21 de noviembre de 2017

Gaby Herbstein presenta "La Diablada" en el Centro Cultural Kirchner


El Centro Cultural Néstor Kirchner (CCK) exhibe "La Diablada, una monumental muestra de Gaby Herbstein que retrata la tradición y cultura popular andina durante el festejo de carnaval.

La exposición es el resultado de un largo proceso de selección, reflexión y elaboración a partir de las vivencias e imágenes obtenidas durante una secuencia de viajes que la artista realizó a Jujuy. Ahora, cincuenta y seis obras de gran formato impresas sobre papel Fine Art, permanecen suspendidas en la plaza central del CCK, intentando recuperar algo de aquel espíritu ancestral de La Diablada.
La esencia jujeña, los colores de la quebrada de Humahuaca, la minuciosa y creativa confección de los trajes que encarnan al Diablo y la alegría de la comunidad por la llegada del rito, se funden en esta muestra.


Según la cosmovisión andina la Naturaleza, el Hombre y la Pachamama (Madre Tierra) viven en perpetua relación. Esa totalidad es, para la cultura andina, un solo ser vivo.
El Hombre es un alma y tiene una fuerza vital que está presente en las plantas, los animales, las montañas y en todas las corrientes de vida. Siendo que el hombre es la naturaleza misma no la domina ni pretende dominarla. Solo convive y existe como un momento en ella.
La diablada no es una comparsa, es mucho más que eso.

Sus objetivos tienen que ver con mantener viva la tradición que se realiza desde hace varias generaciones en la localidad quebradeña y con rescatar todo lo que hace a la cultura del disfraz del diablito. 
Los disfraces se inspiran en la iconografía andina y en lo que nos contaban nuestros abuelos sobre el personaje mítico del diablo. Gatos, lobos, la serpiente, así como las visiones, sueños e historias pasadas y presentes, todo en lo andino, tiene un significado místico. 
Todo se mezcla en las diabladas, todo vale a la hora de crear el traje que que cada uno de los diablos va a lucir durante los ocho días y nueve noches en los que transcurre el carnaval. 

Diablo no es un disfraz, es un sentimiento. 
Ser diablo es un portal para desprenderse de los aspectos negativos que se reprimieron durante todo el año. 
Ser parte de La Diablada es algo que se hereda de generación en generación, lo mismo que el sentido profundo de ser uno con el traje. Cada año el traje se renueva, así como también se renueva la promesa a la Pachamama y el agradecimiento por los tesoros recibidos.
El diablo invierte hasta sus últimos ahorros para la confección de su traje, así como también se brinda él mismo. Horas y horas cosiendo en soledad dando vida a lo que será el personaje que lo liberará, por un tiempo, de preocupaciones y le brindará la oportunidad de ser felíz y hacer felices a los otros. 
La revalorización de las culturas originarias y la reafirmación étnica, tal como se manifiestan actualmente entre los pueblos andinos, son una consecuencia de la toma de conciencia de miles de hombres y mujeres, que redescubrieron los tesoros que nos dejaron nuestros ancestros.

Gaby Herbstein nació en Buenos Aires, Argentina en 1969. Fotógrafa y artista visual que con 23 años de experiencia en el rubro, ha participado de numerosas exhibiciones individuales y colectivas en diversos países como México, Brasil, Chile, Perú, Estados Unidos, Rusia, China y Japón. Obtuvo grandes reconocimientos como: el Premio Clover, otorgado por Swarovski; Premio de la Fundación Huésped (por contribuir a la toma de conciencia sobre la prevención de la propagación del virus HIV), Medalla de Plata en la categoría Libros Fine Art, en los premios Prix de la Photograhie Paris 2015; premio de Latin American Photography and Illustration (2016), También ganó el premio de Latin American Photography and Illustration (2017) por el proyecto La Diabada, entre otros.
  
Con innovadora puesta y música original de Gaby Goldman, la exposición es gratuita y no se requiere reserva de entradas. Se puede visitar hasta el 10 de marzo de 2018, de miércoles a domingo y feriados de 13 a 20 hs. en la plaza central del CCK, Sarmiento 151, Buenos Aires, Argentina.  

20 de noviembre de 2017

El MUNTREF presenta "Naturaleza viva" en el marco de la BIENALSUR



El MUNTREF Museo de Artes Visuales -sede Caseros- vuelve a ser escenario de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur (BIENALSUR), esta vez con "Naturaleza viva", una exposición de artes electrónicas en la cual la relación entre dispositivos y entornos naturales pone en escena diversos problemas relacionados con el medio ambiente, el cambio climático y la extinción de la biodiversidad, que podrá verse a hasta fines de diciembre de 2017, en Valentín Gómez 4838, Tres de Febrero, provincia de Buenos Aires, Argentina.

El martes 7 de noviembre, Anne Wagner (USA) dialogó con Diana Wechsler sobre curadurías en la Bienalsur, en el Rectorado de UNTREF Sede Juncal. A continuación, el artista Eduardo Kac (BRA) dio una masterclass sobre las relaciones entre el arte, la biología, la biotecnología, la telepresencia y la robótica. Kac explora en sus obras la fluidez de la posición del sujeto en el mundo postdigital, cuestionando la evolución, la memoria y hasta la condición de la creación.

