30 de mayo de 2018

Edgardo Giménez, donde todos los sueños se hacen realidad


Edgardo Giménez presenta la exposición “Donde todos los sueños se hacen realidad” en el Museo de Arte Tigre. Desde su título, la muestra está inspirada en la obra de Walt Disney, a quien el autor confiesa deberle todo su mundo creativo.
 

La exhibición está compuesta por trabajos inéditos realizados en diversas técnicas: esculturas, pinturas en acrílico sobre tela, madera y hasta PVC. La estrella de la muestra es una escultura de 2,50 metros que reproduce la imagen de Tarzán y su mona Chita. Pero hay, además, otras monas bailando el hula hula y agita maracas, dos torres con columnas alrededor, retratos de monos y monas, serigrafías de hipopótamos, peras y terremotos, muebles de cajonera y una Coca Sarli que flota en el agua.
 
Innovador incansable con alma de niño, que se recorta la realidad y se da el lujo de vivir como un niño grande, Edgardo Giménez, debe de ser el único creativo sin título de arquitecto cuyo proyecto para la casa de Jorge Romero Brest integró la muestra del MOMA Transformations in Modem Architecture.

Artista autodidacta, Edgardo Giménez nació en Santa Fe, en 1942. Comenzó trabajando en gráfica publicitaria y en 1964 hizo su primera exposición individual. En 1965 obtuvo el Premio de Honor en la Primera Bienal de Artes Aplicadas de Punta del Este, y la Biblioteca del Congreso en Washington adquirió sus afiches. En Buenos Aires, formó la compañía La Siempreviva, junto con Marilú Marini, Dalila Puzzovio, Miguel Ángel Rondano y Carlos Squirru. Con ellos organizó Microsucesos y la exposición La siempreviva líquida (Galería del Este). Meses más tarde, con Dalila Puzzovio y Carlos Squirru, proyectó y montó el póster-panel ¿Por qué son tan geniales?, ubicado en la esquina de Florida y Viamonte, en Buenos Aires.
 

En 1966 exhibió su obra individualmente en el Museo Rosa Galisteo de Rodríguez, de su ciudad natal; expuso Las panteras, en la Galería del Sol; y nuevamente con la compañía La Siempreviva, organizó el happening El rayo helado, presentado en el Primer Festival Argentino de las Formas Contemporáneas (Córdoba). Además, en la Bienal del Afiche de Varsovia obtuvo el Premio de Honor.

Tomó parte en las Experiencias Visuales 67 en el Instituto Torcuato Di Tella (ITDT). Desde 1967 realizó escenografías para distintos espectáculos y producciones. En cine participó de los films de Héctor Olivera: Psexoanálisis (1967), y Los neuróticos (1968, por el cual recibió en 1973 un premio de la Asociación de Cronistas Cinematográficos).

Desde 1971 dirigió distintos proyectos arquitectónicos en la provincia de Buenos Aires: el primero fue la casa de los Romero Brest en City Bell, y a éste le siguieron La casa colorada (1976), La casa amarilla (1982) y La casa blanca (1983), en la localidad de Punta Indio. En 1973, con el apoyo del FNA, instaló su taller-estudio. Su labor en el diseño gráfico fue reconocida una vez más en 1977, cuando obtuvo el Primer Premio en el Festival Iberoamericano de la Publicidad. Un año más tarde, el proyecto de la casa para Romero Brest integró la muestra del MOMA Transformations in Modem Architecture.

Entre los años 1980 y 1982 se desempeñó como diseñador de la imagen gráfica del Teatro San Martín. Por su trabajo en esa institución, recibió el Premio Vigencia (1982). Un año más tarde el Teatro Colón le encargó su nueva imagen gráfica e institucional.
En 1987 participó en Los afiches más bellos del mundo, exposición de la UNESCO en el Grand Palais de París. Desde mediados de los 90, su obra estuvo presente en la mayoría de las exposiciones antológicas sobre los años 60 en nuestro país. En 1997, el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires (MNBA) organizó una retrospectiva de su obra y lo distinguió con el Premio Leonardo. Dos años más tarde recibió una mención del jurado en el Premio Costantini. También en el MNBA (2000) mostró obra reciente en ocasión de la presentación de un libro dedicado a su trayectoria editado por la Fundación Fortabat. Para la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad dirigió el área de comunicación visual en la vía pública durante 2000-2004 y 2006-2007.

En 2004, sus obras Cupido (1964) y La araña blanca (1972-1997) ingresaron en la Colección del Museo Nacional de Bellas Artes, sección Arte Siglos XX y XXI, donadas por el artista.

En 2008 realizó la muestra Arte y calles, una experiencia comunicacional en la ciudad de Buenos Aires, en Fundación Centro Cultural Altos de Chavón, República Dominicana. Al año siguiente participó de una exposición colectiva de esculturas en el marco de XII Bienal Internacional de Arquitectura, en el Centro Cultural Recoleta; y realizó la instalación Esta noche no, junto a Diego Figueroa, en el Centro Cultural de España en Buenos Aires. Durante ArteBA 2010, en el espacio de consagrados, con el patrocinio del Patio Bullrich, reconstruyó la instalación que hiciera en 1967 para la película Psexoanálisis, de Héctor Olivera. Ese mismo año hizo su muestra individual Boomerang, en Braga Menéndez Arte Contemporáneo; fue invitado al sector esculturas de Expotrastiendas, en La Rural; y formó parte de la gran exhibición antológica Pop! La consagración de la primavera, en el Espacio de Arte de Fundación OSDE.

En el 2012 realizó en el Centro Cultural Borges la mega-instalación Fiesta en el cielo, para la Asociación Argentina de Aeronavegantes; y participó de la exhibición Pop, realismos y política, que se mostró en Fundación Proa (Buenos Aires) y el Museu Oscar Niemeyer (Curitiba, Brasil), e itineró durante 2013 por la GAMeC - Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo (Italia) y el Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (Brasil). A fines de 2016 publico Carne Valiente, su desopilante autobiografía. 

La exposición se puede visitar de miércoles a viernes de 9 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 12 a 19 hs. en Paseo Victorica 972, Tigre. Lunes y martes cerrado. 
Visitas guiadas: miércoles a viernes 11 y 17 hs., sábados, domingos y feriados 13, 15, 17 y 17:45 hs. 

Visitas grupales programadas: llamar al 4512 4528 - Int. 101 los lunes, miércoles y jueves de 9 a 14 hs.

