25 de septiembre de 2017

El MuHu - Museo del Humor presenta la exposición "Hermenegildo Sábat. Retrospectiva"


El sábado 23 de setiembre el MuHu - Museo del Humor inauguró la exposición "Hermenegildo Sábat. Retrospectiva", que incluye 100 obras que recorren su actividad plástica, sus más de 20 libros ilustrados y 50 años de periodismo gráfico. 

Aníbal Troilo, óleo
La muestra incluye un centenar de obras en las tres áreas plásticas donde Hermenegildo Sábat desarrolló su sólida carrera en los cincuenta años que lleva en Buenos Aires, desde que arribó en el Vapor de la Carrera desde su Montevideo natal.
Una de ellas contiene óleos, monocopias y técnicas mixtas, con vertientes expresionistas, surrealistas y de abstracción.
Otro espacio incluye algunos de sus trabajos de ilustración sobre textos propios o de grandes escritores, como Julio Cortázar. Aquí también podremos apreciar grafitos y acuarelas ligadas a sus grandes pasiones musicales: el tango y el jazz.
Se exhiben además las ediciones de la revista cultural Sección Áurea, que Sábat editó en los '90 a través de su Fundación Artes Visuales.
 
Perón - Echeverría
 
Por último se exponen los trabajos de periodismo gráfico, con obras que realizó primeramente para el periódico La Opinión y desde 1973 para Clarín, que son una crónica de los avatares políticos y sociales del país y del mundo del último medio siglo.
Aquí hay sectores dedicados a los presidentes, a los ministros de economía, a los líderes mundiales, a los políticos y periodistas y también a los artistas plásticos,
escritores, actores y deportistas.
Es importante destacar que por su trayectoria en este último ámbito, Hermenegildo Sábat ocupa desde hace 4 años la presidencia de la Academia Nacional de Periodismo.

Toulouse, corista
La muestra se puede visitar hasta el 19 de noviembre en la sede del MuHu, Edificio de la Munich, Av. de los Italianos 851, Costanera Sur.
Horario: lunes a viernes de 11 a 18 hs. Sábados y domingos de 10 a 20 hs. Feriados de 12 a 20 hs.
Entrada: Jueves a domingos y feriados $10; lunes, martes y miércoles gratis. Menores de 12 años, jubilados y estudiantes con acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, colegios públicos: gratis todos los días.

23 de septiembre de 2017

Más de 50 artistas visuales mostrarán sus obras en la nueva edición de la Bienal en el Centro Cultural Recoleta


Entre el 25 de setiembre y el 1 de octubre llega al Centro Cultural Recoelta una nueva edición de la Bienal, un punto de encuentro con la escena emergente de creadores entre 18 y 32 años. Nuevas generaciones de artistas que producen el arte aquí y ahora, compartirán sus obras en una maratón cultural durante siete días. 800 artistas, participantes de 230 obras y proyectos, conforman esta nueva edición en cinco disciplinas: artes escénicas, artes audiovisuales, artes visuales, música y literatura.
El Festival de la Bienal presentará un panorama de la producción joven contemporánea de artes visuales, recibiendo a creadores en sus primeros pasos, y a jóvenes artistas que ya cuentan con varios años de trayectoria y que siguen consolidando su camino y experimentando en su búsqueda.

Manuel Baigorria. Retrato de las hojas
Muestra artistas visuales
Esta exhibición, que se desarrolla en las salas J y C del Centro Cultural Recoleta, reúne las obras de 45 artistas visuales que fueron seleccionados en convocatoria abierta por un comité integrado por Fernando Brizuela, José Luis Landet, Rodolfo Marqués, Julia Masvernat y Geraldine Schwindt a partir de criterios plurales y exhaustivos para desplegar una diversidad de expresiones de la escena más joven del arte contemporáneo local. Se priorizaron la singularidad y las cualidades poéticas de las obras, su coherencia interna, los vínculos que establecen con sus propios contextos socio-históricos y su posición en relación al cuerpo de trabajo de cada autor.
Estos artistas son: Ale Moreyra, Franco Basualdo, Beto, Santiago Colombo, Federico Roldan Vukonich, Alfredo Frías, Lucas Ardu, Esteban Martínez, Rodolfo Sousa, Nani Lamarque, Ivo Aichenbaum, Santiago Licata, Lucas Federico Tula, Hernán Aguirre García, Lucas Fiorucci, Manuel Aja Espil, Nazareno Pereyra, Sasha Minovich, Andrés Piña, Santiago Hernández, Eloy Mengarelli, Malcon D'Stefano, Ramiro Achiary, Leonardo Adán Vallejo, Manuel Baigorria, Gonzalo Maciel, Lucia Delfino, Jimena Mariel Travaglio, Antonella Agesta, Verónica Madanes, Santiago Delfino, Liv Schulman, Rocío Englender, Mayra Vom, Valentina Ansaldi, Ariela Bergman, Julia Padilla, Micaela Piñero, María Candelaria Traverso, Camila Carella, Magdalena Petroni, Jazmín Giordano, Celeste Rojas Mugica, Mara Verena y Cindy Mamani. Cierra el 1 de octubre.
El objetivo de la Bienal es promover la formación práctica y teórica de los artistas jóvenes. Es por esto que 7 de estos artistas tendrán la posibilidad de realizar una residencia en destacadas instituciones de la Argentina y el mundo. Los encargados de elegir estos 7 artistas son los representantes de las instituciones artísticas del país y del exterior con las que La Bienal se encuentra trabajando en esta edición: Hangar, Barcelona; Casa Tres Patios, Medellín; Casa tomada, San Pablo; Curadora, Santa Fe; Mundo Dios, Mar del Plata; Urra, Tigre; La ira de Dios, Buenos Aires.
Los ganadores serán anunciados el día 1 de octubre, en la ceremonia de entrega de premios, a las 19 hs, en la terraza del Centro Cultural Recoleta.

