30 de septiembre de 2019

MACBA presenta "Tomasello y Espinosa. En torno al cuadrado"


El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires / Fundación Aldo Rubino y la Asociación Amigos del MACBA presentan "Tomasello y Espinosa. En torno al cuadrado", una exposición curada por Ayelén Vázquez y Joaquín Almeida que reúne obra de la Colección Espinosa y del Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano - MACLA.
 
Alejandro Cappelletti, director del MACBA, durante la inauguración de la muestra 
 
En un diálogo inédito, la producción de Luis Tomasello (1915 - 2014) y Manuel Espinosa (1912 - 2006) da prueba de la importancia del arte cinético latinoamericano y de los fundamentos de su trascendencia internacional. En esta nueva propuesta curatorial, el cuadrado es el elemento vinculante, por tratarse de la figura que ambos artistas adoptan como medio para trabajar el color.
 
Inauguración. Foto: Nicky Ernst 
 
Espinosa y Tomasello se distinguen por una particular elección cromática que los identifica y permanece como recurso central en su pensamiento artístico. Así como en la obra de Espinosa es esencial la transparencia, en la de Tomasello destaca la luz reflejada. A través del uso de estos recursos plásticos, ambos generan impresiones sobre el plano que evidencian las dificultades de la percepción visual, al tiempo que introducen una reflexión sobre el acto de ver, donde las apariencias vuelven compleja la capacidad de aprehender la realidad de las cosas.
 
Mientras que Luis Tomasello se interesa en la figura del cubo en todas sus variantes  formales posibles, Manuel Espinosa estudia el cuadrado dinamizado en planos de color, desplazándolo en transparencias. Sin embargo, quizás más por las distancias geográficas  que los separan -Tomasello reside en París desde 1975 y Espinosa en Buenos Aires- que por las estéticas, estos dos artistas nunca habían expuesto juntos, hasta ahora. El tiempo que transcurre y se representa en sus trabajos se encargaría de unirlos en un mismo espacio, repleto de ese color y luz que tanto anhelaron descubrir.

Manuel Espinosa. Axchawz, 1973, acrílico sobre tela 
 
Manuel Espinosa (Buenos Aires, 1912-2006) es uno de los precursores de la pintura geométrica en Argentina. Fue miembro fundador de la Asociación Arte Concreto-Invención en 1945. Los trabajos que expuso individualmente en la galería van Riel en 1959 evidencian la reelaboración de sus búsquedas artísticas como resultado de su viaje a Europa, donde estuvo en contacto con artistas de la abstracción geométrica.  
Desde mediados de la década del 60, los círculos de dimensiones idénticas actúan como el elemento normalizador de su producción sobre tela y como módulo determinante en la composición de su obra. A principios de los 70, comienza a trabajar con pintura acrílica, abandonando el círculo y otorgando mayor protagonismo al cuadrado, que se configura durante este período como la forma determinante de su obra sobre tela. Esta decisión abre un nuevo camino de exploración a una serie de piezas basadas en una estructura repetitiva del módulo, que combina diferentes planos de color a partir de la transparencia.
Espinosa realizó numerosas muestras individuales y participó de las principales exposiciones de arte no figurativo nacionales e internacionales. En 2003, presentó en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires una retrospectiva de su producción sobre papel, que incluyó desde sus trabajos con tinta litográfica hasta sus dibujos ópticos en grafito y tinta. En 2013, MACBA presentó la muestra Geometría en Movimiento, curada por Ayelén Vázquez.  

Luis Tomasello. Objet plastique nº 687, relieve, 1990
 
Luis Tomasello (La Plata, 1915 - París, 2014) es uno de los referentes del arte cinético. Realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova (Buenos Aires). Fue cofundador del Salón Arte Nuevo en 1954, etapa en la que comienza a crear obras abstractas y geométricas. A partir de 1957 se instaló definitivamente en París y realizó sus primeras experiencias cinéticas bidimensionales en el plano. Un año después comenzó a trabajar con relieves y desarrolló los conceptos de color, luz y sus Atmósferas cromoplásticas. En 1958 el artista ingresó a la galería Denise René de París.
En la década del 60, Tomasello participó de las exposiciones fundacionales del arte cinético en Europa y Estados Unidos, e integró el grupo de la Nouvelle Tendance. En 1962, el Museo Nacional de Bellas Artes organizó una exposición individual del artista. Tomasello obtuvo el Primer Gran Premio Internacional en la II Bienal de Arte Coltejer, Medellín, Colombia, en 1970. Realizó numerosas exposiciones individuales en el exterior y en nuestro país, donde se destacan las del MNBA (2002), el MACLA (2004), el Centro Cultural Recoleta (2009), el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Caraffa de Córdoba (2010), y el Museo Castagnino + MACRO de Rosario (2010). 

El MACBA se puede visitar de lunes a viernes de 11 a 19 hs. y sábados y domingos de 11 a 19:30 hs. en Avenida San Juan 328, San Telmo, Buenos Aires, Argentina
Entrada general: $150. Estudiantes, docentes y jubilados: $100. Miércoles: $100. Estudiantes, docentes y jubilados: sin cargo.

