28 de septiembre de 2017

Reza impulsa el arte como forma de inclusión


"Una foto capaz de conmover puede cambiar el mundo", afirma el fotorreportero iraní Reza, quien encabezó un proyecto con adolescentes argentinos de zonas vulnerables, que se expone en las plazas Fuerza Aérea Argentina y San Martín, ambas en la ciudad de Buenos Aires, en el marco de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur (BIENALSUR).

Reza, conocido por resaltar en sus fotos a la humanidad en zonas de conflicto, es uno de los artistas estrella de BIENALSUR, quien generó el proyecto Imágenes de mi mundo, mediante el cual brindó clases de fotografía a jóvenes de entre 13 y 20 años del Barrio 21, en la ciudad de Buenos Aires, y del Barrio Ejército de los Andes, ubicado en el partido de Tres de Febrero, provincia de Buenos Aires.
Durante el taller, los adolescentes recibieron cámaras de fotografía profesionales y participaron de talleres semanales guiados por talleristas y coordinadores de sus comunidades, a los que Reza se unió en cada visita que realizó a la Argentina este año. El objetivo era que los jóvenes tomaran imágenes del lugar en el que viven desde su propia mirada.

El fotógrafo iraní seleccionó luego trabajos de los adolescentes y propios que se exhiben en la Plaza San Martín y en la Plaza Fuera Aérea Argentina (en la que se encuentra la Torre Monumental, más conocida como Torre de los Ingleses), en el céntrico barrio porteño de Retiro.
Así, en Imágenes de mi mundo, la periferia se vuelve centro. Es que a pesar de su enorme riqueza, América Latina se constituye como la región con mayor desigualdad e inequidad del mundo y este fotorreportero iraní, que ha ejercido su oficio en conflictos bélicos, ha reparado en ello.
Ventanas BIENALSUR permitirá ver en el resto de las sedes estas fotografías.

Se presentó la segunda edición del concurso ArCiTec


La apertura del encuentro estuvo a cargo del ing. Andrés Bursztyn, vicedecano de la Universidad Tecnológica Nacional Facultad Regional Buenos Aires, quien celebró este tipo de iniciativas en la facultad: “a la Ingeniería se la ve dura, por su componente de matemática y de ciencia, pero también un costado artístico y por supuesto un fuerte sesgo tecnológico”.
 
En ese sentido, destacó: “compartimos la pasión de la ciencia y la tecnología puesta al servicio del arte, no solo en el sentido utilitario” y remarcó que “es un momento de mayor demanda de tecnología y de ingeniería, y eso implica también el cruce con las disciplinas artísticas y la creatividad”. Para finalizar, Bursztyn concluyó: “Esperamos lograr una participación importante y destacados trabajos, como en la anterior edición”. 
A continuación fue el turno del ing. Guillermo Winnicki, director de cultura de la UTN.BA, quien agradeció a las organizaciones y empresas que apoyan esta iniciativa, a la que calificó como “política cultural” de la facultad. En este sentido, mencionó el apoyo de la productora Objeto a, la Fundación para el Desarrollo del Conocimiento (FUNDESCO), la Universidad Maimónides, La Universidad de San Martín y al Centro Cultural San Martín.
 
Winnicki además agradeció a la oficina de Régimen de Promoción Cultural del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, “que gestiona la Ley de Mecenazgo que hizo posible la concreción del Concurso. Y a las empresas Level 3 y la Fundación del Banco Itaú, que actuarán en carácter de Benefactores”.
“Decidimos hace algunos años crear el Premio ArCiTec estimulados por el auge de las industrias culturales, como los videojuegos y el cine animado, como con el creciente desarrollo del arte tecnológico, como el arte cibernético y electrónico. El objetivo es incentivar la relación entre equipos interdisciplinarios para que presenten proyectos artísticos involucrados con la ciencia y la tecnología. Nos interesa particularmente estimular a los ingenieros, científicos y tecnólogos para que encuentren en el arte un camino de desarrollo profesional”, explicó Winnicki.
 
Las obras o proyectos de obra a desarrollar se recibirán del 1º de octubre al 13 de febrero próximos, en la plataforma www.arcitec.frba.utn.edu.ar. Entre el  14 y el 25 de febrero deliberarán los jurados, y el 26 del mismo mes los participantes serán notificados de los premios o menciones. A partir de allí, comenzará a contarse un plazo máximo de 2 meses para el desarrollo de la obra que será posteriormente exhibida en el Centro Cultural General San Martín del 4 al 20 de mayo de 2018.
Los artistas, científicos y tecnólogos podrán participar en dos categorías distintas: tecnología aplicada al arte y obras de arte tecnológico. En ambas secciones las obras y/o proyectos deberán ser inéditos, es decir proyectos u obras de menos de 3 años de creación a la fecha del lanzamiento de la convocatoria y que no hayan participado en otros certámenes y/o que no hayan sido expuestas en espacios de arte o en cualquier otra exhibición. Asimismo las postulaciones en ambas categorías podrán ser individuales o en equipo.
Los jurados seleccionarán y premiarán en cada categoría, desarrollos tecnológicos y obras artísticas, con un primer premio de sesenta mil pesos, un segundo premio de cuarenta mil pesos y tres menciones de quince mil pesos.
Para esta nueva edición, el concurso contará con un doble jurado, uno de selección, compuesto por Mariela Yeregui, Ramiro Larraín, Emiliano Causa, Daniel Wolkowicz, Adela Hutin, Jorge Petrosino y Pablo Jacovskis, y uno de premiación constituido por el ing. Andrés  Bursztyn, actual Vicedecano de la UTN.BA, el ing. Guillermo Winnicki, director de cultura en UTN.BA, Alejandra Marinaro, Ricardo Dal Farra, Joaquín Fargas y Diego Pimentel.
El proyecto para la segunda edición de ArCiTec, fue presentado ante el régimen de Promoción Cultural del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, y a través de la Ley de Mecenazgo fue declarado de Interés Cultural. Asimismo las empresas Level 3 y el Banco Itaú actuarán en carácter de Benefactores.

27 de septiembre de 2017

La Casa Nacional del Bicentenario Contemporánea exhibe "Capa en color", fotografías color de Robert Capa


La Casa Nacional del Bicentenario Contemporánea exhibe "Capa en color",  fotografías color de Robert Capa, célebre fotoperiodista húngaro que documentó algunos de los eventos políticos más importantes en Europa Occidental a mediados del siglo XX.
 
