Fiat presenta la exposición de Pepa Figueroa Cuéllar en Anselmo Art Gallery

 

Fiat invita a visitar la muestra de Pepa Figueroa Cuéllar denominada "Estelar", que está expuesta en Anselmo Art Gallery Curio Collection by Hilton, Don Anselmo Aieta 1069, San Telmo y puede visitarse hasta el 30 de noviembre.

Luego de varias temporadas en las que Fiat se hizo presente mes a mes con muestras de diferentes artistas, en esta oportunidad presenta pinturas en Anselmo Art Gallery Curio Collection by Hilton.

En esta ocasión la artista exhibe una serie de pinturas en acrílico y tintas que surgen de una investigación que la artista desarrolla desde hace muchos años sobre la tierra, y la visión del hombre con respecto a los elementos que la naturaleza le proporciona. En esa búsqueda la artista también indaga en la Física Cuántica, y lo expresa en "Estelar", donde interpreta las dimensiones del universo y sus seres que ella define como "los turistas del futuro". Estas representaciones son el resultado de sus mecanismos internos donde la idea de presente y futuro tensionan en medio de un colorido desafiante donde la única certeza es el azul intenso que nos induce a imaginar el color estrella. 

Pepa Figueroa Cuéllar y Eleana Pardini

Afirma Pepa Figueroa Cuéllar: "Si las teorías nos hablan de cuerpo espiritual existente, yo lo quiero encontrar. Intento capturar esas imágenes de vidas pasadas donde quizás me encuentro".
Junto a las pinturas se exhibe un video sobre la artista y su obra, realizado especialmente para la ocasión.

Pepa Figueroa Cuéllar nació en la provincia de Salta, donde estudió la carrera de arte en la Escuela Provincial Tomás Cabrera. Se graduó como licenciada en arte en IUNA, en Buenos Aires y se formó con Yuyo Noé. Es artista plástica, escultora, docente e investigadora. Estudió psicofísica en el Instituto Argentum Buenos Aires y filosofía cuántica formándose en clínicas en París con Minia Biabiani y Driss Ovadahi. 

 Eduardo de la Torre, Zulema Maza, Pepa Figueroa Cuéllar y Lux Lindner

 

Recibió numerosos premios y distinciones, y participó en la primera Bienal CFI Buenos Aires, Salón de arte Latinoamericano, Denver, EE.UU. Obtuvo por tres años consecutivos la beca Cité International de Art París, Francia. Participó de Acercamiento de Cultura, Universidad de Arte de Shangai, China.  

 Pepa Figueroa Cuéllar con amigos artistas

Expuso sus obras en Argentina, España, Francia, EE.UU. y China, entre otros países.
En Salta se pueden ver sus obras escultóricas en la vía pública, en plaza principal Apolinario Saravia, y plaza Dr. Mercado Cuéllar, Villa Lavalle. Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas en el país y en el exterior.
Actualmente trabaja en su atelier de Buenos Aires, alternando con Salta.

 

7ª edición de “Los talleres Abiertos de Par en Park”

Llega la séptima edición de “Los talleres Abiertos de Par en Park”, en el edificio Central Park del barrio porteño de Barracas, una mole de tonalidades celestes, rosas y amarillas que lleva la firma del fallecido Pérez Celis.

Allí más de 30 artistas abrirán después de la cuarentena la puerta de sus estudios para mostrarse en su intimidad, rodeados de todos sus materiales: pintura, pinceles, martillos, tenazas, madera, clavos, estopa, bastidores...Y también para charlar y exhibir sus últimas obras, muchas de ellas todavía en proceso.

Estos artistas son: Eugenio Cuttica , Eduardo Hoffmann, Antonio Seguí, Eugenio Zanetti, Juan Lecuona, Mónica Van Asperen, Juan José Cambre,  Carlos Gómez Centurión, Marino Santa María, Ana Candioti, Cecilia Duhau, Augusto Zanela, Daniel Corvino, Horacio Sánchez Fantino, Cecilia Ivanchevich, Andrea Allen, Emilio Fatuzzo, Carlos Benavidez, Ernesto Arellano, Pepa Figueroa Cuellar, Gabriela Antenzon, Ernesto Ballesteros, Lux Lindner, Alexis Minkiewicz , Hernán Marina, Rodrigo Díaz Merlis, Mónica Tiezzi, Charlie Navarro, Eduardo Ocantos, Alejandra Mettler, Cristina Schiavi, Marcela Astorga, María Inés Domínguez, entre otros.

La idea de esta propuesta, que cuenta con la curaduría de Fernando Brizuela, es que los visitantes se sientan parte del mundo del arte. Por ello, no sólo están previstas las visitas a cada uno de los estudios, sino que se ha organizado un recorrido en el cual el arte estará presente en todos los espacios para que cada invitado tenga la posibilidad de recorrer e interpretar las obras y, si lo desea, comprar las obras en forma directa, sin intermediarios. 

Habrá una muestra de arte producida por Lía Cristal y curada por Mariana Gioiosa y Fernando Brizuela, que reúne obras de la colección de Esteban Tedesco.

