30 de junio de 2013

La galería Dacil presenta "Frontera"

El próximo miércoles 3 de julio, en el marco del programa trienal "Fresco" para la difusión del arte de los nuevos medios, con curaduría general de Rodrigo Alonso, se inaugura la segunda exhibición del programa "Frontera", curada por Juan Pablo Ferlat, que presenta obra de los artistas: Paula Gaetano Adi, Diego Alberti, Luciano Azzigotti, Nicolás Bacal, Alejandro Borsani, Gabriel Rud y Gabriel Valansi.
"Ser frontera" recopila una serie de obras donde estos 7 artistas articulan estrategias personales para descubrir destinos en las extrañas topografías de las fronteras.
"Ser Frontera. Moluscos y artrópodos fueron los primeros organismos en poder orientarse mediante un sistema visual de alta complejidad. Fue esta nueva capacidad para orientarse por referencias visuales, la que permitió gracias a la evolución del ojo y del cerebro, la emergencia de formas de comportamiento hasta el momento imposibles.
Los científicos que exploran lugares extremos como el fondo del océano, orbitan fuera de la atmósfera en gravedad cero, bucean en las profundidades de la materia con microscopios electrónicos y supercolisionadores de partículas; estos hombres y mujeres se encuentran en territorios extraños, donde el sentido común resulta inaplicable. Donde reducir lo extraño a lo familiar es tanto inútil como riesgoso.
Los artistas también se arrojan en búsqueda de espacios imposibles o impensables, mas allá de sus dominios, como flechas en llamas que iluminan la oscuridad. Trabajan entrando y saliendo, bordeando y atravesando los confines, en un safari sin brújula.
Estos lugares donde no existen mapas reconocibles ni puntos de referencia para orientarse, son las zonas de frontera. Convergen en este punto, tanto científicos como artistas, ambos se abisman en estos territorios ricos en descubrimiento.
Esta muestra compila obras donde los artistas articulan estrategias inéditas para orientarse y recorrer las extrañas topografías de las fronteras." Juan Pablo Ferlat

La muestra permanecerá abierta hasta el viernes 9 de agosto de 2013 en galería Dacil, Pasaje Soria 5125, Palermo.

Exposición de Irina Rosenfeldt en el Centro Cultural Recoleta

Entre el miércoles 3 de julio y el domingo 28 de julio, Irina Rosenfeldt presenta su exposición de pinturas "Croquis de desplante" en el Espacio Central 1 y 2 y Sala 13 del Centro Cultural Recoleta, Junín 1930, Buenos Aires.
Curada por Sergio Bazán, la muestra reúne un trabajo en gran formato donde la energía pura del color pulsa lo festivo volviéndose presente intenso.
"Las pinturas en el aire configuran una audacia en la transformación del objeto. Las flores irrumpen una simbolización más abierta; el significado no se agota a primera vista. No son elementos primarios de la naturaleza, como la figura humana, sino también fuente de energía en el color.
Capa tras capa se arman los espacios, donde se ve a través de visiones que se suceden entre el sentir y el pensar. En el gran formato, la alegría de los colores, altos en saturación y energía, generan una euforia nada tranquilizadora. Vibratos potentes que no calman, siguen operando aún en la distancia. 
Las alteraciones y las variaciones en cuestión, dan un movimento ondulatorio, que al sentir se vuelve presente intenso. La tensión es necesaria en el remolino visual y también es un descanso en el plano espiritual. 
La calidad del sentimiento al crear estas imágenes, busca una idea profunda. Como la piedra en el agua, que mientras está quieta se ve; pero luego se transforma en color y ya es, sabiendo que es en la incertidumbre, donde aparece lo real." señala el curador en el catálogo.
Rosenfeldt nació en Buenos Aires en 1968 y luego de trabajar en el mundo de la publicidad, concurrió a diversos talleres de dibujo y pintura, entre ellos, con Ariel Mlynarsewicz y Juan Doffo. 
La muestra se puede visitar de martes a viernes de 14 a 21 hs. y sábados, domingos y feriados de 12 a 21 hs.

Exposición de Silvia Flichman en Dain Usina Cultural


Subasta en Bass

La aventura de la creatividad


Fotografías de Josefa Abellá en el Xº Aniversario de Declaración de la Quebrada de Humahuaca como Patrimonio Cultural de la Humanidad

