29 de abril de 2017

La Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat presenta la muestra “Fabularen. Benito Laren”


"Puerto Madero", técnica mixta sobre vidrio, 2014 
Con la curaduría del Dr. Claudio Ongaro Haelterman, esta exposición presenta una selección de obras de este artista desde su niñez hasta la actualidad invitándonos a introducirnos en su particular mundo a través de nuevos caminos y miradas.

Benito Laren y Claudio Ongaro Haelterman
“Adentrarnos en el recorrido de esta muestra antológica de Benito Laren es abrir las puertas y surcar el cancel de aquel nudo donde lo Simbólico, lo Real y lo Imaginario parecieran atarse y desatarse para hacernos vivenciar la narración de una fábula en torbellino sobre sí misma.” expresa Ongaro Haelterman al inicio del texto del catálogo.
 

"Avistaje", técnica mixta sobre vidrio, 1990

Y más adelante agrega: “Homenajes, retratos y edificaciones donde lo pictórico excede la invención de una técnica y el soporte vidriado se convierte en la antesala de los materiales que comenzarán a fundar los cimientos de una otra tierra, quizás una isla flotante y viajera desde donde poder crear e inventariar otro mundo. Una Realidad más allá de lo Real para todo espectador desprevenido. 

"Oscar, primer soldado muerto",  técnica mixta sobre vidrio, 2016

(…) Torres de avistaje gritarán desde lo alto de los cielos estelares y desde los bajos de un piso que soporta el enclave de una bandera que decidirá parir su propia Realidad. Aquella que afirmará su salida con una mirada procaz y voraz que comunicará, lúdica e irónicamente, que no hay límites para proponer inventar el mundo de vuelta.” (…) Universos con historias de búsquedas de tesoros y planes geopolíticos monárquicos donde se suceden galerías de retratos patrios y apátridas, estereotipos del simposio de la vida que insiste en la Celebración: celebrar la vida cotidiana haciendo de cada elemento el pretexto de una fiesta. Lo musical, lo sonoro, lo auditivo y lo inaudible, sujetos y objetos con sus múltiples sensores: vista de paisajes, olfato de perfumes, gustos de bebidas, oídos de himnos en un todo táctil hecho mirada.”
Finalizando: “Quizás se trata, en Benito Eungenio Laren, de la autofundación de una estética que ficciona lo sublime del pequeño dato ordinario de cada componente de la vida cotidiana para convertirlo en lo extra-ordinario de una verdad inventada.”
 

Benito Eugenio Laren es un referente de las artes plásticas en el ámbito nacional. Es pintor, escritor, cantante y youtuber. Nació en la década de 1960, en San Nicolás de los Arroyos, al norte de la provincia de Buenos Aires.
En 1987 desarrolló una técnica muy particular de pinturas sobre vidrio a la que denominó “Pop Oh Art”, expresión que mezcla el Arte Pop y la exclamación que produce el público sorprendido al ver sus obras.
Se lo reconoce como integrante de la Generación del 90, ya que expuso sus trabajos por primera vez, en el Centro Cultural Ricardo Rojas, en esa época.
Fue uno de los cuatro integrantes de la muestra que dio origen al término “Arte Light” en la Argentina.
 

De izquierda a derecha: Sra. Mirtha Legrand", "Marilinving", "Libertando bajo la lluvia" y "Frida Kalo, un mono"

En 2007 creó su propio país, Larenland (con su página web: larenland.com), donde él es el rey y su único habitante. Este país tiene una superficie de un metro cuadrado y se traslada adonde vaya.
Sus obras se encuentran en las colecciones más importantes del país y de museos del exterior, entre los que se destacan The Corning Museum of Glass de Nueva York (1988) y el Blanton Museum de la Universidad de Austin, Texas (2007).
 

"Bicicleta financiera", técnica mixta sobre madera, 2004

Desde 2015 dos de sus obras integran la colección permanente del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), en la Ciudad de Buenos Aires: Le Moulin de la Galette (1994), que además ilustra la portada de la guía del MNBA, y A la puerta Bony ta (2003), que formó parte de la muestra inaugurada por el Museo de Arte Contemporáneo MAR, de la ciudad de Mar del Plata.
En 2014 fue presentado en el Malba su libro de la Colección Popular de Arte Argentino de la editorial Mansalva, con texto de Rafael Cippolini.
En 2015 lanzó su segundo libro, Modelaren, editado por el Grupo Babel, con texto del mismo autor. Es sobre su interminable serie de figurines de modas, donde Benito Laren nos dice: “Yo soy la Moda. Yo soy el Arte y me mando, mando la Parte”.


"Dolarens", papel impreso, 2016 

La muestra podrá visitarse desde el 20 de abril al 25 de junio de 2017 de martes a domingos de 12 a 20 hs. en Olga Cossettini 141, Puerto Madero, Buenos Aires, Argentina.

Mirá todos las fotos en: facebook.

28 de abril de 2017

Nuevamente La Rural forma parte de arteBA 2017 con su programa Impulsarte


En el marco de la 26° edición de arteBA -que se realizará del 24 al 27 de mayo- La Rural da continuidad, por noveno año consecutivo, a Impulsarte, su programa de estímulo al arte contemporáneo argentino, a través del cual impulsa el trabajo de artistas emergentes. Además, a través de la alianza con DarA y UADE para el diseño de su stand, la compañia continúa con el objetivo de promover y alentar el desarrollo de jóvenes talentos.
 
Impulsarte adquisición 2009. Estanislao Florido, Le Reve
 
Todos los años, previo a la apertura de arteBA, el Comité de Adquisición integrado por Victoria Verlichak, Eva Grinstein y Juan Pablo Maglier (Director de Relaciones Institucionales de La Rural) selecciona las obras que pasarán a formar parte de la colección. Al momento de la elección, se tiene en cuenta que sean artistas jóvenes del ámbito local; pero también se adquieren piezas de artistas con un poco más de trayectoria, lo que le aporta valor a la colección. Las adquisiciones son exclusivamente en las galerías argentinas del sector principal, lo que constituye también un modo de apoyarlas.

Así, Impulsarte, el programa de adquisiciones e incentivo al arte argentino de La Rural, alienta la producción de artistas emergentes y colabora con la consolidación de la escena local. fomentando la creación de una colección de arte corporativa que está integrada por 40 obras de 36 jóvenes artistas.
 