Santiago Delfino Simiente
 
Muestra proyectos Artes visuales
Entre los participantes que se presentaron en convocatoria abierta, un comité integrado por Lara Marmor, Patricio Larrambebere y Marcela Sinclair, seleccionó 6 proyectos, desarrollados por artistas que llegaron desde diversos puntos del país: Ushuaia, Mar del Plata, Mendoza, Tucumán, Rafaela, Buenos Aires. Los artistas son: Ángeles Ascúa, con Piel de empedrado, corazón de leche y de trigo; Grupo Karicia (Lil Lilen y Julián Solís Morales) con Compañía naviera del Litoral S.A; Santiago Delfino con Simiente; Alfredo Frías con Apuntes visuales para la reconstrucción de una historia negra; Nacha Canvas con Friso y Ramiro Quesada Pons con La imagen real.
Durante cuatro meses, estos 7 artistas recibieron el acompañamiento y financiamiento de la Bienal, y en un espacio de taller en el Centro Metropolitano de Diseño alumbraron los proyectos. 
La muestra estará en las salas 3, 4 y 5 del Centro Cultural Recoleta hasta el 22 de diciembre. El sábado 30 de setiembre a las 18 horas, se realizará un recorrido con los curadores y tutores de los proyectos: Lara Marmor, Patricio Larrambebere y Marcela Sinclair.  Permanecerán en exhibición hasta el 22 de diciembre. 

Mariano Godoy. Música de cajas
 
Esta nueva edición, contará con programación invitada. 
Los artistas invitados en visuales son: Delius, taller dibujando sueños; Gastón (Sémola) Souto, taller dibujo libre; María Luque, taller de dibujo y observación y Salvador Sanz, taller diseño de criaturas fantásticas. Estos cuatro talleres, que se dictarán en la sala de dibujo del Centro Cutural Recoleta, están destinados a adolescentes, jóvenes y adultos, con y sin experiencia, y proponen una forma de acercarse al arte desde una propia producción y creatividad.
Como parte de la comunidad bienal, artistas que participaron en ediciones anteriores fueron invitados a participar de esta nueva edición, tal es el caso de Mariano Godoy, quien realizará la exposición: Música de cajas, obras musicales en forma de objeto sonoro. Cada caja atraviesa su composición e interpretación musical hasta convertirse en parte fundamental de la obra.
Todas las actividades son gratuitas, sujetas a disponibilidad del espacio. Las entradas para los espectáculos de danza, teatro, interdisciplina y para el cine son gratis, pero con reserva previa a partir del lunes 18 de septiembre en: bienal.buenosaires.gob.ar/festival.

El Centro Cultural Recoleta se puede visitar de martes a viernes, de 13.30 a 22 horas y sábados, domingos y feriados de 11.30 a 22 horas, Junín 1930, Buenos Aires, Argentina. Lunes cerrado.

22 de septiembre de 2017

La galería Maman Fine Art presenta “Cuartetazo”, con obras de Cynthia Cohen, Julián Prebisch, Nushi Muntaabski y Alberto Passolini


Daniel Maman, Patricia Pacino de Maman y Rodrigo Alonso junto a los artistas Nushi Muntaabski, Alberto Passolini, Cynthia Cohen y Julián Prebisch
 
El martes 12 de septiembre Maman Fine Art inauguró “Cuartetazo”, exposición en la que se presentan a cuatro artistas que se incorporan al staff de la galeria: Cynthia Cohen, Julián Prebisch, Nushi Muntaabski y Alberto Passolini. Cada uno de ellos tiene un futuro promisorio que la galería se propone apoyar, tanto desde Buenos Aires como desde Miami, donde tienen su segundo espacio que será escenario de la próxima exhibición.
La muestra incluye, además, un diálogo entre las obras de estos artistas y las de algunos referentes históricos pertenecientes a la trastienda de la galería. La curaduría del conjunto está a cargo de Rodrigo Alonso.
 
Cynthia Cohen. Esmeralda II, 2017
Las pinturas de Cynthia Cohen ponen de manifiesto su obsesión por explorar diferentes maneras de representar al mundo. En 2006, la artista realizó una muestra en la galería Maman Fine Art en donde exhibió grandes telas llenas de color, con una fuerte impronta expresiva e imágenes apropiadas de las más variadas fuentes. Sus obras actuales se centran en la fascinación que ejercen las joyas, las que reproduce con una precisión hiperrealista. Los detalles más sutiles cobran una dimensión gigantesca sobre las planas y delicadas superficies de las piedras preciosas que Cohen capta en todo su esplendor.
 
Julián Prebisch. Díptico, 2017, acrílico y esmalte sobre cuero de vaca y chapa
El cuero, los metales y la geometría conforman el vocabulario plástico del trabajo reciente de Julián Prebisch. A diferencia de sus producciones anteriores, en las cuales los materiales se ajustaban a los rigores de la geometría, ahora se plantea una tensión visual entre todos los elementos que componen la obra que conmueve sus límites recíprocos. El cuero recupera su amorfía orgánica imponiendo la majestuosidad de sus contornos. El formato-cuadro busca mantenerse incólume, aunque no siempre con éxito. En las fricciones entre uno y otro se genera una intensidad singular, en la cual reside una buena parte del impacto que provocan estos trabajos.
 
Nushi Muntaabski. Remolachas, 2014, mosaico veneciano sobre poliuretano expandido
Nushi Muntaabski es ampliamente conocida por sus realizaciones en venecita. Durante más de dos décadas ha ido perfeccionando y refinando el uso de este material hasta convertirlo en un soporte con infinitas posibilidades, y en su más lograda marca autoral. Con él, ha elaborado desde obras planas a objetos tridimensionales e intervenciones urbanas. Su poética se centra sobre lo cotidiano. Las pequeñas unidades vítreas multicolor le permiten transfigurar los objetos más banales dotándolos de una belleza inusual y, sobre todo, de una extraña sensualidad. 

Alberto Passolini. El día (Aurora y Céfalo, de Pierre Narcisse Guérin, 1810, y Farfalla de Emilio Pettoruti, 1961), 2009, acrílico sobre tela/La Noche (Iris y Morfeo, de Pierre Narcisse Guérin, 1811, y Crepúsculo Marino de Emilio Pettoriti, 1953), 2009, acrílico sobre tela
 
Las pinturas de Alberto Passolini están cargadas de referencias a las más variadas  tradiciones pictóricas e históricas locales e internacionales. Con osadía y una buena cuota de humor, el artista sienta a la mesa de su banquete de citas a Emilio Petorutti con la   escultura grecorromana, a Benito Quinquela Martín con Tiépolo, a San Martín con Prilidiano Pueyrredón. Sin concesiones a la corrección o al decoro, sus obras provocan pero al mismo  tiempo invitan a un juego. Confían en la recepción lúdica como un camino amable hacia la duda y la reflexión.