El Museo de Arte Popular José Hernández, dependiente de la Dirección General de Museos, anuncia la inauguración de la muestra de Fotografías de Josefa Abellá en la sede del Museo de Arte Popular José Hernández, Avenida del Libertador 2373, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. 
El acto de apertura se llevará a cabo el miércoles 3 de julio desde las 18 horas con la voz y la presencia de la jujeña Teresita Cruz, con canto y caja.
A continuación la Dra. Ángela Marcela Jaramillo, Directora de Afirmación de Derechos Indígenas - I.N.A.I, abrirá un coloquio con los participantes haciendo referencia a los derechos e identidad de los Pueblos Originarios, en el marco del cumplimiento del X aniversario de la Declaración de la Quebrada de Humahuaca como Patrimonio Cultural de la Humanidad por UNESCO. 
"Cuando en febrero del 2003 fui a cubrir como artista el Encuentro de las Comadres y el Desentierro del Carnaval que los lugareños llevarían a cabo en Purmamarca, Jujuy, no imaginé que sería ese año precisamente el último en que la protección atribuible a ser declarada la Quebrada de Humahuaca Patrimonio Cultural de la Humanidad, conllevaría tantos cambios.
El reportaje fotográfico se hizo de modo espontáneo y es visible la ausencia de participantes extranjeros, aludo a esa extranjerización que señala aquello a lo que ha de mirarse por atribuirle una substancial diferencia, en términos de que lo mirado entonces sufre cierta pérdida de poder, justamente por ser mirado desde el paradigma de que quien mira lo establece así.
Actualmente esas Ceremonias han sufrido la extranjerización particular que deviene porque la afluencia de público presente en ellas ha llevado a disipar su carácter intimista y profundamente ritual, sin aportar nuevos sentidos, ni creencias, ni costumbres, salvo el tributo a la globalización, con lo que ni de lejos replica lo ocurrido en la misma Quebrada cien años atrás, cuando se produjo la transculturalización con lo religioso europeo.
Así la cuestión, se me imponen preguntas en torno al abanico que abre el que una cultura atravesada en sus ritmos cotidianos y por lo tanto influida solo por la mirada y la avidez a lo diverso, que dan en conjeturar sin posibles certezas acerca de si conseguirá de ella misma crear universo o si eventuales movimientos precipitarán en desbaratarla." Josefa Abellá, julio 2013
El Museo de Arte Popular José Hernández recibió en el 2009 la donación de las fotos en blanco y negro que componen el reportaje fotográfico realizado en el año 2003 cuando se realizaron en Purmamarca las ceremonias del Encuentro de las Comadres y del Desentierro del Carnaval, las cuales se exhiben en esta oportunidad junto a una nueva donación cuyas obras dan cuenta del hábitat al ofrecer su mirada del norte, su gente, sus paisajes y el carnaval.
El sábado 6 de julio a las 13 se presentarán, en el marco de la exposición, las Warmis Cantoras, desplegando su espectáculo de canto con caja del noroeste argentino.  
Josefa Abellá es artista visual, poeta y escritora. Nació y reside en Buenos Aires. Es egresada docente y de formación autodidacta. Autora de cuentos y novelas para público infantil tanto como para adultos. Ha publicado recientemente dos títulos de poesía.
Como plástica realiza xilopinturas, sobre soportes de madera y en acrílico.
Como fotógrafa, suele acompañar con textos poéticos sus imágenes.
La muestra podrá visitarse hasta el domingo 4 de Agosto, de miércoles a viernes de 13 a 19 horas; sábados, domingos y feriados de 10 a 20 horas. Entrada general $1. Domingos gratis.

Pinturas de Ignacio Sosa en Galería Buenos Aires Sur

Del 18 de junio al 7 de julio la Galería de Arte Buenos Aires Sur está presentando la muestra "Zona Sur" de Ignacio Sosa, un Homenaje a la zona Sur de la Ciudad. Paisajes y personajes de una vida Urbana. Hechos en su mayoría en vivo en la calle, en bares, colectivos y subtes. El autor trata de captar la atmósfera inasible de su habitat.
Se puede visitar en Bolívar 1268, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, de lunes a sábados de 11 a 18 hs.
Ignacio Sosa nación en Buenos Aires, 1969 y es profesor nacional de pintura de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón.
Se formó con José María Cáceres, Roberto Páez y Francisco Travieso.
Expuso en el Centro Cultural Recoleta y Museo de Arte Decorativo.
Participó de Exposiciones individuales y colectivas en numerosas galerías, destacándose "Desde la ventana" en la Cámara de Comercio Suizo Argentina; "Ciudad Oscura " en la Galería Masotta Torres y Arte Ba 2010; "Pasaje Urbano" en la Fundación Eseade; "Las Formas de la Luz" en Masotta Torres.
Actualmente es profesor de pintura en el IUNA.

29 de junio de 2013

Tres artistas muy diferentes exponen en el espacio de arte de Menéndez Libros

"Tres Artistas" se titula la muestra que el martes 2 de julio se inaugura en el bello espacio de arte de Menéndez Libros.
Los mencionados artistas tienen diferentes procedencias: Héctor Gilardon exhibirá sus refinadas imágenes fotográficas, las cuales pertenecen a distintas partes del mundo; el critico Afredo Cernadas expone simpáticas pinturas referidas al mundo animal y finalmente, Carlos Caamaño, exhibe óleos que representan la figura humana.
La muestra podrá visitarse en el horario de lunes a viernes de 10 a 19 hs. hasta fin de  mes en Paraguay 431, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

