9 de diciembre de 2016

Se inauguró el Museo Expresionista Valladares


El miércoles 30 de noviembre se presentó al público la Fundación para la Investigación e Integración Audiovisual, integrada por Natalio R. Saal, Mauricio H. Libster, Pablo J. Selemin, Juan Carlos Tassitani, Luis A. Fischetti, Manuel Cáceres, Lautaro R. Dores y Edmund A. Valladares. Asesor Horacio Bauer. 

La Fundación está compuesta por artistas, empresarios, coleccionistas y científicos, con el objetivo de crear el Museo Expresionista Valladares, único en el país.  Además de contener las obras de un artista prestigioso y reconocido, con distinciones de todos los países del mundo, siempre tuvo como objetivo resaltar e integrar el arte, moderno y contemporáneo expresionista aunando la pintura, el dibujo, la escultura, el cine, la música. 
En el museo ya se exhiben, no sólo las pinturas del maestro Valladares sino también la de jóvenes artistas plásticos con larga experiencia en el metier, dentro de la misma concepción que se mencionó previamente. Al iniciarse el acto tomó la palabra el vicepresidente de la Fundación, Dr. Mauricio H. Libster para resaltar los objetivos que llevaría adelante la Fundación. Asimismo hizo uso de la palabra el Sr. Luis A. Fischetti destacando el motivo que fue lo que unió al grupo que es el de la pasión por la forma en que siempre se encaró el tema del arte, como parte de la cultura y la pasión con que siempre fundamenta estos propósitos, todo el grupo, coincidentes con el maestro Valladares. 
Edmund Valladares entrega el Diploma de Honor al artista Yaco Nowens
 
A la presentación asistió el presidente de la SAAP Sociedad Argentina de Artistas Plásticos, Carlos Tesarollo, quien presentó una carta de adhesión de la Asociación que preside.
Durante el acto recibieron Diplomas de Honor, profesionales de la crítica del arte, científicos, ensayistas, hombres de la cultura en general tales como: Rosa Faccaro, Adoilfo Martínez, Mauricio Neumann, Yaco Nowens, Jaqueline Texier,  Marité Ponisio, Horacio Bauer y Nora Lafon. 
Se destacó que este evento se tome como la carta de presentación, a partir de allí se iniciarán los programas que se llevarán a cabo, entre exhibición plástica, conferencias, como así también la constitución de la Asociación de Amigos, a partir del año próximo.

Mirá todas las fotos en: https://www.facebook.com/mirta.herrero.52.

6 de diciembre de 2016

El día de la Virgen inaugura una muestra de pequeños altares en el Museo de Arte Popular José Hernández


El jueves 8 de diciembre a las 18.30 horas el Museo de Arte Popular José Hernández inaugura la exposición Yo te cuido. Pequeños altares de vírgenes de cerámica realizados por la artesana Paulina Rucco.

La exposición permite percibir otra concepción del territorio y el tiempo, donde la propuesta es demorarse, reflexionar y buscar en la profundidad de nuestras propias relaciones con la Madre (la de cada uno, la naturaleza y la Virgen).

“Un altar, un retablo.... piezas que nacen de la tierra; de la gran madre.
En estas obras, el rol del otro es el de hijo. Hijo de la Madre Tierra, hijo de estas vírgenes que se deja envolver con la mirada amorosa y protectora de la madre.”
 

Paulina Rucco se dedica a las artes del fuego. En esta serie; por su vinculación con el tema, eligió a la Madre Tierra como material: la arcilla, que a través del fuego se eterniza y se convierte en cerámica. En el jardín del museo podrán además disfrutar de una obra colectiva impulsada por ella, el Mandala de la Tierra, realizada en forma participativa, reciclando vidrios rotos de un temporal en la provincia de Buenos Aires (entre otros materiales).

5 de diciembre de 2016

El MACBA presenta “Salón Francés”


Con la curaduría de Marie Sophie Lemoine, se exhibe en el MACBA “Salón Francés”, donde se presentan obras de las artistas francesas Vera Molnar, Ode Bertrand, Geneviève Claisse, Cécile Bart, Véronique Joumard, Suzanne Lafont, Tania Mouraud, Orlan y Valérie Belin.

Según expresa Domitille d’Orgeval (fregmento):

"La selección aquí realizada hace honor a nueve artistas francesas: Vera Molnar, Geneviève Claisse, Ode Bertrand, Tania Mouraud, Orlan, Suzanne Lafont, Cécile Bart, Véronique Joumard y Valérie Belin. De diferentes generaciones (sus creaciones se extienden a lo largo de un período que va de los años 50 hasta la actualidad), tienen en común una ausencia de concesiones en su práctica artística y una total fidelidad a sus comienzos.
Dado que el punto de vista adoptado por la curadora de la exposición, Marie Sophie Lemoine, no es ni femenino ni feminista, la intención no es en absoluto situar el concepto de género en el centro de esta selección. Por otra parte, si bien no se trata de un enfoque exhaustivo, la vitalidad y la diversidad de la escena artística francesa están perfectamente ilustradas, con un abanico de propuestas que va desde la abstracción geométrica de Vera Molnar hasta el arte carnal de Orlan, desde las imágenes silenciosas y desencarnadas de Valérie Belin hasta las vibraciones lumínicas de Véronique Joumard. 

Vera Molnar. Deploiement, 1958-2006, acrílico sobre lienzo
La radicalidad del compromiso plástico de Vera Molnar (nacida en 1924 en Budapest), decana de la muestra, se mide en el proceso de reducción al que ha sometido el conjunto de su producción. Procurando establecer “una ciencia del arte”, somete sus cuadros geométricos a la dialéctica del orden y del azar (mediante el recurso a la cuadrícula y a sistemas de clasificación, de ordenamiento y de perturbación). Consiste en elaborar programas matemáticos simples, calcados sobre el funcionamiento de los primeros cerebros electrónicos, y luego realizar series de transformaciones de formas. Con toda lógica, en 1968 la artista opta por la verdadera computadora, de la cual es una de las pioneras en Francia. Desde hace unos veinte años, Vera Molnar se dedica a un nuevo juego con el ordenador. Fabrica imágenes, las compone de manera subjetiva, a mano, con las formas y los materiales que desea, y luego programa la computadora para que desarrolle todas las variaciones posibles. De ello da testimonio su texto Solo d’un trait noir, que enumera las posibilidades del trazo, y del cual se transcribe aquí un fragmento: “…Una línea que describe codos, zigzags, meandros… Una línea que se repliega, se encierra, se retuerce, se arrastra… Una línea, como un currículum vítae, a imagen del conjunto de mis actividades pasadas: compendio de mi vida”.

