30 de agosto de 2019

Actividades por el séptimo aniversario del MACBA


En el marco del séptimo aniversario del MACBA - Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires,  el domingo 1 de septiembre a las 18 hs. se realizará un concierto en sala del grupo Martín Iaies 4. Integrado por Martín Iaies (guitarra eléctrica y composición), Andrés Tarditti (saxo alto), Andrés Chirulnicoff (contrabajo) y Mono Valle (batería), la banda interpretará composiciones originales que dialogan con la tradición del jazz y corrientes más modernas.

Asimismo, los festejos se extenderán durante el resto de la semana hasta el domingo 8 de septiembre, ofreciendo una serie de actividades que buscan entablar un cruce entre distintas disciplinas culturales, tales como la historia del arte, la literatura, la filosofía y la danza. Bajo esta línea, el lunes 2 se realizará una charla en sala bajo el título "¿Por qué lxs jóvenes leen a Nietzsche? El amanecer de una contra-cultura". Organizada por el grupo Filosofía del Pórtico, se entablará un intercambio en torno a las lecturas de Friedrich Nietzsche.

MACBA invita a formar parte de dos actividades vinculadas a la disciplina artística y la  educación. Por un lado, tendrán lugar las II Jornadas de Gestión e Historia de las Artes organizadas por la Universidad del Salvador, bajo el nombre "Múltiples miradas del arte".  Asimismo, el martes se llevará a cabo la actividad "Juego creando, creando juego", taller de capacitación para docentes dictado por Pizzini.

Adentrándonos en el campo literario y del lenguaje performático, el viernes 6 se presentará el libro  ‘Cadáveres exquisitos - Acuerpamientos literarios" (Tropel Ediciones). La presentación contará con la presencia especial de Gilda Mussano, docente de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad del Salvador. Posteriormente habrá una performance de danza contemporánea, interpretada por Florencia de la Fuente, consistente en la ejecución de un ready-made que incorpora los relatos de este libro.

Finalmente, el domingo 8 a las 16 hs, el artista Fabián Burgos compartirá experiencias y prácticas dentro de su carrera artística, en el marco del ciclo "Diálogos", coordinado por Lucía Savloff, curadora de la exhibición actual de la colección del museo, “Vértigo. Geometría e Inestabilidad”.

La Fundacion “Argentina por Mas” para el Hospital Rivadavia eligió al escultor Manuel de Francesco y su obra "Salvador"


“Salvador” de Manuel de Francesco
La Fundación "Argentina por más" para el Hospital Rivadavia, que preside la doctora Diana Chugri, reconoce cada año a dos de sus máximos benefactores, en las categorías “Institución” y “Personalidad”.

En 2018 fueron distinguidos con este reconocimiento Palito Ortega y Evangelina Salazar en calidad de “Personalidad”, y como “Institución”, la Fundación AZUL, que preside Azul García Uriburu, quienes se destacaron por su apoyo incondicional durante el año.
 
"La propuesta es «reconocer» a nuestros benefactores a través una obra de arte", comentó la presidente de la Fundación. Es así como el reconocido escultor riojano Manuel De Francesco fue invitado a crear una obra que se identificara con la labor benéfica que desarrolla la institución.

“Salvador” es la propuesta del artista. Una escultura, de 30 cm de alto por 18 x 15, confeccionada en resina acrílica y madera, que sostiene una esfera victoriosa con los colores del escudo del Hospital Rivadavia.
Manuel De Francesco hará la entrega de las distinciones 2019, a los benefactores correspondientes, durante la próxima Gala Anual, que se realizará el miércoles 23 de octubre en el Hotel Alvear.
 
La Fundación "Argentina por más" realiza una labor benéfica exclusivamente para el Hospital Rivadavia, recaudando a través de distintas acciones promocionales. En el 2018 se inauguró la remodelación y renovación del área de consultorios externos “Peralta Ramos” de planta baja, este año se inauguró el área de consultorios externos de la planta alta, y actualmente se están organizando distintas acciones para lograr la recaudación que permita la remodelación y renovación del sector de maternidad.
 

Galería Rubbers Internacional presenta "Multiverso", pinturas y algunos dibujos de Jorge Pietra


Serie "Multiverso" - "La sanación" acrílico sobre tela, 2019
 
"Las pinturas y dibujos que expongo son obras del 2018 y 2019  sobre múltiples puntos de partida; de ahí el título genérico Multiverso (posibilidad desde la física de muchos o infinitos universos) trasladando ese concepto al mundo interno donde la infancia, la religión, los viajes, componen zonas en si mismos, esferas en el tiempo espacio recuperadas por la memoria y enriquecidas y modificadas por el imaginario pictórico. Color y línea son los que marcan el ritmo de las diferentes visiones. Mis pinturas y dibujos intentan captar y penetrar esos mundos que con autonomía se proyectan en un universo personal y tal vez colectivo". Jorge Pietra.