La exposición se puede visitar de lunes a viernes de 11 a 20 hs. y los sábados de 11 a 15 hs. en Av. del Libertador 2475, Buenos Aires, Argentina.

El Museo Nacional de Bellas Artes forma parte de la BIENALSUR con obras de Boltanski y del MAMCO de Ginebra


El director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat; el artista francés Christian Boltanski; el titular del Museo de Arte Moderno y Contemporáneo (MAMCO) de Ginebra, Suiza, Lionel Bovier; y el director de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur (BIENALSUR), Aníbal Jozami, inauguraron la semana pasada dos muestras como parte de la primera edición de este encuentro: la videoinstalación “Misterios”, de Boltanski, que retrata su proyecto realizado este año en Chubut capturando el sonido del viento patagónico, e "Interferencias", un diálogo crítico entre las obras de museo suizo y la exposición permanente del Bellas Artes.
 
Mariana Marchesi, directora artística del Museo Nacional de Bellas Artes; Andrés Duprat, director ejecutivo del Museo Nacional de Bellas Artes; Aníbal Jozami, director de Bienalsur; Lionel Bovier, director de MAMCO; Christian Boltanski y Diana Wechsler, directora artística de Bienalsur
 
"Es un honor formar parte de BIENALSUR desde los orígenes; se trata de una Bienal que no se parece a ninguna otra porque sucede en múltiples ciudades y países, y sus bases y fundamentos vienen desarrollándose y discutiéndose hace tiempo", sostuvo Duprat.  "En estas muestras que inauguramos hoy -agregó- el arte contemporáneo viene a recrear y a echar luz sobre un museo clásico como el Bellas Artes, generando apropiaciones y nuevas interpretaciones de su fantástica colección".

Jozami afirmó que BIENALSUR "es un proyecto alocado que se hizo realidad y viene a llenar un vacío y una necesidad desde el punto de vista del arte contemporáneo y del rol de la Argentina en la cultura internacional". "La Bienal ha nacido para quedarse", aseveró.

Boltanski expresó su agradecimiento: "Es un honor para un artista exponer acá, donde hay tantas obras tan hermosas".

En tanto, Bovier, director del museo de Ginebra, consideró: "Las obras del MAMCO aquí expuestas establecen un diálogo entre piezas de gran calidad, que espero que sea también una transferencia de conocimientos".
 
"Misterios" de Christian Boltanski
 
Para crear la videoinstalación "Misterios", Boltanski emplazó en la soledad de Bahía Bustamante, Chubut, dispositivos sonoros (torres de hierro con cornamusas en los extremos), que se activan aleatoriamente con el viento para establecer un diálogo posible con las ballenas. En tres pantallas ubicadas en la sala 40, se proyecta el video que muestra, con cámara fija y en tiempo real, la pieza emplazada durante un día, estableciendo una concordancia entre la hora del espectador y la de la filmación.

A esta obra se suma la instalación de Boltanski “La traversée de la vie”, una serie de fotografías de posguerra de una familia anónima, impresas en telas traslúcidas que penden del techo. La pieza funciona como una reflexión sobre las tragedias del siglo XX. Estas muestras se exhiben en el primer piso del Museo, hasta el 10 de diciembre.

En tanto, “Interferencias” presenta veinte piezas del MAMCO, en diálogo crítico con la exposición permanente del Bellas Artes: obras como “One”, del francés Robert Filliou, o “Ideale Bildtemperatur”, del suizo Thomas Huber, son cabeza de serie dentro de este ejercicio conceptual, desplegado en las salas de la planta baja. El encuentro de dos colecciones tan valiosas como distantes tiene por propósito desactivar la inercia del espectador, y abrir otras miradas e interpretaciones.
 
Interferencias en sala 7. De izquierda a derecha: Nicolás de Largillière, "Retrato de Marguerite-Elisabeth Forest de Largillierre y su hijo Nicolás”; James Latham, "Jeune femme" (Lady in blue); Jean-Marc Nattier, "Charlotte de Hesse-Rheinfels" y "Retrato de Mlle. Henault, Comtesse d'Aubeterre”.Colección Museo Nacional de Bellas Artes. Abajo: Robert Filliou, "Eins. Un. One…" (Uno. Uno. Uno…). Colección MAMCO de Ginebra, Suiza
 
Como parte de esta propuesta, hasta el 26 de noviembre, también se exhiben obras de de Marion Baruch (Rumania), Ernest T. (Bélgica), Sylvie Fleury (Suiza), Maurizio Nannucci (Italia), Claudio Parmiggiani (Italia), Denis Savary (Suiza), Sada Tangara (Mali), Sergio Verastegui (Perú), Vittorio Brodmann (Suiza), Tobias Madison (Suiza), Emanuel Rossetti (Suiza).

La primera Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur, BIENALSUR, es organizada por la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), en red con museos, universidades, instituciones de arte y entidades de 32 ciudades en 16 países del mundo, que serán sede de 350 intervenciones artísticas, muestras y acciones que se desarrollarán en simultáneo hasta diciembre.

Las obras de la BIENALSUR en el Museo Nacional de Bellas Artes se pueden visitar con entrada gratuita en Av. del Libertador 1473, Buenos Aires, Argentina..
La videoinstalación "Misterios" de Christian Boltanski se puede visitar en las salas 39 y 40, del primer piso hasta el 10 de diciembre, y la muestra "Interferencias", con obras del Museo de Arte Moderno y Contemporáneo (MAMCO), de Ginebra, se exhiben en la planta baja hasta el 26 de noviembre.

La BIENALSUR llega a las provincias de Córdoba, Tucumán y San Juan


La Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur (BIENALSUR) llegará de manera simultánea este viernes 22 a las provincias de Tucumán y San Juan, mientras que el sábado 23 lo hará a Córdoba, con obras de artistas nacionales e internacionales en el espacio urbano y en los museos provinciales Palacio Dionisi, Bellas Artes Franklin Rawson, Bellas Artes Timoteo Navarro y el Museo de la Universidad Nacional de Tucumán Juan B. Terán (MUNT).