El sector principal estará destinado a un ámbito de encuentros, charlas participativas, música y eventos sorpresas en cada momento, como, a modo de adelanto, el espectáculo que ofrecerán los Cantantes Líricos Asociados de la República Argentina, (CLARA) en el espacio de la Fundación de arte inclusivo que tiene su sede en éste complejo. 

“Cada región de América vivió la pandemia y post-pandemia de una forma diferente, y desde Central Park queremos trascender las dificultades de las circunstancias para facilitar el desarrollo y la visibilidad de todos nuestros artistas y talleres involucrados”, expresa Gustavo Fernández, el dueño del complejo. Y agrega: “El Central Park apoya la difusión del arte y la cultura desde el comienzo mismo en que se fundó en el año 1996 cuando le pedimos al maestro Pérez Celis que interviniera la fachada.” 

El viernes 26 de noviembre, de 17 a 21 hs, los artistas abren también sus talleres con entrada libre y gratuita para todo el público.
Complejo Central Park. California 2000, Barracas, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

 

Inaugura una muestra de Manuel Espinosa en el nuevo espacio de María Calcaterra

 

MCMC galería inaugura su nuevo espacio con la exhibición individual de Manuel Espinosa, titulada “Un ritmo de azar y necesidad” con texto de Elena Oliveras. 

La muestra reúne una selección de tintas sobre papel y acrílicos que el artista realizó durante la década del ‘70. 

En palabras de Elena Oliveras: “Manuel Espinosa encontró en el soporte del papel un medio ideal de experimentación. Por su practicidad, ductilidad y fácil disponibilidad fue particularmente eficaz para responder a la obsesividad y perfeccionismo que lo caracterizaron. Le permitió innumerables pruebas de línea, forma y color que incidirán, de uno u otro modo, en sus logros en el campo de la pintura(...) El espíritu libre de Espinosa, que siempre va más allá de las propias conquistas, lo lleva a interesarse tanto por el color, con sus sutiles modulaciones y transparencias, como por el fuerte contraste del negro y del blanco.” “En la actual exposición se han considerado tres zonas que corresponden a las paredes enfrentadas y al espacio central. Una de las paredes recibe una secuencia de obras sobre papel con tinta litográfica a modo de mural. Enfrentada a ella se ubica -de igual modo[1]una secuencia de dibujos ópticos. Sirviendo al diálogo entre las dos series, en el centro de la sala se encuentra una pequeña selección de obras bifaz. Desde el punto de vista formal, resalta el aspecto rítmico del conjunto, a lo que se suma el ritmo implícito en el desplazamiento del espectador. Un ritmo en el que influye tanto el azar como la “necesidad” para dar origen a nuestro modo exclusivo de ser en el mundo. Como la huella digital, el ritmo es algo propio, individual. Cada uno de nosotros tiene su ritmo, sus propios latidos del corazón, sus propios movimientos respiratorios, su propia cadencia vital, sus propios desplazamientos.” 

La exhibición se llevará acabo en el nuevo espacio de MCMC, ubicado en José León Pagano 2649, y se podrá visitar a partir del 25 de noviembre a las 18 hs.

Arquitectura, decoración, arte y paisajismo en la 18ª Edición de Estilo Pilar Delta Escobar

 

La 18° edición de Estilo Pilar, la exposición de decoración, arte, paisajismo y arquitectura de mayor envergadura, se desarrolla hasta el 28 de noviembre en el emprendimiento náutico El Naudir - Aguas Privadas de la desarrolladora E2, en un predio de 2 hectáreas a orillas de un espejo de agua con salida al río, situado en Escobar.
La muestra, organizada por la Asociación sin fines de lucro Amigos del Pilar, cuenta con otras 2 hectáreas destinadas al estacionamiento gratuito para los visitantes.
 
Unos 30 diseñadores de interiores, más de 20 artistas y una decena de paisajistas, exhiben sus diseños y creaciones en cuatro casas ribereñas de construcción modular de la empresa Nurhouse.
 

 Arte en Estilo Pilar: Fierrokinesis

 
Los sponsors de esta edición son: El Naudir (emprendimiento náutico), Vite (porcelanato), Tersuave (pintura), Rielamericano (cortinas y toldos), Indusparquet (pisos y revestimientos de madera), Canteras del Mundo (mármoles, granitos y superficies ultracompactas), Longvie (electrodomésticos), Moldumet (perfiles, molduras, accesorios de baño y revestimientos plásticos), Rehau (aberturas de pvc), Roca (sanitarios y griferías), Viio (vidrios decorativos), Iluminatti (iluminación), Nurhouse (construcción), Modulari (construcción), La Nación (medios),Telecom (telecomunicaciones) y Landhi (socio de plataforma digital).

La desarrolladora de E2 tiene un domo en la muestra donde presentará sus cuatro nuevos emprendimientos brindando información y detalles de  cada uno de ellos.

La muestra también cuenta un sector de Showrooms con la presencia de Bue Deco Wall Design, 
La Popeline, Casa di Giulietta, Blue Fingers Art y Ikon Lamps/Slow Design Studio.

