16 de julio de 2018

Este invierno, el Museo de Arte Tigre exhibe obras de Alfredo Lazzari y Rogelio Yrurtia


Se trata de dos esculturas de Yrurtia y de la pintura “Riachuelo”, de Lazzari, que forman parte de la colección perteneciente al MAT. La entrada al museo es gratuita para vecinos del partido.
Con el objetivo de acercar las piezas de su colección a vecinos y visitantes, el Museo de Arte Tigre exhibe desde esta semana dos esculturas de bronce (Cabeza I, Cabeza II), del reconocido escultor argentino Rogelio Yrurtia, y “Riachuelo”, un óleo sobre tela del pintor italiano Alfredo Lazzari.

Las esculturas de Yrurtia (1879-1950) se exhiben en la planta baja del museo. En tales piezas se pueden apreciar los gestos deliberados del artista que resultan de una toma de posición respecto de las problemáticas del arte, la política y la sociedad en un momento clave de nuestro país. 

Cabeza I (Victoria), fundida en vida del escultor, forman parte del corpus de estudios previos para la Victoria alada, que guía la figura ecuestre de Manuel Dorrego en el Monumento erigido al prócer, sito en la esquina de Suipacha y Viamonte de la ciudad de Buenos Aires.
Cabeza II (Cabeza de Mujer), por su lado, forma parte de las cabezas femeninas como Solicitude, Primavera, Daphne o Romana -entre otras- en las que el artista estudia y ensaya distintas resoluciones formales.
 
En tanto que “Riachuelo”, de Lazzari, exhibida actualmente en la planta alta del MAT, es de gran singularidad por sus dimensiones ya que el artista no solía pintar en esos formatos. Se encuentran en la misma sala obras de sus discípulos, Benito Quinquela Martin el más reconocido.
Riachuelo fue pedida en préstamo en el año 2006 por Museo Isaac Fernández Blanco para su muestra retrospectiva, y en el año 2017 por el Museo de Bellas Artes Benito Quinquela Martín para la exposición Todo lugar es también un camino. Lazzari (1871-1949) fue el artífice de la Escuela de la Boca y su obra una de las primeras expresiones renovadoras del movimiento nativo.
 
El Museo de Arte Tigre cuenta con una colección propia, en su mayoría pintura figurativa de fines del siglo XIX a mediados del siglo XX, conformada por casi 250 piezas de artistas de prestigio, algunos internacionales, que relatan la historia a través de imágenes. Los ejes son: los artistas viajeros y precursores, el paisaje, la figura, el puerto y los inmigrantes, la composición, y naturalmente artistas que han ilustrado Tigre. El patrimonio del MAT incluye nombres como Pellegrini, Aguyari, Rugendas, Fader, Cordiviola, Quinquela, Lacámera, Victorica, Collivadino, Berni, Borges, Obligado de Soto, Presas, Cogorno, Larco, Eguía, Xul Solar, Molina Campos, Forner, Knop, Parisi, Berni, Noé, entre tantos otros.
 
La gestión de la nueva directora del museo, Graciela Arbolave, tiene previsto exhibir a lo largo del año gran parte de su patrimonio, destacando e investigando diferentes obras de su colección para acercarlas al público.
Los horarios de visita al museo, ubicado en Paseo Victorica 972, son de miércoles a viernes de 9 a 18.30 hs, y sábados, domingos y feriados de 12 a 18.30 hs. Los vecinos de Tigre ingresan sin cargo. Para mayor información comunicarse a los teléfonos: 4512-4528/4093 o a través del mail: infomuseo@tigre.gov.ar.

Ernesto Bertani en Ituzaingó


El artista Ernesto Bertani está exponiendo en Ituzaingó entre el 14 de julio y el 30 de agosto en un circuito artístico que invitará a conocer su obra y a “verse un poco reflejados en lo que hago” tal como adelanta el artista.

La muestra puede visitarse gratuitamente en los tres lugares que conformarán el circuito: Museo Histórico Municipal de Ituzaingó (Olazábal 855), galería de arte (Soler 217) y Auditorio Néstor Kirchner (Peatonal Eva Perón 848).

El Museo Histórico Municipal abre de martes a sábados de 10 a 17 hs, la galería de arte de lunes a viernes de 9 a 15 hs. y sábados y domingos de 15 a 18 hs. y el Auditorio Néstor Kirchner de la Casa de Gobierno Municipal de lunes a viernes de 8 a 15 hs.
 
La propuesta incluirá visitas guiadas los días sábados, mientras se encuentre en exhibición, a partir de las 16 hs. teniendo como punto de partida el Museo Histórico Municipal.
 
Ernesto Bertani participará de las visitas de los días 21 de julio, 11 y 25 de agosto. Además se ofrece la posibilidad a las instituciones de solicitar la visita guiada llamando al Museo al número telefónico: 4624-2943.

El artista vive en Parque Leloir, es considerado un pintor urbano porque refleja en sus obras el sentir del ciudadano de las grandes urbes, el hombre que utiliza la vestimenta como su segunda piel. Tiene su sello personal, ha reemplazado los lienzos tradicionales por el casimir, la tela con la que se confeccionan los trajes masculinos, sobre la que pinta con aerógrafo logrando sorprendentes efectos ilusionistas.

Al ser entrevistado sobre la muestra “Bertani en Ituzaingó” hizo su invitación a los vecinos: “traten de venir si es que les gusta verse un poco reflejados en lo que hago porque de eso se trata. A veces hay mucho prejuicio con la pintura, la pintura en Argentina está armada alrededor de un medio muy elitista  y muchas veces la gente tiene pudor de entrar a un museo pero creo que hay que ir terminando con eso”.
 
“Por eso estas muestras públicas y gratuitas son una gran difusión con una gran comunicación con el lugar y sus vecinos”, aseveró el artista.

Asimismo señaló que “van a poder ver obras de estos 40 años de trabajo, van a ver obras del ’76 a la actualidad” y explicó “mis obras en general tienen un aspecto mágico por eso me identifico con lo que en literatura se llama realismo mágico. Mi obra tiene que ver con lo que es la vida en Buenos Aires, con la vida en la ciudad, lo miro críticamente, ironizando sobre ese estilo de vida tan estresante y alienante”.

También en su autodefinición remarcó ser todo lo contrario al artista estereotipado hollywoodense. “Vivo con mi familia en Villa Udaondo, en una casa en la que además tenemos los talleres. No me gustaría tener un taller en otro lugar  e irme hacia otro lugar a trabajar. Me gusta esto de convivir con las dos cosas, con las dos partes”.