Museo Provincial de Bellas Artes Timoteo Navarro de Tucumán
 
Tucumán es una de las sedes más importantes en Argentina de BIENALSUR y participa con la cooperación del gobierno provincial. 
Exposiciones de artistas nacionales y extranjeros -con gran presencia libanesa-, intervenciones en el espacio urbano a cargo de Graciela Sacco y de Juliana Iriart y la instalación de una escultura de Marie Orensanz podrán verse en San Miguel de Tucumán.
Las muestras pensadas para esa ciudad son: Una estela en la tierra. Ecos de violencia institucional desde América Latina, con curaduría de Florencia Battiti y Leandro Martínez Depietri, y Poetics, Politics, Places, curada por Nayla Tamraz.
En tanto, la capital sanjuanina recibirá las obras de las artistas Regina Silveira, de Brasil, y Juliana Iriart, de Argentina.
A su vez, en Córdoba se exhibirán trabajos centrados en la identidad y el autorretrato elaborados por los artistas argentinos Maricel Álvarez, Nicola Costantino y Roberto Jacoby.

Museo de la Universidad Nacional de Tucumán
 
Estas tres provincias Argentinas se suman a las inauguraciones ya realizadas en más de 30 sedes en las zonas fronterizas de Arica y Tacna, en las ciudades de Montevideo, Rosario, Bahía Bustamante, Buenos Aires, Tigre, Caseros, Cúcuta, Bogotá, San Pablo y Sorocaba, de las que participan hasta ahora más de 200 artistas y curadores entre los que se destacan el francés Christian Boltanski, el portugués Pedro Cabrita Reis, los brasileños Cildo Meireles, Vik Muniz y Regina Silveira, los argentinos Marie Orensanz, Leandro Erlich, Charly Nijensohn, Marcolina Dipierro y Guillermo Kuitca y las colecciones de los Museos Reina Sofía de España y de Arte Moderno y Contemporáneo de Ginebra, entre tantos otros.

21 de septiembre de 2017

El km 0 de la BIENALSUR se ubica en el Hotel de Inmigrantes con una exhibición que refleja la diversidad cultural


La esencia de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur -BIENALSUR- puede vivenciarse con la apertura del llamado km 0 de este evento cultural, localizado en el Hotel de Inmigrantes de Buenos Aires. 
La diversidad cultural estará reflejada en una muestra colectiva internacional, performances e intervenciones especialmente creadas por artistas de Colombia, Francia, Benín, Brasil, Madagascar, Uruguay, Argentina e Israel.   
“Arte para pensar la nueva razón del mundo” es la exposición que reúne piezas de la colección del Museo Reina Sofía, con curaduría de los españoles Manuel Borja-Villel, Cristina Cámara, Beatriz Herráez, Lola Hinojosa y Rosario Peiró. 

La Orquesta de Instrumentos Autóctonos y Nuevas Tecnologías de la Universidad Nacional de Tres de Febrero
 
La globalización y la geopolítica están en el corazón de la muestra que incluye artistas como Zoe Leonard (Estados Unidos), Allan Sekula (Estados Unidos), Maria Ruido (España), Pedro G. Romero (España), Joaquim Jordá (España), Antije Ehmann (Alemania), Harun Farocki (República Checa), Hito Steyerl (Alemania), Alice Creischer (Alemania), Andreas Siekmann (Alemania), Taller popular de serigrafía (Argentina), Marcelo Expósito (España), León Ferrari (Argentina), Mapa Teatro (Colombia), Ines Djoujak (Austria), Peter Friedl (Austria), Jorge Ribalta (España) e Ibon Aranberri (España).
House, A house in Jerusalem y News from home” es la exposición del israelí Amos Gitai, quien en 1980 filmó el documental House, que narraba la historia de una casa en el oeste de Jerusalén y de sus dueños israelíes y palestinos desde 1948 en adelante. Dieciocho años después, volvió al lugar para observar los cambios de sus habitantes y su vecindario: de ahí surge A House in Jerusalem. Además, en 2005, con News from Home/News from House, vuelve allí para retomar la investigación. Los tres filmes narran la historia.

Tatiana Trouvé
 
Las intervenciones en el espacio sitio son un gran atractivo de la muestra. Desde Francia, Tatiana Trouvé presenta la instalación sitio específico “Prepared space”, inspirada en la migración. El título se refiere al “prepared piano” de John Cage, cuyas posibilidades fueron exploradas por el artista entre 1940 y 1950.
En tanto, a través de la escultura “Dios es inmigrante” la argentina Mariana Tellería también encuentra en las migraciones su modo de expresión.
 
Romuald Hazoumè junto a su obra "Salto Atrás"
Con “Salto Atrás”, el artista africano Benín Romuald Hazumé se apropia de objetos y les confiere un nuevo sentido al introducirlos en un contexto fuera de lo común. Para BIENALSUR invitó a estudiantes de distintos colegios a aportar elementos para sus obras.
Conocido por sus obras sutiles y intrigantes, el uruguayo Marco Maggi creó “Primeras Líneas”, para despertar la curiosidad del público distraído . Hay que “buscar” su obra en la arquiectura del lugar. Desde Madagascar, Joël Andrianomearisoa presenta “Le la tour du monde”, que usa la poesía y el lenguaje de las palabras para cruzar continentes. Su obra para Bienalsur está en el Hotel de Inmigrantes y en el cruce de las avenidas Libertador con Pueyrredón. La obra en la Argentina se conecta con Puerto Alegre (Brasil) y Cotonú y Ouidah (Benín).
A su vez, “Los mundos”, del colombiano Iván Argote, es una video-instalación muy compleja, que contiene elementos documentales y ficcionales. Argote excava un canal imaginario entre Indonesia y Colombia.
 