La muestra, curada por Mariela Yeregui y Nara Cristina Santos, es una iniciativa de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) y la Universidad Federal de Santa María (UFSM) y reúne trabajos de artistas desde perspectivas y recortes diferentes.
En la dinámica de vidas artificiales, los seres sintéticos también asumen comportamientos que emulan a los de naturaleza, recuperan sus materialidades o, simple y rotundamente, ponen en crisis miradas celebratorias de la tecnología. 

Los trabajos en esta muestra adoptan formas distintivas, privilegiando la propia autonomía de las partes en el marco de un todo integrado, donde cada una de las entidades es de naturaleza diversa pero en relación de paridad (hombres, plantas, dispositivos, etc.). Sobre todo, delinean otros puntos de vista en relación al contexto, superando la exterioridad de la mirada humanocéntrica para plantear un "estar-siendo" en términos de Rodolfo Kusch: un estar situado en la indeterminación, una humanidad dinámica en un acontecer empírico y particular.

Los artistas que forman parte de la exposición son los argentinos Ana Laura Cantera; Grupo Robótica Mestiza compuesto por Juan Ford, Laura Nieves, Leandro Nuñez, Mariela Yeregui, Miguel Grassi y Paula Guersenzvaig; Paula Gaetano y Gustavo Crembil; los brasileños Fernando Codevilla y Leonardo Arzeno, Raul Dotto y Walesca Timmen, Yara Guasque, Eduardo Kac, Guto Nóbrega y el Grupo NANO, Gilberto Prado y el Grupo Poéticas Digitais, Rebeca Stumm y las mexicanas Gabriela Munguía y Guadalupe Chávez del Colectivo Electrobiota.

17 de noviembre de 2017

El Museo Lucy Mattos presenta las exposiciones de pinturas de Linda Peretz y esculturas de Raquel Chomer


Desde el domingo 12 y hasta el miércoles 29 de noviembre, se presentan "Lo bello y lo siniestro" con obras de la reconocida artista plástica y actriz Linda Peretz y “Dialogando con la vida” que reúne esculturas de la aclamada artista Raquel Chomer en el Museo Lucy Mattos, Av del Libertador 17.426, Beccar (San Isidro). 

Linda Peretz. Familia en agronomía, óleo sobre tela
 
A través de sus obras, Peretz nos invita a recorrer obras icónicas de la historia de los artes universales pero abordadas desde una mirada novedosa, colorida, misteriosa.
Por su lado, Chomer nos acerca con sus esculturas al mundo de la tridimensión, con figuras que nos muestran un exquisito trabajo de cóncavos y convexos, inspirada en vivencias propias que han marcado su existencia. En palabras de la artista: “Siento que las imágenes que se van desarrollando a través de los años son como un pensamiento visual con formas sensibles y frágiles que se presentan de manera ágil. Siento que hago lo mismo una y otra vez aunque el disparador sea otro. Siento que todo lo que veo se transforma y se vuelve a formar.”

Pinturas de Linda Peretz
 
Linda Peretz es actriz  y artista plástica. Actualmente es presidente de la Casa del Teatro. Egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes “Manuel Belgrano”. Egresada del Conservatorio Nacional de Arte Escénico. Fue alumna de Héctor Theulé en pintura y actualmente estudia con Silvina Benguria. Fue alumna del profesor Arriguti en escultura. Luego de algunos años de trabajar como actriz, vuelve a la pintura de la mano de Marino Santamaría, con quien estudió pintura y el arte del mural. Participó con el grupo “Arlequín” en varias muestras. Realizó el mural de 23x9 metros en el Centro Cultural “Entrecasa” y el mural de la fachada del “Multiteatro” de la calle Corrientes de la ciudad de Buenos Aires. Fue componente, así mismo, del grupo “Fusión” en varias muestras. En el año 2002 hizo su primera muestra individual titulada “Homenaje a los grandes”. Ha participado en dos muestras consecutivas en el Hotel Sheraton Libertador.

Raquel Chomer. En la palma de mi mano, aluminio y resina poliéster
Raquel Chomer es argentina y se dedica al arte plástico desde 1975. Se especializa en esculturas de diversos materiales como la arcilla, los metales y el acrílico. Algunas de las exposiciones donde estuvo presente son: 2015: Homenaje a Páez Vilaró, Hotel Conrrad de Punta del Este, Uruguay; 2013: Art Basel, Miami, EEUU; 1996: Republic Bank of New York, New York, EEUU. Entre los premios que recibió se encuentran: Primer Premio (Mujer) en 2011, Loft Espacio Alfa; Primer Premio (Mano con Corbata), Salón Cerámico en 2001; Primer Premio, Quinto Salón de Arte en Cerámica Encuentr'Arte en 1999.

Gabriel Salvatore. Auto convertido en sillones
 
Además, se presenta un nuevo Selfie Point, con las intervenciones creativas de autos clásicos del artista Gabriel Salvatore.
Amante de la decoración y el reciclaje, Gabriel se convirtió en un experto en recolectar "chatarra” de autos y convertirla en muebles. Hoy, atrae la atención de vecinos y fans que ven sus creaciones por Internet, con sus originales sillones hechos a partir de autos antiguos abandonados. 