El Teatro El Círculo presenta la exposición de Justo Solsona

El  martes  2 de julio a las 19.30 hs., se inaugura en la sala "Dr. Juan J. Trillas" del Teatro El Círculo, la  muestra "PINTURAS" del destacado arquitecto Justo  Solsona. Curadora: Rosa Maria Ravera.
"Algo en rojo", esmalte y acrílico sobre tela, 2012
"Justo Solsona es arquitecto. Se sabe, es considerado uno de los más prestigiosos profesionales no sólo de la Argentina sino de América Latina y más allá aún. Asimismo pinta, hecho a su vez notorio. La originalidad que se asigna a su trabajo arquitectónico suele proyectarse, con naturalidad poco frecuente, a su actividad plástica. Desde hace aproximadamente veinte años este arquitecto dibuja, pinta y expone casi como parte de su modus vivendi, abarcando, por lo visto, dos áreas en principio no conectadas entre sí.
En principio… porque una mirada más atenta podría demostrar lo contrario. ¿Es así? Solsona dibuja como algo que le es natural, prácticamente como una prolongación de la mano, que garabatea y fija líneas mientras aparece una silueta apenas delineada. Así en más, continúa. Ese bosquejo de café se transforma luego en otra cosa, se arma, para así decirlo, y nos hace pensar en el vínculo que lo une al diseño proyectual imprescindible en la labor técnica. Dibujo éste acorde a reglas, en respuesta a protocolos y normas (por otra parte no ajenos a originalidad y cierta libertad expresiva).  
Los dos testimonios importan por algo que no es sólo puramente individual, tratándose de significaciones oscilantes entre la estrictez del proyecto y una espontánea imprevisibilidad vital. En ambas posibilidades Solsona utiliza la mano y el cerebro para las soluciones y experiencias, con y sin número, en las dos direcciones, o sea con ordenamiento racional y por el contrario con desborde existencial, mediante un salto creativo de proyección estética.
Interesante es el límite que separa y que en general el arquitecto transita, un camino reglado, implicado en necesidades y requerimientos precisos. En torno al segundo camino nos preguntamos qué es lo que requiere e impulsa al autor en un proceso libre de formalismos, quizá una réplica a las obligaciones geométricas que determinan el quehacer arquitectónico.
Se descubre ahora una clave esencial en el ejercicio por otra parte muy personal de la profesión, evidente, por ejemplo, en la visión del ‘rulero’, ya un ícono de Buenos Aires; construcción geométrica. Lo hemos insinuado, como pendant y réplica el otro yo de Solsona elabora la explosión del color, la navegación sin ruta prefijada, la expansión del cromatismo que se agolpa, dilata y fija, finalmente, en algo que es pintura, imagen, algo ‘parecido a’. El arquitecto explota esta posibilidad de su tránsito estético que le permite la emergencia de lo que es ‘figura’. Constatamos que esa libertad expresiva y libérrima es temática. Se trata de las calles, de la gente, de los rostros. Se trata de la mujer. La donna aparece, está.
Todo esto es arquitectura  y pintura. El trasfondo existencial presente en las dos vías que su autor emprende (la de la geometría y de la espontaneidad expresiva) derivaría directamente de lo anímico, con y sin mediaciones racionales.
Ambas operaciones difieren pero no se oponen, más bien diríamos que se complementan de modo muy profundo. La arquitectura, que es y no es arte pero que ha sido considerada como tal, con buenas razones, atrae el pensar filosófico. Nada menos que a Heidegger, en las ideas de construir, habitar, pensar. Se piensa en el concepto, en la construcción del concepto y también de las casas y de los caminos, se piensa en el acto de pintar. Mucho es lo convocado y suscitado, siempre ambiguamente, ya sea en el ordenamiento taxativo y también en la ausencia de todo orden prefijado, comprometiendo en esos casos, sin embargo, y en lo más íntimo, al mismo origen de creatividad que da lugar a esas superficies coloridas y a la imagen del hombre que apreciamos en esta muestra. Figurar y habitar. Dos opciones. Para reflexionarlas mirando los cuadros de Justo Solsona". Rosa María Ravera, Curadora, presidente de la Asociación Argentina de Estética y miembro de número de la ANBA.  
"Rulero"
La muestra se podrá visitar hasta el viernes 16 de agosto, de lunes a viernes de 10 a 12.30 y de 16 a 20 hs. y los sábados de 10 a 12.30 hs. en Laprida 1235, Rosario, Argentina.

28 de junio de 2013



27 de junio de 2013

Convocatoria de paisajistas y artistas dedicados a Land Art para participar en BADA 2013

El equipo de "BADA - Boutique de Arte Directo de Artista" ya está trabajando para realizar la 2ª Edición de la feria de Arte Contemporáneo de Pilar, que se llevará a cabo del 3 al 7 de octubre, en Espacio Pilar -Chile 1963, salida del km 47, Pilar-.
Está abierta la convocatoria de paisajistas y artistas dedicados a Land Art para participar en la muestra de este año.  Los interesados deben contactarse por e-mail a info@directodeartista.com.ar
El Land Art, en una conjunción de arte y naturaleza, propone un encuentro con el medio ambiente desde un punto de vista diferente, estético, siempre renovador.  Es una manera efectiva de propiciar conciencia ecológica, de promover el respeto por la naturaleza.
Además, BADA 2013 presentará la obra de artistas reconocidos y emergentes especializados en otras disciplinas: pintura, escultura, fotografía, dibujo, arte textil y objetos.
"BADA - Boutique de Arte Directo de Artista" comenzó en 2012 y se instaló como un nuevo polo de Arte en Pilar. Se creó para promover la difusión del arte contemporáneo ante el público en general, gente que no frecuenta el circuito de galerías de arte o los remates, pero ávida de adquirir obras de arte de manera fácil y directa.  
BADA es un nuevo canal que se integra a la dinámica de difusión del arte en nuestro país. En la 1ª edición, BADA 2012, participaron más de 100 artistas, consagrados y emergentes, que entusiasmados compartieron con el público un momento clave en el proceso creativo de sus obras. Al público le encantó esta propuesta; de hecho, casi 10.000 personas visitaron la feria. 
Es importante destacar que parte de lo que se recauda, BADA lo destina para la obra de ADP (Asociación Amigos de Pilar), la atención en los Consultorios Odontológicos Pediátricos para chicos de escasos recursos de Pilar en forma gratuita.
Para estar al tanto de las novedades de la nueva edición 2013, se puede visitar la página Web: www.directodeartista.com.ar

26 de junio de 2013

Malba – Fundación Costantini presenta "Yayoi Kusama. Obsesión infinita", primera muestra retrospectiva de la mayor artista japonesa viva

El próximo sábado 29 de junio, Malba – Fundación Costantini inaugura "Yayoi Kusama. Obsesión infinita", primera muestra retrospectiva en América Latina de la mayor artista japonesa viva. Organizada en colaboración con el estudio de la artista, la exposición presenta un recorrido exhaustivo a través de más de 100 obras creadas entre 1950 y 2013, que incluyen pinturas, trabajos en papel, esculturas, videos, slideshows e instalaciones. 
Self-Obliteration [Autoborramiento], 1967
Curada por Philip Larratt-Smith (vice curador en jefe, Malba, Buenos Aires) y Frances Morris (jefa de colecciones internacionales de Tate Modern, Londres, y curadora de la retrospectiva de Kusama en esa institución), la exposición presenta la trayectoria de esta artista que va desde el ámbito privado a la esfera pública, desde la pintura a la performance, del estudio a la calle. 
Para Francis Morris, el arte de Kusama se ha reinventado repetidas veces, una evolución unificada alrededor de la fuerza de su imagen pública. “Kusama –empeñada siempre en la autopromoción– ha hecho de su extraordinaria figura pública, y de su inmediatamente reconocible marca de estilo, un producto atractivo para el público de todo el mundo”, afirma la curadora. 

