28 de junio de 2017

Julio César Crivelli ha sido declarado Personalidad Destacada de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires


La Comisión de Cultura de la Legislatura porteña destacó  la contribución del presidente de la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes a la vida cultural de la Ciudad.

En los fundamentos de la declaración se destaca que Julio César Crivelli ha tenido, desde muy joven, una intensa actividad cultural. Su actividad institucional lo llevó integrar distintas organizaciones y, desde 2008, la comisión directiva de la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes, que preside desde 2011. Durante su gestión se evidenció un notable crecimiento estructural, tanto en el apoyo financiero al museo, como en la difusión de la cultura y la compra de obras de arte.

La Asociación es hoy uno de los centros culturales más importantes del país, con su prestigiosa carrera corta de historia general del arte y un amplio abanico de cursos teóricos, talleres de artes plásticas y actividades especiales, abiertos al público general. En el año 2016, más de 6.000 personas participaron en cursos, seminarios, jornadas, conferencias y talleres dictados en la Asociación.

La entidad obtiene recursos a través de colectas y donaciones, pero su principal fuente de ingresos responde a la contribución de sus socios, amigos y empresas, cuyo aporte constituye un vital apoyo de la sociedad civil al enriquecimiento cultural.

Es digno de destacar como un logro de su gestión, la ampliación del número de socios y la creación de la categoría Amigo Joven, con el objetivo de acercar a las nuevas generaciones al voluntariado del arte y la cultura. De los 2700 socios que hoy tiene la Asociación,  500 son socios jóvenes.

Fuera del campo institucional, Crivelli mantiene una fructífera labor como escritor, autor de poemas, novelas y artículos en medios especializados del ámbito de la cultura y como conferencista, contribuyendo -de manera constante y sostenida- a la cultura de la ciudad de Buenos Aires y del país.

El acto de entrega del reconocimiento será  el miércoles 5 de julio a las 18 horas en el Salón Dorado de la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, ubicado en  Perú 160.

27 de junio de 2017

Fernet Branca lanzó la 10° edición del Concurso de Afiches “Arte Único”


Fernet Branca lanza su 10° edición del Concurso de Afiches “Arte Único”, invitando a artistas de 18 a 40 años de todo el país a que demuestren su creatividad y talento en una obra libre asociada al espíritu de Fernet Branca, utilizando la pintura, la fotografía, el diseño y todo tipo de disciplina artística o la combinación de varias de ellas.

Este año, el jurado está integrado por el histórico Enrique Longinotti (arquitecto y docente) que ha participado en todas las ediciones, y cuatro nuevos jurados, quienes aportarán características diferenciales: Hernán Berdichevsky (Diseñador Gráfico), Rodrigo Alonso (Lic. En Artes), Tano Verón (VJ y Diseñador Gráfico), y Martín Ron (Artista urbano).
 
La temática del Concurso de Afiches “Arte Único” en esta oportunidad será libre, con el objetivo de aumentar la creatividad de los participantes. Además, continuará la modalidad de que envíen, en una primera instancia, sus obras de manera digitalizada a través de una plataforma online dentro de la web www.arteunico.com.ar y que estará vigente desde el 26 de junio hasta el 18 de septiembre, coincidiendo con el período de inscripción del concurso. En el sitio, los interesados podrán descargar las bases y condiciones que les explicará en qué formato y calidad deberán enviar los archivos, y cómo es el mecanismo de envío de obras del concurso.

Los ganadores serán premiados con $35.000 para el primer puesto; $25.000 para el segundo; y $20.000 para el tercero. Además, Fernet Branca premiará a los participantes que reciban menciones con una beca de estudio por $5.000 para realizar cursos, talleres o capacitaciones relacionadas al arte y al diseño en cualquier institución educativa del país, con total libertad de elección tanto de la actividad a realizar como del lugar.

Paralelamente se presentarán las muestras itinerantes de Arte Único en Tucumán, Rosario, Salta, Córdoba y Mendoza, donde se plasmarán las obras de los ganadores, mencionados y seleccionados del Concurso de Afiches Arte Único 2016 del que participaron más de 2000 artistas emergentes de toda la Argentina.

En el renovado sitio de Arte Único, los artistas encontrarán un blog novedoso en el que podrán mantenerse informados no sólo sobre las diferentes instancias del concurso, sino también de noticias relacionadas al mundo del arte. Por otro lado, las novedades se postearán en la fan page de Facebook (www.facebook.com/ConcursoArteUnico) y en el canal oficial en YouTube (www.youtube.com/ConcursoArteUnico), en donde se difundirá información relacionada al concurso, tanto histórica como actual; contenido sobre las ediciones anteriores, entrevistas a jurados, experiencias de ganadores de todas las ediciones, afiches históricos de la colección de Fernet Branca, entre otros materiales de inspiración.

De esta manera, Fratelli Branca consolida y demuestra el compromiso que ha asumido con el arte, a través de la promoción de jóvenes valores y la difusión de sus obras.

26 de junio de 2017

Llega la cuarta edición de MIRÁ Festival de Arte en el Centro Cultural Borges


Más de 140 artistas se darán cita en la cuarta edición de MIRÁ Festival de Arte entre el 29 de junio y el 2 de julio, en el Centro Cultural Borges. Este evento está organizado como siempre, por Qué Hacemos, que dirige Susana Araujo, y el programa Cultura al Día, que conducen Patricia Almark y Julio Sapollnik, curador también de la exposición.
 
Daniel Corvino
Una vez más, todas las disciplinas estarán presentes: pintura, dibujo, escultura, instalaciones, arte con neón, fotografía, grabado y arte en vidrio. Una gran oportunidad para establecer un contacto directo entre los artistas con el público y con los nuevos y tradicionales coleccionistas.
Nuevamente, el main sponsor es el Banco Ciudad, que presentará en el hall principal del Borges a los artistas premiados del último concurso de fotografía “Gente de mi Ciudad”.
 