El público visitante tiene la oportunidad de recorrer el clásico Paseo de Compras, compuesto por más de 30 carpas con una amplia variedad de productos: ropa, accesorios, carteras, alimentos, mantas, platería y artículos para decorar, entre otros. Este año Estilo Pilar se convierte en una buena oportunidad para realizar las compras para las fiestas de fin de año.
 

C´est Moi, paralelismo

 

Con la presencia de la Comisión Directiva de Amigos del Pilar, integrada por Haydee Burgueño, Mercedes Pieres, Mercy Menditeguy, Teresa Oliverio, Alicia Erbin y Elfie Escudero junto a la asesora de arte Cristina Bonanno, Laila Huber a cargo de la coordinación general; se procedió al corte de cintas junto a Diego Martínez Nuñez, director general de E2, la desarrolladora que lleva adelante el emprendimiento El Naudir donde se realiza la muestra.

Luego se entregaron los premios a los mejores espacios de decoración de la 18° edición de Estilo Pilar, elegidos por un prestigioso jurado.
 

 Familia Echaide, cocina mediterránea

 
La Familia Echaide y C´est Moi fueron lo grandes ganadores. La Familia Echaide obtuvo el Primer Premio Estilo Pilar en decoración, una mención de DArA y los premios de los sponsors Canteras y Longvie. Mientras que C´estMoi recibió el Primer Premio de DArA, el Primer Premio de Indusparquet, un premio de Vite y una mención de Tersuave y el Premio Mejor diseño de baño de Roca.

Estilo Pilar otorgó una mención para “4 Elementos” de Susana Piazza.
 

 Arte en Estilo Pilar: fotografías de Zulema Maza

 
Los sponsors también entregaron premios a: Loly Albasini, de Tersuave y Rielamericano; Silvina Inchauspe recibió una mención de Vite; Indusparquet y Roca entregaron menciones a Kuperdesign y Moldumet entregó el Primer Premio a Slowdesignstudio y una mención a Vika.

En arte el Primer Premio Estilo Pilar fue para Yvonne Delor con la obra “Autopartes Puertas” y una mención para Fierrokinesis con la obra “La Ipomea”.
 

En Estilo Pilar los decoradores se distribuyen en cuatro casas de construcción modular de Nurhouse en la cual diseñadores, paisajistas y artistas exhiben sus creaciones. Las casas están ubicadas al margen del río e identificadas con nombres de plantas autóctonas: Timbó, Sauce, Camalote y Junco.

En la Casa Timbo, los ambientes fueron decorados por: Cuatro Elementos, San Marco Diseño, Kuperdesign, Treno Deco Kids, Silvina Inchauspe y Karina Caprin.

Por otro lado, la casa Sauce cuenta con espacios ambientados por Gloria Atelier Deco, Familia Echaide, C‘ est Moi y Frontera. Y en la cocina de esta casa nos encontramos con uno de los máximos ganadores de los premios de esta edición: Familia Echaide que se llevó el 1º Premio Estilo Pilar, una Mención de DArA y diplomas por la Mejor Aplicación de Productos de Canteras y Longvie.
La caja blanca y el mobiliario construido en madera con procesos de blanqueado junto con la cuarcita Taj Mahal permiten que el sol entre, sea parte de ellos e inunde el ambiente con sus diferentes colores.  Según el momento del día se desarrollan en un mismo lugar diferentes escenarios posibles para quien disfruta convertir el cocinar en una experiencia sensorial.
De esta casa, el primer premio DArA fue para C‘ estMoi, quien también se llevó el Premio a la mejor exhibición de producto Vite y la Mención Hay Color de Tersuave al uso del color.  Este espacio también se llevó el Primer Premio de Indusparquet y el Premio  al Mejor diseño de baño de Roca.
 

En la Casa Camalote los espacios fueron decorados por Estudio C Decoración, VIKA  y Loly Albasini.

Loly Albasini es una de las decoradoras que estuvieron en todas las ediciones y se llevó el Premio Hay color de Tersuave al uso del color y el Premio a la Mejor aplicación de producto Rielamericano.
Albasini se valió de la representación del nuevo concepto de espacios de descanso en casa.
La madera natural se repite como elemento predominante y conexo. Se utiliza Rafia natural para forrar los frentes de cajones y la cortina representa una red abierta que apenas hace un efecto de filtro de luz, emulando la textura de los pajonales y los pastos secos que el invierno se observan en la zona. El mural pintado es la flora intentando invadir el adentro, en ese tono neutro recreando la ribera de la laguna con sus tonalidades de ocres , grises y verde musgo, los diferentes colores que forma el agua jugando con la luz y los matices del atardecer o el arranque de día.
Y en esta casa también se premió a VIKA con una Mención a la Mejor  aplicación de perfiles Moldumet.

Por último, en la Casa Junco, los decoradores que ambientaron los espacios fueron: Inner Worlds - Espacio Beca DArA, Carmela Carey, Albertina House y Meraki Diseño Rústico.
 