Impulsarte adquisición 2013. Niño con perico de Nahuel Vecino
Al respecto de la trascendencia que ha tenido el programa Juan Pablo Maglier, director de Relaciones Institucionales de La Rural sostuvo: “lo interesante de Impulsarte es su persistencia en el tiempo: es continuo, sostenido y mantiene un estilo. Para nuestra compañía significa un aporte a las nuevas generaciones y el apoyo al arte y sobre todo, a los artistas contemporáneos”.

Desde el año 2014, La Rural estableció una alianza estratégica con Diseñadores de Interior Argentinos Asociados (DArA) para el diseño del espacio donde exhibe las obras adquiridas. El año pasado, el acuerdo se hizo extensivo a la Universidad Argentina de la Empresa (UADE), con el propósito de brindar a los estudiantes una experiencia laboral real que enriquezca su proceso de aprendizaje a través de la articulación con el ámbito empresarial.
 
Impulsarte adquisición 2016. Leopoldo Estol, Territorio de Río Negro
 
Este año se realizó un concurso del que participaron los alumnos del último año de la Licenciatura de Arquitectura y Diseño de Interiores. El jurado, integrado por Laura Ocampo y Juan Cavalleri (DArA), autoridades de La Rural y los arquitectos Federico Ambrosio y Francisco Sambrizzi (docentes de UADE), tendrá a su cargo la selección del proyecto ganador.

En el Espacio Impulsarte 2017 se podrán ver las obras adquiridas en la edición pasada de arteBA.

27 de abril de 2017

El Museo de Arte Tigre inaugura las muestras de Aldo Paparella  y Ernesto Arellano


“Los Paparella en diálogo” con curaduría de Cecilia Rabossi y Cristina Rossi, reúne un conjunto de obras del escultor de origen italiano Aldo Paparella (1920-1977) y las propuestas estéticas de sus tres hijos: las fotografías de Aldo Paparella Nix (1958), las producciones objetuales y fotográficas de Juan Paparella (1965) y la música interpretada por Pablo Paparella (1960).
Nacido en Minturno y tras haber participado en la campaña italiana a África del Norte durante la Segunda Guerra Mundial, Aldo Paparella llegó a la Argentina en los años 50. Su temprano contacto con la escultura romana y los trabajos que realizó como decorador de iglesias, sentaron las bases de su sensibilidad.
Juan Paparella, a mediados de los años 80, realizó una serie de objetos a partir de elementos sencillos y de uso diario como los rollos de papel higiénico. Así como su padre había utilizado cartón y paños pintados con tiza y cola para sugerir las “presencias sacudidoras” que testimoniaban la decadencia que percibía, en un gesto irreverente Juan empleó en sus obra materiales cotidianos igualmente “pobres”.
Aldo Paparella Nix, en cambio,  pone en juego la brevedad del instante del dispositivo fotográfico.
 
“Ernesto Arellano. Facsímiles cerámicos del Jardín de las delicias” cuenta con la curaduría de la directora del museo María José Herrera. El artista pone en primer plano a la cerámica, reivindica y actualiza su estética y el aporte que sumó a la escultura desde las antípodas de los tiempos: a partir de  la alfarería precolombina y su alto grado de sofisticación, hasta la extrema modernidad en la obra de contemporáneos como Lucio Fontana o Pablo Picasso. Sus facsímiles cerámicos exploran la obra El jardín de las delicias, de El Bosco, una obra emblemática del humanismo renacentista que aun inspira al arte y la vida contemporánea.
Ambas muestras inauguran el sábado 29 de abril a las 12.30 hs. en el MAT, Paseo Victorica 972, Tigre, provincia de Buenos Aires.

26 de abril de 2017

El Museo Nacional de Bellas Artes presenta "Lucio Fontana en las colecciones públicas de la Argentina"


El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura la exposición "Lucio Fontana en las colecciones públicas de la Argentina", el viernes 28 de abril a las 19 hs.

Curada por Andrés Duprat y Fernando Farina, la muestra recorre la trayectoria del artista ítalo-argentino Lucio Fontana (Rosario, Argentina, 1899-Varese, Italia, 1968), desde sus esculturas tempranas figurativas, hasta sus experimentaciones en torno a los denominados “Conceptos espaciales”, con los que proponía una expansión de la bidimensionalidad de la pintura.

“Los viajes de Fontana entre Argentina e Italia, y su posterior radicación en Milán, constituyeron la universalización de una vanguardia que, si bien reconocía su inspiración europea, se había constituido en la Argentina”, afirma Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes.

La exposición da cuenta de la presencia de Fontana en las colecciones públicas de nuestro país, y reúne dieciocho obras pertenecientes al acervo de los museos Provincial de Bellas Artes “Emilio Caraffa”, de Córdoba; Municipal de Bellas Artes “Genaro Pérez”, de Córdoba; Castagnino+MACRO, de Rosario; Provincial de Bellas Artes “Rosa Galisteo de Rodríguez”, de Santa Fe; de Artes Plásticas “Eduardo Sívori”, de Buenos Aires; Provincial de Bellas Artes “Emilio Pettoruti”, de La Plata; del Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto, de la Fundación Federico Jorge Klemm-Academia Nacional de Bellas Artes; de la Fundación Espigas-Universidad Nacional de San Martín (UNSAM), y del propio Museo Nacional de Bellas Artes.

La muestra aborda los nexos de Fontana con Italia y la Argentina, y permite reflexionar sobre la identidad del arte nacional y la influencia de la cultura europea. Si bien su recorrido creativo se dividió entre estos dos países, fue en la Argentina donde germinó el artista cuya dimensión se conoce hoy.

Además, se exhibe, por primera vez en el Museo Nacional de Bellas Artes, uno de los pocos ejemplares originales del "Manifiesto Blanco", el primero de una serie de manifiestos que Fontana publicaría a lo largo de su trayectoria, y que respaldarían gran parte de su producción artística.
 
Lucio Fontana. "Concetto spaziale", Attese, 1960, pintura al agua sobre tela, 93 x 137 cm. Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto
 
“Texto programático escrito bajo la dirección de Fontana en 1946, contraría la tradición de las vanguardias en lo que hace a la pretensión de autonomía de las artes, en tanto interpela a la ciencia, que, aduce, produce un cambio en la naturaleza humana; su rol habría de permitir un arte acorde a los nuevos tiempos”, define el director del Bellas Artes. En el documento, se postula que no es el racionalismo contemporáneo, sino el retorno al gesto del hombre primitivo, al  subconsciente, el que ha de abrir otro campo de experimentación del que saldrá la obra de arte nueva, integral, que resuelva la escisión entre naturaleza y cultura promovida por la Modernidad. Allí radica una de las claves de la futura poética que Fontana desplegará en Italia a través de sus múltiples registros artísticos.