Milo Lockett expone en galería Witcomb



El viernes 1º de junio a las 18 horas, galería Witcomb inaugura la muestra de Milo Lockett, uno de los más importantes artistas plásticos contemporáneos de nuestro país.

La exposición incluye más de 100 obras recientes de Lockett, en pequeño, mediano y gran formato, realizadas en técnica mixta, sobre diferentes soportes (tela, madera y cartón).   


Con una identidad pictórica muy particular y una fuerte presencia social, a través de su arte, Milo Lockett se ha convertido, en los últimos años, en el artista plástico más popular de nuestro país. Nació en Resistencia, Chaco, donde actualmente vive y trabaja. Se considera un autodidacta, ya que su obra no responde a las reglas establecidas por las instituciones culturales ni el mercado del arte. A pesar de ello, tiene sus referentes: Jorge de la Vega, Nigro, Macció y Deira.




Como parte de su labor social, Lockett dona anualmente decenas de cuadros para subastas en su provincia, colabora con UNICEF en diferentes proyectos y realiza talleres masivos de pintura en escuelas, hospitales e instituciones de diferentes provincias de la Argentina y países vecinos. Su popularidad lo llevó a realizar talleres y exponer durante el mes de mayo en China, invitado por la Embajada de Argentina en dicho país.  



“La muestra de Milo inaugura una nueva etapa en la historia de Galerías Witcomb, caracterizada en los últimos años por la exposición de los clásicos de nuestro país. A partir de ahora, también los artistas contemporáneos, asociados generalmente a un público más joven, serán parte de la institución. En ese sentido, es un gran honor que un artista de la envergadura de Lockett, tanto por su capacidad de trabajo como por su humildad y solidaridad, forme parte de esta nueva etapa de la Galería”, señaló Jorge Calvo, titular de Witcomb.    

La muestra se extenderá a lo largo de todo el mes de junio y se puede visitar de lunes a viernes de 15 a 20 hs. y los sábados de 11 a 15 hs., con entrada libre y gratuita, en Rodríguez Peña 1050, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.


29 de mayo de 2018

Saráchaga inaugura exposición remate de arte contemporáneo


Casa Saráchaga inaugura una nueva exposición dedicada íntegramente al Arte Contemporáneo Joven. Desde el 31 de mayo al 4 de junio de 16 a 20 hs. en Juncal 1248  se exhibirán 56 obras de 32 artistas contemporáneos emergentes de todo el país (más dos invitados internacionales), con trayectorias variadas y en distintos momentos de sus carreras. El remate se llevará a cabo el martes 5 de junio a las 19hs.

Casa Saráchaga, institución porteña que en este 2018 celebra sus ochenta años de existencia, se propone no sólo continuar su legado como baluarte del arte tradicional sino también renovarse e incluir nuevas manifestaciones artísticas extendiendo su alcance hacia las nuevas generaciones. Dice Ana Saráchaga, nieta del fundador de la casa (establecida en 1938) e hija de su actual director: “Nos interesa fuertemente acompañar el arte contemporáneo y apoyar a los artistas jóvenes a la vez que buscamos fomentar y desarrollar a los coleccionistas del mañana”.

Diseñado y curado por Lucía Lachetti, este nuevo remate presenta un panorama variado del arte contemporáneo local. Para los artistas, es una oportunidad de extender el circuito de visibilidad y comercialización de su producción. Para los compradores, es un espacio amigable y transparente donde poder acceder a sus primeras obras a precios abiertos y accesibles y a información detallada sobre las mismas, favoreciendo un espacio de intercambio entre artistas y potenciales coleccionistas.

Las obras se presentan con un amplio rango de precios, con valores de base que arrancan en los $1500 (pesos argentinos), con el objetivo de ampliar el acceso al arte, alentar el crecimiento del mercado, impulsar un coleccionismo joven e invitar a un público más amplio a participar del fascinante mundo de los remates.

Listado de artistas participantes: Mikel Aboitiz, Marcos Acosta, Francisca Amigo Heras, Lucía Buchar, Aurora Castillo, Cecilia Catalin, Carlos Cima, Valentín Demarco, Ignacio Fanti, María Ferrari Hardoy, Sebastián Garbrecht, Agustín González Goytía, María Gimena Herrera, Daniel Leber, Valeria López, Lules, Alexis Minkiewicz, Alejandra Mizrahi, Molokid, Laura Ojeda Bär, Guadalupe Ortega Blasco, Santiago Paredes, Fática Pecci Carou, Tomás Rawski, Irene Ripa Alsina, Julia Romano, Amadeo Seguy, Julián Sorter, Mauro Stefanazzi, Daniela Stubbs, Santiago Villanueva, Lucía Von Sprecher.

Villa Ocampo presenta la exposición "Sicilia, sitios del patrimonio UNESCO"


En el marco de la 18ª edición del "Día Mundial de la Diversidad Cultural para el Diálogo y el Desarrollo", el próximo 30 de mayo se inaugura "Sicilia, sitios del patrimonio UNESCO". Se trata de una muestra de fotografías de Francesco Ferla organizada por el Observatorio UNESCO Villa Ocampo y El Instituto Italiano di Cultura de Buenos Aires.

Esta exposición ilustra de manera excepcional que el patrimonio y la cultura en general, tal como las concibe UNESCO, son el resultado de innumerables interacciones entre tradiciones culturales que son además recursos y herramientas para impulsar la creatividad y el desarrollo de las sociedades actuales. Este dialogo entre civilizaciones, culturas y pueblos, sobre la base de la mutua comprensión y respeto y la igual dignidad de las culturas, es condición fundamental para la construcción de la cohesión social, de la reconciliación entre los pueblos y de la paz entre las naciones. Así lo enuncia la Declaración Universal de UNESCO sobre la Diversidad Cultural de 2001. 

Como destaca Audrey Azoulay, Directora General de la UNESCO, en su mensaje con motivo de esta celebración, “la diversidad cultural no es en sí misma un factor de paz y de progreso. Para ello es necesario un aprendizaje: el aprendizaje de la alteridad, la aptitud para salir de sí mismo y para dialogar, el reconocimiento del valor que atesora cada cultura. (…). Esta jornada nos invita a ir más allá de la simple constatación de la diversidad y a reconocer los beneficios del pluralismo cultural, entendido como un principio ético y político de respeto igualitario de las identidades y tradiciones culturales.”