"El puente", acrílico sobre tela, 2018
 
Jorge Pietra nació en Buenos Aires -Argentina- en 1951, donde vive y trabaja. Cursó estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes, Manuel Belgrano. Viajó, para conocer diferentes culturas americanas, por Bolivia, Perú, recorrió el amazonas, Brasil y México. Vivió en Madrid y Paris. Trabajó en los talleres de escenografía del Teatro Colón durante 25 años. Formó parte de “Arte sin techo”, desde su comienzo en el 2002 al 2005, como director artístico, realizando con gente en situación de calle murales en la ciudad de Buenos Aires.
Entre sus premios obtenidos destacan el Gran Premio Adquisición de Dibujo del Salón Nacional Artes Visuales, Argentina;  Premio Konex Pintura, Quinquenio 2002-2006, Fundación Konex, Argentina; Primer Premio Pintura, Salón Nacional de Artes Visuales, Argentina; Segundo Premio de Dibujo, Salón Nacional de Artes Visuales, Argentina; entre otros.
 
Serie "La Guardia", mixta sobre papel, 2019
 
La muestra se puede visitar hasta el 14 de setiembre en galería Rubbers Internacional, Av. Alvear 1640, pb, Buenos Aires, Argentina.

28 de agosto de 2019

Llega la tercera edición del "Cordillera Festival Internacional de Cine Ecuatoriano"


"Cordillera Festival Internacional de Cine ecuatoriano" es un espacio de muestra, promoción, difusión y representación de lo mejor del cine ecuatoriano, argentino y sus culturas. Uno de los objetivos principales es la descentralización, símbolo del enlace entre los diferentes países de la región, se propone unir a las naciones andinas y traspasar sus fronteras mediante la circulación de sus producciones cinematográficas con contenido de calidad, técnica y realización. Es de carácter competitivo y su programación está compuesta en un 60% de producción audiovisual ecuatoriana y 40% de producción audiovisual argentina.

Su tercera edición se desarrollará entre el 4 y el 8 de septiembre en sedes de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y Gran Buenos Aires; y del 21 al 28 de septiembre en San Salvador de Jujuy, Posadas, Mendoza y Bahía Blanca. Todas las actividades y proyecciones que organiza son gratuitas. 

"Ukamau y ke" de Andrés Ramírez Ecuador/ Bolivia, 2018. 
Credito Fotografico: Francisco Jarrin
 
La organización de "Cordillera Festival Internacional de cine ecuatoriano" en Argentina presentará las siguientes secciones:
• Competencia Internacional de largometrajes ecuatorianos
• Competencia Internacional de largometrajes argentinos
• Competencia Internacional de cortometrajes y/o video musical ecuatorianos
• Competencia Internacional de cortometrajes y/o video musical argentinos
• Muestra fuera de competencia

La apertura es el miércoles 4 de septiembre, a las 19 hs. en El Cultural San Martín y se proyectará "La muerte del maestro" de José María Avilés (Ecuador).
Mientras que en la clausura, el domingo 8 de septiembre a las 19 hs., también en el Cultural San Martín, se proyectará "Ukamau y ke" de Andrés Ramírez (Ecuador, Bolivia).
 
"Infierno Grande" de Alberto Romero, Argentina, 2019 
 
Premios
 
• Premio Cordillera: El Jurado Oficial Internacional, integrador por Mauricio Cadena (Ecuador), Paula Parrini (Ecuador), Diego Carriqueo (Argentina), Irene Beatriz Franco (Argentina) y Daniel Saldarriaga (Colombia), otorgará el Premio a la Producción Ecuatoriana.
• Premio del Público: el público asistente a las salas emitirá su voto a la produccion argentina después de cada función.
• Premio Universidad del Cine: premiará a los ganadores de largometraje y cortometraje argentino.

Programación completa acá.

Vuelve BADA, Buenos Aires Directo de Artista, en La Rural


La 8ª edición de la feria de arte contemporáneo “directo de artista” se realiza del 29 de agosto al 1 de septiembre (inclusive) en La Rural Predio Ferial de Buenos Aires (Av. Sarmiento 2704 – C.A.B.A.). 
 
Zelmira Peralta Ramos. “Encuadre el papelón erótico”
 
BADA 2019 presenta miles de obras de 250 artistas consagrados y emergentes.  Se podrán disfrutar producciones de pintura, dibujo, escultura, textiles, fotografía, collage, instalaciones, arte digital, mosaiquismo, muralismo y street art.
El concepto de BADA de venta de arte directo de artista revolucionó la forma de acercarse al arte contemporáneo.  De hecho, BADA es la feria “directo de artista” más grande del mundo, un evento de alto impacto que propone al público una dinámica de contacto espontánea, fresca y descontracturada con los artistas.
 
Juan Pablo Fracchia. “Estelar”
BADA, constituye una plataforma de despegue muy destacada y con gran visibilidad para nuevos artistas. Contribuye al desarrollo de un ecosistema de players relacionados con el mundo del arte: artistas participantes, un público ansioso de conocer nuevas producciones, nuevas ideas artísticas; y también galeristas, marchands y buscadores de “talentos” que en esta feria descubren nuevos artistas con gran potencial.