Con lo recaudado en la muestra solidaria, AMIGOS DE PILAR, tiene como misión financiar la atención odontológica para niños de bajos recursos. Su gran compromiso y esfuerzo, llevados a cabo a lo largo de todos estos años, le han permitido garantizar el éxito en cada una de sus exposiciones.

Estilo Pilar se puede visitar de jueves a domingos, de 12 a 20 hs. en El Naudir - Aguas Privadas RN25 4020, Escobar, Buenos Aires.
Más información en:
https://www.facebook.com/estilopilar  
https://www.instagram.com/estilopilar/ 
http://www.estilopilar.com.ar/

 

10° edición de Noviembre Electrónico en el Cultural San Martín

El Cultural San Martín presenta "Noviembre Electrónico", el principal evento para la cultura digital y las artes electrónicas de la ciudad de Buenos Aires que cruza arte, ciencia y tecnología con el mundo alternativo de la realidad virtual y aumentada y la música electrónica y expandida.
En esta décima edición, artistas, desarrolladores, investigadores y científicos propondrán muestras interactivas, conciertos, workshops, performances, conferencias, proyecciones y más experiencias.
Cada edición es un camino hacia la convergencia entre cultura, ciencia y tecnología, que expresa la identidad innovadora de El Cultural San Martín y explora la construcción de nuevos públicos.

“Noviembre Electrónico es parte de un desafío integral que busca incorporar más tecnología, más herramientas, y adaptar los espacios para que nuevas audiencias se acerquen a disfrutar de El Cultural San Martín. Estamos muy contentos de poder llevar adelante la décima edición de este clásico de la cultura", dice Enrique Avogadro, ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.
 

"Pulsar la Tierra" de Joaquín Fargas

Por su parte, Diego Berardo, director general de el Cultural San Martín, agrega: "Estamos muy contentos de celebrar esta edición de manera primordialmente presencial. Artistas, científicos, académicos, instituciones públicas y privadas y diversos públicos, vamos a poder disfrutar de nueve días en los que la innovación tecnológica, la ciencia y la creatividad se adueñan de todos nuestros espacios para mostrarnos propuestas entre las que se destacan aquellas realizadas en pandemia como aquellas que ponen el foco en la crisis ambiental. Y, por supuesto, viviremos una hermosa fiesta, porque llegar a 10 ediciones, en este pasado reciente y presente, merece que lo festejemos mucho".

Se podrán recorrer las muestras interactivas:

"Trascendental; por siempre digitales" de Joaquín Fargas que presenta obras que llevan a repensar a la inmortalidad y a proyectarnos en las generaciones futuras.

 UMSA."Miradas. Desde la producción de arte robótico y biorobótico"

 
"Miradas. Desde la producción de arte robótico y biorobótico", curado por Daniel Álvarez Olmedo y Ana Morilla Sirvent - Universidad del Museo Social Argentino.

"Un rayo de fuego luminoso. (30 minutos de videopoesía)", curado por Juan Rux. Recorrido audiovisual por la poesía contemporánea a través de videopoemas de diferentes poetas, artistas y realizadores audiovisuales.

"Extendiendo la realidad", organizada por Cámara de las Industrias Culturales y Tecnologías de Argentina (Cicta). En esta muestra, curada por Mariano Capone, convergen la multiplicidad de miradas creativas frente a la creación digital y analógica.

Corear

En el ámbito musical se podrá disfrutar de Corear, un proyecto musical autogestivo que busca promover la cultura sinfónica mediante la interpretación orquestal de piezas de videojuegos; Monica Trigger de La Plata; Andrea Tubert, hiperperformática del electro pop y un cierre con la DJ Ludmila Di Pascuale, el 28 de noviembre.

Las performances y conferencias también formarán parte de la programación del evento. Además, el viernes 26 y sábado 27 se presenta en el Planetario Galileo Galilei de la Ciudad de Buenos Aires, "Conciertos de música visual para Fulldome: Understanding Visual Music - UVM 2021", un ciclo de conciertos nacionales e internacionales organizados por el Centro de Experimentación e Investigación en Artes Electrónicas (CEIArtE) de la Untref y Understanding Visual Music (UVM).

Podés consultar toda la programación en: elculturalsanmartin.ar/noviembreelectronico

 

 Fusion2020. "Mar Encantado" de Laura Palavecino. 2º premio en la categoría Arte Tecnológico

 
Dentro de Noviembre Electrónico se desarrolla FUSIÓN 2020.

La UTN BA, Objeto a, la Fundación para el Desarrollo del Conocimiento (Fundesco) y el Consejo Profesional de Ciencias Informáticas (CPCI) presentan los seis proyectos ganadores de FUSIÓN 2020, la edición digital del concurso de arte, ciencia y tecnología, creada por la unificación de los Premios ArCiTec y Bienal Kosice. El concurso contó con dos categorías: Arte Tecnológico (AT) y Tecnología Aplicada al Arte y a la Cultura (TAAC).

