria, producto de una investigación rigurosa sobre el rol de las mujeres artistas a fines del siglo XIX y hasta mitad del siglo XX, que mira con ojos críticos la historia del arte argentino y la propia historia del Museo. La mitad de las obras exhibidas pertenecen a nuestro acervo. Algunas ya se han mostrado, pero otras se verán por primera vez, y ese fue el trabajo de la curadora: sacar a la luz artistas y obras que fueron soslayadas por una mirada absolutamente masculina de la historia del arte”.

Por su parte, Gluzman contó que se trata de una exposición que empezó a soñar hace muchos años junto con la directora artística del Bellas Artes, Mariana Marchesi, y la investigadora Laura Malosetti Costa. “Presenta una historia posible del arte argentino, contada desde los márgenes. Siempre las historias se escriben desde el presente, nuestro presente nos reclama visiones diferenciadas e inclusivas, que pongan en cuestión ciertos dogmas, y la exposición juega con eso: finalmente, lo que aceptamos como canónico podría haber sido de otra manera, podría haber sido un accidente”, explicó.
 
 Jertrudis Chale. Indias, 1946, tinta y aguada sobre papel. Colección MNBA
 
“El canon accidental” se organiza en tres núcleos.

“En el centro de los géneros” presentará una serie de retratos, desnudos y naturalezas muertas creadas desde fines del siglo XIX por María Obligado, Eugenia Belin Sarmiento, Julia Wernicke, Ana Weiss, Hortensia Berdier y Sofía Posadas, entre otras.
El segundo núcleo, “En el centro de la consagración”, refiere a los cambios suscitados a partir de 1911, año de realización del primer Salón Nacional, y en las dos décadas posteriores. Fue entonces cuando un conjunto de mujeres -como Lía Correa Morales, Emilia Bertolé, Léonie Matthis, Paulina Blinder, Leonor Terry y María Washington- alcanzó un nivel de visibilidad y un reconocimiento inusitados.
 
Raquel Forner. Retablo del dolor, 1942, óleo sobre tela. Colección MNBA

El tercer núcleo, “En el centro de nuevas direcciones”, da cuenta de la historia de las artistas a partir de la década de 1930, cuando comenzaron a abordar la representación femenina en desnudos renovadores y en retratos modernos que contribuyeron a la formulación visual de la mujer nueva. Este conjunto incluirá piezas de Raquel Forner, Mariette Lydis, Annemarie Heinrich, Consuelo González, Cecilia Marcovich, Laura Mulhall Girondo, Carlota Stein y Gertrudis Chale, entre otras.

 
Solfía Posadas. El último sueño del General San Martín, 1900, óleo sobre tela, Colección MNBA
 
El Museo Nacional de Bellas Artes se puede visitarse de jueves a domingo de 12 a 19 hs. con entrada gratuita. Para reservar turnos y conocer el protocolo sanitario vigente, hay que ingresar a: www.bellasartes.gob.ar.



3 de abril de 2021

Proyecto Bios: primer evento online de Biotecnología, BioArte y ciencia en Argentina

 
Proyecto Bios: un espacio virtual alojado en el Centro Cultural de la Ciencia de Buenos Aires y una agenda de contenidos mixta, que se desarrollará del 5 al 9 de abril de 15 a 20 hs.

Proyecto Bios pretende conformar un círculo virtuoso entre el Arte, la Academia y la Ciencia para acompañar, difundir y divulgar los avances de la Biotecnología en el país, visibilizar y potenciar los trabajos de los artistas de BioArte y servir de fuente de información de la propuesta nacional de la Academia en las distintas especialidades de la Biotecnología.

Proyecto Bios se presenta como una oportunidad para que se conformen grupos de investigación artísticos de esta nueva especialidad del Arte Contemporáneo, cruzando la tecnología de las empresas, el conocimiento de la academia y la creatividad y libertad de los artistas para abordar las preguntas que esta década nos presentará.

Participan 25 artistas y teóricos referentes, 15 empresas de Biotecnología, 5 organizaciones de la temática y 16 Universidades de todo el país. Está conformado por:

  Biósferas de Joaquín Fargas

 
1. Un sitio web que contiene cinco áreas:
a. Panorama del Bioarte en Argentina: información de artistas, su trayectoria y sus obras. Varios artistas presentarán obras desarrolladas durante la pandemia, algunas de ellas interactivas.
b. Estado del arte de la Biotecnología en Argentina, indicando cuáles son las áreas de actividad y las investigaciones que se están realizando en la temática.
c. Mapa de la Academia en Biotecnología: qué Universidades están proponiendo carreras de Biotecnología y cuáles son sus especializaciones.
d. Acerca del BioArte: un espacio de información sobre esta vanguardia del arte y una línea de tiempo con sus principales hitos.
e. Bio zen: un espacio de introspección y exploración sensorial.

 Huerta Helicoide de Jorgelina Herrera Pons. Bienal Kosice II

 
2. Una Agenda de Contenidos del lunes 5 al viernes 9 de abril de 15 a 20 hs:
a. Conversatorios y charlas de empresas de Biotecnología y Universidades de todo el país abordando los avances en las distintas áreas de actividad y las propuestas del futuro que se viene.
b. Conversatorios de artistas categorizados en distintas especialidades del BioArte: Biorobótica, Biomateriales, AgarArt, Modelado Molecular, Biosensado y Biosonificación
c. Perfomances de arte microscópico y construcción de una bio-obra multimedia colectiva
d. Presentación de proyectos en plataforma interactiva en internet (Mozilla Hub) (vacantes limitadas).
e. Inauguración virtual de la muestra de BioArte en plataforma interactiva en internet Likelike, libre, gratuita, con avatar individual, el lunes 5/4 a las 19 hs.