En este sentido, es Fontana quien saldará definitivamente los planteos acerca de la representación pictórica de las vanguardias históricas, con obras como "Concepto espacial, Espera /+1-AS/ El jardinero está arreglando el Jardín (59 T 140)", ca. 1959 –perteneciente al patrimonio del Bellas Artes–, que sintetiza gran parte del trabajo del artista, así como también las propuestas conceptuales de sus escritos. Fontana no continuará el camino de sus contemporáneos que exploraron la superficie de la tela como espacio discursivo, sino que atacará la estructura misma de la retícula como sostén de la imagen, porque el simple gesto del tajo abrió esa trama hacia otra espacialidad. A partir de ese corte, la pintura como soporte de la representación cambió para siempre.

La exposición cuenta con el apoyo de la Sociedad Italia Argentina (SIA), la Embajada de Italia en Argentina, el Instituto Italiano de Cultura y la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes.

Acompañando la muestra, el Museo, junto con la Asociación Amigos del Bellas Artes, organizará durante el mes de mayo un ciclo de cine italiano, programado por Leonardo D'Espósito. Se proyectarán seis películas: "9 x 10 Novanta" (2014, directores varios), "Viaggio sola" (2013, María Sole Tognazzi), "Italy in a day" (2014, Gabriele Salvatores), "Io e te" (2012, Bernardo Bertolucci), "Il Solengo" (2016, Alessio Rigo da Righi, Matteo Zoppi) y "La Mafia uccide solo d’estate" (2013, Pierfrancesco Diliberto). El ciclo, que se realizará en el Auditorio de la Asociación Amigos del Bellas Artes (Av. Pdte. Figueroa Alcorta 2280), cuenta con la colaboración del Instituto Italiano de Cultura, la Embajada de Italia, el Instituto Luce, el Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto de la Argentina y el INCAA.

"Lucio Fontana en las colecciones públicas de la Argentina" podrá recorrerse en la sala 33, ubicada en el primer piso del museo, hasta el 30 de julio de 2017, de martes a viernes, de 11 a 20 hs. y sábados y domingos, de 10 a 20 hs. con entrada libre y gratuita, en Av. del Libertador 1473, Buenos Aires, Argentina.

25 de abril de 2017

La mirada de Grete Stern sobre el gran Chaco


El jueves 27 de abril a las 18.30 horas inaugura en el Museo de Arte Popular José Hernández la exposición de imágenes de aborígenes del Gran Chaco que tomó la reconocida fotógrafa Grete Stern durante los viajes que realizó en 1959/60 y 1964.

Más de cien tomas blanco y negro fueron realizadas en su viaje fotográfico por las provincias del Chaco, Formosa y Salta y que pueden descubrirse en el Museo. Este ensayo fotográfico sobre los pueblos aborígenes de nuestro territorio, es un compendio que refleja técnica, cultura y una mirada antropológica que lo convierte en único y original en su género.

Grete Stern (1904- 1998) fue una diseñadora y fotógrafa alemana-argentina. En el primer viaje, su travesía tenía por meta “documentar durante cuatro meses la vida y la artesanía de algunos de los grupos aborígenes” que había conocido unos años antes, tras una serie de talleres que dictó en Resistencia.
 

La experiencia vivida hizo que Grete programara un nuevo viaje en 1964, en donde la mirada se ampliaba a interceptar también la forma de vida de estos pueblos. Los resultados fueron maravillosos y están a la vista en esta colección que generosamente comparte con nosotros Matteo Goretti y cura el especialista y estudioso de Grete, Luis Príamo.

En el marco de la muestra se realizará “Animando con Grete Stern”, un taller de animación stop motion a partir del fotomontaje, técnica que comprende otra faceta de la artista. Se trabajará en la producción de un video animado con reproducciones de las obras expuestas. El taller dura un único encuentro y se dictará en dos oportunidades: sábado 29 de abril / viernes 5 de mayo de 16 a 18.30 hs. El costo del curso, realizado en conjunto con la Asociación de Amigos, es de $380 con materiales incluidos. Coordina Sofía Quirós (Lic. en Artes Visuales).

La muestra permanecerá abierta hasta el domingo 30 de julio de 2017 y se puede visitar de martes a viernes de 13 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. en Av. del Libertador 2373, Buenos Aires, Argentina. Entrada $10. Miércoles gratis.

arteBA Fundación anuncia una nueva edición de Solo Show Zurich en arteBA 2017


Nuevamente se realizará una nueva edición de Solo Show Zurich en arteBA 2017, que se realizará del miércoles 24 al sábado 27 de mayo en La Rural, Buenos Aires.
En Solo Show Zurich un curador invita a artistas latinoamericanos y a sus galerías representantes a participar con exhibiciones individuales.

Galería Machete (Ciudad de México) › Hulda Guzmán. Acoustic levitation, acrílico sobre plywood, 2016. Gentileza arteBA Fundación 
 
En esta edición, la sección cuenta con la incorporación de la curadora Sofía Hernández Chong Cuy (curadora de arte contemporáneo para la Colección Patricia Phelps de Cisneros, Nueva York y Caracas) quien, a partir de la invitación de arteBA, ha seleccionado a un grupo de artistas latinoamericanos cuyo trabajo delata la variedad de aproximaciones sensibles que dan sentido a nuestra contemporaneidad. A partir de esta selección, la curadora enuncia una sugerencia muy sencilla: “rodearse de su trabajo y desenvolverse junto a él, vivir, sentir y pensar nuestro presente con la obra de estos artistas”.
 
Galería Agustina Ferreyra (San Juan de Puerto Rico) + Mite (Buenos Aires) › Adriana Minoliti. Play Cow (De la serie Play-C), impresión digital sobre canvas, 2016-201. Imagen cortesía de la artista, Galería Agustina Ferreyra y Galería Mite. Adriana Minoliti©. Gentileza arteBA Fundación
 
Galerías y artistas participantes:
Carmen Araujo Arte (Caracas) › Dulce Gómez.
Galería Agustina Ferreyra (San Juan de Puerto Rico) + Mite (Buenos Aires) › Adriana Minoliti.
Galeria Leme (San Pablo) › Christian Vinck.
Instituto De Visión (Bogotá) › Ana María Millán.
Joségarcía (Ciudad de México) › Mario García Torres.
Machete (Ciudad de México) › Hulda Guzmán.
Nomínimo (Guayaquil) › Oscar Santillán.
Nube Gallery (Santa Cruz de la Sierra) › Andrés Pereira Paz.
Revolver (Lima) › Philippe Gruenberg.

