24 de febrero de 2017

Onceava edición de la revista de arte y sicoanálisis "El gran otro"


El auditorio del MACBA albergó la presentación de la edición del número 11 de la revista de arte y sicoanálisis "El gran otro", con la presencia de la directora, Margarita Gómez Carrasco, y Ana Kuo, presidente de la ACCA Asociación Cultural Chino Argentina.
"La edición se propone enfatizar la transformación del arte contemporáneo en algo afirmativo. En una producción artística que incluye al otro, al semejante, lo plantea en relación con su subjetividad y también con un compromiso político.  Freud dijo «en la cultura existe algo que no anda, un malestar que se presenta como síntoma social». Teniendo en cuenta este concepto, planteamos la posproducción del arte contemporáneo como una representación del tiempo actual real y simulado. Todos los artistas invitados dan cuenta del contexto, del marco y el fondo para una nueva interpretación teórica. La poética pictórica es la vedette, la música, el cine, el teatro la arquitectura se suman esta propuesta artística. De a mano de Hugo Torres con su concepto de contracción ecologista y Sebastian Fernández son la revaloración del patrimonio artístico." expresó durante la presentación, Margarita Gómez Carrasco, directora de la públicación. 
Y luego agregó: "Agradezco a los coleccionistas Alejandro Ikonicoff y a Gustavo Vidal quienes nos aportaron sus experiencias sobre el  apoyo a los artistas."

Para suscribirse o explorar los contenidos de la revista entrar en: http://elgranotro.com.ar/.

23 de febrero de 2017

Se inicia una nueva edición de la Bienal Arte Joven Buenos Aires 2017


Con una convocatoria abierta a artistas jóvenes de 5 disciplinas, se inicia una nueva edición de la Bienal Arte Joven Buenos Aires, plataforma de promoción del arte joven. 
Hasta el 10 de marzo estarán abiertas las inscripciones en 9 convocatorias, destinadas a artistas que podrán postularse a través de una obra o con un proyecto a desarrollar en: artes escénicas, artes audiovisuales, artes visuales, música y literatura, la gran incorporación de esta nueva edición.

Los objetivos centrales de la Bienal son promover la formación práctica y teórica de los artistas y creadores; promover circuitos de encuentro e intercambio que den origen a nuevas creaciones y sean motor de pensamiento crítico, apoyar el desarrollo de nuevas producciones y la circulación de ellas y sus artistas (dentro y fuera del país) acercar nuevos públicos a las distintas manifestaciones del arte contemporáneo.Se trata de una iniciativa de la Subsecretaría de Políticas Culturales y Nuevas Audiencias que depende del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

Artes Visuales
 
La nueva edición de la Bienal incentiva y apoya la participación de artistas de todo el país. Entre el 2 y el 4 de febrero pasados, 100 artistas jóvenes de diferentes lugares de Argentina tuvieron la oportunidad de compartir un espacio de encuentro, intercambio y formación con más de 20 actividades a cargo de 25 referentes del campo artístico en la Residencia Enciende Bienal.
Por otra parte, desde el 31 de enero se está desarrollando el Programa intensivo de creación dramatúrgica y composición de teatro musical en el que 10 equipos de artistas jóvenes desarrollarán una obra desde el germen hasta su libro final. Esta es la segunda edición, y es el único programa de su tipo en Argentina.

En el mes de mayo se realizará el anuncio de quiénes serán los bienalistas de esta nueva edición, que serán seleccionados por referentes de cada disciplina, entre ellos: Leticia Mazur, Juan Coulasso, Analía Couceyro, Laura Figueras, Santiago Gobernori, Patricio Larrambebere, Lara Marmor, Marcela Sinclair, Fernando Brizuela, José Luis Landet, Rodolfo Marqués, Julia Marvernat y Geraldine Schwindt, Florencia Clerico, Javier Zevallos, Santiago Melazzini, Paola Buontempo, Iván Fund, Nele Wohlatz, Tomás Dotta, Hernán Rosselli, Florencia Mauro, Mariano Godoy, Javier Caso, Gabo Ferro, Eduardo Sluszarzuk, Gabriela Cabezón Cámara y Fabián Casas.

Artes Audiovisuales
 
Entre junio y septiembre llegará la etapa de desarrollo de proyectos. Este año la Bienal acompañará la producción de 8 proyectos escénicos (2 de ellos de teatro musical), 6 proyectos en artes visuales, 3 series web, y una novela breve.

Entre julio y agosto se llevará adelante el Campus Bienal, la instancia de formación interdisciplinaria con más de 50 propuestas para todos los artistas seleccionados. Este año habrá una residencia internacional en el marco del Campus. 11 artistas provenientes de diferentes países se sumarán a vivir la experiencia Campus con los más de 800 artistas seleccionados en Bienal.

El Festival de la Bienal, el gran espacio de exhibición en el que los artistas seleccionados compartirán sus creaciones con toda la ciudad, será del 25 de septiembre al 1 de octubre y esta vez durará 7 días. En esta nueva edición el Festival tendrá su sede central en el Centro Cultural Recoleta, que fuera la sede de la primera Bienal de Arte Joven que tuvo la ciudad en 1989.