FUSION 2020 presenta una agenda cultural del martes 23 al viernes 26 de noviembre, en el horario de 15 a 20 hs. sobre la escena de las artes electrónicas en Argentina.
La agenda cultural contará con 17 actividades entre conversatorios, performances, talleres, master classes e invitados extranjeros. En el siguiente detalle, las actividades presenciales figuran en verde y las virtuales en azul, siendo todas trasnmitidas por streaming. Para participar de la agenda, se requiere inscripción previa haciendo click en este link: https://docs.google.com/forms/d/1UpqPCailKITJBNZaSRwZrjnpYONGkCGGTlrakRD0z6U/viewform?utm_admin=8555&edit_requested=true

El Fondo Nacional de las Artes presenta "Puente", lo mejor del arte de Paraná en Buenos Aires

Mildred Burton. La madre del torturados. Serie Familia del torturador. 1980, óleo sobre tela. Colección privada

Con obras de Mildred Burton, Carlos Asiaín, Gloria Montoya, Julia Acosta, Lucas Mercado y Federico Lanzi la muestra "Puente" presenta desde el jueves 11 de noviembre en la Casa de la Cultura (Rufino de Elizalde 2831) un panorama de la escena artística con base en Paraná, capital de Entre Ríos. Se trata de un conjunto de obras producidas entre los años 60 y hoy que marcan la ruptura de la tradición y su tránsito a las prácticas contemporáneas atravesadas por los imaginarios del lugar. "Puente", curada por Manuela López Anaya y con auspicio de la provincia de Entre Ríos, sigue en la programación del FNA a Tres Miradas sobre Mar del Plata inscribiéndose dentro del programa Recorrido Federal del organismo. 

Federico Lanzi. Sin Título. 2021, azulejos esmaltados con lustre oro. Colección privada

La muestra no tiene la pretensión de hacer historia o postular una escuela propia pero sí revela un elemento común que es transversal al tiempo histórico: cómo establecer una mirada propia sobre lo local sin localismos. Así dialogan en esta exposición las obras de una artista como Mildred Burton (1942-2008) consagrada en Buenos Aires y el mundo con las de Carlos Asiaín (1939-2018) y Gloria Montoya (1935-1996) quienes tuvieron un rol de activistas y gestores culturales decisivo para la ciudad entrerriana. Tanto la visibilidad nacional de Burton como la presencia de Asiaín y Montoya sostuvieron la escena hoy representada por Julia Acosta (1971), Federico Lanzi (1979) y Lucas Mercado (1980). "Puente" presenta así una oportunidad única de apreciar la huella de Paraná en el arte argentino. 

Carlos Asiain. Sin título, tinta sobre papel. Colección Magdalena Maffeis

“Con Puente el FNA quiere darle a La Casa de la Cultura su verdadera dimensión. Un espacio donde cada acento estético del país expresado en sus artistas y sus obras tenga el eco que corresponde” señala la Arquitecta Diana Saiegh, presidenta del FNA.

La exposición de arte entreriano podrá visitarse hasta el 5 de diciembre de jueves a domingo, de 14 a 19 hs. en la Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes en Rufino de Elizalde 2831, CABA. Entrada gratuita sin inscripción previa. Ingreso por orden de llegada sujeto a capacidad de la sala.

Malba exhibe dos atractivas exposiciones de fotografía: Madalena Schwartz. Las metamorfosis + Temporada Fulgor. Foto Estudio Luisita

"Las metamorfosis", dedicada al ensayo fotográfico en el que Madalena Schwartz (Budapest, 1921 - San Pablo, 1993) retrató a las travestis y transformistas que frecuentaban la escena alternativa de San Pablo durante la primera mitad de la década de 1970, se trata de la primera colaboración de Malba con el Instituto Moreira Salles (IMS) de Brasil, en cuya sede de San Pablo se presentó la muestra entre febrero y septiembre de 2021.

 Magdalena Schwartz. Las Metamorfosis

 
En diálogo con las imágenes de Schwartz, la muestra ofrece además un breve panorama de la fotografía latinoamericana dedicada a la vida trans de esos años con obras de distintos autores y colectivos de Argentina, Chile, Bolivia y otros países de la región. En total, la exposición reúne 112 fotografías de Schwartz y más de 70 piezas históricas como periódicos, documentos, películas e imágenes que dan cuenta del contexto en el que la fotógrafa realizó su obra. La curaduría es de Gonzalo Aguilar, miembro del Comité Artístico de Malba y profesor de Literatura Brasileña y Portuguesa en la Universidad de Buenos Aires, y Samuel Titan Jr., Coordinador Ejecutivo del Instituto Moreira Salles (IMS) de Brasil y docente de Teoría Literaria en la Universidad de San Pablo.