Ode Bertrand. Sceau 23, 25 y 26, óleo sobre lienzo
Ode Bertrand (nacida en 1930 en Paris), preocupada por la expresión del ritmo, ha hecho igualmente de la línea recta su mejor aliada. En una entrevista con Anne Tronche, confía: “…en mi pintura, hay al principio la constitución de un orden, pero éste llama rápidamente a lo que denomino el “caos”, es decir, un hecho que altera su puro equilibrio”. Esa relación de fuerza está particularmente presente en la serie Sceau (1990), donde las líneas negras, más o menos gruesas, se cortan y se entrecruzan de modo tal que determinan esquemas triangulares con trazados incesantemente replanteados.

Cuando Geneviève Claisse (nacida en 1935 en Quiévy) habla de su pintura, expresa bastante rápidamente su adhesión al principio de “libertad”, tanto en la manera en la que encara su carrera artística como en la evolución de su repertorio plástico: “Mis formas son libres por sí mismas”, afirma. Ese sentimiento de libertad se manifiesta muy bien a través de la serie de los Triangles, cuyos ángulos cortantes y sus inflexiones oblicuas penetran activamente el espacio e invitan a un verdadero vuelo de la mirada. En oposición a los triángulos, en los Cercles explota con virtuosismo la dinamogenia de los colores asociados a las formas circulares.
Cecile Bart. 3 pinturas gliceroftálicas sobre voile tergal, 2015, 2001 y 1999
Perteneciente a otra generación, Cécile Bart (nacida en 1958 en Dijon) ha trabajado desde sus comienzos con la geometría. Pero muy pronto sintió la necesidad de salir de las dos dimensiones del cuadro, y a fines de la década de 1980 desarrolló su herramienta de investigación, las Peintures/écrans. Abstractas y monocromas, éstas consisten en telas de voile tergal tensadas en bastidores, teñidas con colores aplicados con pincel en varias capas, para no afectar su transparencia. Interviniendo concretamente en el espacio arquitectónico, Bart las dispone de diversas maneras (fijadas al piso o suspendidas), y da lugar así a una coreografía cromática que, según el lugar que ocupen, nunca es la misma.

Intimamente ligada al color, la luz es uno de los componentes esenciales del trabajo de Véronique Joumard (nacida en 1963 en Grenoble). Esta artista, que considera la luz eléctrica como único tema de la obra, manifiesta su originalidad exhibiendo todo; es decir, el conjunto de los elementos que aseguran su buen funcionamiento: la lámpara, pero también el cable que lleva la electricidad hasta ella desde el tomacorriente. 

Suzanne Lafont. Embarras, 2003, impresión inkjet, 6 fotografías
El trabajo fotográfico de Suzanne Lafont (nacida en 1949 en Nîmes) sumerge al espectador en universos que no cesan de señalar el apego de la artista al lenguaje y a la ficción. Su obra, que tuvo un auge importante a comienzos de la década de 1990, abreva en diversas fuentes: el cine, el teatro, pasando por la fotografía y la literatura. El talento de Suzanne Lafont se revela también en su puesta en escena de imágenes que muy tempranamente se esmeró en hacer salir de su soporte convencional para ocupar el espacio de la exposición, con el fin de trabajarlas por secuencias o en movimiento, como conjuntos: “Si las imágenes se disponen generalmente junto con los elementos textuales, una alternancia de proyecciones, de impresiones fotográficas y de serigrafías sobre papel define diversas propuestas espaciales, rigurosas. Experiencia poco corriente: el espectador encuentra tantos dispositivos diferentes como obras”. Mediante esa ampliación de su campo de acción, Suzanne Lafont practica un incesante desplazamiento de sentido y de formas y afirma la idea de que una imagen solo tiene significado en relación con un contexto dado.

Más abiertamente político, el arte de Tania Mouraud plantea la pregunta del compromiso del artista en la sociedad y su responsabilidad ante la historia: “Si política significa interrogar la realidad, desenmascarar los prejuicios, acorralar la ideología, hacer un enfoque de la realidad, entonces mi trabajo es esencialmente político”, declara la artista. Conocida principalmente por sus escrituras en blanco y negro, que despliega con fuerza en el espacio urbano a partir de fines de los años 70 desde los 2000 Tania Mouraud se dedica cada vez más al video. Por medio de esta nueva práctica, pone de manifiesto, con una emoción y una fuerza exacerbadas, una temática a la que es muy afecta: la destrucción del hombre por el hombre.    
    
Orlan. Serie African SelfHybridization, 2000-2003
Igualmente insumisa, Orlan (nacida en 1947 en Saint-Étienne), desde fines de los años 60, se concentra en el cuerpo femenino y sus potencialidades de transformación interrogando los estereotipos de belleza a partir de un ideal estético predeterminado. Entre 1978 y 1988 emprendió así un trabajo sobre la iconografía barroca, corriente de la historia del arte que le interesa por su carga subversiva subyacente.
A partir de 1998, con la serie Refiguration/Self-Hybridation, la artista recurre al morphing para transformar virtualmente su rostro según los cánones de belleza dominantes en otras civilizaciones: “Emprendo actualmente una vuelta al mundo de los estándares de belleza entre los precolombinos (deformaciones del cráneo, estrabismo, nariz postiza…). Con ayuda de la computadora, hibrido mi propia imagen con la de esculturas que presentan esos caracteres para crear otra propuesta, otro modelo de belleza”. Esas bellezas mutantes, que encarnan una forma de mestizaje de los saberes y de las culturas, ofrecen un eco fascinante e inquietante a las teorías de lo virtual y de la clonación.
Valerie Belin. Bob #3, 2012, edición especial, impresión látex
Valérie Belin (nacida en 1964 en Boulogne-Billancourt), con sus fotografías, ha elaborado una estética del artificio donde los sujetos representados ya no remiten a una identidad definida, sino a clichés, estereotipos que la artista “se dedica a deconstruir creando una perturbación que cuestiona su evidencia”. La artista se hizo famosa, en 2003, con la serie Mannequins, cuyas bellezas puramente plásticas encarnan el estereotipo por excelencia. Si, de lejos, esas caras con sonrisas congeladas y desprovistas de interioridad parecen verdaderas, a medida que uno se aproxima a ellas se instala la duda: ya no se sabe qué corresponde a lo natural o a lo artificial, al ser o al objeto.