24 de abril de 2017

Nora Iniesta presenta su libro "1816 Bicentenario 2016"


En el marco de la Ley de Mecenazgo, el miércoles 26 de abril a las 12.30 hs., la reconocida artista Nora Iniesta presentará el libro “1816 Bicentenario 2016” junto con Canela, quien realizó el prólogo del mismo, en el auditorio del Banco Ciudad, Esmeralda 660, 6° piso, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

En el libro, se registró la tarea llevada a cabo por la artista durante el mes de julio de 2016 en San Miguel de Tucumán, donde niños en edad escolar pudieron dialogar con ella a partir de la obra Alegoría. Se trata de una obra donde se resignifica la casa histórica a 200 años de la jura de nuestra Independencia, construída en su totalidad con piezas Rasti y que aún hoy puede verse en el Aeropuerto de la ciudad de San Miguel de Tucumán. 

“¿En qué pensaba la artista cuando imaginó que con piezas encastradas podía representar esta fachada en una originalísima instalación a gran escala? No lo sabemos, aquello que dispara la creación de una obra muchas veces es un secreto. Pero si podemos afirmar que en la construcción lúdica de este ícono de nuestra identidad una vez más Nora Iniesta rinde, como solo ella y su creatividad pueden, homenaje al país.”
“Ha sido un trabajo de ingeniería, diseño, tecnología e imaginación. El gozoso resultado para el que se empeñaron 90 días y unas 30.000 piezas, a pesar de su gran complejidad, nos recuerda con ternura, la tarea escolar de armar con las plantillas del recordado Billiken, cartulina y engrudo, el célebre monumento” expresó Canela en el prólogo.  

Con posterioridad, el libro se presentará en el Museo Provincial de Bellas Artes Timoteo Navarro de la ciudad de San Miguel de Tucumán, junto con la obra realizada hace un año atrás en conmemoración del Bicentenario de nuestra Independencia, luego en el MAC, Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad de Salta. Después le seguirán París y Roma. En el mes de junio próximo la artista viajará a Santo Domingo, capital de República Dominicana para inaugurar una exposición que se llevará a cabo en simultaneidad con un festival de cine argentino que prepara la embajada de nuestro país allí. Cabe mencionar que tanto el libro como la obra fueron posibles realizarlos gracias a la Ley de Mecenazgo de la Ciudad de Buenos Aires.

La artista plástica Silvina Benguria expone en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA


Del 26 de abril al 25 de mayo la reconocida artista plástica argentina Silvina Benguria presenta la muestra “Imágenes equivocadas” en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA (Universidad Católica Argentina), Alicia Moreau de Justo 1300, Puerto Madero, Buenos Aires, Argentina.

“Imágenes equivocadas” es una muestra que se compone de 20 obras de mediano y gran formato realizadas en óleo sobre tela y con una paleta explosiva de colores saturados, que retratan el proceso creativo de la artista a través de lo que rescata de las sensaciones que le producen la creación de lo irreal, lo que no existe, lo intangible, lo utópico, lo equivocado ante la verdad. La inspiración nace de la ambigüedad de un conjunto de situaciones cotidianas, reales y explícitas, situaciones de la vida, que emergen de la imaginación de la artista de aquello que se considera incorrecto y que le permiten exponer aquello que es inexacto, prohibido, que sale por fuera de todo lo que es común, lo desconocido, pero que, a su vez, se permite ser único, auténtico e irrepetible.

10 de las obras que presentará son inéditas, realizadas durante este 2017 y, la otra mitad, es una selección de Benguria con obras que datan de 25 años atrás hasta 2016, con la consigna propuesta, donde sus características mujeres, barcos, animales, paisajes y personajes caricaturescos, son los refugios más presentes para esta artista nacida en Buenos Aires y cuyo trabajo indaga en lo más íntimo, jugando con la ironía, quitándose de su interior lo que no quiere guardar.

“Amo pintar. Siempre soñé con ello. No tengo dudas, que las mejores ideas creativas nacen de aquello que imaginamos, aquello que no vemos todos los días. Por eso quise empaquetar esta serie inspirándome en lo prohibido, porque atraen las situaciones desconocidas” define Silvina Benguria.
En esta muestra, además, la artista presenta dos emblemáticas obras preparadas con las que rindió homenaje a la provincia de Mendoza tras su última exposición: Tupungato y Dinosaurio, en una muestra que se llevó cabo en el mes de octubre en Tunuyán, Valle de Uco.


El  Pabellón de las Bellas Artes de la UCA, ubicado sobre la calle Alicia Moreau de Justo al 1300, en Puerto Madero, este espacio de arte y cultura pluridisciplinario, interdisciplinario y abierto tiene por misión establecer un ámbito para el conocimiento y la difusión de las bellas artes. Es, al mismo tiempo, un pabellón de arte y un centro de creación, favoreciendo la expresión de nuevas formas y concepciones artísticas.

Silvina Benguria nació en Buenos Aires y desde 1965 participa en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Estados Unidos, Finlandia, Holanda, Italia, Japón y Uruguay.
Desde su primera mención en el Premio Braque de 1966, se hizo acreedora de varios premios, entre los que merecen mencionarse el Primer Premio de la Bienal de Valparaíso, el Primer Premio del Salón Nacional de Artes Plásticas y el Primer Premio de Boca 100 años.
Poseen obras suyas a los museos Bellas Artes de Buenos Aires, Museo de Arte Moderno, Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile y al Museo Internacional de la Gráfica de Chillán, Chile.

22 de abril de 2017

Se premió a los mejores expositores en decoración, arte, paisajismo y arquitectura de Estilo Pilar 2017


Se conocieron los ganadores de la 15º Edición de Estilo Pilar, la exposición de decoración, arte, arquitectura y paisajismo organizada por la Asociación Civil Amigos del Pilar a total beneficio de la atención gratuita odontológica pediátrica en Pilar que permanecerá abierta hasta el 23 de abril en Puertos de Escobar.
Un prestigioso jurado de especialistas en cada rubro calificó a las mejores expresiones en Arte, Decoración, Arquitectura y Paisajismo que se exhibieron durante este mes en la reconocida muestra solidaria.
 
