31 de agosto de 2015



Nora Iniesta en Corea


Especialmente invitada por el CICI -Corea Image Communications Institute-, Nora Iniesta participará, como única representante por Argentina, en Seoul -Corea del Sur-, del The Culture Communication Forum 2015, entre el 31 de agosto y el 2 de setiembre. El mismo es el equivalente asiático de las conferencias TED como así también del Foro Económico Mundial.  

Si bien fueron invitadas catorce figuras de influencia en el mundo del arte, dos participantes destacados los acompañarán: Guy Sorman, reconocido intelectual francés y el guitarrista Jiro Yoshida, de Japón.  Entre los invitados: El director de cultura francés Jean D´Haussonville; el músico americano Rob Moose; el historietista canadiense Terry Mosher; el director artístico y presidente del Shangai International Arts festival chino Wang Jun; como asi también Tomoyo Nonaka, realizador de cine japonés; el escultor indonesio Sri Astari Rasjid; el arquitecto turco Neb Sat Sayin, la periodista alemana of Der Spiegel, Susanne Koelbl; la gestora cultural británica Alice Sherwood  y el cantante Nah Youn Sun representando a Corea.
Unos trescientos invitados participaran de la conferencia final en el último día de coloquio; durante tres horas de discusión en base a diversas opiniones sobre el intercambio cultural en la era de las comunicaciones digitales.
Al finalizar dicho coloquio, el lunes 7 de setiembre, Nora Iniesta dejará inaugurada en las salas de la Embajada Argentina en Seoul, una muestra de sus obras titulada “La Niña Argentina”.

Daniel Rueda galería de arte presenta una nueva muestra de arte en su espacio

En esta ocasión la cita es en Mendoza, donde presentará al público mendocino y turistas al artista Gerardo Montaruli.

La propuesta de la exposición forma parte del Proyecto Territorio Nómade, espacio para la producción y gestión de contenidos en temáticas relativas a la arquitectura, el urbanismo, el medioambiente y la cultura. Guiados por la filosofía de ¨lo nómade¨ aborda, crea, realiza y piensa acontecimientos que, a través de su materialidad, permite construir en vista a una Mendoza del futuro.
 
Formado en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Mendoza, el arquitecto Gerardo Montaruli ha desarrollado una amplia tarea en el terreno de la arquitectura, a través del diseño y la puesta en marcha de diversos proyectos, en el ámbito público y privado. También ha dedicado  parte de su actividad a la realización de emprendimientos que vinculan su perfil profesional con una faceta artística.
En 2011 editó una publicación de su autoría, en la que reúne algunas percepciones y aforismos sobre el mundo y los días, llamada “Pequeñeces diarias”, al tiempo que desarrolló encuentros, ciclos e intercambios entre arquitectos y artistas reconocidos, a través  de “Buró de Arquitectura” y “Bar de arquitectos”.

En el ámbito de la gestión institucional se ha desempeñado como presidente del Colegio de Arquitectos de Mendoza (2006- 2010), como secretario general de la Federación Argentina de Entidades de Arquitectos -FADEA- (2008-2010); como coordinador argentino para la Comisión de integración de Arquitectura, Agrimensura, Agronomía. Geología e ingeniería para el MERCOSUR (ClAM) (2011-2012), como presidente de FADEA, Federación Argentina de Entidades de Arquitectos (2010-2014) y como vicepresidente de la FPAA, Federación Panamericana de Asociaciones de Arquitectos, (2012-2014).

A sus amplios antecedentes se suma la participación en numerosos concursos de Arquitectura (como el “Anteproyecto de Remodelación Avenida Libertad de Guaymallén (Mendoza), en el que obtuvo el segundo premio, o el Anteproyecto para la  construcción del Edificio Sede Municipal y Croquis de Ideas de Zonificación  Plaza Central y Futuro  Centro Cívico de la localidad de Dolavon en Chubut, donde obtuvo el Primer Premio.
La muestra, que ha sido declarada de interés cultural por el Ministerio de Cultura del Gobierno de Mendoza, se puede visitar del 3 al 18 de setiembre en The Plaza Business - Montevideo 230, piso 8, oficina 4, Ciudad de Mendoza. Visitas con cita previa a: info@danielrueda.com.ar.

El Espacio Caloi inauguró la muestra “Reflejos condicionados" de Marcos López

El fotógrafo, artista plástico y director de cine Marcos López inauguró el jueves 27 de agosto la muestra “Reflejos condicionados (Al que nace barrigón es al ñudo que lo fajen)", que reúne obras realizadas entre 1978 y 2015, en el Espacio Caloi.
Una de las obras principales de la muestra, "Suite bolivariana", es un enorme mural realizado en 2009, donde conviven el Che Guevara, Juan Domingo Perón, Evita, Simón Bolívar, Evo Morales y Hugo Chávez.
En la exhibición, López también presenta algunas de sus obras fotográficas más emblemáticas, como las de su serie “Pop latino” y “Sub-realismo criollo”, además de pinturas, objetos, dibujos e instalaciones.
Rafael Spregelburd, María Elena Troncoso y Marcos López
En la apertura, López y el actor, dramaturgo y director de teatro Rafael Spregelburd realizaron una performance o ensayo abierto. Esta improvisación escénico-teatral, donde se examinaron aspectos vinculados a las artes visuales en la actualidad, formará parte asimismo de la nueva película que se encuentra rodando López y que lleva por título “Excesos”.
“Hoy estamos llevando al extremo el proceso creativo y directamente lo vinimos a hacer acá este ensayo. Me encanta hacerlo en un espacio público como este”, dijo López. El artista explicó que su segunda película, tras su celebrada ópera prima “Ramón Ayala”, de 2013, “es justamente un exceso, un barroco de identidad nacional, que es un poco mi tema”.
El programa Procesos Creativos Contemporáneos -implementado por la Subsecretaría de Cultura Pública y Creatividad del Ministerio de Cultura de la Nación- tiene como objetivos estimular la exploración y la reflexión crítica entre los distintos códigos y lenguajes artísticos y fomentar el diálogo entre artistas, curadores, colectivos y comunidades para propiciar intercambios culturales más amplios.
María Elena Troncoso explicó: "En este programa nos interesa detenernos en los procesos artísticos que muchas veces parecieran pertenecer al ámbito de lo privado, que solo se pueden ver en los talleres de los artistas, en los atelieres”. Y agregó: “Lo que pretendemos con este programa es acercar estos espacios al público”.
Sobre la obra de López, la funcionaria comentó: “Los protagonistas de las imágenes de Marcos eran seres marginales hace unos años. Creo hoy son los nuevos sujetos de derecho a los que el Estado Nacional invitó a ser parte de la sociedad”.
La muestra se podrá visitar hasta el 23 de octubre en Alsina 1169, en la Ciudad de Buenos Aires, de lunes a viernes de 9 a 19 hs. con entrada libre y gratuita.