Se exhiben más de cien imágenes de sus viajes por Marruecos, Indochina, Israel y Japón, entre otros destinos exóticos, retratos poco tradicionales de actores, instantáneas de glamorosos centros de esquí suizos donde confluían la realeza y el jet set, un pantallazo por su proyecto Gen X y un estudio sobre Pablo Picasso, además de publicaciones relacionadas y documentos personales de Capa: un fascinante recorrido por la obra en color de este maestro de la fotografía.
Organizada por el International Center of Photography y la Subsecretaría de Gestión Patrimonial del Ministerio de Cultura de la Nación, esta exposición curada por Cynthia Young proporciona una nueva mirada sobre su tenacidad como fotógrafo y periodista en un campo dominado por el blanco y negro.
La exposición está abierta al público hasta el 7 de enero de 2018 y se puede visitar de martes a domingo y feriados, de 13 a 21 hs. con entrada libre y gratuita, en Riobamba 985, Buenos Aires, Argentina. Lunes cerrado.

26 de septiembre de 2017

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presenta la exposición "Sergio Avello: joven profesional multipropósito"


Esta es la primera exposición panorámica de Sergio Avello en un museo, y recorre su amplia producción artística, desarrollada entre los años 1984 y 2010, momento de su temprano fallecimiento. Con una relevante selección de pinturas, obras lumínicas, objetos, música, documentos de época y registros audiovisuales, la exposición curada por Sofía Dourron -coordinadora de curaduría del Museo de Arte Moderno- comprende el recorrido de Avello como artista, y también da cuenta de un universo mayor del que formó parte: la música, la noche y los amigos que dinamizaron su práctica artística desplegada en fiestas, muestras y recitales.
 
Óvalos, 1986, marcador sobre papel
Como explica la curadora en el catálogo que acompaña la exposición, Avello se inscribe en una práctica que asume como propios los materiales y motivos asociados hasta ese momento a lo decorativo.
Sergio Avello nació en Mar del Plata en 1964, y en 1983 llegó a Buenos Aires. Siempre nómade, Avello tuvo el cobijo de amigos y una infinidad de talleres. Sus pertenencias entraban en un pequeño maletín que trasladaba consigo. “El movimiento incesante fue una estrategia de supervivencia que se convirtió en modo de estar en el mundo y forma de trabajo: su obra hizo de los formatos transportables un culto”, sostiene la curadora.
En los ochenta, la práctica de Avello se distinguía de los otros artistas del under, sus gestos mínimos y despojados buscaron evocar una idea de belleza fundada en una percepción despreocupada de la realidad. “Cada obra es un estímulo a los sentidos, parte de una atmósfera liviana que no debe ser confundida con inocencia ni frivolidad. Efectivamente, sus pinturas son un acto de percepción, como mirar el cielo”, afirma Dourron.
 
Caja lumínica, 1999, impresiones backlight, tubos fluorescentes y cajas de madera
 
Joven, pulcro y minimalista, Avello se integró, a pesar de las diferencias estéticas, a un espíritu de época que se fundaba en el encuentro con la comunidad cercana y la acción continua. Avello organizaba muestras con sus amigos artistas en espacios institucionales como el Museo Municipal de Arte Juan Carlos Castagnino de Mar del Plata, pero también en espacios alternativos de la época: Cemento, Garage H y Rainbow.
En marzo de 1989 Avello inauguró su primera exposición individual en la galería de Adriana Rosenberg: Arte Decorativo Argentino.
Las búsquedas pictóricas lo llevaron a mediados de los noventa a explorar otros medios. Avello buscaba siempre lo nuevo, lo último, en la música, en las fiestas y en la vida. A comienzos de la década del noventa creó sus cajas de luz: estructuras compuestas por una caja de madera, un aparato lumínico y una cubierta de color diseñada digitalmente e impresa sobre acrílico. Su vida también incluía su trabajo como montajista, las ambientaciones en discotecas, las fiestas, la noche.
 
Sin título, de la serie “Polecelis”, 2006, óleo sobre cartón entelado
“Avello es amigo del arte, admirador amoroso de los artistas, esponja de información y de imágenes que absorbe la imagen y la devuelve multiplicada y remixada. Se apropia con humor, como si las obras fueran un chiste interno entre él y Malevich o Polesello”, de este modo la curadora describe algunos de los trabajos de Avello. 
A comienzos de los 2000, la abstracción lúdica de Avello se desplazó hacia los símbolos patrios. La crisis que atravesó el país en 2001 resonó en muchos artistas como un llamado a la acción. Avello, como siempre, optó por la vía tangencial: trasladó sus planos de color a las banderas de Argentina y Estados Unidos. La bandera argentina se repite una y otra vez, en cuero, en corderito, en esmalte, en tubos de luz. Sus banderas muestran el singular tono del artista, cuyo compromiso político fue siempre elusivo, aunque nunca indiferente.
 
Bandera, 2003-2017, tubos de luz y microprocesador. Reconstrucción de la obra presentada en la IV Bienal del Mercosur
 
La exposición está acompañada por un catálogo con textos de Sofía Dourron, María Moreno y Pablo Schanton, y una selección de obras, documentos y registros fotográficos de muestras, fiestas y ambientaciones que dan cuenta de las múltiples facetas de Avello.
Esta exposición y las otras que actualmente se exhiben en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, como: "Liliana Maresca: El ojo avizor. Obras 1982 – 1994", Episodios Colección Pirovano III: “El camino de la abstracción. Diálogos sobre arte moderno entre Ignacio Pirovano y Tomás Maldonado” y "Tomás Saraceno: Cómo atrapar el universo en una telaraña" se puede visitar de martes a viernes de 11 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 11 a 20 hs. en Avenida San Juan 350, Buenos Aires, Argentina. Entrada general: $30. Martes: gratis.

Los Jóvenes del Bellas Artes celebraron el arte pop en su fiesta anual


Por tercer año consecutivo la categoría de socios Amigos del Bellas Artes / Jóvenes hizo su fiesta anual, esta vez inspirada en las obras de arte pop de la Colección del Museo Nacional de Bellas Artes.  
El 21 de septiembre a partir de las 10 de la noche y hasta las 4 de la mañana, 500 jóvenes respondieron  a la convocatoria y colmaron la enorme carpa instalada en Figueroa Alcorta 2280 de la ciudad de Buenos Aires.
Bajo la consigna de vestimenta Elegante ¡POP!  con barra libre, música de Juan Cruz Castillo y organización y ambientación de Brothers, la fiesta cumplió ampliamente con el objetivo de profundizar la visibilidad de la categoría, creada en 2015, y acercar el público joven al museo, a la asociación y al arte en general.