Mirta Narosky presenta "Interpelando lo ilusorio" en galería Palermo H


Mirta Narosky
Del 20 de setiembre al 3 de octubre la galería Palermo H exhibe la muestra "Interpelando lo ilusorio" de la artista Mirta Narosky. Se puede visitar de lunes a viernes de 10 a 19 hs. y los sábados de 10 a 13 hs. en Honduras 5929, Palermo Hollywood, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

“En ésta exposición en galería Palermo H a la que he titulado Interpelando lo ilusorio, coexisten dos de mis series en las que trabajo desde hace un tiempo: Fragmentaciones y Vórtices. En la primera, fragmentos con perspectivas imposibles hacen alianza para construir nuevas realidades. Un constructivismo abstracto de geometrías un tanto  blandas, se encastra dando lugar a figuras «naturalistas» unas veces y otras a espacios surreales. Imágenes reconocibles en la superficie parecen mostrar la naturaleza de nuestras multiplicidades internas… o también la constitución molecular en constante movimiento, común a todo, como plantea la física cuántica; para la cual el límite entre el sujeto y su contexto existe y no existe.
 
En Vórtices muestro el juego de opuestos: lo onírico y la vigilia, lo tangible y lo intangible, lo material y lo espiritual, lo finito y lo infinito… Ese «vórtex», punto de inflexión entre «realidades».
Tal vez no sean tan dicotómicas como aparentan ambas series. Difieren en concepto, material, soporte, trazo….pero se encuentran, según creo, en mi concepción filosófica: mi mirada del mundo móvil, cambiante y dinámico, que evoluciona en ciertos campos e involuciona o queda arcaico  en otros, con errores cíclicos, donde se ponen en tela de juicio muchos paradigmas... pero no son demasiado claros los nuevos. Certezas?
Son ustedes mis invitados a compartir mi viaje hacia nuevas construcciones de sentido.” Mirta Narosky, artista, lic. y prof. en artes plásticas

"Las tres Gracias"
"Las tres Gracias". Diálogo en el tiempo
Este proyecto surge del encuentro y la confianza cultivado en el ámbito del taller. Ese espacio que nos reúne en torno al Arte y a un vínculo de enseñanza y afecto sostenido en el tiempo.
¿Quiénes son estas mujeres y por qué son tres?
Mirta Narosky, maestra del taller, Erika Carabajal y María del Carmen González, sus discípulas. Tres mujeres de distintas generaciones y contextos, y la memoria de más de 20 años compartidos. Aspecto distintivo éste, en un mundo que hoy se muestra con relaciones efímeras, y a menudo, mezquinas.
La elección de esta obra se debe a que ésta simboliza la danza de dar, recibir y devolver. Goce, belleza y amor representados por figuras, formas y colores. Re-visitar esta obra nos dio la posibilidad de realizar un planteo plástico propio, partiendo de un modelo iconográfico conocido, resignificándola.
Esta propuesta es un punto en este camino de aprendizaje y de encuentro, donde el conocimiento fluye, circula y se comparte.

En “Descanso de caminantes”, que se exhibe en Fundación Cazadores, Sergio Bazán reúne a 8 artistas en una muestra cuyo título se inspira en una obra póstuma de Bioy Casares


Los artistas con el curador de la muestra Sergio Bazán y la directora de la Fundación Cazadores Viviana Romay 
 
Hasta el 21 de octubre se exhibe en la Fundación Cazadores "Descanso de caminantes", una muestra grupal curada por Sergio Bazán, con obras de ocho artistas que sintetizan una lectura personal en la cual la literatura y gran parte del amplio abanico de las artes plásticas y visuales contemporáneas se hacen presentes.
Son trabajos de Gaspar Acebo, Manuel Ameztoy, Mirtha Bermegui,  Chiachio & Giannone, Myriam Jawerbaum,  Mirta Kupferminc,  Luciana Levinton y Ana Seggiario. 

Manuel Ameztoy. "In the sky" (sketch), 2018. Escultura blanda en fibra de plástico calado
A propósito de esta exposición, escribe María Carolina Baulo: “El título de la muestra da una pista fundamental: una obra póstuma de Bioy Casares que recopila, cual diario íntimo, sus recorridos urbanos plagados de su singular enfoque -no exento de cierta melancolía-, reflexiones sobre algunas vivencias de los años 70 y 80 que dibujan la fisonomía de una época y sus protagonistas. La propuesta curatorial amalgama momentos aleatorios, instantáneas de un "aquí y ahora", de un alto en la marcha y de un volver a caminar.  El discurso integra distintas etapas creativas de cada uno de los artistas, pone en diálogo  formatos y soportes disimiles, contenidos simbólicos y conceptuales heterogéneos pero todos siguiendo una ruta común donde se reflexiona sobre ese detenimiento, ese impase en el andar que no es nada más ni nada menos que una forma de plasmar una mirada subjetiva sobre una verdad parcial, propia.” 

Ana Seggiario. "El arco triunfal", de la serie Durero, 2018/19. Tríptico bordado sobre tela impresa
Y continúa Baulo: “Relatos individuales jamás pensados para integrarse, en Descanso de Caminantes se toman un café juntos, se miden, permiten la permeabilidad de las energías que cada uno condensa y se transforman en los ingredientes exactos para que, el curador -el noveno artista en este caso- haga armonizar desde las penumbras, a cada una de estas voces claras y  particulares sin que ninguna de ellas pierda su color característico.” 

