30 de abril de 2013

Muestra de Valeria Traversa en la galería “Alejandro Bustillo” del Banco Nación

Del 3 y al 30 de mayo, la galería de arte Alejandro Bustillo del Banco de la Nación Argentina, ubicada en Rivadavia 325 -Ciudad Autónoma de Buenos Aires-, exhibirá la muestra de la artista Valeria Traversa “La fuente Infinita”, una serie de acuarelas y tintas con inclusión de lápices.
Según palabras de Luis Felipe Noé, "la delicadeza, la calma sutil, la riqueza de observación están presentes en las obras de ValeriaTraversa". [...] “pero también quienes observan con detención verán como oscilan entre un paisaje indeterminado y vaporoso y la presencia de accidentes. Para lo primero su arma es la acuarela, para lo segundo lo es el lápiz".
La muestra se puede visitar todos los días hábiles, de 10 a 15 horas.

Estudio abierto con Juane Odriozola en La Ene

La Ene invita a visitar el estudio abierto de Juane Odriozola, artista residente de La Ene durante abril-mayo 2013, el viernes 3 de mayo de 2013 a las 19 hs. en Santa Fe 2729, 1er piso "34".
El proyecto es una muestra (sutilmente o no) mutante, en las que se ha ido documentando la residencia a través de  imágenes de muchas pseudo-muestras.  Es una especie de muestra de vidriera que se podía visitar durante la residencia de Odriozola en La Ene y el estudio abierto es su última mutación.   La residencia de La Ene ofrece un estudio en los predios del museo, una exhibición individual y asistencia general en la realización de proyectos.  La residencia es por invitación.  El Nuevo Museo Energía de Arte Contemporáneo es un lugar para el intercambio entre los distintos ámbitos de la cultura contemporánea.  La Ene apoya la generación de obras y alberga proyectos artísticos, concentrándose en comunicar, investigar, exhibir y difundir el arte actual.

Ciclo en la Universidad de Palermo: "De lo permitido a lo prohibido en el Arte"

La Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Palermo invita al ciclo: “De lo permitido a lo prohibido en el Arte” que se realizará durante 10 encuentros, todos los jueves, entre el 9 de mayo y el 18 de julio, en Mario Bravo 1259. El primer encuentro será el 9 de mayo, a las 12 hs. La actividad es libre y gratuita con inscripción previa. Por cualquier consulta comunicarse al 49644684 o por e-mail a sociales@palermo.edu

Durante el primer encuentro se tratará “La Medusa y la Gorgona” como sinónimos del mal. Los trabajos de Hércules como penitencia. Pan y la sexualidad desenfrenada por las ninfas y, especialmente, por Afrodita. La ira de la Esfinge con Edipo. El castigo de Edipo en Colonno; y, Andrómeda castigada y salvada por Perseo.

El ciclo de encuentros es dictado por Marta Sánchez, Licenciada en Historia de las Artes (UBA), docente universitaria, e investigadora en los Museos "Isaac Fernández Blanco" y "Cornelio de Saavedra". Miembro del Jurado para el Gran Premio Nacional de Platería. Integró el jurado para el Programa de Becas Especiales a la Excelencia artesanal, otorgado por Presidencia de la Nación. Especialista en Arte y Platería colonial.

Fundación Telefónica lanza una nueva edición del concurso “VIDA 15.0” para seleccionar los mejores proyectos de arte y vida artificial

Fundación Telefónica lanza una nueva edición del Concurso Internacional Arte y Vida Artificial, VIDA 15.0, que tiene como objetivo impulsar la creación en el ámbito de la vida artificial a través del reconocimiento del trabajo pionero de artistas e investigadores; y promover el debate sobre las relaciones entre lo natural y lo artificial, favoreciendo propuestas artísticas que inviten a un conocimiento mayor del medio natural y planteen dilemas creativos y ecológicos.
El certamen cuenta con dos categorías: “Incentivos a la producción” en donde uno de los cinco ganadores recibirá el nuevo Premio I+D, el apoyo de un equipo de expertos en investigación, desarrollo e innovación de Telefónica y acudir durante un mes al Research Center de Telefónica I + D, en Barcelona. Por otro lado, la categoría  “Proyectos finalizados” tendrá el Premio Especial del Público, que se trata de un estímulo de 2.500 euros. De esta manera, Fundación Telefónica premiará con 82.500 euros a los proyectos seleccionados en las dos categorías.

El plazo de presentación finalizará el día 31 de julio de 2013, a las 24:00 (hora peninsular) y en octubre de 2013 se hará público el fallo de un jurado internacional constituido por Mónica Bello (España), Andreas Broeckmann (Alemania), Rejane Cantoni (Brasil), Martin Kaltenbrunner (Austria), Seiko Mikami (Japón), Sally-Jane Norman (Nueva Zelanda/Francia), Nell Tenhaaf (Canadá) y Laura Fernández-Orgaz (Responsable de Proyectos de Arte y Tecnología de Fundación Telefónica).