En esta feria todos son bienvenidos: quienes entienden de arte y quienes no.  La gente que a veces no se anima a entrar a una galería o a ir a un remate porque “no sabe de arte o de movimientos artísticos o de técnicas”, en BADA se siente cómoda y empieza a relacionarse con el arte contemporáneo de una forma casual y amigable. Y para estimular la compra de obras de arte, los 250 artistas que participan deben contar, además de la obra en grandes formatos y variados precios, con por lo menos 10 obras en formato pequeño a precios accesibles; este año: $4000.
 
Raúl Blisniuk. “Homenaje a John Lennon”
 
Como ya es tradición, se presentarán espacios de jóvenes artistas que llegan a través de concursos impulsados por BA Joven (Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires) y otros tantos por UNA Visuales (Universidad Nacional de las Artes), una iniciativa de BADA para dar la oportunidad de darse a conocer a grandes nuevos talentos.

Desde 2012, esta feria de arte contemporáneo fue creciendo.  En la primera edición -que se hacía en Pilar- había 100 artistas…  Año a año fue progresando hasta transformarse en la feria más importante “directo de artista”. 
 
Sergio Piatigorsky. “El Chiringuito”
Y en su 8ª edición BADA presenta un par de novedades destacadas:  

• BADA México, del 6 al 9 de febrero de 2020.  Liderada por Ana Spinetto (creadora y curadora de la feria), BADA confirma su expansión regional comenzando por el norte de Latinoamérica. Ana es la artista plástica que a principios de los 2000 experimentó ese formato “directo de artista” en Estados Unidos y lo trajo a nuestro país; ahora, también lo lleva a México, comenzando un camino de regionalización muy prometedor. BADA es la primera feria de arte argentina que exporta su marca y concepto al mundo.

• BADA Shop en setiembre. Una plataforma de e-commerce especialmente pensada para los artistas.  Una “feria virtual”, también directo de artista, en la que los creadores podrán exhibir sus producciones y comercializarlas fácilmente durante todo el año. El mismo concepto de la feria tradicional, pero disponible los 365 días del año. (www.badashop.com.ar)
   
Paula Rivero
Para más información visitar:  
Instagram: @bada_oficial

Twitter: @bada_oficial

27 de agosto de 2019

Última visita para conocer dónde se emplazará la obra del Premio Azcuy

 

El lunes 2 de septiembre de 12 a 14 hs. se realizará el último encuentro en la torre Donna Terra (Av. Pedro Goyena 1760) para que los artistas inscriptos en el Premio organizado po la desarrolladora en alianza con el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires puedan conocer el espacio. El ganador recibirá $750.000 y la producción de la obra. 


A pocos días de finalizar el periodo de inscripción para la primera edición del Premio Azcuy, más de 650 artistas se registraron con el objetivo de llevarse el galardón que, además de propiciar la importante suma de dinero, exhibirá de forma permanente su obra en el hall del edificio Donna Terra. En este marco, es destacable que, del total de inscriptos, un tercio pertenezcan a plazas del interior del país. El premio tiene como objetivo explorar los vínculos posibles entre la arquitectura y las artes visuales, y distinguir, difundir y fomentar la producción artística nacional, estimulando la puesta en valor y sustentación del arte argentino.

“El Premio Azcuy, reconoce, difunde y fomenta la producción artística nacional, estimulando la puesta en valor y sustentación del arte argentino”, comentó Gerardo Azcuy, socio fundador y director general de Azcuy. “Estamos muy entusiasmados por los resultados de la convocatoria y esperamos que sea el primero de muchos certámenes que promuevan el desarrollo del arte, sea este consagrado o emergente”, agregó.

Los inscriptos tienen plazo hasta el 16 de septiembre para presentar sus anteproyectos inéditos en formato digital, tras lo cual, el 30 de septiembre un jurado de notables, entre los que se encuentran Victoria Noorthoorn, directora del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Javier Villa y Carla Barbero, curadores de dicho museo; La artista Mónica Girón, el artista Carlos Huffmann también director del departamento de arte de la Universidad Di Tella;y Mélanie Bouteloup, directora de Bétonsalon - Centre d’art et de recherche & Villa Vassilieff, París, Francia. seleccionará a cinco finalistas que recibirán financiamiento ($45.000) y asesoría técnica y curatorial para la planificación de los anteproyectos. 

Estos se presentarán ante el jurado a fines de noviembre, que seleccionará y anunciará al ganador. El proyecto premiado recibirá el financiamiento de la realización de la obra además de un premio de $750.000. La obra se ejecutará entre el 23 de noviembre de 2019 y marzo de 2020 y permanecerá en Donna Terra (Av. Pedro Goyena 1760), donde se convertirá en patrimonio de los propietarios de la torre.

Para más información sobre el Premio Azcuy ingresar en: https://premioazcuy.com/.