Mirta Kupferminlc. Dos obras que componen la serie "Testimonio para el testigo", 2018/19. Tributo a la fotografia, en la figura de Mendel Grossman
 
La muestra se puede vivitar de miércoles a sábados de 14 a 19 hs. en  Fundación Cazadores Villarroel 1440, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Fundación Cazadores es un espacio de formación y reflexión para artistas de todas las disciplinas interesados en perfeccionar, potenciar o indagar en sus prácticas creativas, con la guía de artistas de reconocida inserción en el medio y en la actividad docente.

25 de septiembre de 2019

Se acerca la vigésima edición de la feria PuroDiseño a La Rural


ADN italiano en Londres, con el sello de Calligaris
 
La vigésima edición de la feria PuroDiseño se realizará del 26 al 29 de setiembre en el salón Ocre de La Rural, Av. Santa Fe 4201, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, en los siguientes horarios: 26 y 27/9: de 13 a 21 horas, y 28 y 29/9: de 13 a 22 horas
El valor de la entrada general es de $ 200. Para más información sobre la feria: feriapurodiseno.com.ar 
 
Habrá diseñadores de distintas categorías a nivel nacional, desfiles, muestras, entregas de premios y actividades interactivas.
Pensar el diseño fue la consigna de este año y la sustentabilidad se convirtió en un valor destacable. El equipo de mentores, integrado por la arquitecta Mónica Cohen, la diseñadora de interiores Luisa Norbis y el diseñador Benito Fernández, evaluó cada una de las propuestas teniendo en cuenta tanto la originalidad de los productos como el impacto ambiental de los mismos, la trazabilidad en todo el proceso productivo y el potencial comercial de los mismos entre otros aspectos.

Valeria Polacsek, directora de contenidos de Feria PuroDiseño sostiene: “En 2019 celebramos 20 años mostrando lo mejor del diseño de toda la región. En esta edición presentamos propuestas innovadoras teniendo en cuenta el lema que elegimos que es pensar el diseño”. Este foco tiene que ver con “un nuevo paradigma del diseño, que da al consumidor un rol más protagónico, en el que puede elegir y saber qué quiere comprar teniendo en cuenta de dónde viene lo que hace y cómo sigue el ciclo de vida”, explica Mónica Cohen. Luisa Norbis afirma al respecto: "La interacción es súper rica y necesaria entre diseñadores y las sociedades”. Por su parte, Benito Fernández destacó la exposición como espacio para realizar este intercambio: “Nos interesa impulsar vínculos y la feria es un punto efervescente en el que se interactúa y se generan muchas cosas nuevas”.


Más de 200 expositores estarán divididos en las tradicionales categorías deco, gift, gourmet, joyería, kids, trends y cápsula, a las que se suma este año Polo Federal. De esta manera, la impronta federal de PuroDiseño se manifiesta en la presencia de diversas provincias que tendrán espacios para presentar a sus productores locales. Jujuy, Salta, La Pampa, Tucumán, Corrientes, Chubut y Santiago del Estero ya confirmaron su participación. Aparte de esto, 25 emprendedores del programa Nación Emprende -de Banco Nación- tendrán un espacio en el predio.
 

María Fonseca - accesorios
Las universidades serán también protagonistas de esta nueva edición. Y, durante los 4 días de la feria, los visitantes podrán participar en charlas y workshops con especialistas del diseño. Destacando así su identidad como espacio de encuentro y de cruce entre diversas disciplinas.

Los 6 ganadores del Concurso Fase Emergente, el certamen que reúne a nuevos talentos de todo el país con el fin de potenciar el diseño nacional y acompañar a nuevos proyectos, contarán con un sector especial donde exhibirán sus proyectos. Ya están preseleccionados los 18 finalistas que, del jueves 29 al sábado 31 de agosto tuvieron su espacio especial en Norcenter.


Mónica Cohen
Además, se ofrecerá a los visitantes un amplio programa de conferencias y actividades, comenzando con el lanzamiento del libro “Inspirience, la Naturaleza del Diseño” de Mónica Cohen, edición en español, compartiendo los conceptos de Biomimesis y Biofilia, y presentando a la empresa israelí, Ayala Water & Ecology, con su innovadora tecnología NBS™, (Sistema Biológico Natural) que se basa en la termodinámica y las leyes de la naturaleza para mejorar la calidad del agua, el suelo y el aire restaurando los ecosistemas.

“Por primera vez en nuestro país, una feria de estas características, emprende un camino de transformación hacia la sustentabilidad viéndola como un valor agregado y una forma de abrir caminos profesionales impulsando la innovación centrada en el ser humano y sostenible en todos los niveles en un mundo interconectado y digital. Estamos transitando un camino integral, holístico hacia un futuro compartido, más resiliente y regenerativo en una línea de tiempo que promueve resultados y responsabilidad”, afirma Cohen.
 