“Una de mis obsesiones son las cosas que nos pasan en nuestro país, lo que pasa en la Argentina, más precisamente en Buenos Aires y mis obras reflejan eso”, profundizó Bertani quien estará presente en tres de las visitas guiadas organizadas en el marco de la muestra.

Todos los interesados podrán visitar el circuito artístico con entrada libre y gratuita para conocer su obra y acercarse a la historia, la lectura que hace de la misma y este aspecto mágico al que hace referencia el artista.

13 de julio de 2018

Actividades para disfrutar en vacaciones de invierno en el Centro Cultural Borges


El Centro Cultural Borges -ubicado en San Martín 525, en pleno centro porteño- propone actividades muy diversas para disfrutar de las vacaciones de invierno.
 
Marta Bril presenta "Fridomaníacos al Borges"
El domingo 15 de Julio a las 15:30 hs. inaugura, en la sala 31 del tercer piso, “Fridomaníacos al Borges” de Marta Bril.  Una invasión de color llega al C. C. Borges, para celebrar el cumpleaños 111 de la audaz artista mexicana. La artísta argentina, psicóloga de niños, escritora y piroescenísta, propone 2 horas de actividad para niños de 4 a 12 años. Expondrá sus muebles intervenidos con la temática de la artista mexicana, donde reinterpreta su apasionada estética en muebles cotidianos. Narrará, el cuento de su autoria: "Frida Kahlo La princesa con bigotes que era terrible" y armará una muestra con la interpretación de los niños que participarán del taller.
Las obras serán rematadas a beneficio de Ieladeinu Nuestros Niños (https://ieladeinu.org.ar/).
De lunes a sábados de 10 a 21 hs y domingos de 12 a 21 hs. hasta el 29 de julio. Exposición, narración y taller de miércoles a domingos a las 15:30 hs. Entrada general: $ 300.-
 
Producido por Baires Sur Novus Ballet, “La Cenicienta. Un cuento bailado”, acerca el ballet a los niños, invitandolos, como si fuese un juego, a adentrarse en el mundo de la danza; ¿qué mejor para la fantasía de un niño él ver hadas, madrastras, príncipes, en palacios recreados por el ámbito teatral y bailados en punta de pie? Acercando a los niños a un mundo mágico pero a su vez tangible. No es un dibujo animado, ni es el 3D del cine, son personas reales. A los niños les permite acceder a otras actividades diferentes a las que están acostumbrados, despertándoles la creatividad, despegándolos, por una hora, de las plays, celulares y televisión, compartiendo en familia y disfrutando del humor.
Días y horarios en vacaciones de invierno: jueves 19 y 26, viernes 20 y 27 y sábados 21 y 28 de julio a las 16 hs. Plateas sin numerar: $ 300.-
 
Daniela González presenta “Magia, teatro para Bebés” un espectáculo interactivo especialmente diseñado para niños de 0 a 3 años inclusive.
Una propuesta que los convoca a explorar, descubrir y experimentar creando un espacio de ilusión donde todo es posible. A través de canciones, imágenes, danza y todo tipo de estímulos se van creando y recreando las diferentes escenas.
Magia nos propone un viaje plagado de emociones, un encuentro que nos conecta también a los adultos con los aspectos más puros de la infancia.
La duración es de 35 minutos aprox. Un tiempo acorde a las necesidades y características de los bebés y a sus posibilidades reales de atención en esta etapa.
Magia es la segunda obra de esta compañía. Luego del éxito de Sueños Curiosos se aventuran como equipo a ir un poco más allá y sorprenderlos con un espectáculo de gran impacto visual, estético , cuidado y sobre todo pensado en los más pequeños y en sus familias.
Funciones Domingos a las 16 hs. Las entradas son sin numerar. Los menores abonan entrada hasta los 3 (tres) años cumplidos, a partir de los 4 (cuatro) hasta los 12 (doce) años cumplidos no abonan presentando DNI. Platea general sin numerar: $ 230.-
 
En la sala 21 se podrá disfrutar de “Manos a la Ciencia”, un proyecto pensado para brindar a los más pequeños un acercamiento al mundo científico, mediante la exploración activa y el juego no convencional.
Se ofrecen diferentes opciones para ayudar a padres y docentes a transitar este maravilloso mundo de la ciencia y así demostrar a los más pequeños que en este juego el cientifico podes ser vos.
1 - Ciencia a la Vista - para chicos de 4 a 7 años
2 - Lógica Mente - para chicos y grandes a partir de los 8 años. ​
Los objetivos principales ​son despertar la curiosidad y utilizarla como motivación a la construcción de conocimiento, incentivar a la formulación de preguntas, al establecimiento de relaciones causales y al pensamiento lógico-matemático. ​Abierto al público de jueves a domingo 14 a 18 hs. Entrada: $ 150.-

Y, por último, dos espectáculos de magia: “Aventuras en Laboratoons” y “El Secreto. Espectáculo de Magia”.
 
En “Aventuras en Laboratoons”, Semba presenta una asombrosa y divertida historia de un mago, con una gran selección de efectos de magia y grandes ilusiones, apariciones y desapariciones. Funciones: 15 horas, todos los días durante vacaciones de invierno, hasta el 29 de julio. Plateas numeradas $ 450.- 
M.A.T.E. contenidos presenta El Secreto. Espectáculo de Magia”. Una experiencia inolvidable para disfrutar en familia y con amigos. La fascinación, el humor y un extraño personaje nos guiarán a través de situaciones asombrosas y emocionantes, en un impactante espectáculo hasta descubrir "El secreto". Funciones: todos los días a las 17 hs. durante vacaciones de invierno. Plateas numeradas $ 450.-















12 de julio de 2018

Zulema Maza presenta "Amazona" en el espacio de arte de Menéndez Libros


"Amazona" es el título de la muestra que la artista visual Zulema Maza exhibirá en el espacio de arte de Menéndez Libros desde el jueves 12 de julio hasta fin de agosto.

"Desde la antigüedad clásica griega han llegado hasta nosotros leyendas y mitos sobre las amazonas. Mujeres que se caracterizaban por su fortaleza y valentía. Ellas han sido motivo de inspiración en la literatura y en el  cine. Las amazonas representan mujeres independientes que emanan fortaleza a través de la elección propia, además de la sensibilidad de reconocer el honor para honrarlo y evidenciarlo en distintos planos ". 
       