Esculturas de Raquel Chomer
 
El horario del museo es de miércoles a sábados de 11 a 19.30 hs y domingos de 10 a 18.30 hs. 
El valor general de la entrada es $120. Los días miércoles: $60. Jubilados, estudiantes y docentes con acreditación: $60.
Para más información, comunicarse a los telefonos: 4732-2585, 4747-1942, o al mail:
info@museolucymattos.com,
o en la web: www.museolucymattos.com o a través de facebook: www.facebook.com/museolucymattos.5

16 de noviembre de 2017

FASE 9 fusiona las vanguardias del arte, la ciencia y la tecnología


El viernes 17 de noviembre a las 18 horas, se inaugura en el Centro Cultural de la Ciencia la novena edición de FASE, encuentro que cruza los campos del arte, la ciencia y la tecnología, del cual participan artistas de Argentina, México, Uruguay y Colombia. Además, se desarrolla en cinco sedes, presenta un nuevo formato y nuevos y originales contenidos.  
Bajo el título “Intervenciones y Recorridos”, la novena edición de este festival propone obras de gran originalidad como el contador del fin del mundo y la máquina de producir eclipses.

“El Fin del Sol”, de Alejandro Borsani
 
La primera, “El Fin del Sol”, de Alejandro Borsani apela un cálculo de la ciencia contemporánea según el cual dentro de 14.4 billones de años el sol consumirá todo su combustible y se volverá invisible para el ojo humano. La instalación consiste en un contador digital que se transforma en una cuenta regresiva de 454.118.400.000.000.000 de segundos (la cantidad de segundos en 14.4 billones de años). Utiliza energía solar para alimentar una pantalla de bajo consumo y un micro-controlador encargados de la cuenta regresiva.

Máquina de eclipses”, de Santiago Carlomagno
 
Por su parte, Máquina de eclipses”, de Santiago Carlomagno, es una instalación interactiva que simula un eclipse en tiempo real. Mediante proceso de programación y sensor de movimiento, la obra propone una simulación del fenómeno en la que el propio visitante  producirá un eclipse, moviendo la luna remotamente gracias a un sensor de movimiento (leap motion) que rastreará los desplazamientos de su mano replicándolos en el eclipse que se verá proyectado sobre el muro. 

"Poesía visual" de Alejandro Thorton

FASE 9 presentará un nuevo formato de exhibición y nuevos contenidos coln el objetivo de reflexionar sobre experiencias, acciones e intervenciones artísticas que experimentan modos posibles de producción y exhibición, a partir del trabajo colaborativo y comunitario, el intercambios de disciplinas y el desarrollo de procesos de investigación y creación.
Se instalará en 5 sedes de la ciudad: Centro Cultural Recoleta (CCR), Centro Cultural de la Ciencia (C3), Casa Nacional del Bicentenario (CNB), Centro Cultural Ricardo Rojas y Centro Cultural General San Martín (CCGSM), en diferentes fechas y horarios.
Además, se suman el primer Ciclo de Encuentros de Arte y Tecnología, con invitados internacionales, la Residencia FASE y los match, encuentros de diálogos entre artistas y científicos. 

"TBF_Project The Black Future | Set audiovisual" de Nicolás Vazuez, Amadeo Azar y Mariano Benavente. Conocé este set el 23 noviembre, 17:30 y 19:30 hs. en el CASo de la Casa Nacional del Bicentenario
 
Camino a los diez años, FASE se consolida cada vez más como una plataforma de referencia en el campo del arte, la ciencia y la tecnología, que promueve, estimula y difunde el trabajo de artistas, estudiantes e investigadores.
Se desarrollarán exposiciones y actividades específicas en diferentes soportes artísticos, como arte sonoro, audiovisual, bioarte, performances y sets audiovisuales. Y propuestas tan originales como un Taller de Robótica para Arte Sonoro, abierto para todo el público y un taller de cuerpo, sonido y tecnología dirigido a bailarines, actores, performers y artistas en general.
Además, se llevarán adelante un programa de extensión educativa, charlas, talleres, debates y se presentarán proyectos seleccionados, como performances, set e intervenciones efímeras.

Mas información en: http://www.encuentrofase.com.ar/.

Gallery Days Distrito de las Artes: los barrios de San Telmo, La Boca y Barracas abren sus puertas a los amantes del arte


El 18 de noviembre entre las 15 y las 20 hs, 31 espacios de arte del Distrito de las Artes (nucleado en torno a los barrios de San Telmo, La Boca y Barracas) abren sus puertas y ofrecen actividades exclusivas para los GalleryFriends. El evento es libre y gratuito y lo organiza Arte al Día desde hace 17 años.
 
El Sur de la Ciudad crece con fuerza y se está convirtiendo en uno de los polos de arte más heterogéneos y versátiles de Buenos Aires. Grandes galpones, fábricas abandonadas y las tradicionales casas chorizo se transforman en galerías, centros culturales y residencias para artistas internacionales. Gallery propone descubrir y conocer antes que nadie este fantástico nuevo mundo del arte a través de recorridos urbanos guiados por especialistas, actividades exclusivas, acciones performáticas y aperturas exclusivas de talleres de artistas. El ingreso a todos los espacios que integran el circuito (museos incluidos) es libre y gratuito.