Artes Escénicas
 
Algunas de las becas y residencias de las que participarán los bienalistas ganadores de las convocatorias para artistas de esta edición de la Bienal son: Hangar (Barcelona), Casa tomada (San Pablo), Casa Tres Patios (Medellín), Urra (Buenos Aires), Mundo Dios (Mar del Plata), Curadora (Santa Fe), Talents Buenos Aires, Flaherty (NY)  Residencia INAE (Montevideo), Director's Lab (NY), Sala Beckett (Barcelona), ImPulsTanz (Viena), entre otros.

La inscripción, para artistas de 18 a 32 años de edad, se realiza online en: https://bienal.buenosaires.gob.ar/convocatorias, en donde se pueden consultar también las bases y condiciones.

22 de febrero de 2017

Arte argentino, talento de exportación


Del 22 al 26 de febrero, la Agencia Argentina de Inversiones y Comercio Internacional (AAICI) acompañará al Ministerio de Cultura de la Nación en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO Madrid, en donde este año la Argentina es País Invitado de Honor.

Asistirán 16 galerías de arte junto a la organización Meridiano, la Cámara Argentina de Galerías de Arte Contemporáneo creada en 2016 para promover el arte argentino en el mundo.
ARCO Madrid será una ventana comercial para el arte argentino, muy bien posicionado en el mundo gracias a su carácter innovador y con grandes oportunidades de crecimiento. 

A nivel mundial, las ventas en el mercado del arte representan 63.800 millones de dólares anuales. La Argentina tiene una fracción reservada de ese total, y los coleccionistas y las galerías internacionales cada día tienen más interés en el arte argentino: luego de dos períodos consecutivos a la baja, las exportaciones argentinas de arte contemporáneo en 2016 manifestaron una importante recuperación al registrar un incremento interanual del 154%.

Galería Aldo de Sousa. Jorge Lezama, "Euritmia collage"
 
El arribo argentino tomará la ciudad de Madrid por completo: dentro y fuera de la feria. El Programa Institucional de Argentina Plataforma ARCO es una red de exhibiciones comisariadas por Sonia Becce y Mariano Mayer, entre otros, que incluye el trabajo de más de 60 artistas de todas las disciplinas, desplegados en 16 sedes institucionales. Comprende además,  presentaciones teatrales y de música contemporánea,  acciones, ciclos de video, una jornada de arte y literatura y la puesta de una obra en colaboración entre un artista plástico y un coreógrafo, que desborda los límites del teatro, la danza, la performance, la escultura y el happening.
 
Las 16 galerías que participarán de ARCO Madrid son: Aldo de Sousa, Barro, Cosmocosa, Del Infinito, Document Art, Henrique Faria, Ignacio Liprandi, Isla Flotante, Jorge Mara, Maria Calcaterra, Mite, Nora Fisch, Rolf Art, Ruth Benzacar, Sly Smud y Vasari.

La galería Aldo de Sousa presenta, a través de las obras de Enio Iomi, Jorge Lezama, Jorge Pereira, Virgilio Villalba y Sofía Berakha, los planteos de la que se considera la primera vanguardia argentina -la Asociación Arte Concreto Invención- y algunas de sus posibilidades germinales, eje central del proyecto que rige la galería. 

Rolf Art. Liliana Maresca, "Frenesí"
La galería Rolf Art estará presente en la Sección Principal en el stand 7C11 (Pabellón 7) con un homenaje a la obra de Liliana Maresca, una de las artistas más influyentes de la escena del arte contemporáneo argentino, que se destacó por una intensa y profunda producción desplegada en la década del 80 y la primera mitad de los años 90.

MCMC (María Calcaterra Moderno y Contemporáneo) participa con obras de Julio Le Parc, Horacio García Rossi, Francisco Sobrino, Gregorio Vardánega y Martha Boto, quienes desarrollaron su vocación artística en Buenos Aires y en 1960 se establecieron en París integrando rápidamente la vertiente de la abstracción geométrica -específicamente del arte óptico y cinético-.

Del Infinito. Alberto Greco, "Fiesta"
En el marco de ARCO, Del Infinito participa de la 8va. edición de Arts Libris con un proyecto editorial de Matilde Marin y un Solo Project de Alberto Greco.

Con obras de Ricardo Carreira y Mirtha Dermisache, el arte de punta de Henrique Faria podrá verse en la sección ArgentinaPlataformaARCO, así como también en el Programa General de 164 galerías de España y el mundo donde estarán expuestas obras de los artistas argentinos Marcelo Brodsky, Jaime Davidovich, Osvaldo Romberg, Leandro Katz, Nicolás García Uriburu, Marta Minujín y Horacio Zabala. 

La galería Ruth Benzacar también participa en ambos programas: con Fabio Kacero y Valentina Liernur en ArgentinaPlataformaARCO y con obras de Basualdo, Erlich, Herrera, Huffmann, Joglar, Kacero, Kuitca, Lamothe, Macchi, Porter, Siquier y Telleria en el Programa General
 
Por su parte, galería Vasari (stand 7F14) lleva obras de los artistas Juan José Cambre y Alejandro Kuropatwa. 