Valeria Polacsek, directora de Feria PuroDiseño, y Marcos Malbrán, director de Casa FOA durante la presentación en Patagonia Flooring
 
Con la intención de impulsar la actividad y la visibilidad de los diseñadores argentinos, PuroDiseño y Casa FOA (la reconocida exposición de arquitectura, diseño de interior, paisajismo e industria) inician un vínculo a largo plazo. El diálogo y el trabajo en conjunto entre dos de las marcas más potentes de la Argentina tiene como finalidad fomentar el diseño local en todos sus aspectos, tanto creativos e industriales como en lo referido a capacitaciones y congresos.

El proceso generará una plataforma que brindará mayor difusión y exposición, a nivel nacional e internacional, a emprendedores, pymes, arquitectos, decoradores, paisajistas y diseñadores industriales. Así, las muestras se realizarán en adelante en los mismos meses, con la meta de enriquecer la convocatoria a talentos y visitantes del país y de la región, y los ganadores de PuroDiseño tendrán en la Casa FOA subsiguiente un espacio para vender sus productos.

El Museo de Esculturas Luis Perlottil inaugura la exposición Neón, líneas del cosmos


El jueves 26 de septiembre a las 18 hs. se inaugura, en Museo de Esculturas Luis Perlotti la exposición “Neón, líneas del cosmos”,
Esta exhibición forma parte del eje Color del programa anual Narrativas Cruzadas, un proyecto de la Dirección General de Patrimonio, Museos y Casco histórico, mediante el cual se interrelacionan las distintas formas de entender las dinámicas artísticas que atraviesan las colecciones de los Museos de la Ciudad, con las nuevas muestras y el público. La curaduría del eje Color estará a cargo de Sebastián Vidal Mackinson.

César Ariel Fioravanti. Esferoide 
 
El cosmos como órgano rector da contexto a la exposición. El Neón es un gas noble, incoloro, prácticamente inerte y muy abundante en el universo, esta visión cósmica se traslada a las obras.

Crear con Neón e incorporar su luz a las obras es casi una alquimia, su irradiación metafísica permite experimentar un rato en el universo.

Armando Ramaglia. Obra sin titulo
Un colectivo de artistas que exploran a través del diálogo entre el color, las formas, las diversas dimensiones y el espacio, irrumpiendo en la percepción del visitante a través de numerosas representaciones y con la elección no solo de lo bidimensional, sino transgredir esa barrera e indagar el volumen, lo tridimensional. Los artistas juegan con la perspectiva del espectador.

Artistas expositores: María Inés Cámara, Salvador Costanzo, César Ariel Fioravanti, Alicia Fontana, Eugenio Monferrán, Adriana Omahna, Armando Ramaglia, María Eugenia Fernández Varela, Enrique Tommaseo, Cristina Sicardi y Sergio Santos.

Dario Julio Klehr. Inspiración cosmica
La muestra se puede visitar de miércoles a lunes de 10 a 18 hs. en Pujol 644, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Entrada general: $50. Miércoles gratis. Jubilados, estudiantes universitarios, personas de capacidad reducida y sus acompañantes, menores de 12 años, grupos de estudiantes de colegios públicos: sin cargo.

La Bienal sale a la calle!


Del 25 al 29 de septiembre se celebra La Bienal Arte Joven Buenos Aires, un encuentro entre el público y las nuevas generaciones de artistas, con más de 180 actividades gratuitas abiertas al público, en 5 días consecutivos.



La sede central es en el Centro Cultural Recoleta, por donde circularán todos los días numerosos artistas y público interesado en conocer sus producciones. A la intensa programación de música, teatro, danza, performance, cine, literatura y muestras visuales de los artistas seleccionados en La Bienal, se suma la programación invitada con grandes recitales de cierre y actividades especiales.



En esta edición, además, La Bienal sale a la calle con Territorio Bienal, un ciclo de más de 50 actividades artísticas y festivas que involucran a 430 artistas. La cita es el miércoles 25 y el jueves 26 de septiembre entre las 19 y las 24 hs. en los alrededores de El Recoleta, con un gran escenario en Plaza Francia y programación a lo largo de toda la calle Junín entre Vicente Lopez y Libertador. 



“La Bienal tiene la energía de muchos artistas encontrando su obra. Esa fuerza se conecta con la ciudad en la forma de historias, sentidos y gritos nuevos. Buenos Aires es un poco más nueva con cada edición de la Bienal” afirmó Luciana Blasco, subsecretaria de políticas culturales y nuevas audiencias. 