Magdalena Schwartz. Las Metamorfosis

 Como punto de partida, la muestra presenta la trayectoria singular de Schwartz, una de las grandes exponentes de la fotografía brasileña, cuyo acervo está bajo el cuidado del IMS. Nacida en 1921 en Budapest, Schwartz emigró a los doce años a Argentina. En Buenos Aires, la joven húngara se casó y tuvo dos hijos. En 1960, a punto de cumplir cuarenta años, se mudó con su familia a San Pablo, donde abrió una lavandería en el centro de la ciudad.
Su vida cambiaría cuando, a mediados de la década de 1960, uno de sus hijos ganó una cámara fotográfica en un concurso televisivo. Schwartz se interesó inmediatamente por el artefacto, realizó cursos en el legendario Foto Cine Club Bandeirante y, casi a los cincuenta años, inició una nueva y sorpresiva carrera que la transformaría en una figura expresiva única.

Magdalena Schwartz. Las Metamorfosis

Esta exposición se concentra en un conjunto específico de imágenes de Schwartz, parcialmente publicado en el libro Crisálidas (2012). En él, la fotógrafa documenta los universos travesti y transformista del centro de San Pablo en los años setenta. Son personajes que ella conoció en su vida cotidiana, en el trayecto entre la lavandería y el edificio Copan (un enorme rascacielos residencial diseñado por el arquitecto Oscar Niemeyer), donde vivía con su familia y tenía su estudio.

Amante del teatro, Schwartz inició una serie de retratos con personalidades de ese mundo y de la televisión: los integrantes del grupo Dzi Croquettes, el cantante Ney Matogrosso, la actriz Elke Maravilha y el performer argentino Patricio Bisso (vecino suyo del Copan), entre otros. Continuando la misma línea, se dedicó también a fotografiar a personas menos conocidas que se ganaban la vida en salones de peluquería o en clubes nocturnos. Gran parte de esos retratos eran realizados en un estudio improvisado en su propia casa, en un ambiente de intercambio y complicidad.

En “Temporada fulgor” se recupera el legado del Foto Estudio Luisita fundado por las hermanas colombianas Luisa Escarria (Cali, 1929 - Buenos Aires, 2019) y Chela Escarria (Cali, 1930), uno de los estudios de fotografía argentinos fundamentales en la historia del teatro de revista y de la cultura popular porteña. 

Centrada en la producción del estudio de las décadas del 60 y 70, la exposición da cuenta del lugar del teatro de revista como un fenómeno de la cultura popular argentina caracterizado por servir de termómetro de las transformaciones políticas, económicas, sociales y culturales de nuestra sociedad; pero que también permite asomarse hacia la construcción personalísima de estas imágenes de circulación masiva operada a través de la mirada de Luisa y las manos de Chela. 

Las Bluebell Girls, Teatro Maipo, 1973 

Curada por Sofía Dourron con la colaboración de Sol Miraglia -albacea y parte del Archivo Foto estudio Luisita desde 2009-, la muestra reúne una selección de fotografías producidas entre los años 1964 y 1980. Imágenes que entrelazan el mundo del espectáculo y el mundo doméstico, la Avenida Corrientes y la casa - estudio; fotos de puestas y elencos encabezados por íconos como las hermanas Ethel y Gogó Rojo, Mimí y Norma Pons, Nélida Lobato, Nélida Roca, Susana Giménez, Moria Casán, Marrone, Olmedo y Porcel, entre otros.

Zulma Faiad, 1972

 La muestra también incluye negativos, contactos, diapositivas, fotomontajes, y material documental que revelan el proceso detrás de la creación de estás fotografías. El archivo conjuga fotos acabadas y listas para ser consumidas en marquesinas de teatros, programas de mano y medios gráficos, con los procesos de montaje y retoque operados por las hermanas y negativos completos en los que se filtra el universo doméstico del estudio. 

 Adriana Parets, 1969

 
"Allí confluyen el patriarcado del espectáculo con el matriarcado familiar, las plumas y el strass con la domesticidad del estudio, la circulación masiva de las imágenes con la mirada luminosa de Luisita, las políticas del cuerpo con los procesos juguetones de Chela, la austeridad de recursos con el gusto decorativo de las hermanas y el brillo y la espectacularidad de la revista”, explica la curadora. 

Maman festeja sus 20 años con la muestra “Manos a las obras: 10 artistas”

 Bárbara Diez, Mónica Millán, Karina El Azem, Daniel Maman, Nora Iniesta y Patricia Pacino. Gentileza de Maman Fine Art

Con la muestra “Manos a las obras: 10 artistas” Maman celebra los 20 años de la galería. 

Curada por Patricia Pacino, la muestra propone un diálogo entre las obras de Alicia Penalba, Catalina Chervin, Nora Iniesta, Marcia Schvartz, Nushi Muntaabski, Karina El Azem,  Mónica Van Asperen, Mónica Millán, Cynthia Cohen y Bárbara Diez.