Todas las actividades son libres y gratuitas y tomarán lugar en: http://proyectobios.com. Para más información, escribir a: info@proyectobios.com.

16 de marzo de 2021

"Los Mareados" en Fundación Cazadores

 

Leo Damonte, Cecilia Méndez Casariego, Mariana López y Sergio Bazán durante la presentación de la muestra
 

Leo Damonte, Mariana López y Cecilia Méndez Casariego exponen "Los Mareados" en la sala Imán de la Fundación Cazadores, una muestra curada por Sergio Bazán que alude, según palabras del curador, a "los artistas metidos en su obra, a aquellos que se concentran y desconcentran, los que sienten el vértigo y que se marean”. Y enseguida concluye: “Los tres artistas presentados en esta muestra son personas que se plantearon hacer una obra enloquecedora: estas ahí y al rato sentís que algo te está pasando”.

 

Leo Damonte

Nacido en Mercedes, provincia de Buenos Aires en 1978, Leo Damonte es profesor superior en artes visuales. Participa en muestras colectivas desde 2004. En el año 2007 realizó suprimera exposición individual en la galería Sicart en Barcelona, España. Al año siguiente, en 2008, recibió el Primer Premio Adquisición de la Bienal de Arte de Bahía Blanca. En 2009, obtuvo el Tercer Premio en el 98° Salón Nacional de Artes Visuales Nuevos soportes e instalaciones En 2013 ganó el premio Braque a las Artes Visuales en el Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (MUNTREF). Fue distinguido con importantes becas de capacitación y perfeccionamiento, durante 2005 participó de la Beca Nacional para talleres del FNA y del seminario Proyectos de arte del Centro Cultural Rojas. En 2006 gana la Beca de Intercambio y Cooperación de la Secretaria de Cultura de la Nación. Fue seleccionado para participar en Intercampos III de Fundación Telefónica. Participó en 2008 de la Beca LIPAC organizado por el Centro Cultural Rojas y la UBA; participó del programa Tec en arte III de Fundación Telefónica. En 2011 gana la Beca Nacional de Creación del FNA. Durante el segundo semestre de 2013 realiza la Beca de perfeccionamiento en la Cité lnternationale des Arts. París. En 2017 fue seleccionadopara participar en la Beca Sala Taller del EAC en Montevideo Uruguay. Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas.

 

Mariana López

Mariana López nació en Buenos Aires en 1981. En 2002 obtuvo una beca de Fundación Antorchas para estudiar con Sergio Bazán. Participó de la residencia Skowhegan School of Painting and Scultur en Maine, EE.UU en 2006. En 2010 participó de la Beca Kuitca en la Universidad Torcuato Di Tella. En 2016 fue beneficiaria del programa Plataforma Futuro del Ministerio de Cultura de la Nación para realizar una investigación sobre el Museo de Ciencias Naturales de La Plata. Obtuvo la Beca Creación del FNA en 2018. 

Principales muestras individuales: Frontera, Galería Mite, 2019. Mar de Solís, Munar Arte, 2018; Sala de secado, Espacio Kamm, 2015; El vuelo de la remera blanca, Schlifka Molina, 2013, entre otras. 

 

Cecilia Méndez Casariego

Cecilia Méndez Casariego nació en Buenos Aires en 1980. Es artista visual y docente. Estudio en la Escuela de Bellas Artes “Manuel Belgrano” donde obtuvo el título de maestro nacional de dibujo (2002) y profesora en artes visuales (2005). Asistió al taller de dibujo con Marcia Schvartz en la Escuela de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. Realizó clínica de obra con Sergio Bazán y Silvia Gurfein. En el 2013 es seleccionada para participar en la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires. En el 2017, participa De la IV Jornada de Performance, Investigación de Antropología del cuerpo en el Centro Cultural Paco Urondo, U.B.A. Participa en diferentes muestras individuales y grupales siendo las más destacadas: “Acto”, Galería Elsi del Río (2019); “Tu recuperación”, Fundación Osde(2018); “Mirada blanca”, Taller Citroen, La Gran Paternal 03 (2018); “Los infantes en el paraíso”,Centro Cultural Recoleta (2015); “Diámetro y Caída”, Galería Schlifka Molina (2014); Bienal de Arte Joven, Ciudad Cultural Konex (2013); Mito Arte Contemporáneo, Uruguay (2012); “Las Octavas”, Fábrica Perú (2011); “Verano”, Galería Jardín Luminoso (2009); Arte Ba 08, Galería Jardín Luminoso (2008); “Erótica”, Galería Appetite (2009); “Desnudos en la Cárcova” Escuela Ernesto dela Cárcova (2007); “La voz del erizo”, Ciclo de arte y poesía, Goethe Institute (2006). Vive y trabaja en Buenos Aires.

 

Leo Damonte. “Dispositivo de dialogo 1. Figuraciones contradictorias en tres ficciones y algunas variables”, 2020/2021

La licenciada María Carolina Baulo escribió el siguiente texto para esta exposición:
“Situación incierta si las hay, el estar mareados nos remite a una pérdida del registro exacto del espacio que habitamos. Como si todo se convirtiera en una enorme masa giratoria en torno a nuestro cuerpo, aturdidos y sin equilibrio, nos entregamos a una posible caída libre sin amortiguación. Es quizás esta una interesante metáfora para aproximarnos mínimamente a la experiencia creativa del artista cuando reflexiona y acciona sobre su obra. «Los Mareados», según el curador de la muestra Sergio Bazan, alude a "los artistas metidos en su obra, aquellos que se concentran y desconcentran, los que sienten el vértigo y que se marean. Los tres artistas presentados en esta muestra son personas que se plantearon hacer una obra enloquecedora: estas ahí y al rato sentís que algo te está pasando". Y viniendo de un artista cuyo hacer en el campo del arte define una trayectoria prestigiosa tanto en la producción de una obra con carácter e impronta propia así como también en su rol de formador y guía de otros artistas, aplicando siempre una mirada aguda y perspicaz, las palabras de Bazan llevan al espectador a querer penetrar en ese espacio que promete hacerle vivir una experiencia estética desestabilizante, a llevarlo a navegar por aguas turbulentas, a recorrer caminos laberínticos, caer en remolinos espiralados y prestarse a juegos ópticos para fundirse en el espacio habitado por esas obras «enloquecedoras» las cuales, como mínimo, brindan un paisaje superador de la realidad inmediata.
 