Zulema Maza ha realizado  múltiples exhibiciones en nuestro país y en el extranjero, recibiendo varios premios, entre ellos, en 2005 Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Grabado, Buenos Aires, Argentina; en 1993 1º Premio Municipal Manuel Belgrano, grabado, Buenos Aires, Argentina. Recibe dos Diplomas de Honor Konex en artes gráficas en la décadas 1982-1992 y 1992-2002. Obtiene la Beca Miró de grabado en Barcelona y el Premio Experiencias de La Asociación Argentina de Críticos de Arte.
 
"Amazona III", fotografía intervenida, 2018 
 
La muestra se puede visitar, de lunes a viernes de 10 a 19 hs. hastas el 30 de agosto en Menendez Libros, Paraguay 431, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Gallery Nights: Un circuito actual del arte y como cierre, una Maratón de Performance


La segunda edición de Gallery Nights 2018 es la excusa perfecta para jugar a ser turista y conocer todo eso que hace de Buenos Aires una ciudad tan única. Este viernes 13 de julio entre las 18 y las 21 horas, 27 espacios abren sus puertas fuera de sus horarios habituales para que quienes lo deseen puedan compartir una velada rodeados de grandes maestros del arte argentino y jóvenes promesas de la contemporaneidad.
 
Del Infinito presenta "Recorridos" de Matilde Marín 
 
Este evento, organizado desde 2001 por Arte al Día, es de entrada libre y gratuita e invita a recorrer los espacios que integran el circuito Retiro + Recoleta. Para eso, los interesados pueden ver el mapa completo en el sitio web del evento y armar el recorrido según sus intereses. Otra alternativa es tomar los Gallery Tours gratuitos que son visitas guiadas por un especialista.
En esta edición, los CheckPoints –o puntos de acreditación- se encontrarán en Solsken (Av. Quintana 302), Hotel Panamericano (Carlos Pellegrini 551) y Norte Arte Argentino (Florida 860, Lc. 104). Allí, las orientadoras de Gallery ayudarán a los GalleryFriends a armar sus recorridos para la tarde, brindando información acerca de qué espacios y exposiciones pueden visitarse y cuáles son todas las actividades especiales que ofrece Gallery durante el día.
Actividades especiales:
18 hs. Gallery y Arte al Día presentan en su ciclo de Open talks: charlas de coleccionismo. El encuentro tendrá lugar en Rolf Art (Esmeralda 1353) y será moderado por Alicia de Arteaga.
 
18.30 hs. Gallery Tours: Visitas guiadas gratuitas a cargo de un historiador del arte. Salidas desde:
- Galería Peña, pasando por: Del Infinito, Solsken, Rubbers, Colección Alvear, MARQ y terminando en Espacio Bresson en el After Gallery.
- Fundacion OSDE, pasando por: Centro Cultural Borges, Norte Arte, Fundación Klemm, van Riel, Espacio Tomado.
- MARQ, pasando por:  Henrique Faria, Zurbarán, Espacio Tomado, Colegio Abogados, Colección Alvear.
20 hs. #AfterGallery: maratón de performance en Espacio Bresson, (Av. Callao 1880) con la compañía de cerveza Stella Artois.

"El cuerpo de una Colección”, muestra permanente en Fundación Federico Klemm

Más información, espacios participantes y mapa en: www.gallery.com.ar.
La próxima edición será en el Circuito Palermo / Villa Crespo el sábado 1 de septiembre de 15 a 19 hs. Las novedades se pueden seguir en Instagram @gallerybuenosAires y en Facebook /gallerybuenosaires
 

El Recoleta celebra la energía creadora de la amistad


En el marco de la programación temática: "Fuego amigo. Amistades con energía creadora", se pueden ver obras que son el resultado de lo que pasa cuando de la amistad surge la chispa de la creación, una fuerza única que se concreta en proyectos compartidos. Cortos y performances de creación inédita, recitales, DJS, cruces novedosos entre músicos e ilustradores que fueron pensados y creados especialmente para este ciclo que busca reflejar la energía creadora de los amigos.
Martes 10 de julio 2 Tintas. Los ilustradores y artistas plásticos Cristian Turdera y Christian Montenegro comparten una gran amistad y la vocación artística, juntos realizarán una instalación sobre el arte efímero, imágenes que se desvanecen en el tiempo y cómo se relacionan con un espacio de la vida cotidiana, como son los baños. Un arte que aparece y desaparece, en cualquier lugar.  Hasta el 22 de julio.
Jueves 12 de julio Todos los fuegos. El ilustrador Juan Molinet presenta dibujos que representan la energía creadora de la amistad. Una colaboración artística que por momentos es lúdica, pero que también implica una lucha, una pelea por el poder de dos fuerzas que pueden ser opuestas y complementarias a la vez. Influenciado por la geometría y el animismo, sus figuras bailan, están en posición de combate y se apoyan unas a otras, en un equilibrio precario y poderoso, que sucede al mismo tiempo.
Domingo 15 de julio, 19.30 hs. Campeonato de pasos de baile, de La Verdi. Una fiesta cultural creada especialmente por amigos. Funk, soul, sorpresas, competencias de baile, Dj y mutaciones en un encuentro en el que la música y la amistad son el centro de la escena.
Jueves 19 de julio, 20 hs.
Recital de Mustafa Yoda + Emanuel Gabotto.
Jueves 26 de julio, 19 hs.
Doña María + invitados. El último jueves de cada mes, continúa Pachamama Cósmica, un clásico de El Recoleta. En esta fiesta cultural, la música de raíz se fusiona con diversas expresiones artísticas creando un ritual celebratorio.
Viernes 27 de julio, 19 hs. Charla abierta con Darío Sztajnszrajber. Amigos y enemigos. Pensar al otro.
¿Cómo elegimos a nuestros amigos? ¿Qué esperamos del otro? ¿Cómo nos relacionamos? Darío Sztajnszrajber plantea que pensar la amistad es pensar las formas en que nos relacionamos con los demás. ¿Quiénes son nuestros amigos? ¿Los que piensan como nosotros? ¿Y quiénes son nuestros enemigos? ¿Los diferentes? Será una charla única con uno de los pensadores del momento, que entusiasma y motiva con las grandes ideas de la filosofía aplicadas a situaciones de la vida cotidiana. Las entradas se retiran desde las 18 h en la boletería de El Recoleta.
Martes 31 de julio Al fondo a la derecha. Los artistas de Run Dont Walk, Malatesta, Stencil Land y Bs. As. Stencil son amigos unidos por el arte y por una identidad en común y, ahora, se juntan para intervenir los baños del Recoleta con un estilo que los define y comparten. Hasta el viernes 10 de agosto.
Cultura Hip Hop
Sábado 14 de Julio, 15 hs.