Claudia Balsategui 
 
Entre las curiosidades de este año, los visitantes se sorprenderán ante la mega instalación que  presentará el Conde Divagante en la Plaza de las Artes. Otro de los atractivos, será un Concurso  de Body Painting que se realizará en vivo durante todos los días de la exposición por todas las  salas.
Como siempre, ya que se trata de un festival, la música en vivo estará presente y recorrerá todos los espacios, creando un clima de fiesta, como el que ha caracterizado las ediciones anteriores. A esto se suman las charlas y conferencias sobre arte actual.
 
Pedro Roth 
 
También podemos destacar a la artista Ana Moraitis que es, además, cantante de lírica y de tango lírica y presentará su último disco.
Entre tantos artistas participantes, además de los ya mencionados, podemos destacar a Pedro Roth que estará abriendo MIRÁ; Martín Wullich que presenta sus fotografías teatrales; Viviana Herrera, Pedro Melnitzky de Uruguay , Lorena Nuilia de Perú, Mercedes Chamber, María Teresa Hafford, Susana Beibe, Diana Schuster, Graciela Pereyra Anheluk, Andrea Scuderi y Betina Attas, por nombrar sólo a algunos.
 
Martín Wullich
Como todos los años, para la ocasión se editó un catálogo de gran calidad con todos los artistas participantes.
MIRÁ Festival de Arte podrá visitarse del 29 de junio al 2 de julio, de 12 a 20 horas en el Centro Cultural Borges -Viamonte 525-, con entrada libre y gratuita.

24 de junio de 2017

Exposición de Ezequiel Barakat en el Centro Cultural Borges


En la sala 27 del Centro Cultural Borges se pueden apreciar 20 obras, en técnicas mixtas, que conforman la muestra de pinturas  y papeles del artista visual, gestor cultural y diplomático, Ezequiel Barakat, bajo la  curaduría  de Blanca María Monzón.
 
"Muro II. Huellas del tiempo, Memoria urbana". Caracas, 2015, óleo sobre tela
 
Ezequiel Barakat, es un artista  inquieto, sensible, que  a  su  regreso a Buenos Aires,  luego de  su peregrinar,  como  representante diplomático de Argentina, por  distintas  ciudades  del  mundo,  mostrará, en el Centro Cultural Borges,  su percepción visual,  su  expresiva manifestación artística, así  como sus sentimientos, emociones y aprehensiones del mundo que lo rodea.
Se  trata,  como bien  dice Barakat, del “accionar de un caminante que entiende al viaje como un ejercicio de autodescubrimiento.” Muros, paredes, huecos, grietas y fisuras en portales, columnas, ventanas y techos, calles y cielos, bajo una mirada curiosa y estética, se convirtieron en impulsos y motivos para la creación abstracta, que es el estilo que profesa desde que se inició en la pintura.

"Puentes, cielos, tierra", 2015, óleo sobre tela
 

Blanca María Monzón, directora del departamento de artes audiovisuales del Centro Cultural Borges  y curadora de la exposición, percibe la preocupación y el interés de Ezequiel Barakat por las imágenes de ciudades, donde se desempeñó como diplomático, Buenos Aires, Caracas,  México DF y Estambul, como una especial circunstancia que ha contribuido a la creación de su obra. Un creador que  aborda  la obra desde el plano de los ojos y de la calle, con líneas geométricas definidas por las diferentes zonas de color, donde la ciudad es la obra, y la obra es la ciudad.
Para Barakat,  la inspiración que lleva a la creación de una imagen puede nacer de un estímulo visual, de una emoción, quizás de un sonido que transporta a una sensación determinada y también de los elementos que nutren la imaginación. Su obra se basa en patrones geométricos, líneas y formas que se entrecruzan y crean planos de color, casi siempre con dos o tres pigmentos, cuyos matices aportan textura y profundidad.

La exposición se puede visitar hasta el 9 de julio, de lunes a viernes de 10 a 21 horas, y sábados y domingos de 12 a 21 horas en Viamonte 525, Buenos Aires, Argentina.

20 de junio de 2017

Ag · Espacio de Arte está presentando la muestra "Colección Blanco & Negro".


Para esta ocasión fueron seleccionadas unas cincuenta obras, todas ellas despojadas de los colores, cumpliendo y respetando el uso del blanco y negro.

Los artistas fueron invitados a presentarse con su obra en tonos monocromos. Cada uno con su impronta, técnica y estilo demuestra al espectador que el color no siempre es necesario. La presencia y ausencia de luces y sombras son claves en el momento de transmitir sensaciones en una atmósfera donde predomina la ausencia del color.
 
Colección Blanco & Negro exhibirá obras de arte clásico, contemporáneo y moderno en modalidades de pintura, escultura y fotografía en diferentes formatos.

Artistas que exponen: Alejandro Avakian, Guillermo Bekes, Gustavo Dalinha, Beatriz Diment, Silvia Dotta, Carlos Ferreyra, Cristina Frigerio, Luciana Garabello, Gabriela Goldstein, Gabriela Lascombes, Guillermina Lynch, Leandro Manzo, Anja Niggemeier, Marcelo Ortiz, Nidia Petrina, Silvana Rolando y Oscar Sar.

Se puede visitar dhasta el 30 de junio, de lunes a viernes de 13 a 19.30 hs. en Av. Alvear 1580, planta baja, Buenos Aires, Argentina.

Concurso Nacional de Artesanía Tradicional y Contemporánea


El Fondo Nacional de las Artes (FNA) abre la convocatoria al Concurso Nacional de Artesanía Tradicional y Contemporánea con el objetivo de poner en valor el trabajo de los artesanos.
 
En esta edición, que cuenta con la participación del Museo de Arte Popular José Hernández, además de reconocer el trabajo de hombres y mujeres con oficios ancestrales, se incluirá como categoría el diseño contemporáneo.

"Pensamos a la artesanía como una disciplina en constante movimiento, que se nutre de técnicas ancestrales y con materiales propios de nuestro suelo que, a la vez, se resignifica en las manos de creadores contemporáneos con novedosas propuestas de diseño", explica Carolina Biquard, Presidente del Fondo Nacional de las Artes.  
 
Se establecieron dos categorías: artesanía tradicional y contemporánea. A su vez, cada una tendrá cinco clases, de acuerdo al material preponderante de los objetos presentados: textiles, metales, madera, cerámica y cuero.