Decoración:
Mejor definición de Estilo – Premio Estilo Pilar para Sergio Muchnik y Magalí Muchnik. Dash (D4) y menciones para: Modulus (D10) y Estudio ModoCasa.
Mejor diseño interior - Premio DArA para Analía López Angriman (D6) y mención para Di Marco – Badia – Guarracino (D13).
Mejor uso del color - Premio Colorin  para Analía López Angriman (D6) y menciones para Patagonia Flooring – María Isabel Sanchez – Rosana Palazzo (D3) y Marianela Brovelli (D7).
Mejor uso de la madera y diseño – Premio Patagonia – Modulus (D10).
Mejores ideas – Premio Living para Qubify (D19) y mención para Analía López Angriman (D6).

Arte:
Premio Estilo Pilar para los artistas: Pablo Fracchia “Escultura en granito gris”, Victoria Azpiroz “Escultura en cerámica”, Laura Bunsow “La Lupa de Anita” (Acrílico) y una mención para Cecilia Mortola “Luces y Sombras” (Acrílico).
En Paisajismo los premiados fueron:
Mejor diseño del Paisaje – Premio Estilo Pilar para Farrell Schlumpp (J11) y mención para Valeria Yague (J7).
Premio Jardín para Claudia Rossi (J13) y mención para Valeria Yague (J7).
Mención Escuelas de Paisajismo - Premio Estilo Pilar a la Creatividad para EAD (Escuela Argentina de Diseño) (J3).
En Arquitectura recibieron premios: 
Yanibeli “Coherencia – Materialidad – Ambiente”, Qubify “Premio a la sustentabilidad” y Onix “Re- utilización del recurso” – Modelo de vivienda de Ecosan.

Estilo Pilara se puede visitar hasta el 23 de abril, miércoles, jueves, domingos y feriados desde las 11 hs. hasta las 18 hs. y viernes, sábados y vísperas de feriados desde las 11 hs. hasta las 19 hs. en Puertos  de Escobar, Km 45. Panamericana Ramal Escobar.
Puertos cuenta con un excelente acceso directo de 4km asfaltado, iluminado y de dos vías por mano desde Panamericana.
Valor de las entradas: generales $ 180, jubilados y grupos de 10 o más personas $ 150. Miércoles, jueves y viernes 2x1. Sellando en la carpa de ADP la entrada, se puede volver gratis miércoles, jueves y viernes.

21 de abril de 2017

Experiencia Dixit 2017 en arteBA


Este año, en la edición 26 de arteBA que tendrá lugar del 24 al 27 de mayo en La Rural, la sección Dixit, a cargo de los curadores Sarah Demeuse y Javier Villa, abordará el futuro desde “… una necesidad visceral e intensificada de estar en en el presente” y la se llamará rro.

“rro es onomatopeya de la palabra raw pero también es un signo visual que representa una persona gateando, tocando la tierra con manos y pies. rro es el producto de una conversación entre dos, un método para continuar el pensar con artistas, y estar en un presente radicalmente vivo.”

“rro es exposición y acción. Se deja conectar con públicos más amplios y dispersos que quieran conectarse. Ocurre dentro del recinto de arteBA (La Rural) y afuera, en la ciudad de Buenos Aires. rro se hace visible a tiempos distintos: antes, durante y después de la feria de arte. La propuesta expositiva insiste en una selección sintética para contrarrestar la sobredosis visual del micro-contexto de la feria y existe en íntima conexión conceptual y afectiva con la acciones por fuera de la Rural. En el agregado de este adentro y afuera surge rro.”
 
Una primera aproximación a esta propuesta se realizó el martes 7 de abril cuando los curadores convocaron a través de whatsapp a artistas de Dixit y galeristas para realizar un recorrido a pie para probar de manera experimental las primeras ideas del proyecto curatorial junto a Osías Yanov, Eduardo Navarro, Sofía Bohtlingk y Juane Odriozola.

Otros artistas que también formarán parte de esta experiencia Dixit tanto dentro como fuera de la feria, serán: Mercedes Azpilicueta, Sofía Bohtlingk, Oscar Bony, Kristina Buch, Mónica Girón, Fernanda Laguna con Belleza y Felicidad Fiorito, Cristóbal Lehyt, Ieva Misevičiūtė, Eduardo Navarro, Juane Odriozola, Florencia Rodríguez Giles, Alejandra Seeber, Paul Sharitz, Adrián Unger y Osías Yanov, entre otros.

Galerías participantes en Dixit 2017: Barro Arte Contemporáneo, Cosmocosa, Die Ecke, Galería Nora Fisch, Ruth Benzacar Galería de Arte, Slyzmud.


Las fotos son gentileza de arteBA Fundación.

20 de abril de 2017

Dos inauguraciones en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires


El sábado 22 de abril a las 16 hs, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires inaugura dos exposiciones: Episodios Colección Pirovano III: “El camino de la abstracción. Diálogos sobre arte moderno entre Ignacio Pirovano y Tomás Maldonado”  y Diego Bianchi: El presente está encantador.
 
Piet Mondrian. Sin título [Untitled], c. 1950
 
En la sala Dr. Ignacio Pirovano el museo despliega los diferentes episodios de la Colección Pirovano y propone nuevas miradas sobre un patrimonio clave: un conjunto de 59 piezas donadas tras la muerte de Pirovano en 1980 por su hermana Josefina Pirovano de Mihura. A través de sucesivos capítulos que presentan lecturas específicas sobre obras y artistas del conjunto, se trazan relatos en torno del arte moderno, la colección y su mecenas.
 
Tomás Maldonado. Azul con estructura [Blue with Structure], 1953/1954
La exposición, curada por María Amalia García -curadora asociada del museo-, explora la intención y el sentido que guiaron la reunión del conjunto de pinturas, obras gráficas y esculturas que la integran. La colección buscaba exponer un argumento compartido entre mecenas y curador: la evolución del arte moderno y su desplazamiento final hacia la abstracción. Este largo y complejo proceso que comenzó a finales del siglo XIX, se encontraba a mediados de la década del 40 en plena ebullición en la Argentina, momento en el cual Ignacio Pirovano y Tomás Maldonado se conocieron y compartieron una intensa amistad y numerosos proyectos. Maldonado era un joven impulsor de la vanguardia abstracta porteña; Pirovano, trece años mayor, era abogado de profesión y participaba activamente en el circuito artístico como artista y coleccionista. La formación de esta colección de arte abstracto fue el gran proyecto que diseñaron juntos. En palabras de la curadora: “Este episodio es fundante de la Colección y pretende guiar el recorrido historiográfico en torno de la abstracción; cómo se contó la historia del arte abstracto y cómo, a su vez, Maldonado le contó esta historia a Pirovano”.
Permanecerá hasta el 10 de junio de 2018.
 