Taller de Breakin + Cyphers +B2 + Graffer + Miloo Moya + Under + Alex + Soual in action.
Sábado 21 de julio, 15 hs.
Taller de Breakin + Cyphers + Cristian Poppin + Big Laucha + DJ Mirko + Smoler Bass + DJ Fabri.
Sábado 28 de julio, 15 hs.
Taller de Breakin + Cyphers + DJ Xolarz + Una constante + Beaxionario.
Domingo clave
Domingo 15 de julio, 15 hs.

Juegos, proyección de fotos, realización de mural con BA PASTE UP, recital con Paula Saravia, concierto con Amor Elefante, Karaoke conducido por Nico Zuviría.
Domingo 22 de julio, 15 hs.
Proyección de fotos, realización de mural con BA PASTE UP, competencia de freestyle conducida por MC inti Rap.
Domingo 29 de julio, 15 hs.
Juegos, proyección de fotos, realización de mural con BA PASTE UP, lecturas, teatro con Mr. Sociedad, recital con Manilah, Karaoke conducido por Nico Zuviría.
El Centro Cultural Recoleta -ubicado en Junín 1930, C.A.B.A.- abre de martes a viernes de 13.30 a 22 horas y los sábados, domingos y feriados de 11.15 a 22 horas. Los lunes permanece cerrado.

11 de julio de 2018

Espacio Pla inaugura "Apariencia del derrumbe" de Guido Corallo y continua "La faz de la tierra" de Eduardo Pla


Espacio Pla presenta Apariencia del derrumbe, una muestra de Guido Corallo con la curaduría de Gabriela Cárdenas, que se sucederá en la planta baja articulándose con la muestra estable de la planta alta La faz de la tierra, curada por Merlina Rañi.

Apariencia del derrumbe de Guido Corallo
 
Apariencia del derrumbe es una muestra sobre las formas en las que una imagen puede fallar, o más bien, sobre la búsqueda deliberada de esa falla. No se trata, por lo tanto, de un mero error, sino de una anomalía específica, que tiene lugar en el espesor de un umbral muy acotado que suele ser identificado como el borde del caos: la zona de transición que separa los comportamientos regulares de los completamente caóticos. Allí encuentran su equilibrio los atributos contradictorios de ambos extremos.
Es, sin embargo, un equilibrio inestable, que resulta de una tensión dinámica.
Los dibujos de Corallo que componen esta muestra son expresiones de esta búsqueda intencionada, controlada y determinista para hacer emerger la imagen justa: aquella en la que se reconoce el instante preciso de transformación entre su origen regular y su devenir caos. Podemos tal vez pensar que esta construcción de una falla es un movimiento que arranca a la imagen del patrón geométrico perfecto para acercarlo al mundo real, como el paso más pequeño posible en dirección a la figuración que, sin llegar a ella, nos habilita ya a imaginar o sospechar nuestra propia versión de esos mundos posibles, imaginarios, virtuales.

Videomundo Virtual, reboot de la obra realizada en 1995 por Eduardo Pla
 
Por su parte, La faz de la tierra se presenta como un ejercicio curatorial de Merlina Rañi en torno a la obra del artista Eduardo Pla, apuntando directamente a la imagen como interfaz del mundo, y la emergencia de un imaginario “virtual” derivado de la producción de imágenes y entornos digitales. Un recorrido por algunas piezas visuales del artista, producidas en diferentes épocas y con diferentes métodos, se complementa con el reboot de la video-instalación Videomundo Virtual, una obra realizada en el año 1995 para el 50 aniversario de las Naciones Unidas. En esta ocasión la instalación se presentará con seis nuevos videos seleccionados a partir de una convocatoria internacional, que invita a curadores y artistas a reflexionar sobre el concepto de Globalización y la distancia entre dos momentos de la historia: 1995 y 2018. Mes a mes se presentarán 6 videos nuevos.

Apariencia del derrumbe de Guido Corallo
 
Guido Corallo (Buenos Aires, Argentina, 1978) es artista y programador. En el año 2001 comenzó la carrera de biología en la Facultad de Ciencias Exactas y Naturales (UBA) donde desarrolló tareas de investigación en los Laboratorios de Dispositivos Moleculares y de Neurociencia Integrativa. Durante éste período se dedicó también a la docencia, capacitación y a la divulgación científica.
Tras haber realizado diversos trabajos web, en 2007 decidió volcarse completamente a la programación, en particular a proyectos relacionados con el arte y la interactividad, actividades que hoy en día continúa realizando a partir del desarrollo de proyectos independientes.
Su trabajo ronda conceptos como generatividad, complejidad, propiedades emergentes, modelado desistemas naturales, agentes autónomos e inteligencia artificial.
Su trabajo audiovisual y producción artística ha sido exhibido individual y colectivamente en el Centro Cultural Kirchner, Festival Plus Code (Centro Cultural San Martin), Blanco Galería, Alpha Centauri Galería, Bienal Internacional de Arte Digital The Wrong, entre otros.

Las muestras Apariencia del derrumbe de Guido Corallo, con la curaduría de Gabriela Cárdenas y La faz de la tierra del artista Eduardo Pla, curada por Merlina Rañi, se podrán ver desde su inauguración el 13 de julio a las 19.30 hs. hasta el 1 de septiembre, de miércoles a sábados de 16 a 20 hs.
Espacio Pla se dedica a la gestión de la obra de Eduardo Pla (1952-2012), artista argentino pionero del arte digital. Mediante la promoción y exhibición de artistas argentinos que utilicen tecnología y nuevos medios para el desarrollo de su obra; cursos y talleres de formación en nuevos medios; visitas guiadas a escuelas y a la comunidad en general, busca ser un punto de referencia en el arte digital en Buenos Aires. 
Más información en: www.espaciopla.com.

Miguel Ángel Giovanetti presenta "Concepto Pentágono" en la galería van Riel


La galería van Riel inaugura la muestra "Concepto Pentágono" de Miguel Angel Giovanetti, el viernes 13 de julio a las 19 hs. en Juncal 790, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Podrá visitarse de lunes a viernes de 15 a 20 hs. hasta el 10 de agosto de 2018.