A lo largo de catorce años –desde 1999–, VIDA se ha convertido en uno de los concursos más prestigiosos del mundo del arte y el único en el mundo dedicado al estudio de la vida a través de una labor de fomento y estímulo en un ámbito en el que el arte, la ciencia y la tecnología convergen. Su objetivo es apoyar aquellos proyectos artísticos que aporten visiones novedosas sobre la vida mediante el uso de las tecnologías y el pensamiento científico, expresen la complejidad de la organización de los sistemas vivos y ofrezcan desafíos a los modos actuales de entender la vida.

“Proyectos finalizados”
Para participar en esta categoría, el proyecto deberá ir acompañado de una documentación gráfica: un vídeo de alta calidad con una narración o subtítulos en español o inglés en la que deberá describirse el concepto artístico y la realización tecnológica del proyecto presentado, y un mínimo de 5 imágenes del proyecto en alta resolución.

Cada participante podrá presentar un único proyecto, que debe de haber sido realizado con posterioridad a 2011. Los artistas premiados en ediciones anteriores podrán presentarse de nuevo, así como también los proyectos premiados en la categoría “Incentivos a la Producción” que hayan sido premiados en otras ediciones y que estén por lo tanto finalizados.

Para esta modalidad de premios se ha destinado un total de 42.500 euros que se distribuirán entre los tres primeros premios seleccionados por el jurado del siguiente modo: Primer Premio, 18.000 euros; Segundo Premio, 14.000 euros; Tercer Premio, 8.000 euros.

Adicionalmente a los tres premios, se otorgarán siete menciones de honor de entre las que se elegirá el Premio Especial del Público, que cuenta con una dotación económica, de 2.500 euros. La obra premiada en esta modalidad se seleccionará mediante votación pública durante los siete días posteriores al anuncio de los premios y se llevará a cabo por medios electrónicos a través de la web de VIDA y las redes sociales.

“Incentivos a la producción”
En la modalidad “Incentivos a la producción”, Fundación Telefónica quiere ayudar a financiar proyectos artísticos sobre vida artificial aún no realizados de creadores que tengan la nacionalidad o residan de forma permanente en España, Portugal e Iberoamérica. El jurado valorará la capacidad del creador o creadores para realizar el proyecto propuesto y la gestión de los recursos y del presupuesto. De esta manera, se han destinado un total de 40.000 euros que se distribuirán entre las cinco propuestas seleccionadas por el jurado en esta modalidad.

Además, VIDA 15.0 inaugura en esta edición la colaboración de Telefónica I+D (Investigación y Desarrollo) para estimular la innovación en torno a las últimas tecnologías de vida artificial. De las cinco propuestas premiadas en “Incentivos a la producción”, el jurado y el equipo de Telefónica I+D seleccionará un proyecto que obtendrá, además de la dotación económica del premio de Incentivos a la Producción, el apoyo de expertos en investigación, desarrollo e innovación en las últimas tecnologías de la información. Por otro lado, tendrá la posibilidad de realizar una estancia de un mes en el departamento de innovación de Telefónica en Barcelona, con los gastos de estancia y viaje pagados.

Un grupo de artistas cada vez más numeroso recrea la realidad híbrida de la vida en artefactos artísticos dotados de cualidades dinámicas e interactivas, sintéticas o biológicas, combinando los planteamientos originales de esta disciplina, como la simulación y el modelado de los sistemas vivos, con la biología sintética o la bioingeniería. VIDA quiere descubrir así los nuevos retos y propuestas artísticas que inviten a un conocimiento mayor del medio natural y planteen dilemas ecológicos ante el nuevo entorno.

Para más información visitar:

La galería Jacques Martínez presenta una nueva exposición de Ernesto Deira

A partir del 29 de abril, la galería Jacques Martínez presenta una nueva exposición de Ernesto Deira. Se puede visitar de lunes a viernes de 14 a 20 hs. en Av. de Mayo 1130 - 4º "G", Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Clara Martínez y Martín Deira -hijo del artista-
En esta nueva exposición de Ernesto Deira, la galería ha elegido mostrar obras solamente pertenecientes a la serie "Campos de Concentración". Además de su valor plástico, estas obras tienen enorme importancia e interés por haber sido parte de la exposición "Otra Figuración", realizada en la Galería Peuser en agosto de 1961 junto a Jorge de la Vega, Rómulo Macció, Sameer Makarius, Carolina Muchnik y Luis Felipe Noé. Esta exposición fue el origen del grupo Nueva Figuración, que ha tenido una trascendencia fundamental en el arte argentino.
Deira. Sin título, óleo sobre tela, 183 x 220, 1961
"A comienzos de la década del 60 y en consonancia con otros movimientos internacionales de posguerra, la neofiguración emergió con la voluntad de definir una nueva imagen del hombre. Tomando elementos del informalismo, el expresionismo abstracto y el realismo, desde el punto de vista plástico, la intención fue superar la oposición entre abstracción y figuración. Este interés compartido por algunos jóvenes pintores argentinos los llevó a trabajar juntos en grupo. La Otra Figuración (1961-1965), formada por Luis Felipe Noé, Rómulo Macció, Jorge de la Vega y Ernesto Deira, fue una nueva figuración que creció y se definió con las discusiones teóricas y técnicas de sus miembros y, por supuesto, con las exposiciones, instancia pública de sus preocupaciones estéticas. 
 