El circuito incluye 31 espacios de arte (galerías, museos, estudios de artistas y espacios
institucionales) que se agrupan en torno a 3 zonas: San Telmo, Usina y La Boca.
En la zona San Telmo, pueden visitarse: el Anticuario Gabriel del Campo (Av. Caseros 461),  las dos tiendas de Candido Silva | Arte Colonial Sudamericano y Artesanías Sudamericanas (Defensa 1066 Locales 13 a 20), Dottore Malatesta (Chacabuco 917), El más acá Club Cultural (Av. Caseros 514), Fundación El Mirador (Av. Brasil 301),  la Galería Buenos Aires Sur (Bolívar 1268) Granada Tienda (Av. San Juan 411), Marcelo Toledo Art Gallery (Humberto Primo 462) y Telmho Boutique Hotel (ubicado en Defensa 1086).
En zona Usina, el punto de encuentro es la Usina del Arte (Agustín R. Caffarena 1) donde pueden visitarse la exposición La Forma de La Boca, con curaduría de Florencia Malbrán (Sala Laberinto), la Usina de Películas Amateurs de Michel Gondry (Salón Mayor/ Espacio Creativo) y Bjork Digital (Bajo Autopista Dique 0). 

Los espacios que integran el circuito son: Barro Arte Contemporáneo (Caboto 531) que además será la galería afitriona del After Gallery auspiciado por Stella Artois y el sello discográfico Otras Formas con la presentación en vivo de Centolla Society a las 20 hs., Caffarena 86: espacio de arte (Agustín R. Caffarena 86),  el Centro Munar (Av. Don Pedro de Mendoza 1555), el Paseo de las Artes (Av. Don Pedro de Mendoza 650), Quadro Galería (Agustín R. Caffarena 199) y Walden (Av. Almirante Brown 808).
En la zona La Boca podrán visitarse: la colección de Fundación Andreani (Av. Regimiento de Patricios 1052 5º oficina 509), Galería Popa (General A. de Lamadrid 882), Isla Flotante (Av. Don Pedro de Mendoza 1561) y 488 Gallery (Benito Quinquela Martín 783). 

Entre los museos que podrán visitarse gratis presentando el pin GalleryFriend, se encuentran el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Av. San Juan 350), que presenta las exposiciones Sin título de Elba Bairon, Joven profesional multipropósito de Sergio Avello; Cómo atrapar el universo en una telaraña de Tomás Saraceno y Episodios Colección Pirovano III: “El camino de la abstracción. Diálogos sobre arte moderno entre Ignacio Pirovano y Tomás Maldonado”; además, a las 15 hs. ofrece una visita guiada por las exposiciones vigentes a cargo del Departamento de Educación del Moderno. También puede visitarse el MACBA - Fundación Rubino (Av. San Juan 328) que presenta la exposición Sutilezas de la línea de Eduardo Mac Entyre, destacado artista geométrico argentino. El Museo de Bellas Artes Quinquela Martín (Av. Don Pedro de Mendoza 1835) exhibe la muestra antológica de Alfredo Lázzari: Todo lugar es también un camino y ofrece dos actividades gratuitas imperdibles: a las 15 hs. la visita especial a la exposición para redescubrir un clásico desde los ojos contemporáneos (duración: 45 minutos) y a las 16 hs. La Boca, un Museo a cielo abierto, visita guiada por el barrio que transformó Benito Quinquela Martín (duración: 45 minutos). Fundación Proa (Av. Don Pedro de Mendoza 1929), por su parte, ofrece la instalación Forever Bicycles de Ai Weiwei en explanada de la Fundación, en el marco de la exposición que inaugura el 25 de noviembre.
 
En esta edición podrán visitarse en exclusiva varios talleres de artistas, lo que permite conocer sus universos privados de creación y conversar con ellos. Los estudios abiertos son: La Verdi (Av. Almirante Brown 726) abre los estudios de Magdalena Petroni, Ariel Montagnoli, Andrés Pasinovich, Ramiro Quesada Pons, Gabriel Chaile y Ernesto Baca; Casa Zur (Av. Brasil 675) con los talleres de José Luis Landet y Lucila Gradin; el estudio Claudia Aranovich (Chacabuco 1444); el estudio taller Creación (Av. Juan de Garay 461), con obras de Natalia Abot Glenz; y Las Meninas galería-taller (Defensa 1066 Local 22), con muestras de Ricardo Curchi, Mario Gallo y Natalia Juarez.
Otra de las actividades especiales de la tarde será el circuito de activaciones performáticas exclusivas, realizadas en el marco de la Maratón de Performance en el Gallery y curada por sus creadoras Dominique Melhem y Bárbara Alonso. Se realizarán activaciones a las 16:30 en Casa Zur, a las 17: 30 en El más acá Club Cultural y a las 18:30 en Colección Fundación Andreani.
 
Entre las novedades del ciclo 2017, se encuentran la asociación con Meridiano, la cámara argentina de galerías de arte contemporáneo, con el objetivo de unir fuerzas para continuar potenciando y fortaleciendo la escena contemporánea del arte porteño; y la alianza con el sello discográfico Otras Formas, que edita discos de artistas plásticos que también hacen música.

Más información en: http://gallery.com.ar/.

Fiat invita a la muestra de Alejandra Quiróz


La marca italiana invita a la muestra de Alejandra Quiróz denominada "Circuito Rosso" que se exhibirá del 16 al 24 de noviembre en Javier Baliña Galería de Arte.