Para esta exposición, Diego Bianchi (Buenos Aires, 1969) fue invitado a desarrollar un proyecto en una de las salas del museo, donde propuso provocar un encuentro entre su obra y el patrimonio de la institución. Así, en El presente está encantador, curada por Javier Villa -curador senior del Museo de Arte Moderno- Bianchi se nutre de la colección para transformarla en una gran obra, una instalación transitable y envolvente, donde se mezclan piezas propias y de artistas como Tomas Abal, Roberto Aizenberg, Antonio Amendola de Tebaldi, Ary Brizzy, Mildred Burton, Zulema Ciorda, Enio Iommi, Jorge Gamarra, Olga Gerding, Edgardo Giménez, Norberto Gómez, Alberto Heredia, Gyula Kosice, Eduardo Mac Entyre, Margarita Paksa, Aldo Paparella, Rogelio Polesello, Emilio Renart, Ruben Santantonín y Miguel Ángel Vidal, entre otros.
 

Como afirma Javier Villa: “El presente se devora así el pasado, pero el pasado tampoco deja de perseguir al presente como un karma: ciertos artistas de la colección desdibujan la autoría de Bianchi, ya que varios de sus objetos podrían confundirse con un Alberto Heredia o un Enio Iommi”.
La intervención de Diego Bianchi incluye la producción de obras nuevas pero que emergen como dispositivos, situaciones y andamiajes para la circulación, la exhibición y la percepción de otras obras, ya sean piezas históricas patrimoniales o del pasado del artista. El primero de estos dispositivos es un largo pasillo que rodea la sala casi por completo. Es una obra y, a su vez, un espacio de circulación y exhibición que provoca un condicionamiento físico del espectador dentro del espacio artístico.
La muestra permanecerá hasta el 6 de agosto de 2017.

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires se puede visitar de martes a viernes de 11 a 19 hs. y los sábados, domingos y feriados de 11 a 20 hs. en Avenida San Juan 350, San Telmo, Buenos Aires, Argentina. Entrada general: $20. Martes: gratis.

17 de abril de 2017

Primera exposición y festival internacional de mosaico contemporáneo en Argentina


Con la organización y curaduría de la reconocida artista Liliana Waisman y contando con la presencia de  mosaiquistas  reconocidos del mundo, entre ellos el maestro italiano Giulio Menossi, se presenta por primera vez en Buenos Aires Musiv.Ar17: “Primera Exposición y Festival Internacional de Mosaico Contemporáneo en Argentina”.

La exposición estará abierta del miércoles 19 al sábado 29 de abril del 2017 y se podrá visitar de martes a sábados, de 15 a 20 hs. en la galería de arte Central Newbery, ubicada en Jorge Newbery 3599, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
 
MUSIV.AR17 nace de la idea de difundir el mosaico como arte, por fuera de su uso como revestimiento o decoración, así como insertar al mosaico argentino dentro del contexto internacional y darle la posibilidad al público y los profesionales argentinos de conocer en vivo y en directo las obras de destacados artistas del mundo. 


Además de la exposición de las obras, el evento contará con otras actividades como conferencias, disertaciones, clases, demostraciones, visitas guiadas por distinguidos murales de Buenos Aires, e inclusive música y danza en interacción temática con el mosaico durante la inauguración de la muestra.
 
Entre las actividades más destacadas del evento, el sábado 22 de abril, antes de la disertación del maestro Giulio Menossi, se desarrollará un taller abierto de mosaico para niños.
La entrada y todas las actividades son abiertas y gratuitas.

Móvil presenta la exhibición “Todas las ideas con las que me he acostado” del artista Manuel Molina


Móvil presenta la exhibición “Todas las ideas con las que me he acostado” del artista Manuel Molina, con curaduría de Cuauhtémoc Medina, Alejandra Aguado y Solana Molina Viamonte. El nombrado crítico y curador estuvo en Buenos Aires para participar del montaje y la inauguración.
“Todas las ideas con las que me he acostado” es una instalación en la cual objetos cotidianos que provienen fundamentalmente del ámbito doméstico y del mundo del camping se reconfiguran en citas de reconocidas obras de la historia del arte -de artistas como Tracey Emin y Vasily Kandinsky- o se reordenan para reflexionar sobre nociones de larga tradición estética y filosófica, y acerca de nuestros hábitos de consumo.

La instalación de Manuel explora, discute y evidencia, mediante este proceso de imitación, la complejidad de nuestros hábitos de consumo y producción artísticas. A través de lo que él mismo ha definido como “estetofagia” -esta capacidad para devorar y reinterpretar todas las corrientes conocidas del mundo del arte así como los fenómenos estéticos del mundo de la vida, incluyendo los que deparan las redes sociales, la vida doméstica o el ocio-, busca conectarse con otras maneras de imaginar mundos, así como investiga el potencial de significación de los objetos cotidianos para hablar de las condiciones materiales de la vida obereña, pero también para sintonizar y reconsiderar ideas que han definido teorías estéticas desde hace casi un siglo y reflexionar sobre la simultaneidad, accesibilidad y desborde que define la producción artística bien entrados los años 2000.

Un picnic sin hormigas, texto curatorial de Cuauhtémoc Medina.
“Antes que una temática, estilo, medio o signo, el elemento característico  del trabajo de Manuel Molina  (Córdoba  Argentina, 1988)  es haber identificado como principio poético una cierta lógica: permitir que las  categorías, límites, bordes y prohibiciones que constituyeron algunos de los capítulos claves de la teoría estética aparezcan como referentes, disparadores y arquitectura invisible de una variedad de derivas apropiacionistas y formidablemente excéntricas, que ponen simultáneamente de cabeza la seriedad restrictiva del modernismo y la arbitrariedad del signo de la cultura contemporánea. (…) las investigaciones de Molina dependen de un centro imaginario: el referente inalcanzable de la Teoría estética (1969) de Theodor Adorno, quizá el momento de reflexión más audaz de la aventura de una sensibilidad autocrítica. (…) En ese sentido, las Investigaciones emulan la puesta al día de un esfuerzo de síntesis, lo que sugiere que si bien los términos de la dialéctica entre arte, cultura, economía e historia han cambiado, no así la persistencia de una trabazón compleja entre la producción material e inmaterial, en un campo cultural cuya sofisticación, descentramiento y erudición no lo priva de ejemplificar una curiosa mezcla de ingenuidad y desencantamiento. (…) El mismo título de Manuel Molina, Todas las idea con las que me he acostado, enmarca sus obras en una temporalidad eminmentemente epigonal: exhibir la promiscuidad teórica aparece como una forma de expiación, la marca de un arte que aspira a emerger en medio del paisaje más bien desolador de un consumo continuamente estetizado, y de una práctica artística reducida a mero consumo de la reflexión de lo estético.”