El grupo abordó la historia como temática recurrente que permitía dibujar, otra vez, la figura de ese hombre fragmentado que buscaba reconstruirse luego de los horrores de la guerra. Así, ya en la primera muestra, Deira definió su compromiso con el presente al mostrar pinturas con referencias al Holocausto y otros conflictos bélicos contemporáneos.
E
ntre 1960 y 1962 trabajó una serie de óleos que denominó de los Campos de concentración, obras que mostró en la primera y segunda exposición del grupo. 
Figuras abigarradas en espacios comprimidos que connotan la angustia, estos óleos muestran el paso inmediatamente anterior a la explosión de color de sus series típicamente neofigurativas. Asociadas a las pinturas negras de Goya, en ellas Deira ensaya la sugerencia del límite entre figura y mancha. Son el presagio de una libertad plástica que el artista ya había encontrado y maduraría en el desarrollo de su trabajo a lo largo de la década." María José Herrera

29 de abril de 2013








27 de abril de 2013

Obrás inéditas de Luis Frangella en el Centro Cultural Borges

A fines de los años setenta, el artista argentino Luis Frangella diseñó una línea de bolsos con formas de animales que fueron el "boom" de la moda neoyorquina y los usaron Elton John y la mujer del Sha de Irán, entre otros. Sylvester Stallone y los Rolling Stones tienen obras suyas y la reina Sofía de España inauguró su última muestra, poco antes de la muerte del artista. El martes 30 de abril a las 19 hs. se inaugura en el Centro Cultural Borges una exposición de obras inéditas de este notable creador casi ignorado en su país, pero reconocido mundialmente.
La muestra, curada por Elena Oliveras, está integrada por 15 obras de gran tamaño (algunas de cinco por cuatro metros) que estaban en casa de los padres del artista y que se exhiben por primera vez. Se trata de de pinturas en óleo y acrílico, esculturas en cartón y dibujos, que permanecerán expuestas hasta el 19 de mayo.
Luis Frangella nació en Buenos Aires el 6 julio de 1944 y murió en Nueva York el 7 de diciembre de 1990. Realizó un master en Arquitectura en la UBA y trabajó en colaboración con Clorindo esta. Obtuvo la beca de la UBA para estudios de investigación visual en urbanización, la beca del MIT (Massachusetts Institute of Technology) y la Beca Guggenheim.
En 1976 se radicó en Nueva York, donde vivió hasta su muerte. Aunque en Buenos Aires realizó sólo unas pocas exposiciones individuales, su obras tuvo un importante recorrido internacional con muestras reiteradas en Nueva York y en Madrid, Barcelona, Estocolmo, San Francisco y Miami. 

"La obra de Luis Frangella tiene la trascendente contundencia de lo clásico y la frescura del experimento –escribe Elena Oliveras-. Tal asociación lleva a plantear paradojas. En su doble condición de pintor y escultor eleva el objeto más banal, pobre, de descarte o menospreciado -un bibelot, una vela, una lata de gaseosa, una rata- al nivel de lo extraordinario. El concepto de lo extraordinario-banal, centralizado en sus trabajos, niega el estatuto de lo ‘contingente’ como algo minúsculo, circunstancial o casual".
Dice también la curadora: "La presencia de rasgos neoexpresionistas en su obra es compleja ya que ellas también recupera investigaciones previas en el campo de la percepción visual. Son las que encaró como becario del M.I.T. durante los años 1973-1976. Fruto de esas investigaciones fueron los trabajos lineales bidimensionales de los años 70 que, al ser vistos con lentes estereoscópicos, se convertían en tridimensionales. De esta manera, un arco se transformaba en túnel y un anillo circular en pozo profundo, lo que ponía en evidencia la relación ojo-cerebro (...) Entre otros méritos, Frangella es reconocido por sus colaboraciones en piezas multi-media de John Cage y por su intervención en la escena del East Village neoyorquino a comienzos de los ’80, junto a David Wojnarowicz, Jean Michel Basquiat, Keith Haring o Mike Bidlo. Quizás el hecho de haber vivido en Nueva York durante la mayor parte de su vida hizo que no tuviera entre nosotros el reconocimiento que alcanzó en otras latitudes. De allí el interés de este homenaje que el Centro Cultural Borges asume exhibiendo un conjunto de trabajos inéditos".
La exposición se puede visitar en el Centro Cultural Borges, Viamonte esq. San Martín de lunes a sábados de 10 a 21 hs.  y domingos y feriados de 12 a 21 hs.