Décima edición del Concurso Nacional UADE de Artes Visuales

Estanislao Florido. La Conquista, animación digital - óleo sobre papel
UADE Art  inaugura la muestra de obras seleccionadas y premiadas en el 10° Concurso Nacional UADE de Artes Visuales. Será el jueves 3 de septiembre a las 19 hs. en su espacio de Lima 775 (Fundación UADE). 
 La muestra podrá visitarse hasta el 25 de setiembre de lunes a viernes de 12 a 20 hs. La entrada es libre y gratuita presentando DNI.
Alfredo Londaibere.Sin título, pintura acrílica sobre tela
Un jurado conformado por Florencia Battiti, Adriana Lauria, Cristina Rossi, Eduardo Stupia y Horacio de las Carreras, distinguió a los siguientes participantes: el primer premio adquisición de $60.000 + U$S 6.000 fue para Estanislao Florido (beca para Programa Formativo en el Exterior); el segundo premio adquisición de $ 50.000 lo obtuvo Alfredo Londaibere; el tercer premio adquisición de $ 40.000 fue para Marcela Astorga y, por último, recibió una mención de honor el artista Pablo Insurralde.
El listado completo de artistas seleccionados está disponible en www.uade.edu.ar/art .

30 de agosto de 2015

El MACBA festeja su tercer aniversario


https://www.facebook.com/events/529595220527057/

Nueva muestra en la galería de arte del Banco de la Nación Argentina

La Galería de Arte “Alejandro Bustillo” del Banco Nación presenta “Atmósferas x 4”, una muestra que reúne la obra de las pintoras contemporáneas Cinthia Rched, María Rosa Diniro, Mariana Tarrío y Marta Sciammarella, artistas que presentan “diferentes formas de ver y sentir el paisaje”. 

“Un paisaje no está constituido solamente por una sucesión de árboles, de terrenos y de casas, sino por la atmósfera que se manifiesta en los vapores que diluyen las formas en ciertos puntos y en una bruma sedosa que une los elementos separados, dando al espectador su verdadera unidad pictórica”, describe el pintor André Lothe, en “Tratado del paisaje”.
La exposición se exhibe desde el 2 al 29 de setiembre, de lunes a viernes, de 10 a 15 horas, en el hall principal de la Casa Central del Banco de la Nación Argentina, ubicado en Rivadavia 325, PB, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. La entrada es libre y gratuita para el público en general.

29 de agosto de 2015

Con la adquisición de una obra de la Nueva Figuración el Museo Eduardo Sívori enriquece su patrimonio y despide a su directora

El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori informa que ha incorporado a su colección una obra de la Nueva Figuración del artista Ernesto Deira, adquirida por la Asociación Amigos y presentada junto a su directora, María Isabel de Larrañaga, en su despedida del museo tras 20 años de gestión. 

Ernesto Deira. De la serie “Campos de Concentración”, óleo sobre tela
El pasado jueves 20 de agosto, el marco de la apertura de la exposición de obras a subastarse en el 16º Remate anual, fue presentado el óleo sobre tela (1961, 70 x 50 cm) que integra la serie “Campos de Concentración” de Ernesto Deira, destacado representante de la Nueva Figuración. Se trata de una obra de enorme importancia e interés por haber integrado la exposición “Otra Figuración” -realizada en la galería Peuser en agosto de 1961 junto a Jorge de la Vega, Rómulo Macció, Sameer Makarius, Carolina Muchnik y Luis Felipe Noé- que fue el origen del grupo Nueva Figuración, de trascendencia fundamental en el arte argentino. 

La presentación de esta pintura emblemática para el acervo del Museo estuvo a cargo de integrantes de la Asociación Amigos -que la adquirió la obra con lo recaudado en el Remate 2014-–, junto a la arquitecta María Isabel de Larrañaga, a modo de homenaje y despedida, tras 20 años como directora del Museo, ante la presencia de sus compañeros del Sívori e infinidad de artistas y amigos que se acercaron a saludarla y demostrarle su cariño.
Cocó de Larrañaga posa junto a la obra de Ernesto Deira
Durante su gestión, “Cocó” de Larrañaga logró instalar al Sívori en su actual emplazamiento del Parque Tres de Febrero, brindando la oportunidad de mostrar su obra a infinidad de artistas jóvenes y realzando la producción de talentosos creadores injustamente relegados al olvido. Así, durante las últimas dos décadas se realizaron más de 500 exposiciones y una veintena de salones “Manuel Belgrano”, así como bienales de Arte Textil y salones de Cerámica, entre otros. En tanto, la institución fue incorporando de manera progresiva y dinámica visitas para escuelas y para público general, espectáculos, charlas, conferencias, ciclos, mesas redondas, talleres, biblioteca, producción de contenidos, concursos de manchas y, fundamentalmente, la fidelidad y el reconocimiento de muchísimos asiduos visitantes.