Luego de varias temporadas en las que Fiat se hizo presente mes a mes con muestras de diferentes artistas, en ésta oportunidad presenta una serie de fotografías capturadas en el Autódromo Oscar y Juan Gálvez de la Ciudad de Buenos Aires, en el marco de la competencia "200 Km. de Buenos Aires" , correspondiente al calendario del Súper TC 2000, con la presencia en pista de la categoría Fiat Abarth Competizione.
La técnica utilizada es toma directa digital en color y blanco y negro. Junto a las fotografías se proyectará un video con la artista, realizado especialmente para la ocasión.

Alejandra Quiróz inició su formación en ésta disciplina en la ciudad de Nueva York luego de estudiar Licenciatura en Ciencias de la Comunicación en la UBA. Realizó numerosas muestras individuales; entre ellas en el Centro Cultural Konex, Fundación Alon para las Artes, Centro Cultural Recoleta y Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén. También participó en muestras colectivas y ferias en Italia, España, Australia, Beijín y San Pablo. Fue premiada por la Fundación Bollini, el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, y recibió un galardón por el concurso organizado por el Centro Cultural Konex.

Próximamente expondrá en el Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén, tras haber sido seleccionada en la 3° edición del premio Neuquén Contemporáneo.
Afirma Alejandra: "Circuito Rosso es una muestra que captura momentos fugaces colmados de velocidad, potencia, adrenalina. Se siente el paso del movimiento entre dos instantes, como si estuviéramos en una realidad virtual, somos ese crujir de los motores, somos esa velocidad, esos colores, somos esos pilotos que aceleran como si no existiera nada más afuera. Somos un circuito rojo en acción."

15 de noviembre de 2017

Espacio Pla presenta "#1 Persistencia" de Lucas DM


Espacio Pla presenta #1 Persistencia, muestra de Lucas DM con la curaduría de Lucas Zambrano, que propone una instalación sonora visual espacial temporal, que procesa muestreos sonoros en tiempo real buscando persistir en el espectador la fenomenología de la selección perceptual, alterando el sentido del espacio y tiempo en la sala, produciendo reflejos y transformaciones de la toma original.

En palabras del curador: "un algodón rojizo, repleto de olor a acetona, el traqueteo de la bicicleta al andar, la sonrisa en su boca, el filo del ventilador y la muchedumbre blandiente al salir del subte. Percibir es un acto de selección, fenomenológico, pero también de vinculación. Organizar, interpretar y sincronizar los estímulos pretenden un reflejo de lo otro. 
Tomamos el bondi, nos escurrimos entre los pasajeros, que también somos nosotros, nos sumergimos en una marea de eventos y sujetos que son abordados por el rebote de diferentes ondas: luz, sonido y otros emisores de energía. Todo refleja con todo, como los estímulos, metódicos e inabarcables en su totalidad pero denotados por nuestra atracción, determinados por resonancia, amplificándose al coincidir en frecuencia, anulándose por diferencias de fase."

En este sentido la percepción (visual, temporal, espacial) deriva en una persistencia memorial. Arbitraria y relativa, la percepción es distorsionada por nuestros estados de ánimo: las emociones que nos atraviesan hacen que nuestra percepción varíe, como así también la persistencia del estímulo. Un momento previo al proceso de multiplicación significante que necesita mantenerse eternizado, quieto e inmóvil.

Lucas DM (Buenos Aires, 1980) es vj y artista audiovisual, con bases en ingeniería en informática y diseño gráfico. Desde 2007 explora el campo de la imagen en tiempo real en relación al sonido y el espacio físico, desarrollando herramientas y ecosistemas de software específicos para cada proyecto.
Siempre asociado con diferentes artistas, sus trabajos abarcan desde performances e instalaciones audiovisuales en museos y espacios de arte a shows fulldome cuadrafónicos y desarrollos en grandes festivales.

En planta alta, las Intervenciones #1, #2, #3 y #4 de los artistas Kevin Kripper, Diego Alberti, Sebastián Tedesco, Lolo Armdz, Patricio González Vivo y Manolo Gamboa Naón entran en diálogo con la producción del artista Eduardo Pla en la muestra permanente Historia de un Malentendido, con curaduría de Merlina Rañi y Guido Corallo. La artista Azul De Monte culmina esta serie de participaciones que se dieron a lo largo del año con su obra Intervención #5 que inaugura el sábado 2 de diciembre.

14 de noviembre de 2017

El espacio de arte de la Fundación OSDE cierra el año con una exposición de Fray Guillermo Butler e intervenciones en salitas, vidriera y ascensor


Desde el jueves 9 de noviembre se presenta en el espacio de arte de la Fundación OSDE la exposición "Fray Guillermo Butler (1880-1961). La imagen sin tiempo", con curaduría de Tatiana Kohan.


Fray Guillermo Butler. "Hora del Crepúsculo 
(Paisaje de Córdoba)" o "Crepúsculo", 1923, óleo s/cartón. 67 x 100. 
Colección MPBA "Rosa Galisteo de Rodríguez" - Gobierno de Santa Fe 
 
La exhibición, de más de ochenta obras, se organiza alrededor de diferentes temáticas trabajadas por el artista: paisajes europeos, arboledas, claustros solitarios, pintura religiosa y serranías cordobesas. El conjunto se completa con sus proyectos de murales para la Iglesia de Villa María, vitrales e imágenes de los murales cerámicos emplazados en la estación Plaza Italia de la línea D del subte. A su vez, se exhibe una selección de tintas y lápices, dibujos que partieron de la observación directa de la naturaleza y fueron realizados al aire libre.
La doble condición de Butler -artista y sacerdote dominico- hizo que muchas veces su obra fuera interpretada en clave religiosa. La crítica dotó a sus pinturas de un velo místico y lo analizó como un solitario, olvidando que se relacionó con artistas que promovieron la renovación de las artes visuales locales del período tales como Pablo Curatella Manes, Juan Manuel Gavazzo Buchardo, Alfredo Guttero, Octavio Pinto y Miguel Carlos Victorica.