Nadia Gutman expone en la galería Luz de la Fundación Hampatu

El martes 30 de abril a las 19:30 hs. comienza una nueva muestra en la galería Luz de la Fundación Hampatu: "Ánima", una instalación de esculturas de Nadia Gutman. 
"¿Puede el espíritu humano reflejarse en animales?
Liviandad y transparencia cual etéreos dibujos en el espacio.
Animales en situaciones tan vívidas que transmiten sus emociones. Figuras sutiles, que parecen ser sólo almas; energías contrapuestas en ecosistemas de metal."
Nadia Gutman es bióloga y artista de la Patagonia, reúne conceptos biológicos y escultóricos para hablar de cuestiones humanas,  trazando paralelos entre ecología, sociedad y psiquis. Sus animales, de una forma u otra, confrontan lo civilizado con lo salvaje del cuerpo y espíritu humano.
Ha mostrado su trabajo en diferentes ciudades del país y del exterior. Entre las distinciones recibidas en escultura se destacan el Gran Premio Adquisición 101° Salón Nacional de Artes Visuales, Palais de Glace, Buenos Aires en 2012, el Primer Premio Adquisición Salón de Río Negro en 2003 y en 2009, entre otros.
La artista compartirá sus experiencias en una charla abierta y dará un workshop donde experimentar y realizar obras propias. 
La muestra puede ser visitada hasta el 1º de julio 2013, de lunes a viernes de 10 a 20 hs. y sábados de 10 a 13 hs. en Florida 835 3º piso. Ciudad de Buenos Aires.

26 de abril de 2013

La galería de arte María Elena Kravetz presenta las pinturas de Cristina Martino y Cristina Portela y las esculturas de Matias Mischung

La galería de arte María Elena Kravetz anuncia la doble exhibición de las artistas Cristina Martino / Cristina Portela – Pinturas, y Matias Mischung – Esculturas.
Cristina Martino / Cristina Portela.
"Dos artistas se juntan a pintar y a contarse nada. Mucho en común, un pasado que se parece al otro. Se ríen y se divierten. Relatan sueños, lo que no fue, lo que aún esperan. intentan la memoria. De una manera extraña todo es similar. Un aire familiar se instala y la obra individual cede para dar lugar a un espacio común donde se funden dos miradas.
"Intima" es pintura a cuatro manos, lisa y llana, donde los límites del yo se pierden. Pintura intervenida, una artista pinta y la otra continúa el trazo. Ellas no saben donde o qué hizo cada quien.
Relato polifónico, "Intima" es una visita guiada por los recuerdos infantiles, la casa materna, el presente sinuoso que nos impone la vida adulta. Un mundo de objetos inunda la cama, empapelados de papel envejecidos, flora y fauna que se agiganta, grafías. El mundo doméstico. Cielo e infierno.
Con tono onírico, las artistas nos exhiben estos territorios en pequeños formatos que se multiplican. Rompecabezas, juego para armar, "Intima" es un diario escrito en secreto que dos amigas se revelan. Una Poética contemporánea para una necesidad humana eterna…. -¿te cuento?-…. contame… "Intima", dos artistas, una sola obra. 
 Matias Mischung.
"Nació en Barracas (Buenos Aires) en 1973 donde vivió hasta los 17 años, momento en el cual su familia cerró la metalúrgica que había sido fundada por el abuelo y en donde se fabricaban tapas de escotilla para barcos (entre otras cosas). 
Dicho evento, sumado a la necesidad de un cambio de calidad de vida, motivo la decisión de mudarse a La Cumbre. Un pequeño pueblo serrano de la provincia de Córdoba donde vive actualmente. 


Las horas muertas del trabajo con turistas lo llevaron a rescatar una madera que iba a terminar en un fuego y mediante unas gubias que conservaba de la infancia, la convirtió en su primer obra. 

Con algunas intermitencias comenzó a apasionarse por este nuevo oficio que lo llevó, quien sabe por qué, a utilizar los materiales que se usaban en la fábrica familiar. 
Descubrió que el manejo de las formas es el medio de expresión que mejor sintetiza sus sentimientos y sensaciones. 
Lo demás corre por cuenta del observador."

Inauguración: 30 de abril de 2013   19,30 a 21,30 hs.
Clausura:  21 de junio de 2013.
Entrada libre y gratuita en Peatonal 25 de Mayo 240, Córdoba, Argentina.

