23 de julio de 2017

Edgardo Giménez y María José Herrera inauguran el ciclo de charlas de la Academia Nacional de Bellas Artes



El martes 25 de julio a las 19 horas, comienza el ciclo de charlas de la Academia Nacional de Bellas Artes “El arte argentino en los '60 contado por sus protagonistas”. 
En el primer encuentro dialogarán ante el público Edgardo Giménez y María José Herrera acerca de tan importante y prolífica época del arte argentino.

El ciclo se realizará a lo largo del año centrado en esos años, con especial protagonismo del Instituto Di Tella y participarán de las siguientes charlas artistas como Alfredo Arias, Marilú Marini, Delia Cancela y críticos e investigadores de arte como María José Herrera, Rubén Ríos e Ines Katzenstein.
La cita es en la Academia Nacional de Bellas Artes,  Sanchez de Bustamante 2663, ciudad de Buenos Aires, con entrada libre y gratuita.

22 de julio de 2017

Quadro Galeria se mudó a La Boca


Quadro Galeria, reabre sus puertas en nuevo espacio y nuevo barrio: La Boca, en el marco del pujante Distrito de Las Artes, locación elegida para desembarcar con la primer muestra colectiva y presentación del staff de la galería.

La curaduría, a cargo de Mariana Rodríguez Iglesias, sostiene una asociación de obras que busca preservar la reunión de singularidades que toda exposición colectiva implica. La soledad más poblada del mundo habla de las fugas, del escape solitario hacia lo subjetivo como garantía de una vida en común. La soledad -aquella que sobreviene al despojarnos de los clichés con que se formatean los lazos sociales- aparece aquí menos como un signo de valor negativo que como un modo de estar y, en el seno de nuestras individualidades, nos permite un enganche gentil y provisorio con otras “soledades”. La soledad y la distancia como firma, como espacio para el encuentro, como territorio.

Numerosas piezas, de diversas disciplinas -desde el dibujo a la instalación- y variadas poéticas -de la geometría abstracta al conceptualismo- conforman esta primera exposición y presentación del staff de la galería: la pintura como arenas movedizas de Julieta Barderi, una estalactita incómoda y solitaria de Leonardo Cavalcante, el dibujo estallado y fantasmagórico de Dolores Cásares, la fatalidad doméstica de las tapitas de mendicrim de Alejandro Montaldo, los dibujos cancelados de Andrés Pasinovich y la puesta en abismo de marcos vacíos de Nicolás Pontón. Estas, entre otras, son algunas de las cajas de resonancia que se activan con la obra, algunos de las imágenes que se ejecutan en el observador.
Esta muestra colectiva pretende, ya desde el título, aproximar una idea de comunidad de encuentros que al tiempo que propicie el contacto, preserve la alteridad.
"La soledad más poblada del mundo" se puede visitar a partir del 22 de julio en Agustin R Caffarena 199, La Boca, Buenos Aires, Argentina.

21 de julio de 2017

Apertura de Inscripciones para la Bienal de Arquitectura


Hasta el 31 de julio hay tiempo de comprar las entradas con descuento a las conferencias magistrales de la XVI Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires. El evento se realizará entre el 9 y el 13 de octubre próximo en la Usina del Arte.
Esta nueva edición de La Bienal contará con prominentes figuras de la arquitectura internacional, además de exposiciones, debates, películas y eventos multimedia.

Este año, ofrecerán conferenias Elizabeth Diller de la firma de arquitectura Diller Scofidio + Renfro, el danés Bjarke Ingels, fundador del estudio BIG. Cesar Pelli y más de 50 figuras de la arquitectura mundial como Jean Pierre Crousse del estudio Barclay & Crousse de Perú, Carrilho de de Portugal y Philippe Prost de Francia, Alberto Ceccheto de Italia, el historiado y crítico peruano Manuel Cuadra y desde México, Felix Madrazo y Augusto Álvarez. El reconocido arquitecto Andres Lepik, Manuel Rivero, el alemán Markus Vogl, Lolita Sanabria, Fernando Brave, Charllote Truwalt, Mikkel Thomassen, Marie-Hellene Contal, Eduardo Comas y Laureano Forero.
Además de Pelli, participarán varios argentinos de destacada labor en el exterior como Daniel Weil (Gran Bretaña), Fredy Massad (España), Zaida Muxi (España), Pablo Katz (Francia), Claudo Sat (Portugal) y Salvo Levinas (EE.UU.).

Barcelona será la ciudad invitada de la Bienal y contará con la participación de Flores & Prats, Josep María Montaner, Mar Santamaría, Oscar Guayabero, Ramón Faura Coll y Daniel Modol.
Las entradas se pueden adquirir enviando un correo a: inscripciones@labienalarq.com, llamando al 54 11 3724-3008 o a través de la página web: www.labienalarq.com.

Valores de las Entradas
Precio General: $ 4.000
Precio Promocional hasta el 31/07: $ 3.200
Promo Asociados CPAU: 20% de Descuento sobre valor al día.
Promo Asociados SCA: 20% de Descuento sobre valor al día.
Estos valores incluyen IVA.

20 de julio de 2017

El Museo de Arte Tigre reacondicionó su Salón Oval con el apoyo de la Fundación American Express y la Asociación de Amigos del Museo


El Salón Oval del Museo de Arte de Tigre (MAT), uno de los ambientes más imponentes del edificio, fue acondicionado por la Fundación American Express para convertirse nuevamente en un espacio de recreación y socialización, como lo fue en su momento la antigua sede del Tigre Club.

Este edificio centenario fue testigo de la celebración de importantes fiestas sociales, festejos, conciertos de música clásica y tangos, que en las primeras décadas del siglo pasado reflejaban el suntuoso estilo de vida de la élite porteña.  La construcción de estilo ítalo-francés estuvo a cargo de la firma francesa Dubois y Pater, los mismos arquitectos que diseñaron el palacio familiar que hoy en día es sede de la Embajada de Francia. El actual museo es un ejemplo del estilo neoclásico de finales del siglo XIX, con espaciosos y decorados salones, mármol de Carrara en sus escaleras, roble de Eslavonia en sus pisos, bronces y dorados a la hoja en sus detalles ornamentales y hierro en sus portones.