“Árbol Nexor” del Colectivo Estrella de Oriente
 
El Colectivo Estrella de Oriente (EDO), formado por los argentinos Daniel Santoro, Pedro Roth, Juan Carlos Capurro, Juan Tata Cedrón y Marcelo Céspedes, exponen “Árbol Nexor”, en continuidad de “La Ballena va llena”, obra fundamental de este colectivo de artistas.
Y, a partir del mes de noviembre, se presentarán en el km 0 de BIENALSUR las acciones de los artistas argentinos Mariano Sardón, “Carga es cargo”; Mariana Belloto, “Antropología contemporánea en el paisaje”, y Juliana Iriart,  “Sombras para llevar”.
También se prevé la performance “ASFI dinner”, del artista francés Arnaud Cohen. Creador de una de las mas prestigiosas residencias para curadores internacionales, Cohen invita a descomunales comidas compartidas en la fundación ArtSpeaksForItself para generar vínculos duraderos entre agentes de diversos sectores del arte . En esta oportunidad lo hará en Buenos Aires.
A Ronaldo Fraga, en tanto, el vestuario lo inspiró a pensar en el aporte de los pueblos originarios en la construcción de nuestra identidad sudamericana. Desde esa concepción surge la performance "Génesis".
El MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo y Museo de la Inmigración, Sede Hotel de Inmigrantes, está ubicado en Avenida Antártida Argentina (entre Dirección Nacional de Migraciones y Buquebus), con entrada por el Apostadero Naval, Puerto Madero. Su horario es de 11 a 19 horas.

Fiat presenta la muestra "Naturalia" de Elena Clément


La marca italiana presenta la muestra de Elena Clément denominada "Naturalia" que se exhibe en la galería Javier Baliña y puede ser visitada desde el 21 de setiembre al 6 de octubre, de 14.30 a 19.30 hs. en Arenales 1428, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Elena Clément y Cristiano Rattazzi
Luego de varias temporadas en las que Fiat se hizo presente mes a mes con muestras de diferentes artistas, en ésta oportunidad presenta una serie de pinturas que refieren a la naturaleza; en este caso, bosques. La técnica es acrílico y óleo sobre tela y la propuesta cromática es delicada, con azules  infinitos. La artista logra algo muy difícil de articular: la composición mediante el color.
 
Es evidente en la obra de Elena, una connotación con el arte oriental; tal vez inspirada en sus viajes a China. Sus obras tanto figurativas como abstractas son abiertas y exigen del espectador cierto compromiso. Además de este conjunto de árboles, se exhibirá una llanta de Fiat Cinquecento intervenida por Elena, que conformará una serie que será subastada a beneficio. Junto a las obras se proyectará un video de la artista, realizado especialmente para la ocasión.
 
Elena Clément es licenciada en comunicación publicitaria e institucional -UCA- y trabajó durante doce años como diseñadora gráfica al tiempo que asistía a numerosos talleres; entre ellos los de Marcela Baubeau de Secondigné y María Inés Fernández de la Puente.
Desde 2009 expone en colecciones particulares nacionales e internacionales, muchas de ellas comisionadas para espacios públicos. Entre otros lugares, ha expuesto en el Centro Cultural Borges, Convento Santa Catalina de Siena, Soho Gallery de Nueva York, y Consulado Argentino en Nueva York.

Afirma la artista: "Mi intención con ésta muestra es mostrar el panorama de un bosque donde no se ven los límites, solo se ven troncos, raíces y ramas inundadas por un blanco de luz . Mi objetivo es que esto se transforme en una alegoría de lo que es la pintura del paisaje, que tiende a naturalizar relaciones de poder. La naturaleza dominada por el hombre. El hombre dominado por la naturaleza. De alguna forma, evidenciar espontáneamente la frustración del espectador en tratar de entender la naturaleza, que de por sí lo trasciende ".

20 de septiembre de 2017

Casa de las Culturas - Villa Carmen. Un nuevo espacio para el arte contemporáneo en Tigre.


Casa de las Culturas – Villa Carmen es un espacio de exposición con una propuesta renovada, emplazado en un lugar emblemático de la ciudad, justo frente a la Estación Fluvial de Tigre, con una rica historia edilicia que orienta su programación a la difusión del arte contemporáneo argentino en la Zona Norte de Buenos Aires. Estas características la constituyen como un lugar de perfil diferencial, directamente relacionado con el atractivo turístico de Tigre y con la formación de un público específico para el arte en un espacio de gran desarrollo cultural, como es la zona de influencia del Municipio. 



Comenzó su actividad en 2015, luego de que el Municipio de Tigre destinara la emblemática propiedad al uso cultural preservando su valor arquitectónico y realizando una importante inversión para poner en valor un inmueble que, por su rica historia, es un emblema de los tigrenses. Antigua casa de 1910, posteriormente hotel, hoy Casa de las Culturas cuenta con un espacio de exposición de 116 m2 distribuidos en 4 salas, con una programación que se orienta hacia las nuevas tendencias y la innovación, con propósitos múltiples: difundir la obra de artistas locales, acercar propuestas de artistas argentinos de renombre al público de la zona, crear un nuevo espacio expositivo de prestigio fuera de las zonas e instituciones convencionales de la ciudad de Buenos Aires.



“Tigre cuenta con cinco museos municipales, un patrimonio distintivo de nuestra ciudad que pertenece a todos los tigrenses”. –señala Julián Kopecek, Subsecretario de Cultura del Municipio de Tigre- “Nuestros vecinos tienen la posibilidad de relacionarse con la historia, en nuestro Museo de la Reconquista o con el arte y la literatura, haciendo una experiencia única en el interior del delta en los museos Casa de Xul Solar y Casa de Haroldo Conti. Dentro de esta importante gestión de museos que realizamos, Casa de las Culturas-Villa Carmen- completa, junto al Museo de Arte de Tigre, una propuesta de excelencia artística para nuestros vecinos, para el público de la zona y también para la gran cantidad de turistas que el municipio recibe. 

La Casa tiene una ubicación privilegiada”. 

“Lo novedoso no es sólo la orientación en arte contemporáneo en Zona Norte” -dice Milagros Noblía Galán, directora coordinadora de artes visuales- “sino también el espíritu de trabajo que proyectamos. Nuestra casa es una casa, no un museo ni una institución tradicional, por eso tenemos las puertas abiertas a los artistas para que hagan de nuestra casa, su casa. Nuestro objetivo es que en ella encuentren un espacio donde desarrollar sus visiones más recientes y generen una cercanía con su público.”




