30 de noviembre de 2017

El Gruppo Modena Ferrari presenta la muestra “Bajo Relieve” de Isabel Santamarina


El Gruppo Modena Ferrari presenta la muestra “Bajo Relieve” de Isabel Santamarina, coordinada por Lucila Isaurralde, en su espacio ubicado en el segundo nivel del Patio Bullrich, Posadas 1245, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Se puede visitar hasta el 3 de diciembre de 2017.
 
Isabel Santamarina nació en Buenos Aires el 20 de Julio de 1954. Desde sus comienzos se conectó de una manera muy especial con el cuerpo humano. Dedicó gran parte de su vida a practicar dos disciplinas fuertes, danza contemporánea y ashtanga yoga que la ayudaron a acumular conocimientos sobre las proyecciones del cuerpo humano, sus destrezas y limitaciones, su belleza y variedades. Así es como la vida la llevo de una manera muy femenina y con gran sensibilidad a la práctica de la escultura. Sus profesores fueron Ernesto Pesce, Gustavo Ibarra y Renata Dal Bianco. 

Desde hace diez años, transmite a través de sus obras, un mundo en el que las formas toman volumen, a veces modelando el barro en bajos relieves otras llegando al volumen total con las esculturas. El barro, el yeso y el cemento le permiten los acabados. 
En sus obras predomina la pureza del color blanco. Juega con la luz, con sus contrastes y sutilezas, y con el color, logra rústicas texturas que ayudan a marcar acentos en sus blancos relieves y esculturas.  
Cada uno de sus trabajos es diferente y a la vez siempre comparten su esencia de búsqueda de un acto creativo. Esa búsqueda cotidiana se refleja en cada nuevo enfoque de un tema ya conocido como la mujer. Isabel se nutre de la naturaleza, materializa a través de sus obras lo que ve y siente y por sobre todo hace lo que le gusta.
Ha expuesto en galerías y museos del país entre los más destacados; galería Holtz (2005), galería de la Biblioteca Nacional (2008), Hotel Sofitel Buenos Aires Arroyo (2009), Museo Metropolitano (2011), Museo de Ushuaia (2012) y Jockey Club Recoleta (2013).

29 de noviembre de 2017

Fernet Branca entregó los premios de la décima edición del Concurso de Afiches "Arte Único"

 
Fiel a su filosofía de vincularse al arte y la cultura, Fernet Branca entregó los premios de la décima edición del Concurso de Afiches "Arte Único" el 22 de noviembre en el museo “Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat”, en Puerto Madero donde se presentaron las 22 obras finalistas conformadas por 3 ganadoras, 3 mencionadas y las seleccionadas que formarán parte de la muestra Arte Único 2018.
 
En este contexto, Fernet Branca celebró las diez ediciones ininterrumpidas de Arte Único con gran cantidad de jóvenes que participaron del concurso -superando las 1700 inscripciones- fortaleciendo año a año, el deseo de miles de artistas de formar parte de la invalorable colección de afiches de la marca. 

Planteada la temática libre, el primer premio fue otorgado a José Rivadulla, de la Ciudad de Córdoba; el segundo lo recibió Lucila Kibudi, de la Ciudad de Buenos Aires; y el tercero fue para Renso Colimodio, oriundo también de la Ciudad de Buenos Aires. Los ganadores fueron premiados con $ 35.000, $ 25.000 y $ 20.000, respectivamente.
Además, Fernet Branca premió a los participantes que recibieron menciones especiales con una beca de estudio por $5.000 para realizar cursos, talleres o capacitaciones relacionadas al arte y al diseño en cualquier institución educativa del país, con total libertad de elección tanto de la actividad a realizar como del lugar.

La sorpresa de la noche fue el “Premio de la Gente”, donde el público por primera vez pudo elegir su obra favorita entre las 22 seleccionadas y participar por un Kit Branca. El afortunado fue Matías Exequiel Rosales cuya obra había sido parte de las seleccionadas, fue premiado con $25.000. El premio fue entregado por el Doctor Niccolò Branca, quinta generación al frente de la empresa, que vino especialmente desde Milán para celebrar las 10 ediciones del Concurso.

Este año el prestigioso jurado fue integrado por Enrique Longinotti (arquitecto y docente), y cuatro nuevos integrantes: Hernán Berdichevsky, Rodrigo Alonso, Martín Ron y Tano Verón, quienes se incorporaron al concurso aportando nuevas y diferentes miradas.
El evento contó con la conducción del periodista Sergio Lapegüe y durante el desarrollo del mismo se presentó una innovadora así como espectacular puesta en escena conformada por tres pantallas gigantes que cubrían casi el total del salón y proyectaban imágenes sobre las 10 ediciones del concurso al ritmo de “We Are The Champions” interpretado por el Argentina Gospel Choir.

De esta manera, Fratelli Branca, a través de su Concurso de Afiches Arte Único, demuestra el compromiso que ha asumido con el arte, a través de la promoción de jóvenes valores y la difusión de sus obras.