Fray Guillermo Butler. "Paisaje de las Sierras de Córdoba", 1935, 
óleo s/tela. 35 x 50. Museo Municipal de Bellas Artes Tandil 

Asimismo, también se relacionó con un artista que fue muy influyente en sus ideas sobre la pintura: el artista y teórico francés Maurice Denis. A través de su concepción del arte hacía una lectura crítica de la producción contemporánea y valoraba una línea que tomaba como referentes a los artífices de la Edad Media y se distanciaba del ilusionismo renacentista.
Esta valoración del quehacer medieval se vincula con su interés por el trabajo con distintas técnicas, muchas de ellas consagradas -como el temple y el óleo- y otras consideradas menores -omo el pastel y la acuarela-. Asimismo, concibió obras para ser emplazadas en ámbitos específicos: murales sobre tela en la iglesia de Villa María -en la exposición se exhiben bocetos de los mismos-; murales mosaicos en el subte; vitrales en iglesias, capillas y residencias particulares. 
 
Fray Guillermo Butler. “Nápoles octubre 24 de 1955”, tinta, lápiz 
y lápiz color s/papel. 8,5 x 13. Colección particular
 
Así, la materialidad de sus obras tiene un espacio especial en la exposición, donde se pueden ver los distintos soportes sobre los que trabajó Butler -tela, madera, papel-, junto con los procesos de restauración que atravesaron algunos de sus proyectos y las ilustraciones realizadas por él para distintas publicaciones editoriales. 
Butler fue un religioso que concentró su atención en el paisaje, situando su mirada por fuera de los muros de la iglesia, enlazando de esta manera su pensamiento plástico con el de muchos de sus contemporáneos. La representación paisajística fue un tópico importante en la producción plástica de la época, a través de él se intentaba representar el ethos nacional.
Sus paisajes parecieran darnos una imagen idealizada de su tiempo, prácticamente no hay huellas del paso del hombre por ellos: el mundo del trabajo y la industrialización están ausentes, así como episodios clave de la primera mitad del siglo XX tales como las guerras mundiales, la crisis del 30, los golpes de estado, la guerra de España, el peronismo, la guerra fría. Sus imágenes se mantienen a distancia, parecieran ser paisajes tipológicos, una obra detenida y sin contingencias, una imagen que pareciera situarse fuera del tiempo. 

Fray Guillermo Butler. S/T, 1908, óleo s/cartón. 23,5 x 17.
Colección particular
Juan Butler nació en 1880 en la ciudad de Córdoba. Ingresó a la orden de predicadores de Santo Domingo a los dieciséis años. Luego de ordenarse sacerdote en 1907, eligió llamarse con el nombre de su padre, Guillermo. Sus primeros estudios de pintura los realizó con Honorio Mossi y Emilio Caraffa. 
En 1908 viajó a Roma con la finalidad de estudiar derecho canónico, para finalmente dedicarse a estudiar arte en la Academia libre de Florencia. En esa ciudad conoció la obra del Beato Angélico, figura que Butler reconoció como la más influyente en su carrera artística. Luego obtuvo una beca otorgada por el Congreso de la Nación y estudió pintura en París en la Academia Julian. Allí formó parte de la “Asociación de Artistas Argentinos” y de la “Asociación de Artistas Cristianos”, vinculándose con Victorica, Guttero, Curatella Manes y Maurice Denis. Aprovechó su estancia parisina para viajar por Europa y realizar apuntes de sus paisajes.
De vuelta en el país alternó estadías en Buenos Aires con otras en Córdoba. Desde el año 1915 participó del Salón Nacional, siendo reconocido en 1925 con el primer premio por su pastel Paisaje de Córdoba. Simultáneamente, Butler envió obra regularmente a salones municipales y provinciales tales como de La Plata, Mar del Plata, Rosario, Santa Fe, Tandil, entre otros, en los que obtuvo diversas distinciones.
Fue uno de los miembros fundadores de la Academia Nacional de Bellas Artes en 1936, y en 1939 abrió la Academia de Bellas Artes “Beato Angélico”, institución a la que se mantuvo ligado hasta su muerte, en 1961.
Fray Guillermo Butler. S/T [boceto para vitral], s/f, lápiz y acuarela s/cartón. 38 x 32,5. Colección particular
En el marco de la exposición se han programado las siguientes actividades:

Jueves 23 de noviembre a las 18 hs: encuentro con la curadora Tatiana Kohan, que realizará un recorrido por la sala, dando cuenta de los distintos ejes que articulan la exposición.

Jueves 30 de noviembre a las 18 hs: mesa redonda "Paisaje, religiosidad y materialidad en torno a la obra de fray Guillermo Butler".  Participan: Alejandro Bustillo, Alejandra Niño Amieva, Graciela Silvestri y Graciela Taquini. Modera: Tatiana Kohan.