En ella se han realizado exposiciones de videoarte con Carlos Trilnick, de pintura con Duilio Pierri y Maggie de Koenigsberg, exposiciones de comics en homenaje a la editorial Columba. Dentro del universo audiovisual durante las noches de verano se realizó un ciclo de cine de Charles Chaplin y Buster Keaton, y se proyectaron óperas en el marco del Festival Opera Tigre (FOT); encuentros de circo y teatro para la familia, como así también fue sede del Festival de la Luz con Sara Facio. En la actualidad exponen Adrián Paiva y Lucas Distéfano.

 Abre al público de miércoles a viernes de 10 a 18 hs., sábados, domingos y feriados de 12 a 19 hs. La entrada es libre y gratuita. 



El próximo mes de octubre en la Casa de las Culturas inaugurarán las muestras de los artistas argentinos Max Gómez Canle y Lux Lindner. Estas exposiciones marcan un salto cualitativo en lo realizado hasta hoy en tanto proponen el contacto con la obra de dos artistas de generación intermedia de gran relevancia. Ambos produjeron y desarrollaron obras con inspiración en Tigre, sus exposiciones fueron pensadas especialmente para las particularidades del espacio expositivo de la casa.

 
La propuesta de Max Gómez Canle se basa en la iconografía y el paisaje del Delta; estudió a artistas del Museo de Arte de Tigre (MAT) y tomó como eje de la exposición la obra Explosión del fulminante de Antonio Somellera, obra exhibida en el Museo de la Reconquista. Recorriendo el Delta, estudió los colores y paisajes mientras desarrolló estudios para sus pinturas al aire libre. 
La propuesta de Lux Lindner se basa en Los siete locos de Roberto Arlt, con dibujos sobre el regreso del Astrólogo al Delta. Además, realizará una pieza audiovisual y en el contexto de la exposición, hará una performance inédita.



“Tenemos una gran expectativa con estas dos exposiciones porque con ellas se terminará de definir el perfil de arte contemporáneo de la Casa” -dice Albertina Klitenik Espartaco, productora de contenidos de la Casa de las Culturas, “Además encontramos que trabajar en Tigre fue muy inspirador para ambos artistas, que encontraron en la mística y en la historia de nuestro Municipio una inspiración especial. Tuvieron una cercanía inmediata con nuestra propuesta que hicieron suya con gran generosidad, trabajando no para la Casa, sino desde la Casa. Pensando y creando junto a nosotros obras nuevas que nos permiten pensar a futuro con optimismo en el potencial de este espacio para el arte contemporáneo argentino, un espacio que de novedades y excelencia aun desde una posición periférica respecto a las grandes instituciones de Buenos Aires.”


Las exposiciones de Max Gomez Canle y Lux Lindner se desarrollarán desde el 6 de octubre al 26 de noviembre, con entrada libre y gratuita.

Fotografías de Julián Rigaud.

Espacio Pla presenta "dinámica [input]" de Jorge Haro


Espacio Pla presenta "dinámica [input]", una muestra de Jorge Haro, con la curaduría de Julieta Sepich y Marcelo Marzoni, en la planta baja de Espacio Pla. La muestra retoma el universo poético de Jorge Haro para desplegar una serie de constantes que emergen como familiares.

Su trazo sintético hace estallar las apariencias para concentrarse en la sutil transformación del sonido. La obra arriba al sentido desde el dato: ¿Qué se oculta detrás? ¿Qué opaca la estrategia? O al contrario: ¿Qué revela?

dinaìmica (input) [work in progress] de Jorge Haro
 
Como un juego de tenues oposiciones, Haro cifra un alfabeto personalísimo donde la materia prima es lo sonoro -o su ausencia- en términos físicos/perceptivos. Nos preguntamos entonces: ¿Qué escuchamos? ¿Cómo lo hacemos? ¿Cuál es nuestro “ancho de banda”? Se trata de poetizar la escucha desplazando el sonido en luz, en vibración, en materialidades ausentes. La obra deviene en un mapa fantasmal. Desafiante explora lo inmaterial: huellas que rondan como residuo, como rastros de lo audible. El movimiento es gesto momificado del proceso. A la vez emerge una suerte de contra-iconografía donde lo visual materializa lo inasequible del sonido: el margen imposible. La obra no teme a estas contaminaciones y sin máscara revela su puesta en escena: Simulacro de montaje-edición. 

"dinámica [input]" le otorga un cuerpo-fantasma al silencio. Su paradoja reside en que Haro desocupa apelando a un juego de sustituciones: cambiar de medio para transformar. Principio de adaptación: cuerpo anfibio. Su ideario de laboratorio nos habilita como voyeur de su experimentación: lo inacabado como formulación poética. Para desmantelar el artificio de lo sonoro, explora lo orgánico desde su concepción de síntesis y el tránsito para convertirse en artefacto y dispositivo.

Spectra de Jorge Haro
 
Lo central en la obra es el proceso como resultado, como no-respuesta. En una suerte de cadavre exquis lo aleatorio -como forma de azar-, naturaliza los procesos artificiales. El artista nos lanza al juego y nos insta a resistir, a alterar nuestras lógicas perceptivas. Finalmente, dinámica [input] es movimiento y quietud; es pausa y pulso. Intensidad en el tiempo.

Por su parte, en la planta alta "intervención #3" del artista Sebastián Tedesco entra en diálogo con la producción del artista Eduardo Pla en la muestra permanente "Historia de un Malentendido", con curaduría de Merlina Rañi. Tedesco es el tercero de siete artistas, junto con Kevin Kripper, Diego Alberti, Azul De Monte, Sebastián Tedesco, Lolo Armdz, Patricio González Vivo y Manolo Gamboa Naón, invitados a lo largo del año, y que sucederán mes a mes a intervenir parte de la selección de la muestra permanente de Pla.