Por su parte, el ministro de cultura Enrique Avogadro destacó: "es muy gratificante presentar una nueva edición de la Bienal Arte Joven Buenos Aires. Como culminación de un año de mucho trabajo y desarrollo artístico se seleccionaron 118 obras y proyectos entre 8.000 que se postularon. La Bienal es un evento clave para una generación de artistas de la ciudad. Significa para todos los bienalistas poder mostrar sus obras y compartir sus experiencias. Porque la cultura tiene un poder transformador en la vida de todos. Y en especial, en la de las nuevas generaciones. El mundo cultural de la Ciudad se enriquece con el desarrollo de nuestros jóvenes artistas que con sus creaciones hacen de Buenos Aires el centro cultural de Latinoamérica. Más de 400 jóvenes participan en cinco disciplinas diferentes: escénicas, visuales, audiovisuales, música y literatura. Entre el 25 y el 29 de septiembre, con sede central en el Centro Cultural Recoleta, los vecinos y turistas podrán acceder a este universo generado por los jóvenes, que, además, estará en el espacio público con el fin de crear conversaciones y atraer a nuevos públicos".
Gran evento de apertura

El miércoles 25 es la gran apertura de La Bienal, con la inauguración en simultáneo de las muestras visuales, recitales, lecturas y dj sets que darán inicio a esta semana a puro arte en el Centro Cultural Recoleta. La jornada de apertura comenzará a las 19 con la presentación en vivo de 1915 en el escenario Plaza, el recital de Telescopios en el Patio del Aljibe y DJ Virginia en la Terraza. A las 19:30 será el recital de Lo’ Pibitos, una de las actuaciones centrales del día, en el escenario Plaza. A las 20, Susy Shock realizará lecturas en Araucaria, uno de los escenarios al aire libre que La Bienal propone en esta edición. A la misma hora, en el Patio del Aljibe tocará Julio y Agosto, y a las 21 la celebración se traslada al exterior, donde habrá un show de La Delio Valdez en el escenario Plaza, leerán Las Pibas a las 22 en Araucaria y cerrará DJ Alonso Morning en Escenario Plaza.

"La civilización perdida" en la sala Cronopios del C. C. Recoleta. "Tarzán y la fuente mágica" de Edgardo Giménez
 
Además, durante toda La Bienal, artistas jóvenes exhibirán sus obras en el Centro Cultural Recoleta y podrán acceder a becas de formación en Argentina y el exterior: 25 artistas visuales mostrarán sus trabajos en la muestra colectiva Espacio entre, curada por Tainá Azeredo, 15 directores audiovisuales presentarán cortometrajes en tres programas diferentes en el Cine, 14 bandas brindarán shows en la Terraza, 15 directores escénicos realizarán cuarenta funciones de obras de teatro, danza y performance en las salas Villa Villa y Capilla y se presentarán las antologías de cuento Divino Tesoro (Mar Dulce) y de poesía Les poetas (Gog&Magog) que compilan los textos de 30 escritores, que durante esos cinco días ofrecerán lecturas en el Patio de los Naranjos junto a músicos invitados.

Toda la info sobre La Bienal en: https://bienal.buenosaires.gob.ar/.

24 de septiembre de 2019

Más de 30 artistas se unieron para contribuir al bienestar de perros y gatos sin hogar


Se celebró InvolucrArte 2019, un lugar donde la Cultura se hizo presente de la mano de la pasión por los perros y gatos. Esta tercera edición contó con  la participación de 30 artistas y más de 500 amantes de los animales que se acercaron al Palais Rouge para colaborar con las fundaciones protectoras de perros y gatos.


Chulot (Agustín Touceda). Gato, acrílico
A la hora de adoptar un perro o un gato, cada vez son más personas las que eligen a aquellos que tienen una historia de riesgo y abandono. Por este motivo, se hace más visible el trabajo de organizaciones y "rescatistas" independientes que concientizan sobre la superpoblación animal, la necesidad de garantizar sus derechos y fomentar adopciones responsables.
 

En este sentido, también hay grandes empresas apasionadas por las mascotas que desde hace años, se involucran en estas temáticas con el objetivo de proponer un cambio de consciencia y promover el bienestar de perros y gatos. Algunas, además de comprometerse en su concientización, también llevan a cabo acciones para ayudar económicamente a distintas protectoras.  

Voiuntarias de El Campito Felino
 
Este es el ejemplo de Royal Canin, la marca líder en nutrición sana para gatos y perros, que organizó por tercera vez consecutiva una nueva edición de InvolucrArte, una muestra de arte “pet friendly”, con más de 30 artistas presentes -entre fotógrafos, ilustradores, artistas plásticos y escultores- además de 5 shows en vivo y más de 500 asistentes, donde todo lo recaudado a través de la venta de entradas fue destinado a cinco fundaciones protectoras de animales: Refugio San Francisco de Asís, Colonia Canina Viva la Vida, El Campito Felino, Fundación De Gatitos y Los Guardianes de los Galgos.  

Voiuntarias de Fundación De Gatitos
 
A su vez, el marco de la iniciativa seguirá vigente con la venta de bonos contribución que se pueden adquirir a través de las redes sociales de dichos refugios. Cabe destacar que todos los artistas se presentaron de manera voluntaria mostrando su colaboración desinteresada y su compromiso por las mascotas.

Elsa Espeleta Basail
InvolucrArte, es un espacio que año a año fue creciendo hasta comenzar a transformarse en un movimiento cultural a favor del bienestar de perros y gatos. En este sentido, es un lugar donde cobra vida la sensibilidad de los artistas junto a aquella responsabilidad necesaria para propiciar que perros y gatos de refugios puedan ser Mascotas de Hogar y mejorar así, no solo sus propias condiciones sino la calidad de vida de las personas que los adopten.
 