Malba presenta el proyecto expositivo "Salida de los obreros al museo. Taller y República a partir de Tucumán arde", del artista venezolano Alexander Apóstol


Malba presenta el proyecto expositivo "Salida de los obreros al museo. Taller y República a partir de Tucumán arde", del artista venezolano Alexander Apóstol (Barquisimeto, 1969), especialmente desarrollado para el museo y coproducido con la Bienalsur. 
Apóstol propone una discusión abierta y colectiva sobre las relaciones entre arte y política, a partir de una reelaboración contemporánea del manifiesto Tucumán arde: ¿puede plantearse hoy una discusión a partir de estrategias de producción y difusión similares a las de aquel momento?

Coproducido por la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur (BIENALSUR) y la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), la muestra fue curada por el español Agustín Pérez Rubio y la directora artístico-académica de BIENALSUR, Diana Wechsler. 
 
Apóstol retoma la tradición de las vanguardias históricas y las neo-vanguardias en un proyecto en el que relee sus textos fundacionales en clave experimental-contemporánea. En este caso, su trabajo está centrado en Tucumán Arde, la acción estético política llevada a cabo en 1968.
 
"En América Latina, arte y política constituyeron históricamente dos variables interdependientes. Los movimientos artísticos más destacados de la región contribuyeron a impulsar nuevas formas de concebir la discusión política y a facilitar su inserción en el engranaje social. Entre ellos, Tucumán  Arde (1968) es recordada como una de las acciones estético-políticas más importantes llevadas a cabo en nuestro medio", explican los curadores.

"Este proyecto -agregan- consiste en traer al presente aquella experiencia a través de su texto fundacional. A partir de distintas estrategias de trabajo, Apóstol plantea una discusión abierta y colectiva sobre la estructura, formato, reproducción y pertinencia de un proyecto de arte político aparentemente lejano a las circunstancias de las que emergió. El manifiesto de Tucumán Arde funciona aquí como herramienta de análisis que permite abordar temas como la formación del artista, su papel como autor y la inserción sociopolítica de la obra".

En colaboración con diferentes áreas de la UNTREF (matemáticas, escritura creativa, circo, medios y recursos audiovisuales) Apóstol deconstruye el manifiesto a partir de un desglose matemático y traslada su estructura a códigos numéricos a través del Teorema de Grafos, heredero de problemas matemáticos históricos que privilegian los recorridos y procesos sobre los finales o resultados y estrechamente ligado a disciplinas geométricas que plantean un cambio de visión sobre los objetos: los definen por sus propiedades y no por sus formas. Este teorema, además, es el esquema natural de las redes sociales y evidencia el carácter del movimiento en cuestión.
  
Así, a partir de ciertas relaciones lingüísticas del manifiesto se obtiene una secuencia numérica que, en diversos talleres, será traducida a otros formatos por especialistas y estudiantes de la UNTREF: una instalación cinematográfica con material de archivo intervenido con técnicas de animación; una serie de tuits escritos bajo una estructura métrica específica; una video performance realizada por los trabajadores asalariados del MALBA y de la BIENALSUR; dos pizarras con dibujos de emblemáticas fábricas argentinas gestionadas de maneras políticamente opuestas.
 
Las cadenas de producción involucradas en estos colectivos de trabajo replantean los alcances de la interpretación y la difusión de un discurso desde los límites mutantes de la autoría del arte.
Finalmente, toda la actividad resultante se replicará en las redes como espacio aglutinador y potenciador de todo el ejercicio.

La muestra se inaugura el jueves 30 a las 19 horas y se puede visitar hasta el 19 de febrero de 2018 en en la sala 1 del nivel -1 MALBA, Av. Figueroa Alcorta 3415, Buenos Aires, Argentina. Es  el KM 4,2 de BIENALSUR. 
El proyecto cuenta con el apoyo de PICE, Programa para la Internacionalización de la Cultura Española, y Acción Cultural Española, AC/E.

28 de noviembre de 2017

Talleres Abiertos de Par en Park, 5ª edición


El martes 28 y el miércoles 29 de noviembre los artistas de Central Park abren sus talleres e invitan a los visitantes a ver sus nuevas producciones. 
 
Los artistas de Central Park 
 
El martes 28, artistas como Milo Lockett, Eugenio Cuttica, Eduardo Hoffmann, Marino Santamaría,  Alejandro Vigilante, Eugenio Zanetti,  Sara Stewart Brown, Carlos Benavides, Daniel Corvino, Mónica Van Asperen, Ana Candiotti, Carlos Gómez Centurión, Emilio Fantuzzo, Daniel Aguirre y Paloma Márquez pintarán cada uno una obra con la colaboración de una figura del espectáculo elegida por ellos como Patricia Sosa, Fabiana Cantilo, Esmeralda Mitre, Laura Fidalgo, Nito Mestre, Pablo Massey, Chano Charpentier, Gabriel Rolón, Juan Acosta, Fabián Mathus, Javier Olmedo, Darío Barassi, Gonzalito Rodríguez, Mike Amigorena  y La Bruja Salgueiro.
 