“La tarea de valorar el patrimonio de nuestra herencia cultural es una misión fundamental para el FNA. La artesanía tradicional, que hunde sus raíces en nuestra identidad, es su expresión más tangible Este año, además el FNA sumó el diseño contemporáneo  para rescatar el trabajo del artesano urbano y la inserción de su obra en el mundo actual”, resaltó Teresa Anchorena, Directora del FNA.

Se entregarán diez premios de $25.000 cada uno, por cada una en las distintas clases en ambas categorías. Asimismo,  existirá un Gran Premio de $50.000 del que podrán participar todas las obras presentadas.
 
Las obras seleccionadas y premiadas se exhibirán en el Museo de Arte Popular José Hernández (MAPJH) de la ciudad de Buenos Aires, del 12  de octubre al  27 de noviembre de 2017.

"Por primera vez una institución nacional y otra del gobierno de la ciudad se unen en una iniciativa que beneficia, jerarquiza y posiciona al artesano y sus obras. Artesanía contemporánea y artesanía tradicional dialogarán en este Concurso. Un festejo para compartir y divulgar”, concluye Felicitas Luna, Directora del Museo de Arte Popular José Hernández.

La inscripción, hasta el 31 de julio, se realizará exclusivamente de manera online en la plataforma del FNA: https://plataforma.fnartes.gob.ar/.
Más información en: goo.gl/EKG7iW.

19 de junio de 2017

Por primera vez en Argentina, expone el fotógrafo y cineasta francés Raymond Depardon en el Centro Cultural Recoleta


Alpes Marítimos. Cannes
 
Por primera vez en Argentina, desde el martes 6 de junio y hasta el 20 de agosto, se podrá recorrer en las salas Cronopios, J y C del Centro Cultural Recoleta, las muestras fotográficas: "Un momento tan dulce" y "Francia", del fotógrafo y cineasta francés Raymond Depardon, con curaduría de Hervé Chandès. Además de las muestras fotográficas, se proyectarán tres películas de su autoría y brindará una masterclass.
 

Considerado uno de los fotógrafos más destacados del siglo XX y reconocido por sus reportajes en lugares sensibles, por sus libros donde texto e imagen se entretejen, por sus documentales sobre la vida cotidiana en una sociedad en estado de cambio, Raymond Depardon es, sin duda, un autor sin límites. Fotógrafo y cineasta, su trabajo interroga los lazos entre la imagen y la ética. Depardon fotografió lugares sin acontecimientos, apariciones, escenas de vida, hace fotos “que todo el mundo podría hacer y que nadie hace”. Como la mirada de un niño que ve las cosas por primera vez, sus imágenes son viajes de aventuras y soledad.
 

Autorretrato. Granja de Garet, Villefranche sur Saône, 1960
 
"En Raymond Depardon, la fotografía en color proviene de su infancia. Es por medio de la luz que asocia la fotografía al recuerdo de su madre y de su padre, a los colores alegres de su infancia que, más tarde, teñirían de orientalismo.
Tiene veinte años. Es el momento de aprender fotografía, de hacer los primeros viajes, de ir al desierto.
«El color es la metáfora de la curiosidad», dice. Es lo que lo acompañará en los grandes reportajes fundadores: interroga al ser humano y construye su mirada mientras busca la distancia correcta con el sujeto, entre la verdad del corazón y la experiencia de lo real. Hace la fotografía un acto político del pensamiento. Confía en su primera mirada.
En los últimos tiempos, casi clandestinamente, Raymond Depardon emplea el color para su propio deleite, liberado de cualquier presión, sin tema ni expectativa. Nómade de alma,
«rico de soledad», fotografía lugares sin acontecimientos, apariciones, escenas de vida, hace fotos «que todo el mundo podría hacer y que nadie hace» y experimenta en ellas un momentos apacible, colorido, silencioso, soñador, simple, indiferente al momento decisivo y perfectamente humanizado.
Esta exposición en forma de relato autobiográfico es una suma de
«momentos muy dulces' tomados de la obra de un artista que, hace aproximadamente cincuenta años, siendo un joven de apenas dieciséis, abandona su granja y se instala en París con su cámara de fotos." Texto curatorial por Hervé Chandès.
  
Puerto del Hambre, Chile, 2007
"Un momento tan dulce" 
Esta muestra presenta unas 160 fotografías en color y la mayoría son inéditas. Tomando el color como hilo conductor, invita a dar un paseo por la obra y la vida del artista desde finales de los años 50 hasta nuestros días. Depardon redescubre las luces y los colores de Etiopía, de Sudamérica y de los palmerales chadianos. Dibuja, por tanto, un enfoque más silencioso, más interiorizado, más mental.
“Un momento tan dulce está compuesta de fotos libres que había sacado durante mis viajes por el exterior para mi trabajo o para mí, casi clandestinamente. Son fotografías bastante agradables, con distanciamiento, con cierta reserva. En el blanco y negro me catalogo en la gran tradición europea de negros densos y profundos; en cambio, veo el color claro, luminoso, sobre todo, alegre. En el color, hay un campo increíblemente rico que había explorado muy poco: las prendas de las mujeres del Chad, la elegancia de los paisajes del Altiplano. Es la imagen de la modernidad.” R.D.
 

Vendée, Saint Hilaire de Riez
 
"Francia"
El corpus mostrado en parte la exposición, responde a un deseo ante todo fotográfico -el de trabajar con la cámara gran formato de 20 X 25 y a color- y a un tropismo profundo de este fotógrafo: andanzas, soledad, deseo de «viajar como un niño». Una pulsión de movimiento y descubrimiento, una curiosidad innata por lo desconocido o por lo incomprendido siempre ha guiado sus pasos.
“Cuando me propuse fotografiar Francia, supe que había que fotografiarla de otro modo: no ir al encuentro de la gente con mi Leica, no imitar los Fragonard sobre las colinas, sino reencontrar ese camino que va de la casa a la escuela, a la tabaquería, estacionarme en algún sitio, esperar, no mucho tiempo, irme, y mis primeras ideas sirvieron para el material. La Francia que quise fotografiar es aquella de la que yo vengo, la del Tour de Francia, de las redomas, de los pueblos o las ciudades promedio, con pequeñas zonas industriales o urbanas, todas parecidas, que son muy poco fotografiadas.” R.D.
 