 Cecilia Méndez Casariego. “Tu bien te salvará”, 2020/21, instalación

 

«Los Mareados» está conformada por una trilogía de artistas que componen, cada uno de ellos, un movimiento único dentro de una sinfonía donde deben coexistir las particularidades para sonar al unísono como un todo coherente. Materia y espacio son conceptos centrales en las búsquedas de los artistas, ejes constructivos de un relato complejo donde desde el volumen, la luz, el color, las texturas e impacto espacial general de las instalaciones, las esculturas, y lo bidimensional de las telas trabajadas con óleo, el espectador se acerca a universos heterogéneos desde lo estético y lo conceptual pero que sin embargo, logran integrarse escoltados por un criterio curatorial que logra destacar los vínculos latentes e invisibles a la mirada a vuelo de pájaro, demandando atención y reflexiones extraordinarias frente a un conjunto de trabajos que desafían las lecturas comunes.”


Para visitar la muestra concertar cita por instagram @fundacioncazadores.

 

11 de marzo de 2021

La galería Calvaresi presenta "Meteora" de Fabián Bercic


A partir del jueves 11 de marzo 17 a 20 hs. se puede ver en la galería Calvaresi, una exposición del reconocido artista plástico Fabián Bercic. La muestra, denominada "Meteora", reúne esculturas geométricas de gran tamaño, cascos de armaduras que representan tocados femeninos neoclásicos y fotografías de paisajes nevados, todas obras realizadas entre el 2017 y el 2021.

Fabián Bercic, es un artista de gran proyección internacional. Obtuvo el Primer Premio de Escultura en año 2017 en el Salón Nacional de Artes Visuales, formó parte de la Beca Kuitca en 2004/2005, expuso en el Centro Cultural Recoleta, en Ignacio Liprandi Arte Contemporáneo, en el Palais de Glace , en la Fundación Federico Klemm, PROA y en museos y galerías del exterior como el Blanton Museum of Arts, Austin,EEUU, MAD Museum of Arts and Design, New York, EEUU y Museo Amparo, Puebla, México. Nació en 1969, en la provincia de Buenos Aires y estudió diseño gráfico en la UBA. 

Natalia Ortíz Maldonado en el texto curatorial que escribió especialmente para la muestra precisa: “Hay cascos de guerreras, naves espaciales, un bosque nevado, materiales densos ligeros ásperos suaves, formas agudas curvas precisas, hay una cyborg llegando, una danza imposible, hay fotos, hay un mediometraje que aún no ha sido, un lenguaje insuficiente. Rastros del futuro”. Y continúa describiendo al artista de esta manera: “Hay un geólogo de sueños y pesadillas colectivas, un orfebre disciplinado, un humilde perseguidor de huellas, un monje que se vacía para que el mundo advenga. Finalmente concluye que “Meteora no es una idea sino un presagio, un relato fragmentario de futuros posibles que se obtiene a partir de señales que se han visto o de intuiciones y sensaciones certeras”. 

13 de enero de 2021

El MALBA anuncia las actividades en el último mes de la exposición "Remedios Varo. Contelaciones"

En el último mes de la exposición en el museo, habrán recorridos virtuales, una conferencia a cargo de Graciela Speranza sobre el surrealismo en la ficción y el arte latinoamericano, y un taller que propone un viaje por el visionario mundo de la artista. 

"Simpatía" (La rabia del gato), 1955

El próximo 15 de febrero cierra la exposición antológica de Remedios Varo (Anglès, Girona, 1908 - Ciudad de México, 1963), figura central del surrealismo y del arte fantástico latinoamericano y referente ineludible de la escena mexicana de mediados del siglo XX, que nucleó a un extraordinario grupo de artistas e intelectuales exiliados. 

Organizada en colaboración con el Museo de Arte Moderno de México - INBAL, la exposición da cuenta de su producción más relevante y es la primera dedicada a la artista realizada en Argentina. En su mayoría las piezas provienen de la donación de Walter Gruen (última pareja de la artista) y su esposa Anna Alexandra Varsoviano al acervo del MAM en 2002, 2003 y 2018, y de diversas colecciones públicas y privadas de México, Estados Unidos y Argentina. El conjunto ha sido declarado “monumento artístico de México” en 2001, expresión que supone su consideración no solo en cuanto objeto de valor estético, sino también histórico. 

La exposición plantea un recorte temporal que va de 1938 a 1963 y se centra especialmente en las obras realizadas durante el exilio de la artista en México, a partir de 1942. Se exhiben apróximadamnete 35 pinturas, 11 dibujos y 60 bocetos. Se incluye también un nutrido cuerpo de documentación de su archivo personal: cuadernos de notas, dibujos, cuentos fantásticos y otros escritos; correspondencia con otros artistas e intelectuales de la época, además de fotografías y objetos personales que revelan rasgos de la personalidad de la autora. 

La exposición puede visitarse todos los días de 12 a 20 hs. Martes cerrado.
Las entradas pueden comprarse de forma online en la web del museo y en las boleterías, sujeto al cupo disponible por hora. 