Eugenio Cuttica
 
Esa obra hecha a dúo será donada a la Fundación Margarita Barrientos que además tendrá un stand que venderá los panes dulces que elaboran todos los años.
 
Daniel Corvino 
 
La movida se hace en el marco de la quinta edición de los Talleres Abiertos de Par en Park, un acontecimiento cultural único que permite a los visitantes recorrer un apasionante laberinto artístico e interactuar y conversar con los artistas mencionados, y con otros que estarán presentes, como Marcos López, Ernesto Arellano, Manuel Amestoy, Luis Rodríguez, Jorge Roiger, Eliana Aromando, Pepa Figueroa Cuellar, Marcos López, Horacio Sánchez Fantino, Monique Rozanez, Amalia Bonholzer, Hernán Dompé, Juan Lecuona, Cecilia Duhau, Augusto Zanella, Cecilia Ivancevich y Andrea Allen.
 
Horacio Sánchez Fantino
 
El miércoles 29, de 15 a 21 horas, los talleres continuarán abierto y el público además de conversar con todos los artistas plásticos y ver las obras que se hicieron conjuntamente con las figuras del espectáculo nombradas.
También podrá apreciar las instalaciones artísticas de la terraza que lucirá totalmente refaccionada y participar de una obra colectiva de Alejandro Vigilante.
Asimismo, se podrá visitar el Museo de La Balanza, totalmente renovado con más de 2000 balanzas.
 
Cecilia Duhau
 
La cita es en el Complejo Central Park, California 2000, Barracas, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

26 de noviembre de 2017

El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura una muestra homenaje de Auguste Rodin, a cien años de la muerte del escultor francés


El Museo El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura, el martes 28 de noviembre a las 19 horas la exposición "Rodin. Centenario en Bellas Artes", en homenaje al escultor francés, a un siglo de su muerte.
Auguste Rodin, "El beso", 1889, yeso, (Fragmento). Colección Museo Nacional de Bellas Artes
La muestra -con curaduría de la directora artística del Museo, Mariana Marchesi- reúne 19 esculturas y tres dibujos de Auguste Rodin (1840-1917) pertenecientes a la colección del Museo Nacional de Bellas Artes, en la sala 10 de la planta baja.
 
"Con su humanismo radical, su vitalismo intransigente y brutal, a la vez que sutilmente sugerente, pletórico de erotismo y potencia expresiva, Rodin abre una nueva dimensión para la escultura cuyos efectos aún no se han clausurado", explica el director del MNBA, Andrés Duprat, sobre la trascendencia del artista, con quien el fundador del Museo, Eduardo Schiaffino, mantuvo un vínculo de admiración y amistad.

Auguste Rodin, "La Tierra y la Luna", 1901-1904, mármol, (Fragmento). Colección Museo Nacional de Bellas Artes
Bisagra en las redefiniciones artísticas de su época, el trabajo de Rodin desafió las normas de armonía y equilibrio que regían en el academicismo clásico imperante. "Sus planteos disruptivos -postula Marchesi- incluyeron nuevas soluciones para la escultura: algunas de ellas son el uso de puntos de vista múltiples, el modelado de anatomías imposibles y la exaltación de la materia al dejar visibles distintas texturas que habilitan la sensación de inacabado".
 
Entre las piezas que componen la muestra, dos obras clave, La Tierra y la Luna y El beso, trazan el punto de partida de un recorrido que no solo evidencia la revolución de las formas impulsada por Rodin, sino también la apuesta por una estética moderna de aquellos promotores culturales de la joven Argentina en que se fundó el museo, a finales del siglo XIX.
Auguste Rodin, "El minotauro", c. 1885, yeso, (Fragmento). Colección Museo Nacional de Bellas Artes
"La exposición permite apreciar en toda su potencia las derivas de las obras de Rodin pertenecientes al patrimonio nacional. Son en sí mismas una invitación a reflexionar, puesto que su presencia en el espacio público -El pensador, el Sarmiento-, junto a las piezas que integran el acervo del museo, hacen del escultor un punto de referencia para el arte de nuestro país, que ha tenido en el diálogo con el modelo francés una de sus postas históricas", subraya Duprat.
 
Como complemento de las obras exhibidas en la sala 10, se presentará en la sala 20 una selección de esculturas, también parte de la colección del museo, que da cuenta del impacto que el maestro francés tuvo en América. El conjunto incluye trabajos de Pedro Zonza Briano, Alberto Lagos, Rogelio Yrurtia y Arturo Dresco, algunos de jóvenes artistas argentinos que, en los primeros años del siglo XX, se sintieron atraídos por las renovadoras propuestas estéticas de Rodin.
 
Auguste Rodin, "Estudio para manos”, bronce patinado. Colección Museo Nacional de Bellas Artes
Con esta exposición, el Museo Nacional de Bellas Artes se une a la red internacional de instituciones que, a través de su patrimonio, llevan adelante un programa común de actividades para celebrar a un artista que transformó de manera radical el modo de entender la escultura.
 