Italia cuenta con 53 sitios reconocidos por UNESCO en la lista del Patrimonio de la Humanidad. La denominación de estos sitios, de acuerdo con la Convención de UNESCO sobre la protección del patrimonio mundial, cultural y natural de 1972, tiene como objetivo identificar zonas y lugares de particular importancia universal desde un punto de vista cultural, artístico, arqueológico y paisajístico. Su aplicación universal hace excepcional al concepto de Patrimonio Mundial. Los sitios del Patrimonio Mundial pertenecen a todos los pueblos del mundo, independientemente del territorio en el que se encuentren.

Italia también cuenta con un rico patrimonio inmaterial: ocho elementos fueron incluidos en la Lista representativa de la Convención de UNESCO para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial de 2003.

Esta muestra reúne estos sitios interpretados en forma creativa por Francesco Ferla, autor de las fotografías del Municipio de Palermo, Departamento de Cultura, para la muestra: “Palermo árabe- normanda, las Catedrales de Cefalù y Monreale. Candidatas a la incorporación como Patrimonio Mundial de la Humanidad de UNESCO”.

El elemento caracterizador de la muestra es la particularidad de las imágenes, que se abstraen del contexto arquitectónico circunstante en una operación de “sublimación” de la arquitectura, que destaca el valor arquetípico de los monumentos. De esta manera, Ferla logra enfatizar el lenguaje multiétnico de Palermo acompañando al espectador en el descubrimiento de una ciudad famosa mundialmente pero de la cual, paradójicamente, muchos aspectos artísticos y arquitectónicos han quedado escondidos a los ojos de la mayoría. Se trata de indagar el patrimonio histórico-artístico y arquitectónico de la ciudad, revelando su futuro revela a partir de la fotografía del pasado.

Arquitecto, diseñador, artista digital y fotógrafo, Francesco Ferla vive y trabaja en Londres y París. Su tesis sobre la representación del Barroco ganó el primer premio del Centro Internacional de Estudios Barrocos.

28 de mayo de 2018

9º Edición del Premio Itaú de Artes Visuales


La 9º Edición del Premio Itaú de Artes Visuales, organizada por Fundación Itaú se presenta con una apuesta superadora, al tomar la decisión, por iniciativa de la curadora del premio Adriana Lauría y de su coordinadora Eugenia Garay Basualdo, de realizar una exposición con casi el doble de obras que en las ediciones anteriores.


Con más de 4400 inscriptos, cifra récord para este premio, la decisión de las obras a exhibir fue muy ardua, para lo cual trabajaron 22 jurados de selección de varias provincias. 92 obras fueron las que obtuvieron los mayores puntajes conferidos por los jurados en la fase final.

Realidad aumentada: Yasmín Reguero y Magalí Matilla Santoro. "Efímera, la flor en el eclipse"

A estas obras se suman dos instalaciones de arte con realidad aumentada, entre las que se encuentra el premio especial que Itaú entrega por primera vez en la Argentina a esta novísima tecnología, obtenido por Yasmín Reguero y Magalí Matilla Santoro con su obra Efímera, la flor en el eclipse, distinguida con una recompensa de 25.000 pesos, además de la mención de honor conferida por el jurado de RA -Alejandro Schianchi, Mariela Yeregui y Patricia Rizzo- a Flavio Bevilacqua (Neuquén), por Hombres de piedra.

A estas expresiones atravesadas por los más recientes aportes de la tecnología, se suma un importante número de obras fotográficas, instalaciones, videos y objetos, sin olvidar las técnicas tradicionales del dibujo, la escultura o el grabado, siendo la pintura la más extensamente representada.


Segundo Premio Adquisición: Florencia Levy. “Marea negra”
 
Es de resaltar el carácter federal del Premio Itaú de Artes Visuales, ya que a la mayoritaria presencia de la ciudad y de la provincia de Buenos Aires, se suman obras de artistas de las provincias de Córdoba, Santa Fe, Tucumán, Neuquén, Río Negro, Salta, Mendoza, San Juan, Entre Ríos, Misiones, Corrientes, Entre Ríos y La Pampa, aportando, en muchos casos, perfiles diferenciados a la producción del arte argentino contemporáneo, aparte del de artistas oriundos de Colombia, México y Uruguay, que se encuentran residiendo y desarrollando su trabajo en nuestro país. Este carácter comprensivo también se verifica en la dimensión generacional, ya que el premio, si bien está particularmente dirigido a los artistas emergentes, no tiene límite de edad, dándoles ocasión de participar tanto a los más jóvenes, como a aquellos que aún tienen algo que aportar a la labor creativa en plena madurez.
El miércoles 16 de mayo, durante la inauguración de la muestra, se anunciaron los premiados, elegidos por el jurado de premiación: Eduardo Stupía, Valeria González y Mariano Sardón.  

Dibujo: Cynthia Kampelmacher. "Proverbio alquimista"
Primer Premio Adquisición de $ 100.000 para Juan Reos por su obra “Antes / un mundo sin reliquias”.
Segundo Premio Adquisición de $ 60.000 para Florencia Levy por su obra “Marea negra”.
Tercer Premio Adquisición de $ 30.0000 para Erica Bohm por su obra  "Moonlight #1"

Mención de honor para Los Picoletos (Dúo Formado Por Dante Litvak y Fabro Tranchida)  por su obra sin título o "Carro nº 6" (serie carros fatuos).
Mención de honor para María Lorena Fernández Núñez por su obra “Heroína (estudio)”.

Fotografía: Jorge Roiger. "Guardianes del atardecer", 2015
 
Artistas seleccionados por disciplina:

Fotografía: Arturo Aguiar, Erica Bohm, Gonzalo Maggi, Mariano Grebnicoff, Ezequiel Montero Swinnen, Florencia Levy, Lorena Fernández, María Cecilia Candiani, Marcela Bosch, Agustina Triquell, Rosana Storti, Jackie Parisier, Francisco Estarellas, Mariana Belén Romero, Jorge Roiger, Néstor Barbitta, Gisela Ajzensztat.

Escultura: Fabiana Ímola, Lucía Pellegrini, Ariadna Pastorini, Juan Gugger, Mónica Van Asperen, Mariana De Matteis, Ivana Scherer, Irina Kirchuk, Victoria Schwindt, Wladimir Ojeda, Pablo Curutchet, Marina Páez, Carla Gorbalán.