Jueves 11 de enero a las 18 hs: encuentro con la curadora Tatiana Kohan, que realizará un recorrido por la sala, dando cuenta de los distintos ejes que articulan la exposición.

Simultáneamente, Laura Viñas presenta en las salitas del Espacio de Arte de la Fundación OSDE la intervención "Tiempos distintos y distantes."
Los paisajes que invaden la arquitectura son construidos, inventados, elaborados a partir de la percepción de los mismos, para crear nuevos lugares. Partes de fotos de distintos años componen una nueva imagen donde habitan tiempos distintos y distantes. 
En palabras de la artista: “Las imágenes que presento no están limitadas por marco alguno, tampoco poseen puntos de vista definidos. Son paisajes volátiles, apenas suspendidos, que desbordan, que se ajustan, que habitan las salitas, testigos silenciosos de bonanzas lejanas.”

Tadeo Muleiro presenta en la vidriera la intervención "Haqaypacha". 
En quechua "mundo de afuera" o "el mundo de lejos", Haqaypacha es un plano afuera del tiempo y el espacio, uno de los tres planos de los que estaba compuesto el mundo según la mitología Inca.
A través de esculturas blandas realizadas en tela, recurrentes en su obra, el artista busca en sus palabras "dar cuerpo y forma a una posible visión de esta supra-realidad". En esta oportunidad, rasgos de máscaras primitivas, disfraces de carnaval norteño y superhéroes, refuerzan la idea de lo híbrido -que también se reitera en su producción- convirtiendo a la vidriera en otra dimensión.

Luego de su itinerancia por distintas casas, galerías, talleres educativos, "En el fondo de todo hay un jardín", obra de Mariela Yeregui, llega al Espacio de Arte de la Fundación OSDE para intervenir el ascensor, que al igual que las Salitas del primer piso, conserva las características arquitectónicas de principios del siglo pasado cuando el edificio albergaba a la mueblería MAPLE. 
La obra de Yeregui surge de la contemplación constante del Olimpo, un ex centro clandestino de detención, y de la idea de que en el fondo de todo, incluso del terreno del horror, crece un jardín. "... Pero también puede ser un jardín personal, íntimo, que crece en el alma. Es un jardín de luz, es un espacio incipiente que puede dilatarse, expandirse y eclipsar las sombras", en palabras de la artista.

Todas las obras que se exhiben en el espacio de arte de la Fundación OSDE  podrán visitarse hasta el 13 de enero de 2018, de lunes a sábados de 12 a 20 hs. con entrada libre y gratuita, en Suipacha 658, primer piso, Buenos Aires, Argentina. Domingos y feriados cerrado. 

Tiemda FCH invita a conocer la nueva obra pictórica de Leticia Churba: "Cactus"


La obra de Lerticia Churba consta de 16 obras realizadas en el taller del maestro Ariel Mlynarzewicz. “Son obras realizadas en acrílico pintado sobre tela y tratan sobre la exploración de la trama abstracta transformada y resignificada con elementos realistas que intervienen el plano. Un mundo imaginario que juega con el plano gráfico y la profundidad 3D”, cuenta Leticia Churba.


Leticia se recibió de diseñadora gráfica en la UBA y el diseño se fue manifestando a lo largo de su vida en múltiples facetas. Es una de las creadoras de la marca de accesorios de moda Perfectos Dragones. Desde hace unos años se perfecciona en las artes culinarias y recientemente inauguró junto a Fernando Castañares, un café en Nuñez al que llamaron Très Café & Picoteo.

Inauguración: jueves 16 de noviembre a las 19 hs. en tienda fCH, Paraná 1172, Buenos Aires.

El artista Luis González Oliva cierra el ciclo Hacedores en espacio Cetol


Cetol presenta la última muestra del ciclo 2017: Hacedores. En esta oportunidad el artista Luis González Oliva expone una serie de obras en las que retrata gente de buena madera, un homenaje a grandes hacedores del arte

A partir de su técnica de taladro sobre madera logra materializar retratos con una fidelidad admirable. Personajes como: Frida Khalo, Andy Warhol, Jackson Pollock, Pablo Picasso, Marina Abramovic, Francis Bacon y Mr. Brainwash, entre otros, son los protagonistas de sus obras, quienes han puesto el hacer por sobre la inspiración.

Según el artista, después de una larga búsqueda experimentando, tratando de  atrapar la luz y la sombra que se crea a través de los agujeros, descubre que la obra estaba en el conjunto de éstos y la imagen que producen. Este fue el punto de partida para probar diversos métodos y materiales hasta llegar a lo que muestra hoy. La madera como  material de soporte, potencia y maximiza la obra, su nobleza y su uso novedoso, provocando un resultado que  genera un gran atractivo.
 
Luis Gónzalez Oliva. "Mr. Brainwash (artista plástico)
Esta serie de obras busca reinterpretar cada imagen en una nueva lectura, trabajando con minuciosa, metódica y estricta dedicación gráfica, resignificando la técnica del Puntillismo.  Realizando cuidadosamente pequeños agujeros en la madera se crea una nueva imagen pictórica. Representar retratos de artistas como Ai Waiwai, Warhol, Marina, Yayoi, Marta, Basquiat, es un gran desafío. 