Mezclando los estilos y las generaciones, las propuestas plásticas aquí reunidas favorecen las aproximaciones, los cruces, lo cual contribuye a enriquecer su propósito. Así, Suzanne Lafont y Tania Mouraud, nos invitan a reflexionar sobre nuestra relación con el mundo, a través de dispositivos visuales de una gran riqueza polisémica. Las creaciones de Orlan y de Valérie Belin presentan muchos puntos en común: esta última, que ha construido su corpus fotográfico en torno de la materialidad del cuerpo y de la vanidad de las apariencias, coincide con el trabajo de reflexión emprendido por Orlan sobre la deconstrucción de la identidad femenina y los estereotipos. Minimalistas y depuradas, las instalaciones de Cécile Bart y Véronique Joumard extienden el campo de lo visible más allá de los límites materiales del cuadro, atrayendo al espectador ya no únicamente en el campo de la mirada, sino también en el del espacio y el tiempo. Finalmente, ciertas fronteras entre las artistas resultan más porosas de lo que se piensa, cuando, por ejemplo, se advierte la voluntad recurrente de crear efectos de tensión, de perturbación o de extrañeza utilizando procedimientos muy diversos, como la apropiación (Valérie Belin, Suzanne Lafont), o valiéndose de la oposición de contrastes formales (Vera Molnar, Ode Bertrand, Geneviève Claisse), o de desplazamientos semánticos o perceptuales (ORLAN y Véronique Joumard). Es, pues, en la permeabilidad de las categorías y los estilos, estimulando intelectual y estéticamente, como la mirada sobre la escena artística femenina francesa actual que se nos ofrece marca su pertinencia."

La exposición se puede visitar hasta el 26 de febrero, de lunes a viernes de 11 a 19 horas y los sábados y domingos de 11 a 19.30 horas en el MACBA, Avenida San Juan 328, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.

Art Lounge + MB: 17 artistas, un jardín


“Hay una isla en pleno corazón de Buenos Aires, una casa que alberga el arte y un jardín con un espejo de agua. Allí se detuvo el tiempo. El aprecio por el arte es tradición en la Argentina y, desde fines del siglo XIX hasta principios del XX, los coleccionistas de la sociedad criolla abrían sus casas con afán didáctico. En esa época surgió además el gusto por las calles, plazas y parques arbolados y los jardines florecidos que hoy embellecen a Buenos Aires. La visión conjunta del arte y la naturaleza moviliza impresiones sensoriales intensas y estimula la sensibilidad.
Las aficiones botánicas del misionero Andrés Paredes configuran obras donde la estética se cruza con la ciencia. El entramado de la selva ocupa el interior luminoso de una caja blanca donde, con la pericia de un entomólogo, el artista dispuso mariposas amarillas de su tierra natal. Sus ondulantes maderas caladas emulan la vegetación y se desplazan entretanto con la libertad de un gesto poético, hacia los muros exteriores.
Las luces y sombras del follaje de los árboles ostentan la armonía de la naturaleza; no se divisa el horizonte desde el jardín, pero se adivina.
'Construyendo el sueño de la vuelta' se titulan los barcos de Alberto Bastón Díaz que, realizados en hierro y papel de diario, avivan recuerdos de la infancia. Sus esculturas aparecen varadas en un astillero, pero despiertan la evocación de todos los puertos y buques que habitan nuestra memoria.

En plena primavera, la belleza del jardín potencia la belleza del arte. Rogelio Polesello nos ha dejado la lección de un maestro: una figura suavemente redondeada de un color cobre incomparable se curva sobre sí misma con aerodinámica gracia. Luego, con las tonalidades del arcoíris el artista pintó las transparencias y reflejos de sus esculturas de acrílico, y así configura un cuadro que es una reflexión sobre su propia obra. En la misma línea abstracta y con aparente simplicidad, Natalia Cacchiareli traza una serie de rombos. El color es protagonista. Después de estudiar la paleta de Monet y de varios contemporáneos, Cacchiareli incorporó el amarillo y los tonos tierra que nunca había usado, realizó pruebas y más pruebas y hoy estrena sus nuevos colores.


El predominio tecnológico de la vida actual provoca reacciones diversas, algunos artistas incorporan estos avances mientras otros salen a buscar valores estéticos del pasado. En los paisajes de Vicente Grondona los ritmos provienen del viejo Impresionismo. Si bien sus paisajes son monocromáticos, reiteran, con su pincelada alucinada y también exasperada, la agitación de una naturaleza palpitante. Federico Villarino utiliza por su parte, el paisaje como base o fondo de sus abstracciones, el verdadero motivo de la obra. Las imágenes de los bosques poseen su propio carácter y una identidad autónoma, pero sobre ellos flotan, ingrávidas como naves en el espacio, las estructuras geométricas.

Al igual que los pintores viajeros que visitaban tierras exóticas y regresaban con sus estudios y apuntes, Santiago Gasquet se internó en el universo de las enciclopedias botánicas y de allí volvió con las imágenes icónicas de unas plantas medicinales. La nítida objetividad de estos dibujos se contrapone al barroquismo excesivo de sus bellísimas plumas, también representativas de lo lejano y distante.


Vivencias, experiencias, ideas y visiones; miedos y deseos; ensoñaciones y creencias, afloran en los lienzos de Máximo Elizondo. En sus pinturas es posible rastrear vertientes estéticas que se cruzan. Hay un cuadro rojo con la potencia dramática del expresionismo, pero hay, también, imágenes alegres y juguetonas influenciadas por el comic, el salvajismo de El Aduanero Rousseau y los primitivos. Sin prejuicios, Elizondo se afianza en lo propio.

La fragilidad de un pequeño ciervo está presente en la escultura de Desirée De Ridder. A través del encanto y la seducción que ejercen sus piezas de cerámica esmaltada, De Ridder invita a preservar la naturaleza en riesgo de extinción. ¿Arte político? Sí. Pero lejos de los discursos altisonantes. La elocuencia de las esculturas reside en la capacidad de punzar el sentimiento.