 Las esculturas de Alicia Penalba enmarcan la obra de Mónica Millán

Admirada por Henri Matisse quién dibujó su rostro con gran poder síntesis, amiga de Pablo Neruda quien le prologó una muestra en 1972, Alicia Penalba creó un vasto cuerpo de obra que va desde la pequeña hasta la gran escala. Fue una de las pocas mujeres de su época que se atrevió a realizar esculturas monumentales que hoy están expuestas en distintos espacios urbanos de Europa y Estados Unidos.
A la edad de 35 años, Alicia Penalba gana una beca y viaja a Paris. Allí comienza una nueva vida destruyendo su obra anterior para dedicarse de lleno a la abstracción en busca de un lenguaje propio. Desde allí su carrera la llevó a exponer en Alemania, Estados Unidos, Italia y Japón. Se mantuvo activa hasta su muerte ocurrida en 1982.
La artista trabajó con el bronce, la piedra, el yeso y también el acero inoxidable siendo la técnica del vaciado en bronce su preferida. A través de este material se puede percibir el carácter y la fuerza expresiva de la artista.  

Marcia Schvartz. “Ojo de agua”, 1993, técnica mixta sobre tela

Marcia Schvartz es una artista de culto. Pertenece a una estirpe de artistas donde lo político, lo social y lo popular es la fuerza portadora que da sentido a sus trabajos. Marcia dibuja y pinta figuras humanas con un carácter deliberadamente expresionista que acentúa los rasgos de cada personaje volviéndolos mito. Apela a un humanismo brutal y al mismo tiempo tierno: “...que la gente se sienta parte, ese es mi mayor deseo... que mi imagen sea popular, eso es lo más grande que le puede pasar a un artista, todo lo demás es un chiste.” Marcia ha tenido siempre una mirada de género muy perspicaz. Retrata a mujeres en la calle, en el café o en el colectivo. Las pinta en su intimidad, en el aseo o en la cama. Su pintura atraviesa un universo donde se deshoja el deseo, el desprejuicio, la tristeza y también la camaradería. Sus retratos femeninos desnudan aquello que las empodera. 

Catalina Chervin. “Serie de las piedras, 2020, resina

Catalina Chervin y Mónica Millán son oriundas del litoral y ambas traen la exuberancia del dibujo.
Chervin compone imágenes sutiles, complejas y poéticas. Su dibujo se elabora como un tejido donde se van enhebrando formas como cuerpos en una sucesión donde converge la luz y la sombra.
En sus últimos trabajos aparece el collage pero llevado a la gran escala. Para ello utiliza fragmentos de dibujos y grabados realizados anteriormente y luego los interviene con distintos materiales donde se destacan distintas tintas de color. Por último, la artista ha encontrado en la escultura otra forma de transformar el dibujo y llevarlo a la tercera dimensión. Sus esculturas en resina poliéster reflejan en su interior los trazos y la imaginería de su universo inconfundible. 

 Detrás: Mónica Millán. “El vuelo trémulo de las mariposas entre las flores quejumbrosas y las aterciopeladas hojas”, 2016; bordado, dibujo en carbonilla, cintas sobre tela.

Delante: Nushi Muntaabski. “Rueca”, 2012, mosaico veneciano sobre rueca

En la obra de Mónica Millán el dibujo anticipa la memoria y reconquista la tradición del tejido.
Primero surgen las líneas del lápiz o de la carbonilla, luego aparecen los colores en la superficie del bordado que se convierten en hojas, flores y mariposas. Millán combina telas teñidas, pequeños manteles, cintas de colores o el encaje ñandutí que tejieron otras manos. Desde 2002 la artista trabaja en Paraguay con un pueblo de tejedores. Su trabajo de recuperación, identificación y recreación de tejidos tradicionales le permite generar un vínculo fecundo entre creación artística, artesanía popular y lenguaje plástico. En sus últimos textiles utiliza las técnicas del patchwork, el collage y el tejido, utilizado éste último para crear relieves.

 Karina El Azem y sus obras

Desde sus comienzos Karina El Azem explora los alcances de la tradición ornamental y el diseño lo que la llevó a realizar propuestas innovadoras que actualmente están en consonancia con los nuevos alcances del arte digital. Sus primeras obras componen, mediante la repetición de un motivo, formas ornamentales.
Otras preocupaciones de la artista se ligan a lo social y a lo político, abordando el tema de la violencia. El elemento preciosista del trabajo con mostacillas da lugar a las municiones y a los cartuchos de bala de distintos calibres. En sus últimas obras, la intervención digital cobra especial interés. Siguiendo la línea conceptual que atraviesa su trabajo: realidad vs. simulacro.

 Nushi Muntaabski. “Manguera”,  mosaico veneciano de teselas de vidrio pegadas con silicona sobre una manguera plástica con pico regador de bronce

Si en la obra de Karina El Azem, el protagonista es la mostacilla o la munición, en Nushi Muntaasbki es la venecita. La artista ofrece a través del material un abanico de propuestas que van desde el objeto hasta la instalación monumental, el site specific o el diseño de murales.
El universo que elabora es eminentemente sensual y táctil, los colores que utiliza son vibrantes y acentúan la riqueza hiperreal que ofrece el volumen. Así en su obra resplandece la belleza de lo cotidiano con su cuota de humor y de tragedia como la vida misma.