26 de agosto de 2019

Exposición de Carolina Antoniadis en el Museo Nacional del Grabado


Hasta el domingo 29 de septiembre se exhibe en el Museo Nacional del Grabado (Riobamba 985, 4º piso, CABA) "Carolina Antoniadis. La estampa en el campo expandido", exposición curada por Florencia Qualina que, a través de una muy variada serie de piezas de pintura, textiles, cerámica e instalaciones de sitio especifico, da cuenta del trabajo en serigrafía que la reconocida artista realiza desde la década del ochenta hasta la actualidad. 

Se podrá visitar de martes a domingos y feriados de 12 a 20, en Riobamba 985, cuarto piso, hasta el 29 de septiembre, con entrada libre y gratuita.


Un corpus de piezas enmarcadas de diversos períodos de la artista que recogen las relaciones entre dibujo, pintura y medios gráficos en su obra, paneles de vidrio intervenidos con imágenes realizadas con procedimientos serigráficos y extensas instalaciones empapeladas con motivos recurrentes en la iconografía de Antoniadis son algunos de los procedimientos estéticos a través de los cuales el Museo Nacional del Grabado, en su tercera muestra de 2019, tendrá el orgullo de exhibir y difundir la obra de una artista contemporánea que invita a incursionar en nuevos caminos, utilizando la estampa expandida hacia nuevos soportes y renovados materiales.


Carolina Antoniadis nació en Rosario, provincia de Santa Fe, en 1961. Reside y trabaja en Buenos Aires. Su amor y pasión por el arte son herencia de su abuelo, Demetrio Antoniadis, pintor y paisajista que se radicó en Rosario al emigrar de Grecia, que pronto integró el grupo de impresionistas del Litoral.
 
En 1984, se recibió de profesora superior de pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”. Durante el año 1987, fue integrante del Grupo de la X. De 1990 a 2001, trabajó en la cátedra de Skific Saltzman de la carrera de diseño de indumentaria y textil de la Universidad de Buenos Aires. Entre 1996 y 2003, fue profesora titular de la materia pintura de tercer año en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”.

Desde su primera exposición individual, en 1987, ha realizado decenas de muestras y ha participado en ferias y bienales internacionales, como la Bienal de Cuenca (Ecuador), en 1998, y la Bienal de Panamá, en 2013. También formó parte del workshop de la Fundación Progreso, auspiciado por la Fundación Rockefeller. Recibió la beca a la creación artística de la Fundación Antorchas en 1989 y 1999. Ese último año también ganó la beca del Fondo Nacional de las Artes. En 2016, obtuvo el Primer Premio de Dibujo en el Salón Nacional de Artes Visuales por su obra Trama humana y el Gran Premio Adquisición del Salón Nacional de Pintura por El sonido de la deriva. Ambos cuadros pertenecen a su última serie, Sonidos mentales (2017), y muchas de sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas, tanto en la Argentina como en el exterior.

24 de agosto de 2019

Tres únicas funciones de "La urdimbre y la trama" en El Sábato Espacio Cultural


Los sábados 24 y 31 de agosto y el 7 de setiembre se presenta en El Sábato Espacio Cultural de la Facultad de Ciencias Económicas de la UBA (J. E. Uriburu 763, CABA) "La urdimbre y la trama" (sobre el mito de Aracne), con dramaturgia y dirección de Mónica Maffía y la actuación de María Paula Compañy y música de Yago Salorio.

Aracné se ha criado en la zona de la Cordillera, ama el trabajo con la lana y sobre todo tejer. De chica, sus compañeros de la escuela le decían “Aracné” por los mitos europeos que les contaba la maestra. Cuando viaja a Grecia para ver los paisajes donde transcurrían esas historias, es víctima de un robo y queda varada en Atenas a la espera de un nuevo documento. Sobrevive con lo que mejor sabe hacer: tejer. Una inquietante presencia parece perseguirla hasta que se revela como la misma Atenea que desafía a la muchacha a tejer el más bello tapiz.  La temática del tapiz de la diosa ofende a Aracné que transformará su telar poético en un arma para denunciar abusos.  En "La Urdimbre y la Trama" el simbolismo sagrado del hilado y el tejer, se convierte en  alegato sobre abuso de poder, violencia física, psicológica, patrimonial, simbólica, mediática y de género.

La "Urdimbre y la trama" se estrenó en 2015 en Madrid, en 2016 realizó una gira por Chile y en 2018 se estrenó en Buenos Aires. Además integra el libro "MicroTeatro-Macro Experiencia" de Mónica Maffía publicado por Eudeba con ayuda de Fundiación SGAE y Proteatro en 2018. 

Reservas: elsabato@econ.uba.ar o al teléfono: 5285-6595.


23 de agosto de 2019

Gallery Days en el circuito Palermo y Villa Crespo


El sábado 24 de agosto llega la segunda edición de Gallery en el circuito Palermo y Villa Crespo y contará con la participación de:
· Galerías
· Talleres y open studios
· Espacios culturales
· Actividades especiales.
 