Instalaciones: Gabriela Munguía, Ananké Asseff, Juan Pablo Inzirillo, Mara Andrea Caso, María Alejandra Galván, Ciro Fagioli, Nora Cecilia Lestón, Federico Galará, María Paula Massarutti, Antonella Agesta, Natalia Forcada, Mariana Guagliano, Los picoletos (Dante Litvak y Fabro Tranchida), Azul de Monte.

Grabado: Juan Reos, Federico Mattioli.


Pintura: Marina Apud. "La bola", 2017
Pintura: Juan Andrés Videla, Catalina León, Valeria Gopar, Lorena Ventimiglia, Leonel Luna, Paula Senderowicz, Marina Apud, Fernando Sucari, Tomás Carlos Ortolani, Josefina Inés Carón, Ana Vogelfang, Nubar Doulgerian, Gerardo Oberto, Laura Ojeda Bär, Franco Vico, Fátima Pecci Carou, María Sivak, María Luciana Giachino, Malcond D’Stefano.

Dibujo: Amadeo Azar, Clara Esborraz, Cynthia Kampelmacher, Matías Ércole, María Victoria Maggiori, Mauro Koliva, Catalina Scoppa, Andrés Castaño, Anahí Laurencena, Cecilia Ivanchevich.

Video: Fabián Ramos, Malen Otaño y Suyai Otaño, Virgina Buitrón, Daniel Romano, Mariel Galarza, Maia Navas, Sofía Mele.
 

Instalación: Ciro Fagioli. Sin título, de la serie "Reverberaciones de una ausencia", 2017-2018
 
Objetos: José Luis Landet, Ignacio Unrrein, María Laura Domínguez, Ruth Viegener, Hernán Aguirre García, Samuel Lasso, Luciano Burba, Federico Gloriani, Gabriela Cárdenas, Diego Aráoz.

Artistas por provincia: 13 por Córdoba, 14 por la provincia de Buenos Aires, 8 por Santa Fe, 4 por Tucumán, 3 por Neuquén, 2 por Misiones, 2 por San Juan, 1 por Salta e igual número por Mendoza, Entre Ríos, Río Negro, Corrientes y La Pampa.
 
La muestra puede visitarse hasta el 1º de julio, con entrada gratuita, de martes a domingos de 14 a 20 hs. en la Casa Nacional del Bicentenario, Riobamba 985, Buenos Aires, Argentina.

Popnografía: la serie erótica que devolvió a Marta Minujín a la pintura en los 70


Marta Minujín en su taller en Washington D.C., 1973.  Fotografía digital tomada de negativo vintage

Henrique Faria Buenos Aires presenta “Frozen Sex”, una muestra con pinturas y dibujos que Marta Minujín realizó hacia 1973 durante una estadía en Washington y que se vieron originalmente en 1974 en la galería Hard Art (bajo el nombre de Frozen Erotisme) de esa ciudad. En noviembre de 1973 habían sido presentados en Buenos Aires como Serie Erótica en la galería Arte Nuevo donde tuvieron que ser descolgados a las tres horas de la inauguración por presión de la policía. No volvieron a exhibirse desde entonces.
 

Tres obras sin título, de 1974, en acrílico sobre tela
 
Las obras de esta serie representan para Minujín el regreso a la pintura desde que a principios de los 60 abandonó el estilo informalista para trabajar con piezas bidimensionales y luego pasar a las ambientaciones. Las pinturas que fueron presentadas originalmente como Frozen Erotisme representan un paréntesis en su actividad en el campo de la performance que entonces se expresaba en obras como Kidnappening, Interppening o La academia del fracaso.

Dice Minujín: “Esta es una parte de mi obra a la que antes no había dado relevancia porque sucedió en medio de mi época de performances. El regreso a la pintura fue motivado por la fobia que se había despertado respecto del sexo en esos años. Fue entonces, antes de que se hablara del SIDA, que se empezaron a morir amigos gays en Nueva York. Se hablaba de peste rosa de manera muy underground y todos empezaron a evitar el contacto. De pronto ya nadie se quería besar ni tocarse ni sentarse en un inodoro por el miedo al contagio. En ese contexto terrorífico pensé que había que dignificar los órganos sexuales que estaban siendo demonizados. Por eso me dediqué a pintarlos como si fueran retratos o naturalezas muertas, para glorificarlos. Mientras trabajaba en esta serie estuve muy influenciada por la lectura de El erotismo de Georges Bataille".
 

Dos serigrafías de 1974 y vitrina con fotos y publicaciones 
Así estas pinturas de estilo pop marcan también el paso de la liberación sexual en el seno de la contracultura de los años 60 a los inicios de la industria pornográfica en los 70. Para realizarlas, Minujín se zambulló en el submundo del consumo erótico. “Como en todo lo que hago fui a fondo con el tema. Recorría la calle 14 de Washington que es donde se concentraba la oferta de sexo y hasta hice amistad con una prostituta para entender todo”.

El resultado son estas obras que Minujín duda en considerar pinturas o fotografías y que muestran primerísimos planos de genitales a la manera del cine y las revistas porno. El nombre original de Frozen Erotisme tiene que ver con la asociación que la artista hizo entre el “sexo congelado” y la forma de helado a la que remiten algunas de sus pinturas de genitales. “A quienes entonces compraron algunas de las obras yo les decía que si las colgaban en su living los iba a erotizar”, señala la artista.
 


A propósito de Frozen Sex escribe Francisco Lemus en el texto crítico de la muestra: “El pop se caracteriza por tomar con frialdad las imágenes emblema, las que están en una góndola, las que eclipsan por su belleza o rechazo, las que exhiben los signos mediáticos y los de la contracultura. Estas imágenes no son narrativas, tampoco contestatarias, son lo real puesto en la obra en su versión simulacro. El ejercicio conceptual que ofrece el pop es habitar la sinceridad brutal al mismo tiempo que lo superficial resulta encantador. Los órganos sexuales, pintados por la artista, dispuestos en planos enteros, ocupando toda la tela, intensifican esta operación aunque no mantienen una relación mimética con el original. Si bien el tamaño es exagerado, las formas planas y los volúmenes esquemáticos en distintos rosados nos ahorran los detalles que el close up pornográfico daría en diez minutos. La pintura, como gesto performático que se desliza y va cubriendo lentamente la superficie, proporciona una temperatura diferencial a estas representaciones, incluso la posibilidad de derretirse ante nuestros ojos”.
La inauguración de Frozen Erotisme en Washington resultó antológica. Minujín puso dos fisicoculturistas pintados de rosa, un bolero romántico, dio de tomar champagne rosé y para comer pastillas rosas, ella y los invitados también llevaban vestimenta rosa. En su momento el crítico Julián Cairol comparó las pinturas de Minujín con publicidades de alimentos congelados: “A través de este proceso, la artista revela el instrumento empírico sobre el que se construyó el erotismo y lo representa como objetos anónimos de consumo. El sexo ya no pertenece al individuo, sino a la cultura.”
 