"Miguel Angel Giovanetti presenta una serie de trabajos que exploran la línea constitutiva de la figura del pentágono y sus posibilidades dinámicas, que, a la vez que impone un movimiento comunica armonía. Al girar sobre el plano, por momentos se apoya en uno de sus lados, por momentos se apoya en un vértice, pero siempre se impulsa como si tuviera en su interior una fuerza motora.
La serie de operaciones plásticas que se ponen en acción en estos dibujos pueden describirse como una búsqueda de esas posibilidades de la figura y como un laboratorio donde se ponen a prueba sus cualidades para moverse en el espacio.
En principio, al utilizar un único elemento, Giovanetti reduce su lenguaje al mínimo. Al multiplicar la figura a través de la repetición, la superposición, la línea con sus cualidades de grosor y color, expande el
discurso de ese único elemento en complejas composiciones que él mismo llama “enjambres”. Este término alude a un gran movimiento, además de la superposición donde el conjunto adquiere y realiza nuevas formas. En el resultado de las obras esto se traduce en una experiencia de creación del espacio, se percibe la profundidad y la velocidad a tal punto que la obra se va tornando inasible. El difuminado de color de algunos trabajos denota la presencia del pentágono a punto de esfumarse pero igualmente tan presente que es imposible no ser arrastrado en ese torbellino de energía que se nos contagia." Texto de Luis Espinosa

Miguel Angel Giovanetti nació en Buenos Aires, Argentina, en noviembre de 1948.
Entre 1999 y 2009 residió en USA. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.
Estudió y trabajó en diseño gráfico publicitario y tuvo un estrecho contacto con los medios de reproducción masiva y el arte, configurando una apropiación de técnicas y lenguajes que ha dejado huellas muy claras en lo que hoy es su representación pictórica.

10 de julio de 2018

Henrique Faria Buenos Aires presenta las muestras "Unku: Una nueva visión de lo prehispánico" de Alejandro Puente y esculturas de Noemí Gerstein


Alejandro Puente. Kamaricun, 1985. Acrílico sobre tela. 180 x 180 cm 
 
Henrique Faria Buenos Aires presenta Unku, una muestra que reúne un conjunto de obras con las que Alejandro Puente puso de manifiesto una relectura de los patrones del arte prehispánico para, en el contexto del arte moderno, desmontar los presupuestos sobre su primitivismo. Este grupo de piezas de Puente cubren un período que va de 1969 a 2000 y revela una línea de investigación constante sobre los materiales y formas constructivas del arte originario de América Latina. En Unku, que toma su nombre de una pieza emblemática de 1973, se observa en acción el concepto de Puente: plantear un desvío al canon occidental de la historia del arte.
La relación de Puente con la estética prehispánica se inició en los tempranos años 60 cuando tuvo un acercamiento directo con el amplio repertorio del arte indígena peruano. Entre la contemplación y la incertidumbre, Puente refirió una “experiencia estética profundamente estimulante” ante una serie de objetos cuya dimensión simbólica desconocía hasta entonces. En estas apropiaciones de los patrones visuales amerindios Puente anticipó el actual giro decolonial de los historiadores de arte.
 
Alejandro Puente. Angualasto, 1983. Acrílico sobre tela. 150 x 150 cm
 
La preocupación de Puente por el arte prehispánico coincidió con la expansión de los estudios arqueológicos en la región. En el texto crítico de la muestra, Cristobal Jácome-Moreno (Universidad de Texas, Austin) refiere que “Tales avances tuvieron como trasfondo acuerdos económicos trasnacionales y un activo intercambio de conocimientos entre especialistas ubicados en distintas latitudes del mundo occidental. Historiadores del arte como George Kubler y arqueólogos como Robert Heizer formaron extensos equipos de trabajo con el fin de localizar monumentos antiguos que comprobaran nuevas hipótesis acerca de las auténticas culturas madre de la sociedad contemporánea”. Las obras de Puente pueden verse como consecuencia de ese contexto histórico-científico al tiempo que cuestionan el objetivo de los descubrimientos en los sitios arqueológicos. Jácome-Moreno plantea que “Partiendo de distintos soportes artísticos, Puente introdujo la pregunta sobre cómo el potencial del arte nativo podía resurgir en una época marcada significativamente por las fuerzas de sofisticadas tecnologías de construcción, transportación a alta velocidad, expansión urbana y una alta especulación en torno al uso y propiedad del patrimonio”.
En obras como Uncu (1973), Pachacutec (1979) o Yayahuala (1978), Puente despliega los códigos reticulares presentes en diversas manifestaciones del arte indígena como los textiles, los objetos cerámicos o la arquitectura. Tanto las pinturas de Puente como los monumentos prehispánicos parten de una misma estructura geométrica pero eso no lo convierte en un esteticista de lo arcaico. Como señala Jácome-Moreno: “Puente elabora una dimensión pictórica en la cual la herramienta para dialogar con el presente contemporáneo son las profundas raíces históricas. Tal práctica simbólica ubica a Puente entre los artistas latinoamericanos que se asumieron como autores de una noción expansiva de la historia: los espacios y objetos del pasado no son parte de un momento estático. Todo lo opuesto: son un instrumento con la capacidad de enriquecer y problematizar nuestra percepción del presente”. Con este conjunto de obras, Alejandro Puente dejó claro que ningún arte que aspire a perdurar en el futuro puede ser ajeno a sus raíces. Exhibirlas es para Henrique Faria un compromiso con el arte latinoamericano de punta.
 
Alejandro Puente. Kathino, 1989. Acrílico sobre tela. 180 x 150 cm
Alejandro Puente (La Plata, 1933–Buenos Aires, 2013) estudió Teoría de la Visión con Héctor Cartier. Participó en el Grupo Sí de La Plata con pinturas de carácter gestual. Pronto reorientó su poética hacia la geometría sensible y, en 1967, presentó estructuras primarias en el marco de la Semana de Arte Avanzado, organizada por el Instituto Torcuato Di Tella. Obtuvo la Beca Guggenheim, se integró a los círculos de la vanguardia neoyorquina y participó en Information (The Museum of Modern Art, Nueva York, 1970). Tras elaborar una propuesta plástica vinculada a la cosmovisión prehispánica, desde 1971 continuó trabajando en la Argentina. En 1985 fue parte del envío a la 18ª Bienal de São Paulo, Brasil. En este período ejerció la docencia en la Escuela Superior Ernesto de la Cárcova. Obtuvo numerosos reconocimientos, entre los últimos: el Primer Premio Salón Telecom Argentina (1995), el Primer Premio Salón Banco de la Provincia de Buenos Aires (1999), el Gran Premio Salón Nacional de Pintura (2001), el Premio Konex (2002), el Premio Arlequín de Oro, Fundación Pettoruti (2002) y el Premio Rosario, Fundación Castagnino (2003). En el año 2007 realizó el mural “Homenaje al artista artesano” en el Museo de Arte Popular José Hernández. Fue declarado “Ciudadano Ilustre de la Provincia de Buenos Aires” (2008), Académico de Número en la Academia Nacional de Bellas Artes, curador del proyecto “Ojo al País” y miembro del Consejo Asesor del Museo Nacional de Bellas Artes. En homenaje a su labor docente entre marzo y mayo de 2014, el Museo de Calcos y Escultura Comparada Ernesto de la Cárcova organizó la exposición Alejandro Puente. Huellas sensibles, bajo la curaduría de Cristina Rossi. El Espacio de Arte de Fundación OSDE presentó entre mayo y julio de 2015 la muestra Alejandro Puente. Abstracción y tradición americana, comisariada por Mariana Marchesi.
Su obra está representada en importantes colecciones como Metropolitan Museum of Art (Nueva York), Museum of Modern Art (Nueva York), Dallas Museum of Art, Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires), Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), entre otras.