21 espacios abrirán sus puertas de 15 a 19 hs. para que puedas recorrerlos y vivir la experiencia del arte en la ciudad.
En los Checkpoints / Puntos de acreditación: Casa Rodolfo Walsh (Nicaragua 4441), Espacio Ftalo (Gorriti 3864) y Palermo H (Honduras 5929) se encontrarán las orientadoras de Gallery que ayudarán a los GalleryFriends a armar sus recorridos y brindando información. También podés descargar la App de Gallery desde www.gallery.com.ar y seguir el evento online.
  
El programa para esta edición incluye las siguientes actividades especiales:
Visitas guiadas #1, #2 y #3: Actividad sin inscripción previa. 
Visita guiada #1/ Experiencia open studio: sale 15 hs. desde Siete de Autor y pasa por: Bayle, C.C. Tekeyan, Lumbral, Taller Dartiguelongue. 
Visita guiada #2/ Sale 15 hs. desde Palermo H y pasa por: Milo Lockett, Blanco Ilusión, Taller Dartiguelongue, Soler Espacio de Arte. 
Visita guiada #3/ Sale 15 hs. desde Espacio Ftalo y pasa por: La Casa Walsh, Espacio Castro, ArtexArte, Adriana Budich, Espacio ArtePar. 
Visita guiada especial x Daniela de la Rez.

“El arte y el mercado, redes y experiencias”: sale 15 hs. desde Ruth Benzacar - Juan Ramírez de Velasco 1287. Inscripción previa a: eventosespeciales@artealdia.com.
Arte x Arte: 17 hs. visita guiada por el curador Fernando Farina por la exposición “Cadáveres exquisitos. Juan, Eva, Ernesto, América”. 
After Gallery: 19 hs. en Gachi Prieto Arte Contemporáneo (Uriarte 1373): activación performática de la exposición + DJ Set.

No pierdas esta edición para visitar los nuevos espacios que son parte del circuito: Blanco Ilusión (El Salvador 5078), Espacio Castro – Borchert (Araoz 1460) y Bayle Lugar de Arte (Gurruchaga 1327 dto 1).
Podés descargar el mapa de Gallery y chequear la información de todos los espacios participantes y sus exposiciones en el siguiente link: http://www.gallery.com.ar.

Fundación Santander Argentina inauguró su ciclo de exposiciones con la muestra “Intemperie” de la artista Gachi Hasper


Se trata de la primera muestra que se realiza en su sede ubicada en el Distrito de las Artes, en Av. Paseo Colón 1380, del barrio porteño de San Telmo. La exposición, curada por Roberto Amigo, puede visitarse de lunes a viernes, de 10 a 18 horas, hasta el 21 de febrero de 2020.

Gachi Hasper
Gachi Hasper, reconocida artista en nuestro país y el exterior, tiene una destacada trayectoria de intervenciones artísticas en espacios públicos y lugares no convencionales. Anteriormente, realizó instalaciones similares en el bajo autopista junto a la Usina del Arte, en la estación Catalinas del subte E y grandes murales en Miami y Puerto Madero. Sus obras exploran la geometría, el color y la fluidez de las formas en el espacio.

La exposición Intemperie, busca el estímulo visual a través de la interacción de objetos tridimensionales y la alteración cromática de los muros vidriados. La artista busca que el espectador participe de su obra, que forme parte, que pueda trasladarse y recorrerla en todos sus sentidos.
 
El curador de la muestra Roberto Amigó, la artista Gachi Hasper y el vicepresidente de la Fundación Santander Guillermo Tempesta
 
La Fundación Santander Argentina tiene como objetivo principal contribuir al desarrollo y difusión de la cultura y las artes en todas sus expresiones, para acercarlas a la comunidad y sus distintos públicos.  Está ubicada en la intersección de las avenidas Juan de Garay y Paseo Colón, y desarrollará  un programa de actividades multidisciplinarias con exposiciones, ciclos de cine, charlas, talleres y seminarios.

Desde su ubicación en el Distrito de las Artes desarrollará ciclos de exhibiciones de artistas contemporáneos argentinos, que estarán acompañadas de visitas guiadas, charlas y conferencias relacionadas con las muestras. También, se realizarán talleres y cursos de formación relacionados a esas distintas disciplinas artísticas.
 

Guillermo Tempesta, vicepresidente de la Fundación destacó que: “La Fundación cuenta con una importante sala de exhibiciones  de 1.500 metros cuadrados y un auditorio con capacidad para 300 personas, que va a poder disfrutar toda la comunidad, además de los clientes y empleados de Santander, porque tendrá muchas actividades abiertas al público. La idea es seguir convocando a los artistas argentinos y promover cursos de formación en distintas disciplinas culturales y artísticas. Nos proponemos buscar distintos caminos para acercarnos a la comunidad y aspiramos a que la Fundación sea un gran canal de relacionamiento y comunicación en temas culturales”.

La Fundación Santander Argentina tiene como principal objetivo hacer más accesible el arte contemporáneo al público, a través de la producción y promoción de obras artísticas especialmente diseñadas para este nuevo espacio. También, potenciando el aporte que hace el Banco Santander a la educación, la Fundación buscará posicionarse como lugar de formación en disciplinas artísticas. Se realizarán cursos para empleados y para el público en general que acerquen a los mismos al interés en las distintas disciplinas culturales. 