Manuel Molina nació en Córdoba, Argentina, en 1988. Estudió en la Facultad de Artes y en la Facultad de Filosofía de la Universidad Nacional de Córdoba (UNC), donde actualmente lleva adelante su proyecto de doctorado. Trabaja en Córdoba como artista, docente e investigador.

Móvil es una organización independiente y sin fines comerciales dedicada a la producción y exhibición de arte contemporáneo con especial interés en la experimentación y acercar la práctica emergente a públicos diversos.
Fundada y dirigida por Alejandra Aguado y Solana Molina Viamonte funciona desde abril de 2014. Su principal objetivo es que artistas jóvenes puedan concebir y realizar un proyecto inédito cuyo desarrollo les permita dar un salto en su producción y tenga así un impacto en su trayectoria.
Las exhibiciones son acompañadas por un programa de visitas destinadas a todo tipo de grupos. En diálogo con curadoras, artistas y educadores especializados, estos encuentros gratuitos oscilan entre el taller, el recorrido guiado, la charla y las actividades lúdicas, dependiendo de las necesidades e intereses de quienes los visitan.

La exposición se puede visitar hasta el 3 de junio, viernes y sábados de 15 a 19 hs.  con entrada gratuita en Móvil. Iguazú 451, Parque Patricios, Buenos Aires, Argentina.
+ info en: www.movil.org.ar

La artista Mónica Millán expone en Vasari


El miércoles 19 de abril a las 19 hs. inaugura en Vasari la exposición “Pasa ante mí el silencio” de la artista Mónica Millán.
Acompaña la exhibición un texto de Mercedes Casanegra quien sostiene: “Como un work in progress, Mónica Millán (San Ignacio, Misiones, 1960) presenta un conjunto de telas bordadas y dibujadas dentro de la línea de otras exhibidas en 2014, con el barroquismo y la fruición de un oficio antiguo: el bordado, que reúne para ella arte y  militancia, por sus infinitas asociaciones estéticas y simbólicas, por una parte, y el dibujo, por otra. La artista asume la amplia convicción y compromiso latentes de una labor constructiva en cada puntada y en cada trazo. Su minuciosa acción retoma, además, la memoria cultural del surgimiento del Ao-poi, cuando en tiempos de dictadura en territorio paraguayo (1812-1840), cerrada la importación de productos foráneos, las mujeres paraguayas haciendo uso de su imaginación e ingenio crearon esa delicada tela para confección de prendas. La labor de Mónica Millán rastrea en orígenes de otras culturas antiguas el parentesco  dibujo y bordado”.
La exhibición podrá visitarse de lunes a viernes de 11 a 20 hs.  hasta el viernes 2 de junio en Esmeralda 1357, Buenos Aires, Argentina.

16 de abril de 2017

Se presenta el catálogo razonado con 1900 obras de Xul Solar en el Museo Nacional de Bellas Artes


El Museo Nacional de Bellas Artes presenta "Xul Solar. Catálogo razonado: obra completa", un trabajo dirigido por Patricia Artundo y editado por la Fundación Pan Klub, que registra de forma cronológica las casi 1900 piezas que conforman toda la producción del polifacético artista documentada hasta el presente y permiten reconstruir su universo creativo.

La actividad -que acompaña la muestra “Xul Solar. Panactivista”, que se exhibe en el Bellas Artes hasta el 18 de junio- se realizará, con entrada libre y gratuita, el martes 18 de abril, a las 18.30  horas, en la Sala 33 del museo, ubicado en Av. del Libertador 1473, Ciudad de Buenos Aires.

Participarán del encuentro Patricia Artundo (doctora en Letras e historiadora del arte), Elena Montero Lacasa de Povarché (presidenta de la Fundación Pan Klub desde 2008 y directora del Museo Xul Solar), Ángel Navarro (curador de obras sobre papel anteriores al siglo XIX en el Museo Nacional de Bellas Artes) y Sofía Frigerio (responsable de proyectos editoriales, curatoriales y de catalogación en diversas instituciones).

Organizado en dos tomos, el catálogo da cuenta de sus pinturas y dibujos desde 1913 a 1963, su método de trabajo, sus investigaciones en torno a diversas problemáticas, el Panajedrez, el I Ching, las lenguas artificiales, el esoterismo, la astrología, su teatro de títeres para adultos, entre muchas otras áreas del conocimiento y de la praxis artística en las que el Xul Solar volcó sus esfuerzos a lo largo de cincuenta años.

Los núcleos temáticos que estructuran la publicación son Obras (1913-1962), Dibujos, Ilustraciones para libros y revistas, Objetos y objetos modificados, y Estudios, bocetos, obras inacabadas y obras desestimadas.

En el Museo Nacional de Bellas Artes, la exposición temporaria “Xul Solar. Panactivista”, curada por Cecilia Rabossi, recorre la obra de Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari (1887-1963), protagonista de la vanguardia argentina del siglo XX, a 130 años de su nacimiento. La muestra reúne más de 180 obras, entre acuarelas, témperas, objetos, máscaras, manuscritos, ilustraciones y documentos personales, que revelan el carácter místico y utópico de la producción de este artista, músico, astrólogo y “escribidor”.