Happening Explosión Anatómica en la estatua de Alicia en el país de las maravillas, Central Park, 1968
"Yayoi Kusama. Obsesión infinita" incluye las series más importantes de sus casi seis décadas de producción artística. Se destacan sus Infinity Nets (Redes infinitas) de los años 50 y las Accumulations sculptures (Esculturas de acumulación), sus performances y happenings neoyorquinos de los años 60, presentes en series como Self-Obliteration (Autoborramiento), y sus pinturas e instalaciones recientes, como I’m Here, but Nothing (Estoy aquí, pero nada, 2000-2013),  Infinity Mirrored Room – Filled with the Brilliance of Life (Sala de espejos del infinito - Plena del brillo de la vida, 2011) y  The Obliteration Room (La habitación del borramiento, 2002-2013), cuarto blanco que el público intervendrá con lunares de colores a lo largo de la muestra. También se presenta una intervención con sus icónicos lunares rojos sobre la fachada de Malba y sobre un conjunto de árboles de la Avenida Figueroa Alcorta.  
Sala de espejos del infinito - Plena del brillo de la vida, 2011
“Sus instalaciones recientes son a la vez instancias de cambio y vuelta: un cambio respecto de las prácticas de estudio de los 80 y una vuelta a las experiencias cruciales de los 60. La trama que los conecta es firme, pero, mientras que las instalaciones y las performances tempranas, tal como las caracterizó la crítica, eran más bien solitarias, alienantes y psicológicamente cargadas, sus obras ambientales más recientes son espacios sociales en los que los espectadores dicen experimentar placer e incluso una sensación de trascendencia”, explica Frances Morris.
En palabras de Philip Larratt-Smith: “Kusama sufre la enfermedad del verdadero artista. Es decir, de la artista como adicta al suicidio, cuya necesidad compulsiva de convertirse y convertir su vida en una obra de arte conjura el miedo a la muerte y a la desintegración psíquica, y le asegura la inmortalidad. La peculiar condición que la ha llevado a sufrir durante toda su vida, la ha empujado a un mundo simbólico creado por ella. Ha concebido espacios que nos permiten experimentar los contradictorios mecanismos que se funden en su inconsciente”, explica. 

Walking in the Sea of Death [Caminando en el Mar de la Muerte], 1981
En ocasión de la muestra, Malba publica un volumen especial de 232 páginas editado en español e inglés. El libro incluye una sección de ilustraciones en color de las obras presentes en la exposición, ensayos de Larratt-Smith (“Canción de una adicta al suicidio”) y Frances Morris (“Yayoi Kusama. Mi vida, un punto”) y una cronología visual de la vida de la artista.
Además, como continuación de la colaboración lanzada con el libro "Proximidad del Amor" de Tracey Emin, Malba y la editorial Mansalva publican la primera traducción al español de dos cuentos de Kusama: "El escondite de los prostitutos en la calle Christopher" y "Acacia, olor a muerte", y la nouvelle “Suicidio doble en el monte de los cerezos”, traducidas por la escritora Anna Kazumi-Stahl y su madre, Tomiko Sasagawa Stahl.

Retrato Yayoi Kusama, 2011
El mundo de Yayoi Kusama
Yayoi Kusama nació en Matsumoto, Japón, en 1929. Después de un poético conjunto de obras semi-abstractas en papel que marcaron sus comienzos en los años 40, creó la célebre serie Infinity Net a fines de los 50 y comienzos de los 60. Estas obras originalísimas se caracterizan por la repetición obsesiva de pequeños arcos de pintura que se acumulan en grandes superficies siguiendo patrones rítmicos. El traslado de Kusama a Nueva York en 1957, donde conoció a Donald Judd, Andy Warhol, Claes Oldenburg y Joseph Cornell, marcó un hito en su carrera artística. De la práctica pictórica pasó a las esculturas blandas conocidas como Accumulations (Acumulaciones) y luego a performances en vivo y happenings, claros exponentes de la cultura alternativa neoyorquina con los que ganó reconocimiento y notoriedad en la escena artística local.

The Obliteration Room [La habitación del borramiento], 2010
En 1973 volvió a Japón y en 1977 se instaló voluntariamente en una clínica psiquiátrica, en la que reside desde entonces. A la marcada peculiaridad psicológica de su obra, se suma un amplio espectro de innovaciones formales y reinvenciones que le permiten a la artista compartir con un público amplio su singular visión, a través de los infinitos espacios espejados y las superficies obsesivamente cubiertas  de puntos que le han dado fama internacional. En obras más recientes, Kusama ha recuperado el contacto con sus instintos más radicales en instalaciones envolventes y piezas que invitan a la colaboración, obras que la han convertido en la artista viva más célebre de Japón. 
“Sus públicos más fieles y otros desprevenidos han visto cómo sus puntos coloridos colonizan las calles, cómo cubren los ómnibus de Matsumoto, las vallas de obras en construcción en Manhattan, troncos de árboles en el Southbank de Londres o la fachada de Malba en Buenos Aires. Llegan sin aviso por las noches, como los tags de los grafiteros, para transformar a su manera nuestras ciudades, convertidas en el mundo de Kusama”, cuenta Frances Morris.