Noemí Gerstein. La estrella / Mago Merlín, 1960. Hierro. 110 x 45 x 23 cm
Coincidiendo con la inauguración de la muestra Unku se presenta en la Sala E (Estudio y Experimentación) una muestra de esculturas de (1908-1996), cuyo trabajo con materiales industriales renovó el lenguaje de la escultura abstracta en la Argentina. De alto poder lírico, las esculturas de Gerstein en exhibición abarcan un período de casi veinte años entre 1954 y 1975. Parte del colectivo Arte Nuevo (donde también estaban Martha Boto, Aldo Paparella y Martha Peluffo), Gerstein fue reconocida por el MoMA que adquirió una escultura suya en 1962 y la exhibió dos veces durante esa misma década. En el texto de la muestra, el crítico Claudio Iglesias afirma: “Su trabajo toma distancia del programa visual de la abstracción pura y dura y se insinúa en un dominio más lírico y evocativo cuanto más ostensible es la crudeza del material. Los tubos, de corte redondo o cuadrado, se amasijan gracias a la soldadura en formas abiertas que se tuercen como una planta bajo el dictado del viento”.
El conjunto que se exhibe se compone de piezas calidad museo de Gerstein y demuestra el carácter tremendamente original de esta artista cuyo aporte a la escultura abstracta ha sido decisivo. Con su muestra, la sala E se posiciona en Buenos Aires como un espacio de reflexión acerca de estéticas de ruptura que marcaron el rumbo del arte contemporáneo.
 
Noemí Gerstein. Imagen bélica, 1954. Hierro. 153 x 40 x 40 cm
Noemí Gerstein (Buenos Aires, 1908 - 1996). En 1934 se inicia en escultura con el maestro Alfredo Bigatti, y entre 1949 y 1950 viaja a París becada por el Gobierno francés. Allí realiza cursos en la Academia de Bellas Artes y en la Academia de la Grande Chaumiére, donde trabaja bajo la dirección del artista Ossip Zadkine (1890-1967).
Destacada por sus esculturas, fue la primera mujer nombrada Miembro de Número de la Academia Nacional de Bellas Artes (1975). Participó de numerosas muestras individuales y colectivas nacionales e internacionales. Artista invitada en exposiciones realizadas en Europa, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (1967), en la Bienal de Escultura al aire libre Middleheim (Amberes, 1970) y Bienal de Venecia (1956, 1962 y 1964).
Sus obras forman parte de importantes colecciones, entre las que destacan Museum of Modern Art (Nueva York), Museo Nacional de Arte Moderno (París), Museo de Artes Plásticas de Jerusalén, Museo de Bellas Artes (Lima), Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires), Centro de Artes Visuales del Instituto Di Tella, entre otras.

Diego Perrotta presenta “Eran serpientes y no palabras las que salían de su boca” en el Museo Casa Carnacini


"La noche del Dragón", 2015, acrílico sobre tela 200 x 150 cm
Del 7 de julio al 17 de agosto de 2018, de martes a viernes de 10 a 20 hs. y sábados de 16 a 20 hs. se exhibe en el Museo Casa Carnacini -ubicado en Calle 110 (Pueyrredón) Nº 2720, Villa Ballester)- “Eran serpientes y no palabras las que salían de su boca” de Diego Perrotta.
 
"El devorador", 2018, acuarela sobre papel, 185 x 26 cm
 
“La exposición reúne una selección de mi trabajo de estos últimos tres años. En ella se expondrán pinturas, acuarelas, dibujos y grabados. Las series de obras desnudan mis obsesiones temáticas, como la muerte, la religiosidad, el sexo, el barroco urbano, el imaginario mágico latinoamericano y los estados alquímicos e indagan aspectos místicos y esotéricos. De alguna manera, mi obra tiende a conversar, tiene un clima narrativo, una mezcla de aromas a relatos y cuentos. El Matasiete, justiciero y defensor del pueblo, acechado por la muerte y las serpientes, El devorador de hombres y El Diablo, son figuras icónicas, representativas del mal, que esperan el momento justo para atacar, generan una encrucijada y ejercen sus oficios implacables sobre nuestra sociedad.” explica el artista.
 
"El encantador", 2016, tinta sobre papel, 52 x 38 cm
Por su parte, Luz Marchio, escribe: “El calor de la tierra. Se tarda años en llegar allí. Se necesita tiempo acumulado de plegarias para tocar el calor de la tierra con un solo gesto. En ese lugar, donde no hay sol ni noche y la cronología de los cuerpos anula el tiempo de los que respiran, los sueños guarecen los ritos del pueblo. En los confines de los cantos, cada elemento es un nombre que espera ser pronunciado con justicia; un dios trae una manera de resolver el mundo, trae una dosis de sí al mundo para que la realidad sea una señal de promesa. Se dice que en el calor de la tierra somos santos y demonios para adorar y ser adorados. Diego Perrotta lo sabe, por eso, insiste. El barroco urbano, la violencia callejera, la cábala y el azar; el credo que profesan los dioses, las vejaciones y - por qué no- la esperanza por encima de todo, guardan aquello que late con deseos de vida y de muerte. La religión, el sexo, lo mágico, la imaginería popular tejen así un relato en complicidad con el bien y el mal.”


8 de julio de 2018

“Cuadro a Cuadro, 101 años de animación argentina” en el Museo del Cine


El Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken continúa la temporada 2018 con la exposición “Cuadro a Cuadro, 101 años de animación argentina”, cuya inauguración es el próximo 10 de julio a las 18.30 hs en Caffarena 51, La Boca. 
La muestra presenta por primera vez en la Argentina la historia integral de la animación argentina desde sus inicios hasta la actualidad y asimismo presenta en sociedad dos dibujos que Walt Disney regaló en su paso por la Argentina y que se integraron hace escasos meses al patrimonio de esta institución.

