28 de febrero de 2015

“Delia Cancela: Cómo traer una imagen al mundo” inaugura en Henrique Faria BA el martes 3 de marzo

Henrique Faria Buenos Aires presenta la exposición “Cómo traer una imagen al mundo” de Delia Cancela, del 3 de marzo al 8 de abril de 2015.
“Delia Cancela: cómo traer una imagen al mundo
Las imágenes no nacen huérfanas, por el contrario, surgen en entramados atravesados por relaciones de sentido. Quizá el siglo XX –ese prolífico ensayo de asociaciones provocadoras capaces de cuestionar jerarquías y ordenamientos impuestos- sea el responsable detrás de nuestra fascinación por volver hacia ellas con la esperanza de develar vínculos inéditos y nuevos lazos de significado. Esa misma mirada será la que guiará el análisis de los trabajos realizados por Delia Cancela entre finales de los años 70 y principios de los 90.
Resulta evidente la complejidad de la empresa cuando nos encontramos ante una artista que participó de ámbitos tan diversos como el Instituto Torcuato Di Tella o la escena de la moda europea en las últimas décadas del siglo XX. Sin embargo, se trata de identificar características que atraviesen su producción, no para solidificar sentidos, sino para reconocer ciertas persistencias en su poética. Así, por ejemplo, en el registro fílmico de la presentación de la colección Impressions de Pablo et Delia en 1979 es posible distinguir aquellos procesos de creación colaborativa que han sido característicos de su trabajo. Esos vestidos que se mostraron por primera vez en el teatro parisino Le Palace respondían a una génesis compleja que contrasta con la organización y el orden que sugiere la grilla con los setenta y seis dibujos que señalan cada pasaje. Hasta el último instante, toda persona detrás de escena participaba en darle al vestido su forma final.
Desde los años 70 y hasta comienzos de los 80, la colaboración entre Delia y Pablo Mesejean había convertido a la creación en una empresa conjunta. En la década siguiente, sin embargo, las dinámicas de trabajo se modificarían completamente no sólo ante la ausencia de Pablo sino frente a nuevas condiciones de producción.
Impressions, 1979. Registro de performance realizado con Pablo Mesejean en Theatre Le Palace París, marcador sobre papel
En los impresos exhibidos –diseños propios de Delia para una firma francesa de ropa- es posible distinguir algunas de estas características. El proceso de fabricación de estas piezas comenzaba cuando en talleres especializados se reproducían sus dibujos –realizados primeramente en témpera o acuarela- para luego multiplicarlos a lo largo del rapport hasta alcanzar las medidas definitivas. En el siguiente paso, la impresión sobre papel servía para revisar errores y ensayar las diversas combinaciones de color antes de su traslado definitivo a la tela. En la monumentalidad de sus dimensiones es posible distinguir todavía las marcas de las correcciones hechas a mano, los sellos de los talleres de Lyon y los cortes que Delia les realizó en años posteriores.
A esas dinámicas sólo tenemos acceso, sin embargo, por su recurrencia a revelar los procesos de producción. Dejarlos en evidencia podía implicar tanto remarcar la importancia de la experiencia en la realización –como en los párrafos finales de la revista Yiyish presentada junto a Pablo en 1968- como descubrir ciertos mecanismos internos de la institución artística o de la moda. Un develar que podía darse, por ejemplo, al hacer desfilar a las modelos con bolsas de residuo – utilizadas para distribuir las prendas a la prensa especializada- o al vestir con ropa Cancela-Mesejean al personal administrativo del Instituto Di Tella.
Existen al menos otros dos aspectos que son posibles de distinguir en las piezas exhibidas. El primero, un repertorio iconográfico finito donde ciertas figuras aparecen y reaparecen, como si sólo un ensayo combinatorio pudiese dar nacimiento a nuevas imágenes. El segundo -de caracteres eminentemente formales- se funda en una particular relación entre la distribución del color y el uso de la línea en sus obras.
Como si se tratase de enmiendas al catálogo de placer y deseo del manifiesto Nosotros Amamos, algunas figuras retornan una y otra vez en la obra de Delia, imágenes a las que tenemos la sensación de regresar aún cuando las estemos viendo por primera vez: flores y plantas, nubes y cielos, corazones y rostros con ojos inmensos o gatos desplegados en la tela parecen la continuación de los cuerpos tostados, las canciones de moda y los finales felices.
Diseño Bon à tirer, 1989, tinta sobre papel
Desde esa combinación de elementos surge la necesidad de resolver el vínculo entre el despliegue del color y la línea. En algunos casos, como en aquellos trabajos que parecen evocar los recortes de Matisse, una economía de la representación deviene en figuras claras con contornos precisos. En otros, esa relación se vuelve más compleja y descubre la fascinación de Delia por los grabados antiguos, aquellos donde las tintas no terminan de corresponderse entre sí en la sucesión de impresiones. Características que podrían rastrearse en sus cajas de luz, sus imágenes inspiradas en Bonnard o, incluso, en aquellos diseños presentados en Experiencias Visuales ́67 donde la línea llegaba allí donde ya no había color.
Procesos de creación compleja, exposición de procedimientos, recurrencia de motivos y relaciones entre la línea y el color son sólo cuatro aspectos característicos no de un universo de producción particular –la moda o el arte- sino hilos que atraviesan el trabajo de Delia Cancela. En este sentido, la muestra excede su rol de exhibición para convertirse en un espacio de condensación donde esas relaciones quedan evidenciadas tanto por el montaje como por la selección de este conjunto de piezas realizadas durante los años 70, 80 y 90.
Es el territorio donde la imagen se construye, allí donde ellas vienen al mundo, el que las obras de Delia nos proponen recorrer. Una invitación que trae a la mente aquellas palabras que ella misma utilizó para su performance Cortar y Pegar en el año 2000: ‘Entre, mire, es por el placer de los ojos’.” Agustín R. Díez Fischer.
Se puede visitar de lunes a viernes: 11:30 a 20 hs  en Libertad 1628, Buenos Aires. Sábados con cita previa al tel.: + 54 11 4813 3251 o al mail: info@henriquefaria-ba.com. 