Exposición de Claudia Martínez y Muchi en el Gran Hotel Victoria de Córdoba

La galería de arte María Elena Kravetz invita a inauguración de la muestra de los artistas Claudia Martínez y Muchi, el 1º de setiembre de 2015, de 19,30 a 21,30 hs. en la Sala Merit del Gran Hotel Victoria, Peatonal 25 de Mayo 240 – Córdoba, Argentina. La misma se puede visitar hasta el 15 de octubre con entrada libre y gratuita.
Claudia Martínez, óleo sobre lienzo
"En el año 2003, me inicio  en la pintura, mi  maestro en este oficio: Ariel Mlynarzewicz. La identidad de mi trabajo, en sintonía con los valores abrazados en mi formación, se sostiene en la valorización de la pintura y del oficio de pintar como lenguaje visceral.  Mi preferencia por las texturas y la vitalidad de los colores me llevó por el camino del uso del óleo y -en alguna serie- a la inclusión de textiles en los cuadros. Retratos de personajes emblemáticos para nuestra cultura, paisajes de mi lugar de origen, la mirada sobre lo cotidiano, son los disparadores a partir de los cuales experimento, buscando nuevos lenguajes poéticos. Intento entablar un diálogo con la tradición pictórica, haciendo una valoración e integración de recursos locales, autóctonos y  personales" expresa Claudia Martínez sobre su obra.
Muchi, instalación
Por su parte, Muchi estudió en la la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, Argentina. Desde el 2011, su trabajo escultórico está ligado al reciclado de materiales desechados en pequeño y mediano formato; y en la construcción de instalaciones colgantes.
Esta artista cordobesa explora la pintura de manera performática, usando sus manos como la única herramienta para pintar. Juega a buscar infinitas combinaciones y contrastes; y encuentra el placer en esta forma libre e intuitiva. Se siente en armonía reciclando sus soportes. Ella se declara artista colorista, por su insistente búsqueda con el color.  Una vez preparado el color ella empapa sus manos y mancha el soporte, generando contrastes y combinaciones de forma intuitiva y desprejuiciada. Ella propone un vínculo más íntimo con el material al involucrar sus manos; piel, además de sentir más precisión con el uso de ellas. Por otro lado, su interés por el reciclado la lleva a reciclar y probar distintos soportes y materiales, como la madera y el cartón. Ella por momentos cubre todo con manchas, creando un ambiguo juego donde el espectador decide entre figura /fondo;  y por otros deja ver sus fondos, valorando esta materialidad rescatada. La imagen que finalmente logra es un conjunto estructurado de manchas orgánicas, que definen esta pintura dentro de la abstracción.

Antología de Juan Carlos Castagnino en Galerías Witcomb

 
Galerías Witcomb anuncia la muestra antológica de Juan Carlos Castagnino, considerado uno de los principales artistas plásticos de nuestro país, que se realizará durante todo el del mes de setiembre, contando con más de 50 obras que abarcan toda su trayectoria artística. 
La muestra, que abre el 1º de setiembre a las 19 hs., funciona a su vez como un homenaje de la galería a quien es considerado “el pintor del pueblo”, dado que su primer trabajo, a los 16 años, fue en Witcomb, sucursal Mar del Plata, donde tuvo su contacto inaugural con el mundo del arte. 
"Nena", óleo pastel
Se podrán ver más de 50 obras de distintas técnicas, como óleos, tintas, temperas y carbonillas, producidas en diferentes épocas y que abarcan casi toda la trayectoria del artista, con sus clásicas temáticas, como son las maternidades, caballos, retratos y paisajes, a través de los cuales Castagnino le dio su impronta a la Argentina, mostrando sus diferentes facetas y realidades.  
“En la obra de Castagnino se puede apreciar el estrecho diálogo con los lugares de la Argentina, con sus hombres y su tiempo, relacionando los paisajes con su gente.  Sus trabajos reflejan la lucha y también el amor”, señaló Jorge Calvo, titular de Galerías Witcomb y curador de la muestra, quien agregó: “Es un inmenso orgullo para nosotros realizar una muestra antológica del gran maestro argentino, sin lugar a dudas el artista más popular de nuestro país”. 
"Potros", tinta
Para este evento se realizará, además, una edición limitada de 200 ejemplares numerados y certificados de 8 trabajos seleccionados especialmente para esta ocasión. 
Galerías Witcomb agradece especialmente la presencia y la colaboración de Santiago Castagnino, nieto del gran artista y a su vez caricaturista (www.mantrul.com), quien aportó muchas de las obras de la muestra, que pertenecen a la colección particular de la familia, y sin las cuales este homenaje no habría sido tan importante.
La exposición se puede visitar de lunes a viernes de 15 a 20:30 hs. y los sábados de 11 a 15 hs.  en Rodríguez Peña 1050, Buenos Aires, Argentina.

28 de agosto de 2015

El fotógrafo de la Revolución que amaba a las mujeres

El 6 de agosto a las 19 hs. se inaugura en el Centro Cultural Borges una muestra de de fotografías de Alberto Korda, fotógrafo de Fidel Castro y autor de Guerrillero heroico, la imagen del Che Guevara que se convirtió en la fotografía más difundida de la historia.
Se trata de una exposición retrospectiva, la primera en nuestro país, integrada de 110 imágenes especialmente seleccionadas de su archivo para su exhibición en Argentina.
La curaduría esta a cargo de la hija de Korda, Diana Díaz López, y de su esposo Reinaldo Almira Naranjo, en representación del Korda Estate, conjuntamente con Virginia Fabri, a cargo del departamento de fotografía del Centro Cultural Borges.
La muestra incluye imágenes del Che, de Fidel y de la Revolución Cubana, pero también fotos del trabajo de Korda cómo fotógrafo de moda de su época y del mundo submarino que son prácticamente desconocidas en la Argentina.
Alberto Díaz Gutiérrez nació en Cuba en 1928 y murió en 2001. Aunque su formación fue autodidacta, aprendió fotografía en un inicio con Newton Estapé y después con Luis Pierce. En la década de 1940 fundó con Pierce los Estudios Korda, nombre inspirado en los célebres directores cine Alexander y Zoltan Korda, donde se dedicaron a todo tipo de fotografía comercial, especialmente de moda.
Adhirió a la Revolución Cubana en 1959 y comenzó a acompañar a Fidel Castro en los viajes por cuba y el exterior que realizó el líder cubano. En 1960 tomó la fotografía del Che que lo convertiría en el fotógrafo más difundido del mundo. Fue fundador de la fotografía submarina en Cuba.
Pero Korda nunca abandonó su pasión por fotografiar mujeres y modas. "Yo quería llegar a ser un famoso fotógrafo de modas porque de esa manera podría estar con las mujeres más hermosas de Cuba", confesó en la última entrevista que concedió meses antes de morir en París, en 2001. Julia, su primera mujer y madre de su hija Diana (curadora de esta muestra), y Norka, la segunda, fueron las modelos más importantes de su carrera.
La exposición se puede visitar hasta 13 de setiembre, de lunes a sábado de 10 a 21 hs. y los domingos de 12 a 21 hs. en el Centro Cultural Borges, Viamonte 525, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Tercera edición de AyudArte, la muestra de Arte Solidario de Ieladeinu