Uno de los trabajos más relevantes del salón fue la puesta en valor de la araña que se destaca en todo ese espacio. La misma fue realizada en París a pedido de los arquitectos involucrados. Se crearon dos piezas iguales, una se encuentra en el MAT y la otra en el Museo del Louvre. La araña (chandellier) es de bronce con caireles de cristal de roca y su peso es de 1.500 Kg. Su diseño original contaba con un sistema de roldanas que permitía bajarla para su mantenimiento.

 “El diseño original de la araña contaba con 12 véneras de vidrio traslucido y tallado circundando su perímetro, pero solo una de ellas resistió el traspaso del tiempo. A partir de esa pieza original y gracias al trabajo del destacado artista tigrense Miguel Battaglia,  se puedo reproducir en resina el resto de las piezas, que hoy se encuentran devolviéndole su esplendor al chandellier”, explicó María José Herrera, Directora General  del MAT. “El aporte de American Express  hizo posible que el Salón Oval recobrara su funcionalidad original: ser testigo nuevamente de grandes encuentros musicales y ahora también conferencias y cursos de extensión cultural”, concluyó.

El Salón se destaca por su cúpula de forma ovalada que está coronada por la majestuosa araña  y por una pintura sobre seda natural del español Julio Vila y Pradés que retrata a un grupo de ninfas, seres mitológicos que simbolizan la música e interpretan melodías con sus diferentes instrumentos. Además se renovaron los dorados a la hoja de su ornamentación y se instalaron cortinados de pana que absorben las vibraciones de la música y favorecen la natural acústica del lugar.

“Es un orgullo para nosotros haber podido contribuir a la puesta en valor del Salón Oval  de un museo tan emblemático de la provincia de Buenos Aires. Y es además una nueva oportunidad para reconfirmar nuestro apoyo al patrimonio histórico de los argentinos”, sostuvo a su vez Henry Seeber, presidente y Gerente General de American Express Argentina.

American Express  apoya a diferentes museos del país en la preservación y puesta en valor de sus edificios que forman parte de la historia argentina. Su programa de Responsabilidad Social Empresaria tiene como pilar fundamental la preservación del patrimonio cultural e histórico.

19 de julio de 2017

Frío, fotocreaciones de un oficio en peligro de extinción, se exhibe en la libreria de arte Urquiza


Con fotografías de María Eugenia Cerutti y Pepe Mateos, se inauguró la exposición de fotografías “Frío” en la librería de arte Urquiza del pasaje Giuffra de San Telmo, en Buenos Aires.

Pepe Mateos. "Haedo"
 
María Eugenia Cerutti -ganadora del premio de la FNPI Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano en 2008- y Pepe Mateos -ganador del premio "Rodolfo Walsh" a la Labor Periodística de la Universidad de La Plata por la cobertura de los hechos del 26 de Junio del 2002 en la estación de Avellaneda, (asesinatos de Maximiliano Kosteki y Darío Santillán)- presentan una selección de fotografías, que entran en diálogo con la muestra anual de fotoperiodismo argentino que realiza la Asociación de Reporteros Gráficos de la Argentina (ARGRA) en su edición XXVIII, en el Palais de Glace. 

La exhibición está enfocada en fotoperiodismo, un género que, según sus intérpretes, está en riesgo de extinción, en un contexto en el cual los medios están reduciendo sus tiradas y sus plantas, precarizando el oficio del reportero gráfico.
 
María Eugenia Cerutti. "Kirchner descuelgan el cuadro de Videla"
 
“Frío” se transforma así en una oportunidad para visitar las miradas que deberían haber sido noticia porque hablan de nosotros como país. Una puesta en diálogo de parpadeos que exhiben dos perfiles diferentes que conviven en todo fotoperiodista: la de un trabajador más, pero también la de un profesional movido por una avidez, una simbiosis con la realidad por la que se siente atravesado.

El ámbito de lo público y lo desconocido como un frío “detrás de escena” que merece un primer plano, conforman el guión que es la muestra. Se presentan fotografías antológicas que rasgan el velo para mostrarnos otra cosa. Señalan emociones masivas de casi dos décadas que quedaron impregnadas en la retina social pero que, quizás, permanecieron olvidadas del lente noticiable y se descartaron en la selección del editor periodístico de turno.

La muestra permanecerá expuesta durante julio y agosto de 2017 y se puede visitar de martes a sábados, de 14 a 20 hs. en librería Urquiza, Pje. Giuffra 370, San Telmo, Buenos Aires. La entrada es libre y gratuita.

18 de julio de 2017

El artista argentino Alejandro Avakian expone en el hotel Ultra en Buenos Aires y presenta el segundo libro de su obra


La exposición “UltraAvakian” invita al espectador a jugar, a moverse. Todo lo que no existe y puede ser esta ahí latente.
Energía inconsciente que surge de manera impredecible. Y en medio de ese caos creativo, la imagen nace.


En el lobby del hotel Ultra, en un espacio elegante y trendy la obra sale de la estructura galería para mostrarse en un hotel boutique.
Tutea junto al Ultra Hotel Boutique, propiedad del cool hunter Nick Douglas, proponen un nuevo encuentro Arte - Hotel.
Curada por Fernanda Akian, la muestra se exhibirá hasta el 31 de agosto, en Gorriti 4929, barrio de Palermo, Buenos Aires, Argentina. 

Alejandro Avakian es argentino, trabaja entre Barracas y Brooklyn, Nueva York.
Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y allí conoció a Osvaldo Attila, su maestro. Al poco tiempo empezó a pintar en un taller del barrio porteño de San Telmo.
La vida académica quedó al margen. Así pudo profundizar el camino de una expresión personal, donde la forma y el contenido fueran de la mano y la libertad se transformara en la base de su obra. En esa época surgen los primeros planos blancos y las figuras de sus cuadros se desmaterializan. Su lenguaje se vuelve expresionista y a veces desmesurado.
Los viajes marcan su carrera siendo reconocido mundialmente.