Jorge Haro (Buenos Aires, 1963) es artista. Actualmente es curador del ciclo de conciertos y performances audiovisuales "Escuchar [Sonidos Visuales]", del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
Su producción investiga los aspectos estéticos y científicos del sonido y las vibraciones, con  particular interés en la escucha expandida, la visualización del sonido, las relaciones audiovisuales y los  procesos de transformación de datos. Ha realizado conciertos audiovisuales, instalaciones y exhibiciones en América y Europa. Se destacan sus presentaciones en Sónar+D Buenos Aires (Argentina, 2016); New River Studios (Inglaterra, 2016); Festival Internacional de la Imagen (Colombia, 2014); Festival  Tsonami (Chile, 2013); Situación Sonora: La Deriva Aural, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (España, 2012); Skolska 28 (República Checa, 2011); Festival LEV (España, 2010); Là-Bas Biennale (Finlandia, 2010); Ha colaborado con cineastas, video artistas, net artistas y directores de teatro y de danza. Ha realizado residencias artísticas en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS), y en el EMS Elektronmusik Studion, Estocolmo, Suecia.

La muestra inaugura el sábado 22 de setiembre a las 19.30 horas y se puede visitar de miércoles a sábados de 16 a 20 hs. en Malabia 1841, Loft 2, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

19 de septiembre de 2017

Colección Alvear presenta la exposición de Léonie Matthis


Léonie Matthis. “San Francisco Solano, en el Cusco, Perú”,
 gouache sobre papel, 1945
 
La artista nació en 1883 en Troyes, ciudad cercana a París. Desde muy joven Matthis se interesó por la pintura y fue una de las primeras mujeres en ser aceptadas en la Academia de Bellas Artes de París. Siendo joven viajó a España, pintó paisajes de Andalucía y en Granada conoció al pintor asturiano retratista, Francisco Villar (1871-1951), quien estaba radicado desde niño en Argentina. En 1912 Léonie, de 29 años y Francisco se casaron en Buenos Aires. Luego de un tiempo en la ciudad, se mudaron al pueblo de Llavallol, a una casa-quinta; tuvieron nueve hijos, lo que no impidió a la artista dedicarse a la pintura. 

Sus primeras pinturas son paisajes llenos de luz, de la Quebrada de Humahuaca. A comienzos de la década de 1920 comenzó a viajar por el país, a lomo de burro, junto a sus hijos. Impresionada por el paisaje y el pasado argentino, se informó con documentación de la época para pintar: Su estilo retrata la época colonial en Argentina, pero sin centrarse en los acontecimientos políticos o históricos sino en escenas de la vida diaria de las personas o el aspecto de los edificios. Léonie pintaba al gouache y acuarelas, ilustrando la vida de la época colonial y principios del siglo XX.

"Después de la Lluvia", gouache, 1919
 
Vistas urbanas, luminosos paisajes, escenas de la vida diaria de las personas, edificios coloniales o la historia de la Plaza de Mayo, la artista evocó por medio de su obra todo el pasado de su patria adoptiva. Recorrió también Perú y Bolivia; siendo miembro de la Sociedad de Historia de Bolivia. En 1919 obtuvo el Primer Premio en el Salón Nacional. Expuso sus más de 200 cuadros en casi cuarenta exposiciones individuales. Su esposo Francisco Villar murió en 1951, y ella falleció el 31 de julio de 1952.

Sus obras se pueden apreciar en la muestra retrospectiva "Léonie Matthis", formada por 23 obras de la artista, en Colección Alvear de Zurbarán, desde el 18 de septiembre al 20 de octubre 2017, de lunes a viernes de 12 a 20 hs. y sábados de 10.30 a 13 hs. en Av. Alvear 1658, Buenos Aires, Argentina.

BIENALSUR presenta una selección de artistas brasileños y argentinos que expondrán en el Espacio Cultural de la Embajada de Brasil


Cristina Rossi, el embajador de Brasil Sérgio França Danese y Diana Wechsler inauguran la exposición

La exposición, curada por Cristina Rossi, presenta una selección de obras de artistas latinoamericanos contemporáneos presentes en importantes colecciones brasileñas y argentinas.


El Palacio Pereda, edificio emblemático de Buenos Aires que funciona como la residencia del embajador de Brasil en Argentina, es una de las sedes de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur (BIENALSUR), en la que se expone la muestra "Trazas Simultáneas".
 

Anibal Jozami -director general de la BIENALSUR-, Diana Wechsler -directora artística de la BIENALSUR- y Sérgio França Danese -embajador de Brasil- recorren la muestra

Bajo la curaduría de Cristina Rossi, esta exposición forma parte del eje programático “Colección de colecciones” de la Bienal, y tiene, en este caso, el apoyo de la Embajada de Brasil.
La muestra inscribe en la trama del arte latinoamericano una selección de obras de los principales artistas de producción actual, cuya poética indaga sobre diversos aspectos, desde los formales y sensoriales hasta las cuestiones provenientes de su cultura y la memoria social. Si bien se trata de artistas de origen latinoamericano, muchos residen y producen desplazándose desde un país hacia otro; no obstante, sus obras imprimen las vivencias que recogen a través del mundo sobre huellas identitarias reconocibles.
 

Paola Monzillo. Este es el territorio que habito, 2012
“Trazas Simultáneas posee una expresividad sin igual, tanto en términos de calidad como de representatividad, al lograr reunir a artistas de altísimo nivel provenientes de distintos países de América Latina. Estamos muy contentos de ser sede de esta exposición, en el marco de la BIENALSUR, y agradecidos a los coleccionistas por ceder sus obras para la apreciación colectiva”, expresó el embajador brasileño Sérgio França Danese.
La exhibición presenta una “Introducción a la mirada latinoamericana” y se desarrolla en tres núcleos -“Entornos sociales: Crisis y Cultura”, “Hombre buscando su lugar” y “Espacio y tiempo de la memoria”-, que aproximan las interpretaciones de estos artistas sobre el entorno hombre y los territorios en los que se desenvuelve, generando un conjunto de “trazas simultáneas” que ofrece un panorama que busca interpelar al espectador para abrir nuevos interrogantes desde el arte contemporáneo.