"Gery" Geraldine Román pintando en vivo
Quienes estuvieron a cargo de la organización fueron Verónica Galbán, gerente del canal profesional de Royal Canin y su equipo, junto a Diana Dumont (criadora de Maltés, idea y dirección artística de InvolucrArte). “Es un honor poder participar en la creación de un evento con fines tan beneficiosos para las mascotas y para los que se animan a adoptar. Durante estos años, InvolucrArte ha crecido enormemente y los resultados son asombrosos” comentó Verónica.

Paula Pons. Escultura en papel de diario y cinta adhesiva
Artistas participantes: Bambu Alfil, Viviana Bedoyan, Luli Bosch, Buchu, Alejandro Bustos, Chulot, Jose Luis Elias, Elsa Espeleta Basail, Ferenc (Facundo Emmanuel Carmona), Rosarillo Gallardo, Jorge Gionco, Grupo Coreográfico “Lazos de Tango” (dirección Jonathan Sprite), Kert, Jannett Lacour, Raymundo Lagresta, Martin Leiva, Malena Mare, Moio, Mariana Oliva Gerli, Maximiliano Olivero, Mariano Pallero, Paula Pons,  Geraldine Román, Manuel Sahuet, Alfonsina Savarino,  Alfredo Segatori, Pili Trappos, Federico Vazquez, David Veltri, Ana Verardo, Gastón Villalva,  Ernesto Werner,  Pato Zaietz y Marcela Zuliani.

Once Siete presenta la exposición "Nadie en especial" de las artistas Evangelina Aybar y Gimena Herrera


Pinturas de Evangelina Aybar
 
Esta exposición, que cuenta con la curaduría de Mariana Rodríguez Iglesias, invita a disfrutar de una serie de pinturas vibrantes, coloridas y expresivas. En las obras de las jóvenes pintoras Evangelina Aybar y María Gimena Herrera, nos dejarnos llevar por las superficies arrebatas de materia; por retratos en los el proceso no oculta las cavilaciones de la mano; escenas y bodegones oscilantes como si el sentido de lo que vemos quisiera escaparse hacia un universo un tanto más onírico.
 
Evangelina Aybar
Evangelina Aybar nació el 27 de julio del 1984. Creció en un pueblo de valle y quebrada llamado Cafayate. Estudió en la Universidad Nacional de Tucumán, donde concurrió a talleres de pintura junto a maestros como Carlos Alcalde, Guillermo Rodríguez, Margarita Vera, Marcelo Lazarte, Carlota Beltrame, Marcos Figueroa, Geli González. Participó en la escena local, en salones, clínicas, muestras, grupos. 

En el 2009 obtuvo el Primer Premio del XI Salón Multidisciplinario MUNT y Kevin Power la invitó a formar parte de su muestra internacional Discursos Narrativos.
 En el 2010 obtuvo la beca del Centro de Investigaciones Artísticas, y entre el 2011-2014 concurrió a la clínica de Diana Aisenberg.

Gimena Herrera
 
María Gimena Herrera es pintora, realizadora audiovisual y fotógrafa documental. Su trabajo está centrado en la representación de las personas y el autorretrato.
Estudió pintura con Juan Astica, fotografía con Augusto Zanela y en la Escuela de Fotografía Creativa, y cine.



Pinturas de Gimena Herrera

Entre los premios y distinciones obtenidos podemos nombrar: primer premio en “Versiona Thyssen II”, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, España, 2019; primer premio adquisición artista jóven en “X Premio Nacional de Pintura Banco Central”, Buenos Aires, 2017; mención  “Arte Vittal 2017” en Espacio Modos, Buenos Aires; mención en “XXII Concurso de Pintura Palermo Viejo” en galería Central Newbery, Buenos Aires, 2016; “Beca Dajaus”, Fondo Nacional de las Artes. Buenos Aires, 2016, segundo premio “Concurso de fotografía de El Mirador Espacio”, Buenos Aires, 2014.  
Sus pinturas forman parte de las colecciones del Banco Central de la República Argentina y Fundación Vittal, además de colecciones particulares en España, México, Ecuador, Alemania, Argentina y EEUU.
 

Pinturas de Gimena Herrera

"Nada en especial" es la cuarta exposición de  Oncesiete - estudio de arte, con obras de
Evangelina Aybar y María Gimena Herrera, se puede visitar hasta el 11 de noviembre de 2019 en Av. Las Heras 3702 7ºA, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

19 de septiembre de 2019

Faena Art presenta "Coreografías de sal" del artista argentino Osías Yanov


Faena Art y Alan Faena presentan la instalación y performance site specific "Coreografías de sal" de Osías Yanov, la primera comisión individual de un artista argentino para la Sala Molinos de Faena Art Center Buenos Aires. 


El artista Osías Yanov creará un espacio inmersivo y participativo, donde acontecerán en simultáneo performances y talleres abiertos para todo el público de la ciudad, con entrada libre y gratuita del 20 al 22 de setiembre.