+ info: https://malba.org.ar/evento/remedios-varo-constelaciones/ 


Fundación OSDE presenta la exposición "A través del cristal. Paisaje. Colección Fundación OSDE"

 
 Sombra en un Cerrito, 2006
Fotografía, toma directa
 
Desde el año 2004 y de manera sostenida, la Fundación OSDE estuvo presente en el campo del arte y de la comunidad artística. Inicialmente a través del Premio Argentino de Artes Visuales -del cual se nutre, fundamentalmente, la Colección de obras de la Fundación- y desde 2006 con las exposiciones realizadas en las salas del Espacio de Arte, a las que se sumaron luego las de otros Espacios en varias de las filiales del país.

El Espacio de Arte que comenzó con su programación en abril del 2006 en la calle Suipacha y hoy ocupa la esquina de Arroyo y Esmeralda, se propuso desde su apertura como un centro de reflexión sobre la historia del arte argentino y el arte contemporáneo y, a la vez, como un espacio de visibilidad para la producción de los artistas de nuestro país. En 2021 se cumplen 15 años y es una oportunidad para conmemorar y prepararse para una nueva etapa.
 
 Caraguatá (detalle), de la serie "Guardianas del monte", 2016
Acero inoxidable y madera
 
Para comenzar con los festejos el espacio de arte de Fundación OSDE presenta la primera exposición del ciclo “A través del cristal”, una serie de muestras que podrán visualizarse desde el exterior de la sala en la esquina de Arroyo y Esmeralda.
Por el momento, por tratarse de una empresa de salud, OSDE decidió no reactivar las actividades presenciales de su Fundación: "Sabemos que estamos atravesando un momento muy particular. La pandemia nos enfrentó a todos a incertidumbres e interrogantes. Este nuevo escenario suma desafíos, entre ellos, repensar de qué manera mostrar aquello que hagamos".
Así, desde un frente absolutamente vidriado que permite ver toda una exposición se amplía la idea del cristal: el vidrio como límite entre el espacio interno y la calle, y el cristal líquido de los dispositivos electrónicos, a través de los cuales se podrán visualizar actualizaciones de contenidos virtuales durante el período que dure la muestra.
 
 Silencio en la noche, 2005
Óleo sobre tela 
 
La selección de obras, para esta primera exhibición, gira alrededor de la idea de paisaje. Paisajes rurales y urbanos de Adriana Bustos, Valeria Gericke, Fabián Giménez, Nicolás Martella, Beatriz Moreiro, Christian Prunello, Mariano Sapia, Elisa Strada y Juan Andrés Videla, pertenecientes a la colección de la Fundación OSDE, que nos invitan a reflexionar sobre el trabajo rural, la crisis económica, la agresión a la naturaleza, y el ritmo acelerado de la urbe. Pero, a su vez, desde este presente, adquieren otra significación. En palabras de la curadora Micaela Bianco: “Durante muchos meses nuestras ventanas y pantallas encerraron una porción de paisaje para cada uno de nosotros, un espacio despoblado, donde el tiempo pareciera haberse detenido. Y anhelamos los paisajes rurales y las aglomeraciones de tránsito, el trabajo, la vida social, poder acercarnos. Mientras tanto, a través de los cristales, contemplamos los paisajes, con la necesidad de volver a ser parte de ellos.”

15 de diciembre de 2020

Fundación Santander Argentina presenta la obra “Escalera Horizontal” del artista Leandro Erlich


“Escalera Horizontal,” del artista Leandro Erlich, es una instalación de sitio específico adquirida por Santander Argentina, para ser exhibida de forma permanente en la Fundación Santander.

El punto de partida del proyecto es la escalera helicoidal negra que comunica el Paseo de las Artes de la Fundación con su terraza. Durante la primera visita del artista al espacio, la sala vidriada y de suelo espejado estaba totalmente vacía y la silueta arquitectónica negra parecía una escultura flotante.

Las escaleras son de un interés especial para Erlich, que ya ha trabajado con ellas en otras oportunidades, como en Window and Ladder (2008) y Staircase (2005), entre otras obras de su autoría. Lo que despierta su curiosidad por este elemento arquitectónico que permite el tránsito, el ascenso y el descenso y, en definitiva, la circulación entre un espacio y otro, es su carácter escultórico en el cual la idea de movimiento ya está implícita.
 
"Escalera horizontal" es una respuesta irónica a la idea de ascender o descender porque no sube ni baja. Su instalación motorizada tiene el poder de cambiar nuestra perspectiva de la realidad. La escalera horizontal, el artefacto arquitectónico alterado, genera en el que la mira una extrañeza capaz de despertarlo del piloto automático, devolverle la capacidad crítica y habilitar el espacio a la duda.
  

De esta manera, el espacio de arte y cultura de Santander cierra 2020, un año repleto de desafíos, con la culminación de un proyecto de gran magnitud. Así, reafirma su compromiso con la promoción y la difusión de la cultura, creando alianzas, apoyando talentos locales y presentando iniciativas para seguir acercando la cultura, incluso durante la pandemia por COVID-19.


La Escalera Horizontal simboliza valores que queremos promover en Santander: una organización horizontal, ágil y dinámica. Está en línea con la transformación cultural que queremos desarrollar en nuestra institución”, expresó Guillermo Tempesta Leeds, vicepresidente de Fundación Santander Argentina.

La presentación de la obra para el público en general se hará por medio de una transmisión en vivo el  miércoles 16 de diciembre a las 19 horas, por el canal de YouTube de Santander Argentina (link: https://youtu.be/xx9dRr-V3gY).

Durante 2020, Fundación Santander mantuvo su compromiso con acercar la cultura y el arte a las personas a través de la organización y difusión de actividades recreativas virtuales, gratuitas y para todo el país.  
  

Leandro Erlich nació en Argentina en 1973. Vive y trabaja entre Uruguay y Buenos Aires. Desde hace décadas, expone internacionalmente y sus obras figuran en las colecciones permanentes de grandes museos, así como en colecciones privadas a nivel global.
 