La silueta estilizada y casi abstracta de un inmenso pájaro rojo irradia su energía en el jardín. Pablo Dompe oscila entre la figuración y la abstracción y sus esculturas de mármol revelan la intensa relación que establece con la naturaleza del material. Su obra trae gratas resonancias de las grandes obras que habitan los museos y depara la experiencia de la llamada “persistencia del arte antiguo”. El arte no se resigna a perder su pasado.


María Noel intervine con gesto sensible y distintas técnicas las páginas de un Catálogo Razonado de Chardin, una edición numerada en papel Madagascar, publicada en Paris en 1937. El papel impreso arrastra su propia historia y cierta melancolía. Fue un noble documento artístico. Noel superpone sus manuscritos de puño y letra y unas pinceladas expresivas, en las mismas páginas transcribe “Two English Poems” de Borges. De este modo, con su hermosa escritura y su arte, agrega capa sobre capa de intensa significación.

Las pinturas de Gilda Picabea poseen curvas que se deslizan y giran veloces alrededor de un eje mientras otras se fragmentan. Los verdes se conjugan con los amarillos y las abstracciones se resuelven en la energía de un gran acorde. La obra se acerca a la música.

Con tinta negra, el pulso firme y un corazón amable, Máximo Pedraza pinta un partido de golf. Las peripecias del juego son, como sugiere el artista, metáfora de la vida misma; el obscuro campo de juego es el mundo y, la condición nocturna del paisaje, profundiza la significación del planteo existencial.

El collage de materiales de Dalia Alvarez Kaireles (aluminio, vidrio, madera, acrílico arenado y anodizado) brilla como una joya. La pieza cuelga de la pared, es abstracta y tiene un bajorrelieve densamente elaborado donde contrastan las opacidades y los reflejos. Las redondeces rodeadas de acrílicos cumplen la función de una guarda decorativa.

Dora Isdatne presenta su obra en un cubo de cristal abierto al cielo en medio del living. Así mismo parodia lo natural con sus bosques, frutos y semillas artificiales.
Lo falso no pretende confundirse con lo verdadero sino destacar la función del artificio ornamental.
Los diseños de Poggio se adaptaron con facilidad a la arquitectura neutra de la casa que mira al jardín. Las formas en permanente expansión de la naturaleza y el arte coinciden e induce esforzarse para “ver”, en el sentido más amplio del término."

El Museo Nacional de Bellas Artes festeja sus 120 años con numerosas actividades gratuitas


Durante el mes de diciembre, el Museo Nacional de Bellas Artes celebra los 120 años de su creación con una serie de actividades especiales de entrada gratuita, organizadas con el apoyo de la Asociación Amigos de la institución. Se inaugurará una exposición histórica que evoca los tiempos fundacionales del Museo, y habrá obras de teatro, mesas redondas, conciertos, visitas guiadas y actividades para chicos.

Creado en 1895 por un decreto de José Evaristo Uriburu, en la Navidad de 1896 abría sus puertas el Museo Nacional de Bellas Artes en el edificio del Bon Marché de la calle Florida (hoy, Galerías Pacífico). Su creador, Eduardo Schiaffino -pintor, crítico, historiador del arte, uno de los fundadores de la Sociedad Estímulo de Bellas Artes, en 1876, y del Ateneo, en 1893-, postulaba la autonomía del arte nacional. Bajo su impulso, nacía una institución que abrió en el país un camino para construir la memoria visual propia, puesta en diálogo con la escena artística mundial.
Las primeras donaciones que recibió el Museo fueron las colecciones de Adriano Rossi y José Prudencio de Guerrico, en 1895, además de obras pertenecientes a artistas y coleccionistas amigos de Schiaffino. De esta manera, el patrimonio inicial del museo estuvo compuesto por 163 obras.

El lunes 12 de diciembre tendrán lugar los festejos centrales, a partir de las 20 horas, con la inauguración de la muestra conmemorativa “120 años de bellas artes”, en el segundo piso del museo, y la actuación del Sexteto Irreal en las terrazas del edificio.
Curada por Ángel Navarro, la exposición celebra el grupo fundacional de obras, la acción de Schiaffino y de los donantes de entonces, así como también el rol central del estado en la consolidación institucional y el trabajo realizado desde hace 85 años junto con la Asociación de Amigos.

Los martes 13 y 20, y los miércoles 14 y 21 a las 18.30 horas, el cuarteto de cuerdas Gianneo tocará en vivo en la sala 5 del museo, donde interpretará obras de Alberto Ginastera y Ludwig van Beethoven. Asimismo, los mismos días a las 20 horas, se realizará la visita guiada “El nervio óptico”, una versión teatral del libro homónimo de María Gainza, en el que la autora combina fragmentos de la historia del arte con datos autobiográficos.

El miércoles 14, en la sala Antonio Berni, se realizará una jornada sobre la historia del museo, coordinada por Laura Malosetti Costa. A las 11, especialistas dialogarán sobre los inicios de la institución, desde su fundación hasta 1950 y a las 15, la charla girará en torno a las últimas décadas del Museo, desde 1950 hasta la actualidad. A las 18, tendrá lugar la segunda edición del ciclo “Obras escogidas”, coordinado por Laura Isola, en la que la escritora y crítica cultural María Moreno realizará un recorrido por sus obras preferidas de la colección y compartirá con el público sus gustos, motivos literarios, y sus ideas sobre las artes visuales y la literatura.

El viernes 16, sábado 17 y domingo 18, a las 20.30 horas se presentará la obra de teatro “Apátrida, doscientos años y unos meses” en el Auditorio de la Asociación Amigos del MNBA. Ambientada en 1891, la obra, escrita, dirigida y protagonizada por Rafael Spregelburd, cuenta también con la actuación de Federico Zypce. En ella, un grupo de artistas argentinos comandados por Eduardo Schiaffino pretende fundar –con una modesta exhibición en la calle Florida– un arte nacional.

Para los más chicos, el sábado 10 y el domingo 11, de 15.30 a 17 horas habrá un paseo para explorar entre cuadros, tapices, personajes y artistas. Los niños se embarcan en la aventura de completar misiones y descubrir los secretos de las obras, para luego pintar en el taller. Más tarde, a las 17, personajes y autores invitan a conocer la historia detrás de las imágenes en “Cuadros de fiesta”.