En noviembre de 1917 se estrenó en el cine Select Suipacha, El apóstol, primer largometraje animado del mundo, realizado por Quirino Cristiani, Diógenes Taborda y Andrés Ducaud para Cinematografía Valle. Hace unos años Juan Pablo Zaramella estrenaba Viaje a marte, uno de los films animados más notables realizados en nuestro país. La originalidad y reconocimiento de sus obras los une, casi un siglo los separa. Entre uno y otro surgieron films como Patoruzito, Manuelita o Metegol, que ya forman parte de nuestra memoria colectiva, muchos más merecen conocerse, como la extraordinaria obra de Luís Bras.

El primer largometraje animado del mundo fue argentino, se llamó El apóstol (1917), y si bien casi nada de su autor Quirino Cristiani se conserva hasta nuestros días, en apenas unos cortos realizados para el noticiero Film Revista Valle y el film El mono relojero de 1938, puede verse su talento. La labor de Cristiani con la animación y la sátira política permitió a través del tiempo que otros dibujantes como Ramón Columba, Landrú y Siulnas también utilizaran la animación cinematográfica para satirizar la realidad. Otro hito olvidado es la productora de animación CINEPA que en los años cuarenta se concentró en la realización y distribución de documentales en paso reducido (16mm), para escuelas, instituciones y hogares. 

En 1942 el estreno del cortometraje Upa en apuros junto con uno de los mayores films del cine argentino, La guerra gaucha, de Artistas Argentinos Asociados, marcó un punto de inflexión. Pero indudablemente Manuel García Ferré, conquistó a grandes y chicos de varias generaciones. Sus creaciones forman parte de la cultura popular. La televisión fue el marco para que Anteojito y Antifaz pasaran de la publicidad a una revista capaz de competir con Billiken y después a varios largometrajes. El primero de ellos, Las aventuras de Hijitus, fue un éxito con su creatividad fresca y personajes queribles. Todos sus films convocaron al público infantil como nadie lo había hecho y sólo muchos años después, Manuelita, a partir de la canción de María Elena Walsh, fue un éxito de magnitud comparable y también se desarrolló el cine de animación mainstream: Dibu, Mercano el Marciano, y la producción de dos o tres largos por año. El boom de los primeros años del siglo XXI tuvo un punto culminante con Metegol.

Argentina tuvo al menos dos realizadores de cine animado experimental que lograron obras trascendentes: Luís Bras y Víctor Iturralde. De distintos modos ambos continuaron la tradición inaugurada por el canadiense Norman McLaren a quien conocieron. El cine de Bras, realizado mayormente en 16 mm y super 8 mm resulta un ejemplo notable de arte puro, abstracto y efímero. El presente ve a muchos realizadores, creando ilusión de movimiento de muchas maneras. Y a talentos argentinos requeridos desde distintas partes del mundo. Juan Pablo Zaramella sorprende con su variedad de técnicas, que van desde la pixelation de Luminaris a los muñecos de Viaje a Marte y el diseño de videogames es otro talento argentino de exportación. Es tiempo de sus múltiples técnicas en cruce. Stop motion, 3D, 2D, plastilina, arena etc. Hay muchas formas de hacer dibujos animados. La historia sigue sorprendiéndonos.

La exposición podrá visitare de lunes a viernes de 11 a 18 hs. y sábados, domingos feriados de 10 a 19 hs. (martes cerrado).

5 de julio de 2018

"#Links. Colección Sívori". Una vasta selección de obras de la colección se exhibe, junto a materialidades diversas, bajo el concepto de “hipervínculo”


El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires presenta la exposición "#Links. Colección Sívori", que se inaugura el sábado 7 de julio a las 12 hs. en la sede del Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Av. Infanta Isabel 555, frente al Rosedal.
 
Marcia Schwartz. El entorno, 2014, técnica mixta
"#Links. Colección Sívori"  propone una navegación analógica de imágenes y materialidades diversas en la que conviven más de 50 obras del patrimonio del Museo Sívori, material gráfico y autobiográfico de artistas, catálogos, recortes periodísticos, impresos originales del fondo documental y del archivo del museo, fotografías, revistas, acervo bibliográfico, afiches, películas y objetos cotidianos. La muestra estará acompañada de diversas actividades para público de todas las edades.

Organizada por integrantes del equipo curatorial del Sívori, seis obras de la colección realizadas por artistas contemporáneos arrojan posibles derivas y vínculos, linkeando con otras piezas patrimoniales producidas entre el siglo XIX y nuestros días.
 
Miguel Ángel Bengochea. Escena del parque, 2000, óleo sobre tela
 
De este modo, la exposición se organiza en torno a seis nodos representados por las siguientes piezas: El entorno (2014), técnica mixta de Marcia Schvartz; Cabezas (1997), xilografía iluminada de Eduardo Iglesias Brickles; El Pibe Cabeza (1994), políptico, óleo s/tela de Jorge Pietra; Magnético azul (2008), chapa policromada de Carola Zech; El emigrante (1995), heliografía sobre valija de Graciela Sacco, y La certeza y la duda (2005), telar horizontal de Betsabé Cisneros.

"Al plantear esta idea se pone en juego la existencia de una performatividad de imágenes, objetos, y afecciones que actúan por, desde y entre las colecciones. Se escenifican saberes, compromisos, deseos y posiciones que se cuelan en el museo. Los pensamientos migran de un lugar a otro al recorrer los objetos que se presentan en las salas; las imágenes pierden y recuperan su historia material al lado de las obras, conviven con otras; unas se vuelven contingentes, inestables; otras crecen y se viralizan.
 
Carmelo Arden Quin. Sin título, 2003, técnica mixta sobre madera
Es frecuente que objetos e imágenes provenientes de una esfera material cotidiana se reúnan con aquellos documentos que sólo pertenecen y circulan en el ámbito privado del museo. Esta intrusiones fronterizas y materiales que median entre lo público y lo privado descolonializan e interpelan las imágenes canonizadas del museo y su colección, subjetivando lo que vemos y la manera en que lo vemos. Este ejercicio nos permite desencriptar las obras, descentrarlas de una única lectura y re-interpretarlas nuevamente. No se trata de olvidar su historia sino de actualizarlas en el presente.