Inició su carrera con una muestra a los 18 años en el Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires) y al poco tiempo participó del Core Program, una residencia de artista en Houston, Texas, USA (1998).
En 2000, participó en la Bienal del Whitney Museum y representó a Argentina en la 49th Venice Bienniale (2001) con Swimming Pool, una obra que hoy forma parte de las colecciones permanentes del 21st Century Museum of Art of Kanazawa (Japón) y del Voorlinden Museum (Países Bajos).
 
Sus obras públicas incluyen La Democracia del Símbolo, una intervención conjunta en el monumento del Obelisco y el MALBA que conmovió la ciudad de Buenos Aires en 2015; Maison Fond, obra permanente, que conmemoró la Conferencia Climática de la ONU en Paris (2015).
 
Ha recibido numerosos premios, entre ellos: el Roy Neuberger Exhibition Award (Nueva York, 2017), la nominación al Prix Marcel Duchamp (Paris, 2006), el UNESCO Award (Estambul, 2001), El Premio Leonardo (Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, 2000), el Fondo Nacional de las Artes (Buenos Aires, 1992).
 
Leandro Erlich y Guillermo Tempesta

La Fundación Santander Argentina abrió sus puertas en julio de 2019 para reafirmar el compromiso del banco Santander con la cultura, el arte y la educación del país.

 
Desde la intersección de las avenidas Juan de Garay y Paseo Colón, en el denominado Distrito de las Artes de la ciudad de Buenos Aires, el objetivo de la Fundación es contribuir al desarrollo y la difusión de la cultura, con especial foco en la promoción del arte contemporáneo. Acompañando al programa anual de exposiciones, se desarrollan visitas educativas, charlas, seminarios y talleres de formación artística.
 
Además, la Fundación Santander Argentina difunde y brinda apoyo al coleccionismo y a la producción artística a través de distintas iniciativas en conjunto con el Banco y/u otras instituciones culturales.

 

19 de noviembre de 2020

"Stoppani - Legavre. de Paris a Buenos Aires" en el Museo de Arte Contemporáneo de La Boca


Museo de Arte Contemporáneo de La Boca y la Fundación Tres Pinos tienen el honor de recibir la exposición de los emblemáticos artistas Juan Stoppani y Jean Yves Legavre.
Para celebrar su destacada trayectoria, entre París y Buenos Aires, presentamos una serie de obras que atraviesan más de cincuenta años de historia y que se caracterizan por un despliegue creativo singular.


Tras recibirse como arquitecto en 1962, Juan Stoppani se dedica a la escultura y a la escenografía, protagonizando junto a otros artistas la renovación vanguardista del arte argentino vinculada al Instituto Di Tella. Unos años más tarde, decide cruzar el océano y aterriza en Francia, donde encuentra la libertad para producir en medio de un ambiente efervescente. En 1970, cuando Alfredo Arias lo invita a crear el vestuario de la obra Eva Perón de Copi, conoce a Jean Yves Legavre. Más allá del teatro y del arte, el joven parisino que le abre la puerta de la casa de Copi es la razón por la cual Stoppani se queda a vivir por casi cuatro décadas en la capital francesa. Desde entonces Stoppani-Legavre es un nombre compuesto, por su amor, por su complicidad, por su trabajo artístico y su capacidad de acercar a los amigos alrededor de una mesa, en su casa y taller en La Boca.

 "Kitsch"
 
De la misma manera en que vivieron plenamente los años parisinos, en 2007 decidieron reconstruir su vida en Buenos Aires. Encontraron en el barrio de La Boca un lugar para seguir su incesante producción y buscar el silencio entre el gato que duerme tranquilo y la espera de los frutos que maduran en el árbol de su jardín. Entrar en la exposición es como entrar en su casa, es encontrar en los rincones todo el juego, la poesía y la festividad presente en su carrera. Entre cortinas, formas geométricas, pinturas, escenarios, cabezas y astronautas, Juan Stoppani y Jean Yves Legavre reverencian la vida y nos invitan a celebrar con ellos la travesía que hicieron para llegar hasta aquí.
 
"Telón rojo"
 
En una co-producción con MARCO La Boca y Fundación Tres Pinos, los artistas darán materialidad a obras concebidas por Juan Stoppani durante los años de aquella vanguardia argentina, y reconstruyendo especialmente para esta muestra algunas de sus creaciones más impactantes, como el telón realizado como única escenografía para la obra teatral Le Frigo [La heladera] de Copi, estrenada en 1983 en París.

Desde el corazón del Distrito de las Artes, MARCO La Boca propone la reedición y homenaje de highlights fundacionales para el arte pop argentino, en una experiencia que incluirá además material de archivo de los artistas que dan cuenta de la gran trayectoria que han desarrollado en Europa y Argentina, en el arte, la moda y el diseño, creando una poética inconfundible y única.

 
"Una señora de lujo"

Siguiendo el estricto protocolo requerido por las autoridades nacionales, el MArCo de La Boca recibe visitas de miércoles a domingo de 11 a 19 hs, exclusivamente  con turno previo.

El espacio ha sido acondicionado con todos los requisitos de seguridad sanitaria para cuidar la salud de todos. Además requiere que los visitantes colaboren con los cuidados preventivos utilizando barbijo tanto al ingresar como durante el tiempo que permanezcan en el establecimiento.
Respetando las normativas de prevención de COVID-19, los visitantes recorrerán las muestras sin tocar las obras. La entrega de tarjetas, textos de sala y catálogos se reemplazarán por sus versiones digitales. En caso de visitar la tienda, se recomienda el uso de medios de pago electrónicos.