21 de febrero de 2017

El espacio de arte de la Fundación OSDE comienza el 2017 con tres atractivas exposiciones


El espacio de arte de la Fundación OSDE presenta en la sala principal "Objeto móvil recomendado a las familias", con curaduria de Santiago Villanueva; las salitas son intervenidas por Estanislao Florido con su obra "Amateur" y la vidriera presenta la instalación "Baroque" de Silvia Brewda.
La inauguración es el jueves 23 de febrero a las 19 horas y se puede visitar hasta el 29 de abril, de lunes a sábado de 12 a 20 horas con entrada libre y gratuita en Suipacha 658, primer piso, Buenos Aires, Argentina. Visitas guiadas: miércoles a las 18 horas y sábados a las 17 horas.
"Objeto m¢vil recomendado a las familias" imagen por Luciano Demarco, 2017
"Objeto móvil recomendado a las familias" reúne una serie de obras que respetan una memoria inestable del surrealismo o el superrealismo en Argentina. La exhibición parte de las experiencias del grupo Orión, surgido en 1939 y representado en este caso por el artista Orlando Pierri, y plantea un recorrido que atraviesa numerosas generaciones donde "lo surreal" aparece y desaparece bajo diferentes apropiaciones. 

Juan del Prete. Metamorfismo, 1931, óleo sobre cartón
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
 
Más allá de la primera experiencia grupal en torno al surrealismo, la muestra presenta artistas que no se vincularon con un programa o manifiesto en particular, sino que en su conjunto, generan una lectura de este movimiento donde perdura un clima onírico y un desbalance con lo real a través de cierto anamorfismo. La corta vida de Orión, y su falta de claridad, permitió que el surrealismo tome diversos caminos que desarman lo coherente de las vanguardias, permitiendo que se diversifiquen y multipliquen sus influencias.
En palabras del curador: “El surrealismo sobrevive como un momento de investigación adolescente, donde se mezcla una actitud rupturista con una seguridad en las formas, un momento de indecisión y dudas, volcados en una mecánica inesperada”. Las obras reunidas en esta exhibición permanecen juntas por la complicidad que generan entre ellas para pensar un momento histórico, un estadio de formación personal y una proyección de un programa vanguardista pensado a posteriori, sin la incomodidad y pretensión de un manifiesto. 

Mildred Burton. La indiferencia de Blonda Bug, 1981, técnica mixta sobre madera. Fundación Federico Jorge Klemm
Acompañan esta exhibición diversas actividades:
El jueves 9 de marzo a las 18 horas se realizará un recorrido por la muestra con la participación de Santiago Villanueva (curador), Osias Yanov (diseñador de montaje) y Juan Cruz Pedroni (investigador).
El jueves 20 de abril a las 18 horas se presentará el primer número de la revista "El Suelo", proyectada especialmente para esta muestra bajo la edición del escritor y sociólogo Juan Laxagueborde. La misma rescata la publicación El Cielo, revista de tono surrealista editada por César Aira y Arturo Carrera hacia finales de los años sesenta. 
Participan: Pablo Katchadjian (escritor), Margarita Martínez (doctora en Ciencias Sociales y traductora), Nicolás Moguilevsky (artista plástico, músico y poeta). Coordina: Juan Laxagueborde.

"Amateur", intervención de Estanislao Florido
Estanislao Florido presenta la intervención "Amateur", en la que las salitas se transforman en una sala clandestina de cine donde se proyecta un mediometraje mudo en formato falso/documental con escenas filmadas entre Italia, Francia y Estados Unidos. El film reversiona pinturas emblemáticas de principios de 1900 (Picasso, Matisse, Delaunay) hasta desembarcar en el Buenos Aires de 1907, lugar en donde se realizó la supuesta primera filmación pornográfica de la historia.
Además, podrán observarse una suerte de archivo historiográfico, fotografías antiguas, bocetos, posters, esculturas, pinturas, videos y animaciones digitales; un cuerpo de obra generado con un carácter revisionista, pero desde una mirada contemporánea.
En palabras del artista: “Amateur funciona como una investigación artística que tiene como ejes centrales, al tiempo, la pintura y el cine. La instalación presupone al pasado como materia bruta en constante operación. La obra nos sitúa sobre la superficie del tiempo y nos propone un ejercicio, ser y estar en dos temporalidades distintas simultáneamente.”

"Baroque", detalle de instalación de Silvia Brewda
 
La artista Silvia Brewda presenta "Baroque", una instalación de sitio específico para la vidriera de lo que fuera la antigua mueblería Maple & Cia, ahora Fundación OSDE. Se encuentra un enjambre de papeles y muebles de estilo, suspendido en el aire. Una multiplicidad de planos flexibles de papel troquelado recubren el piso de madera. El textil de papel, dispuesto como una perla de forma irregular, recupera la suntuosidad del mobiliario mediante el recurso de la acumulación de formas blancas y puras.

20 de febrero de 2017

"Paisaje de carnaval", un repaso por los comienzos del siglo XX hasta la actualidad


El Museo de la Ciudad, presenta la muestra “Paisaje de carnaval” en las vidrieras de la Casa Altos de Elorriaga, ubicada Defensa 187, de la ciudad de Buenos Aires.

Ante un nuevo aniversario del carnaval porteño que cada año ofrece música, alegría y color, el Museo de la Ciudad propone un repaso por su patrimonio que data desde comienzos del siglo XX hasta la actualidad.
La exposición cuenta con mascaras, disfraces y elementos relativos al carnaval, donde se puede distinguir a la murga porteña de otras poniendo en manifiesto la diversidad de trajes, estilos y cambios hasta llegar a nuestros días.
A través de esta exhibición se busca poner en valor la festividad del carnaval porteño y rescatar la vivencia a lo largo de su duración.