Anunciaron los proyectos ganadores del concurso de esculturas de la UNTREF

La Universidad Nacional de Tres de Febrero anuncia el dictamen del jurado internacional que premió a los 13 proyectos ganadores del concurso de proyectos de esculturas. El primer premio es para Marie Orensanz, el segundo premio es para Federico González y la mención especial del jurado es para Joaquín Farcas. 
Marcelo Mattos Araujo, Rodrigo Quijano, Ma. Dolores Jiménez Blanco, Anibal Jozami, Alfred Paquement, Diana Wechsler y Ricardo Blanco
El jurado estuvo integrado por Alfred Pacquement, Director del Centro Georges Pompidou; María Dolores Jiménez Blanco, especialista en coleccionismo Museo Reina Sofia y del Museo del Prado; Marcelo Mattos Araujo, Secretario de Cultura del Estado de Sao Paulo y ex Director de la Pinacoteca do Estado Sao Paulo, Rodrigo Quijano, crítico y curador independiente Lima; Ricardo Blanco, Presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes; Aníbal Jozami Rector de UNTREF y Director del Muntref; y Diana B. Wechsler curadora, investigadora y directora del IIAC - Untref
Los proyectos seleccionados son: Ines Agurto Hormazabala, Squatt (Perú); Marcia de Bernardo e Irvan Burda, Escultura Solar (Brasil); Juan Diego Peres de La Cruz, 29m3 (Venezuela); Ananke Aseff, Despertando al Tigre (Argentina); Jacques Bedell, El basilisco o el inestable romance entre el tetraedro y la esfera (Argentina); Martin Guth, Megalito-Parasol-Forum (Argentina), Joaquín Fargas, Arbore autotroph (Argentina);  Federico González, El meteorito terrestre (Argentina);  Edgardo Madanes, Encuentro en el parque (Argentina);  Marie Orensanz, El poder creativo comunica a todos (Argentina); Graciela Sacco, Norte o Sur de la serie Metro Cuadrado (Argentina); Marcelo Saranceno, La expulsión de los hombres monos (Argentina) y Cristina Tomsig, En Juego II (Argentina).
 El director del Centro Georges Pompidou Alfred Pacquement, el rector de la UNTREF Anibal Jozami y la artista Marie Orensanz
El premio consiste en la producción de las obras ganadoras y su emplazamiento dentro del nuevo campus de la UNTREF en Villa Lynch que se encuentra en construcción, realizado sobre un proyecto del, recientemente fallecido, arquitecto Clorindo Testa.
Los 13 proyectos seleccionados recibirán un subsidio para su realización. Los proyectos son originales e inéditos y concebidos teniendo en cuenta las características de espacio a donde serán emplazados y exhibidos de manera permanente.

La convocatoria al concurso surgió con el propósito de desarrollar un nuevo espacio para la exhibición de esculturas y de ampliar la colección de arte que desde hace más de diez años la UNTREF está construyendo. Por eso se ha convocado a artistas argentinos y de los países que integran la UNASUR a presentar proyectos de esculturas, objetos o instalaciones que puedan situarse de manera permanente en el parque del nuevo campus.

Una nueva exposición de Eduardo Mac Entyre en Zurbarán

Zurbarán está presentando una nueva muestra de Eduardo Mac Entyre. Veintiséis obras, trece pinturas pertenecientes al movimiento que supo fundar junto a Miguel Ángel Vidal y Pirovano en el año 1959, “Arte generativo”. Movimiento que pretende crear algo de la nada, generar, dejando de lado el modelo, la figura humana y los objetos, que hasta entonces eran el punto de partida. Partiendo del punto y de la línea, los artistas le dan movimiento, los hacen desplazar, vibrar, girar.
Mac Entyre. Reflejos nacarados acri madera, 2012
Las obras restantes se remontan a bocetos desarrollados en el año 1968, pero que nunca se habían llevado a cabo hasta hoy. En ellas el acrílico es la pieza fundamental, cuando el mismo se pone en contacto con la luz genera bellísimos colores, como si fuese un arco iris, que reposa sobre el lienzo. De este modo el color no surge por medio de los pigmentos, sino de la luz natural y/o artificial.
Mirta Herrero y Eduardo Mac Entyre
La muestra podrá ser visitada con entrada libre y gratuita hasta el 15 de mayo en Cerrito 1522, de lunes a viernes de 10:30 a 21 hs. y los días sábados de 10 a 13 hs.