Infinity Mirror Room - Phalli\'s Field [Sala de espejos del infinito - Campo de falos], 1965-2013
"Yayoi Kusama. Obsesión infinita" consolida la posición de Malba como líder regional en la organización de exposiciones internacionales de las figuras más importantes e influyentes del arte de posguerra y contemporáneo, y reafirma su compromiso como plataforma curatorial original y desafiante.
Esta exposición se realiza con la colaboración de Kusama Studio con el apoyo de IRB-Brasil Re y las galerías Ota Fine Arts, Tokyo, Victoria Miro Gallery, London y David Zwirner, New York.
Se puede visitar del 30 de junio al 16 de setiembre en la Sala 5 del 2º piso, la sala 1 de la planta baja y la fachada del Malba – Fundación Costantini, Avda. Figueroa Alcorta 3415, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Dos exposiciones inauguran este sábado en el Museo Sívori

El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori anuncia la inauguración de dos exposiciones el sábado 29 de junio a las 12 hs. en su sede de Av. Infanta Isabel 555, frente al puente del Rosedal de Palermo.
 
En el “XXIII Salón de Arte Textil” se exhiben las obras premiadas y seleccionadas en el XXIII Salón de Arte Textil, que comprende las categorías Clásica y Artesanal. Este premio se enmarca en la política de adquisición de obras que enriquecen la colección de arte argentino de la Ciudad de Buenos Aires y que atesora el Museo Eduardo Sívori. Es, además, uno de los más importantes estímulos a la labor de artistas textiles de todo el país.
Artistas premiados:
Cristina Ferrer
Técnicas Clásicas
Primer Premio: Cristina Ferrer
Segundo Premio: Lucía Marchi
Menciones: Delia Etcheverry y Mónica Tabera 
Pupy Rimberg
Técnicas Artesanales
Primer Premio: Pupy Rimberg
Segundo Premio: Luciana Rabih
Premio Joan Wall: Matilde Algámiz
Menciones: Lucy Frías, Julia Pazos, Patricia Müller

El Salón Municipal de Tapices se creó en 1972 por iniciativa del entonces director del Museo Sívori, profesor Adolfo Ribera, con el fin de estimular la labor de los artistas textiles y dar cuenta de una actividad que se desarrollaba en nuestro medio con gran intensidad y con nivel internacional. 
La tapicería de ese entonces se desplegaba en técnicas de telar de alto y bajo lizo e incorporaba también, además de lanas y algodones sintéticos, vidrio, papel, lino, yute, cintas de aluminio, cuero, plásticos y otros materiales no convencionales, combinados con las más diversas técnicas. La vitalidad de los artistas argentinos extendía el horizonte de lo conocido hacia experimentaciones y reflexiones conceptuales, alcanzando inesperadas producciones. 
En 1979, a partir de la VII edición, el Salón se hace bienal, alternándose con el Salón Nacional creado en 1978, y por  primera vez las obras premiadas son adquiridas con destino a la colección de arte argentino del Museo Sívori. Esta política de adquisiciones sustentada a través de los años le ha permitido al museo atesorar un panorama del textil contemporáneo rico, innovador y de gran jerarquía.
Cierra el 14 de julio. 

La muestra “Horacio D’Alessandro - Pinturas” reúne la serie de obras iniciada en 1998, realizada en madera y con marcos recortados.  La serie explora al máximo las posibilidades formales de esos recortes y las cualidades expresivas de materiales no tradicionales como polvo de mármol, clavos, alambre de cobre, piroxilinas, barnices y  cera de abeja, entre otros. 
A través de sus investigaciones formales, D’Alessandro llega al “cuadro-objeto-tridemensional” que posteriormente viró a piezas de grandes dimensiones que ocupan e intervienen el espacio. A estas obras podría situárselas en un momento formal pos-madí.  
Obra Nº 18: Señales rojas
Formas intercambiables en el espacio
Horacio D’Alessandro nació en Buenos Aires y posee una larga formación en artes plásticas que se inicia en la Escuela de Artes Gráficas y continúa en Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Es pintor y profesor de pintura. Ejerce la docencia desde 1978, desempeñándose en instituciones destacadas como la ENBA “Prilidiano Pueyrredón”, el SNEP y el Instituto Universitario de Arte (IUNA). Dirige actualmente seminarios de posgrado y es Director de Tesis  en el Instituto Universitario de Arte (IUNA). Entre 1983 y 1989 coordinó el Area de Exposiciones del Museo Eduardo Sívori, y entre 1989 y 2009 fue responsable del  Departamento de Museología del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires Aires (MAMBA). 
Obra Nº 25: Ascenso
Dirige actualmente seminarios de posgrado y es Director de Tesis  en el Instituto Universitario de Arte (IUNA). Entre 1983 y 1989 coordinó el Area de Exposiciones del Museo Eduardo Sívori, y entre 1989 y 2009 fue responsable del  Departamento de Museología del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires Aires (MAMBa). 
Ha realizado numerosas muestras colectivas e individuales, entre las que se destacan: Espacio Multiarte (2008); Museo Municipal de Tandil (2007); Galería Espacio 10 Arte (2000); Casa FOA-Espacio Tatersal (1998);  Clásica y Moderna (1996); Galería Hoy en el Arte (1995); Museo de arte Moderno (1991/92); Embajada de la República argentina, Asunción, Paraguay (1989); Deutshe Bank (1989); Banco Real de Brasil (198/4); Galería Lagard (1982); Galería Witcomb (1980).
Cierra el 4 de julio.

El Museo Sívori puede visitarse de martes a viernes de 12 a 20 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs.