25 de septiembre de 2017

La exposición “Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino” llega al Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson de San Juan


En la sexta escala de su gira nacional, “Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino” -la exposición que reúne 79 obras de los principales artistas del país, de distintas épocas, celebrando el Bicentenario de la Independencia- se presenta en el Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson, ubicado en Av. Libertador Gral. San Martín 862 oeste, ciudad de San Juan, donde podrá visitarse hasta el 26 de noviembre.
Organizada por el Ministerio de Cultura de la Nación, a través de la Secretaría de Patrimonio Cultural, y el Museo Nacional de Bellas Artes, la muestra recorre dos siglos de arte argentino a través de un corpus de destacadas piezas pertenecientes a la colección del Bellas Artes -algunas de ellas, exhibidas por primera vez fuera de la institución- y un conjunto de obras de artistas contemporáneos de todas las provincias.
 
Luis Felipe Noé, "En la maraña", 1986
 
Esta selección -que incluye pinturas, esculturas, grabados, dibujos, fotografías, instalaciones, objetos y videoarte- establece un diálogo entre estilos, poéticas y materialidades diversas, a partir de la propuesta curatorial del director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat, y del director de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Tucumán, Jorge Gutiérrez.
La exhibición se organiza en cuatro núcleos temáticos que se apartan del orden cronológico: Paisaje y territorio, Visiones sobre la subjetividad, Los cambios sociales, y Vanguardia y abstracción. “Sin pretender dar cuenta del universo plástico de dos siglos, la muestra tiende a proponer preguntas en torno al sentido del arte, la política, el territorio y la subjetividad argentina. De modo que se buscó construir sutiles líneas que conecten producciones diversas tanto en su formato como en su génesis y contexto, zonas de contacto y puntos de fuga que articulen la serie visual en cotejo con la serie histórica”, sostienen Duprat y Gutiérrez en su texto curatorial.
 
Raquel Forner, "Retablo del dolor", 1942
Prilidiano Pueyrredón, Pío Collivadino, Cándido López, Lino Enea Spilimbergo, Juan Carlos Castagnino, Ramón Gómez Cornet, Cesáreo Bernaldo de Quirós, Antonio Berni, Raquel Forner, Alejandro Xul Solar, María Martorell, Emilio Pettoruti, Grete Stern, Antonio Seguí, Annemarie Heinrich, León Ferrari, Luis Felipe Noé, Sara Facio, Rómulo Macció, Carlos Alonso, Norberto Gómez, Juan Carlos Distéfano, Marta Minujín, Guillermo Kuitca, Pablo Siquier, Marcos López y Liliana Maresca son algunos de los artistas seleccionados del valioso acervo del Museo Nacional de Bellas Artes.
A ellos se suman los creadores contemporáneos Adriana Miranda (San Juan), Guido Yannitto (Mendoza- Salta), Marcelo Abud (Jujuy), Leticia El Halli Obeid (Córdoba), Matías Duville (Buenos Aires), Tomás Espina (Buenos Aires), Rosalba Mirabella (Tucumán), José Ballivián (La Paz, Bolivia), Ariel Mora (Neuquén), Walter Tura (Formosa), Cecilia Teruel (Santiago del Estero) y Gustavo Groh (Tierra del Fuego), entre otros, lo que permite inscribir sus obras en algunas de las más importantes tradiciones plásticas del país.
 
José Ballivián, "Chola Nike", 2015, sombrero de fieltro con bordado en hilo rojo 
 
El Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson puede visitarse de martes a domingo, de 12 a 21 hs. (lunes cerrado, excepto los días feriados). El valor de la entrada general es de $30, y de $15 para estudiantes y jubilados. Los domingos la entrada es gratuita.
Esta exposición itinerante está acompañada de textos con aportes y reflexiones acerca del Bicentenario, elaborados por Viviana Usubiaga, Ana Claudia García, Nancy Rojas, Pablo Montini y Carina Cagnolo, especialistas y referentes de las artes visuales de diferentes ciudades de país. El catálogo completo está disponible en formato digital en: http://congresodetucuman.cultura.gob.ar.
 
Tomás Maldonado, "Homage to Ptolemy 2", 2005, acrílico sobre tela

Luego de su inauguración, el 1º de julio de 2016 en San Miguel de Tucumán, “Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino” visitó Rosario, Mar del Plata, Neuquén y Salta. Tras su paso por San Juan, concluirá su gira federal a fin de año en el Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Caraffa”, de Córdoba.
Con esta exhibición, se activa una de las acciones fundamentales del Museo Nacional de Bellas Artes: poner en circulación parte de su acervo dándole mayor visibilidad, ampliando su universo de destinatarios y descentralizando las políticas públicas en el campo de las artes visuales.

En Zurbarán se está presentando una nueva muestra de Ernesto Bertani


"Personajes", acrílico sobre casimir, 2017 
 
Es el único de nuestros artistas que expone regularmente todos los años en dicha galería, y siempre sorprende con sus obras.
Durante esta exposición está presentando nuevas versiones de las series que tanto lo identifican: “Del mismo lodo”, “Bolsillo Ajeno”, “Parejas”, “Mujeres” y “Hombres”, de esta última se destaca una pintura titulada “Personajes” que muestra a cinco individuos que representan algunas de las personalidades que podemos identificar fácilmente en la sociedad argentina actual, tal como lo son el fiestero, el preso, el bufón de la corte, el conservador, y el distinto.
La exposición se puede visitar de lunes a viernes de 10:30 a 21 hs. y los sábados de 10 a 13 hs. en Cerrito 1522, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.

El MuHu - Museo del Humor presenta la exposición "Hermenegildo Sábat. Retrospectiva"


El sábado 23 de setiembre el MuHu - Museo del Humor inauguró la exposición "Hermenegildo Sábat. Retrospectiva", que incluye 100 obras que recorren su actividad plástica, sus más de 20 libros ilustrados y 50 años de periodismo gráfico. 

Aníbal Troilo, óleo
La muestra incluye un centenar de obras en las tres áreas plásticas donde Hermenegildo Sábat desarrolló su sólida carrera en los cincuenta años que lleva en Buenos Aires, desde que arribó en el Vapor de la Carrera desde su Montevideo natal.
Una de ellas contiene óleos, monocopias y técnicas mixtas, con vertientes expresionistas, surrealistas y de abstracción.
Otro espacio incluye algunos de sus trabajos de ilustración sobre textos propios o de grandes escritores, como Julio Cortázar. Aquí también podremos apreciar grafitos y acuarelas ligadas a sus grandes pasiones musicales: el tango y el jazz.
Se exhiben además las ediciones de la revista cultural Sección Áurea, que Sábat editó en los '90 a través de su Fundación Artes Visuales.
 