Raymond Depardon. Foto CCR
Raymond Depardon nació en Francia en 1942. A los doce años comenzó a tomar fotografías en la granja familiar en Garet. Aprendiz de un fotógrafo/óptico, partió a París en 1958. En 1960, se unió a la agencia Dalmas de París como reportero y, en 1966, cofundó la agencia Gamma con la que hizo reportajes en todo el mundo. Al mismo tiempo, comenzó a hacer documentales: 1974, Une Partie de Campagne [Un día de campo] y San Clemente. En 1978, Depardon se une a Magnum y continúa su trabajo de reportero hasta la publicación de Notes, en 1979 y Correspondance New Yorkaise, en 1981.
En 1984, participó en el proyecto DATAR sobre la campiña francesa. Mientras continuaba con su carrera cinematográfica, recibió el Gran Premio Nacional de la Fotografía en 1991, pero sus películas también obtuvieron reconocimiento: en 1995, Délits Flagrants [Delitos flagrantes], acerca del sistema de justicia francés, recibió un premio César por mejor documental y, en 1998, emprendió la primera de una serie de tres películas dedicadas al mundo rural francés. Ha realizado diecinueve largometrajes y publicado más de cincuenta libros.


Muchacha con perros en Ríos Gallegos 
 
Curador: Hervé Chandès
Coordinadora de exhibiciones de Magnum Photo París: Marion Schneider
Coordinación general: Emmanuelle Hascoët

Esta muestra fue realizada gracias al apoyo de l’Institut Français d’Argentine, Ambassade de France en Argentine, Alliance Française de Buenos Aires, Magnum Photos, Magnum Photos 70, Réunion des Musée Nationaux - Grand Palais, Palmeraie et désert, The Brick Hotel Buenos Aires y Citroën.

Horarios del Centro Cultural Recoleta: martes a viernes, de 13.30 h a 22 h. Sábados, domingos y feriados de 11.30 h a 22 h. Lunes cerrado.

Mirá todas las fotos en facebook.

El Centro Cultural Coreano está presentando la novena exposición de Artistas Coreanos en Argentina


Esta muestra tiene la particularidad de reunir artistas de varias generaciones de la comunidad coreana: inmigrantes de la primera generación, quienes llegaron a la Argentina por decisión propia a vivir en el país; de segunda generación, es decir, nativos argentinos hijos de las primeras generaciones de inmigrantes, y generaciones "1.5" quienes llegaron al país siendo jóvenes, acompañando a sus familias. Todos ellos juntos ensamblan armónicamente la mezcla de la pasión argentina con el espíritu oriental a través de formas y colores para contar cada uno su historia particular, con su visión única y, sin embargo, unida.

La muestra se puede visitar hasta el 31 de julio de 2017, de lunes a viernes de 9.30 a 13 horas y de 14.30 a 17.30 horas, en la sala de exposiciones del Centro Cultural Coreano, Coronel Díaz 2884, Buenos Aires, Argentina. Sábados, domingos y feriados cerrado.


El MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo. Sede Hotel de Inmigrantes presenta la exposición "Sublevaciones", curada por Georges Didi-Huberman


La Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) presenta la exposición "Sublevaciones", curada por Georges Didi-Huberman. Una exposición sobre los acontecimientos  políticos y las emociones colectivas que conllevan movimientos de masas en lucha. La misma trata sobre los desórdenes sociales, la agitación política, la insumisión, las revueltas y las revoluciones de todo tipo, y muestra cómo los artistas han abordado estos temas en diferentes momentos históricos. Reúne más de 250 obras entre pinturas, dibujos y grabados, fotografías, películas y documentos. 

Esta exhibición ha sido organizada por el Jeu de Paume de París en colaboración con el MUNTREF Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero para su presentación en Buenos Aires y cuenta con la participación del Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona; el MUAC - Museo Universitario Arte Contemporáneo - UNAM, México; la Galerie de l’UQAM - Universidad de Québec en Montreal y Sesc São Paulo.

La exposición se fundamenta en un trabajo histórico y teórico que Georges Didi-Huberman, filósofo e historiador del arte, realiza desde hace años, principalmente a través de la serie de libros titulados L’oeil de l’histoire.
 
Desencadenadas por el deseo de libertad y enfrentadas al poder, las sublevaciones son uno de los temas centrales en la moderna pintura de historia y de crónica social, así como en el arte contemporáneo. La muestra cuestiona la representación de los pueblos, en el sentido estético y político de la palabra representación. Trabajos que son fruto de episodios históricos inconexos encuentran en esta exposición un hilo conductor que facilita el establecimiento de relaciones entre ellas y que en algunos casos pueden leerse como arquetipos universales.

El sentimiento de rebeldía es uno de los ejes vertebradores del recorrido expositivo, que sigue un camino sensible e intuitivo en el que la mirada puede focalizarse sobre ejemplos concretos a lo largo de cinco ámbitos: por elementos (desencadenados); por gestos (intensos); por palabras (exclamadas); por conflictos (encendidos); o por deseos (indestructibles). 

Esta exposición que aloja el MUNTREF, tras su presentación en París y Barcelona, viajará a São Paulo, México DF y Montreal. Debido a que este proyecto se reedita en cada sede de itinerancia, Didi-Huberman ha integrado en esta muestra obras locales que comprenden distintas disciplinas como la fotografía, el dibujo, el video y la instalación. Entre ellas: Marcha por la vida, 5 de octubre de 1982, de Eduardo Longoni; La huelga. De la serie de las luchas proletarias, 1935, de Abraham Regino Vigo; y Madre e Hija de Plaza de Mayo / Marcha por la vida, 1982, de Adriana Lestido.

Podrá visitarse del 21 de junio al 27 de agosto, de martes a domingos de 11 a 19 horas, en el MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo. Sede Hotel de Inmigrantes - Av. Antártida Argentina (entre Dirección Nacional de Migraciones y Buquebus). Entrada por Apostadero Naval, Puerto Madero.