14 de abril de 2017

De regreso del fin del mundo

Se realizó la primera Bienal de Arte en la Antártida y al regreso se presentaron las conclusiones en una conferencia en el Faena Art Center


En la conferencia de prensa que se celebró en el Faena Art Center de Puerto Madero, organizadores, artistas, científicos, funcionarios, partners y amigos celebraron el fin de una experiencia única e innovadora para el mundo del arte.
Antarctic Biennale es un proyecto único, que reúne a una tripulación de más de 100 artistas, arquitectos, científicos, investigadores, filósofos y visionarios tecnológicos de distintas partes del mundo en una travesía de 12 días a la Antártida, con el objetivo de plasmar su arte en el majestuoso lienzo blanco que propone el Continente Antártico.
La cooperación y el intercambio fueron pilares fundamentales de esta expedición ideada por Alexander Ponomarev que busca diseñar una plataforma intercultural e interdisciplinaria para el diálogo sobre el futuro de los “espacios compartidos” como la Antártida, los océanos y el Cosmos.
Joaquín Fargas y Pablo Avelluto
 
El ministro de cultura de la Nación Pablo Avelluto, abrió la conferencia de prensa y destacó: “Esta misión tiene una transcendencia difícil de medir. Es notable como permitió combinar distintas áreas afines al arte, con un gran espíritu de cooperación y llevando más allá los límites de la innovación, la creatividad, las vanguardias y las maneras de expresar el arte”.
La Bienal de la Antártida contó con la participación de dos artistas argentinos: Tomás Saraceno, y Joaquín Fargas.
 
Joaquín Fargas presentó una instalación robótica creada y producida en conjunto con la Universidad Maimónides: Glaciator, que consta de dos robots alimentados a energía solar que con sus pasos ayudan a compactar y recristalizar la nieve para que esta se convierta en hielo y se adhiera a la masa del glaciar.
La pérdida de masa de los glaciares por la fusión del hielo en agua es el efecto más alarmante del calentamiento global, en este sentido Glaciator trabaja acelerando el proceso de formación de hielo, con la finalidad de conservar el hielo de los glaciares, adicionando nieve para que se regeneren y recuperen la masa que perdieron.
La misión final de Glaciator es generar conciencia sobre el cambio climático, el derretimiento de los hielos y sus consecuencias sobre el planeta. Este trabajo complementa otros ya realizados por el artista e ingeniero en la Antártida, donde en 2011 instaló sus obras “Extinción-Creación” y “Don Quijote contra el cambio climático”.

Mientras que Tomás Saraceno dijo sobre la experiencia: “Creo que la colaboración es el futuro. Estoy muy feliz de haber formado parte de este proyecto que logró articular distintas disciplinas de una manera tan maravillosa. La idea de ese bote que fue a la Antártida es dar cuenta que todos nosotros estamos juntos en un mismo bote que se llama Planeta Tierra. En el momento que empezamos a trabajar juntos, a compartir, y a inventar un futuro basado en la colaboración, la participación y la generosidad, las posibilidades son ilimitadas”.

El alma mater detrás de la Antarctic Biennale es Alexander Ponomarev: artista multidisciplinario, navegante e ingeniero náutico que en los últimos 30 años ha organizado más de 100 proyectos artísticos, exhibiciones y eventos en algunos de los lugares más remotos del planeta, como distintos océanos, el Ártico, la Antártida y el desierto del Sahara. Sobre Antarctic Biennale dijo: “La Antártida es el último continente libre que no pertenece a ningún país, y según los tratados internacionales está destinado exclusivamente a las actividades creativas y a la investigación científica en pos de la humanidad. Como el arte, la Antártida es pura, difícil de alcanzar y misteriosa. Este sublime continente es como una hoja blanca de papel en la que artistas de diferentes países y nacionalidades intentarán escribir las nuevas reglas de cooperación”.
Inspirado por los valores de cooperación internacional y la búsqueda creativa, el proyecto también contó con el apoyo de Kaspersky Lab como main partner.

11 de abril de 2017

"Premio Braque 1963-1997" en el MUNTREF


La Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) junto a la Embajada de Francia en Argentina presentan la muestra "Premio Braque 1963-1997", una exposición retrospectiva de las obras que participaron del Premio Braque desde su creación hasta su última edición de la primera etapa, con obras de juventud de cerca de 50 artistas que exhiben el espíritu que lo guio, las tensiones que lo atravesaron y su impacto en la historia del arte argentino.
Concebida como una travesía a lo largo de la historia del Premio Braque, la muestra es el resultado de una exhaustiva investigación incubada en el marco de la maestría en curaduría en artes visuales de la UNTREF por Lucie Haguenauer.
 
Delia Cancela y Pablo Mesejean. "Chicas floridas", 1967
El Premio Braque fue un espacio y una institución clave para los jóvenes artistas argentinos, sirvió como un espacio de experimentación, de presentación en la escena artística y de formación profesional. Construyó su prestigio en la época de su creación y a largo plazo integrando lo “joven” en una visión amplia y abarcadora de poéticas y lenguajes muy variados. Debido a que supo integrar una variedad de estilos, movimientos y escuelas es que pudo transitar 35 años de la historia del arte argentino. 
Incorporó artistas de todo el país con sus poéticas singulares, artistas a veces ignotos que permitieron contemplar otros relatos históricos.  En algunas de sus etapas se orientó hacía imágenes más conservadoras para lograr sostener su espacio en el escenario porteño.
 
Leandro Erlich. "Ascensor", 1995
La exposición se conforma con obras de los artistas: Nelson Blanco, Nicolás García Uriburu, Emilio Renart, Honorio Morales, Delia Cancela y Pablo Mesejean, Gabriel Messil, Marie Orensanz, Daniel Ontiveros, Jorge Luna Ercilla, Mabel Rubli, Osvaldo Romberg, Miguel Harte, Eduardo Giusiano y Jorge Schneider, Daniel Scheimberg, Roberto Elia, Jorge Macchi, Carmelo Carrá, Hugo Soubielle, Carlos Alonso, Fernando X. González, Felipe Pino, Eduardo Medici, Roberto Scafidi, Víctor Hugo Quiroga, Daniel Zelaya, Claudia Zemborain, Betina Sor, Máximo Okner, Jorge Pietra, Jacques Bedel, Dino Bruzzone, Lux Lindner, Sebastián Gordin, Nora Iniesta, Pablo Páez, Leandro Erlich, Gustavo Larsen y Daniel Capardi.
 
Dino Bruzzone. "Pont Neuf", 1997
A su vez, continúa en exposición durante tres meses la muestra del Premio Braque 2017 en el MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo, en la Sede Hotel de Inmigrantes, con obras de 30 artistas seleccionados por las curadoras Florencia Battiti, Hélène Kelmacher, Florencia Qualina y Diana Wechsler con la asistencia de Benedetta Casini. Se trata de la 3ª edición de la segunda época del Premio.
La exposición se puede visitar en el MUNTREF Museo de Artes Visuales, Valentín Gómez 4838, Caseros, provincia de Buenos Aires.