“La versatilidad del material y la creatividad de los artistas nunca dejan de sorprendernos. Esta muestra concluye a la perfección el ciclo Hacedores. Las obras fusionan una serie de variables sorprendentes. Se une el trabajo de un artista hacedor, quien retrata gente de buena madera y además lo hace sobre el material noble, potenciando sus beneficios y capitalizando su calidez, para trasladarla a sus obras, permitiendo que sus personajes cobren vida y duren más entre nosotros”, destacó Cecilia Ferrario, Gerente Departamental de Marketing de Marcas Especiales de AkzoNobel Argentina.

La muestra puede visitarse de manera gratuita desde 16 de noviembre hasta el 18 de diciembre en espacio Cetol (Avenida del Libertador 6188), de lunes a viernes de 9 a 19 horas. Para informarse sobre la agenda de actividades de la marca puede visitarse su web: www.cetol.com.ar.

13 de noviembre de 2017

La galería de arte Ruth Benzacar presenta “Camarote equivocado" de Sebastián Gordín



El miércoles 15 de noviembre de 18 a 21 hs. la galería de arte Ruth Benzacar inaugura “Camarote equivocado" de Sebastián Gordín, última muestra de la temporada 2017.

Un crucero, compartimentos preparados para alojar a los pasajeros de modo temporario, mientras se surca mar abierto, se atraviesa la línea imaginaria del Ecuador, se participa de una fiesta de disfraces para la cual sólo se tienen dos palabras y un ojo en compota como única posibilidad. Recorremos alocadamente la cubierta inferior, abriendo puerta tras puerta. ¿Cuál es el camarote correcto? ¿Es el espectador el equivocado, es el artista, son las obras o es el encuentro equívoco entre ellos?

Diseño de exhibición: Mariano Pensotti, Gustavo Doliner, Sebastián Gordín. Arquitectura y producción: Gustavo Doliner.

La muestra se puede visitar hasta el sábado 6 de enero de 2018, de martes a sábados de 14 a 19 hs. en Ramírez de Velasco 1287, Villa Crespo, Buenos Aires, Argentina.

El Fondo Nacional de las Artes presenta la muestra “Victoria Ocampo. Construcciones y escenarios” en la Casa de Victoria Ocampo


A partir del jueves 2 de noviembre se puede visitar esta muestra que recorre la vida de la polifacética escritora argentina en la Casa Victoria Ocampo del Fondo Nacional de las Artes.

Con la curaduría de Ernesto Montequin y Fabio Grementieri, la exposición “Victoria Ocampo. Construcciones y escenarios” está compuesta por fotos, archivos, cartas con el arquitecto Le Corbusier, planos y archivos de la Revista Sur que revisan los distintos aspectos de la vida de la célebre y polifacética escritora  argentina.

“Mujer de letras llevar, madre fundadora de la arquitectura moderna argentina, activista de la música de vanguardia, mecenas de la literatura hispanoamericana del siglo XX, Victoria Ocampo (1890-1979) combina elementos de distintas disciplinas para construir una figura pública única en el país. En el recorrido que la lleva a su régie definitiva, plasmada en el “Olimpo” de Sur y en el “Parnaso” de Villa Ocampo, Victoria expone sus transformaciones: niñez decimonónica, adolescencia belle époque, juventud hispano-criolla, adultez moderna”, explican los curadores.

Se puede visitar de martes a domingos, de 12 a 20 horas, con entrada libre y gratuita, hasta el 31 de enero de 2018, en Rufino Elizalde 2831, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

12 de noviembre de 2017

Una muestra sobre Alberto Sordi en el CCK repasa vida y obra del cineasta italiano


El CCK inauguró el 2 de noviembre una muestra dedicada al actor y director italiano Alberto Sordi (1920-2003), cuyo recorrido atraviesa distintas etapas de su vida y trayectoria artística, como  su participación en el festival de Mar del Plata, en 1968.
Con la organización del Ministerio de Cultura de la Nación, el Sistema Federal de Medios y Contenidos Públicos (SFMCP) y la Società Italia Argentina (SIA), la exposición cuenta con diversas fotografías, afiches, videoinstalaciones, objetos personales y testimonios de Sordi, quien retrató con gran estilo a los personajes tragicómicos de la Italia de posguerra.

Alberto Sordi, 1980
 
Su prolífica filmografía -realizada desde los años 40 hasta la década del 90 inclusive- fue muy popular en distintas partes del mundo, con obras como Un italiano en América (1967); Mientras hay guerra, hay esperanza (1974); Encuentros prohibidos (1998), entre otras.
"Alberto Sordi fue uno de los mejores actores del siglo pasado. Cuando uno ve a Sordi en la pantalla, sabe lo que va a venir. La mejor y, al mismo tiempo, la peor versión del género humano. Y uno va a reír, o a llorar. O a llorar mientras se ríe", declaró el Ministro de Cultura de la Nación, Pablo Avelluto. "Alberto Sordi es el cine italiano. Vea usted a Sordi y se verá a sí mismo", continuó. 
Giorgio De Lorenzi, presidente de la asociación cultural bilateral de la SIA, quien, junto al Ministerio de Cultura de la Nación, colaboró e impulsó la iniciativa, aseguró que "Sordi interpretó genialmente al italiano con sus defectos y virtudes, víctima y héroe durante cien años de historia, por eso el subtítulo de la muestra es 'Historia de un italiano'".
La exposición del protagonista de “Un americano en Roma” tendrá sus puertas abiertas al público hasta el 27 de noviembre.