AyudArte, la muestra de Arte Solidario de Ieladeinu, presentará su tercera edición el 31 de agosto de 16 a 21 hs. en el en el Auditorio Buenos Aires del Buenos Aires Design, Av. Pueyrredón 2501 2º nivel, con entrada libre y gratuita.
Reconocidos artistas internacionales donaron sus obras con el objetivo de recaudar fondos para el proyecto de reforma y mejora de hogares de Ieladeinu (www.ieladeinu.org.ar).
El público podrá disfrutar y acceder a más de 100 obras de destacados artistas como: Claudio Baldrich, Karina Chechik, Cristina Hauk, Betina Levin, Natalia Cacchiarelli, Rebeca Mendoza, Ariel Mlynarzewick, Pedro Roth, Amador Tanoira,  Paola Vergottini, Andres Waissman, Valeria Zysman, entre otros.
Este año el tema es la Tzedaká, como acto de justicia y no de caridad.  
Los alumnos de diferentes escuelas, que apoyan la labor de Ieladeinu,  ocuparán un lugar fundamental con sus producciones.
Bajo el lema ¨Dar es Recibir¨, los pequeños artistas transmitirán la idea de que cada vez que abrimos nuestros corazones para dar somos los primeros en recibir.
Ayudarte, una muestra de Arte Solidario para toda la familia, que invita descubrir  con los ojos y a compartir con el corazón.
Ieladeinu, en castellano: “nuestros niños”, es el programa de la comunidad judía argentina orientado a promover, proteger, restituir y restablecer los derechos de los niños, niñas y adolescentes, y reparar el daño que portan, producto de padecer situaciones de maltrato familiar (www.ieladeinu.org.ar).
Más info: http://www.ieladeinu.org.ar/.

27 de agosto de 2015

Exposición de Mónica Katz en la galería Hoy en el Arte


"Mirando el Bicentenario", acrilico sobre tela, 2010
Hasta el 5 de setiembre se puede visitar  la muestra antológica "Dimensión del universo" de Mónica Katz en la galería Hoy en el Arte, ubicada en Juncal 848, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
"Ráfagas" de 2009 (2º Premio Sociedad Artistas Plásticos) y "Estructuras" de 2014, ambas en grafito
"Mónica Katz ha realizado una trayectoria artística que abarca tres décadas importantes del arte argentino. Su línea exploratoria sobre los cambios operados en ese período histórico están relacionados con las investigaciones espaciales y con el mundo post-industrial de fin de siglo XX, en los cuales se desarrollaron lenguajes que se relacionan con estos sucesos. Esta muestra antológica ha tratado de resumir ese período con obras que representan estas indagaciones. 
"El Aleph", acrílico, 2000
Una formación rigurosa en las escuelas nacionales de Bellas Artes, con los mejores maestros, entre los que citamos Raúl Russo y Carlos Cañas, autorizan pensar que Mónica Katz puede articular los lenguajes acordes a su necesidad expresiva con la suficiente autoridad. Sus muestras destacadas dentro y fuera del país que figuran en su curriculum, exhiben un calificado comentario, y las galerías Hoy en el Arte y Vermeer -decanas en nuestro medio- han posibilitado sus salas para mostrar una producción que resume estos últimos años, comprendiendo obras inéditas" expresa Rosa Faccaro en el texto del catálogo.

26 de agosto de 2015

Barrileteada frente al Museo Benito Quinquela Martín. Encuentro entre el arte y la ciencia para pintar el cielo de colores

Barriletes con dibujos de los chicos, inspirados en las obras de Quinquela Martín, se alzarán para pintar el cielo de colores el sábado 29 de agosto a las 14 hs. frente al Museo Benito Quinquela Martín en el marco de los festejos por el Día de La Boca.

Organizado en forma conjunta por el Museo Benito Quinquela Martín y el Hospital de Pediatría Dr. Pedro de Elizalde, ambas Instituciones se reúnen para festejar el aniversario de los 125 años del nacimiento de Quinquela Martín y los 236 años de la creación del Hospital (primero como Casa de Niños Expósitos, luego conocida como Casa Cuna).
Este encuentro entre arte y ciencia tiene por fin pintar el cielo de colores con un barrilete armado y pintado por los chicos con la inspiración de una obra de Quinquela Martín. Para esto, en el link: https://quinquelabarriletes.wordpress.com se pueden encontrar las instrucciones y hojas con fragmentos de algunas obras de Quinquela para que los chicos completen y armen con sus familias el barrilete.

Actividades en el MUMBAT

El Museo Municipal de Bellas Artes de Tandil invita al público que los acompañen con su presencia el sábado 29 de agosto a las 20 horas en la inauguración de las siguientes propuestas: 

"Ciclos" es una propuesta reciente de Martín González, que conformará el espacio de Fotogalería del MUMBAT. Comenta el artista al respecto: …“La noche desdibuja los objetos. Los despoja de su esencia, cargando los de nuevos significados (...) para transformarse en sombras y luces en movimiento. En este contexto ya imaginario, casi onírico, se profundiza mi percepción del final de un ciclo. El cultivo es cosechado en un acto mecánico, intenso y abrupto. En pocas horas se desvanece ese proyecto de casi un año al que dedicamos una infinidad de cuidados. Se agudiza la comprensión del ciclo vital”.

El conjunto de obras que conforman la muestra "Transformación" de Raúl Tolosa es el resultado de un proceso interno de búsqueda de bienestar emocional, por parte del artista, que está generando nuevos caminos estéticos. Plantea un paralelismo entre lo espiritual-inmaterial y lo corpóreo-matérico, trabajando el desafío de metaforizar los procesos y llevarlos a la representación tridimensional. Los  cuerpos, que conforman sus piezas,  indican intención, riesgo, determinación, acciones que son inevitables a partir del momento en que necesitamos cambiar. La resina aporta una sensación acuosa, que ayuda al concepto de transformación y se potencia en un acentuado simbolismo.