Perón - Echeverría
 
Por último se exponen los trabajos de periodismo gráfico, con obras que realizó primeramente para el periódico La Opinión y desde 1973 para Clarín, que son una crónica de los avatares políticos y sociales del país y del mundo del último medio siglo.
Aquí hay sectores dedicados a los presidentes, a los ministros de economía, a los líderes mundiales, a los políticos y periodistas y también a los artistas plásticos,
escritores, actores y deportistas.
Es importante destacar que por su trayectoria en este último ámbito, Hermenegildo Sábat ocupa desde hace 4 años la presidencia de la Academia Nacional de Periodismo.

Toulouse, corista
La muestra se puede visitar hasta el 19 de noviembre en la sede del MuHu, Edificio de la Munich, Av. de los Italianos 851, Costanera Sur.
Horario: lunes a viernes de 11 a 18 hs. Sábados y domingos de 10 a 20 hs. Feriados de 12 a 20 hs.
Entrada: Jueves a domingos y feriados $10; lunes, martes y miércoles gratis. Menores de 12 años, jubilados y estudiantes con acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, colegios públicos: gratis todos los días.

23 de septiembre de 2017

Más de 50 artistas visuales mostrarán sus obras en la nueva edición de la Bienal en el Centro Cultural Recoleta


Entre el 25 de setiembre y el 1 de octubre llega al Centro Cultural Recoelta una nueva edición de la Bienal, un punto de encuentro con la escena emergente de creadores entre 18 y 32 años. Nuevas generaciones de artistas que producen el arte aquí y ahora, compartirán sus obras en una maratón cultural durante siete días. 800 artistas, participantes de 230 obras y proyectos, conforman esta nueva edición en cinco disciplinas: artes escénicas, artes audiovisuales, artes visuales, música y literatura.
El Festival de la Bienal presentará un panorama de la producción joven contemporánea de artes visuales, recibiendo a creadores en sus primeros pasos, y a jóvenes artistas que ya cuentan con varios años de trayectoria y que siguen consolidando su camino y experimentando en su búsqueda.

Manuel Baigorria. Retrato de las hojas
Muestra artistas visuales
Esta exhibición, que se desarrolla en las salas J y C del Centro Cultural Recoleta, reúne las obras de 45 artistas visuales que fueron seleccionados en convocatoria abierta por un comité integrado por Fernando Brizuela, José Luis Landet, Rodolfo Marqués, Julia Masvernat y Geraldine Schwindt a partir de criterios plurales y exhaustivos para desplegar una diversidad de expresiones de la escena más joven del arte contemporáneo local. Se priorizaron la singularidad y las cualidades poéticas de las obras, su coherencia interna, los vínculos que establecen con sus propios contextos socio-históricos y su posición en relación al cuerpo de trabajo de cada autor.
Estos artistas son: Ale Moreyra, Franco Basualdo, Beto, Santiago Colombo, Federico Roldan Vukonich, Alfredo Frías, Lucas Ardu, Esteban Martínez, Rodolfo Sousa, Nani Lamarque, Ivo Aichenbaum, Santiago Licata, Lucas Federico Tula, Hernán Aguirre García, Lucas Fiorucci, Manuel Aja Espil, Nazareno Pereyra, Sasha Minovich, Andrés Piña, Santiago Hernández, Eloy Mengarelli, Malcon D'Stefano, Ramiro Achiary, Leonardo Adán Vallejo, Manuel Baigorria, Gonzalo Maciel, Lucia Delfino, Jimena Mariel Travaglio, Antonella Agesta, Verónica Madanes, Santiago Delfino, Liv Schulman, Rocío Englender, Mayra Vom, Valentina Ansaldi, Ariela Bergman, Julia Padilla, Micaela Piñero, María Candelaria Traverso, Camila Carella, Magdalena Petroni, Jazmín Giordano, Celeste Rojas Mugica, Mara Verena y Cindy Mamani. Cierra el 1 de octubre.
El objetivo de la Bienal es promover la formación práctica y teórica de los artistas jóvenes. Es por esto que 7 de estos artistas tendrán la posibilidad de realizar una residencia en destacadas instituciones de la Argentina y el mundo. Los encargados de elegir estos 7 artistas son los representantes de las instituciones artísticas del país y del exterior con las que La Bienal se encuentra trabajando en esta edición: Hangar, Barcelona; Casa Tres Patios, Medellín; Casa tomada, San Pablo; Curadora, Santa Fe; Mundo Dios, Mar del Plata; Urra, Tigre; La ira de Dios, Buenos Aires.
Los ganadores serán anunciados el día 1 de octubre, en la ceremonia de entrega de premios, a las 19 hs, en la terraza del Centro Cultural Recoleta.

Santiago Delfino Simiente
 
Muestra proyectos Artes visuales
Entre los participantes que se presentaron en convocatoria abierta, un comité integrado por Lara Marmor, Patricio Larrambebere y Marcela Sinclair, seleccionó 6 proyectos, desarrollados por artistas que llegaron desde diversos puntos del país: Ushuaia, Mar del Plata, Mendoza, Tucumán, Rafaela, Buenos Aires. Los artistas son: Ángeles Ascúa, con Piel de empedrado, corazón de leche y de trigo; Grupo Karicia (Lil Lilen y Julián Solís Morales) con Compañía naviera del Litoral S.A; Santiago Delfino con Simiente; Alfredo Frías con Apuntes visuales para la reconstrucción de una historia negra; Nacha Canvas con Friso y Ramiro Quesada Pons con La imagen real.
Durante cuatro meses, estos 7 artistas recibieron el acompañamiento y financiamiento de la Bienal, y en un espacio de taller en el Centro Metropolitano de Diseño alumbraron los proyectos. 
La muestra estará en las salas 3, 4 y 5 del Centro Cultural Recoleta hasta el 22 de diciembre. El sábado 30 de setiembre a las 18 horas, se realizará un recorrido con los curadores y tutores de los proyectos: Lara Marmor, Patricio Larrambebere y Marcela Sinclair.  Permanecerán en exhibición hasta el 22 de diciembre. 