Exposición de Ernesto Deira en la galeria Jacques Martínez



Osvaldo Mazza expone en la UCES

Osvaldo N. Mazza realiza una nueva muestra de fotografías del Delta. En esta ocasión se trata de "Piel de Barco", que se expondrá entre el 29 de abril y el 10 de mayo, de lunes a viernes de 9 a 22 horas, en el Salón de Exposiciones UCES, ubicado en Paraguay 1318, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
En esta ocasión, Piel de Barco alude a la comparación del rostro de un anciano surcado de arrugas, su piel curtida por el clima y el rictus tatuado en un rostro que habla de una vida impiadosa, de trabajo duro, injusticias y padeceres: un punto de encuentro para los fotógrafos de todos los tiempos. Del mismo modo, el barco vive, trabaja, sufre, luego desaparece o languidece en un fondeadero. En los ríos de nuestro Delta parecen jamás encontrar reposo y su piel, su casco, denota en la obra muerta las secuelas del trabajo, del óxido, del destrato y de sus accidentes.
Ficha técnica:
Fotografía digital intervenida con programas de edición que han magnificado -cual proceso radiográfico- las irregularidades, golpes, estrías, herrumbres y otras alteraciones de los cascos para denotar en pequeñas áreas la acción del trabajo, del óxido  y del tiempo dando lugar a una reminiscencia pictóricas

25 de abril de 2013

Pinturas y fotografías de la India, una verdadera experiencia para los "seis" sentidos, en la Fundación CEP

La Fundación CEP -Centro de Estudios Psicoanalíticos- conjuntamente con la Embajada de la India están presentando "India es India. Una experiencia de arte para tus seis sentidos" hasta el 18 de mayor de 2013 en la sede de la fundación, 11 de Septiembre 1071, Belgrano, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
En esta muestra, con curaduría de Iumi Kataoka, se representán los latidos de una India que vive en todos sus extremos, moviéndose entre los espacios más crudos y maravillosos que se hayan visto, sintiendo lo más exótico que este maravilloso país ofrece. 



Desde la fotografía de Jesica Zayat y la obra de arte de Violeta Urrutia, se puede viajar por las sensaciones más escalofriantes al recorrer el alma de India.


Con una instalación el día de la apertura, que presentó algunos de los infinitos detalles, paseando entre los sonidos, olores y sabores más propios de este lugar, además de música de India en vivo por Mira Tevsic, videoarte con imágenes de maravillosos lugares y una degustación de comida típica por Naturaleza Divina, los concurrentes pudieron disfrutar de la experiencia completa, despertando todos sus sentidos.
Violeta Urrutia es artista plástica. En 2010 buscando conectarse legítimamente  consigo misma empieza un curso de pintura que cambiaría el curso de su vida.
Lic. en Marketing por la Universidad de Ciencias Económicas UCES, trabaja en la galería de arte Federico Towphya, realiza proyectos para la galería GRZ y desarrolla negocios para Mapa de las Artes, combinando así su pasión con su licenciatura. 
Estudia con Luciana Targise, artista textil y Juan Doffo, artista plástico, ambos sensibles, profundos y versátiles.
Participa de las muestras anuales del taller de Luciana Targise que se dictan en la Fundación CEP, y ha expuesto en la Galería Marcel Duchamp en los años 2010, 2011 y 2012. Ha participado como invitada en la galería Guijuana Arte en noviembre y en la galería de Carla Rey en diciembre del mismo año. 
La actual muestra presenta una serie de obras, producto de la motivación de su último viaje a India.
Jesica Zayat es fotógrafa profesional. En 2006 estudia diseño gráfico en la Universidad de Palermo, espacio que le abre las puertas a encontrarse con su verdadera pasión, la fotografía. 
Realiza en 2007 el curso básico en la Escuela de Fotografía Motivarte y expone su obra, se recibe en 2008, consagrándose con una exhibición en la galería Arte x Arte. Desde 2009 es fotógrafa de Fraction Textil y trabaja free lance con diversas empresas, siendo fotógrafa de moda y producto de la marca Muaa. En 2010 realiza el curso de dirección de arte e introducción a la fotografía en Espacio Buenos Aires, y trabaja como asistente de iluminación del fotógrafo Gustavo Demaría Molinari en Motivarte. Concluye un curso avanzado de Photoshop online en Molinari Pixel. En 2011 se recibe de fotógrafa de moda en Espacio Buenos Aires y expone en la galería de arte de la escuela a finales de ese año. En 2012 participa de la muestra colectiva de la galería Marcel Duchamp y también realiza una exhibición individual en la galería de arte del Hotel Vitrum.

“El proceso creativo como forma de inclusión” por Nik y Milo Lockett en la Feria del Libro 2013

Catapulta editores, (www.catapulta.net) la editorial nacional referente en obras didácticas y de entretenimiento, presentará en la Feria del Libro 2013 a Nik y Milo Lockett juntos, quienes brindarán la charla “El proceso creativo como forma de inclusión”.  La misma se realizará el domingo 28 de abril a las 17:30hs., en la sala Jorge Luis Borges, Pabellón Frers.
La idea del encuentro es establecer un diálogo entre los artistas, quienes a través de su obra fortalecen la empatía con el prójimo, y descubren los elementos que nos definen como sociedad. Entre los temas que se abordarán se encuentran el arte, la infancia y la inclusión. El moderador del encuentro será Máximo Jacoby.