17 de julio de 2017

Vacaciones de Invierno 2017 en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires


El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires propone para estas vacaciones de invierno 2017 un programa que transformará el edificio de Avenida San Juan 350 en un gran espacio creativo con actividades gratuitas donde chicos y grandes podrán experimentar, observar y construir en torno a las exposiciones y proyectos del museo.

Las diversas propuestas, que se desarrollarán entre el martes 18 y el domingo 30 de julio, buscan despertar los sentidos de niños y adultos a través de actividades lúdicas y educativas pensadas para compartir en familia.

Se han planificado diversos talleres con artistas invitados: experimentación literaria por Marcelo Galindo y Nicolás Crespo; ¡Fotoyo! por Flavia Da Rin y Julián Sorter; dibujo que trasciende el lápiz y el papel, por Marcelo Galindo y Nicolás Crespo; Alimañas, donce podrán dibujar insectos, por Pablo La Padula y Gabriela Gugliotella; taller de cine A.T.P. por Agustina Meola; experiencias sonoras participativas y visitas guiadas para familias.

Todas las actividades son gratuitas y requieren inscripción previa. Cupo limitado hasta completar la capacidad. Consultas e inscripciones: cursos@museomoderno.org / Tel.: 4361 6919 int. 2108.
El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires se puede visitar en Avenida San Juan 350, de martes a viernes de 11 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 11 a 20 hs. Entrada general: $30.- Martes: gratis. 

16 de julio de 2017

"Variaciones y autonomía. Grabados contemporáneos de Japón", en el Bellas Artes


El Museo Nacional de Bellas Artes, junto con el Centro Cultural de la Embajada del Japón en la Argentina, la Fundación Japón y Evaristo Cultural, inaugura la muestra "Variaciones y autonomía. Grabados contemporáneos de Japón".
Yasukazu Tabuchi, Pradera de primavera, 1983, serigrafía
La exposición presenta 42 obras de los artistas Yayoi Kusama, Tomoharu Murakami, Masanari Murai, Toshinobu Onosato, Yasukazu Tabuchi, Natsuyuki Nakanishi, Hitoshi Nakazato, Naoyoshi Hikosaka, Kosai Hori y Toeko Tatsuno, seleccionadas por Kyoji Takizawa, curador del Museo de Artes Gráficas de la Ciudad de Machida.
En la década de 1970, jóvenes artistas japoneses expandieron su expresividad y ampliaron los límites del arte contemporáneo gracias a la técnica del grabado, que utilizaron en una amplia gama de estilos y soportes, lo que se tradujo en un fuerte impulso a esta disciplina.
La exhibición presenta obras de diez artistas que han sustentado este proceso, para echar luz sobre el desarrollo de un nuevo campo de grabados contemporáneos japoneses realizados por pintores –un campo notable como variación de la pintura y como forma artística autónoma– y, a su vez, repensar la historia de esta técnica en Japón.
Masanari Murai, El sol y el pájaro, 1973
"Sobre fines del siglo XVIII el enigmático Sengai, un monje zen que utilizó el grabado como medio de difusión doctrinaria, expuso en su obra El Universo, compuesto por un triángulo, un círculo y un cuadrado, la idea de que la matemática es el lenguaje secreto de la creación. 
Proponía así un gran desafío para el arte democrático y popular de la estampa japonesa, hasta entonces ceñido al costumbrismo y el paisajismo. Desarrollada en contrapunto crítico con la caligrafía y el dibujo, atributo de la cultura letrada aristocrática, de características tendientes a la abstracción, la estampa japonesa alcanzaría renombre e influencia mundial por medio de figuras como Hiroshige, Utamaro y el ya icónico Hokusai. 
Dos siglos más tarde, los grabadores contemporáneos del que fuera el Imperio del Sol Naciente, hoy transformado en un pujante país del ya no tan lejano ni exótico Oriente, recogen en forma explícita aquella aporía de Sengai como una invitación a construir un arte nuevo. Un arte que retoma las tensiones de una nación que vive la dialéctica entre modernidad y tradición como uno de sus componentes cruciales, de cuyo diálogo surgen los rasgos que identifican la imagen potente con que, releída, las imágenes del pasado interpelan al presente." Palabras de Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes.
Toeko Tatsuno, “3 de julio del 89”, 1989, serigrafía
"Variaciones y autonomía. Grabados contemporáneos de Japón" podrá recorrerse en el segundo piso del museo del 18 de julio al 20 de agosto de 2017, de martes a viernes de 11 a 20 hs., y sábados y domingos de 10 a 20 hs., con entrada libre y gratuita en Av. del Libertador 1473, Buenos Aires.

15 de julio de 2017

Espacio Pla presenta "La voz de la máquina" de Leonardo Solaas


Espacio Pla presenta "La voz de la máquina", una muestra de Leonardo Solaas con la curaduría de Mariana Rodríguez Iglesias, en planta baja de Espacio Pla. Se trata de una exposición sobre la escucha. La escucha humana de la voz algorítmica. Permanecerá hasta el 2 de setiembre.
 
"La voz en la máquina" 1 de Leonardo Solaas

Prestar oídos a un otro representado por la máquina en búsqueda de una armonía novedosa que supere los consabidos clichés distópicos de la tecnología desatada, fuera de control, que somete(rá) a los humanos. En reemplazo de este topos paranoide “La voz de la máquina” exhibe un modo de hacer “entre-dos”, que no reduce al Otro a la economía de lo Mismo, sino que deja aparecer en la escena de las obras las características que son propias de cada hacer: la planaridad inmaterial de los sistemas autónomos y el gesto expresivo del artista humano. No es tanto la exposición de un colectivo como obras producidas desde la necesidad de dar lugar a una intersubjetividad hombre-máquina y, en paralelo, hacernos pensar los modos en que nos relacionamos con los objetos en tanto formas y herramientas.
 