Mónica Van Asperen. Dos obras: “Secuencia azul”, pieza escultórica de madera, metal en tubo y 5 tubos soplados en neón y “Equidistancias sonoras” de 2016, espejo y gas de neón

Para Mónica Van Asperen lo blando y aéreo del textil, la dureza y del metal así como también la fragilidad del vidrio y la inmaterialidad de la luz son su herramienta. A través de estos medios logra inesperadas posibilidades expresivas. Con la técnica del vidrio soplado el artista lo transmuta en volúmenes sensuales, con formas donde predomina la curva. En los últimos años Van Asperen incorporó la luz. Su escultura lumínica “Resonancia”, le valió el premio Trabuco Mención especial en 2017, construcción geométrica, de formas lineales y ondulantes que se repiten en un espacio grávido de luz y color. Sus últimos trabajos, son fotografías perfomáticas que entrañan un compromiso activo enmarcado en la actualidad dramática de los femicidios. Van Asperen convocó a 4 mujeres adolescentes para realizar una acción. El registro fotográfico destaca la relación del cuerpo con el material utilizado, en este caso el metal, y con los volúmenes de los objetos representados.

 Nora Iniesta y sus obras

Reina del collage y del ensamblaje, Nora Iniesta compone un caleidoscopio de imágenes que producen asociaciones y alteraciones del sentido. Utiliza diversos materiales y recicla elementos cotidianos: juguetes o enseres domésticos como bandejitas, abanicos, espejos o portarretratos donde lo biográfico y femenino forman parte. También el celeste y el blanco se han vuelto sus colores emblemáticos usándolos como telón de fondo para hablar de la patria y nuestra idiosincrasia, pero también para capturar el tiempo de la infancia que expresa cierta nostalgia.
Además de ver una nueva serie de objetos y trabajos que la artista produjo durante la pandemia, la muestra recupera una obra temprana como “Réquiem para un plumero” (1987) que adelanta el desarrollo de su poética conceptual donde la apropiación, la sutil ironía, lo lúdico y el rigor formal la caracterizan. 

 Bárbara Diez. Serie de collages de medidas varias

En diálogo con la obra de Iniesta aparece la de Bárbara Diez, quién desde hace un tiempo comenzó tímidamente a realizar collages en íntima relación con su historia familiar. Se trata de la recuperación nostálgica de revistas de época y libros de arte que pertenecieron a su abuela.
Durante la pandemia realizó una serie de collages temáticos que avanzan por la historia del arte interviniendo reproducciones de obras de artistas reconocidos.
Bárbara Diez adosa estratégicamente determinados objetos a las imágenes donde casi siempre interviene la humorada. Estos gags visuales se producen cuando acentúa los anacronismos de la imagen colocando pequeños elementos tecnológicos como pendrives o chips en imágenes antiguas, o ingresando elementos relativos a la sociedad de consumo, como en su momento lo hizo el pop. 

Detrás: obra sin título de Cynthia Cohen, óleo y esmalte sobre tela. Delante "El gallo y el zorro de Nushi Muntaabski, mosaico veneciano sobre poliuretano, pastos y tierra

Relacionada con el arte pop, las pinturas de Cinthya Cohen recorren un imaginario donde los objetos, los animales y las personas aparecen exaltados a través de un realismo vívido y alegre que roza lo artificial. En su muestra “Entrañablemente”, de 2006, la artista realizó cuadros de grandes dimensiones para componer un caleidoscopio de imágenes superpuestas donde las figuras se presentan en diferentes escalas. En sus telas, conviven la ilustración, el graffiti, la técnica de la pintura plana y el dripping con colores saturados. Una desmesura que va en efecto cascada a la manera de una psicodelia.

 Inauguración de la muestra “Manos a las obras: 10 artistas” en Maman Fine Art. Foto: Robert Remontero. Gentileza de Maman Fine Art

Un poco de historia:

En 2001 Daniel Maman junto a su mujer Patricia Pacino, licenciada en arte, abrieron en Buenos Aires su tercer gran galería: MAMAN Fine Art. “Asesorar también es un arte” se mantuvo como slogan de una tarea que se amplió desarrollando un programa cultural que incluyó servicios de consultoría, charlas con artistas, encuentros con curadores, presentaciones de libros e incluso visitas guiadas para niños. De esta manera, MAMAN Fine Art logró posicionarse a la vanguardia de la escena del arte local. Con más de 50 exposiciones organizadas y 30 catálogos publicados, el trabajo de la galería ayudó a impulsar y afirmar en su carrera a algunos de los artistas mas importantes de la escena actual.

Desde el 2016, MAMAN Fine Art - Buenos Aires, reanuda el programa de exhibiciones y encuentros de arte. Así como también se lanza la primera edición del premio Maman Arte Joven, un premio que implica un nuevo compromiso con el arte local.

La dirección de la galería está hoy a cargo de Patricia Pacino y Federico Maman cuyo objetivo es consolidar las acciones de promoción que viene desarrollando la galería, sumando nuevos artistas para su representación.

La muestra se exhibe del 26 de octubre al 23 de diciembre de 2021 y se puede visitar de lunes a viernes de 11 a 19 hs. en Av. del Libertador 2475, Buenos Aires, Argentina.