La embajada de Italia presenta la V edición de la "Semana de la Cocina Italiana en el Mundo"

Del 23 al 29 de noviembre, se celebra la quinta edición de la "Semana de la Cocina Italiana en el Mundo" cuyo eje temático será: "Saperi e Sapori delle Terre Italiane, a 200 anni dalla nascita di Pellegrino Artusi" (Saberes y sabores de las tierras italianas, a 200 años del nacimiento de Pellegrino Artusi).

La Semana se inaugura con el webinar: “la enogastronomía italiana entre ciencia e innovación”, el viernes 20 de noviembre a las 18 hs. por el canal de YouTube de la Embajada de Italia, un evento moderado por el reconocido chef y crítico italiano Pietro Sorba, del que participarán el embajador de Italia Giuseppe Manzo, el director del Centro Ítalo-Argentino di Alti Studi, Claudio Zin, el chef Donato De Santis y representantes del mundo académico y del Sistema Italia que debatirán sobre la relación entre la tradición y la innovación en la cocina más famosa del mundo.
 
La cocina es, de hecho, una herramienta formidable para la promoción de Italia: la agroalimentación italiana es, economía y Made in Italy (35 mil millones de euros exportados en el sector alimentario en 2019, que se convierten en 43 mil millones incluidas las exportaciones agrícolas), pero la enograstronomía italiana es también cultura, porque en Italia los platos típicos son siempre producto de la historia y la tradición de los territorios que los expresan; y al mismo tiempo la cocina italiana es tecnología e innovación, debido al contenido tecnológico a menudo muy avanzado de los productos agroalimentarios italianos.
 
También estarán sobre la mesa de la “Semana de la Cocina” temas como la salubridad de la dieta mediterránea, las características organolépticas de los productos italianos y las tradiciones culinarias que la comunidad italiana en Argentina mantiene en el país, la problemática del fenómeno del Italian sounding, aquellos productos que "suenan" italianos, pero se producen en el extranjero, y la internacionalización de la oferta formativa italiana en el sector de la cocina y la hostelería.
 
Las actividades de la "Semana de la Cocina Italiana en el Mundo" previstas en Argentina para este año son numerosas: webinars, videos y acciones de comunicación en las redes sociales, Masterclass de cocina a cargo de los mejores chefs italianos y argentinos en videoconferencia y entrevistas a cinco chefs italianos estrellados serán parte del programa organizado para este año que compromete a todos los actores del Sistema Italia en Argentina: la Embajada de Italia en Buenos Aires, la Agencia Italiana de Promoción del Comercio ICE, el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires, la Agencia de Promoción del Turismo ENIT, la Academia de Cocina Italiana sección Buenos Aires, la Asociación BACI - Buenos Aires Italian Chefs, la escuela de cocina Mausi Sebess.
 
A destacar es el inicio, junto con la Semana de la Cocina, del proyecto "Capacitarse es Empoderarse" desarrollado por la Embajada de Italia y por el Chef Donato De Santis junto con BACI, en colaboración con la ONG Asociar y con el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, que prevé la organización de clases de cocina para producir pasta fresca dirigidas a un grupo de mujeres del Barrio Rodrigo Bueno de la Ciudad de Buenos Aires y a un grupo de capacitadores de la ONG Asociar, que actuarán como agentes multiplicadores del proyecto organizando nuevos cursos de formación en otros barrios del gran Buenos Aires. Colaboran, también la ONG Madero Solidario y la empresa productora de las máquinas de pasta fresca, "Pasta Linda", que donará maquinaria a las mujeres que participen de los cursos.


16 de noviembre de 2020

Más de 130 galerías de arte de todo el país invitan a recorrer PANORAMA - Semana de galerías de arte en Argentina


Del 23 al 29 de noviembre, arteBA Fundación junto con Meridiano, Cámara Argentina de Galerías de Arte, y más de 130 espacios de 18 provincias lanzan PANORAMA - Semana de galerías de arte en Argentina, un evento federal que pone a las artes visuales en el centro de la agenda cultural nacional.



A través de un conjunto de actividades digitales y presenciales, las galerías y proyectos seleccionados para arteBA 2020, UTOPIA 2020, las galerías y espacios agrupados por Meridiano, Cámara Argentina de Galerías de Arte, y por las asociaciones regionales JUNTA -red bonaerense de arte contemporáneo-, FARO -Asociación Civil de Galerías de Arte de Córdoba- y GIRO -Circuito de Galerías de Arte Rosario-, junto a espacios convocados por referentes tendrán la posibilidad de dar a conocer sus exhibiciones y los trabajos de más de 600 artistas. La iniciativa contará con proyectos de arte contemporáneo de Catamarca, Chaco, Chubut, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Córdoba, Corrientes, Entre Ríos, La Pampa, La Rioja, Mendoza, Neuquén, Provincia de Buenos Aires, Río Negro, Salta, San Juan, Santa Fe, Tierra del Fuego y Tucumán.



Para plantear las escenas fueron convocados referentes locales: artistas, curadores, docentes, investigadores, gestores. Agrupados en siete zonas, Laura Valdivieso, Nancy Rojas, Daniela Rodi, Bruno Juliano, Berny Garay Pringles, Germán Bormann, Lucas Mercado, Diego Figueroa, Paula Jaureguiberry, Maria Menegazzo, Leticia Kabusacki y Luz Novillo Corvalán estuvieron a cargo de articular las propuestas. De esta manera, se busca generar intercambio y circulación entre galerías de extensa y breve trayectoria, residencias, colectivos de artistas y programas independientes.



La iniciativa funcionará alrededor de una plataforma web (www.panorama-galerias.com.ar) cuyo lanzamiento será el lunes 23 de noviembre a las 12 hs. Argentina. Desde el sitio los visitantes podrán acceder a las obras expuestas en las galerías y a la información para agendar citas presenciales. También incluirá un calendario con la programación de actividades virtuales y presenciales en distintos puntos del país. Todas las propuestas serán gratuitas y se realizarán estrictamente bajo las normas del protocolo sanitario correspondiente a cada provincia o municipio.