La instalación se desarrollará en torno al descubrimiento arqueológico de los restos óseos de una sirena hallados a orillas del Río de la Plata. En diálogo con la monumentalidad de la Sala Molinos y, haciendo referencia a pasados olvidados y mitológicos, Yanov cubrirá el icónico piso de la sala con sal marina gruesa convirtiendo el espacio en un nuevo territorio de transmutación corporal del que emerge esta criatura híbrida. La característica distintiva de "Coreografías de Sal" es que excede la experiencia tradicional de presentación de una instalación y performance, ya que incorpora talleres participativos -basados en metodologías desarrolladas por Yanov para abrirse a nuevas experiencias corporales- que pasan a formar parte de la obra y, a su vez, modifican las acciones performáticas que se presentan pre-ensayadas. 

La exhibición transitará orgánicamente del formato de taller al de performance, desdibujando los formatos tradicionales de la “puesta en escena” e invitando al público a ser parte de esta re-imaginación de un futuro y las posibilidades del cuerpo que habitan en él.

Alan Faena comentó, “Invitamos a Osías Yanov con carte blanche para crear un proyecto original para Sala Molinos. Brindamos una plataforma nueva para realizar esta exhibición que amplifica su práctica y prometedora carrera. Su forma de fusionar disciplinas y medios tiene el mismo espíritu que continúa inspirando la programación de Faena Art, donde siempre buscamos transformar, reinventar el espacio y generar nuevos horizontes de posibilidades.”

La obra de Yanov transcurre en la exploración de otras corporalidades, movimientos que apuntan hacia una nueva narrativa gestual, descolonizada de mandatos previos, que activa la memoria ancestral del cuerpo, entendiendo cada gesto como una codificación de género social o política.

Osías Yanov
“Una de las razones por las que tomo como referencia narrativa a la figura de la sirena en su estructura ósea -inserta en un contexto de yacimiento y descubrimiento- gira alrededor de cómo ese material óseo rememora una idea de un pasado distópico y puede reconfigurar nuestros parámetros de realidad y de construcción de historia que se proyecta hacia el futuro”, señaló Yanov. “En la concepción de esta muestra, hay un abordaje de lo performativo que se pregunta por los pasajes entre momentos pedagógicos, terapéuticos y escénicos. El foco estará puesto en que quien ingrese a la sala pueda percibir esos momentos en simultaneidad. La investigación que haremos durante los ensayos, las presentaciones y los talleres abiertos estarán enfocados en la experimentación corporal constante y la improvisación grupal para dar vida a esta obra/ensayo/taller que solo se completa cada vez que se pone en escena”, concluyó.

La curadora Zoe Lukov también comentó: “La sirena, esa mezcla entre cuerpo humano y criatura de mar, es tanto una fantasía mitológica como un sueño actual para un futuro trans e híbrido. La ‘prueba’ de la existencia ancestral de esta sirena permite al público acercarse a un diálogo sobre lo que hoy significa habitar un cuerpo híbrido y moverse dentro de una colectividad también híbrida, un sitio de potencialidad máxima que insiste no en ‘uno o el otro’ sino en el terreno fértil entre ambos.”

"Coreografiìas de Sal" reflexiona sobre lo ficticio y lo real y el espacio que existe entre estas dualidades. Desde la creación de una falsa excavación de los restos de una sirena, viralizada en las redes sociales, hasta la recreación de un salar, la obra se irá transformando a través de los cuerpos de los performers y el paso del tiempo. La narrativa de la noticia falsa demuestra el poder del mito colectivo para generar realidades alternativas. 

Por medio de esta performance, también se exploran nociones del mestizaje en Latino América, la teoría queer y las políticas del cuerpo trans, así como nociones de avatar digital y el futuro de los cuerpos de la inteligencia artificial.

La participación del publico se activa en el desarrollo de la fantasía colectiva, a la que somos invitados a cambiar y reconstruir. Incita a una exploración de nuevas corporalidades e identidades que, aunque místicas e irreales, resultan más afines a nuestra visión de como imaginamos el futuro. De esta manera, Yanov contribuye al antiguo mito de la sirena, existente tanto en la mitología griega, la teología cristiana, los cuentos de hadas, y hasta en los juegos de género de la niñez. A través del cuerpo, Yanov concibe un nuevo lenguaje corporal y gestual que invita a re-imaginar las posibilidades de nuestro pasado, presente y futuro. 

"Coreografias de Sal" ejemplifica el compromiso de Faena Art en presentar comisiones monumentales site-specific, basadas en el transcurso del tiempo, que exploran entre disciplinas artísticas y proveen oportunidades nuevas a artistas como Osias Yanov para desarrollar nuevos formatos y modos en sus prácticas.

La exhibición será realizada en colaboración con los bailarines Florencia Carrizo, Melisa Chetto, Marta de la Gente, Julia Hadida, Meme Liebana, Alejo Petriz, Silvia Estrin, Martín Tchira y Bautista Viera.

Calendario de la exhibición:

Viernes 20 de setiembre: 20 hs. apertura al público.

Sábado 21 y domingo
22 de setiembre: 
14 a 21 hs. exhibición abierta al público.
16 a 20 hs. taller impartido por el artista abierto al público con previa inscripción en
www.faenaart.org.
19 a 21 HS performance.