22 de agosto de 2019

El Museo Nacional de Bellas Artes presenta la muestra “Transición Buenos Aires-París (1955-1959)” como parte del homenaje nacional a Julio Le Parc


"Séquences de rotation", 1959-1991, acrílico sobre tela

El Museo Nacional de Bellas Artes exhibe en el pabellón de exposiciones temporarias un centenar de pinturas, dibujos, acuarelas y grabados, algunos de ellos nunca exhibidos, que ponen de relieve la obra temprana del gran artista argentino Julio Le Parc.

“La obra de Julio Le Parc concita desde siempre un feliz sobresalto”, afirma el director del MNBA, Andrés Duprat. “El museo acoge esta muestra homenaje al gran maestro argentino con la certeza de que sus creaciones, en las que se cifran buena parte de las escuelas plásticas en que inscribió su labor -abstracción, arte cinético, conceptualismo, op art-, permiten retomar el diálogo con la tradición universal desde un lenguaje fiel a sí mismo que captura los dilemas de cada época con la potencia interpelante de toda novedad radical”.

"segmentos de círculos", 1958, tinta y acuarela sobre cartón
La muestra, que puede visitarse hasta el 17 de noviembre, se inscribe en el homenaje nacional que celebra la trayectoria del artista a sus 90 años, bajo la dirección artística de Yamil Le Parc.

Curada por la directora artística del Bellas Artes, Mariana Marchesi, la exhibición abarca un período fechado entre las décadas de 1950-1960, desde sus épocas de estudiante en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires hasta sus primeros años en París, donde fundó el Grupo de Investigación de Arte Visual (GRAV) y realizó sus experiencias iniciales con la abstracción geométrica.
 

Tres óleos realizados entre 1954 y 1955
 
El primer núcleo de la muestra, “Los años de formación y la tradición de la enseñanza”, reúne una selección de dibujos y pinturas realizados por el artista en su etapa de alumno de la Escuela de Bellas Artes, una institución dominada por el peso de la tradición de la enseñanza artística. 
“La revuelta de los estudiantes y la experimentación de las formas”, el segundo núcleo, se concentra en el período 1956-1958, los últimos años de Le Parc en Buenos Aires, cuando lideró la agrupación que se rebeló contra los métodos establecidos para el aprendizaje del arte. En este contexto, se conformó un grupo en torno al taller de grabado de la Escuela, donde el artista realizó una serie de monocopias, por medio de las que inició sus exploraciones con las formas y el color sobre el papel. 

En tanto, “París 1959: el ojo y la superficie activa” se sumerge en los primeros meses de Le Parc en la capital francesa, donde produjo cerca de 150 acuarelas y dibujos con tinta que permiten observar el vuelco hacia la abstracción. En estas piezas -explica Marchesi- "se advierten los intereses que llevarían al artista a investigar conceptos como el movimiento o la serialidad, y su incidencia en los mecanismos de la percepción visual". 

“Inestabilidad. Proposición arquitectural”
Con obras provenientes en su mayoría del Atelier Le Parc, la exposición se completa con un grupo de pinturas de colecciones particulares y la instalación lumínica “Inestabilidad. Proposición arquitectural”, una pieza clave de la producción del artista, que forma parte del acervo del MNBA y que integró la primera muestra de Le Parc en el Museo Nacional de Bellas Artes, en 1964.

"La relación de Julio Le Parc con el Museo Nacional de Bellas Artes lleva cincuenta y cinco años de historia. Las mismas salas, pero en 1964, albergaron la muestra La inestabilidad, que introdujo al público argentino una propuesta que, por primera vez, ponía al espectador en un lugar protagónico", afirma la curadora. "Con el despuntar del siglo XXI, casi cuarenta y cinco años después, Le Parc ofreció en el Bellas Artes una de sus mayores retrospectivas, Dialogando con la luz, donde desplegó la monumentalidad de sus obras emblemáticas. Hoy, el museo elige detenerse en una etapa menos explorada de la producción del artista", agrega Marchesi.
 

"Colonne lumineuse - 1/9. Prototype 9", 1960. Luz, madera y plástico
También podrán verse un conjunto de cajas de luz históricas y material audiovisual, en el que Le Parc explica tanto los mecanismos de funcionamiento de estas creaciones como las inquietudes que lo guiaron a plantear el movimiento real en las obras. Y en el hall central del Museo, recibirá a los visitantes un móvil de 1600 piezas que el artista eligió para exhibir en este espacio destacado, como complemento de la muestra.
Acompañará la exposición un catálogo bilingüe español-inglés, editado por el Museo, que reúne el cuerpo de obra exhibido e incluye textos de Julio Le Parc, Andrés Duprat, Mariana Marchesi, una cronología de los años abarcados por la muestra, y un ensayo exhaustivo de la investigadora Silvia Dolinko que analiza el rol de las técnicas gráficas en los años de estudiante de Le Parc y en el modo en que le abrió camino hacia sus futuras propuestas de renovación.