Además, en la semana previa a PANORAMA se lanza un ciclo de charlas virtuales que abordará desde diferentes perspectivas temas tales como coleccionismo y aproximación al arte contemporáneo, sus vínculos con el diseño y la arquitectura, los modelos descentralizados de gestión y la experiencia de adquisición de una primera obra de arte. Entre los disertantes, se encuentran Florencia Battiti, curadora en jefe del Parque de la Memoria, vicepresidente de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (Buenos Aires), Nancy Rojas, curadora, docente y ensayista (Rosario), Lila Siegrist, artista, gestora de políticas públicas y coleccionista (Rosario) en conversación con los coleccionistas Florencia Polimeni (Buenos Aires), Alejandro Londero (Córdoba) y Carlos Stia (Rosario), y Rosario Güiraldes, curadora asistente en The Drawing Center (Nueva York), en conversación con Mariano Clusellas, arquitecto (Buenos Aires).



Por último, se llevará adelante, también desde la plataforma web, Mi Primera Obra, un programa de incentivo para acercar nuevos compradores a través de una selección de obras con precios accesibles. 



PANORAMA - Semana de galerías de arte en Argentina se propone, de esta manera, tejer una red entre galerías, residencias, colectivos de artistas y espacios independientes para visibilizar la producción del sector de las artes visuales, llegar a nuevos públicos, experimentar con nuevos formatos de exhibición, reactivar la escena local y, a la vez, fortalecer los lazos entre los agentes artísticos de nuestro territorio.


13 de noviembre de 2020

El 23 de noviembre de este 2020 ArtexArte-Fundación Alfonso y Luz Castillo cumple veinticinco años

 

Alfonso y Luz Castillo, agosto de 2012

 
ArtexArte abrió sus puertas el 23 de noviembre de 1995, como parte de su natural condición de mecenas, y al haber comprendido la importancia de la apertura de un espacio para la circulación de la producción artística, Alfonso y Luz deciden abrir la galería ArtexArte en el barrio de Belgrano, en la recova emplazada próxima a la Parroquia de la Inmaculada Concepción -“La Redonda”- y cercana al Museo de Arte Español Enrique Larreta y al Museo Histórico Sarmiento. En esta primera sede se exhibían obras provenientes de diversas disciplinas artísticas.

A partir de una iniciativa común entre los espacios culturales cercanos se propone la realización de Belgrano Puertas Abiertas que significó un antecedente de los Gallery Nights y que, actualmente, encuentra una resonancia en el proyecto Lista, el cual pone en relación los diversos lugares de exhibición de Villa Crespo.

Pionera no sólo en la elección de las especialidades a las cuales acompañar, promover y estimular, también lo fue al elegir su ubicación, el barrio de Villa Crespo, hoy convertido en un polo artístico y cultural con vida propia. Allí se consolidó un circuito al que nos enorgullece pertenecer.
Hoy activos virtualmente, apuestan como siempre a la calidad, trabajando en su línea editorial y proyectando actividades para cuando todo pase. 

De manera progresiva, el espacio comienza a consolidar la presencia de la fotografía como medio artístico privilegiado que, con posterioridad, se convertirá en la marca distintiva de su identidad. 


En 2002, ArtexArte se muda a Villa Crespo. De manera visionaria, es la primera en instalarse en una zona que, muchos años después, conformará un circuito relevante para las artes visuales de la ciudad de Buenos Aires con numerosos espacios de exhibición consagrados y emergentes.

En una gran superficie de 1800 metros cuadrados, dispuestos en tres niveles, una sala de video y un auditorio, continúa bajo la denominación Galería ArtexArte, con la representación de un staff estable de artistas. Es en este momento en que emerge la Fundación Alfonso y Luz Castillo, la cual sostiene las actividades de ArtexArte y, de alguna manera, como un gesto que intenta formalizar y estructurar más férreamente la gran labor de apoyo a la producción y circulación artística que venían desplegando los Castillo desde 1995.

ArtexArte, en su reapertura, trae una novedad considerable para el medio artístico de esos años: inaugura una sala dedicada al videoarte en forma permanente y, a su vez, la consolidación de la fotografía como medio privilegiado a la hora de pensar el contenido de las exhibiciones; desde ya, siempre en abierto diálogo con los modos contemporáneos de producción.

En 2008, se introduce una modificación a la hora de concebir su programación anual. A las habituales muestras individuales y colectivas que se desplegaban en un solo nivel, se sumó un proyecto anual temático y colectivo que ocupaba la totalidad de la institución. Es decir, que esta exhibición tenía por objeto expandirse por los tres niveles y la sala de video, modalidad que luego se transformaría en uno de los sellos distintivos de AxA. Este modelo de exhibición dio paso para la instauración de un embrión de lo que luego sería el sello editorial de ArtexArte: la edición de libros-catálogo que expandían las posibilidades de estas muestras, las cuales contaban con un ensayo monográfico a cargo de su curador y una abundante documentación de las obras que las configuraban.

También desde 2008, la Fundación Alfonso y Luz Castillo sostiene un premio anual de fotografía que ya lleva siete ediciones y cuyas obras premiadas pasan a ampliar cuantitativa y cualitativamente la colección especializada de la institución. Los mayores referentes del campo fotográfico y artístico han conformado el jurado de premiación y selección, labor que, además, luego se exhibe en la sede de la institución.