En 1869 se realizó en Buenos Aires el primer corso, con comparsas de negros y de blancos tiznados, que relucían con sus disfraces y su ritmo, mientras su canto y su baile al compás del bombo disparaban piernas y brazos al aire. En la actualidad,
Declaradas Patrimonio Cultural de la Ciudad de Buenos Aires desde 1997, las murgas trabajan durante todo el año para brindar espectáculos de mejor calidad, siempre manteniendo la tradición de la murga porteña.
La muestra estará en exposición hasta el día 19 de marzo.

15 de febrero de 2017

La BIENALSUR presenta los resultados de las convocatorias internacionales para proyectos curatoriales y propuestas de artistas


La BIENALSUR anuncia los resultados de las dos convocatorias internacionales para proyectos curatoriales y propuestas de artistas, de carácter libre, con la idea de invitar a pensar proyectos específicos e inéditos. En este sentido, se ha estimulado especialmente a aquellos destinados a intervenir/interferir en sitios no convencionales, espacios urbanos, públicos, etc., que permitan construir redes de referencias visuales que hagan de la Bienal una marca que señale el territorio más allá de las salas específicamente destinadas a exposiciones. 

377 proyectos preseleccionados de 2543, provenientes de 78 países diferentes, que fueron elegidos teniendo en cuenta su singularidad e interés destinados a contribuir en la construcción de la filosofía y el concepto BIENALSUR. A partir de ahora comienza la etapa de análisis de la viabilidad y localización de los proyectos teniendo en cuenta los espacios y la envergadura de BIENALSUR.
En total, se han convocado artistas y curadores de: Alemania, Argelia, Argentina, Australia, Austria, Bélgica, Benín, Bolivia, Bosnia & Herzegovina, Brasil, Bulgaria, Canadá, Chile, China, Chipre, Colombia, Congo, Corea del Sur, Costa Rica, Croacia, Cuba, Dinamarca, Ecuador, Egipto, El Salvador, Emiratos Árabes Unidos, Escocia, Eslovaquia, Eslovenia, España, Estados Unidos, Estonia, Filipinas, Finlandia, Francia, Grecia, Guatemala, Honduras, Hong Kong, Hungría, India, Irán, Islandia, Israel, Italia, Líbano, Lituania, Malasia, Marruecos, México, Nigeria, Noruega, Países Bajos, Panamá, Paraguay, Perú, Polonia, Portugal, Puerto Rico, Reino Unido, República Dominicana, Rumania, Rusia, Serbia, Sudáfrica, Sudán, Suecia, Suiza, Suriname, Tailandia, Taiwán, Togo, Turquía, Ucrania, Uganda, Uruguay, Venezuela y Vietnam.

La BIENALSUR, Bienal de Arte Contemporáneo de América del Sur, es un evento de carácter bianual, no ocurre cada dos años sino a lo largo de dos años. La primera edición trata de promover un verdadero diálogo en condiciones de paridad entre algunos de los más destacados artistas del mundo y sus colegas de América del Sur. Capitaneada por Anibal Jozami, Director General, y Diana B. Wechsler, Directora Artística y Académica, y organizada por UNTREF, Universidad Nacional de Tres de Febrero, de Buenos Aires, Argentina. 
Con un modelo absolutamente inédito, BIENALSUR está en marcha desde 2016 y busca seguir el latido de las demandas de la actualidad tomando como espacio de exhibición el territorio sudamericano, reivindicando la idea de proceso presente en el arte contemporáneo, con unas bases surgidas de jornadas de diálogo de las que participaron artistas, curadores, coleccionistas, críticos, periodistas y público, bajo el lema SUR GLOBAL de las que se llevaron a cabo 11 encuentros públicos, y en streaming, a partir de noviembre de 2015.

Más información: www.bienalsur.org.

14 de febrero de 2017

El artista estadounidense Stevens Vaughn expone "Como tinte que fluye" en la UCA


El jueves 16 de febrero a las 18.30 horas se inaugura en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA la muestra "Como tinte que fluye" de Stevens Vaughn, artista estadounidense residente en China, célebre por su vida aventurera. La exposición está integrada por una serie de obras realizadas especialmente para esta ocasión y tiene el auspicio de la Embajada de los Estados Unidos en la Argentina y el patrocinio de Hafnia Foundation.

Stevens Vaughn usa siempre en su producción artística, como un ritual, la técnica del “dripping”, que no significa tirar el color en forma casual, sino al contrario, a partir de una indagación experimentada, distribuir cada gota del pigmento en un orden relativo donde la inestabilidad del soporte en su libre fluir origina figuras diversas: puede romperse en gotas, salpicar según el impacto con la superficie pero siempre de modo equilibrado o, como en algunos trabajos más recientes, el pliegue de la hoja determina la superficie cromática.

A menudo no hay ni siquiera una historia para narrar, se llega directamente al interior de la imagen, guiando la técnica hacia la exigencia expresiva de la visión. En sus operaciones meditativas, el artista jamás hace concesiones al estilo o a las exigencias del espectador, sino solamente al tenaz y paciente recorrido del color, a menudo diluido con un agua que lo torna más veloz todavía sobre hojas de papel inmaculado en la esforzada aventura de alumbrar la epifanía de lo existente.

Stevens Vaughn nació en Minnesota, Estados Unidos, y a los 19 años se convirtió en uno de los voluntarios más jóvenes del Cuerpo de Paz de los Estados Unidos. Luego de una vida aventurera que lo llevó a convertirse en un cantante country occidental en un hotel de Dubrovnik, en Yugoslavia, creó la Fundación Hafnia, que explora la diversidad cultural en la expresión artística y ha enseñado pintura y escultura a estudiantes de la Universidad de Beijing. Es mentor de artistas jóvenes en la Academia Dieter Roth, de Europa, y ha expuesto obras de arte en Xiamen, China.
 