Se presentará, además, el libro “Julio Le Parc. Sé artista y cállate! Textos 1959-2017”, ideado por el creador mendocino y editado en español por el Museo Nacional de Bellas Artes. Originalmente publicado en francés, el volumen compila escritos políticos, manifiestos artísticos y notas de trabajo redactados a lo largo de su carrera, que permiten conocer de primera mano el pensamiento de Le Parc.

Der: "Sequences Quantitatives", 1959-1991, acrílico sobre tela. Izq: "Double progression", 1959-1991, acrílico sobre tela

Por otra parte, el viernes 23 de agosto a las 18 hs, se realizará un diálogo con Le Parc en el pabellón de exposiciones temporarias, abierto al público, del que participarán Andrés Duprat, Mariana Marchesi y la periodista especializada en arte Marina Oybin como moderadora. La entrada será gratuita, sin inscripción, hasta colmar la capacidad de la sala.

En tanto, desde el 23 de agosto, todos los viernes se podrá visitar hasta las 22 horas la muestra de Le Parc en el MNBA, con entrada gratuita desde las 18,45 hs. El viernes 23 a las 21 hs. se dará la bienvenida al público con una visita guiada por la exhibición.

El museo, que depende de la Secretaría de Cultura de la Nación y cuenta con el apoyo de la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes, puede visitarse de martes a viernes, de 11 a 20 hs. y los sábados y domingos de 10 a 20 hs. (lunes: cerrado), en Av. del Libertador 1473, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
 

Der: "Serie 28 nº 1-1 8-8", 1960, gouache sobre cartón. Izq: "Ordenación doce colores", 1959, gouache sobre cartón 
 
El ingreso general al museo para los residentes en el país es gratuito, mientras que la entrada al pabellón de exposiciones temporarias, donde se exhibirá “Julio Le Parc. Transición Buenos Aires-París (1955-1959)”, tiene un costo de $100 (cien pesos). Quedan exceptuados de este pago los menores de 12 años, las personas con discapacidad, los jubilados y docentes con acreditación, y los grupos de estudiantes. Los no residentes en la Argentina, en tanto, abonan $200 (doscientos pesos) para ingresar al museo, valor que incluye la visita al Pabellón de exposiciones temporarias. Los martes de 11 a 20 hs. y todos los días de 18.45 a 20 hs. la entrada es gratuita. La entrada abonada para visitar la muestra de Le Parc en el MNBA permite, además, recorrer la actual exposición del artista en el CCK, y viceversa: con el ticket del CCK, podrá ingresarse gratis al museo.

Julio Le Parc (foto gentileza MNBA)
Julio Le Parc nació en Mendoza, en 1928. Considerado uno de los grandes representantes del arte cinético y contemporáneo, desde siempre investiga el movimiento y el rol del espectador en el arte.

A la edad de 15 años, ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”, que abandonaría en 1947. Se interesó por los movimientos de vanguardia que por entonces se perfilaban en Buenos Aires, como el arte concreto y el espacialismo de Lucio Fontana.
 

"Salut J 1 (signos)", 1957, monocopia
En 1954, ingresó en la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova”, donde se involucró con los movimientos estudiantiles. Cuatro años después, obtuvo una beca del gobierno francés para estudiar en París. En 1960, fundó el Centre de Recherche d’Art Visuel (CRAV, luego denominado Groupe de Recherche d’Art Visuel, GRAV). El manifiesto del grupo, "Propositions sur le mouvement" (1961), da cuenta de sus principales preocupaciones y búsquedas: sus obras consistían en experiencias visuales centradas en el movimiento real, los reflejos de luz y la vibración. 

Para la Bienal de París de 1963, Le Parc propuso laberintos, recorridos y juegos con espejos para que el espectador participara activamente. Paralelamente, creó el movimiento internacional Nouvelle Tendance. El GRAV se disolvió hacia 1968, año en que Le Parc fue obligado a dejar el país por la revuelta del Mayo Francés. Desde 1974, realizó las denominadas “Modulaciones”, pinturas que eran el resultado de sus investigaciones dentro del arte óptico y cinético.
 

Tres obras de 1960, gouache sobre cartón y la del medio tinta y acuarela sobre cartón
 
La primera retrospectiva de su obra se realizó en Buenos Aires, en el Instituto Di Tella (1967). Entre sus exhibiciones más importantes, también se cuentan “Le Parc & Le Parc” (Palais de Glace, Buenos Aires, 1988), “Julio Le Parc-Retrospectivamente” (galería Nara Roesler, San Pablo, Brasil, 2001) y la retrospectiva llevada a cabo en el Museo Nacional de Bellas Artes (2000).

Ha exhibido individualmente en diversas instituciones y museos del mundo, tales como el Metropolitan Museum of Art en Nueva York, el Palais de Tokyo en París, el Pérez Art Museum Miami (PAMM) en Miami y el Museo de Arte Latinoamericano (Malba) en Buenos Aires. Participó de numerosas bienales, como las de San Pablo (1957), París (1963 y 1965) y Venecia (1964, 1966 -cuando obtuvo el Gran Premio de Pintura internacional- y 1986).