Pedro Tyler. Home Safe, 2009
 
El recorrido también articula un espacio de diálogo entre bienales, a partir de la proyección del video proveniente de la Bienal Internacional de Curitiba. 
França Danese manifestó que “la participación de la Embajada se enmarca en un cuadro general más amplio de cooperación de Brasil con la Bienal. San Pablo, Río de Janeiro y Río Grande do Sul  albergarán muestras de artistas latinoamericanos, africanos y europeos en distintos puntos de sus  capitales y del interior, y obras de artistas brasileños se expondrán en países como Puerto Rico y  Perú, como reflejo de la sinergia cultural a nivel global que con mucha competencia está gestando  el equipo de la UNTREF”.
 

Diana Dowek junto a una de sus obras
Los artistas que forman parte de estos núcleos de “Trazas Simultáneas” son: Claudia Andujar (Brasil), Ernesto Ballesteros (Argentina), Fabiana Barreda (Argentina), José Bedia (Cuba), Fredi Casco (Paraguay), Sebastián Desbats (Argentina), Mirtha Dermisache (Argentina), Dias & Riedweg (Brasil/Suiza), Diana Dowek (Argentina), Jorge Eielson (Perú) , Tomás Espina (Argentina),, Carlos Gallardo (Argentina), Geli González (Argentina), Voluspa Jarpa (Chile), Guillermo Kuitca (Argentina), Fernanda Laguna (Argentina), Jac Leirner (Brasil), Alberto Lastreto (Argentina), Jorge Macchi (Argentina), Hernán Marina (Argentina), Fabián Marcaccio (Argentina), Cildo Meireles (Brasil), Mondongo (Argentina), Paola Monzillo (Uruguay), Fabio Morais (Brasil), Gisella Mo_a y Leandro Lima (Brasil), Vik Muniz (Brasil), Ernesto Neto (Brasil), Daniel Ontiveros (Argentina), Pablo Reinoso (Argentina), Rosângela Rennó (Brasil), Graciela Sacco (Argentina), Osvaldo Salerno (Paraguay), Betina Sor (Argentina), Pablo Suárez (Argentina) y Pedro Tyler (Uruguay).
 
Hernán Marina. Clavadistas Nº5, 2009
Abajo a la izquierda  de la obra de Hernán Marina se lee la frase de Viktor Emil Frankl:

Al hombre se le puede arrebatar todo,salvo (…)
la actitud personal ante un conjunto de circunstancias
para decidir su propio camino


La muestra se puede visitar de 12 a 18 horas, de miércoles a domingo, en Arroyo 1142, Espacio Cultural de la Embajada de Brasil, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

La agenda completa de la BIENALSUR puede consultarse en: www.bienalsur.org.

18 de septiembre de 2017

Se presentó en el Museo Nacional de Bellas Artes "El caos que constituimos", el nuevo libro de Yuyo Noé


El artista Luis Felipe Noé presentó en el Museo Nacional de Bellas Artes su última obra ensayística, “El caos que constituimos”, una publicación escrita este año y realizada por el museo acompañando su muestra “Mirada prospectiva”.
En el libro, que se distribuirá en instituciones culturales públicas del país, Noé elabora distintas reflexiones en torno al caos, tema central de la exposición que concluye el 20 de septiembre en el Bellas Artes.

“Es un orgullo presentar esta faceta de un gran artista plástico. La producción teórica de Noé es tan importante como su obra pictórica, y este libro, de alguna manera, complementa y completa su muestra exhibida en el Museo”, explicó el director del Bellas Artes, Andrés Duprat, quien presentó el libro junto con el autor, la investigadora a cargo del cuidado editorial de la publicación, Lorena Alfonso; el crítico de arte y editor Fabián Lebenglik; y la curadora de la muestra, Cecilia Ivanchevich.
“Para el Museo, es muy importante hacer esta exposición, pero es igual de importante dejar una huella textual, como esta obra ensayística, algo que no es habitual en una exhibición temporaria. Publicar esta obra es ser sensibles con lo que propone el artista”, agregó Duprat.
"Después de la creación, ha venido el caos. Hay caos que gestan órdenes y viceversa, desde siempre", explicó Noé sobre el concepto medular de su obra. "Es necesaria la asunción del caos, esto es, darnos cuenta de que el caos ha sido siempre la vida. Todavía no se ha elaborado una teoría general del caos, por eso este libro es de aproximaciones", precisó.
Refiriéndose a su actual exposición en el Bellas Artes, que reúne seis décadas de producción, el artista aseveró: "Puedo decir sin exagerar que he nacido de nuevo con esta muestra". "Algunos dicen que me mantengo joven: tengo voluntad de seguir creando. Admiro a los artistas como Tiziano y Claude Monet que hicieron su mejor obra de viejos. Quiero hacer mi mejor obra de viejo. Gracias a esta exposición, hay gente que empieza a entender que hay un Noé de este siglo", añadió.

“El caos que constituimos” retoma las tres líneas de lectura que han guiado al artista a lo largo de seis décadas de actividad y que estructuran su "estética del caos": la conciencia histórica, la visión fragmentada y la línea vital.
Las aproximaciones que Noé desglosa en estas páginas reflejan su visión actual del caos, sobre el que ha reflexionado desde los inicios de su trayectoria. Así, su interés por el tema puede rastrearse a la década del 60, cuando comenzó a referirse a la "asunción del caos" y al "caos como estructura", en tanto modos de reaccionar a la normatividad artística. Una de las primeras contribuciones en este sentido es su clásico texto "Antiestética", editado en 1965.
Qué debe entenderse por "caos" y sus distintas interpretaciones en el campo artístico, particularmente en las artes visuales, son los interrogantes que hacen avanzar este ensayo, donde el autor elabora una serie de reflexiones filosóficas, políticas y estéticas, y las coloca en serie con su producción artística y teórica.
Con esta publicación, el Museo Nacional de Bellas Artes contribuye a difundir la obra de uno de los grandes creadores contemporáneos argentinos, con el objetivo de ampliar la circulación y el debate acerca de una perspectiva estética y un pensamiento renovadores y vitales.
Hasta el 20 de septiembre, la exposición “Luis Felipe Noé. Mirada prospectiva” reúne pinturas, dibujos e instalaciones y libros realizados por Noé a lo largo de sesenta años, y pone el acento en las constantes y variables con las que el artista desarrolla su “estética del caos”, entre 1957 y 2017.