Exposición "Edición limitada" en la galería Mar Dulce

El sábado 29 de junio, de 16 a 20 hs. se inaugura la exposición "Edición limitada" en la galería Mar Dulce, ubicada en Uriarte 1490, Palermo Soho, Buenos Aires.
¿Qué es una edición limitada? Dentro de las artes plásticas una edición es una obra que existe en forma múltiple. El número de impresos de esa obra es limitado a unos pocos ejemplares, cada uno numerado y firmado por el artista (ej. 1/10 siendo el primer ejemplar de 10).
El grabado tradicional es usado para producir una impresión original: una obra de arte que únicamente existe como impresión y donde el carácter artesanal y cuidado hace que las ediciones sean de poco tiraje. Las técnicas son multiples y diversas: en Edición limitada exponemos aguafuertes de Delfina Estrada y Sofía Wiñazki, fotograbados de María Elina Méndez y Viky Vitar, serigrafías de Irana Douer, Pablo Cabrera, Mariana Chiesa y Bianki más una litografía de Liliana Porter.
 
En adición a las técnicas manuales la introducción de la técnica digital “giclée” ha transformado el espectro de obra en edición. Hoy los artistas pueden crear su imagen digitalmente en computadora y producir una edición limitada de impresiónes originales en giclée. Cristian Turdera es uno de los artistas más interesantes en este área. 
En Edición limitada también tenemos el agrado de presentar reproducciones giclée en edicion limitada de Carlos Masoch, Isol, Decur, Ana Laura Pérez, Mercedes Dutto y Ral Veroni. En la edición de Daniel García el artista intervino las 15 ejemplares después de impresa, haciendo de cada una de ellas una pieza única dentro de la serie.
 
Es nuestro deseo que esta exposición despierte la atención de lo que las ediciones limitadas tienen para ofrecer: la posibilidad de adquirir obra de artistas admirados a un precio más cercano a nuestros presupuestos, apostar por un artista emergente o simplemente llenar nuestro hogar con el arte que amamos y que nos acompañará en el disfrute de los días. 
Junto a esta muestra se presenta "+Colectiva22", una selección de obras realizadas por Tulio de Sagastizábal, Mariano Grassi, Daniel Santoro, Raoul Veroni, Cecilia Afonso Estévez, Sophie Spandonis, Adriana Torres, Marina Aizen y con la artista internacional invitada Ashley Cook, de Escocia. 
Las exposiciones se pueden visitar de martes a sábados de 15 a 20 hs. hasta el sábado 17 de agosto

La galería Nora Fisch se traslada a San Telmo para la primera exhibición individual de Lorena Guillén Vaschetti

La galería Nora Fisch presenta la primera exhibición individual de Lorena Guillén Vaschetti en Argentina, que incluye las fotografías y objetos de su proyecto Historia, memorias y silencios, publicado en forma de libro de arte por Schilt Publishing de Holanda en 2012, así como una escultura reciente de gran formato titulada "La casa".
La inauguración es el sábado 29, de 16 a 19 hs. en Defensa 1008, barrio de San Telmo, Buenos Aires.
Para esta muestra la galería abandona su espacio en la calle Güemes y se instala en una casona antigua en la esquina de Defensa y Carlos Calvo, que actualmente alberga talleres y residencias de artistas. Está ubicada a media cuadra de la plaza de San Telmo y dos del MAMBA y MACBA. El horario será jueves y viernes de 15 a 19 hs, sábados de 12 a 18 hs, y por cita previa coordinada a través de info@norafisch.com fuera de este horario. Permanecerá en exhibición del 29 de junio al 27 de julio.
Lorena Guillén Vaschetti estudió fotografía con maestros locales y en el ICP (International Center for Photography) de Nueva York. Ha participado en más de cuarenta exhibiciones internacionales en Estados Unidos, Dinamarca, España y otros países.

Craneo Art en galería Imán de la Boca

"Huesuda torre del pensamiento / Bóveda del calcio, nuez de la existencia, así pintaba con sus palabras, Pablo Neruda, al cráneo, ese espacio antojadizamente misterioso e insondable del cuerpo humano.
Se presentan imágenes tomográficas de cráneos 3D intervenidas por prestigiosos artistas.
La muestra inaugura el sábado 29 de Junio de 2013 a las 12:30 hs.en el Espacio de Arte y Diseño "Imán de la Boca". Benito Pérez Galdós 384, La Boca, Buenos Aires.


25 de junio de 2013

Las historietas y la infancia están presentes en tres exposiciones que se inauguran en el MUMBAT

El Museo Municipal de Bellas Artes de Tandil inaugura el 28 de junio a las 20 hs. tres exposiciones:
Ariel Genaro y Gastón Zubeldía
"Puntos de vista"
Gastón Zubeldía, Ariel Genaro, Andrés Llanezas y Nicolás Vilela presentan una exposición sobre diferentes miradas del llamado noveno arte.
Andrés Llanezas
La exposición recopila la producción de éstos cuatro historietistas e ilustradores que trabajan en nuestra ciudad. Los artistas expositores son una parte importante y activa del desarrollo profesional de este arte en la actualidad, produciendo historietas e ilustraciones de manera local, nacional e internacional. 
Nicolás Vilela
Ésta es una exposición que plantea diferentes miradas del noveno arte. Técnicas que se mezclan entre lo analógico y lo digital. Procesos que comparten la visión de un mundo representado por cuadritos, globos y onomatopeyas, así como también estudios y diseños de personajes y técnicas bidimensionales.  
Guadalupe Gárriz
"Había una vez un niño"
Guadalupe Gárriz presenta una producción plástica de su autoría, que nos permitirá apreciar que, con el paso de los años, contiene rasgos inequívocos del universo propio de la infancia, remembranzas de la niñez y al mismo tiempo está atiborrada de complejidades compositivas y superposición de superficies. Para crear esa atmósfera, Guada Gárriz utiliza palabras que no están allí por azar o mero goce lúdico. Los textos truecan, complementándolo, el sentido de la imagen, y acaban por denotar a la niñez desde un lugar inédito, haciéndola hablar. Es que el mundo de la infancia es también nuestro mundo, la niñez que fue pero que aún portamos. Nada es solamente infantil o meramente adulto. A la vuelta de la esquina se esconde aquel evento que nos hace sentir niños o que adultamente no podemos resolver, no queremos, o desearíamos que nos solucionaran.
Liniers
"Macanudismo"
Esta exposición muestra el trabajo creativo del historietista y dibujante Ricardo Siri (Liniers).
Los personajes cotidianos de diversas especies, unidos por el ingenio de Liniers, nos invitan a conocer un mundo "Macanudo" donde después de leerlo y lograr una identificación personal, tu vida no podrá ser igual.  Como es de público conocimiento, nos convoca el tan mentado Macanudismo. Ahora bien ¿a qué nos referimos con este término, tan específico y sonoro? Pues, ni más ni menos, a  la más abundante extensión de lo que se ha dado a llamar la Linierística Aplicada. A la nueva generación de dibujantes e historietistas argentinos pertenece Ricardo Siri (Liniers)  quien es  el autor de Macanudo, Bonjour, Conejo, Olga, Enriqueta, Fellini.