Actualmente, vive y trabaja en París.
   

21 de agosto de 2019

Dos importantes muestras forma parte de MIRÁ Festival de Arte: “Homenaje a John Lennon” de Raúl Blisniuk y la muestra de pinturas de Prudencio Hernández


El miércoles 21 de agosto a las 19 hs. en el marco de MIRÁ Festival de Arte, se inauguran en el Centro Cultural Borges dos importantes muestras: “Homenaje a John Lennon” de Raúl Blisniuk y la muestra de pinturas de Prudencio Hernández.
 
“Homenaje a John Lennon” de Raúl Blisniuk
 
En el “Homenaje a John Lennon”, Raúl Blisniuk presenta las producciones visuales de la última etapa de su trabajo en honor al líder de la banda de Liverpool y referente indiscutido de una nueva forma de hacer arte a través de la música, de una nueva filosofía de vida centrada en la paz y el amor fraterno para toda la humanidad.  Así es como se podrá apreciar el rostro de John Lennon plasmado en diversos soportes, intervenido con elementos extraídos de famosos cuadros de artistas consagrados de todos los tiempos como “Las Meninas” de Diego Velázquez, “Guernica” de Pablo Picasso, trazos que remiten a la obra de Jackson Pollock así como referencias de tantos otros grandes de las artes visuales de todos los tiempos.
 
Raul Blisniuk en su taller
 
“Amo a Los Beatles, su creatividad, su fuerza para irrumpir en la segunda mitad del siglo XX con nuevas melodías, nuevas combinaciones de sonidos” -afirma Raúl Blisniuk-. “Innovadores absolutos no solo a nivel musical sino también en lo referente a una nueva estética en el mercado musical.  Concibieron “el mito” a través de una estrategia cuidada, pensada también en la forma de presentarse, en la estética y el estilismo que los caracterizó en cada momento, que fue transformándose a través del tiempo.  Y hoy, inspiran mi obra”.
 
“Homenaje a John Lennon” de Raúl Blisniuk
 
Orgulloso de su amor por The Beatles, en 1996, en el Palais de Glace presentó la primera gran muestra de objetos de colección de la banda en nuestro país, junto con obra de grandes artistas contemporáneos en tributo a estos cuatro grandes. 
Luego, en 2002 llevó parte de sus objetos de colección a La Rural: cientos de discos y fotografías, cuadros de artistas consagrados referidos a la banda, historietas, escenografías de tamaño real, autógrafos, tapas de diarios y afiches de sus presentaciones, cartas manuscritas de los artistas, premios, entre otros valiosos objetos del patrimonio de Blisniuk.
 
El público podrá revivir la magia -eterna- de la banda en este “Homenaje a John Lennon”, con obras actuales del artista, y muchos de los objetos exhibidos en las muestras anteriores: fotografías, cartas, documentos escritos y publicaciones de la época de apogeo de The Beatles, que forman parte de su vasta colección.
 
"Espiral ciudadano" de Prudencio Hernández 
 
La muestra de pinturas de Prudencio Hernández, curada por Julio Sapolnik, está integrada por una serie de pinturas que retratan edificios urbanos, cuyas siluetas apenas se divisan entre la bruma colorida. “Las sucesivas trasparencias permiten penetrar la tela y destacar la imagen -describe el curador-. No hay nada de ingenuo en la resolución plástica que propone, todo está pensado y se forja trabajando la pintura. Pero si, hay una inocencia que está presente y sobrevuela el sentido de la composición. Prudencio transita un mundo donde sobrevive el más fuerte y sin embargo en sus pinturas no existe la cólera. Una y otra vez se adentra en una creación donde personajes solitarios anhelan comunicarse”.
 
Obra de Prudencio Hernández

Prudencio Hernández es un destacado artista que ha recibido numerosas distinciones, como los premios Fundación Givré y Fundación Arché, Premio Nacional de Pintura Naif, Premio de Pintura Naif de la Asociación Latinoamericana de Artistas Plásticos y Primer Premio de Artistas en pequeño formato.
Además de dedicarse a la pintura desde su juventud, el artista es uno de los grandes referentes de los carruajes en nuestro país y posee una única e importante colección de carruajes históricos.

MIRÁ no es una feria ni una exposición. MIRÁ es un Festival de Arte, con todo lo que la palabra Festival significa. Organizado por el programa “Cultura al Día” que conducen Patricia Altmark y Julio Sapollnik, se trata de un encuentro directo entre los artistas y el público que deseen adquirir sus obras. MIRÁ no tiene paneles ni stands que interrumpan la mirada del espectador. Abarca todas las disciplinas: pintura, dibujo, grabado, esculturas, fotografías, textil, instalaciones y objetos.

Se puede visitar del 22 al 25 de agosto, de 12 a 20 hs. con entrada libre y gratuita en el Centro Cultural Borges, Viamonte 525, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.