“Un cuadro no es algo relativo a una experiencia: es una experiencia”. Este  pensamiento de Mark Rothko que bien podría describir el trabajo de Stevens Vaughn, artista que expresa el sentido de una esencialidad visual aparentemente confusa pero estructuralmente ligada a una visión irónica y colorida de la vida, el despliegue en un signo incontenible de una línea gestual engañosa, guiada por un ímpetu manual que revela una identidad pletórica de un expresionismo emotivo y cultural sólidamente inserto en la realidad.

Esa estructuración, o quizás mejor todavía la “ritualidad” de cada obra, está articulada como la expresión de un pensamiento no verbal, transformado en una composición orquestada hacia la revelación de la realidad, donde se consolida un ejercicio estilístico capaz de transformar el deseo en la ironía de la creatividad, en una dilatación diferida del tiempo y del espacio. Manchas, veloces coloraciones y prepotencias cromáticas contienen la definición del espacio, disputándoles a la naturaleza y a la poesía la búsqueda de soluciones formales, resueltas aquí en un uso inquietante de un elemento tan primordial como lo es el agua.

La muestra se puede visitar de martes a domingos de 11 a 19 horas, hasta el 12 de marzo de 2017, en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA, Alicia Moreau de Justo 1300, Puerto Madero, Buenos Aires, Argentina

12 de febrero de 2017

Cristina Santander expone en Mendoza


Cristina Santander presenta la muestra “Ayer y hoy”, con curaduría de Julieta Gargiulo en Bodegas O. Fournier, Mendoza. La muestra incluye pinturas, grabados, acrílicos y objetos y se puede apreciar a partir del 11 de febrero en Calle Los Indios s/n, Valle del Uco, Mendoza, Argentina. 

“Su obra transita diferentes escenarios y técnicas. Con una energía creadora que la lleva permanentemente hacia diversas expresiones: pinturas, esculturas, grabados, objetos, joyas y, actualmente, trabajos en vidrio y acrílico, ha logrado el reconocimiento internacional, tanto por su obra como por su importante trayectoria. En sus pinturas prima el dominio del color. Sus trabajos nos remiten, en su temática, a Velázquez y a Goya, a través de una relectura y recreación contemporánea, o bien transitan los caminos del Minotauro, las vibrantes selvas tropicales o sus sorprendentes jardines acrílicos.(…) Santander en esta exposición nos invita a recorrer junto a ella ese puente atemporal que transita entre la España clásica del ayer y su mirada contemporánea de hoy.” Fragmento del texto de Julieta Gargiulo sobre la muestra.

La artista argentina radicada en Italia Silvana Chiozza expone en Buenos Aires


Después de tres años, la artista plástica argentina radicada en Italia, Silvana Chiozza vuelve a exponer en nuestro país y lo hace en The Brick Hotel Buenos Aires, member of the Collection MGallery by Sofitel, de la cadena francesa Accor

Chiozza conocida internacionalmente por su pintura figurativa presenta la exposición, “Más allá de la nada”, su primera incursión en gran escala en el arte abstracto, como parte de su deseo de romper con estructuras y liberar a la materia de las formas y regenerarla con nuevos paradigmas.

El curador de arte contemporáneo italiano, Massimo Scaringella quien presentó la muestra hizo hincapié en la calidad y seriedad del trabajo de la artista el cual también fue reconocido por el pintor Yuyo Noé, primer visitante de la exposición. Ambos coincidieron en el uso del color y la luz en esta muestra y también en la fuerte influencia de los paisajes, leit motiv de la obra de Chiozza.

Hija del conocido medico psicoanalista argentino Luis Chiozza y nieta del pintor y escultor, Juan Chiozza quien fundó en 1918 “El Bermellón”, Silvana reconoce su interés en ambos géneros, figurativo y abstracto, explicado en su admiración por artistas tan distantes como Rembrandt y Mondrian, Torres García y Morandi y en la obra abstracta de Rothko y Burri.

Silvana Chiozza con Massimo Scaringella -curador de arte-, Eunice Santos -agregada cultural de la embajada de Colombia-, Christine Meyer -agregada cultural de la embajada de EEUU- y Maria Mezza -agregada cultural de la embajada de Italia-

En la inauguración estuvieron presentes, el Embajador del Reino de Noruega Dr. Jostein Leiro y Señora, María Mezza Agregada cultural de la Embajada de Italia, la agregada cultural de la Embajada de Colombia, Eunice Santos,la agregada cultural de la Embajada de EEUU Christine Meyer .También el médico, científico y académico Guillermo Jaim Etcheverry.   Los artistas plásticos Miguel D’Arienzo e Ignacio Alperín Bruvera. La escritora Silvia Plager, el arquitecto Carlos Libedinsky y la directora Alejandra Marano, entre otros.

Para la gerente general de The Brick Hotel Buenos Aires, Montserrat García, la muestra de Silvana Chiozza “Mas allá de la nada”, suma el compromiso del hotel con el arte, logrando en esta oportunidad que disfrutemos de la obra, de una artista argentina radicada en Cetona, en la Toscana italiana.
 
La exposición, abierta al público hasta el 31 de marzo, podrá verse en el foyer del primer piso del hotel ubicado en Posadas 1232, Buenos Aires.