24 de abril de 2013

La Casa Nacional del Bicentenario presenta la exposición "Sociedad de trabajo. Una historia de dos siglos"

La Casa Nacional del Bicentenario de la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación inaugura "Sociedad de trabajo. Una historia de dos siglos", una exposición que relata la historia del trabajo en la Argentina, ilustrada con documentos, audiovisuales, fotografías documentales y de autor, instalaciones y obras de cincuenta artistas argentinos.
Pablo Suárez. "Lustrabotas".
A la derecha de la obra se lee: "Artículo 148 bis: Será reprimido con prisión de 1 (uno) a 4 (cuatro) años el que aprovechare económicamente el trabajo de un niño o niña en violación de las normas nacionales que prohíben el trabao infantil, siempre que el hecho no importare un delito más grave."
Se trata de la cuarta exhibición temática producida por la Casa. En esta oportunidad organizada junto con el Ministerio de Trabajo, Empleo y Seguridad Social de la Nación. Pone en foco el trabajo, no solo como una ocupación, sino también como un conjunto de derechos que garantizan la producción de la vida en su aspecto público y privado. Se desarrolla, además, la historia política del trabajo, la organización del movimiento obrero y los modos de intervención del Estado en distintos momentos de la historia.
Liliana Piñeiro con Jorge Coscia y Carlos Tomada durante la presentación de la muestra a la prensa
"Presentamos esta historia del trabajo nacional -afirma el secretario de Cultura de la Presidencia de la Nación, Jorge Coscia-, que no siempre avanzó en línea recta. Muy por el contrario, ha tenido largos períodos de sombra y sufrimiento, pero no pocas veces volvió a verse la luz al final del túnel. Como ocurrió en estos últimos diez años, en los que venimos recuperando puestos de trabajo y derechos para los trabajadores, retomando la mejor tradición de la justicia social".
Un episodio de la fiebre amarilla en Buenos Aires, 1871
"La exposición propone un ejercicio de historia y de memoria: una permanente búsqueda de justicia social, que ha permitido a los argentinos encontrar cada vez mayores y mejores razones para vivir en común. En esa búsqueda se destaca la construcción de una sociedad de trabajo como motor de ciudadanía", destaca Carlos Tomada, ministro de Trabajo de la Nación.
Andrea Moccio. "Industria gráfica, 2013
"Desplegar la historia del trabajo en una gran exposición resulta un enorme desafío. Quiero destacar, en esta oportunidad, la importancia del trabajo conjunto de dos organismos nacionales, y agradecer, especialmente, la colaboración de artistas, instituciones y archivos que han cedido parte del material que se exhibe", afirma Liliana Piñeiro, directora ejecutiva de la Casa Nacional del Bicentenario.
Visita guiada con Valeria González, a su derecha la obra "Sin pan y sin trabajo" de Ernesto de la Cárcova
Como en las anteriores exhibiciones producidas por la Casa, se convocó a especialistas de reconocida trayectoria para realizar la investigación en la que se basa el guión expositivo. La elaboración de contenidos, supervisión de guión y textos curatoriales de "Sociedad de trabajo. Una historia de dos siglos" estuvo a cargo de Héctor Palomino, Claudia Berra y Beatriz Cappelletti, del Ministerio de Trabajo, Empleo y Seguridad Social, con quienes colaboraron un equipo de académicos integrado por Ana Catalano, Luis Fara, Laura Golbert, Daniel James y Mirta Z. Lobato. El guión expositivo estuvo en manos de la historiadora del arte Valeria González.
La muestra ocupa planta baja, primero y segundo piso. En el inicio del recorrido se proyecta el audiovisual "La dignidad del trabajo", realizado para esta ocasión por Alejandro Areal Vélez, asesorado por Julio Fernández Baraibar, consutor en temas históricos de la casa.
Enio Iommi. "La Argentina de ayer y de hoy, 2003
Los artistas participantes son: Amadeo Azar, Nicolás Bacal, César Hipólito Bacle, Adolfo Bellocq, Antonio Berni, Juan Manuel Blanes, Arthur W. Boote, Ricardo Carpani, Pío Collivadino, Ernesto de la Cárcova, Andrés Denegri, Doma, Mara Facchin, Guillermo Facio Hebequer, Sebastián Friedman, Luján Funes, Jorge Gamarra, Claudio Gay, Gabriela Golder, Norberto Gómez, Carlos Gorriarena, Leonardo Gotleyb, Víctor Grippo, Alberto Heredia, Enio Iommi, Christiano Junior, Bárbara Kaplan, Gustavo Marrone, Carlos Masoch, Alberto Méndez, Gaby Messina, Gian Paolo Minelli, Jorge Miño, Andrea Moccio, H.G. Olds, Daniel Ontiveros, Fernando Paillet, Juan León Palliere, Julio Pantoja, Benito Quinquela Martín, Gabriel Salomón, Antonio Seguí, Betina Sor, Pablo Suárez, Taller Popular de Serigrafía, Inés Ulanovsky, Eugene-Henri Vautier, Abraham Vigo, Dani Yako, Martín Zaitch.
Como es habitual, la exposición estará acompañada de ciclos de cine, música y teatro; así como conferencias y cursos.
El programa educativo de la Casa organiza visitas guiadas con turno previo para grupos escolares de nivel primario y secundario, así como para grupos de jóvenes y adultos. Las visitas guiadas para el público en general, sin turno previo, se realizan los sábados a las 16,30 hs. desde el 27 de abril. 