18 de septiembre de 2019

Muestra de Camila Vilar en Espacio Cetol


Cetol, marca líder del grupo AkzoNobel en el cuidado y protección de la madera, anuncia la cuarta muestra del ciclo #PuraMadera de la mano de Camila Vilar. En esta exhibición se observa el paisaje sin perspectivas, donde conviven diferentes elementos de la naturaleza, conformando un lugar inventado que no existe más allá de la imaginación.

Camila Vilar, es una joven artista argentina, que estudió ciencias de la comunicación social en la Universidad de Buenos Aires. Descubrió su pasión por el arte, luego de audicionar para una obra de teatro, en donde el personaje que debía interpretar dibujaba. Vivió en Nueva York por dos años, ciudad en la que se abocó a perfeccionar su técnica. Allí logró exponer por primera vez sus dibujos e ilustró un libro infantil. Se destaca por dibujar en una amplia variedad de soportes como vidrio, madera, papel, lienzo, paredes, etc. Sus  creaciones en vidrio, la llevaron hasta Tokio, Japón, en donde las comercializó. Desde 2016 participa ininterrumpidamente de la feria de arte “BADA: Buenos Aires Directo de Autor”.
 
Su obra se caracteriza por un dibujo sensible en el que la naturaleza es protagonista. Conviven el silencio y el ruido, la luz y la sombra, los elementos planos y con volumen, logrando un paisaje que no respeta escalas, conformando un lugar inventado. El movimiento del agua atraviesa todos sus dibujos, porque toma este elemento como simbología dual, como sustancia esencial para el surgimiento y desarrollo de la vida. Esto queda resaltado enla utilización de la madera como soporte, porque le aporta calidez y las vetas se fusionan con el movimiento del agua.
 
La cuarta muestra de #PuraMadera, con curaduría de Federico Platener, inaugura el jueves 19 de setiembre a las 19 hs. y podrá ser visitada hasta el día 24 de octubre en espacioCetol (Av. del Libertador 6188 – CABA) de lunes a viernes de 9 a 17 horas.

17 de septiembre de 2019

Galería Rubbers presenta la muestra “Alineamientos” de Carolina Cerverizzo


Entre el 18 de setiembre y el 11 de octubre se exhibe en galería Rubbers Internacional, “Alineamientos” de la artista Carolina Cerverizzo.
 
“Alineamientos… Pinturas y dibujos.
A través de las líneas, el color y los planos compongo mis obras.
Ellos son mis elementos y elaboro con ellos las imágenes que surgen en mi interioridad. Continúo con mi propuesta ahondando en los límites y abriendo nuevos senderos dentro de mi camino.
Busco armonías y disonancias, comprimo los espacios y los expando, de construyendo y construyendo, en un juego de tensiones y distancias, alineando y desacomodando….
Espero puedan recibir a través de estas obras el espíritu que fluye, que aflora.
Y aparece la magia, el ritmo, la vibración de los colores y el fantástico mundo del arte asoma.
La fundamental participación del que se enfrenta a ellas enriquece este proceso aportando mucho más al mundo infinito del arte, de la creación, de lo desconocido…” Carolina Cerverizzo, septiembre 2019.
 
Carolina Cerverizzo nació en Buenos Aires el 6 de julio de 1950. Estudió en las Escuelas Nacional de Bellas Artes “Manuel Belgrano” y “Prilidiano Pueyrredón“. A partir de 1978 comienza a exponer en muestras colectivas y participa en alrededor de 250 exposiciones, realizando estudios en EEUU, Europa y Medio Oriente. Vive y trabaja en Buenos Aires. 

Entre los principales premios obtenidos podemos mencionar: premio de dibujo Universidad Nacional del Litoral en Salón de Santa Fe, primer premio Salón Nacional de Artes Plásticas en pintura, mención Salón Nacional de dibujo, primer premio adquisición Salón Pintura Rosario, premio Accésit en el Premio Genaro Pérez Villamil (Ferrol, EspañaI,   segundo premio en el Salón Nacional de Artes Plásticas en pintura, tercer premio Salón Nacional de Artes Plásticas en pintura, segundo premio en el 51º Salón de Rosario, premio adquisición Raúl Russo, Fondo Nacional de las Artes en el Salón de Rosario (Santa Fe), distinción del jurado en el premio Coca-Cola en las Artes y las Ciencias, segundo premio adquisición en V Salón de la Universidad de Salta, primer premio Salón Federico Lanús - Fondo Nacional de las Artes, segundo premio Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano.
 
Poseen obras suyas: Palais de Glace - Salas Nacionales de Exposición, Buenos Aires; Museo Eduardo Sívori, Buenos Aires; MACLA Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano, La Plata; Museo Rosa Galisteo de Rodríguez; Santa Fe; Museo Castagnino, Rosario; Universidad Nacional de Salta; Universidad Nacional del Litoral; Colección Comisión Nacional de Energía Atómica, Buenos Aires; Museo Raúl Lozza, Alberdi, Buenos Aires; Arte Struktura, Centro Internacional de Arte Contemporáneo, Milán; colecciones públicas y privadas de Argentina, España, Italia, Jerusalem, Nueva York, Miami, México y Sao Paulo.

La muestra se puede visitar de lunes a viernes de 11 a 19 hs. y los sábados de 11 a 13.30 hs. en Av. Alvear 1640, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.