El Museo de Arte Popular José Hernández presenta la muestra "Kosmos" del reconocido joyero Rafael Álvarez


Durante un mes el Museo de Arte Popular José Hernández exhibe “Kosmos. Joyería, fotografía, dibujo y pintura” del reconocido joyero Rafael Álvarez.

Joyas Ceres
 
Reconocido como uno de los más destacados orfebres contemporáneos de Argentina, Álvarez reflexiona acerca de lo sutil y contenedor, lo liviano y etéreo, la intuición, lo fantástico y la imaginación. El cosmos, un gran hueco que se crea a cada instante, nuestro espacio cercano que a cada minuto aparece y desaparece interpelado por sus límites.
Las obras surgen de una búsqueda artística subjetiva, conceptual y material con la intención de querer expresar en la joyería cualidades relacionadas a lo femenino.
El metal entonces se presenta como demasiado rígido. La investigación lo lleva por los caminos de la pintura, el dibujo, la fotografía y el video, y encuentra en el caucho las cualidades deseadas.
Joyas Gea
“Kosmos” es un universo femenino. Gea, Ceres, Maya, Venus, Diana, Metis, Io y Hera son las mujeres que habitan este espacio. Representantes de una estirpe mitológica que al mirar el infinito no se nombran aunque están presentes.
La muestra permanecerá abierta hasta el 13 de marzo y se puede visitar de martes a viernes de 13 a 19 horas y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 horas en Av. del Libertador 2373, Buenos Aires, Argentina. Entrada $10. Miércoles gratis.

La magia de los Pericet a través de sus vestuarios en el Centro Cultural Borges


El Centro Cultural Borges presenta la muestra Pericet, exposición del vestuario que el gran bailarín y coreógrafo español Ángel Pericet produjo para su ballet entre los años 1949 a 2005.

Carmelita Pericet  en  "El baile del Candil" sobre "El Fandango" de A. Soler, estreno 1997, teatro Lola Menbrives, Sevilla 2009
 
Se trata de una muestra de arte textil excepcional que nos conduce a una de las tradiciones dancísticas más ricas del mundo. La historia de "La Escuela Bolera Sevillana" con esplendor en el XVIII Y XIX, se funde con la propia de esta familia de tres generaciones de artistas. Nos remite a la historia del Baile Español y a su riqueza sin igual, reflejada en la diversidad de diseños, bordados, accesorios y técnicas artesanales que tienen sus múltiples trajes. Y a una tradición de maestros que formaron a los más importantes bailarines españoles como Antonio Ruiz, Rosario Pilar López y Joan Magriñá.

Los vestuarios, exhibidos por primera vez fuera de los escenarios, fueron creados para las coreografías más representativas de Pericet: "La academia de baile de Sevilla", "Goyescas" de Granados, "España" de M. Chabrier, "Capricho Español" de Korsacoff, "Sombrero de tres picos" de Manuel de Falla - con figurines realizados para la puesta en el Teatro Colón de Buenos Aires - , y los bailes de "La Escuela Bolera" que han preservado y difundido hasta nuestros días.
Angel Pericet en "La Farruca del Molinero", diseño de vestuario y escenografía de  Hector Basaldua para el estreno 1969 en el Teatro Colón de "El Sombrero de tres picos" y "La Vida Breve" de De Falla. Figurín recreado por Pericet para las futuras reposiciones
La riqueza de telas, mantones de manila, chaquetillas de torero, los extraordinarios diseños realizados por artistas plásticos, las  batas de cola,  no son más que un bello telón de boca que al abrirse lentamente pone en escena la más alta y pura esencia del Baile Español  en todos sus géneros.
La proyección de clases magistrales de los maestros Ángel y Eloy Pericet, de fragmentos de espectáculos y los programas, son un aporte documental que pone en contexto la selección de las piezas expuestas.
Por otro lado, una muestra fotográfica abre un panorama plástico de valor en sí mismo, con tomas en escena que nos sumergen en la expresión de los intérpretes.

La exposición permanecerá en exhibición hasta el 19 de marzo y se puede visitar en la sala 23 del segundo piso del Centro Cultural Borges, Viamonte 525, Buenos Aires, Argentina.

10 de febrero de 2017

Faena Art inaugura su programa 2017 con la exhibición “Tropos” de Cayetano Ferrer



Ximena Caminos, directora artística de la organización internacional Faena Art, y Alan Faena anuncian la apertura de la exhibición Tropos del artista Cayetano Ferrer, ganador del Premio Faena a las Artes 2015.

El Premio Faena a las Artes es un premio bienal otorgado por un jurado internacional que reconoce la experimentación artística, alienta la exploración  pos-disciplinaria y fomenta la investigación de los infinitos vínculos existentes entre el arte, la tecnología y el diseño. La propuesta de Ferrer se relaciona con los conceptos de tiempo y duración a través de la arquitectura, y fue seleccionada por un jurado internacional que incluyó a Sonia Becce (Curadora independiente, Argentina); Caroline Bourgeois (Curadora, Pinault Foundation, Francia); Rita Gonzalez (Curadora, LACMA, EEUU) y Katie Sonnenborn (Co-Directora de Skowhegan School of New York, EEUU).
La exhibición, curada por Jesús Fuenmayor, actúa como una investigación que explora las ficciones arquitectónicas que pueden rastrearse en las artes industriales y decorativas de ciudades de todo el mundo y, en particular, en la del artista (Los Ángeles) y en el contexto de la exhibición en Buenos Aires, incluyendo la vida anterior de Faena Art Center como un antiguo molino.