Además, todos los martes y miércoles del mes, incluyendo el 6 y 7 de diciembre, a las 14 horas se realizará la visita “Había una vez un museo”, un recorrido por el Bellas Artes desde sus orígenes, a través de los grandes momentos que marcaron su historia y su colección.

4 de diciembre de 2016

Susana Yamashiro expone sus obras inspiradas en el teatro kabuki en el Centro Cultural Borges


El martes 6 de diciembre a las 19 horas Susana Yamashiro inaugura “Líneas y planos, entre curvas y espacios” en el Centro Cultural Borges, con curaduría de Martha Nogueira.
Las obras están plasmadas como instalaciones y concretadas con láminas de acrílico, papel, papel de arroz y tinta. El plano de acrílico se desarrolla sobre un prisma de base semicircular, produciendo una tridimensión virtual.
Estas obras, inspiradas en el teatro kabuki visibilizan el recurso del uso de las máscaras blancas, con un lenguaje puramente plástico, visual y con un concepto moderno de ese tradicional teatro.
El teatro kabuki, creado al final del periodo Edo S. XVI, es una de las formas antiguas del teatro japonés. Los actores exhibían máscaras, vistosos vestuarios en coloridos escenarios.
Algunos personajes masculinos interpretaban roles femeninos “Onnagata”. Usaban “Kesho”, maquillaje en base a polvo de arroz “Oshiroi” para su representación. Otros usaban “Kumori”, colores fuertes para realzar y exaltar las líneas faciales.
Estas obras expresan la transformación de aquellos blancos maquillajes de ese tradicional teatro, cargados de simbolismos, en máscaras blancas concretadas con un concepto plástico, visual y moderno.

“Susana Yamashiro posee el fervor de la energía creadora.  Esta capacidad volcada sobre un soporte designa un derrotero gráfico.
Va  a ser la línea y la mancha a través del dibujo, la aguada o la acuarela, la que designará su capacidad de captar la forma y el movimiento.  Sus trazos son rápidos, tienen la velocidad de la instantaneidad, cuya proyección sobre la superficie los convierte en el eje de la mirada.
Su formación plástica es rigurosa, y le permite no dudar sobre el plano.  Esta superficie vacía se convierte en un pequeño campo de batalla.  Los rasgos personales, traducen sus raíces orientales.  Comparada a la estructura breve del “haiku”, resuelve la figura humana con el mínimo de elementos gráficos.  Esta virtud del parentesco entre la unidad breve de la mancha o el trazo, y el sentido del  relato visual, nos hablan de una especificidad plástica personal  que la define como artista plástica.
Susana Yamashiro expondrá su nueva producción en una muestra que, a no dudar, contará con un público que tendrá la capacidad de aquilatar ese don específico de un temperamento que se despliega con un variado y sabio vocabulario gráfico.” Rosa Faccaro, Asociación Argentina e Internacional de Críticos de Arte.
La muestra se puede visitar de  lunes a sábados de 10 a 21 hs. y los domingos y feriados de 12 a 21 hs. en Viamonte 525 -esquina San Martín- galerías Pacífico,  Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.

2 de diciembre de 2016

Benito Laren presenta “Miloimaginaba” en Milo espacio de arte


Milo, espacio de arte presenta la muestra "Miloimaginaba" de Benito Laren, donde el artista exhibe obras que reflejan su visión particular del universo. 
Benito Laren es artista, escritor y realizador de videos argentino. Nació en San Nicolás de los Arroyos (Provincia de Buenos Aires) el 12 de enero de 1962.
Allí realizó sus primeros estudios de dibujo y pintura. Asimismo cursó dibujo técnico lo cual le permitió conocer los secretos de la geometría y los diversos tipos de perspectivas que aplica en su vasta cantidad de obras ópticas. Se graduó como Técnico químico en 1983, actividad que suma a su obra por medio de la experimentación y combinación de elementos extraños y diferentes.
Su intención, desde que tuvo conciencia, fue ser famoso y rico. Pintando cuadros quizá lo lograría. Entonces, inventó a Benito Laren, y una biografía nueva que sitúa sus orígenes en el planeta Marte. 
Milo Lockett y Bentio Laren. Foto gentinleza Manuel Álvarez
Rechazado en todos los salones o concursos de pintura a los que se presentó, los trabajos del Marciano despertaron el interés de quien dirigía en esa época la galería del Centro Cultural Rojas, Jorge Gumier Maier, que le organizó una muestra. El día de la inauguración se apenó de que no hubieran concurrido el entonces presidente Carlos Menem, Mirtha Legrand y Susana Giménez pero impactó a los artistas que hoy son reconocidos como «la generación del Rojas».
Participó de varias exposiciones y su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas en el país y en el extranjero, y, si bien la estrategia de inserción en el medio de las artes visuales que inventó siempre fue extravagante, se convirtió, pese a él, en un referente ineludible del arte contemporáneo argentino.

La muestra se puede visitar en Milo espacio de arte, Cabrera 5507 (esquina Humboldt), Palermo Hollywood, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.

1 de diciembre de 2016

Último Gallery del año en Palermo y Villa Crespo


Gallery anuncia la realización de su cuarta y última edición del año del circuito Palermo / Villa Crespo que tendrá lugar el próximo sábado 3 de diciembre entre las 17 y las 20 horas en más de 30 espacios culturales que abrirán sus puertas para presentar a sus artistas y mostrar sus últimas producciones.

Es una invitación a disfrutar en un ambiente social y descontracturado por propia cuenta o en compañía de algunas de las mejores expresiones de arte de nuestra ciudad, incluyendo obras de artistas consagrados y jóvenes promesas de la escena local, nacional e internacional; invitación que se completa además con la posibilidad de disfrutar de música en vivo con una copa de espumante Nieto Senetiner o cerveza Premium Grolsch.
Esta edición, además de realizarse en horario vespertino, cuenta con un circuito con combis gratuitas y a disposición del público que desee recorrer los espacios con mayor comodidad. En lo que va del año, los Gallery Day de Palermo y Villa Crespo contaron con la participación de más de 30 espacios -15 de los cuales se sumaron recientemente- y la exposición y difusión de la obra de más de 300 artistas.
El circuito propuesto para esta última edición de 2016 cuenta con diversas actividades y muestras a destacar, entre las cuales se encuentra: a las 17.30 hs una visita guiada libre para todo público organizada por Arte al Día. El punto de encuentro es en Espacio Pla (Malabia 1841, loft 2) y a partir de allí se realizará un walking tour por algunas de las principales muestras.