Mariano Godoy. Música de cajas
 
Esta nueva edición, contará con programación invitada. 
Los artistas invitados en visuales son: Delius, taller dibujando sueños; Gastón (Sémola) Souto, taller dibujo libre; María Luque, taller de dibujo y observación y Salvador Sanz, taller diseño de criaturas fantásticas. Estos cuatro talleres, que se dictarán en la sala de dibujo del Centro Cutural Recoleta, están destinados a adolescentes, jóvenes y adultos, con y sin experiencia, y proponen una forma de acercarse al arte desde una propia producción y creatividad.
Como parte de la comunidad bienal, artistas que participaron en ediciones anteriores fueron invitados a participar de esta nueva edición, tal es el caso de Mariano Godoy, quien realizará la exposición: Música de cajas, obras musicales en forma de objeto sonoro. Cada caja atraviesa su composición e interpretación musical hasta convertirse en parte fundamental de la obra.
Todas las actividades son gratuitas, sujetas a disponibilidad del espacio. Las entradas para los espectáculos de danza, teatro, interdisciplina y para el cine son gratis, pero con reserva previa a partir del lunes 18 de septiembre en: bienal.buenosaires.gob.ar/festival.

El Centro Cultural Recoleta se puede visitar de martes a viernes, de 13.30 a 22 horas y sábados, domingos y feriados de 11.30 a 22 horas, Junín 1930, Buenos Aires, Argentina. Lunes cerrado.

22 de septiembre de 2017

La galería Maman Fine Art presenta “Cuartetazo”, con obras de Cynthia Cohen, Julián Prebisch, Nushi Muntaabski y Alberto Passolini


Daniel Maman, Patricia Pacino de Maman y Rodrigo Alonso junto a los artistas Nushi Muntaabski, Alberto Passolini, Cynthia Cohen y Julián Prebisch
 
El martes 12 de septiembre Maman Fine Art inauguró “Cuartetazo”, exposición en la que se presentan a cuatro artistas que se incorporan al staff de la galeria: Cynthia Cohen, Julián Prebisch, Nushi Muntaabski y Alberto Passolini. Cada uno de ellos tiene un futuro promisorio que la galería se propone apoyar, tanto desde Buenos Aires como desde Miami, donde tienen su segundo espacio que será escenario de la próxima exhibición.
La muestra incluye, además, un diálogo entre las obras de estos artistas y las de algunos referentes históricos pertenecientes a la trastienda de la galería. La curaduría del conjunto está a cargo de Rodrigo Alonso.
 
Cynthia Cohen. Esmeralda II, 2017
Las pinturas de Cynthia Cohen ponen de manifiesto su obsesión por explorar diferentes maneras de representar al mundo. En 2006, la artista realizó una muestra en la galería Maman Fine Art en donde exhibió grandes telas llenas de color, con una fuerte impronta expresiva e imágenes apropiadas de las más variadas fuentes. Sus obras actuales se centran en la fascinación que ejercen las joyas, las que reproduce con una precisión hiperrealista. Los detalles más sutiles cobran una dimensión gigantesca sobre las planas y delicadas superficies de las piedras preciosas que Cohen capta en todo su esplendor.
 
Julián Prebisch. Díptico, 2017, acrílico y esmalte sobre cuero de vaca y chapa
El cuero, los metales y la geometría conforman el vocabulario plástico del trabajo reciente de Julián Prebisch. A diferencia de sus producciones anteriores, en las cuales los materiales se ajustaban a los rigores de la geometría, ahora se plantea una tensión visual entre todos los elementos que componen la obra que conmueve sus límites recíprocos. El cuero recupera su amorfía orgánica imponiendo la majestuosidad de sus contornos. El formato-cuadro busca mantenerse incólume, aunque no siempre con éxito. En las fricciones entre uno y otro se genera una intensidad singular, en la cual reside una buena parte del impacto que provocan estos trabajos.
 
Nushi Muntaabski. Remolachas, 2014, mosaico veneciano sobre poliuretano expandido
Nushi Muntaabski es ampliamente conocida por sus realizaciones en venecita. Durante más de dos décadas ha ido perfeccionando y refinando el uso de este material hasta convertirlo en un soporte con infinitas posibilidades, y en su más lograda marca autoral. Con él, ha elaborado desde obras planas a objetos tridimensionales e intervenciones urbanas. Su poética se centra sobre lo cotidiano. Las pequeñas unidades vítreas multicolor le permiten transfigurar los objetos más banales dotándolos de una belleza inusual y, sobre todo, de una extraña sensualidad. 

Alberto Passolini. El día (Aurora y Céfalo, de Pierre Narcisse Guérin, 1810, y Farfalla de Emilio Pettoruti, 1961), 2009, acrílico sobre tela/La Noche (Iris y Morfeo, de Pierre Narcisse Guérin, 1811, y Crepúsculo Marino de Emilio Pettoriti, 1953), 2009, acrílico sobre tela
 
Las pinturas de Alberto Passolini están cargadas de referencias a las más variadas  tradiciones pictóricas e históricas locales e internacionales. Con osadía y una buena cuota de humor, el artista sienta a la mesa de su banquete de citas a Emilio Petorutti con la   escultura grecorromana, a Benito Quinquela Martín con Tiépolo, a San Martín con Prilidiano Pueyrredón. Sin concesiones a la corrección o al decoro, sus obras provocan pero al mismo  tiempo invitan a un juego. Confían en la recepción lúdica como un camino amable hacia la duda y la reflexión.

La exposición se puede visitar de lunes a viernes de 11 a 20 hs. y los sábados de 11 a 15 hs. en Av. del Libertador 2475, Buenos Aires, Argentina.

El Museo Nacional de Bellas Artes forma parte de la BIENALSUR con obras de Boltanski y del MAMCO de Ginebra


El director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat; el artista francés Christian Boltanski; el titular del Museo de Arte Moderno y Contemporáneo (MAMCO) de Ginebra, Suiza, Lionel Bovier; y el director de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur (BIENALSUR), Aníbal Jozami, inauguraron la semana pasada dos muestras como parte de la primera edición de este encuentro: la videoinstalación “Misterios”, de Boltanski, que retrata su proyecto realizado este año en Chubut capturando el sonido del viento patagónico, e "Interferencias", un diálogo crítico entre las obras de museo suizo y la exposición permanente del Bellas Artes.
 
Mariana Marchesi, directora artística del Museo Nacional de Bellas Artes; Andrés Duprat, director ejecutivo del Museo Nacional de Bellas Artes; Aníbal Jozami, director de Bienalsur; Lionel Bovier, director de MAMCO; Christian Boltanski y Diana Wechsler, directora artística de Bienalsur
 
"Es un honor formar parte de BIENALSUR desde los orígenes; se trata de una Bienal que no se parece a ninguna otra porque sucede en múltiples ciudades y países, y sus bases y fundamentos vienen desarrollándose y discutiéndose hace tiempo", sostuvo Duprat.  "En estas muestras que inauguramos hoy -agregó- el arte contemporáneo viene a recrear y a echar luz sobre un museo clásico como el Bellas Artes, generando apropiaciones y nuevas interpretaciones de su fantástica colección".