El espacio de arte de Modena Design presenta la muestra de pinturas de Chiara Baccanelli

El espacio de arte de Modena Design está presentando la muestra de pinturas "Utopía del color" de la artista Chiara Baccanelli, con la coordinación de Lucila Isaurralde. Se puede visitar hasta el  de mayo en Av. Figueroa Alcorta 2270, ciudad de Buenos Aires.
Lucila Isaurralde y Chiiara Baccanelli
"Mi muestra, Utopía del Color, propone una pintura indefinida, donde no hay objeto de análisis. Simplemente un juego de emociones y sensaciones volcadas en la tela.
Para poder plasmar dicho objetivo trabajé con el color, la textura, movimiento y el espacio, creando variantes y dinamismo. Proyecté mi expresividad, mostrando gran sensibilidad a través de los materiales con una paleta de colores apastelados.
Logrando la magia, invito al espectador a soñar e imaginar eternas figuras, espacio particular donde haya libre interpretación y fantasía artística.
Presento así un desarrollo personal, trabajo interno buscando la abstracción a través de la paleta armoniosa para cada momento." María Chiara Baccanelli 
Chiara Baccanelli (Foto: Marko Vombergar)
Esta joven artista de nacionalidad argentina, ha participado en talleres a partir de 2002, con Dolores Rosner, Andrea De Luigi, Claudia Lucini, Valentina Cambiaso, Karin Gutman y Victoria Gómez Mayol.
Lucila Isaurralde, Chiara Baccanelli, Susana Roccasalvo
y Mónica Eyherabide (Foto: Marko Vombergar)
En 2011 participó en ACBIRP (Asociación de colegios IB del Río de la Plata) para exponer los trabajos de IB Arte realizados en el colegio y en 2013 integró la exposición de arte a beneficio "Dame tu mano" en Art Hotel.

La galería Mar Dulce presenta las exposiciones “Casi boyitas” de Daniel García y "+Colectiva21"

Del 27 de abril al 22 de junio de 2013 la galería Mar Dulce presenta las exposiciones “Casi boyitas” de Daniel García y "+Colectiva21". 
Inauguración: sábado 27 de abril, 16-20 hs. 
"Las obras de la exposición Casi boyitas tienen su origen en la expedición fluvial multidisciplinaria Paraná Ra’anga, que en el 2010 unió las ciudades de Buenos Aires y Asunción a bordo de un barco que surcó el Paraná y el Paraguay a una velocidad crucero de entre tres y cinco kilómetros por hora.

Al unirse a aquella expedición, los pensamientos de Daniel García fluyeron en dirección al río, arrastrando consigo recuerdos de cosas vividas, leídas u oídas. El artista se detuvo en la idea de lo que el río se lleva, en lo que trae de regreso y en el pensamiento de que así como la luz altera su velocidad al atravesar el agua algo similar debía ocurrir con el tiempo: todo en la vida es fugaz, todo fluye, pero bajo la superficie todo es más lento, denso, oscuro. El tiempo que fluye, atrapado dentro del río, fluye de otra forma. Así tomó forma la figura del río como una frontera, pero no entre una ribera y la otra, sino como un límite y lugar de paso entre la superficie y la profundidad; un pasaje entre dos mundos, dos memorias distintas, dos regímenes de tiempo.  
Los 10 obras en acrílico negro sobre papel y las 6 acuarelas que integran esta muestra son una parte de la serie que Daniel García realizó en el camarote del crucero Paraguay durante el transcurso del viaje. Luego las imágenes encontraron la poesía de Gilda Di Crosta y ahí nació el nombre Casi boyitas. Ambas obras se unieron en un libro con el mismo título, que también estará en exhibición y en la venta en la galería."

Acompañando la muestra Casi boyitas, se presenta
"+Colectiva21", una curaduría especial de obras realizadas por Marcelo Bordese, Maria Elina Méndez, Liliana Porter, Tulio de Sagastizábal, Daniel Santoro, Max Cachimba, Isol, Cristian Turdera, Ral Veroni, Juliana Ceci, Raoul Veroni, Pablo Cabrera, Rita Bamidele Hampton, y Sofía Wiñazki, entre otros.     
 
Se pueden visitar de 15 a 20 hs. en Uriarte 1490, Palermo Soho, ciudad de Buenos Aires.