Entre las propuestas de los espacios de Palermo, destaca la muestra “Colección de Obra Gráfica Original Malevo Estampa” en Granada Gallery (Godoy Cruz 1644), con obra gráfica de Carlos Alonso, Delia Cancela, Eduardo Stupia, Matías Duville y Hernán Paganini, entre otros. En una de las cuadras con más movimiento, justo al lado de un clásico de la zona como lo es Espacio de Arte Milo Lockett (Cabrera 5507) con la muestra de Benito Laren, Elsi del Río (Humboldt 1510) presenta la reciente muestra de Richard Sturgeon: “Drücken”; y a unas cuadras más sobre Humboldt, Quimera (Humboldt 1981) presenta “Un lugar sagrado” de Eric Markowski. También destacan las exhibiciones que inauguran Espacio Cajablanca (Ravignani 1442 PB “A”), Taller Cristina Dartiguelongue y Casa O (Fray Justo Santa María de Oro 2246 y 2248, respectivamente), Sophie Espacio de Arte (Uriarte 2144) y Casa Rodolfo Walsh (Nicaragua 4441). Se incorporan a esta edición también Sismo Store & Gallery (Honduras 4724), La Bladousse (Armenia 2150) y Casa Salvador (El Salvador 4102), entre otros.
En Villa Crespo, por su parte, el artista Andrés Waissman presentará su nueva muestra “Encapotado” en Gachi Prieto (Aguirre 1017) y a la vuelta de la esquina, Fundación PAR (Thames 808) inaugura la muestra “Reflejos”, de Eliana Grumberg. Ruth Benzacar Galería de Arte (Ramírez de Velasco 1287) presenta “Conjetura”, la reciente exhibición de Ernesto Ballesteros; y galería Nora Fisch (Av. Córdoba 5222) presenta, por su lado, dos exposiciones: “Cuadernos” de Juan Becú y “Nunca olvidaré lo que no recuerdo” de Ohne Titel. Arte x Arte Fundación Alfonso y Luz Castillo (Lavalleja 1062) continúa presentando la interesante muestra “Cuerpo y Deseo”, curada por Fabiana Barreda; y por último, Martín Sichetti presenta sus más recientes trabajos en la muestra “Microfilms” en Hache Galería (Loyola 32).

Más información en: www.gallery.com.ar.
Facebook: gallery.paginaoficial
Twitter: @artealdia.
Instagram: @gallerynights.

29 de noviembre de 2016

Más de 9000 personas visitaron la feria Jumbo Deli & Wine 2016


Jumbo Deli & Wine 2016 reunió a más de 9.000 personas, que durante tres días y con un ambiente festivo, se sumergieron en diferentes espacios gourmet con maridajes ideales y música acorde a cada experiencia. Con una ambientación cálida y moderna, la feria fue elegida por diferentes perfiles de visitantes con el fin de disfrutar de un universo de sabores. 
La feria reunió a las marcas más prestigiosas que, con sus mejores propuestas, deleitaron a los visitantes. Como destacado, este año la Feria incorporó un nuevo espacio, Sabores del Mundo, el cual estuvo destinado especialmente para los sibaritas más exigentes, ávidos de encontrar los mejores productos importados, que ofrece Jumbo en su góndola todo el año. 
A su vez, al igual que el año pasado, el espacio Jumbo Fresh, ubicado al aire libre y bajo una gran arboleda, invitó a los amantes del buen vivir a degustar los panes más exclusivos de Jumbo: sticks, saborizados, panes de queso, focaccia de salmón, rúcula y queso brie, jamón crudo, entre otros.
También, en ese mismo stand, se lucieron las distintas variedades de frutas y verduras y las carnes Premium de Jumbo que ya son elegidas por el consumidor argentino como una marca registrada por su calidad, frescura y sabor. 
Por otro lado, el sector de coctelería sobresalió por su exclusividad y creatividad siguiendo la tendencia mundial de Coctelería de Autor, profesionalizando así esta actividad y ampliando su público actual.

Por primera vez en 40 años galería Zurbarán presenta una muestra dedicada exclusivamente al arte francés


Desde comienzos del Siglo XX las exposiciones de arte en Buenos Aires eran un conjunto de arte español, italiano y francés, con obras que traían los grandes marchantes de Europa.

Hippolyte Camille Delpy. “Les Bords de la Seine pres Mantes”, óleo sobre lienzo
 
Nuestros coleccionistas fueron seducidos por el arte francés adquiriendo obras de Boudin y de Carrière; además de esculturas de Rodin, Bonheur, Jacquemart, Du Pasagge y Barye. También era la escuela de Barbizon la que los atraía, en espacial las pinturas de Beauquesne, Damoye, De Penne, Delpy, Harpignies y His. El Postimpresionismo también tuvo mucha aceptación con las obras de Cazin, Maufra y Puigaudeau.
Las grandes colecciones de arte francés fueron formadas por la familia Santamarina, Lorenzo Pellerano, el doctor Francisco Llobet y el presidente Marcelo Torcuato de Alvear, de todos ellos se exhiben obras que pertenecieron a sus colecciones.
Esta exposición se realiza en el marco del festejo del 40 aniversario de galería Zurbarán, y es la primera exposición dedicada exclusivamente al arte de Francia.
Se puede visitar a partir del jueves 1 de diciembre en Cerrito 1522, Buenos Aires, Argentina.

Galeria Vasari presenta la exposición “Pinturas 2015 de Romulo Maccio”


Galeria Vasari presenta la exposición “Pinturas 2015 de Romulo Maccio”, que inaugura el jueves 1º de diciembre a las 19 hs.
La muestra reúne las últimas pinturas que realizó el artista en 2015.
En el texto que acompaña la exhibición Mercedes Casanegra sostiene: “Al observar estos, los últimos cuadros pintados en su vida, la memoria acelera como un film en cámara rápida su entera trayectoria como enorme telón de fondo y en el cual estas cinco obras adquieren un carácter simbólico en necesaria relación con su legado entero. (...) Su pretensión no era realista sino algo mucho más ambicioso, evocar a través de la pintura, desde la pura abstracción a los densos empastes, a la acumulación de materia que salió directamente del pomo y que él modeló en pétalos carnosos, esa cualidad misteriosa de la pintura que es convertir a lo real en suprarreal, en una categoría que reside en el maravilloso puente entre lo visible y lo invisible”. 