Intervención #1 de Kevin Kripper
 
En tanto que en planta alta "Historia de un Malentendido" del artista Eduardo Pla, con curaduría de Merlina Rañi, dialoga con la intervención #1 del artista Kevin Kripper inaugurada el pasado 1 de julio. Kripper participa de esta intervención con Vsynth, un sintetizador modular virtual, compuesto por un conjunto de generadores y procesadores digitales de video, que en esta ocasión se presenta en el formato de dispositivo interactivo. Su funcionamiento aplica sobre las posibilidades plásticas de la imagen en movimiento. Es el primero de siete artistas, junto con Diego Alberti, Azul De Monte, Sebastián Tedesco, Lolo Armdz, Patricio González Vivo y Manolo Gamboa Naón, invitados a lo largo del año, y que sucederán mes a mes a intervenir parte de la selección de la muestra permanente de Pla.

"La voz en la máquina" 3 de Leonardo Solaas
 
Leonardo Solaas (La Plata, 1971) estudió Filosofía en la Universidad de Buenos Aires, y es un programador, diseñador y artista autodidacta.
Su obra se ha mostrado en lugares como el International Media Art Award y la Transmediale en Alemania, la Bienal del Mercosur y el festival FILE en Brasil, el Impakt Festival en Holanda, la muestra Interface & Society en Noruega, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo en México, el Medialab Prado de España y diversos ámbitos de nuestro país, como el festival FASE 8, la muestra plusCode y la feria ARTEBA.
Recibió el premio IBM Media Art Award, el premio MAMBA-Fundación Telefónica, una comisión de New Radio and Performing Arts de Nueva York, y una residencia ARCO Madrid del Fondo Nacional de las Artes, entre otras distinciones.
También desarrolla una reflexión sobre las condiciones de la producción artística en nuestros tiempos por medio de la docencia y la escritura.

El Espacio Pla puede visitarse de miércoles a sábados de 16 a 20 hs. o con cita previa, en Malabia 1841, loft 2, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

“Cielos” para niños en el CCK. Un espectáculo multidimensional sobre el cosmos pensado para los chicos


El Centro Cultural Rector Ricardo Rojas-UBA y el CCK proponen a los chicos un encuentro con el Cosmos. Múltiples propuestas, de la mano de expertos en la materia, para que los niños se apropien del espacio exterior. Observación del cielo con telescopios y cámaras; actividades participativas con realidad aumentada; propuestas de desarrollo artístico a través de la creación de música con tablets o la elaboración del Sistema Solar o una muestra fotográfica permitirán que chicos y grandes aprendan y disfruten de la experiencia de observar el cielo y se conviertan en viajeros del universo.
Los chicos deberán estar acompañados de un adulto. Actividad para niños a partir de 6 años.
La actividad es gratuita y se realizará el miércoles 19 de julio a las 18.30 hs. en la Cúpula del CCK, Sarmiento 151. Próximas fechas de “Cielos”: 05/09 y 03/10.
Más info: www.rojas.uba.ar.

14 de julio de 2017

Vacaciones de invierno en los Museos Nacionales


El Ministerio de Cultura de la Nación propone una variada agenda para estas vacaciones de invierno en sus Museos Nacionales. Con más de 400 actividades, estas instituciones abren sus puertas para conocer, recorrer y explorar los márgenes de sus colecciones.

Entre el 9 y el 30 de julio podrán disfrutar de talleres, espectáculos y ciclos de cine. Títeres, máscaras, fanzines, grabado, origami, cerámica, videoclip, alfarería, fotografía, juegos de luces y sombras, danza y música son sólo algunas de las propuestas de talleres que los museos ofrecen a los más chicos y las familias.

Con un amplio repertorio, habrá espectáculos que permitirán transitar por diferentes estilos como el folklore, el rock, las murgas y la percusión. Babel Orkesta, Cafundó, Anda Calabaza, Las Mareadas, Fanfarria, Mariana Biaggio, Pollerapantalón, Urraka, Rayos y Centellas Rock y Los Raviolis, entre tantos otros, les pondrán música, humor y ritmo a estas vacaciones.

El objetivo de esta programación es que los museos den voz a las microhistorias, las posiciones encontradas, las preguntas y las contradicciones. Creemos que el conocimiento no debe ser presentado ante los visitantes, listo para ser consumido sino que por el contrario, fomente el intercambio y el pensamiento crítico. Todas las actividades tiene el foco puesto en aspectos de las colecciones o de los relatos del museo que no son usualmente trabajados, y que permitan situar a los visitantes en el rol de creadores de sus propias historias.

La Casa de Victoria Ocampo (Rufino de Elizalde 2831) también tendrá una programación para los más chicos. El Fondo Nacional de las Artes organiza el ciclo “Vení a crear con los más grandes”, donde los visitantes podrán pintar y dibujar con los artistas ganadores o inspirarse en las obras más importantes del patrimonio del Fondo. Más información en: http://fnartes.gob.ar/actividades-en-casa-victoria-ocampo.

Por su parte, el Instituto Sanmartiniano, en el marco del bicentenario del cruce de los Andes, ofrecerá visitas guiadas que permitirán recorrer parte del edificio sede, conocer objetos relacionados con la vida y gesta del Libertador; y sus alrededores, en los que se hallan monumentos y bustos. También se proyectarán una película y un documental por día. El Instituto abrirá sus puertas los días 15, 16, 22, 23, 29 y 30 de julio y 5, 6, 12, 13, 19 y 20 de agosto, de 12 a 20 hs. Las visitas guiadas serán a las 14 y a las 17 hs., mientras que las proyecciones, a las 15 y a las 18 hs. 

Comienzan las vacaciones de invierno en el Museo Nacional de Bellas Artes


El sábado 15 de julio comienzan las actividades especiales diarias, de entrada libre y gratuita, programadas por el Museo Nacional de Bellas Artes para que los chicos disfruten de estas vacaciones de invierno.