Convocatoria para participar del Concurso Nacional UADE de Artes Visuales


Por doceavo año consecutivo, Fundación UADE invita a participar del Concurso Nacional UADE de Artes Visuales a todos los artistas mayores de 18 años, argentinos o extranjeros con residencia permanente en el país.

Esta reconocida actividad de UADE Art tiene como objetivo seguir fomentando la actividad cultural y promover el desarrollo de la sensibilidad artística. Desde 2015, Fundación UADE pone a disposición del ganador del Primer Premio un subsidio personal e intransferible por la suma de U$S 6.000.- en concepto de “Beca para Programa Formativo en el Exterior”.

Cada participante podrá concursar sólo con una obra que deberá ser inédita. La temática es de libre elección. Los interesados deberán presentar sus obras antes del 2 de julio de 2017.
Los ganadores serán seleccionados por un jurado conformado por: Eva Grinstein, Gachi Prieto, Patricia Rizzo, Santiago Villanueva y Horacio de las Carreras.

Los premios a entregar son:
- Primer Premio Adquisición: $80.000 + U$S 6.000 (PFE)
- Segundo premio Adquisición: $ 70.000
- Tercer premio Adquisición: $ 60.000

Para consultar las bases del Concurso y el Formulario de Inscripción se puede ingresar a www.concursoartesvisuales.uade.edu.ar.

Diana Dowek expone "Ante el dolor de los demás”, pinturas inspiradas en el conflicto sirio, en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA


Hasta el 2 de julio se exhibe en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA la muestra "Ante el dolor de los demás”, Susan Sontag, de Diana Dowek, quien ha tomado ese título de un libro de la escritora estadounidense para realizar una serie de pinturas sobre la devastadora Guerra Civil en Siria, donde más de 400.000 personas murieron desde el comienzo de la guerra en 2011,

La muestra, curada por Cecilia Cavanagh, directora del pabellón, está integrada por una serie de pinturas, en las cuales, como explica la curadora, “utilizando la fotografía como documento, como registro de la realidad catastrófica de batallas en ciudades, de bombardeos indiscriminados, de las consecuencias nefastas por la utilización de armas químicas, de las ejecuciones de desertores o de prisioneros, de los asesinatos en masa cada vez más brutales y frecuentes, y de la vida diaria de personas en medio de escombros, Dowek pinta sobre la transferencia fotográfica sellada en la tela.”
 

Diana Dowek nació en Buenos Aires y estudió en las escuelas nacionales de bellas artes Manuel Belgrano y Prilidiano Pueyrredón. Perteneció al grupo La Postfiguración con los artistas J. Alvaro, M. Burton, N. Gomez, E. Soibelman y A. Heredia desde 1979 hasta 1983. Artista militante por los derechos humanos, ha contribuido a organizar diversas exposiciones y forma parte de Artistas Plásticos Solidarios junto a León Ferrari, Ricardo Longhini, Adolfo Nigro, Juan C. Romero y Ana Maldonado. Amnistía Internacional imprimió 2 serigrafías suyas por los derechos humanos.
Ha recibido numerosos distinciones, entre ellas el primer premio de pintura en el Salón Nacional de Artes Plásticas y el primer premio municipal de pintura Manuel Belgrano. Asimismo, recilbió la beca Pollock- Krasner Foundation en dos oportunidades.
 
Con precisos conceptos, la curadora sintetiza así el espíritu de esta muestra: “A partir de la desaprobación de las injusticias sociales que determinan su visión, la pintura es para Diana Dowek una herramienta de trabajo, de vida y de expresión ideológica, pero esencialmente un arma contra toda miseria. En el Pabellón de las Bellas Artes, con imágenes realmente expresivas y conmovedoras, condena explícitamente Ante el dolor de los demáslas atrocidades de la acción bélica, el terror y la tragedia de una guerra”.

La exposición se puede visitar hasta el 2 de julio de 2017, de martes a domingos de 11 a 19 horas, con entrada libre y gratuita, en Alicia Moreau de Justo 1300, Puerto Madero, Buenos Aires, Argentina.

18 de junio de 2017

Peinados y tendencias a cargo del staff de Roberto Giordano en el local de Carmen Steffens de galerías Pacífico


El martes 13 de junio se realizó un asesoramiento personal sobre peinados y tendencias a cargo del staff de Roberto Giordano en el local de Carmen Steffens, en galerías Pacífico.
“Cada persona tiene su identidad y su brillo nosotros, nosotros solo lo realzamos” Staff Rg
Tendencias
“Melena Midi es el mas elegido por su versatilidad se puede llevar a más puro estilo Bob, capas escalonado.
Bob se caracteriza por la simetría entre la parte delantera y trasera lo que aporta un aire mucho mas moderno al peinado además de mayor volumen y movimiento.
El flequillo gringue está presente en versiones muy variadas, son flequillos largos tupidos y espesos tanto desfilados como rectos".


Directivos Staff Roberto Giordano, Mirta Herrero y Patricia Ludueña
"Me gusta ser peluquero porque me permite ser creativo, ayudar a personas a expresarse, que luzcan en su exterior tal como son en su interior”. Roberto Giordano.

Durante el evento también se pudo apreciar la nueva colección de Carmen Steffens.

16 de junio de 2017

La Bienal Arte Joven Buenos Aires anunció a los seleccionados


El lunes 12 de junio, se realizó el anuncio oficial de los artistas seleccionados para participar en la Bienal Arte Joven Buenos Aires 2017. En el marco de un encuentro celebrado en el Centro Cultural Recoleta, se dieron a conocer que son 800 los artistas, de entre 18 y 32 años, participantes de 230 obras y proyectos, que conformarán la nueva edición de la Bienal Arte Joven Buenos Aires en cinco disciplinas: artes escénicas, artes audiovisuales, artes visuales, música y literatura.