"Ya volverán nuestras exposiciones pensadas por prestigiosos curadores invitados, ya volveremos a abrir las puertas para recibir a ese público exigente que disfruta nuestras propuestas, nuestros encuentros, charlas, talleres y volverá también el
Premio de Fotografía ArtexArte.
Este año atípico no nos permite reunirnos, abrazarnos y festejar como nos gusta. Para cuando podamos volver a hacerlo, presentaremos Historia de un sueño, el libro que recorre este cuarto de siglo de ArtexArte-Fundación Alfonso y Luz Castillo, y recordaremos juntos esta hermosa aventura", comentan desde la galería. 

Cabe mencionar también que en 2020 la institución ha sido honrada con el premio Gratia Artis por la Academia Nacional de Bellas Artes que reconoce a personalidades e instituciones que se destacan por su apoyo a las artes. Fue concedida a la Fundación Alfonso y Luz Castillo por ser un puntal en el desarrollo y difusión de la fotografía argentina.

12 de noviembre de 2020

Subasta de arte argentino a beneficio de los hospitales Garrahan, Elizalde y Gutiérrez


Del 12 al 24 de noviembre se realizará la cuarta edición de FuPeArte 2020, la subasta solidaria de la Fundación Pediátrica Argentina (FuPeA).

Lo recaudado se destinará a la compra de elementos de protección paralos pacientes y el personal del Hospital Garrahan, del Hospital Elizalde (Ex Casa Cuna) y del Hospital de Niños Dr. Ricardo Gutiérrez. 

Los elementos de protección personal, como barbijos, camisolines hidrorepelentes y modernas cápsulas para el traslado de chicos, chicas y adolescentes con coronavirus Covid-19, son fundamentales durante la pandemia de coronavirus y también para la protección de otras enfermedades infectocontagiosas.

León Ferrari

La subasta incluye lotes de grandes maestros y artistas contemporáneos consagrados. Estos últimos, con gran generosidad, además de fijar como base para sus obras un precio inferior al del mercado, donarán el 50 por ciento de la venta de las obras a la fundación. 

Hay obras de Gregorio Vardánega, Rómulo Macció, Carlos Alonso, Guillermo Roux, Juan Melé, Santiago Cogorno, Vicente Forte, Benito  Quinquela Martín, Eduardo Stupía, Leopoldo Presas, Blas Castagna y Diana Dowek, entre muchos otros. 

Con 90 obras de grandes artistas, esta edición será online y se podrá participar desde cualquier lugar del mundo. Un dato singular es que FuPeArte es el único remate en Argentina en el que las obras se subastan en pesos argentinos: una tranquilidad para quienes participen, sumado a las bases accesibles que se fijaron para las obras. 

Carlos Alonso

Gracias a la solidaridad de los artistas, quienes participan en la subasta podrán pujar por obras de primer nivel que parten con precios de bases de $8500. Los precios de base con los que se iniciará la puja por cada obra estarán entre un 30 y un 40 % por debajo de los valores de mercado. De esta manera, se abre el juego a nuevos compradores. 

Entre las joyas de esta edición de FuPeArte, que cuenta con la curaduría de Telma Satz, figuran “Castel Sant Angelo”, una pintura de los años noventa de Rómulo Macció; una pintura (sin título, 1965-1970) de Gregorio Vardánega; un autorretrato en carbonilla de Carlos Alonso, y “Baco”, una serigrafía intervenida de Guillermo Roux. 

De León Ferrari, que tendrá muestras homenaje por el centenario de su nacimiento en el Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo Reina Sofía de Madrid y el Centro Pompidou en París, se incluyen dos serigrafías. 

Eduardo Stupía

Obras de Diana Dowek y Eduardo Stupía, artistas claves en el arte contemporáneo argentino, integran FuPeArte. De Eduardo Stupía, se presenta un dibujo de la serie Paisajes, donde crea imágenes en las que conviven lo abstracto y lo referencial en medio de un entramado -caligrafía singular del artista-. “Ajuste” es una pintura con alambrados, imagen icónica que Diana Dowek comenzó a trabajar durante la dictadura. 

De Andrés Paredes se subasta un gran calado a mano pintado y de Martín Di Girolamo, dos impactantes pinturas abstractas pertenecientes a las series Geo #7A y Entro. Esta última serie surgió a partir de imágenes de mujeres que el autor buscó en Internet y que dan cuenta de estereotipos femeninos contemporáneos. 

La colección cuenta con una pintura de Tulio De Sagastizábal, referente central del campo de la abstracción y la geometría lírica; dos obras de Lorena Faccio, representante Madi contemporánea; obras de arte cinético de Mariana Villafañe y de Cristian Mac Entyre, y pinturas de Juan Astica y Silvina Benguria. 

Gregorio Vardánega
 
Entre las esculturas, hay una pieza en hierro patinado de la serie De la Ribera de Bastón Díaz: el artista crea la ilusión de haber rescatado un casco de una embarcación del fondo del agua. De Raúl Farco, hay dos esculturas en madera policromada con las que el artista construye un diálogo con los Burgueses de Calais de Rodin, presentando sólo los mantos de aquellos personajes. Hay una escultura en mármol de Carrara de Juan Pablo Marturano, artista formado en Argentina, Italia y Japón, que escala las montañas para realizar rituales performáticos que concluyen con sus esculturas en mármol. 

Entre las fotografías, hay trabajos de Luis Abadi, con una imagen que aborda la fotografía desde una mirada muy contemporánea, y de Fabiana Barreda, con una fotografía perteneciente a su serie Eroticasiete y un objeto de su proyecto Hábitat, entre otros.
El dibujo está presente con exquisitas piezas como las de Ariel de la Vega, Eleonora Butin y Maximiliano D´Ettorre Negri.

Para participar en la subasta, se podrá ingresar en: https://subalia.es/subasta/subasta-de-arte-argentino-contemporaneo_FPART-001/info a partir de las 00h del 12 de noviembre y se podrá ofertar hasta el 24 de noviembre a las 22 hs.