La muestra “Jorge González Perrín – 2015 – Obra Reciente” son un conjunto de obras que en algunos casos parecen casi impalpables como un universo cargado de conceptos que se debaten con el puro placer de materia y textura. “(…) El mundo no es como se ve sino que al indagarlo, lo deconstruimos, y logramos penetrar sus complejas capas; lo que se esconde detrás de ciertas apariencias y engaña a un espectador distraído, es una suma de imágenes furtivas; de esta manera el real acontecer en formas y figuras se perfila en el trabajo del artista”.
 

Además, el domingo 30 de agosto a las 19 horas se realizará la performance “Isla Blanca”, a cargo de María Celia Paniagua, actriz y realizadora que hace unos meses atrás presentó en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori la  misma performance. Ella sintió una fuerte conmoción provocada por primer contacto con la poesía de Hilda Doolittle. La belleza de los versos “¿Qué son las islas para mí/ si yo te pierdo?”, iniciaron la investigación hacia la construcción de lo que es el espectáculo: material que se constituye, finalmente, más como ceremonia que como espectáculo.

Teresa Pereda presenta "Te nombro Azul. Cita en los campos de hielo" en el auditorio El Aleph 
del Centro Cultural Recoleta 



“Te nombro Azul. Cita en los campos de hielo” es una video-ópera, que resulta de las acciones llevadas a cabo por Teresa Pereda en los glaciares patagónicos.
La obra está conformada por una obertura y cinco actos, construidos a partir de estrechas relaciones de correspondencia entre imagen y sonido. Esta estructura compositiva está diseñada para emerger, en su completa dimensión, en la experiencia directa de la proyección y la música en vivo.
“Te nombro Azul” es parte integral del proyecto Recolección / Restitución. Citas por América iniciado en 2007 a partir de itinerarios planificados por el continente americano. Hasta el presente, dicho corpus ha discurrido por Ushuaia (Argentina), Amazonas (Brasil), Uyuni (Bolivia) y campos de hielo patagónicos (Argentina).
Expedición a los campos de hielo: 73 4‘ 0“ Oeste / 50 29’ 6“ Sur.
Idea y dirección: Teresa Pereda.
Música: Luciano Azzigotti.
Con la participación de: Patricia García (flautas), Federico Landaburu (clarinetes), Pablo Fenoglio (trombón),  Bruno Lo Bianco (percusión), Lucas Urdampilleta (piano) y Hernán Maisa (contrabajo).
Colaboración en montaje y posproducción: Juan Pablo Ferlat.
Cámaras: Charly Nijensohn y Juan Pablo Ferlat.
Funciones: sábado 29 y domingo 30 de agosto de 2015, 19 hs. con entrada libre y gratuita en el auditorio El Aleph 
Centro del Cultural Recoleta, Junín 1930, Buenos Aires.

25 de agosto de 2015

“Miguel Ángel Vidal Retrospectiva”. Arte geométrico de un artista argentino en el Museo Nacional de Arte Decorativo

El Museo Nacional de Arte Decorativo está presentando la exposición “Miguel Ángel Vidal Retrospectiva” hasta el 6 de setiembre de 2015.
Vidal es un precursor en el arte geométrico a nivel mundial y, además, junto con Mac Entyre y Pirovano, son los creadores del arte generativo (a partir de un solo punto, surgen líneas que transforman el plano y le dan movimiento; en un soporte 2D aparecen figuras 3D; algo súper vanguardista aun en nuestros tiempos.
Egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón tuvo como maestros a Lino Eneas Spilimbergo y a Eugenio Daneri. Como profesor de bellas artes y diseñador gráfico investigó distintas corrientes artísticas: el naturalismo, el post cubismo y se interesó en la abstracción y la geometría. Integró el llamado Grupo Joven (1949 -1951) y fundó  en 1959, junto con Eduardo Mc Entyre, el Movimiento de Arte Generativo de Buenos Aires, promovido por el coleccionista Ignacio Pirovano y el crítico de arte Rafael Squirru.
Además llevó a cabo una de las primeras ediciones de arte digital con imágenes realizadas en el Centro de Cálculo de las Escuelas ORT. Algunas de estas obras que fueron exhibidas en 1969 en nuestro país, hoy forman parte de la colección del Victoria & Albert Museum (UK).
A fines de la década del '70 y principios de los '80, la luz va prevaleciendo en su obra sobre otros elementos; las bandas de color son trabajadas con veladuras y los límites se vuelven imprecisos y alcanzan una dimensión casi táctil. En 1981 el Correo Argentino hizo una emisión de sello postal con una de sus obras: “Expansión de la luz sobre la línea” (1981).
Sus obras se han exhibido en distintos museos de Europa y América. Recibió numerosos premios y estuvo presente en Bienales, por ejemplo la de San Pablo en 1965 y la de Tokio en 1980. 
Esta exposición retrospectiva de Miguel Ángel Vidal permitirá acercar al público visitante un artista excepcional.
La muestra se puede visitar de martes a domingos 14 a 19 hs. en Av.del Libertador 1902, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina .
Visitas guiadas: martes, sábados y domingos a las 17,30 hs.
Entrada $ 20. Jubilados y menores de 12 años gratis. Martes entrada libre.

El espaciio de arte de la Fundación OSDE presenta la muestra "Eduardo Grossman-Fotos. Antología posible"


Del 20 de agosto al 24 de octubre se exhibe en el espacio de arte de la Fundación OSDE la muestra "Eduardo Grossman-Fotos. Antología posible".
La selección de Marcos Zimmermann de cerca de 120 obras del artista hizo posible esta antología que resume más de 40 años de su trabajo. Dividida en 13 capítulos, el recorrido que propone la exposición en el Espacio de Arte de Fundación OSDE, nos enfrenta con los “muchos fotógrafos” que fue Grossman a lo largo de su carrera. Retratos, fotoperiodismo, turismo, paisajes urbanos y de Miramar, en blanco y negro y en color, se reúnen por primera vez en esta gran muestra individual de Eduardo Grossman. 
Estrella Patagónica, Buenos Aires, 1972
Toma analógica. Copia chorro de tinta s/papel de algodón
Sus distintas maneras de ser fotógrafo están atravesadas por sus múltiples recorridos: como reportero gráfico (trabajó en el diario Noticias, en Editorial Perfil y en las revistas Humor Registrado, Man y Elle, entre otras); como editor gráfico del diario Clarín; y como fotógrafo de publicidad, cine y teatro; hasta la fotografía de arte.
La búsqueda de un sello  personal no deja de ser una inquietud del artista que pone en práctica en cada uno de los campos en los que ha incursionado, atravesado inevitablemente por el contexto en cada caso. Las marcas de las persecuciones políticas de los 70, la democracia de los 80 y el mercado de arte de los 90, fueron los hechos que influyeron en la visión de Grossman y, en consecuencia, en sus producciones.