"Rodin. Centenario en Bellas Artes" podrá visitarse en las salas 10 y 20 de la planta baja, del 28 de noviembre de 2017 al 25 de febrero de 2018, de martes a viernes, de 11 a 20 horas y los sábados y domingos, de 10 a 20 horas con entrada libre y gratuita, en Av. del Libertador 1473, Buenos Aires, Argentina. A partir del 13 de diciembre, todos los miércoles a las 12 hs. habrá visitas guiadas por la exhibición.

24 de noviembre de 2017

OdA - Oficinas de Arte presenta la muestra “Arte en el Origen”


OdA - Oficinas de Arte exhibe “Arte en el Origen”, primera edición,  con curaduría de Andrea Juan. En esta muestra se presentan los trabajos de Ángela Copello, Diego Rusticucci, Laura San Martín, Aline T. de Karagozlu y Laura Sunino de Cardoner.
 
Andrea Juan, Aline T. de Karagozlu, Laura Sunino de Cardoner, Laura San Martín, Ángela Copello, Gabriel Penedo Diego y Diego Rusticucci

“Es un placer presentar los trabajos de la primera edición de Arte en el Origen.
Arte en el Origen es nuestro proyecto más ambicioso y querido que se ha hecho realidad con esta primera edición y que, sin duda, seguirá creciendo en las ediciones futuras.
Arte en el Origen surgió del deseo de generar una Experiencia de Arte, a desarrollar en el medio natural de Cantabria, que pudiera nutrir al talento de los artistas que la realicen.
 
Laura San Martín. Donde habito, fotografía

Cantabria cuenta con el patrimonio de arte paleolítico más importante de la Humanidad guardado en sus maravillosas cuevas. Altamira, El Castillo, Las Monedas y Covalanas... son sólo algunos ejemplos.
Hace muchos, muchísimos años mujeres y hombres, iguales a nosotros, eligieron esta maravillosa tierra para vivir...y, de entre ellos, uno o una que soñó, amó y vivió y también creó y esa creación fue el origen de todo arte.
Luego le siguieron más artistas y todas estas manifestaciones de arte, grabados, dibujos y pinturas, son las que se conservan plasmadas, dentro de nuestras fantásticas cuevas, desde hace 40.000 años.
 
Ángela Copello. Cuadrado de 50 x 50, fotografía, tríptico
 
Los científicos pueden precisar muchos datos acerca de quien, cuando, como y donde se realizaron... Lo único a lo que no pueden responder es a por qué lo hicieron.
Nosotros queremos creer que fue su pasión y su íntima conexión con la naturaleza lo que, seguramente, ha movido a esos primeros artistas a tener la necesidad de reflejarlo en los primeros trazos de la historia.
Preparar un color y generar una nueva realidad mágica que, aún hoy, toma vida.
 
Aline T. de Karagozlu. Morag, fotografía
 
Ese es el espíritu que Arte en el Origen quiere transmitir a los artistas que vengan de distintas latitudes y quieran transitar por este proceso creativo de nueve días. 
Un proceso que se inicia con la profunda emoción del encuentro con esas primeras expresiones plasmadas por esos primeros artistas para, luego, sorprenderse con el medio natural que las rodea... sus montañas, marismas, acantilados, ríos, bosques, praderas y mar.
 
Diego Rusticucci. Inmanencias, fotografía y dibujo
 
En esa comunión de emociones profundas, magia incontenible y paisajes asombrosos, cada artista, desarrolla su propia obra, vibrando con el ritmo de la naturaleza, en escenarios absolutamente diferentes y dialogando, maravillados, con el medio. 
Trabajan apasionadamente día tras día descubriendo nuevos espacios que quedaran plasmados en las obras y siempre guiados por la enorme experiencia, capacidad y talento de Andrea Juan.
En esta primera edición cada uno de los artistas ha vivido esta experiencia, se ha emocionado, se ha dejado llevar y ha desarrollado, trabajando duramente cada día, su proyecto en el medio natural, llegando, al finalizar la experiencia, con una obra sólida y sorprendente…” Sur Polar.

Laura Sunino de Cardoner. La distancia que acerca, fotografía y dibujo sobre acetato
 
Arte en el Origen permanecerá hasta el 15 de diciembre y se puede visitar de lunes a viernes de 15 a 19 hs. en OdA - Oficinas de Arte,  Paraná 759, primer piso, Buenos Aires, Argentina.

21 de noviembre de 2017

Gaby Herbstein presenta "La Diablada" en el Centro Cultural Kirchner


El Centro Cultural Néstor Kirchner (CCK) exhibe "La Diablada, una monumental muestra de Gaby Herbstein que retrata la tradición y cultura popular andina durante el festejo de carnaval.

La exposición es el resultado de un largo proceso de selección, reflexión y elaboración a partir de las vivencias e imágenes obtenidas durante una secuencia de viajes que la artista realizó a Jujuy. Ahora, cincuenta y seis obras de gran formato impresas sobre papel Fine Art, permanecen suspendidas en la plaza central del CCK, intentando recuperar algo de aquel espíritu ancestral de La Diablada.
La esencia jujeña, los colores de la quebrada de Humahuaca, la minuciosa y creativa confección de los trajes que encarnan al Diablo y la alegría de la comunidad por la llegada del rito, se funden en esta muestra.