Hasta el 30 de julio (excepto los lunes 17 y 24), habrá un taller para crear a la manera de Luis Felipe Noé, a propósito de su muestra "Mirada prospectiva", otro para armar y experimentar con formas y colores; recorridos guiados por las salas del museo para aprender a observar y valorar el arte; y dos propuestas participativas en Lengua de Señas Argentina (LSA) para familias de la comunidad sorda.

Además, como parte del Ciclo de Cine Bellas Artes -organizado por el Bellas Artes y la Asociación Amigos del Museo- los sábados del mes a las 16 hs. se proyecta "Mi vecino Totoro", de Hayao Miyazaki, con entrada gratuita, en el auditorio de la Asociación (Av. Pdte. Figueroa Alcorta 2280).

El Museo está ubicado en Av. del Libertador 1473, Ciudad de Buenos Aires, y puede visitarse de martes a viernes, de 11 a 20, y los sábados y domingos, de 10 a 20. La entrada general y la participación en todas las actividades son gratuitas.

Agenda completa del mes: www.bellasartes.gob.ar/agenda.

El Centro Cultural Borges presenta la muestra "Ensayo sobre sueños" de Nacho Codrón


El Centro Cultural Borges, inauguró la muestra "Ensayo sobre sueños" del fotógrafo y arquitecto Nacho Codrón, que incluye imágenes de gran formato y una instalación, con la curaduría de Gustavo Lowry.  
Se trata de ocho secuencias, cada una de ellas basada en sendos sueños auténticos del artista que, por décadas, los anotó y recopiló hasta sobrepasar el centenar de ellos. “Los anotaba en papelitos o en correos electrónicos que me autoenviaba por la noche”, cuenta Codrón. “En todos ellos se me aparecían muy señaladas la locación, la luz, la ubicación de cámara y otras particularidades técnicas que de alguna manera prefiguraban su traslado a un formato artístico”.
 
Julio Sánchez, autor de textos de sala y de catálogo, afirma: "Las series fotográficas que nos presenta hoy Codrón son el producto de un entramado que se inicia en la perplejidad de lo cotidiano, algo de esto se hunde en la noche y se transforma en una instancia embriagadora y superadora, más tarde sale a la superficie del día, el soñante lo separa de otros recuerdos y se dispone a una nueva transmutación, la más homérica, la más grandiosa, convertir el sueño en arte".
Las 64 fotografías colgadas van de los 150 x 230 cm a dimensiones menores, en color, y serán recogidas en un catálogo libro.
Codrón, que desde 2005 expone en salas de Buenos Aires como los centros culturales Borges y Recoleta, ha transitado distintos lenguajes fotográficos, desde propuestas abstractas a documentales, entre lo autoreferencial, los apuntes poéticos o la crítica social.

13 de julio de 2017

Dos espectáculos de magia en el Centro Cultural Borges para toda la familia


Lo imposible se hace realidad. M.A.T.E. Magos Argentinos Trabajando en Equipo presentan una experiencia mágica en Centro Cultural Borges. Un museo de la magia abierto a todo el público.
Dos shows internacionales distintos para toda la familia. 
La fusión de estos seis artistas del asombro, quienes buscando que los públicos vuelvan a sorprenderse decidieron, cada uno desde su disciplina, unirse formando hoy un equipo único, creando el primer show de magia bien argentino. 

Tres campeones mundiales y tres campeones latinoamericanos, aplaudidos en más de 30 países, brindarán una experiencia mágica única.
Componen M.A.T.E: Henry Evans, Carlos Barragan, Semba, Daniel Mormina, Bodie Blake y Fernando Arsenian.
Funciones del 15 al 30 de julio a las 17 horas en la sala Astor Piazzolla del Centro Cultural Borges.
 
Además, durante vacaciones de invierno se presenta “Aventuras en el Laboratoons”, donde Sebastián Semba,  el ilusionista infantil más importante de Argentina, presenta un espectáculo en 4 dimensiones único en Latinoamérica. Magia, ilusionismo y humor junto a efectos especiales que traspasan el escenario, la combinación ideal en un espectáculo para toda la familia!
Funciones del 15 al 30 de julio a las 15 horas.
 
Entradas en venta para ambos espectáculos en el Centro Cultural Borges, Viamonte 525, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Platea general numerada: $300.-, pullman sin numerar: $250.-. 

El Museo de Arte Tigre inaugura tres muestras de arte argentino


El sábado 15 de julio a las 14.30 hs el Museo de Arte Tigre inaugura tres muestras de arte argentino de gran relevancia: “Colección Scheimberg: arte para el pueblo”, con 115 obras de la colección que Simón Scheimberg donara al Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) a comienzos de los años setenta,  “Antonio Berni en la colección Neuman” y “Los fragmentos del conflicto”, dibujos de Ernesto Deira (1960-1974).

Las obras de la colección Scheimberg del MNBA, muestran la incidencia de los grupos inmigratorios que ingresaron a la Argentina durante la primera mitad del siglo veinte escapando de la guerra y el fascismo que se propagaba por Europa. También la de los argentinos en París en los años 20, la Escuela de la Boca y un conjunto de grabados y dibujos internacionales. “Colección Scheimberg: arte para el pueblo” invita a dilucidar las pautas que marcaron las elecciones del coleccionista, atravesadas tanto por afinidades estéticas como por convicciones ideológicas. La exposición permite evidenciar un modelo no tradicional de coleccionismo que entronca con momentos claves del arte y la política en el siglo XX.
Artistas en la exposición: Luis Seoane, José Laxeiro, José Palmeiro, Manuel Colmeiro; artistas de la Escuela de París,Bigatti, Forner, Spilimbergo, Pettoruti, Gómez Cornet, Guttero y Basaldua, Lacámera, Victorica, Del Prete, Daneri, Diomede.Junto a ellos Martín Malharro y Eduardo Sívori, Domingo Viau, Juan Carlos Castagnino, Enrique Policastro, Ramón Silva,.  Georges Braque, Henri Matisse, Pablo Picasso, Auguste Rodin, Kathe Kollwitz, Georges Rouault, Theophile Steinlen, Louis Forain, Cándido Portinari, Henri de Toulouse Lautrec, entre otros.