Esa impronta de época también la confiere a sus retratos, probablemente su serie más conocida, con personalidades de diversos ámbitos como Arturo Illia, Papo, Charly García, Carlos Alonso, o Borges. Empezar a pensar a la fotografía como “un hecho más conceptual y relegar la inmediatez a un segundo plano”, en palabras de Zimmermann, condujo a Grossman a realizar obras a través de las que se cuestiona sobre la capacidad de la fotografía de captar la realidad.  
Arturo Illia, Buenos Aires, 1982
Toma analógica. Copia chorro de tinta s/papel
Es el caso de su serie Concreto, que pone en evidencia esa problemática: imágenes de calles, afiches y paredes roídas, llevadas a un nivel de detalle tal que se vuelven, paradójicamente,  pinturas abstractas en su más concluyente realidad. 
En resumen, esta antología de Grossman procura mostrar sus diversos abordajes temáticos y técnicos, aunque siempre en la búsqueda de una sola idea: “expresar el mundo que le ha tocado y dar su opinión al respecto”.
Se han programados actividades que complementan la exposición durante los meses de setiembre y octubre.
Jueves 3 de setiembre a las 18 hs: la fotografía en la trama cultural. Arte, medios, sociedad.
Participan: Silvia Pérez Fernández, Roberto Guareschi y Marcos López.
Jueves 10 de setiembre a las 20 hs: encuentro de Eduardo Grossman con el público.
Jueves 8 de octubre  a las 18 hs: diálogo de Eduardo Grossman y Marcos Zimmermann con el público.
Jueves 22 de octubre a las 18 hs: curador / no curador. Debate en torno a una práctica profesional.
Participan: Santiago Bengolea, Guido Ignatti, María José Herrera, Eduardo Medici y Marcos Zimmermann.
Con la presencia de Alejandra Aguado, Federico Baeza, María Teresa Constantin, Silvia Gurfein, Francisco Lemus, Mercedes Pérez Bergliaffa, Diego Perrotta, Cristina Schiavi, Laura Spivak y Sebastián Vidal Mackinson.
La muestra se puede visitar con entrada libre y gratuita, de lunes a sábado de 12 a 20 hs. en el espacio de arte de la Fundación OSDE, Suipacha 658, 1er. piso, Buenos Aires, Argentina. 
Domingos y feriados cerrado.
Visitas guiadas: miércoles a las 18 y sábados a las 17 horas.

Mauro Koliva presenta en la vidriera del espacio de arte de la Fundación OSDE "Nube elefante"

La intervención se compone básicamente de dos materiales: ladrillos y plastilina. Así, sobre una base compacta de ladrillos, una cantidad importante de formas orgánicas de diversos tamaños y colores hechas en plastilina se acumularán sobre la superficie porosa de los ladrillos.
 
Las mismas se organizan en función de una composición que, si bien cuenta con un repertorio formal y unos esquemas más o menos establecido, está abierta a la improvisación y las relaciones que puedan establecerse con el espacio de exhibición.
Como menciona el artista ”Nube elefante es pura imagen. Las formas colmadas de color rechazan la espacialidad, resisten los ladrillos. En este sentido es un proceso que está más cerca del dibujo que de la escultura.
Y es profundamente manual. Pero de una pureza manual muy rigurosa que se diluye en lo visible y no deja rastros, para finalmente favorecer la posibilidad de una expresividad impersonal.” 
La muestra se puede visitar hasta el 24 de octubre con entrada libre y gratuita, de lunes a sábados de 12 a 20 hs. en Suipacha 658, primer piso, Buenos Aires, Argentina.

Mariano Giraud presenta en las salitas del espacio de arte de la Fundación OSDE la intervención "Tótem cristal animal"

Desde sus comienzos Mariano trabajó con la tecnología como una herramienta más en su proceso creativo. Hace unos años, y a raíz de su exploración en las posibilidades que lo tecnológico puede aportarle al arte, incursionó en el uso de la impresora 3D y la incorporó a su trabajo como escultor.  Esta vez fue más allá. Investigó, exploró y adaptó a su obra un dispositivo para la realidad virtual.
Al entrar en la sala el espectador encuentra una escultura de cristales facetados. Cuando se acerca descubre detalles de personajes y escenas compuestas por impresiones 3D. En el segundo espacio, sobre una mesa se encuentra un dispositivo de Realidad Virtual. El espectador se coloca el dispositivo y hace inmersión en la realidad virtual. La obra no son los materiales, sino la experiencia, por eso la obra “sucede” en la frontera de un universo material con uno virtual.
La muestra se puede visitar hasta el 18 de setiembre con entrada libre y gratuita, de lunes a sábados de 12 a 20 hs. en Suipacha 658, primer piso, Buenos Aires, Argentina.