Según la cosmovisión andina la Naturaleza, el Hombre y la Pachamama (Madre Tierra) viven en perpetua relación. Esa totalidad es, para la cultura andina, un solo ser vivo.
El Hombre es un alma y tiene una fuerza vital que está presente en las plantas, los animales, las montañas y en todas las corrientes de vida. Siendo que el hombre es la naturaleza misma no la domina ni pretende dominarla. Solo convive y existe como un momento en ella.
La diablada no es una comparsa, es mucho más que eso.

Sus objetivos tienen que ver con mantener viva la tradición que se realiza desde hace varias generaciones en la localidad quebradeña y con rescatar todo lo que hace a la cultura del disfraz del diablito. 
Los disfraces se inspiran en la iconografía andina y en lo que nos contaban nuestros abuelos sobre el personaje mítico del diablo. Gatos, lobos, la serpiente, así como las visiones, sueños e historias pasadas y presentes, todo en lo andino, tiene un significado místico. 
Todo se mezcla en las diabladas, todo vale a la hora de crear el traje que que cada uno de los diablos va a lucir durante los ocho días y nueve noches en los que transcurre el carnaval. 

Diablo no es un disfraz, es un sentimiento. 
Ser diablo es un portal para desprenderse de los aspectos negativos que se reprimieron durante todo el año. 
Ser parte de La Diablada es algo que se hereda de generación en generación, lo mismo que el sentido profundo de ser uno con el traje. Cada año el traje se renueva, así como también se renueva la promesa a la Pachamama y el agradecimiento por los tesoros recibidos.
El diablo invierte hasta sus últimos ahorros para la confección de su traje, así como también se brinda él mismo. Horas y horas cosiendo en soledad dando vida a lo que será el personaje que lo liberará, por un tiempo, de preocupaciones y le brindará la oportunidad de ser felíz y hacer felices a los otros. 
La revalorización de las culturas originarias y la reafirmación étnica, tal como se manifiestan actualmente entre los pueblos andinos, son una consecuencia de la toma de conciencia de miles de hombres y mujeres, que redescubrieron los tesoros que nos dejaron nuestros ancestros.

Gaby Herbstein nació en Buenos Aires, Argentina en 1969. Fotógrafa y artista visual que con 23 años de experiencia en el rubro, ha participado de numerosas exhibiciones individuales y colectivas en diversos países como México, Brasil, Chile, Perú, Estados Unidos, Rusia, China y Japón. Obtuvo grandes reconocimientos como: el Premio Clover, otorgado por Swarovski; Premio de la Fundación Huésped (por contribuir a la toma de conciencia sobre la prevención de la propagación del virus HIV), Medalla de Plata en la categoría Libros Fine Art, en los premios Prix de la Photograhie Paris 2015; premio de Latin American Photography and Illustration (2016), También ganó el premio de Latin American Photography and Illustration (2017) por el proyecto La Diabada, entre otros.
  
Con innovadora puesta y música original de Gaby Goldman, la exposición es gratuita y no se requiere reserva de entradas. Se puede visitar hasta el 10 de marzo de 2018, de miércoles a domingo y feriados de 13 a 20 hs. en la plaza central del CCK, Sarmiento 151, Buenos Aires, Argentina.  

20 de noviembre de 2017

El MUNTREF presenta "Naturaleza viva" en el marco de la BIENALSUR



El MUNTREF Museo de Artes Visuales -sede Caseros- vuelve a ser escenario de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur (BIENALSUR), esta vez con "Naturaleza viva", una exposición de artes electrónicas en la cual la relación entre dispositivos y entornos naturales pone en escena diversos problemas relacionados con el medio ambiente, el cambio climático y la extinción de la biodiversidad, que podrá verse a hasta fines de diciembre de 2017, en Valentín Gómez 4838, Tres de Febrero, provincia de Buenos Aires, Argentina.

El martes 7 de noviembre, Anne Wagner (USA) dialogó con Diana Wechsler sobre curadurías en la Bienalsur, en el Rectorado de UNTREF Sede Juncal. A continuación, el artista Eduardo Kac (BRA) dio una masterclass sobre las relaciones entre el arte, la biología, la biotecnología, la telepresencia y la robótica. Kac explora en sus obras la fluidez de la posición del sujeto en el mundo postdigital, cuestionando la evolución, la memoria y hasta la condición de la creación.

La muestra, curada por Mariela Yeregui y Nara Cristina Santos, es una iniciativa de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) y la Universidad Federal de Santa María (UFSM) y reúne trabajos de artistas desde perspectivas y recortes diferentes.
En la dinámica de vidas artificiales, los seres sintéticos también asumen comportamientos que emulan a los de naturaleza, recuperan sus materialidades o, simple y rotundamente, ponen en crisis miradas celebratorias de la tecnología. 