Esta muestra implica la utilización de formas arquitectónicas apropiadas y olvidadas, estructuras y ornamentos decorativos que hacen referencia a varias épocas históricas. La obra reconoce el palimpsesto de identidades visuales contenidas en el arte y la arquitectura así como la naturaleza efímera de estas formas que parecen desarmarse a medida que se fabrican, destruyen y re-fabrican para ocupar nuevas formas.


El proyecto de Ferrer transforma el espacio del Faena Art Center en una fábrica para la producción de moldes de gelatina. La instalación existe en un estado de continuo devenir, de realización inacabada que rinde homenaje a la existencia del fragmento.

En el curso de la exposición la instalación se irá transformando debido a la acumulación de procesos orgánicos y mecánicos implícitos en la fabricación de los moldes. El espacio oscurecido estará misteriosamente iluminado por la luz y el calor que emana de los elementos escultóricos -conocidos como unidades de fundido-.

Los moldes de estireno y yeso recuerdan los clásicos relieves tallados, objetos hechos a mano y artefactos industriales que hacen referencia a una multitud de símbolos, partículas lingüísticas de la antigüedad hasta la iconografía actual que existe dentro del paisaje urbano pero se reutilizan aquí dentro de los confines formales del espacio visual del arte. La ubicación es manipulada por el artista para convertirla en una fábrica para el procesamiento del pasado y, en última instancia, un depósito para la ornamentación de un nuevo lenguaje visual.

Ximena Caminos comentó sobre la exhibición: “Ferrer propone una instalación temporal y performativa que es, a la vez, increíblemente arquitectónica y visual. La obra solo existe gracias al intercambio de disciplinas y durante un tiempo no específico, nunca terminado. Una propuesta acorde con la misión de Faena Art, en última instancia, el proceso es en sí mismo la obra -una reacción alquímica al paisaje urbano y las narrativas históricas allí contadas".


La muestra “Tropos” se puede visitar del 10 al 25 de febrero del 2017, de miércoles a domingos de 12 a 19 horas, en Aimé Painé 1169, Puerto Madero, Buenos Aires, Argentina.

7 de febrero de 2017

Temporada 2017 de ópera de Buenos Aires Lírica


El 2017 es un año muy especial para Buenos Aires Lírica porque cumple 15 años desde su creación. Con 5 títulos y diferentes sedes de teatros, BAL se expande y celebra su labor en pos de la ópera.

Una compañía nueva, sin fines de lucro, decidida a ofrecer ópera profesional de calidad, en un contexto de respeto hacia sus artistas y de cordialidad hacia los socios: así surgía Buenos Aires Lírica, “Balírica”, hace quince años, con el ánimo de compartir una nueva experiencia con el público melómano de nuestra ciudad.

En el marco de su misión, creció hasta convertirse en la mayor asociación musical de la historia reciente de nuestro país. Así produjo 70 óperas totalizando más de 300 funciones, entre ellas importantes estrenos argentinos; exhumaciones; reincorporaciones al repertorio; y por supuesto los perennes de siempre... Por el camino Balírica obtuvo premios ACE, ACM, Konex y Rotary. Algunas producciones fueron exportadas a otros países. Las temporadas de Buenos Aires Lírica figuran en las carteleras internacionales y los críticos extranjeros les dedican habitualmente sus columnas en los medios de sus respectivas ciudades. La calidad se alcanzó contratando a artistas reconocidos, preferentemente argentinos y a veces extranjeros; invirtiendo en la realización de producciones que fueran dignas de la grandeza de la ópera; y explorando la totalidad del repertorio, no solamente el puñado de títulos de éxito garantizado. Una buena organización hizo posible que se crearan los "Encuentros con los Artistas" para nuestro Círculo de Amigos y las "Mesas redondas interdisciplinarias" abiertas a toda la comunidad interesada.

Hoy la innovación ha vuelto a ser el imperativo. Pero ya no para llenar un vacío en nuestro medio: ahora -como en todos los grandes polos líricos del mundo- se trata de sostener la vigencia de un arte centenario en medio de los cambios extremos en los gustos y en las costumbres que caracterizan a este Tercer Milenio. En la época de la interconexión global, de las redes sociales y de la inteligencia artificial, en el ocaso del CD y del DVD y cuando hasta la música ya reside en la "nube" y se degusta en mínimas porciones, cuando parece faltarnos el tiempo para detenernos y reflexionar pero cuando viajar a ver ópera en todos los lugares del planeta es una alternativa cada vez más factible, Buenos Aires Lírica no se conforma con acompañar sino que acusa el desafío y se dispone a profundizar su liderazgo. Para que la ópera no pase a ser cosa de otros tiempos y siga siendo el arte vital que a todos nos emociona.

La temporada 2017 está pensada para los melómanos tradicionales y los melómanos nuevos. Nuevos abonos con fechas flexibles a componer a gusto. Precios para todos. Algunas obras más breves. Nuevos y diversos escenarios.
Y como siempre, con muchos de los más distinguidos artistas: Nazareth Aufe, Ernesto Bauer, Marcelo Birman, Santiago Bürgi, Juan Casasbellas, Iván García, María Belén Rivarola, Carlos David Jaimes, Jaquelina Livieri, Marcelo Lombardero, Monserrat Maldonado, Martín Oro, Cecilia Pastawski, Marcelo Perusso, Mario Perusso, Pedro-Pablo Prudencio, Evelyn Ramírez, Walter Schwarz, por mencionar sólo a algunos de ellos.