Jozami afirmó que BIENALSUR "es un proyecto alocado que se hizo realidad y viene a llenar un vacío y una necesidad desde el punto de vista del arte contemporáneo y del rol de la Argentina en la cultura internacional". "La Bienal ha nacido para quedarse", aseveró.

Boltanski expresó su agradecimiento: "Es un honor para un artista exponer acá, donde hay tantas obras tan hermosas".

En tanto, Bovier, director del museo de Ginebra, consideró: "Las obras del MAMCO aquí expuestas establecen un diálogo entre piezas de gran calidad, que espero que sea también una transferencia de conocimientos".
 
"Misterios" de Christian Boltanski
 
Para crear la videoinstalación "Misterios", Boltanski emplazó en la soledad de Bahía Bustamante, Chubut, dispositivos sonoros (torres de hierro con cornamusas en los extremos), que se activan aleatoriamente con el viento para establecer un diálogo posible con las ballenas. En tres pantallas ubicadas en la sala 40, se proyecta el video que muestra, con cámara fija y en tiempo real, la pieza emplazada durante un día, estableciendo una concordancia entre la hora del espectador y la de la filmación.

A esta obra se suma la instalación de Boltanski “La traversée de la vie”, una serie de fotografías de posguerra de una familia anónima, impresas en telas traslúcidas que penden del techo. La pieza funciona como una reflexión sobre las tragedias del siglo XX. Estas muestras se exhiben en el primer piso del Museo, hasta el 10 de diciembre.

En tanto, “Interferencias” presenta veinte piezas del MAMCO, en diálogo crítico con la exposición permanente del Bellas Artes: obras como “One”, del francés Robert Filliou, o “Ideale Bildtemperatur”, del suizo Thomas Huber, son cabeza de serie dentro de este ejercicio conceptual, desplegado en las salas de la planta baja. El encuentro de dos colecciones tan valiosas como distantes tiene por propósito desactivar la inercia del espectador, y abrir otras miradas e interpretaciones.
 
Interferencias en sala 7. De izquierda a derecha: Nicolás de Largillière, "Retrato de Marguerite-Elisabeth Forest de Largillierre y su hijo Nicolás”; James Latham, "Jeune femme" (Lady in blue); Jean-Marc Nattier, "Charlotte de Hesse-Rheinfels" y "Retrato de Mlle. Henault, Comtesse d'Aubeterre”.Colección Museo Nacional de Bellas Artes. Abajo: Robert Filliou, "Eins. Un. One…" (Uno. Uno. Uno…). Colección MAMCO de Ginebra, Suiza
 
Como parte de esta propuesta, hasta el 26 de noviembre, también se exhiben obras de de Marion Baruch (Rumania), Ernest T. (Bélgica), Sylvie Fleury (Suiza), Maurizio Nannucci (Italia), Claudio Parmiggiani (Italia), Denis Savary (Suiza), Sada Tangara (Mali), Sergio Verastegui (Perú), Vittorio Brodmann (Suiza), Tobias Madison (Suiza), Emanuel Rossetti (Suiza).

La primera Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur, BIENALSUR, es organizada por la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), en red con museos, universidades, instituciones de arte y entidades de 32 ciudades en 16 países del mundo, que serán sede de 350 intervenciones artísticas, muestras y acciones que se desarrollarán en simultáneo hasta diciembre.

Las obras de la BIENALSUR en el Museo Nacional de Bellas Artes se pueden visitar con entrada gratuita en Av. del Libertador 1473, Buenos Aires, Argentina..
La videoinstalación "Misterios" de Christian Boltanski se puede visitar en las salas 39 y 40, del primer piso hasta el 10 de diciembre, y la muestra "Interferencias", con obras del Museo de Arte Moderno y Contemporáneo (MAMCO), de Ginebra, se exhiben en la planta baja hasta el 26 de noviembre.

La BIENALSUR llega a las provincias de Córdoba, Tucumán y San Juan


La Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur (BIENALSUR) llegará de manera simultánea este viernes 22 a las provincias de Tucumán y San Juan, mientras que el sábado 23 lo hará a Córdoba, con obras de artistas nacionales e internacionales en el espacio urbano y en los museos provinciales Palacio Dionisi, Bellas Artes Franklin Rawson, Bellas Artes Timoteo Navarro y el Museo de la Universidad Nacional de Tucumán Juan B. Terán (MUNT).

Museo Provincial de Bellas Artes Timoteo Navarro de Tucumán
 
Tucumán es una de las sedes más importantes en Argentina de BIENALSUR y participa con la cooperación del gobierno provincial. 
Exposiciones de artistas nacionales y extranjeros -con gran presencia libanesa-, intervenciones en el espacio urbano a cargo de Graciela Sacco y de Juliana Iriart y la instalación de una escultura de Marie Orensanz podrán verse en San Miguel de Tucumán.
Las muestras pensadas para esa ciudad son: Una estela en la tierra. Ecos de violencia institucional desde América Latina, con curaduría de Florencia Battiti y Leandro Martínez Depietri, y Poetics, Politics, Places, curada por Nayla Tamraz.
En tanto, la capital sanjuanina recibirá las obras de las artistas Regina Silveira, de Brasil, y Juliana Iriart, de Argentina.
A su vez, en Córdoba se exhibirán trabajos centrados en la identidad y el autorretrato elaborados por los artistas argentinos Maricel Álvarez, Nicola Costantino y Roberto Jacoby.

Museo de la Universidad Nacional de Tucumán
 
Estas tres provincias Argentinas se suman a las inauguraciones ya realizadas en más de 30 sedes en las zonas fronterizas de Arica y Tacna, en las ciudades de Montevideo, Rosario, Bahía Bustamante, Buenos Aires, Tigre, Caseros, Cúcuta, Bogotá, San Pablo y Sorocaba, de las que participan hasta ahora más de 200 artistas y curadores entre los que se destacan el francés Christian Boltanski, el portugués Pedro Cabrita Reis, los brasileños Cildo Meireles, Vik Muniz y Regina Silveira, los argentinos Marie Orensanz, Leandro Erlich, Charly Nijensohn, Marcolina Dipierro y Guillermo Kuitca y las colecciones de los Museos Reina Sofía de España y de Arte Moderno y Contemporáneo de Ginebra, entre tantos otros.