Los trabajos en esta muestra adoptan formas distintivas, privilegiando la propia autonomía de las partes en el marco de un todo integrado, donde cada una de las entidades es de naturaleza diversa pero en relación de paridad (hombres, plantas, dispositivos, etc.). Sobre todo, delinean otros puntos de vista en relación al contexto, superando la exterioridad de la mirada humanocéntrica para plantear un "estar-siendo" en términos de Rodolfo Kusch: un estar situado en la indeterminación, una humanidad dinámica en un acontecer empírico y particular.

Los artistas que forman parte de la exposición son los argentinos Ana Laura Cantera; Grupo Robótica Mestiza compuesto por Juan Ford, Laura Nieves, Leandro Nuñez, Mariela Yeregui, Miguel Grassi y Paula Guersenzvaig; Paula Gaetano y Gustavo Crembil; los brasileños Fernando Codevilla y Leonardo Arzeno, Raul Dotto y Walesca Timmen, Yara Guasque, Eduardo Kac, Guto Nóbrega y el Grupo NANO, Gilberto Prado y el Grupo Poéticas Digitais, Rebeca Stumm y las mexicanas Gabriela Munguía y Guadalupe Chávez del Colectivo Electrobiota.

17 de noviembre de 2017

El Museo Lucy Mattos presenta las exposiciones de pinturas de Linda Peretz y esculturas de Raquel Chomer


Desde el domingo 12 y hasta el miércoles 29 de noviembre, se presentan "Lo bello y lo siniestro" con obras de la reconocida artista plástica y actriz Linda Peretz y “Dialogando con la vida” que reúne esculturas de la aclamada artista Raquel Chomer en el Museo Lucy Mattos, Av del Libertador 17.426, Beccar (San Isidro). 

Linda Peretz. Familia en agronomía, óleo sobre tela
 
A través de sus obras, Peretz nos invita a recorrer obras icónicas de la historia de los artes universales pero abordadas desde una mirada novedosa, colorida, misteriosa.
Por su lado, Chomer nos acerca con sus esculturas al mundo de la tridimensión, con figuras que nos muestran un exquisito trabajo de cóncavos y convexos, inspirada en vivencias propias que han marcado su existencia. En palabras de la artista: “Siento que las imágenes que se van desarrollando a través de los años son como un pensamiento visual con formas sensibles y frágiles que se presentan de manera ágil. Siento que hago lo mismo una y otra vez aunque el disparador sea otro. Siento que todo lo que veo se transforma y se vuelve a formar.”

Pinturas de Linda Peretz
 
Linda Peretz es actriz  y artista plástica. Actualmente es presidente de la Casa del Teatro. Egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes “Manuel Belgrano”. Egresada del Conservatorio Nacional de Arte Escénico. Fue alumna de Héctor Theulé en pintura y actualmente estudia con Silvina Benguria. Fue alumna del profesor Arriguti en escultura. Luego de algunos años de trabajar como actriz, vuelve a la pintura de la mano de Marino Santamaría, con quien estudió pintura y el arte del mural. Participó con el grupo “Arlequín” en varias muestras. Realizó el mural de 23x9 metros en el Centro Cultural “Entrecasa” y el mural de la fachada del “Multiteatro” de la calle Corrientes de la ciudad de Buenos Aires. Fue componente, así mismo, del grupo “Fusión” en varias muestras. En el año 2002 hizo su primera muestra individual titulada “Homenaje a los grandes”. Ha participado en dos muestras consecutivas en el Hotel Sheraton Libertador.

Raquel Chomer. En la palma de mi mano, aluminio y resina poliéster
Raquel Chomer es argentina y se dedica al arte plástico desde 1975. Se especializa en esculturas de diversos materiales como la arcilla, los metales y el acrílico. Algunas de las exposiciones donde estuvo presente son: 2015: Homenaje a Páez Vilaró, Hotel Conrrad de Punta del Este, Uruguay; 2013: Art Basel, Miami, EEUU; 1996: Republic Bank of New York, New York, EEUU. Entre los premios que recibió se encuentran: Primer Premio (Mujer) en 2011, Loft Espacio Alfa; Primer Premio (Mano con Corbata), Salón Cerámico en 2001; Primer Premio, Quinto Salón de Arte en Cerámica Encuentr'Arte en 1999.

Gabriel Salvatore. Auto convertido en sillones
 
Además, se presenta un nuevo Selfie Point, con las intervenciones creativas de autos clásicos del artista Gabriel Salvatore.
Amante de la decoración y el reciclaje, Gabriel se convirtió en un experto en recolectar "chatarra” de autos y convertirla en muebles. Hoy, atrae la atención de vecinos y fans que ven sus creaciones por Internet, con sus originales sillones hechos a partir de autos antiguos abandonados. 