Rómulo Macciò (1931-2016), pintor autodidacta, realizó su primera exposición en la galería Galatea en 1956.
En 1961 fue uno de los cuatro creadores del movimiento Nueva Figuración, una de las vanguardias más vitales de la pintura argentina. Ciudadano del mundo, a lo largo de su vida residió en Paris, Madrid, Londres y Nueva York.
Ganó el Premio De Ridder en 1959, el Primer Premio Internacional del Instituto Torcuato Di Tella en 1963, el Guggenheim Award en 1964 y el Gran Premio de Honor del Salón Nacional en 1967. Representó a la Argentina en la Bienal de Venecia en 1968 y 1988, en la Bienal de Paris en 1969 y en la Bienal de San Pablo en 1963 y 1985.
Realizó innumerables exposiciones individuales y colectivas, nacionales e internacionales. Sus obras forman parte de las colecciones The Solomon Guggenheim Foundation New York, Musée Royal d'Art Moderne de Bruselas, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Musée Cantonal des Beaux-Arts de Lausanne, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Blanton Museum of Art: The University of Texas at Austin, The Walker Art Center de Minneapolis, Museo de Bellas Artes de Caracas, Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Museum of the 20th Century de Viena y The Aldrich Contemporary Art Museum de Connecticut, entre muchas otras.
La exhibición podrá visitarse de lunes a viernes de 11 a 20 hs. en Esmeralda 1357, hasta el viernes 30 de diciembre de 2016.

28 de noviembre de 2016

La galería Witcomb exhibe 60 obras del gran artista Carlos Alonso


La exhibición lleva como título “Carlos Alonso, imágenes memorables de un artista imprescindible”. Se podrán apreciar 60 obras de este gran artista quien puso compromiso, talento y valentía en pos del arte.

"Desnudo de mujer", tinta y aguada
 
Carlos Alonso, pintor, dibujante y grabador, representante de la corriente social del arte argentino, nació el 4 de febrero de 1929 en Tunuyán, provincia de Mendoza. Entre sus maestros estaban Ramón Gómez Cornet y Sergio Sergi. En 1947 recibió su primer premio en el Salón del estudiante. También estudió en la Universidad de Tucumán con el maestro Lino Enea Spilimbergo quien dejó valiosas enseñanzas y la fuerza de lo estético que acompañó toda su obra.
Tras el golpe de estado de 1976 y la desaparición de su hija Paloma, en 1979 se traslada a Madrid, España, y dos años después regresa a la Argentina.
"Autorretrato", técnica mixta sobre papel
Entre sus memorables ilustraciones se destacan Don Quijote de la Mancha y Martín Fierro, además ilustró Romancero Criollo, Antología de Juan, La divina comedia, Juguete rabioso, Lección de Anatomía, Mano a mano, además de Veinte poemas de amor y una canción desesperada de Neruda y Tercera residencia y Residencia en la tierra también de Pablo Neruda.
La violencia del hombre por el hombre siempre ha sido la temática de su producción, siempre la injusticia y la represión fueron la inspiración de sus obras.
Atento y sensible a su entorno, su paleta es referente de la historia argentina de manera incisiva pero comprometida con la realidad.
"Niña con trenzas", óleo sobre papel
La muestra, con entrada libre y gratuita, se extiende durante todo diciembre y se puede visitar de lunes a viernes, 15 a 20 hs. y sábados de 11 a 15 hs., en Rodríguez Peña 1050, Buenos Aires, Argentina.

27 de noviembre de 2016

Paraná Seguros refuerza su vínculo con la cultura con una muestra dedicada al Museo del Automóvil de la Ciudad de Buenos Aires


La muestra que se presenta en PS Gallery, el espacio de arte de Paraná Seguros, rinde homenaje a la pasión por los autos con la exhibición de 6 automóviles de competición y dos estatuas de Juan Manuel Fangio y Oscar Alfredo Gálvez, estas últimas realizadas por el escultor Fernando Pugliese. 

Mecánica Nacional Fuerza Libre rojo
“El principio fue la pasión. Esa pasión por la velocidad que desafiaba los límites de la física en cada curva. Luego vino la competencia que, exigiendo talento y coraje, se convirtió en deporte. Ese deporte de altísimo riesgo atrajo espectadores y con ellos nació el espectáculo. Pero esa pasión, que marcó una época romántica del automovilismo, sigue viviendo en cada uno de los objetos que el Museo del Automóvil presenta en esta muestra, en un acontecimiento único, porque por primera vez el Museo expone autos de competición en un espacio dedicado al arte, como lo es el salón de Paraná Seguros.“ afirma el ingeniero Daniel Zavo, curador de los autos de colección.

Las réplicas que se presentarán son:
Bugatti Type 35 Grand Prix, presentado en 1924, uno de los autos de competición mas exitosos de todos los tiempos. Esta versión es una exquisita replica realizada por Pur Sang Argentina.
Chevitres Turismo Carretera, debutó en 1968 con motor Chevrolet. El diseño y la construcción de la estructura estuvo cargo de Paco Martos. El diseño y construcción de carrocería a cargo de Jorge Ferreyra Basso y Alain Baudena, por iniciativa de José Froilán González. Su piloto fue Carlos Marincovich. 

Cupé TC Chevrolet de Fangio
Cupé TC Fangio Turismo Carretera es una Cupé Chevrolet 1939 piloteada por Juan Manuel Fangio en la carrera Buenos Aires - Caracas en 1948.
Cupé TC Gálvez Turismo de Carretera es una Cupé Ford 1934, debutó conducida por Oscar Alfredo Gálvez en 1955. Apodada La Empanada por ser un auto definitivamente feo pero muy eficaz en las carreras de autódromo.
Mecánica Nacional Fuerza Libre, auto construido en 1949, el motor es Chevrolet. En 1951 Luis A de Dios de 21 años perdió la vida en el accidente sufrido con este auto en el circuito de Sierra de los Padres.
Mecánica Nacional Fuerza Libre, es un auto fabricado en 1950. El chasis y transmisión de Volpi, con motor Ford y carrocería estilo Maserati de Fórmula 1.
Cupé Ford TC conducida por Oscar Gálvez y su estatua
“Algunas exposiciones en los últimos años tales como “El Arte del Automóvil” en el Museo de Arte Decorativo de Paris o “Belleza en Movimiento”  en el Museo de Bellas Artes de Montreal, nos plantean el dilema sobre si el automóvil es o no una expresión artística. Esa discusión queda abierta, apelando por ahora a la frase de Juan Manuel Fangio cuando dice ‘el auto mas lindo es el que gana’, sostiene el ingeniero Zavo.