La exposición “Antonio Berni en la Colección Neuman” reúne diversas obras de Antonio Berni (Rosario, 1905- Buenos Aires, 1981) en la colección del prestigioso médico y psiquiatra argentino Mauricio Neuman.  Entre ellas  pinturas y grabados (gofrados, xilografías y xilocollages)  que se relacionan con  los  dos personajes más populares que Berni creara a principio de los sesenta: el niño Juanito Laguna, y la joven  Ramona Montiel. Ambos comparten la pobreza y las desventuras propias de esa condición social. Realidad y ficción se mezclan en las historias que los tienen por protagonistas.

“Ernesto Deira: los fragmentos del conflicto” exhibe  dibujos  entre 1961  y 1975. Años de gran riqueza artística, de experimentación, tanto como de confrontaciones políticas y sociales que marcan la memoria contemporánea. Algunas de las obras fueron presentadas en el Museo Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires, en su retrospectiva del 2006. Luego en 2008, en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile, acompañando a las ocho telas de la serie Identificaciones (1971). Desde el dibujo abstracto, pasando por el neofigurativo y el frío realismo de los años 70, el conjunto muestra la maestría expresiva de Ernesto Deira, emblemático artista del grupo Otra Figuración (1961-1965).

En el marco de la inauguración, la Orquesta Típica Orillera de la Academia Tango Club  ofrecerá un espectáculo musical en el Salón Oval del primer piso, a las 15 horas. Entrada gratuita sujeta a cupo de la sala.

Espacio Cetol presenta "Improbables pero no imposibles" de Miguel Jurado


Cetol, marca líder del grupo AkzoNobel en el cuidado y protección de la madera, presenta la tercera muestra del ciclo Hacedores. 
"Improbables pero no imposibles", es el nombre que elige para esta muestra Miguel Jurado, arquitecto, artista y protagonista de esta edición. 

Se trata de una colección de híbridos del equipamiento hogareño alentados por un flujo imparable de memoria emotiva.
Objetos arquetípicos de la niñez puestos en la casa. Cada uno es producto de una cruza entre el clásico equipamiento familiar, funcional y simbólico y ese mobiliario lúdico que constituye el objeto del deseo de los chicos.  

Sillas con escaleras, mesas con toboganes, camas con carretillas, pupitres con hamacas o la ya clásica "chaise long" lecorbusierana con un par de subibajas, son algunas de las mezclas que ponen en crisis la funcionalidad como punto de partida de la forma. Y contraponen los valores simbólicos de los muebles al juego de lo formal-informal.
En esta muestra curada por Federico Platener, Jurado explora algunos diseños de muebles improbables de su propia autoría, en los que se replantea la función de los mismos y los fusiona con otros objetos, generando resultados inesperados y en algunos casos irónicos, pero siempre teniendo lo lúdico como eje.  


“La innovación está en el corazón de todo lo que hacemos, desde los productos que desarrollamos hasta las iniciativas que acompañamos. En el 2017 nos proponemos poner en escena a quienes demuestran que siempre hay nuevas posibilidades, exhibir su talento y proteger su trabajo. Hacedores de mundos que trabajan guiados por los consejos de su intuición, destacó Cecilia Ferrario, gerente departamental de marketing de marcas especiales de AkzoNobel Argentina”.
"Improbables pero no imposibles",  se enmarca dentro del ciclo "Hacedores", un conjunto de exhibiciones que tienen lugar en espacio Cetol durante el 2017, donde se propone mostrar el arte en acción. Descubrir a los creadores, sus herramientas, su espacio de inspiración. Estas exposiciones no hablan de procesos creativos, sino de procesos productivos y del talento del artista al momento de modificar el material para convertirlo en obra, así como de su compulsiva necesidad de hacer.
La obra se puede visitar de manera gratuita desde el 6 de julio hasta el 30 de agosto en espacio Cetol -Avenida del Libertador 6188-, de lunes a viernes de 9 a 18.30 horas. Para informarse sobre la agenda de actividades de la marca puede visitarse su web: www.cetol.com.ar. 

12 de julio de 2017

Se inaugura “Los Angeles de Charly” en el Palais de Glace


El Ministerio de Cultura de la Nación, en el marco del programa 50 años del rock nacional, presenta en el Palais de Glace “Los Angeles de Charly”, una muestra de fotografías del músico tomadas por Andy Cherniavsky, Nora Lezano e Hilda Lizarazu.
Se trata de una muestra fotográfica de Cherniavsky, Lezano y Lizarazu sobre el músico ícono del rock nacional, integrada por una colección de 200 imágenes, en su mayoría inéditas, de uno de los músicos más influyentes de la argentina. 

La curaduría ha sido realizada por Elio Kapszuk, bajo una idea y producción de Marcelo Panozzo, Marcelo Fernández Bittar y Juanjo Carmona.
“La idea de la exposición es indagar en los testimonios y las representaciones simbólicas que han construido durante su tiempo con él. Es decir, ver el Charly que ellas vieron, o más bien, el que quisieron ver. En definitiva, se trata de entrar a la composición, al recorte, a la fragmentación de su sensibilidad”, explica Kapszuk en su texto curatorial.
La muestra puede verse hasta el 12 de agosto en el Palais de Glace -Posadas 1725 / Av. del Libertador 1248-, de martes a viernes de 12 a 20 horas, y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 horas, con entrada libre y gratuita.