Esculturas de Raquel Chomer
 
El horario del museo es de miércoles a sábados de 11 a 19.30 hs y domingos de 10 a 18.30 hs. 
El valor general de la entrada es $120. Los días miércoles: $60. Jubilados, estudiantes y docentes con acreditación: $60.
Para más información, comunicarse a los telefonos: 4732-2585, 4747-1942, o al mail:
info@museolucymattos.com,
o en la web: www.museolucymattos.com o a través de facebook: www.facebook.com/museolucymattos.5

16 de noviembre de 2017

FASE 9 fusiona las vanguardias del arte, la ciencia y la tecnología


El viernes 17 de noviembre a las 18 horas, se inaugura en el Centro Cultural de la Ciencia la novena edición de FASE, encuentro que cruza los campos del arte, la ciencia y la tecnología, del cual participan artistas de Argentina, México, Uruguay y Colombia. Además, se desarrolla en cinco sedes, presenta un nuevo formato y nuevos y originales contenidos.  
Bajo el título “Intervenciones y Recorridos”, la novena edición de este festival propone obras de gran originalidad como el contador del fin del mundo y la máquina de producir eclipses.

“El Fin del Sol”, de Alejandro Borsani
 
La primera, “El Fin del Sol”, de Alejandro Borsani apela un cálculo de la ciencia contemporánea según el cual dentro de 14.4 billones de años el sol consumirá todo su combustible y se volverá invisible para el ojo humano. La instalación consiste en un contador digital que se transforma en una cuenta regresiva de 454.118.400.000.000.000 de segundos (la cantidad de segundos en 14.4 billones de años). Utiliza energía solar para alimentar una pantalla de bajo consumo y un micro-controlador encargados de la cuenta regresiva.

Máquina de eclipses”, de Santiago Carlomagno
 
Por su parte, Máquina de eclipses”, de Santiago Carlomagno, es una instalación interactiva que simula un eclipse en tiempo real. Mediante proceso de programación y sensor de movimiento, la obra propone una simulación del fenómeno en la que el propio visitante  producirá un eclipse, moviendo la luna remotamente gracias a un sensor de movimiento (leap motion) que rastreará los desplazamientos de su mano replicándolos en el eclipse que se verá proyectado sobre el muro. 

"Poesía visual" de Alejandro Thorton

FASE 9 presentará un nuevo formato de exhibición y nuevos contenidos coln el objetivo de reflexionar sobre experiencias, acciones e intervenciones artísticas que experimentan modos posibles de producción y exhibición, a partir del trabajo colaborativo y comunitario, el intercambios de disciplinas y el desarrollo de procesos de investigación y creación.
Se instalará en 5 sedes de la ciudad: Centro Cultural Recoleta (CCR), Centro Cultural de la Ciencia (C3), Casa Nacional del Bicentenario (CNB), Centro Cultural Ricardo Rojas y Centro Cultural General San Martín (CCGSM), en diferentes fechas y horarios.
Además, se suman el primer Ciclo de Encuentros de Arte y Tecnología, con invitados internacionales, la Residencia FASE y los match, encuentros de diálogos entre artistas y científicos. 

"TBF_Project The Black Future | Set audiovisual" de Nicolás Vazuez, Amadeo Azar y Mariano Benavente. Conocé este set el 23 noviembre, 17:30 y 19:30 hs. en el CASo de la Casa Nacional del Bicentenario
 
Camino a los diez años, FASE se consolida cada vez más como una plataforma de referencia en el campo del arte, la ciencia y la tecnología, que promueve, estimula y difunde el trabajo de artistas, estudiantes e investigadores.
Se desarrollarán exposiciones y actividades específicas en diferentes soportes artísticos, como arte sonoro, audiovisual, bioarte, performances y sets audiovisuales. Y propuestas tan originales como un Taller de Robótica para Arte Sonoro, abierto para todo el público y un taller de cuerpo, sonido y tecnología dirigido a bailarines, actores, performers y artistas en general.
Además, se llevarán adelante un programa de extensión educativa, charlas, talleres, debates y se presentarán proyectos seleccionados, como performances, set e intervenciones efímeras.

Mas información en: http://www.encuentrofase.com.ar/.

Gallery Days Distrito de las Artes: los barrios de San Telmo, La Boca y Barracas abren sus puertas a los amantes del arte


El 18 de noviembre entre las 15 y las 20 hs, 31 espacios de arte del Distrito de las Artes (nucleado en torno a los barrios de San Telmo, La Boca y Barracas) abren sus puertas y ofrecen actividades exclusivas para los GalleryFriends. El evento es libre y gratuito y lo organiza Arte al Día desde hace 17 años.
 
El Sur de la Ciudad crece con fuerza y se está convirtiendo en uno de los polos de arte más heterogéneos y versátiles de Buenos Aires. Grandes galpones, fábricas abandonadas y las tradicionales casas chorizo se transforman en galerías, centros culturales y residencias para artistas internacionales. Gallery propone descubrir y conocer antes que nadie este fantástico nuevo mundo del arte a través de recorridos urbanos guiados por especialistas, actividades exclusivas, acciones performáticas y aperturas exclusivas de talleres de artistas. El ingreso a todos los espacios que integran el circuito (museos incluidos) es libre y gratuito.