21 de septiembre de 2017

El km 0 de la BIENALSUR se ubica en el Hotel de Inmigrantes con una exhibición que refleja la diversidad cultural


La esencia de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur -BIENALSUR- puede vivenciarse con la apertura del llamado km 0 de este evento cultural, localizado en el Hotel de Inmigrantes de Buenos Aires. 
La diversidad cultural estará reflejada en una muestra colectiva internacional, performances e intervenciones especialmente creadas por artistas de Colombia, Francia, Benín, Brasil, Madagascar, Uruguay, Argentina e Israel.   
“Arte para pensar la nueva razón del mundo” es la exposición que reúne piezas de la colección del Museo Reina Sofía, con curaduría de los españoles Manuel Borja-Villel, Cristina Cámara, Beatriz Herráez, Lola Hinojosa y Rosario Peiró. 

La Orquesta de Instrumentos Autóctonos y Nuevas Tecnologías de la Universidad Nacional de Tres de Febrero
 
La globalización y la geopolítica están en el corazón de la muestra que incluye artistas como Zoe Leonard (Estados Unidos), Allan Sekula (Estados Unidos), Maria Ruido (España), Pedro G. Romero (España), Joaquim Jordá (España), Antije Ehmann (Alemania), Harun Farocki (República Checa), Hito Steyerl (Alemania), Alice Creischer (Alemania), Andreas Siekmann (Alemania), Taller popular de serigrafía (Argentina), Marcelo Expósito (España), León Ferrari (Argentina), Mapa Teatro (Colombia), Ines Djoujak (Austria), Peter Friedl (Austria), Jorge Ribalta (España) e Ibon Aranberri (España).
House, A house in Jerusalem y News from home” es la exposición del israelí Amos Gitai, quien en 1980 filmó el documental House, que narraba la historia de una casa en el oeste de Jerusalén y de sus dueños israelíes y palestinos desde 1948 en adelante. Dieciocho años después, volvió al lugar para observar los cambios de sus habitantes y su vecindario: de ahí surge A House in Jerusalem. Además, en 2005, con News from Home/News from House, vuelve allí para retomar la investigación. Los tres filmes narran la historia.

Tatiana Trouvé
 
Las intervenciones en el espacio sitio son un gran atractivo de la muestra. Desde Francia, Tatiana Trouvé presenta la instalación sitio específico “Prepared space”, inspirada en la migración. El título se refiere al “prepared piano” de John Cage, cuyas posibilidades fueron exploradas por el artista entre 1940 y 1950.
En tanto, a través de la escultura “Dios es inmigrante” la argentina Mariana Tellería también encuentra en las migraciones su modo de expresión.
 
Romuald Hazoumè junto a su obra "Salto Atrás"
Con “Salto Atrás”, el artista africano Benín Romuald Hazumé se apropia de objetos y les confiere un nuevo sentido al introducirlos en un contexto fuera de lo común. Para BIENALSUR invitó a estudiantes de distintos colegios a aportar elementos para sus obras.
Conocido por sus obras sutiles y intrigantes, el uruguayo Marco Maggi creó “Primeras Líneas”, para despertar la curiosidad del público distraído . Hay que “buscar” su obra en la arquiectura del lugar. Desde Madagascar, Joël Andrianomearisoa presenta “Le la tour du monde”, que usa la poesía y el lenguaje de las palabras para cruzar continentes. Su obra para Bienalsur está en el Hotel de Inmigrantes y en el cruce de las avenidas Libertador con Pueyrredón. La obra en la Argentina se conecta con Puerto Alegre (Brasil) y Cotonú y Ouidah (Benín).
A su vez, “Los mundos”, del colombiano Iván Argote, es una video-instalación muy compleja, que contiene elementos documentales y ficcionales. Argote excava un canal imaginario entre Indonesia y Colombia.
 
“Árbol Nexor” del Colectivo Estrella de Oriente
 
El Colectivo Estrella de Oriente (EDO), formado por los argentinos Daniel Santoro, Pedro Roth, Juan Carlos Capurro, Juan Tata Cedrón y Marcelo Céspedes, exponen “Árbol Nexor”, en continuidad de “La Ballena va llena”, obra fundamental de este colectivo de artistas.
Y, a partir del mes de noviembre, se presentarán en el km 0 de BIENALSUR las acciones de los artistas argentinos Mariano Sardón, “Carga es cargo”; Mariana Belloto, “Antropología contemporánea en el paisaje”, y Juliana Iriart,  “Sombras para llevar”.
También se prevé la performance “ASFI dinner”, del artista francés Arnaud Cohen. Creador de una de las mas prestigiosas residencias para curadores internacionales, Cohen invita a descomunales comidas compartidas en la fundación ArtSpeaksForItself para generar vínculos duraderos entre agentes de diversos sectores del arte . En esta oportunidad lo hará en Buenos Aires.
A Ronaldo Fraga, en tanto, el vestuario lo inspiró a pensar en el aporte de los pueblos originarios en la construcción de nuestra identidad sudamericana. Desde esa concepción surge la performance "Génesis".
El MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo y Museo de la Inmigración, Sede Hotel de Inmigrantes, está ubicado en Avenida Antártida Argentina (entre Dirección Nacional de Migraciones y Buquebus), con entrada por el Apostadero Naval, Puerto Madero. Su horario es de 11 a 19 horas.

Fiat presenta la muestra "Naturalia" de Elena Clément


La marca italiana presenta la muestra de Elena Clément denominada "Naturalia" que se exhibe en la galería Javier Baliña y puede ser visitada desde el 21 de setiembre al 6 de octubre, de 14.30 a 19.30 hs. en Arenales 1428, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Elena Clément y Cristiano Rattazzi
Luego de varias temporadas en las que Fiat se hizo presente mes a mes con muestras de diferentes artistas, en ésta oportunidad presenta una serie de pinturas que refieren a la naturaleza; en este caso, bosques. La técnica es acrílico y óleo sobre tela y la propuesta cromática es delicada, con azules  infinitos. La artista logra algo muy difícil de articular: la composición mediante el color.
 
Es evidente en la obra de Elena, una connotación con el arte oriental; tal vez inspirada en sus viajes a China. Sus obras tanto figurativas como abstractas son abiertas y exigen del espectador cierto compromiso. Además de este conjunto de árboles, se exhibirá una llanta de Fiat Cinquecento intervenida por Elena, que conformará una serie que será subastada a beneficio. Junto a las obras se proyectará un video de la artista, realizado especialmente para la ocasión.
 