El Obelisco de pan dulce
 
Marta Minujín realizó su primer happening, titulado La destrucción, en 1963. En 1966 hizo “Simultaneidad en simultaneidad”, como parte de Three Countries Happening, con Allan Kaprow (New York) y Wolf Vostell (Berlín).
Algunas de sus obras efímeras de participación masiva fueron “El Partenón de libros” (1983), “Carlos Gardel de fuego” (1981), “La Torre de Babel” con libros de todo el mundo (2011). A su vez, realiza pinturas transpsicodélicas, colchones tecnicolor y performances. Su obra forma parte de colecciones nacionales e internacionales, como por ejemplo: Museum of Modern Art (Nueva York), Guggenheim Museum (Nueva York), Tate Modern (Londres), Art Museum of the Americas (Washington D.C.), Walker Art Center (Mineápolis) Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Olympic Park (Seúl), Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires), Malba-Fundación Costantini (Buenos Aires) e importantes colecciones privadas. En las últimas décadas llevo a cabo numerosas exhibiciones individuales y retrospectivas entre las que se destacan "Marta Minujín. Obras 1959-1989" (Malba, 2010) y "La Menesunda por Marta Minujín" (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 2015-2016). Ha participado en muestras colectivas en el Guggenheim Museum (Nueva York); Place du Palais Royal (París); Museum of Modern Art (Nueva York); Fundación PROA (Buenos Aires), entre otras instituciones artísticas prestigiosas. En 2016 fue galardonada con el Premio Velázquez a las Artes Plásticas (Madrid). En 2017 desarrolló para Documenta 14 su obra “Pago de la deuda griega con olivas a Angela Merkel” (Atenas) y “El Partenón de libros prohibidos” (Kassel). A principios de 2018 fue distinguida con el Americas Society Cultural Achievement Award en Nueva York. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.


Afiche de la exposición en la galería Arte Nuevo en Buenos Aires, 1973
La muestra se podrá ver hasta el 4 de julio, de lunes a viernes de 11.30 a 19 horas, en Libertad 1630, Buenos Aires, Argentina.

27 de mayo de 2018

Exposición de Eduardo Costa en MCMC


La galería MCMC presenta la exposición “desmaterialización / aplausos a la materia” de Eduardo Costa, una serie de pinturas volumétricas que muestran la vigencia y creatividad inagotable de uno los artistas más talentosos y representativos del arte conceptual en Argentina.
Costa (1940, Buenos Aires) es un artista argentino que vivió veinticinco años en los Estados Unidos y cuatro en Brasil. Comenzó su carrera en Buenos Aires como parte de la generación del Insituto Torcuato Di Tella y continuó trabajando en Nueva York, donde realizó una contribución fuerte a la vanguardia local. Ha colaborado con los artistas americanos Vito Acconci, Scott Burton, John Perreault y Hannah Weiner, entre otros. En Brasil, participó en proyectos organizados por Hélio Oiticica, Lygia Pape, Antonio Manuel, Lygia Clark y otros de la escuela de Río de Janeiro.
 
En la poderosa producción conceptual que el artista realiza hasta el presente, impone su presencia. Un nuevo arte surgió a partir de las posibilidades que ofrece el empaste pictórico. La pintura en estado sólido se aviene en sus manos a adoptar formas un inusitado relieve. Parodiando las naturalezas muertas y las figuras geométricas.
Las pinturas volumétricas surgieron al explorar los límites de la materia con un afán experimental.
“Hace ya 20 años quería rescatar la pintura del aburrimiento estructural en que se encontraba y pensé en Lucio Fontana y los Madí que renovaron el mundo pictórico a fuerza de profundidad y de sentido”. Costa le pegó entonces una vuelta de tuerca a la pintura, descubrió que podía dejar de ser la representación de un florero y adquirir el volumen real de las cosas.
Su trabajo se ha discutido en el arte en América, Art Forum y en los principales libros de arte conceptual: Alberro A., MIT, 1999; P. Osborne, Phaedon, 2002; Mari Carmen Ramírez y Héctor Olea, Museo de arte de Yale/Houston, 2004; Inés. Katzenstein, MoMA, Nueva York, 2004, Luis Pérez-Oramas y otros, Museo de arte de San Antonio, 2004; Luis Camnitzer, Universidad de Texas, 2007, entre otros. Su obra ha sido expuesta en el New Museum, Nueva York; Victoria and Albert Museum, Londres; Museo Reina Sofía, Madrid; Museo de arte de Queens, Queens, Nueva York; Lista Art Center, Boston; Museo de arte de Miami, centro de arte Walker, Minnesota, MOMA; Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, entre otros. Participa de un proyecto que consiste en fabricar bicicletas de Duchamp/Costa 30 inspirados en un modelo de 1980, para una exposición sobre el trabajo de Duchamp comisariada por Jessica Morgan (Tate Modern) para la Fundación Jumex en la ciudad de México.

24 de mayo de 2018

Se abre un Nuevo Espacio de Arte en Buenos Aires: Adriana Budich - Arte & Cultura


Un nuevo espacio de arte abre sus puertas el 12 de mayo en Buenos Aires. Está ubicado en Gurruchaga 1145,  Villa Crespo, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Una gran nave blanca de 300 metros, con un entrepiso que balconea sobre la sala. La metodología para el funcionamiento difiere de una galería tradicional. Es un concepto diferente, la propuesta para los artistas es exposición anual conjunta con intercambio de obra quincenal, y una  muestra individual para cada uno de los que integren este colectivo. Es un espacio de gestión y desarrollo de artistas plásticos a largo plazo.  