“La Bienal es sobre todo una manera de trabajar, en colaboración, para que la obra de los artistas llegue más lejos.” Luciana Blasco, Subsecretaria de políticas culturales y nuevas audiencias.
Desde ahora y hasta fines de septiembre, la Bienal acompañará, a través de financiamiento y tutorías, la producción de 8 proyectos escénicos, 6 proyectos en artes visuales, 3 series web, y en literatura, la gran incorporación de esta nueva edición, 16 escritores desarrollarán novelas breves en una clínica de obra, y una de ellas será publicada. En música, 25 bandas y solistas accederán entre junio y septiembre a presentaciones en vivo en el circuito musical local, y espacios de ensayo, con el acompañamiento profesional de un tutor.
 
Artistas visuales. Foto gentileza prensa Bienal Arte Joven Buenos Aires

Durante julio y agosto, los más de 800 artistas podrán acceder al Campus Bienal, la principal instancia de formación de La Bienal, que en 2017 estará compuesta por cinco Programas intensivos para creadores de las distintas disciplinas y un ciclo de actividades abiertas. Este año 9 artistas jóvenes provenientes de diferentes países, seleccionados por instituciones internacionales en forma conjunta con la Bienal, se sumarán a los distintos programas y compartirán la experiencia de convivencia, trabajo y reflexión con los artistas argentinos.

Entre el 25 de septiembre y 1 de octubre, el Festival de la Bienal tendrá su sede central en el Centro Cultural Recoleta, que fuera la sede de la primera Bienal de Arte Joven que tuvo la Ciudad en 1989. En el marco del Festival, que este año durará 7 días, las obras comenzarán su proceso de circulación y exhibición. Allí se presentarán los 17 proyectos desarrollados y más de 170 obras de los artistas seleccionados. También se publicarán dos antologías, una de cuento por Eterna cadencia y otra de poesía por Editorial Mansalva mientras que en música, las bandas y solistas se presentarán en vivo en el Festival y competirán por la grabación, edición, reproducción y difusión de un disco. Un Comité de premiación será el encargado de seleccionar hasta 4 bandas y/o solistas ganadores.

Los objetivos centrales de La Bienal son promover la formación práctica y teórica de los artistas y creadores; promover circuitos de encuentro e intercambio que den origen a nuevas creaciones y sean motor de pensamiento crítico, apoyar el desarrollo de nuevas producciones y la circulación de ellas y sus artistas (dentro y fuera del país) acercar nuevos públicos a las distintas manifestaciones del arte contemporáneo.Se trata de una iniciativa de la Subsecretaría de Políticas Culturales y Nuevas Audiencias que depende del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

Para saber quienes fueron seleccionados en las cinco disciplinas seguí este link: https://bienal.buenosaires.gob.ar/blog/147.

15 de junio de 2017

El espacio de arte de Fundación OSDE presenta las intervenciones de Hernán Salvo en las salitas y de Andrés Pasinovich en la vidriera


Hernán Salvo presenta en las salitas del espacio de arte de la Fundación OSDE la intervención "Ilusión sostenida". La forma oval de la primera sala y la órbita elíptica de la Tierra alrededor del Sol subyacen en esta obra.
La representación y la observación son el eje principal en la obra de Salvo. Tomando como punto de partida algunas nociones provenientes de la "geometría sagrada", la idea del espacio, el tiempo, el sonido y las formas son tratados aquí como elementos que interactúan y responden a una frecuencia energética que ordena las formas del universo.
Los cuerpos geométricos ubicados en los nichos presentan también un aspecto interior en donde la materialidad se trastoca en una composición lumínica.

En la sala segunda, una caja de grandes dimensiones propone la recreación en escala del espacio físico, exigiendo del espectador una actitud de observación capaz de problematizar la distinción entre el interior y el exterior.
Hernána Salvo nació en Buenos Aires en1976. Egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón como profesor nacional de escultura en 2002. En 2011 realizó un curso de postgrado en dibujo, dictado por Eduardo Stupía. En 2006 obtuvo el subsidio Línea Creadores del Fondo de Cultura BA. En 2016 participó del Programa de Artistas Contemporáneos (PAC).
Por unos años se especializó en dibujo y obtuvo menciones en el Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano (2005), en el Premio Fundación Williams de Arte Joven (2010) y en el Salón Nacional de Artes Visuales (2011). En 2013 es distinguido con una mención en la Bienal Nacional de Pintura “Premio Ciudad de Rafaela”. Participa regularmente de exposiciones individuales y colectivas. Su obra forma parte de diferentes colecciones privadas.

Mientras, Andrés Pasinovich realizó en la vidriera de dicho espacio la intervención "Sabotaje".
Una pared terrosa cancela la vidriera y frena el andar cotidiano, no es una metáfora geológica ni ecológica, es solo una mole de tierra que llama la atención.
El sabotaje se completa con la operación que el artista realiza en la hoja informativa de la intervención donde aplica el mismo procedimiento: construye una pared de texto que demanda especial atención para poder leerla.
 

En palabras del artista: "En realidad lo único que me importa es esta pared de texto y esa pared de tierra, algo contra lo que chocar, para empezar a oír y a ver y a oler, un relámpago que nos alcance y nos electrocute y nos saque el miedo, y en ese momento pasar la lengua por los labios, relamernos de verdad, una vez, al fin."
Andrés Pasinovich nació en Buenos Aires en 1978. Se formó en los talleres de Eduardo Médici y Marina De Caro, en la clínica de análisis de obra de Ana Gallardo, y en CIA (Centro de Investigaciones Artísticas). En 2016 obtuvo las becas Bicentenario FNA y Oxenford. Recibió también, durante tres años consecutivos, el subsidio Mecenazgo Cultural (2014-2016) y el del Fondo Metropolitano en 2013. Fue seleccionado para la residencia Shigaraki SCCP en Japón para 2017. Realizó las exposiciones individuales en 2008, 2011 y 2016, Participó de varias muestras colectivas tanto en Argentina como en el exterior. Además de su obra en solitario, realiza proyectos en colaboración con otros artistas. Creó y co-dirige con Lucila Gradín el programa pedagógico para artistas Marabunta. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Ambas intervenciones permanecerán hasta el 22 de julio de 2017 y se pueden visitar en Suipacha 658, Buenos Aires, Argentina.