En 2017 Buenos Aires Lírica presentará cinco producciones muy diferentes, todas con su sello inconfundible. Tres serán de ópera italiana (de Monteverdi, de Rossini y de Puccini), una de ópera francesa (de Offenbach) y otra, un concierto sinfónico-vocal alemán (de obras de Mendelssohn y de Beethoven). Adicionalmente, en conmemoración del 450º aniversario del nacimiento de Claudio Monteverdi, "el padre de la ópera", la apertura de la temporada con L'incoronazione di Poppea -en coproducción con Nuova Harmonia- tendrá lugar en el Teatro Coliseo.

El precio del abono: 5 funciones desde $1.850 hasta $5.850.  Para adquirir sus abonos comuníquese al 4812-6369 del 1º al 22 de marzo.

BALIRICA on line:
 

Josefina Madariaga presenta “El otro lado” en la galería de arte del BNA


La galería de arte “Alejandro Bustillo” comienza un nuevo ciclo de exposiciones con la obra de Josefina Madariaga, una joven representante de la plástica figurativa contemporánea.
Su muestra, “El otro lado”, es una selección de sus últimos y más representativos trabajos que expresan, a través de diversas técnicas y formatos, una delicada y cuidada figuración en donde la mujer ha tomado el centro de la escena.
La muestra podrá ser visitada hasta el miércoles 1° de marzo, de lunes a viernes de 10 a 15 hs. con entrada libre y gratuita, en el hall principal de la casa central del BNA, ubicado enla planta baja de  Rivadavia 325, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

6 de febrero de 2017

El Museo Nacional de Bellas Artes adquirió una obra del siglo XVII de Luca Giordano


El Museo Nacional de Bellas Artes adquirió, a fines de enero, en subasta de la casa Sotheby's de Nueva York, la obra "Isaac bendiciendo a su hijo Jacob", un dibujo realizado a mediados del siglo XVII por Luca Giordano (Italia, 1634-1705), uno de los máximos exponentes del barroco italiano.

La obra es un estudio en tiza roja sobre papel tonalizado de rojo, de 28,2 x 38,4 cm, y se considera una instancia preparatoria de la pintura "Presentación de Jacob a Isaac" de Giordano, que forma parte del acervo del MNBA y se exhibe en la sala 5, destinada al manierismo y el barroco.
“Esta adquisición es una gran noticia. Quiero agradecer especialmente al experto Ángel Navarro, curador de dibujo antiguo del Museo, quien realizó el hallazgo de la pieza en subasta y recomendó su compra, el apoyo del equipo de Investigación del Museo, y el interés y la veloz reacción de la Asociación Amigos del Bellas Artes. Gracias al esfuerzo y la voluntad compartida, hemos logrado que esta significativa pieza pase a  integrar nuestro patrimonio”, sostiene el director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat.
El dibujo fue adquirido por U$D 6.875, que aportó la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes. “La incorporación de esta obra enriquece la colección de dibujos italianos que posee el Museo y, a la vez, permitirá investigar el proceso creativo del gran artista napolitano Luca Giordano”, explica Duprat.

Giordano fue un pintor prolífico y de cuidadosa elaboración en sus trabajos. Atento observador de la producción artística de su tiempo, fue discípulo de José de Ribera, a quien secundó en su taller y de quien tomó composiciones que supo recrear con maestría. Tal es el caso de las series sobre los apóstoles o algunas escenas bíblicas, como Presentación de Jacob a Isaac (117 x 191 cm, Museo Nacional de Bellas Artes), y que posiblemente se trate de una obra de juventud del artista, donde reinterpreta la tela Isaac y Jacob (Museo del Prado, Madrid), que realizó su maestro hacia 1637.

Siguiendo una práctica habitual de los pintores de su época, especialmente aquellos que se dedicaban a la pintura de historia que comprendía grandes hechos del pasado, la mitología y los temas religiosos, Giordano estudiaba sus obras partiendo de dibujos. En ellos, poco a poco, perfeccionaba su composición hasta llegar a aquella que llevaría a la tela. “Tal es el caso del dibujo Isaac bendiciendo a su hijo Jacob: realizado a la sanguina muestra su típica forma de delinear diferentes partes, enfatizando sombras o acentuando trazos para remarcar algún personaje. Este dibujo muestra clara relación con la pintura de nuestro Museo. Pareciera ser igual, pero hay ligeras variaciones que el artista introduce en el óleo, como sucede con los rasgos del joven Jacob y, sobre todo, en el viejo Isaac. En él se ha acentuado la delgadez, y con su cuerpo enjuto, se acerca más a las figuras del maestro Ribera”, detalla Ángel Navarro.

De la misma manera, el área de investigación y curaduría del museo destaca la importancia de la adquisición. “La sanguina ilustra un episodio del Génesis (27, 1-29) y nos acerca tanto al pensamiento del artista como al procedimiento utilizado para construir la imagen final que quedará plasmada en la pintura Presentación de Jacob a Isaac. Esta presenta pequeñas variaciones respecto de la escena y de los personajes del dibujo, que indican el desarrollo visual que el artista fue desplegando en las diversas versiones”, subraya el informe del equipo liderado por Florencia Galesio.