Drap Art en el Centro Cultural Recoleta. Primer festival internacional de reciclaje artístico de Buenos Aires


Drap Art es el festival que nació en Barcelona en 1995 y se celebra todos los años con el fin de promover, a través del reciclaje creativo, la conciencia y el respeto por el medio ambiente. Realizado en Francia, Grecia, Israel, EE. UU., Italia, Alemania, Japón, en 2016 llegó a América del Sur y este año se presenta por primera vez en Argentina y cuenta con el apoyo del Ministerio de Ambiente y Espacio Público a través de su Agencia de Protección Ambiental.

Se trata de un festival que utiliza el arte a partir de desechos para colaborar con la transformación de la sociedad e invita a tomar conciencia de las 3R: reducir, reutilizar y reciclar. Convoca a artistas tanto nacionales como extranjeros, de gran trayectoria y también emergentes.

El Festival incluye una exposición colectiva con más de 20 artistas nacionales e internacionales curada por la gestora cultural alemana Tanja Grass, fundadora de Drap Art, además de shows de circo a cargo de la organización Circo Reciclado. Asimismo, el muralista urbano Alfredo Segatori, el artista plástico que trabaja con desechos, Edgardo Rodríguez y Diego Bianchi, referente central del arte contemporáneo local,  también se sumarán al Drap Art.

En la puerta del Centro Cultural Recoleta -donde se realiza el festival- todos los días habrá un simulador de cine 4D proporcionado por el Ministerio de Ambiente y Espacio Público, proyectará un corto acerca del Centro de Reciclaje de la Ciudad, primero y único de Argentina. 

El martes 18 de julio a las 15 hs. se realizará el espectáculo de circo en el paseo de los tilos, mientras que en el microcine se proyectará “Before the flood “. A partir de las 16 hs. y hasta las 20 hs. habrá talleres de reutilización de materiales reciclables para niños en la sala de dibujo, a cargo de las promotoras ambientales del MAyEP. El miércoles 19 de julio habrá nuevamente espectáculo de circo a las 15 y a las 17.30 hs. en el paseo de los tilos.

Drap Art Buenos Aires es un proyecto de la ONG Ecomanía que fue declarado de interés cultural por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y cuenta con el apoyo de Mecenazgo Cultural y del Ministerio de Ambiente y Espacio Público de la Ciudad a través de su Agencia de Protección Ambiental.

Dirigido a visitantes de todas las edades, es la opción ideal para grandes y chicos en las vacaciones de invierno. Durante el fin de semana se desarrollaráuna agenda de actividades participativas y se espera la presencia de más de 2000 personas por día.

Más información en: www.drapart.org.

Patricia Saiz Miramon de Saporiti expone en el Museo de Arte Popular José Hernández


Inauguró en el Museo de Arte Popular José Hernández la exposición de pinturas de Patricia Saiz Miramon de Saporiti, artista plástica y arquitecta paisajista, curada por Marcelo Rivarola.

Julio Sapollnik en el libro El Arte Argentino Hacia el Mundo, de Ediciones Institucionales nos dice que: “Después de trabajar la imagen desde una relativa lejanía que le permitía plasmar paisajes desde cierta distancia, actualmente Patricia parece querer sumergirse dentro del motivo y vivenciar la turbulencia de su estructura. Ya no hay un camino ordenador para entender el cosmos entre nuestra mirada y las cosas, sino la conmoción ante el intento de presentar el caos de su organización interior.”
 
“En su obra alcanza el equilibrio entre la impronta rápida de su elaboración y la meditación previa sobre la meta a la que se quiere llegar. Sin embargo, la obra posee el ímpetu propio de quien, de manera extravertida, libera con espontaneidad líneas y colores para un azaroso destino plástico. Como si un torbellino de imágenes brotara al mismo tiempo disputándose la atención de la mirada en cualquier punto del cuadro, así los diferentes trazos, matices y texturas dan cuenta de esta personal manera de expresión. Patricia Saiz Miramón extrae de su interioridad un remolino de pasiones para testimoniar sobre la tela el entusiasmo por la vida.”


Por su parte, la propia artista describe su obra como “Un puente dorado en la imaginación de cada uno de nosotros, por el cual llegamos a ese lugar encantado que nuestro pensamiento, por sí solo, no hubiera logrado“. 
Patricia Saiz Miramon de Saporiti es una gran colaboradora de las actividades del museo y es además, desde hace siete años, presidenta de la Asociación de Amigos.
La muestra permanecerá abierta hasta el domingo 30 de julio de 2017, de martes a viernes de 13:00 a 19:00 h y sábados, domingos y feriados de 10:00 a 20:00 h. Entrada $10. Miércoles gratis.

11 de julio de 2017

Gruppo Modena presenta la exposición de pinturas del artista Gonalo Veloso en el Salón Ferrari del Patio Bullrich


Gruppo Modena presenta la exposición de pinturas del artista Gonalo Veloso, en el Salón Ferrari, ubicado en el 2º nivel del Patio Bullrich, Posadas 1245, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Las obras pertenecen a la serie Blanco & Negro y se pueden visitar de 20 a 21 horas, hasta el 24 de julio de 2017.
 

“La serie Blanco & Negro representa la búsqueda de otro punto de vista y para ello propone salir de uno mismo para tal fin.
Blanco & Negro, en principio antagónicos, son el resultado fundamentalista de la sociedad presente donde se inhibe cualquier tipo de comprensión más allá de la propia.
La idea conceptual es presentar las difernecias como complementarias desde el respeto, dando lugar a una paleta de matices donde finalmente nace el color!!!
La mezcla, la unión, representa la vida y cada uno la verá del color con que la mire.” Gonzalo Veloso.
 


El arquitecto Gonzalo Veloso es argentino y nació en 1960.
Realizó estudios secundarios en el Belgrano Day School (1977), universitarios en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Belgrano, título Intermedio de asistente en diseño arquitectónico en 1982 y arquitecto en 1983. En la misma universidad realizó dos posgrados:  taller con Eduardo Cervera y de capacitación docente con Alfonso Corona Martínez. Además realizó un seminario sobre medios de comunicación, dirección de cine y un postgrado sobre medios de comunicación en la USAL.