13 de junio de 2017

Exposición antológica de Matilde Marín en Fundación OSDE


"El manto de Próspero", 1996-2013
. Papel hecho a mano de fibra, anilina vegetal, esencia de perla, instalación

A partir del 18 de mayo se presenta en el espacio de arte de la Fundación OSDE la exposición "Matilde Marín. Arqueóloga de sí misma", con curaduría de Adriana Almada.
Fotografías, videos, grabados y libros de artista componen la exhibición antológica de la artista.
Como menciona Adriana Almada “Una muestra antológica se organiza sobre la invisible malla de la memoria (...) es la escenificación de un largo viaje: los episodios selectos de una travesía. Es un rodeo exquisito, demorado en estancias y derivas del trayecto. Es el trazado personal de un horizonte: una escritura”. 


"Hraunhafnartangi", de la serie Pharus, 2012. 
Fotografía analógica
 
Las principales fuentes de Matilde Marín son los viajes y la literatura. Las fotografías que componen la serie Pharus, por ejemplo, registra faros míticos y emblemáticos. También dos videos remiten a estas construcciones: Atlántico Sur (2012) filmado en la Isla de los Estados y No demasiado lejos (2005) filmado en Cabo Vírgenes, donde los océanos Pacífico y Atlántico se juntan.
Por otro lado, El viaje imaginario de Malevich (2015), suite de 16 fotografías analógicas con intervención digital, es producto de una búsqueda y de un descubrimiento multiplicado de las formas suprematistas -el cuadrado negro, el círculo negro, el rectángulo alargado, el círculo blanco- en diversas ciudades del mundo más allá de los objetos, sus contornos, colores y funciones.
 

"Juego de Manos" (movimiento III), 1999
. Serigrafía con proceso fotográfico 
 
El cuerpo de la artista se manifiesta explícitamente en diversas series a través del grabado, el video, la fotoperformance o la fotografía analógica. Sus manos, su imagen y su sombra se despliegan en obras como Juego de manos, Bricolage contemporáneo, Itinerarios, Autorretrato y Travesía.
En cambio, es el cuerpo en ausencia el que propone la instalación El manto de Prospero que remite al objeto que le brindaba invisibilidad al protagonista de La Tempestad, de Shakespeare.
“Todo me ha sido dado en los viajes, dice Marín. Ellos han sido su fuente de conocimiento y han configurado su visión del mundo y de la existencia; han nutrido su vida y su obra, y las han constituido.”

"El diario de la mañana", de la serie Bricolage Contemporáneo, 2001-2005. 
Fotoperformance, fotografía analógica 
 

Matilde Marín nació en Buenos Aires en 1948. Cursó estudios de arte en Buenos Aires y Zúrich, Suiza. Es miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes de Argentina. Ha recibido, entre otros, los premios de la VII Bienal Internacional de Cuenca y Bienal de Puerto Rico, el premio “Jorge Romero Brest” a la trayectoria otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte, el Konex de Platino, y el Gran Premio de Honor en el Salón Nacional de Grabado.
Ha expuesto en Argentina y en el exterior regularmente desde 1985. Entre sus últimas exposiciones se destacan: Atlántico Sur (Festival de video de Niza), El Manto del Océano (XII Bienal de la Habana) y Una Línea continua - temas sobre el paisaje (Museo de Bellas Artes, Neuquén).
Sus obras se encuentran en el Bronx Museum of the Arts (Nueva York), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Museo de Arte Contemporáneo (San Pablo) y Colección MACRO (Rosario), entre otras colecciones públicas y privadas del país y del exterior.
Cuando divise el humo azul de Ítaca, 2012. 
Música: Marta Lambertini. Textos: José Emilio Burucúa. Imágenes y video: Matilde Marín
. Editado por Kontemporánea Proyecto de Arte 
La exposición se puede visitar hasta el 22 de julio de 2017, de lunes a sábado de 12 a 20 horas, con entrada libre y gratuita, en el espacio de arte de la Fundación OSDE, Suipacha 658, primer piso, Buenos Aires,  Argentina. Domingos y feriados cerrado.

12 de junio de 2017

El Museo de Arte Popular José Hernández lanzó junto a Google la exposición virtual “Vestimos cultura”


Faja
El Museo  de Arte Popular José Hernández se suma a la propuesta de Google Arts & Culture - la organización de Google en la que participan las instituciones culturales más importantes a nivel global.  Se trata de una muestra que reúne 3000 años de la moda de todo el mundo.
En las oficinas de Google Argentina fue presentada oficialmente esta exposición que forma parte del proyecto We wear culture e incluye más 180 instituciones culturales de las principales ciudades del mundo cómo Nueva York, Londres, París y Tokio. 
El museo es una de las dos instituciones de Argentina, y nos representa con dos muestras: "La artesanía está de moda" y "Ponchos y fajas de Argentina: símbolos de herencia", ambas con indumentaria y accesorios artesanales de sus colecciones. El proyecto estuvo a cargo de Analía Piombino, productora audiovisual del museo.
Topu mapuche
Objetos de origen tanto rural como urbano, confeccionados por artesanos contemporáneos y tradicionales, indígenas, mestizos y criollos así como por inmigrantes europeos del siglo XIX, XX y XXI.
En la presentación Analía Piombino, productora audiovisual a cargo del proyecto en el Museo, se refirió al desafío que implicó la producción de este proyecto, y los retos que el equipo tuvo que enfrentar, entre ellos mostrar en uso y de una forma cotidiana y original obras de patrimonio, las cuales por normativa no pueden ser manipuladas.
Estas exposiciones siguen los objetivos de proteger las colecciones y ponerlas a disposición de todo el mundo y ha contado con la colaboración de diferentes expertos en moda, comisarios y diseñadores, así como universidades, museos y ONG de todo el mundo para mostrar que la moda forma parte de nuestra cultura y es una forma de arte resultado de un auténtico trabajo artesanal.
Poncho proyectado
Amit Sood, director de Google Arts & Culture declaró: "Invitamos a todo el mundo a navegar por la exposición desde su teléfono o portátil y descubrir la historia de su propia ropa. Tal vez se sorprenda al descubrir que sus vaqueros o el vestido negro que tiene en su armario cuentan con todo un siglo de historia. Nuestras prendas son sinónimo de cultura y, a menudo, auténticas obras de arte".
La exposición We wear culture está disponible en línea en g.co/wewearculture y a través de la aplicación Google Arts & Culture en iOS y Android para todo el mundo. 