Todas las muestras se pueden visitar en las salas del Mumbat, hasta el 14 de julio inclusive en Chacabuco 353, Tandil, con entrada libre y gratuita.

La Vaca Mariposa Editora presenta los últimos títulos de su colección «Hecho a mano»

El viernes 28 de junio, desde las 19:30 horas, La Vaca Mariposa Editora presenta los últimos títulos de su colección «Hecho a mano» en los espacios de la librería Alamut, ubicada en el barrio de Palermo -Borges 1985-.
La serie de libros artesanales reúne 10 escritores y 10 fotógrafos residentes en varias ciudades de América Latina, especialmente en Buenos Aires, Caracas y Maracaibo, sitios en los que la editorial ha reforzado su producción literaria y visual. Adriana Morán Sarmiento, directora de La Vaca Mariposa, señaló que «Hecho a mano» se creó en el 2011 con la idea instaurar nuevos cruces entre autores de distintos países, cada uno con su cultura y sus intereses.
Con la publicación de los autores recientes se completan los 10 escritores y 10 fotógrafos y se cierra la colección «Hecho a mano». Por esta razón el evento de este viernes 28 comprende la presentación de los últimos títulos, lecturas, video poemas y la presencia de varios autores extranjeros; además una muestra de fotografías en la que predomina la mezcla de cuerpos y paisajes como una interacción estética que se produce desde una mirada que recorre Latinoamérica.
Ver Catalogo completo.

La Ene inaugura la muestra "Paris" de la artista Adriana Minoliti

"En el año 2012, Adriana Minoliti viaja a Paris junto a la artista rosarina Claudia Del Río. Ambas participaban de una muestra del proyecto pintorAs, y viajaban con sus obras en las valijas. 

Minoliti nunca había ido a Europa antes y lo primero que fue a visitar fueron los históricos museos de aquella ciudad. La serie de impresiones que se presenta hoy, es un registro intervenido de las muestras que visitaron en los museos franceses: 'son mis fotos de viaje con mis personajes geo-abstractos invadiendo las salas y las obras'. Sin saberlo, por esas cosas del destino, Minoliti se topó en el Musée d'Art Moderne, con una muestra de G. de Chirico, uno de sus antiguos referentes, con sus obras que no conocía y para ver en persona las que sí estudió en libros y en Internet.

 'Cuando sacaba las fotos con mi cámara pocket rosa ya sabía que esta era una serie especial para Museo La Ene. La misma Ene ahora es una escenografía. Hete aquí: mi Paris'." Marina Reyes Franco. Directora del Nuevo Museo Energía de Arte Contemporáneo.

“Concurso de Arte Textil: arte + moda + sustentabilidad”

Arte Espacio lanza la segunda edición de este certamen destinado al mundo del arte y la moda.

En el marco de la 5 edición de la feria de arte contemporáneo "Arte Espacio Almacén de Arte" se lanzo por segundo año el “Concurso de Arte Textil: arte + moda + diseño”.
Arte+Moda, edición 2012 de Arte Espacio
El arte y la moda siempre estuvieron íntimamente ligados, retroalimentándose, y es intención de los organizadores de esta feria de arte -que  se realiza en salas y exteriores del Espacio Darwin Hipódromo de San Isidro- resaltar ese lazo y dar visibilidad a los artistas que abonen esa relación.

El certamen está destinado a estudiantes o profesionales de las carreras de Diseño de Indumentaria, Artes Visuales o afines. Los participantes deben inscribirse y presentar los trabajos -en formato de producción fotográfica- antes del 7 de agosto.

El jurado está integrado por Verónica Alfie, directora de Estudio de Diseño VAE; Andrea Saltzman, profesora de Diseño de Indumentaria y Textil de la FADU-UBA; Celedonio Lohidoy, artista y diseñador de joyas; Fabiana Barreda, curadora de arte y fotógrafa; Carolina Balbiani, directora de Para Ti; Benito Fernández, diseñador.

Entre los participantes se hará una primera selección de ocho trabajos semifinalistas en dos categorías: estudiantes y graduados, y en ambos casos habrá primer y segundo premio más dos menciones. Los trabajos se expondrán durante el transcurso de Arte Espacio, del 13 al 18 de septiembre próximos.