Un tiempo expandido que va a permitir por un lado el desarrollo y difusión de los artistas a nivel nacional e internacional, con curadurías personalizadas, promoción en las redes, newsletters, etc., y por otro poder descifrar el gusto de los compradores en la diversidad de estilos reunidos en un espacio con asesoramiento  acertivo.
A su vez se ofrece a los artistas del interior una trastienda  para guardar sus obras en custodia. La propuesta es dinámica, ya que cada 15 días se renuevan las obras con propuestas curatoriales innovadoras. 


Adriana Budich
Asimismo se harán residencias, concursos, se dictarán cursos, charlas, seminarios con docentes nacionales e internacionales, talleres dedicados a público con capacidades diferentes y actividades integradas que colaboren en la decodificación del discurso estético.
Los artistas y los compradores necesitan un espacio que los aloje, un lugar de referencia legalizado e institucionalizado.
Los espacios de exhibición no pueden desaparecer, se tienen que modificar. Hay que inventar estructuras nuevas como ésta que Adriana Budich propone hoy.

22 de mayo de 2018

Llega ARTEBA 2018


Ya estamos en la cuenta regresiva para la feria de arte contemporáneo más importante de la región. 

Staff y directorio de ARTEBA, durante su lanzamiento en el MALBA 

La edición 27 de arteBA abre al público desde el jueves 24 al domingo 27 de mayo en La Rural, renovando su apuesta en la selección de curadores y en las secciones de la feria en la que este año participan más de 400 artistas de más de 80 galerías de 14 países con enriquecedores diálogos entre artistas emergentes, consagrados y propuestas de performances, charlas, debates y presentaciones.
Con más de un 50% de galerías del exterior y una extensa convocatoria de profesionales y coleccionistas, arteBA se posiciona en la agenda internacional como un evento clave para generar redes, intercambios y colaboraciones. Una semana en donde el protagonista es el arte y las galerías, las instituciones culturales y los museos de Buenos Aires se preparan para ofrecer lo mejor de la ciudad a sus visitantes. 

Tomás Saraceno. Biosphere 17, detalle
 
Además, en 2018, arteBA lanza Zoom, un programa de intervenciones artísticas sponsoreado por Quinquela Fondos.
En su año inaugural, su curadora Alejandro Aguado, curadora y actual co-directora de Móvil, presenta dos proyectos de dos grandes artistas para dar la bienvenida en ambos pabellones de la feria.
Con el objetivo de hacer visibles vínculos entre el arte moderno y el contemporáneo, la propuesta de Zoom para arteBA 2018 pone en diálogo obras de Gyula Kosice (Eslovaquia, 1924-Argentina, 2016) y Tomás Saraceno (Argentina, 1973), dos artistas cuyos trabajos comparten la pasión por imaginar a los hombres despegados de la Tierra, en espacios habitables que permitan repensar las relaciones entre ellos, y entre ellos y el cosmos.


arteBA Niños
 
Finalmente, para que los adultos puedan compartir la “experiencia arteBA” con su familia, se inaugura arteBA Niños, un espacio que, con el apoyo del Ministerio de Cultura de la Nación, ofrecerá un programa de talleres y actividades para lo más chicos.
Durante las cuatro jornadas los asistentes tendrán la posibilidad de conocer el amplio abanico de artistas modernos y contemporáneos que ofrecen las galerÍas participantes de la edición 27 de la feria y participar de múltiples opciones de agenda y actividades: tours de arte, programa de conferencias, ciclo de performances, presentaciones de libros, premios y otros destacados.
La Sección Principal, con su comité de selección integrado por Ana María Battistozzi, Orly Benzacar, Eduardo Brandão y Sabine Schmidt, contará con 52 galerías de las cuales 9 participan de la nueva modalidad Stage IRSA y 17 presentarán a un artista destacado en Cabinet GNV Group. La sección dedica además una Plaza de los Maestros a piezas claves de grandes artistas modernos. La séptima edición de Solo Show Zurich curada por José Luis Blondet contará con la participación de 9 artistas latinoamericanos de importantes galerías invitadas. Una renovada edición de U-TURN Project Rooms será curada por Magalí Arriola, quien invita a 12 galerías a dialogar entre sí con proyectos específicos.

Homenaje a Graciela Sacco
 
En esta edición de ARTEBA, la artista Graciela Sacco contará con un espacio dedicado, para rendirle homenaje a su vida y a su obra.
“Cuerpo a Cuerpo” será el nombre del espacio creado con la iniciativa de brindar un reconocimiento a su trayectoria y un espacio de encuentro con su trabajo para todos aquellos que visiten la feria, presentando piezas inéditas e históricas -génesis de su obra- a partir del rescate de matrices heliográficas que desarrollara en ocasión de la Bienal de Porto Alegre, Brasil, 1997, exponiendo no solo un gesto sino su propio cuerpo en ellas.
Este espacio será un complemento y extensión de las exhibiciones tributo a la artista que actualmente presentan en sus instituciones CAC Hotel de los Inmigrantes MUNTREF y MNBA, respectivamente.
Finalmente, el Barrio Joven, con dupla curatorial compuesta por Santiago Villanueva y Miguel A. López, es la sección que da lugar a los espacios nuevos, innovadores o alternativos que representan artistas de joven trayectoria y este año cuenta con 15 galerías con propuestas entre las que toman fuerza la performance con un espacio físico dedicado especialmente. Performance Box se afirma en la feria con una programación a cargo de la Bienal de Performance y, gracias al apoyo de ArtexArte, combina artistas destacados de la disciplina y videos curados por Rodrigo Alonso. 
En su sexta edición, Isla de Ediciones, con el sostenido apoyo de Fundación Proa, estrena dúo curatorial compuesto por Nancy Rojas y Santiago García Navarro e invita a 6 proyectos editoriales internacionales, ofrece un espacio de librería especializada en arte contemporáneo y una mesa colectiva con sellos independientes a cargo de Panorama Pulso. Diseñada por Federico Churba con materiales de Ternium, Isla de Ediciones cuenta además con un auditorio propio con programación de mesas y presentaciones de libros.

http://www.arteba.org/open-forumprogramacion/Click en la imagen para ver la programación de Open Forum
 
Este año, el programa de Prime Time del Open Forum, patrocinado por el Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos, explora el coleccionismo a través de diversas experiencias y trayectorias impulsadas por destacados coleccionistas nacionales e internacionales; y tres conversaciones con artistas consagrados formarán parte del fragmento de Art Conversations.
La feria, además, realiza un programa de Networking para que los invitados puedan conocer la escena local y participar de visitas especiales a colecciones, galerías y museos. Con ellos llegan curadores y directores de más de 20 museos que forman parte del Programa Internacional de Adquisiciones de Museos y del Programa Federal con el que, gracias al apoyo de empresas y donantes particulares, podrán adquirir obra en la feria y acrecentar su colección.