 
Desde 1982 expone en diversos ámbitos de la ciudad de Buenos Aires, San Isidro, Mar del Plata y San Fernando.
En el exterior expuso en Río de Janeiro, “La historia de la motocicleta”, en 2002; en Irlanda, Art Dublín, en 2007 y en Uruguay: galería de Los Caracoles, José Ignacio, y casa BMW, Punta del Este, ambas en 2009.

El MALBA presenta "En el principio" de Diane Arbus y "Estados nativos" de Ximena Garrido-Lecca


El jueves 13 de julio MALBA inaugura dos exposiciones: "En el principio", primera exhibición en nuestro país de Diane Arbus (Nueva York, 1923-1971), una de las fotógrafas más influyentes del siglo XX; y "Estados nativos", la primera exposición individual de la artista peruana Ximena Garrido-Lecca (Lima, 1980) en Buenos Aires. 
 

Diane Arbus. Taxista al volante con dos pasajeros, Ciudad de Nueva York. 1956. Impresión en gelatina de plata. The Metropolitan Museum of Art 

Bajo el título “En el principio”, la exposición, curada por Jeff L. Rosenheim  -curador en jefe de fotografía  de The Metropolitan Museum of Art Nueva York (The Met)-,  hace foco en los primeros siete años en los que Arbus trabajó en las calles de Nueva York con su cámara de 35mm. “A lo largo de estos años se da una evolución: el paso de imágenes de individuos que surgen de encuentros fortuitos a retratos en los cuales los sujetos elegidos se convierten en participantes activos”, explica Rosenheim. “Este anhelo de conocimiento, esta curiosidad por la naturaleza oculta de la persona o el objeto que está fotografiando, unida a su creencia en el poder de la cámara para hacerla visible, es, sobre todo, lo que la distingue”, agrega.

La exhibición reúne más de cien fotos producidas por Arbus entre 1956 y 1962, período en el que la artista desarrolló los temas centrales de su carrera y su singular mirada, que busca registrar, según sus propias palabras, “lo divino en las cosas ordinarias”. Se trata de la primera colaboración del museo neoyorquino con una institución argentina.

Diane Arbus. Mujer en un colectivo, Ciudad de Nueva York. 1957. Impresión en gelatina de plata. The Metropolitan Museum of Art
La mayor parte de las fotos en la exposición pertenecen al Archivo Diane Arbus de The Metropolitan Museum -adquirido en 2007 a los herederos de la artista- y permanecieron inéditas hasta la exhibición realizada en Nueva York en 2016, luego de varios años años de estudio del archivo. 
La muestra en MALBA presenta la misma museografía que se realizó en The Met: un recorrido cronológico por una suerte de bosque de iluminación muy tenue, que invita a adentrarse en la intimidad de la obra de Arbus. Culmina con el portfolio Una caja de diez fotografías -provenientes de la colección del SFMoMA- que Arbus produjo entre 1970 y 1971 e incluye sus legendarios retratos de formato cuadrado, como Gemelas idénticas, Nueva Jersey 1967 y Gigante judío en casa con sus padres en el Bronx, Nueva York 1970.

El jueves 13 de julio las 18 horas se realizará una conferencia magistral a cargo de Jeff L. Rosenheim, curador y custodio del archivo de Diane Arbus.
La exhibición permanecerá hasta el 9 de octubre de 2017.

 
Ximena Garrido-Lecca.  Fundición
 
"Estados Nativos" es la primera exposición individual de la artista peruana Ximena Garrido-Lecca (Lima, 1980) en Buenos Aires y ha sido curada por Lucrecia Palacios. 

La exposición es un proyecto específico para la sala 1 del museo que registra el proceso a través del cual el cobre industrializado recobra su forma original como “cobre nativo”, es decir, la forma en la que puede encontrarse el mineral en estado natural antes de su extracción. 
Ximena Garrido-Lecca tiene una amplia experiencia en el manejo del cobre, un material con el que viene trabajando desde 2013 en obras de corte escultórico en las que el metal adquiere la forma de un tejido. Garrido-Lecca da cuenta, así, de la fuerte relación entre la minería, la industria, los procesos de racionalización de la naturaleza y la progresiva desaparición de las tradiciones artesanales que éstos implican.
 

Ximena Garrido-Lecca.  Fundición
 
En el primer espacio de la exposición, se presenta una gran bobina de cable eléctrico del que se extrajeron los filamentos de cobre de su interior. Estos hilos fueron, a su vez, fundidos, obteniendo cobre en estado líquido. A través de la técnica de la cera perdida, el líquido conformá las piezas exhibidas en la última sala. Durante la visita, el espectador verá las huellas de la actividad realizada, así como una serie de herramientas y utensilios de fundición utilizados en el proceso. En una tercera sala, las formas recién procesadas de "cobre nativo" se presentarán en una exhibición museográfica, utilizando gabinetes de vidrio y diferentes soportes utilizados en pantallas geológicas.

En palabras de la curadora: “Si bien Estados nativos insiste en la inquietud de la artista frente a lo que la ideología del progreso tiene de destructiva, al revertir los procesos de extracción e industrialización del cobre la exposición parece preguntarse por las posibilidades de pensar nuevamente la relación que establecemos con la naturaleza y, en última instancia, la posibilidad de desnaturalizar la historia de la modernidad: cómo desmontar la narrativa que postula el destino manifiesto de la naturaleza como recurso y la división geopolítica de las naciones en relación a los recursos que cada una posee”, afirma la curadora.

A través de la “renaturalización” del cobre, Estados nativos es una invitación a preguntarse qué es lo que se pierde en el pasaje del cobre natural al cobre industrializado, qué otras formas y valores posibles (sociales, culturales, económicas) contiene el mineral no explotado. Como otros trabajos de Ximena Garrido-Lecca, Estados nativos es también un muestrario de tradiciones artesanales llamadas a disolverse que todavía se conservan. 
La exposición permanecerá hasta el 23 de octubre de 2017.