Novena Edición de la Subasta 2017 de obras de arte contemporáneo, platería y grandes maestros a beneficio del Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernandez Blanco

  
La Asociacion de Amigos del Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco (AMIFEB) presenta la novena edición de la Subasta 2017 de obras de arte contemporáneo, platería y grandes maestros a beneficio del Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernandez Blanco, evento que cuenta con el auspicio del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y que estará a cargo del prestigioso rematador Enrique Scheinsohn.
Esta Subasta tiene como objetivos la obtención de fondos y recursos que serán destinados a la producción de exhibiciones, publicaciones, conservación y restauración de obras de la colección, adquisición de tecnología, mobiliario museográfico, sistemas de seguridad y a colaborar con los objetivos de la programación de la institución.
Es una excelente oportunidad para agregar grandes obras a una colección ya iniciada o bien comenzar una nueva por los excelentes precios de base, sumado a colaborar con un fin solidario que se plasma en apoyar el crecimiento y expansión de uno de los Museos más prestigiosos y lindos del mundo.
La subasta se realizará el miércoles 14 de junio a las 19 horas en el   Palacio Noel, ubicado en Suipacha 1422, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

8 de junio de 2017

La Fundación Beethoven presenta la exposición "Libre de imperativos" en la que participan Marino Santa Maria, Sasha Sinitskaia, Lisandro Sabio y Gustavo Daniel Ríos


Obras de Gustavo Ríos, Sasha Sinitskaia y Lisandro Sabio

Con el compromiso de acompañar y potenciar los objetivos de Fundacion Beethoven, nace el proyecto “Aire” generando un nuevo ciclo expositivo 2017 para promover artistas que trabajan dentro de las artes plásticas y visuales. El proyecto “Aire” es un conjunto de muestras anuales para promover a aquellos artistas con  nuevas posibilidades de exponer en Buenos Aires, donde son impulsados por artistas con una trayectoria más extensa potenciando así sus obras. La presente exposición cuenta con el apoyo generoso de Marino Santa Maria acompañando el trabajo realizado por Sasha Sinitskaia, Lisandro Sabio y Gustavo Daniel Ríos.
 

Lisandro Sabio, Gustavo Ríos, Marino Santa María, Vanesa Catellani y Sasha Sinitskaia
 
Con una selección de más de 30 obras en sala y dos proyecciones audiovisuales, se muestra el ritmo generado por los diferentes lenguajes plásticos, soportes y las técnicas utilizadas que enriquecen el recorrido al espectador y lo introducen en el mundo de la geometría.
En palabras de la curadora, Vanesa Catellani, “los artistas seleccionados con sus variedades de formatos y lenguajes, dan luz sobre la mutación constante presente en el universo, donde la realidad y sus participantes no son homogéneos –como la vida misma- pero conviven en un fluir dinámico y armónico compartiendo a la geometría como punto de partida”
 

Marino Santa María, nació en el año en 1949 en Buenos Aires (Argentina). Lugar donde reside y trabaja.
Egresó de las escuelas de Arte “Manuel Belgrano” y “Prilidiano Pueyrredón”. Fue Rector de la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón” (1992 a 1998).
Desarrolla su arte en diferentes materiales, pintura, mosaiquismo o fotografía. Su sello está impreso en sus trabajos a gran escala, en sus famosas intervenciones urbanas como por ejemplo en la Calle Lanin y las estaciones de Subte H. Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires. Incansable trabajador y promotor del arte.
 

Sasha Sinitskaia, nació en Siberia (Rusia). Actualmente reside y trabaja en Buenos Aires. Es autodidacta en la técnica de pintar con palillos, realizadora audiovisual, diseño de indumentaria y modelo.
Su arte es la geometría sagrada. Es una artista de colores simples, cada punto de su técnica activa la memoria, porque si observas meditando los colores, será como las neuronas explorando el cielo en la tierra. A través de estos códigos su misión es expandir la consciencia planetaria -visión cósmica de los cambios que anhelamos-. Comparte lo que percibe dentro de su ser en los momentos que experimenta con estas geometrías sagradas en su laboratorio.
 

Lisandro Sabio, nació en 1976 en la ciudad de Neuquén (Argentina) donde reside y trabaja.
Artista fractal, realizador audiovisual, dj, músico experimental, promotor científico, investigador, profesor universitario. Referente del Arte Fractal en Argentina y Latinoamérica.
En el 2013 presentó su película "Universo Fractal" en el MNBA y posteriormente elegida Selección Oficial Internacional en los Festivales “Ícaro” de Guatemala y Cinetoro de Colombia.
En el año 2014 realizó la muestra “Conexión Fractal” en el Museo Gregorio Álvarez de Neuquén y desde entonces, una amplia variedad de exposiciones individuales y colectivas en salas de arte y prestigiosos espacios culturales. Desde Abril 2017 expone su obra y forma parte de la galería “Loca de Atar” de Neuquén. Actualmente se encuentra en etapa de pre-producción de su nueva película, realiza videoclips y arte para diversos artistas.
 

Gustavo Daniel Ríos, nació en 1968 en Buenos Aires (Argentina). Lugar donde reside y trabaja.
Maestro nacional de dibujo, Escuela Nacional de Bellas Artes "Manuel Belgrano" y profesor nacional de pintura, Escuela Nacional de Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón". Expuso individualmente en Sonoridad Amarilla, en Estrasburgo (Francia), en Valparaíso (Chile) y en Tucumán. Realizo muestras en diálogo con Natalia Cristófano (Naranja Verde, 2013) y con Karina El Azem. Es artista de la galería Cecilia Caballero Arte Contemporaneo.
A través de la pintura geométrica se desarrolla y expande, no solo en la tela como soporte sino también en diferentes intervenciones en el espacio donde trasciende al marco.