Elena Clément es licenciada en comunicación publicitaria e institucional -UCA- y trabajó durante doce años como diseñadora gráfica al tiempo que asistía a numerosos talleres; entre ellos los de Marcela Baubeau de Secondigné y María Inés Fernández de la Puente.
Desde 2009 expone en colecciones particulares nacionales e internacionales, muchas de ellas comisionadas para espacios públicos. Entre otros lugares, ha expuesto en el Centro Cultural Borges, Convento Santa Catalina de Siena, Soho Gallery de Nueva York, y Consulado Argentino en Nueva York.

Afirma la artista: "Mi intención con ésta muestra es mostrar el panorama de un bosque donde no se ven los límites, solo se ven troncos, raíces y ramas inundadas por un blanco de luz . Mi objetivo es que esto se transforme en una alegoría de lo que es la pintura del paisaje, que tiende a naturalizar relaciones de poder. La naturaleza dominada por el hombre. El hombre dominado por la naturaleza. De alguna forma, evidenciar espontáneamente la frustración del espectador en tratar de entender la naturaleza, que de por sí lo trasciende ".

20 de septiembre de 2017

Casa de las Culturas - Villa Carmen. Un nuevo espacio para el arte contemporáneo en Tigre.


Casa de las Culturas – Villa Carmen es un espacio de exposición con una propuesta renovada, emplazado en un lugar emblemático de la ciudad, justo frente a la Estación Fluvial de Tigre, con una rica historia edilicia que orienta su programación a la difusión del arte contemporáneo argentino en la Zona Norte de Buenos Aires. Estas características la constituyen como un lugar de perfil diferencial, directamente relacionado con el atractivo turístico de Tigre y con la formación de un público específico para el arte en un espacio de gran desarrollo cultural, como es la zona de influencia del Municipio. 



Comenzó su actividad en 2015, luego de que el Municipio de Tigre destinara la emblemática propiedad al uso cultural preservando su valor arquitectónico y realizando una importante inversión para poner en valor un inmueble que, por su rica historia, es un emblema de los tigrenses. Antigua casa de 1910, posteriormente hotel, hoy Casa de las Culturas cuenta con un espacio de exposición de 116 m2 distribuidos en 4 salas, con una programación que se orienta hacia las nuevas tendencias y la innovación, con propósitos múltiples: difundir la obra de artistas locales, acercar propuestas de artistas argentinos de renombre al público de la zona, crear un nuevo espacio expositivo de prestigio fuera de las zonas e instituciones convencionales de la ciudad de Buenos Aires.



“Tigre cuenta con cinco museos municipales, un patrimonio distintivo de nuestra ciudad que pertenece a todos los tigrenses”. –señala Julián Kopecek, Subsecretario de Cultura del Municipio de Tigre- “Nuestros vecinos tienen la posibilidad de relacionarse con la historia, en nuestro Museo de la Reconquista o con el arte y la literatura, haciendo una experiencia única en el interior del delta en los museos Casa de Xul Solar y Casa de Haroldo Conti. Dentro de esta importante gestión de museos que realizamos, Casa de las Culturas-Villa Carmen- completa, junto al Museo de Arte de Tigre, una propuesta de excelencia artística para nuestros vecinos, para el público de la zona y también para la gran cantidad de turistas que el municipio recibe. 

La Casa tiene una ubicación privilegiada”. 

“Lo novedoso no es sólo la orientación en arte contemporáneo en Zona Norte” -dice Milagros Noblía Galán, directora coordinadora de artes visuales- “sino también el espíritu de trabajo que proyectamos. Nuestra casa es una casa, no un museo ni una institución tradicional, por eso tenemos las puertas abiertas a los artistas para que hagan de nuestra casa, su casa. Nuestro objetivo es que en ella encuentren un espacio donde desarrollar sus visiones más recientes y generen una cercanía con su público.”




En ella se han realizado exposiciones de videoarte con Carlos Trilnick, de pintura con Duilio Pierri y Maggie de Koenigsberg, exposiciones de comics en homenaje a la editorial Columba. Dentro del universo audiovisual durante las noches de verano se realizó un ciclo de cine de Charles Chaplin y Buster Keaton, y se proyectaron óperas en el marco del Festival Opera Tigre (FOT); encuentros de circo y teatro para la familia, como así también fue sede del Festival de la Luz con Sara Facio. En la actualidad exponen Adrián Paiva y Lucas Distéfano.

 Abre al público de miércoles a viernes de 10 a 18 hs., sábados, domingos y feriados de 12 a 19 hs. La entrada es libre y gratuita. 



El próximo mes de octubre en la Casa de las Culturas inaugurarán las muestras de los artistas argentinos Max Gómez Canle y Lux Lindner. Estas exposiciones marcan un salto cualitativo en lo realizado hasta hoy en tanto proponen el contacto con la obra de dos artistas de generación intermedia de gran relevancia. Ambos produjeron y desarrollaron obras con inspiración en Tigre, sus exposiciones fueron pensadas especialmente para las particularidades del espacio expositivo de la casa.

 
La propuesta de Max Gómez Canle se basa en la iconografía y el paisaje del Delta; estudió a artistas del Museo de Arte de Tigre (MAT) y tomó como eje de la exposición la obra Explosión del fulminante de Antonio Somellera, obra exhibida en el Museo de la Reconquista. Recorriendo el Delta, estudió los colores y paisajes mientras desarrolló estudios para sus pinturas al aire libre. 
La propuesta de Lux Lindner se basa en Los siete locos de Roberto Arlt, con dibujos sobre el regreso del Astrólogo al Delta. Además, realizará una pieza audiovisual y en el contexto de la exposición, hará una performance inédita.



“Tenemos una gran expectativa con estas dos exposiciones porque con ellas se terminará de definir el perfil de arte contemporáneo de la Casa” -dice Albertina Klitenik Espartaco, productora de contenidos de la Casa de las Culturas, “Además encontramos que trabajar en Tigre fue muy inspirador para ambos artistas, que encontraron en la mística y en la historia de nuestro Municipio una inspiración especial. Tuvieron una cercanía inmediata con nuestra propuesta que hicieron suya con gran generosidad, trabajando no para la Casa, sino desde la Casa. Pensando y creando junto a nosotros obras nuevas que nos permiten pensar a futuro con optimismo en el potencial de este espacio para el arte contemporáneo argentino, un espacio que de novedades y excelencia aun desde una posición periférica respecto a las grandes instituciones de Buenos Aires.”


Las exposiciones de Max Gomez Canle y Lux Lindner se desarrollarán desde el 6 de octubre al 26 de noviembre, con entrada libre y gratuita.

Fotografías de Julián Rigaud.