Si la contemporaneidad se lee desde la contemporalidad informada por las redes, las comunidades virtuales y los hipervínculos rizomáticos, las colecciones patrimoniales que albergan nuestros museos podrían plantearse desde sus prácticas curatoriales en forma coral, transversal, sugiriendo al público un modo de criticalidad y discursividad polifónica. En otras palabras, coleccionar, como planteaba el filósofo Walter Benjamin, es de cierta forma imaginar constelaciones o ideas-pensamiento ancladas en la memoria, en la que cada espectador propone su propio camino y lectura proyectándolas hacia el porvenir.
 
Lucio Fontana. Hombre del Delta, 1943, bronce
En ese recorrido de la exhibición Links. Colección Sívori surgen preguntas: ¿cómo se relaciona un/a artista con una colección?, ¿qué hace un curador/a cuando organiza las obras de una colección?, ¿qué hace que una imagen nos lleve a otra?, ¿qué observa un/a espectador/a cuando mira una obra en un presente mediado por redes?, ¿qué tipo de vínculos establecen unas con otras? Las posibilidades son múltiples, al igual que las conexiones que se establecen para organizar las respuestas. Desde diversos modelos epistémicos, uno de ellos, sustentado en una perspectiva canónica y disciplinar, nos indica que curar una exposición comprende y establece una organización, sea cronológica, temática o por escuelas, que jerarquiza modalidades técnicas posicionando la trayectoria de un/a artista o los desafíos planteados en sus contextos de producción, lugar y legitimación en el campo del arte.

Si, en cambio, hiciéramos el ejercicio de otorgar visualidad a la misma colección desde una curaduría pedagógica, el objetivo seguramente destacaría y contemplaría otros objetos de análisis para presentar al espectador que visita el museo. Actividades participativas, programas alternativos de enseñanza para la inclusión del arte o materiales didácticos y tecnologías audiovisuales aplicadas en poblaciones escolares de diversas edades diseñadas específicamente para las propias comunidades de pertenencia serían, sin duda –junto con los/as artistas–, los protagonistas de la exposición.
 
Emilio Renart. Autorretrato, 1980, acrílico sobre papel
Exhibir en los museos y gestionar sus colecciones es una tarea que responde a las culturas de lo curatorial y, en cuanto tales, el abordaje es de tipo antropológico, pues responde a una diversidad de experiencias que conforman al arte argentino y las formas rituales que lo anteceden. Es por ello que nuestra tarea en el Museo Sívori consiste en descifrar esos modos de expresión junto a la comunidad, interpretarlos, exhibirlos y linkearlos con y para otra/os." Teresa Riccardi, directora del  Museo Eduardo Sívori.

4 de julio de 2018

Abrió Céfiro.Un nuevo espacio de arte en el Distrito Tecnológico, en Parque Patricios


Céfiro, el nuevo espacio ubicado en Patagones 2740 del barrio Parque Patricios, abrió sus puertas con la inauguración de la muestra colectiva "Recorridos cotidianos" 
Ubicado en el Distrito Tecnológico, Céfiro está ubicado en la planta baja del edificio de CTL Information Technology, empresa IT, que forma parte de dicho distrito.
 
"Recorridos cotidianos" –la exposición inaugural del espacio- consiste en un conjunto de obras de diez artistas visuales contemporáneos: Alicia Díaz Rinaldi, Eugenia Soma, Guillermo Benavidez, Guillermo Mac Loughlin, Héctor Destéfanis, Leo Vinci, Leonardo Gotleyb, Marina Dogliotti, Víctor Fernández y Bárbara Braguinsky, siendo esta última curadora de la muestra. Entre las piezas exhibidas se incluyen pinturas, dibujos, grabados y esculturas que ocupan espacios de exposición del edificio, brindado así un recorrido arquitectónico.
 
Obras de Alicia Díaz Rinaldi 
 
La selección de los artistas se realizó en conjunto entre Céfiro, el Distrito Tecnológico y el Distrito de las Artes, en sintonía con el espíritu del proyecto que busca, entre otros objetivos, promover la integración entre los diversos distritos ubicados en la zona sur de la ciudad: Tecnológico y de las Artes. La mayoría de los artistas seleccionados forman parte de este último.
 
"La mesa de los pintores", óleo sobre tela de Victor Fernández
El origen de este proyecto se remonta a la búsqueda de la identidad del Distrito Tecnológico, de la ciudad de Buenos Aires, como un centro de emprendimiento, desarrollo, innovación y conocimiento que alberga empresas de tecnologías. En este proceso, la empresa CTL Information Technology se propone lanzar un espacio que promueva la sinergia entre las partes que lo conforman: empresarios, empleados, universidades, organismos gubernamentales y no gubernamentales, comercios, vecinos, entre otros.
Así nace Céfiro: para promover y conectar. Este nuevo espacio de arte, planteado como un ámbito de integración entre la cultura empresarial y la escena artística y social, ofrece una programación atractiva y contemporánea para el público del Distrito Tecnológico y que se hace expansiva a toda la Ciudad.

Escultura de Marina Dogliotti
Recorridos cotidianos por Bárbara Braguinsky
"En la mitología griega Céfiro era el dios del viento, fructificador mensajero.  En su viaje llevaba un anuncio secreto. Señales cuya vibración, mezclada con las historias y  pensamientos, sólo eran comprendidas por las percepciones. Céfiro abre sus puertas con los brazos extendidos de diez artistas. Cada uno, elegido y elector. Cada uno, cara única de un dado que conforman ese poliedro de juegos misteriosos que, en su rodar, nos cuentan historias y senderos caminados. En ese remolino nos muestra la cara del joven que lanza sus alas al mundo y deja el nido. La cara de la mujer, de la tierra y su cosecha, de la luna, de lo sagrado y lo prófano. 

Obras de Eugenia Soma  y Guillermo Mac Loughlin
 
La cara de Argentina. El gran secreto que transporta en esa ráfaga en la que Céfiro se desplaza, se diluye, transmuta y renace, es la travesía del artista. El ciclo de la vida. Céfiro nos llegó, como un fuerte viento, que atravesará los espacios más profundos del oficio artístico. Quien pase, podrá transitar este vuelo y dejarse llevar por la materia y el frío objeto transformado en pregunta, por la ternura del color en su máxima saturación y las pasiones, por el dolor, la ciudad y sus estructuras de líneas infinitas. Siempre integrado e integrante de la Ciudad, su historia e identidad. Un recorrido cotidiano, digno de disfrutar."

La exhibición se puede visitar hasta el 16 de agosto, de lunes a viernes de 10 a 17 horas, en Patagones 2740, Parque Patricios, Buenos Aires, Argentina.