24 de agosto de 2015

Presentación del libro "Polesello joven 1958-1974" en el MALBA

El jueves 27 de agosto a las 19 hs. en la sala 5 del MALBA se realizará el encuentro “Leyendo a Polesello”, con la participación de Mercedes Casanegra, Josefina Barcia, Verónica Rossi y Pablo Siquier y la presentación del libro "Polesello joven 1958-1974".
Como la de pocos artistas, la figura de Rogelio Polesello ha sido tan pública como discutida. Ya en los inicios de su carrera, los mismos autores que lo apoyaron un año podían pocos meses después denostar su trabajo con ahínco. Artífice de objetos en la época de la desmaterialización, defensor de la neutralidad política del arte en épocas convulsas, dandy adorado por los medios y el mercado en medio de la crisis, trabajador artesanal incansable en la época del arte de ideas, Polesello y su trabajo han ocupado un lugar incómodo y polivalente.
En el marco de la presentación del libro documental Polesello joven 1958-1974, la crítica y curadora Mercedes Casanegra recupera el derrotero de la obra de Polesello en la década del 60, cuando sus pinturas y acrílicos sirvieron de terreno de disputa para críticos como Oscar Masotta, Marta Traba o Jorge Romero Brest. Josefina Barcia y Verónica Rossi, encargadas de los anexos documentales del libro y de una exhaustiva cronología, dan cuenta de la figura más privada, confidencial, comprometida y amistosa que puede reconstruirse desde el archivo que Polesello se encargó de conservar. Finalmente, Pablo Siquier revincula a Polesello con la tradición del arte abstracto que empieza a configurarse entre los artistas jóvenes de la década del 90 trazando así un puente que lo trae a nuestros días.
A partir de su repercusión crítica, la revisión de su archivo y la relectura de su trabajo a la luz del arte abstracto que lo procedió, la presentación del libro complejiza y activa las discusiones y reflexiones que rodearon las obras de la exposición.

Visita guiada de Ignacio Gutierrez Zaldivar en la muestra de Fernando Fader en Zurbarán

El jueves 27 de agosto a las 19 hs. Ignacio Gutierrez Zaldivar brindará una visita guiada sobre la muestra de Fernando Fader que se exhibe en Zurbarán, donde hablará de la vida y obra del artista más importante del arte argentino.
Fernando Fader es uno de los artistas más importantes del arte argentino. Su gran maestro fue Heinrich Von Zügel, quién lo interesó por la pintura al aire libre.
“En la Playa” es una pintura realizada en julio 1903 en Hoek van Holland, Hoanda, cuya costa solía recorrer junto a su maestro durante el verano. Esta playa tiene una longitud de 3,5 kilómetros y está ubicada a unos 20 kilómetros de Rotterdam.
La muestra se puede visitar con entrada libre de lunes a viernes de 10:30 a 21 hs. y los días sábados de 10 a 13 hs. en Cerrito 1522, Buenos Aires, Argentina.

Andrés Waissman expone en el Townsend Center for the Humanities, Universidad de California, Berkeley, USA


La muestra “Multitudes” del artista argentino Andrés Waissman está programada para presentarse desde el 27 de agosto durante todo el segundo semestre de 2015 en el Townsend Center for the Humanities, y será acompañada por diversas actividades en el marco del Simposio Internacional sobre Neoliberalismo y Cultura en América Latina que se realizará en noviembre, con la presentación de Beatriz Sarlo, Graciela Speranza y Marcelo Cohen como disertantes por Argentina.

Nacido en Argentina, Andrés Waissman es una figura emblemática en el mundo del arte contemporáneo. Ha trabajado en Barcelona y París y ha exhibido en Inglaterra, Bélgica, Holanda, Italia, Israel, Venezuela, Chile y Argentina. Waissman ha recibido numerosos premios y su obra forma parte de numerosas colecciones internacionales como la Essex Collection of Art from Latin America (Universidad de Essex), el Blanton Museum of Art (Universidad de Texas en Austin), el Museum of Latin American Art (Long Beach), La Magnes Collection of Jewish Art and Life (UC Berkeley), el Palazzo Burgio-Spano (Marsala, Italia), la Universidad Torcuato di Tella (Buenos Aires, Argentina), el Museo Castagnino-MACRO (Rosario, Argentina), y el Museo Killka (Mendoza, Argentina), entre otras.

La obra de Waissman constituye una búsqueda filosófica y política, además de plástica: un verdadero pensamiento en imágenes. El libro Waissman / Un artista peregrino por Rodrigo Alonso se publicó en 2005; y su vida y obra fueron objeto de un documental para PBS titulado Waissman, dirigido por Eduardo Montes Bradley en 2010. El artista vive y trabaja en Argentina, donde creó un programa de talleres y clínicas de crítica de obra, espacio para que artistas jóvenes puedan trabajar y discutir sobre su trabajo.

MACBA presenta dentro del ciclo "El espacio entre los dos" el film “El gran lío” de Alexander Kluge

El departamento audiovisual MACBA presenta, el V programa del ciclo “El espacio entre los dos”, con curaduría invitada de Marcelo Alderete y Cecilia Barrionuevo, y el apoyo del Goethe-Institut Buenos Aires,Grolsch, Escribiendo Cine, La Autopista del Sur e Indie Hoy.
El jueves 27 de agosto a las 19 hs. se proyectará “El gran lío” de Alexander Kluge (Der Große Verhau, R.F.A., 1971, 90’).
 
https://www.youtube.com/watch?v=tnU20o52t8A
La desalentadora realidad socio-política del momento sumada a la falta de sensibilidad de la humanidad lleva a Kluge a realizar esta especie de mordaz respuesta hacia “2001: Una odisea del espacio” (2001: A Space Odyssey, 1968). Un anárquico caos galáctico desatado por una guerra entre gobiernos, potencias económicas y piratas del espacio. 
"Usualmente, películas como El gran lío o Willi Tobler y El hundimiento de la Sexta Flota son descartadas como aberraciones dentro de la obra de Kluge por sus historias inconmensurables, el masivo uso de intertítulos y los extraños excesos de improvisación no actoral. Pero vistos hoy en día esos films son, ante todo, el antecedente directo de los trabajos televisivos que Kluge encararía tiempo después, los primeros intentos por recrear la poesía episódica del cine primitivo y una sonora despedida al realismo. De allí en más, el precepto fundamental sería la realidad" (Olaf Möller, Sight & Sound).
Hacer click en la imagen para ver el trailer.