Visitas guiadas 
Este año se inauguran, junto al Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, las visitas guiadas realizadas por curadores y artistas para todo el público. Del 24 al 27 de mayo desde las 16.30 a las 20 horas, con una frecuencia de media hora, punto de encuentro: Plaza BA de ARTEBA.
Además de las actividades dentro de la feria, ARTEBA propone un mapa cultural de la ciudad, para que, durante esa semana, se visiten circuitos clave del arte contemporáneo en Buenos Aires: Distrito de las Artes, el nuevo polo Palermo/Villa Crespo y el corredor Recoleta/Retiro.

ARTEBA se desarrollará en los pabellones Azul y Verde de La Rural -Sarmiento 2704, CABA- y se puede visitar del 24 al 27 de mayo de 2018 de 14 a 21 hs.
Adquirí tus entradas en: www.arteba.org/entradas.
   

Décima edición de "Impulsarte" en ARTEBA


En el marco de la 27° edición de ARTEBA, La Rural celebra la 10° edición de Impulsarte, su programa de estímulo al arte contemporáneo. La iniciativa ya cuenta con una colección de 46 obras de 42 artistas argentinos.

Leopoldo Estol. "Territorio de Rio Negro"
 
Impulsarte nació en 2009, con el objetivo de estimular a la generación emergente del arte nacional; y de contribuir con su posicionamiento y crecimiento, en el marco de la feria de arte más importante del país. Hoy, 10 ediciones más tarde, se consolidó como una plataforma de talentosos artistas argentinos, cuyas obras forman parte de una valiosa colección de arte corporativa. Todas las piezas adquiridas mantienen un estilo a lo largo del tiempo, con diferentes  técnicas como: pintura, dibujo, grabado, fotografía y mixtas; lo que da cuenta de la diversidad del campo de las artes visuales en la Argentina.

Este año, para continuar con el objetivo de promover y alentar el desarrollo de jóvenes talentos, se renovó la alianza con Diseñadores de Interior Argentinos Asociados (DArA) y la Universidad Argentina de la Empresa (UADE), para el diseño del espacio. Por su parte, el comité de adquisición -compuesto por Eva Grinstein, Victoria Verlichak y Juan Pablo Maglier- está a cargo de la selección de las obras que se compren.

Alfio Demestre. "Sin título"
“La continuidad de Impulsarte a través de estas 10 ediciones, demuestra el compromiso que asumimos con la promoción de los nuevos artistas y del arte local. Confiamos en perdurar muchos años más con esta iniciativa, que nos llena de orgullo y satisfacción” sostuvo Juan Pablo Maglier, director de relaciones institucionales de La Rural.

Impulsarte tendrá su espacio con un diseño especial, pensado para destacar la trayectoria del programa. En este sentido, contará con un gran ventanal que invitará a conocer las obras exhibidas, recorriendo el paso del tiempo y proyectando hacia el futuro del programa y sus artistas.
Además, en el marco de esta celebración, todos los artistas que formaron parte de dicho programa fueron convocados para intervenir el stand con su firma. 
El diseño está a cargo de las alumnas de UADE: Emilia Caracoche y María Eugenia Alonso.

21 de mayo de 2018

Gisela Gaffoglio presenta su nueva muestra individual en el Centro Cultural Borges


Gisela Gaffoblio presenta “Imperfecta”, su nueva muestra individual, en la sala 26 del Centro Cultural Borges, ubicado en Viamonte 525, Buenos Aires.
 
“Una relación pasional, intuitiva, une a Gisela con el lienzo en blanco.
La tela en blanco le exige y le implica una entrega total. Como un amante insaciable, como la vida misma: ámbito en el que se despliegan los mundos contenidos en constante reconfiguración, en un dinamismo perpetuo, en el que habrá que hacerse a lo imperfecto, a lo abierto, a las cargas con las que transitamos, para hallar una nueva belleza.
Las obras de esta muestra denotan una tensión. La realidad vacila, oscila. La ciudad se fragmenta, asediada por surcos, por remolinos de color. El orden de lo establecido se somete a otra lógica.
 
En el pincel de Gisela Gaffoglio, el lienzo en blanco,  lejos de encarnar la mancha en el cuadro, deviene la potencia de todos los colores posibles, desviando y captando de manera total la mirada, que se desplaza de las pequeñas ventanas de la ciudad, sugerentes de seres palpitantes en sus cotidianeidades, en sus haceres, hacia los torrentes cromáticos que rodean dicha ciudad, que la penetran.
Los matices se tornan luz que atrae, desdibujando lo rectilíneo, lo uniforme, lo coherente.
El lienzo muestra su fuerza desde los márgenes vertiginosos.
Los colores vibrantes, ya se trate de metaforizar la inmensidad del mar o lo intangible del aire, nos descubren una belleza diferente que nos cautiva, denotando un work in progress. Una metamorfosis, una búsqueda tan inherente al arte como a la vida.” Leonor Curti, psicoanalista y escritora.
 

Gisela Gaffoglio nació en la Ciudad de Buenos Aires, Argentina en 1966. Desde niña se vinculó con el mundo del arte en sus diversas manifestaciones (danzas, teatro, piano, canto y pintura). Su formación como artista devino espontáneamente con la primera guía de Marcos Aquistapace, continuando luego su formación con los maestros, Duilio Pierri, Maggie de Koenisberg, Graciela Cocozza y en la actualidad con Ariel Mlynarzewicz.
En 2016 fue invitada por el INAC para oficiar como jurado de arte en el premio Roberto Lewis de pintura.

La muestra se puede visitar hasta el 3 de Junio, de lunes a sábados de 10 a 21 horas y los domingos de 12 a 21 horas en el Centro Cultural Borges, Galerías Pacífico, Viamonte 525, Buenos Aires.

Maria Marta Fasoli expone en el Centro Cultural Borges su obra “Vuelos y Caídas”


María Marta Fasoli, artista visual, oriunda de Mar del Plata y con más de 30 años de experiencia en el rubro; llega al Centro Cultural Borges para presentar su obra "Vuelos y Caídas", perteneciente al proyecto La línea piensa dirigido por Luis Felipe Noé y Eduardo Stupia.
La exposición se encuentra disponible hasta el 27 de mayo en el primer piso del CCB, sala 10 con entrada libre y gratuita.