El circuito incluye 31 espacios de arte (galerías, museos, estudios de artistas y espacios
institucionales) que se agrupan en torno a 3 zonas: San Telmo, Usina y La Boca.
En la zona San Telmo, pueden visitarse: el Anticuario Gabriel del Campo (Av. Caseros 461),  las dos tiendas de Candido Silva | Arte Colonial Sudamericano y Artesanías Sudamericanas (Defensa 1066 Locales 13 a 20), Dottore Malatesta (Chacabuco 917), El más acá Club Cultural (Av. Caseros 514), Fundación El Mirador (Av. Brasil 301),  la Galería Buenos Aires Sur (Bolívar 1268) Granada Tienda (Av. San Juan 411), Marcelo Toledo Art Gallery (Humberto Primo 462) y Telmho Boutique Hotel (ubicado en Defensa 1086).
En zona Usina, el punto de encuentro es la Usina del Arte (Agustín R. Caffarena 1) donde pueden visitarse la exposición La Forma de La Boca, con curaduría de Florencia Malbrán (Sala Laberinto), la Usina de Películas Amateurs de Michel Gondry (Salón Mayor/ Espacio Creativo) y Bjork Digital (Bajo Autopista Dique 0). 

Los espacios que integran el circuito son: Barro Arte Contemporáneo (Caboto 531) que además será la galería afitriona del After Gallery auspiciado por Stella Artois y el sello discográfico Otras Formas con la presentación en vivo de Centolla Society a las 20 hs., Caffarena 86: espacio de arte (Agustín R. Caffarena 86),  el Centro Munar (Av. Don Pedro de Mendoza 1555), el Paseo de las Artes (Av. Don Pedro de Mendoza 650), Quadro Galería (Agustín R. Caffarena 199) y Walden (Av. Almirante Brown 808).
En la zona La Boca podrán visitarse: la colección de Fundación Andreani (Av. Regimiento de Patricios 1052 5º oficina 509), Galería Popa (General A. de Lamadrid 882), Isla Flotante (Av. Don Pedro de Mendoza 1561) y 488 Gallery (Benito Quinquela Martín 783). 

Entre los museos que podrán visitarse gratis presentando el pin GalleryFriend, se encuentran el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Av. San Juan 350), que presenta las exposiciones Sin título de Elba Bairon, Joven profesional multipropósito de Sergio Avello; Cómo atrapar el universo en una telaraña de Tomás Saraceno y Episodios Colección Pirovano III: “El camino de la abstracción. Diálogos sobre arte moderno entre Ignacio Pirovano y Tomás Maldonado”; además, a las 15 hs. ofrece una visita guiada por las exposiciones vigentes a cargo del Departamento de Educación del Moderno. También puede visitarse el MACBA - Fundación Rubino (Av. San Juan 328) que presenta la exposición Sutilezas de la línea de Eduardo Mac Entyre, destacado artista geométrico argentino. El Museo de Bellas Artes Quinquela Martín (Av. Don Pedro de Mendoza 1835) exhibe la muestra antológica de Alfredo Lázzari: Todo lugar es también un camino y ofrece dos actividades gratuitas imperdibles: a las 15 hs. la visita especial a la exposición para redescubrir un clásico desde los ojos contemporáneos (duración: 45 minutos) y a las 16 hs. La Boca, un Museo a cielo abierto, visita guiada por el barrio que transformó Benito Quinquela Martín (duración: 45 minutos). Fundación Proa (Av. Don Pedro de Mendoza 1929), por su parte, ofrece la instalación Forever Bicycles de Ai Weiwei en explanada de la Fundación, en el marco de la exposición que inaugura el 25 de noviembre.
 
En esta edición podrán visitarse en exclusiva varios talleres de artistas, lo que permite conocer sus universos privados de creación y conversar con ellos. Los estudios abiertos son: La Verdi (Av. Almirante Brown 726) abre los estudios de Magdalena Petroni, Ariel Montagnoli, Andrés Pasinovich, Ramiro Quesada Pons, Gabriel Chaile y Ernesto Baca; Casa Zur (Av. Brasil 675) con los talleres de José Luis Landet y Lucila Gradin; el estudio Claudia Aranovich (Chacabuco 1444); el estudio taller Creación (Av. Juan de Garay 461), con obras de Natalia Abot Glenz; y Las Meninas galería-taller (Defensa 1066 Local 22), con muestras de Ricardo Curchi, Mario Gallo y Natalia Juarez.
Otra de las actividades especiales de la tarde será el circuito de activaciones performáticas exclusivas, realizadas en el marco de la Maratón de Performance en el Gallery y curada por sus creadoras Dominique Melhem y Bárbara Alonso. Se realizarán activaciones a las 16:30 en Casa Zur, a las 17: 30 en El más acá Club Cultural y a las 18:30 en Colección Fundación Andreani.
 
Entre las novedades del ciclo 2017, se encuentran la asociación con Meridiano, la cámara argentina de galerías de arte contemporáneo, con el objetivo de unir fuerzas para continuar potenciando y fortaleciendo la escena contemporánea del arte porteño; y la alianza con el sello discográfico Otras Formas, que edita discos de artistas plásticos que también hacen música.

Más información en: http://gallery.com.ar/.