XI Salón de Arte Textil en pequeño y mediano formato en el Museo de Arte Popular José Hernández


Hasta el domingo 18 de octubre, el Museo de Arte Popular José Hernández está presentando la exposición del XI Salón de Arte Textil, en su sede de Avenida del Libertador 2373, Buenos Aires, Argentina.
En este Salón, que ya tiene 11 años de trayectoria, los artistas presentan obras utilizando diversas técnicas y materiales, que abarcan desde las estéticas tradicionales a las contemporáneas. Su material puede ser orgánico, inorgánico o sintético y se componen de urdimbre y trama.
Para esta convocatoria fueron seleccionadas más de cincuenta obras. El jurado estuvo compuesto por las prestigiosas artistas Berta Teglio, Ana Zlatkes y Rosa Arena.
Dina Strauss obtuvo el 1° Premio en Mediano Formato con la obra Células. “Recibir este premio ha sido un logro importantísimo, un reconocimiento a la tarea y sin dudas un enorme estimulo para seguir trabajando en este apasionante lenguaje textil”, comenta.
Con el segundo premio fue galardonada Graciela Fechtenholz, el tercero lo obtuvo Patricia Salas, una mención  especial para José Gómez Rifas, y otras menciones para Teresita  Leal, Susana Salzamendi y Carmen M.Sánchez.  
Jorgelina Mori con la obra En defensa propia fue la premiada en Pequeño Formato. La artista eligió trabajar con el arte textil porque encontró en él un nexo entre lo material, lo conceptual y simbólico.
El 2° Premio fue para Myriam Jawerbaum, el 3°Jeannette Von Gerstenberg y menciones para Silvia Castelo, Lucy Frias y Flora Sutton.
El criterio de selección del jurado permite brindar al espectador una muestra amplia  y actual del arte textil.
La muestra puede visitarse de martes a viernes de 13 a 19 horas y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 horas. Entrada $10. Miércoles gratis.

Remate de arte a beneficio de El Arca

El martes 8 de septiembre a las 20 hs. tendrá lugar la tradicional comida y remate de arte organizados por la Fundación El Arca, con el fin de recaudar fondos para finalizar la construcción de su segundo hogar destinado a acoger personas con discapacidad intelectual y en estado de abandono.
En el marco de la "Noche de Arca & Arte" se subastaran obras de Antonio Seguí, Nicola Constantino, Remo Bianchedi, Natalia Orlowsky y otros destacados artistas.   
"Una esquina" de Antonio Seguí, una de las obras que participan del remate
"El Arca", fundada en Francia por Jean Vanier en 1964, acoge a personas con discapacidad intelectual en estado de abandono para que, junto con jóvenes asistentes, puedan compartir la vida en un clima de amistad y de amor. A partir de esa primera comunidad, muchas otras fueron creadas en diferentes países. Todas comparten el mismo principio: "las personas débiles y vulnerables son importantes y poseen un don para ofrecer a este mundo. Si nos detenemos y entramos en relación personal con ellos, nos invitarán a hacer nuestro mundo más compasivo y humano", expresa el fundador.  
En la Argentina, El Arca abrió las puertas del primer hogar en 2003 y desde entonces la organización implementó distintos sectores, como el proyecto del Taller, que desde 2005 permite que personas con discapacidad desarrollen sus posibilidades creatividad. 
Informes: arcayarte@gmail.com.   

Videos de Vasco Araújo en el MALBA

A partir del 27 de agosto se presenta en el auditorio del MALBA  "Potestad", un conjunto de videos del artista portugués Vasco Araújo (Lisboa, 1975), realizados entre 2001 y 2014. Seleccionados por Maria João Machado bajo la consigna “relatos del poder”, una temática central en toda su obra, los videos cruzan referencias contemporáneas con las grandes narrativas y temáticas de la cultura clásica, reflexionando sobre cuestiones políticas universales.
Vasco Araújo ha estructurado su discurso a través de una particular forma de deconstrucción y reconstrucción de los códigos sociales, lo que le permite observar los vínculos del sujeto con el mundo desde nuevas perspectivas. Las relaciones de poder, la competencia del cuerpo y de la voz (incluso la del propio artista, que practica canto lírico), la gestualidad, el lenguaje y las formas sociales establecidas son repensadas a través de una poética muy representativa.
 
Partiendo de un amplio trasfondo literario y filosófico, el artista expone críticamente la mirada del otro, la ambigüedad de las relaciones, la fragilidad de los sistemas, la construcción de lo real, la identidad y la sexualidad, la virtud de la moral y del deber, las geografías de los afectos, de las pulsiones del deseo y de la pasión. En varias de sus obras, los diálogos tienen lugar a través de una multiplicación de identidades, partiendo de una sola voz, en un agudo viaje interior.
Vasco Araújo se vale de dispositivos formales asociados a la ópera, lo barroco, la etiqueta palaciega, la danza, el modernismo y la mitología, definiendo así un espacio estético y discursivo muy personal. 
La exhibición se divide en dos programas, con proyecciones simultáneas en el auditorio del museo, con entrada libre y gratuita. Comienza en el hall central con Duettino (2001) a modo de prólogo. Los jueves y sábados de 12 a 17 hs. se proyectarán Hipólito (2003), O Jardim (2005), About Being Different (2007) y Mulheres d’Apolo (2010); mientras que los viernes y domingos de 12 a 17 hs. se verán Augusta (2008), Impero (2010), O Percurso (2009) y Retrato (2014).
 
Vasco Araújo nació en Lisboa en 1975. En 1999 finalizó la licenciatura en escultura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa, y entre 1999 y 2000 completó el curso avanzado en artes visuales de la Maumaus en la misma ciudad. Desde entonces, ha participado en diversas muestras individuales y grupales en Portugal y en el exterior, y en programa de residencias como el de la Universidad de las Artes de Filadelfia (2007); Récollets, Paris (2005); y el Core Program, Houston (2003/2004). En 2003 recibió el Premio EDP Nuevos Artistas. Publicado en varios libros y catálogos, el trabajo de Vasco Araújo está representado en diversas colecciones públicas y privadas portuguesas e internacionales: Centre Pompidou (Francia); Musée d’Art Moderne (Francia); Fundação Calouste Gulbenkian (Portugal); Fundación Centro Ordóñez-Falcón de Fotografía – COFF (España); Museo Nacional Reina Sofía, Centro de Arte (España); Fundação de Serralves (Portugal) y Museum of Fine Arts Houston (Estados Unidos), Pinacoteca del Estado de S. Paulo (Brasil), entre muchas otras.