María desarrolla su sensitiva vinculación con el dibujo en dos territorios bien diferenciados, cada uno con su cualidad de estilo y temperamento; ambos sostenidos en una dinámica fluidez técnica, que se hace obsesivamente sutil cuando lo requieren sus texturadas marejadas paisajísticas, y proporcionalmente expresiva en las satíricas figuras de su teatro privado.
“Son obras que tratan, creo, acerca de la fragilidad de los cuerpos y nuestras mentes, y la fugacidad de las sensaciones y los recuerdos. La inestabilidad de las relaciones, y las mil maneras de tratarnos con los otros y nosotros mismos.” Comentó María Marta Fasoli, artista visual.

La artista propone la lectura individual de actitudes, vínculos y situaciones y coincidentemente la concepción de una arbitraria coreografía de ritualidad colectiva, donde la verosimilitud antropomórfica compite con la más pura gratuidad semántica de manchas, trazos extemporáneos y acuosas derivaciones, en una feroz fenoménica de ritmos en pugna, mutaciones imposibles y alucinatorias viñetas.
El Centro Cultural Borges, ubicado en San Martín 525, se encuentra abierto de lunes a sábado de 10 a 21 hs. y los domingos de 12 a 21 hs.

17 de mayo de 2018

Día Internacional de los Museos 2018


Por iniciativa del Consejo Internacional de Museos-ICOM- el 18 de mayo se celebra desde 1977 el Día Internacional de los Museos. Cada año, el ICOM elige un tema específico. Este año es Museos Hiperconectados: Enfoques Nuevos, Públicos Nuevos”.

“Ante un público cada vez más conectado mediante la tecnología, los museos se redefinen. Además de ser espacios de conocimiento y conservación de patrimonio, se consolidan como lugares de encuentro, de intercambio y de transformación. Cada vez más buscan la cercanía con la gente. Salen a la calle para encontrarse con los vecinos y a la vez, mediante las redes sociales, propician un diálogo con sus audiencias”, expresa Juan Vacas, Director General de Patrimonio, Museos y Casco Histórico de la Ciudad de Buenos Aires.

Para celebrar esta fecha en redes se convocará al público a postear sus visitas a museos en Instagram y Twitter con el hashtag #FelizDíaMuseos y #DIM2018.

Tanto los museos nacionales como los porteños tendrán un amplio abanico de actividades con entrada libre y gratuita. Podés consultarlas en: https://www.cultura.gob.ar/dia-internacional-de-los-museos-estas-son-todas-las-actividades-que-podes-disfrutar_3957/  para los museos nacionales, o en: http://www.buenosaires.gob.ar/museos para los museos porteños.

Andrea Juan presenta "¡Quién!" en el Museo de Altamira, en el Día Internacional de los Museos


El viernes 19 de mayo el Museo de Altamira -Cantabria, España- celebrará un año más la Noche Europea de los Museos con una serie de actividades entre las que destaca la especial visita a la Neocueva que, para la ocasión y para recrear el ambiente que envolvería la cavidad hace unos 13000 años, abrirá la gran boca de entrada y se iluminará con su “luz original”, aquellas lámparas de tuétano que nos permitirán ver el efecto extraordinario de volúmenes, luces y sombras que inspiraran a los artistas paleolíticos para plasmar en sus paredes y techos lo que ha sido calificado como el “Primer Arte de la Humanidad”, “La más bella Prehistoria”.
 
Otras actividades conducirán al público durante esta jornada festiva del 19 de mayo, que se prolongará hasta las 00 horas. Para esta ocasión señalada el museo ha programado un taller de prehistoria, “Con otra luz”, en el que se mostrará cómo obtener fuego y cómo fabricar estas lámparas prehistóricas con las técnicas originales.
Una de sus propuestas más novedosas consistirá en conectar el patrimonio cultural europeo a través de una participativa actividad, desarrollada a lo largo de su exposición Los Tiempos de Altamira cuyo eje será una de las piezas de su colección permanente, el rodete procedente del yacimiento de la cueva de El Linar (Cantabria) que se pondrá en relación con otras piezas de claras similitudes culturales y formales, unos 130 rodetes del Magdaleniense, hallados a lo largo del continente europeo y procedentes de diferentes yacimientos, desde la Península Ibérica hasta los Urales.
Y para que nunca olvide su participación en esta jornada tan especial, que contará con música en directo, el visitante podrá fotografiarse en el photocall “Yo estuve en la Noche de los Museos 2018”, acto simbólico que, promovido por la propia organización de la Noche Europea de los Museos se convierte cada año en un espacio compartido en redes sociales para conectar los lugares que se unen a la celebración con el hashtag #NDM18.
Pero la semana festiva de los museos dará comienzo ya durante la jornada anterior, con la celebración del "Día Internacional de los Museos". Altamira lo festejará en esta ocasión con la instalación en directo y al aire libre de ¡Quién!, obra de arte visual contemporánea tridimensional con la que la artista argentina Andrea Juan invitará al público a participar en un recorrido en el que se descubrirá quienes han sido los hacedores del arte de Altamira.
 
Para Andrea Juan ¡Quién! es ante todo una exclamación de entusiasmo, de saber que fuimos nosotros mismos los que realizamos, hace tiempo atrás, esta maravilla... Nosotros!!!.
Los que visiten el viernes 18 de mayo el museo, de 15 a 20 horas, podrán compartir el montaje de una estructura que estará delimitada por los árboles cercanos a la cueva de las estalactitas y que contará con elementos geométricos básicos: triángulos, cuadrados y círculos que a su vez representan los cuatro elementos fundamentales de la naturaleza: agua, tierra, aire y fuego. Los espejos serán los objetos principales de la obra de Andrea Juan que, suspendidos en la estructura a diferentes alturas, reflejarán parcialmente al visitante en su recorrido, multiplicando con ello sus imágenes y las del entorno.
Un llamador de sueños, según define la propia artista a su obra, que irá enhebrando formas e imágenes para que el participante pueda atravesarlo, disfrutarlo y encontrarse con un texto-espejo en el que se reflejará de cuerpo entero.
La visita y participación de los asistentes será gratuita para todos tanto el viernes por la tarde de 15 a 20 hs. como durante la de la Noche Europea de los Museos de 20.30 a 00 hs.