Más información y bases del concurso en la web: www.artespaciosanisidro.com.ar

Arterama y Milo Lockett en Cachi

Colorshop, la cadena líder en pinturerías, otorgó todos los materiales necesarios para que diferentes artistas de renombre realicen una obra de arte que será subastada para ayudar a personas en situación de calle.
La experiencia comenzó con la inauguración de la muestra de "Arterama" y Milo Lockett en Procultura Salta, permitiendo que salteños y turistas puedan apreciar durante 11 días las obras de los artistas.
Hasta allí llegaron Laura Asaro, León Blanco, Germán Toloza y Augusto Villamea -Arterama-, quienes junto a Milo Lockett pisaron el suelo chaqueño para pintar una enorme tela de 10 por 2 metros.
Luego de cuatro horas de mezclar colores a puro pincel, el resultado fue una enorme pintura que será subastada antes de fin de año en un evento a beneficio de la Fundación Manos Abiertas, que trabaja asistiendo a personas en condiciones precarias en todo el país.
Arterama es un colectivo de artistas que nace de la iniciativa de Laura Asaro; León Blanco, artista plástico autodidacta chaqueño; Germán Toloza, artista plástico y diseñador gráfico también de Chaco; y Augusto Villamea, fotógrafo jujeño.
Este conjunto de artistas busca la realización de producciones plásticas conjuntas en espacios de gran valor natural, simbólico, histórico y social ubicados a lo largo del territorio argentino. Su objetivo es integrar el arte con la naturaleza del medio geográfico, integrándolo además a otras disciplinas culturales, por lo que se invita a participar a artistas de diferentes ramas del arte.
La “experiencia Arterama” ya se llevó a cabo en Salinas Grandes, Jujuy; en El Impenetrable, Chaco, con Pedro Cuevas; y en Cachi, Salta con la invalorable participación de Milo Lockett.
Milo Lockett
La acción consiste en pintar una gran tela de manera conjunta entre los plásticos involucrados, interactuando con los invitados, y naturalmente con el marco natural del punto geográfico elegido.
La intención del proyecto Arterama consiste principalmente en resaltar los valores que los unen como artistas y como personas: libertad, creatividad, solidaridad, trabajo en equipo, alegría, innovación e integración. Es por esto que todas las obras que resulten a lo largo del año de las experiencias de Arterama serán luego subastadas en un evento organizado por la Fundación Manos Abiertas. El dinero recaudado será destinado para esta entidad de bien público que trabaja asistiendo a personas en situación de calle en todo el país.
Arterama fue declarado de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura, dependiente del Ministerio de Cultura y Turismo del Gobierno de la Provincia de Salta.

Muestra individual de Gabriel Soifer en galería Solange Guez

Gabriel Soifer, artista plástico multidisciplinario, presenta su primera muestra individual "Sin marcos" en la que exhibirá doce obras de su autoría en la galería de Solange Guez.
Gabriel combina distintas técnicas y materiales como el tallado en madera, el calado en metal y esmaltado, dando como resultado obras de arte que no tienen límites definidos. De allí viene el nombre de la muestra. El explica que su arte no tiene un marco que las encierren dentro de un contexto, pues deseo que  se integren con absoluta libertad a su entorno, sin ponerles límites determinados. 
Gabriel Soifer es un artista autodidacta  por excelencia que estudia materiales buscando en ellos formas, sentidos y colores. “Me gusta plasmar desde lo estático de la obra, dinamismo, movimiento y  torsiones dando vida a la misma, así se refleja ese hilo conductor en la mayoría de mis trabajos”.
La muestra inaugura el viernes 28 de junio y quedará expuesta hasta el miércoles 17 de julio, de martes a viernes de 14 a 19 hs., en Zapiola 2196, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

El destacado dibujante y arquitecto santafesino Guillermo Vezzosi expone en el Centro Cultural Borges

Hasta el 9 de julio se exhibe en el Centro Cultural Borges la muestra "Fragmentos de un espacio sin tiempo" de Guillermo Vezzosi, notable dibujante y arquitecto santafesino que, en palabras de Luis Felipe Noé, "ha logrado trasladar sus líneas del espacio virtual al real".
Así como en el dibujo sobre papel, Vezzosi maneja el color con un concepto pictórico contenido en las líneas, en la ambientación que crea con sus alambres flotantes los colores se entrelazan creando la sensación -a quienes circulan entre ellos- que están entre venas, entre la estructura misma de la vida.
Por ello es que el artista habla de "células de un gran organismo mutante" y afirma que "al igual que el cosmos, todos somos víctimas del tiempo". En ese sentido, Guillermo Vezzosi trata de realizar, a su manera, lo que será la característica del arte de este siglo: la asunción del caos, o si se quiere, la percepción del entrecruzamiento del espacio y del tiempo que está latente en el concepto más actual que es el de red.
Una de las características tradicionales del dibujo y la pintura es la inmediatez en la percepción de la obra. Luego el espectador se toma su tiempo para la comprensión de ella. En la obra de Vezzosi eso es imposible. La única forma de percibirla es recorriéndola. Y en sus dibujos en papel también ocurre lo mismo. Concibe al espacio como aquello que condiciona la relación del hombre con el tiempo, que es "lo etéreo, lo ingobernable". La mutación es su característica.
La exposición forma parte del proyecto "La línea piensa" dirigido por Luís Felipe Noé y Eduardo Stupía, y cuyo propósito es difundir el dibujo y sus extraordinarios cultores dentro del país.
"Si en La Línea Piensa damos lugar a la obra de Guillermo Vezzosi, es porque consideramos que el dibujo hoy día puede trascender el espacio virtual e invadir al real, debido a la conciencia que se tiene de la línea en libertad, o sea, no condicionada tan solo a la representación. Es así que la obra de Vezzosi es de gran actualidad" afirma Luis Felipe Noé.

La muestra se puede visitar hasta el 9 de julio en el Centro Cultural Borges, Viamonte esquina San Martín, de lunes a sábados de 10 a 21 hs. y domingos y feriados de 12 a 21 hs.