La muestra podrá visitarse de lunes a viernes de 11 a 17 hs, hasta el 16 de diciembre en el espacio de arte de 500 m2 de la compañía, ubicado en Tte. Gral. Perón 590, Buenos Aires, Argentina.

Llega al Centro Cultural Recoleta Fase 8 Encuentro de Arte, Ciencia y Tecnología


El martes 29 de noviembre a las 19 horas se inaugura en el Centro Cultural Recoleta "Fase 8", un evento cultural que propone la experimentación, invita al desarrollo y mira hacia el futuro a través del arte transmedial y que se realiza en el marco de la convocatoria abierta de proyectos en colaboración, en la que se invitó a organizaciones y colectivos de artistas a desarrollar proyectos que convivan con la programación propia proyectada en el CCR durante el segundo semestre de 2016.

UBA. "Templanza", 2016, videoinstalación 
 
Bajo el lema “Pensar la praxis” la programación de "Fase 8" incluirá clínicas de arte, talleres, set audiovisuales, performances, video mapping, instalaciones interactivas, y proyecciones de videoarte. Los visitantes podrán acceder a propuestas de gran originalidad: una máquina para no mirar la televisión, un domo musical y sonoro, el arte en los videos juegos, un origami que se inquieta y Volvox, laboratorio de experimentación microscópica que permite proyectar en una pantalla cómo bacterias vivas se comunican entre si y se reproducen.
"Fase" apunta al pensamiento crítico y creativo a través del arte transmedial, generando un vínculo entre artistas, instituciones públicas y privadas y el público en general. Bajo la dirección de Marcela Andino y Patricia Moreira, y con la curaduría de Silvana Spadaccini, Marcelo Marzoni y Jazmín Adler, participan más de 25 instituciones nacionales e internacionales, colectivos artísticos, cerca de 300 artistas, curadores y gestores.

UCA. MicRA. Oliverio Duhalde. "Volvox", bioinstalación
 
Participantes nacionales:
Aynilab, Fundación cultura en proyectos, CCEBA - Centro Cultural de España en Buenos Aires; Ceiarte, Centro de experimentación e investigación en artes electrónicas de la UNTREF; CIC, Centro de investigaciones cinematográficas; Dajaus, residencia de arte; espacio LAB; espacio Nicxo; espacio Pla; Forward; FUC, Fundación Universidad del Cine; La Paternal Espacio Proyecto, LPEP; Proyecto La Estrella, Universidad de Buenos Aires, FADU; UNTREF Maestría en tecnología y estética de las artes electrónicas; UNTREF Licenciatura en artes electrónicas; UMSA, Universidad del Museo Social Argentino; UNA: Artes visuales /artes dramáticas/multimedia; UCA, Universidad Católica Argentina; UNLP, Universidad Nacional de La Plata; Diseño Multimedia, Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional del Litoral; Universidad Maimonides y Universidad Nacional de Quilmes.

EAC.  Juan Manuel Ruétalo Luccini. “La máquina para no ver televisión”, instalación
 
Invitados internacionales:
El EAC, Espacio de Arte Contemporáneo de Montevideo, presenta al artista  Juan Manuel Ruétalo Luccini con la instalación La máquina para no ver televisión.
ORT Uruguay muestra la instalación reactiva, Influencia reciproca, de los artistas Fabián Barros, Federico Marques, David Rivero y Carlos Galarraga.
Arte bajo Cero, colectivo de Chile integrado por Julio Gaete Ardiles, Sebastián Trujillo, quienes exhiben Expediente: arte de formulario.
El público podrá visitar la exposición hasta el domingo 18 de diciembre, los martes de 13.30 a 20.30 hs.,  miércoles a viernes de 13.30 a 22 hs. y sábados, domingos y feriados de 11.30 a 22 hs. en Junín 1930, Buenos Aires, Argentina.

25 de noviembre de 2016

Un nuevo museo en San Telmo: Museo del Expresionismo Edmund Valladares


Proximamente, en el Barrio de San Telmo, se inaugura un nuevo museo en Buenos Aires, el Museo del Expresionismo Edmund Valladares.
Valladares es un artista integral: cineasta, dibujante, docente, ensayista, escultor, plástico. El museo brindará expresionismo en todas sus formas, integralmente, coherente con su historia y su forma de enseñar, de la que pueden dar fe la cantidad innumerable de discípulos que pasaron y continúan asistiendo a sus talleres.
 
“El expresionismo ha sumado, desde su prehistoria hasta la postmodernidad, el contenido visceral de lo más profundo y esencial de cada creador.
Hoy conocemos, a través del Guernica de Picasso, el horror fratricida del pueblo español, de la misma manera que en las obras de Goya que retratan los fusilamientos de 1812. En el expresionismo está siempre implícita la realidad desnuda.
El núcleo de esta escuela surge de las necesidades que tuvieron Picasso, Goya, Munch, Kafka, Schönberg o el arquitecto Mendelsohn, entre tantos; estas necesidades no se pueden explicar con el estilo anterior, por lo tanto, los artistas rompen con el lenguaje previo y crean otros, que con el paso del tiempo le añaden nuevos códigos a aquellos lenguajes precedentes.” explica el actual director del Museo Expresionista Edmund Valladares arquitecto Pablo Selemin.
Y más adelante agrega: “En Argentina, el movimiento expresionista nace de múltiples formas heredadas de Europa y de la realidad de un continente con la riqueza de sus pueblos multifacéticos, donde el centro de gravedad fue la obra de los muralistas mexicanos, que derramó también su influencia sobre los autores argentinos. Vale destacar los grabados de Vigo, las prostitutas de Spilimbergo, la soledad del inmigrante de Daneri o los barrios de Pacenza, sin dejar de lado las técnicas mixtas de Antonio Berni para explicar las migraciones internas.
En las últimas décadas aparece la obra convulsionada de Alberto Greco, las grafías de la nueva figuración de De la Vega, el fauvismo exultante de Carlos Gorriarena, entre tantos otros grandes dibujantes y pintores que nuestro país aportó a esta generación.”