Presentación del e-book "Asiento Argentino" en la Universidad del Salvador


Asiento Argentino es el resultado de una investigación llevada  a cabo en el marco de la materia Proyecto de Investigación y Gestión II de la Licenciatura en Gestión e Historia de las Artes de la Universidad del Salvador. Tiene la finalidad de darle visibilidad y difusión al diseño de mobiliario nacional, particularmente, al mueble de asiento. Incluye autores no sólo de la Ciudad de Buenos Aires, sino que recorre nuestro territorio de Ushuaia a La Quiaca buscando ejemplos significativos de cada región.
El libro se encuentra estructurado en dos secciones, la primera, presenta ocho sillas y sillones de destacados arquitectos argentinos del siglo XX que han incursionado en el diseño de mobiliario, realizando piezas únicas que sobresalen a nivel internacional. La segunda, pone el foco en una tipología típicamente nuestra: los banquitos materos, un elemento infaltable en cualquier hogar del país, valorado por sus múltiples usos como mesas auxiliares, escaleras para alcanzar algo o como asiento extra cuando llegan invitados inesperados. Esta sección presenta catorce ejemplos que se destacan por su originalidad, variedad y por remitirnos, por sus formas y materiales, a los lugares donde fueron creados.
A través de la realización de entrevistas personales con los autores o sus herederos, sumado a la investigación bibliográfica, desarrollamos las características que hacen de cada asiento un diseño original y digno de conocer, ilustrando cada caso con imágenes del mueble y fotografías de sus creadores.

Los invitamos a que disfruten del ingenio y la creatividad argentina en estas producciones que dan cuenta de la originalidad de las propuestas, tanto por la experiencia estética como por la practicidad de estos mobiliarios, orgullo de los artistas nacionales, de Argentina para el mundo.

27 de febrero de 2015


26 de febrero de 2015

El departamento audiovisual del MACBA anuncia su calendario 2015

Presentación de la programación con la presencia de Malena Souto  (coordinadora depto. audiovisual), Teresa Riccardi (directora de gestión del MACBA), Mariana Rodríguez Iglesias (curadora educación) y Pía Landro (directora depto. educación)
El departamento audiovisual MACBA abre su calendario de exhibiciones 2015, la primera semana de marzo, con "Tesoros de Cinemateca": un ciclo con el apoyo del Institut Français d’Argentine y en colaboración a la Cinemateca Regional del Cono Sur de la Embajada de Francia en Argentina que presentará un panorama de cine contemporáneo francés acompañado de la proyección especial de algunos films de autoría extranjera. 
Tesoros de cinemateca: Nostalgia de la luz
La película de apertura será Nostalgia de la luz del reconocido documentalista chileno Patricio Guzmán. Nostalgia de la luz ha recibido el premio al mejor documental en el European Film Academy Award del 2010, y ha formado parte de la Selección oficial del Festival de Cannes de ese mismo año.
El programa anual contempla cinco importantes exhibiciones con la presentación de películas provenientes de Argentina, China, Francia, Alemania, España, Estados Unidos, entre otros. De esta forma, profundiza su objetivo de fomentar y difundir las nuevas tendencias del cine contemporáneo local e internacional.
Tesoros de cinemateca: Las playas de Agnes

Todos los jueves de cada semana, el ciclo "Tesoros de cinemateca" propone dar a luz el valioso acervo de películas de la Cinemateca Regional del Institut Français d’Argentine. 

Participarán: Las playas de Agnes de Agnes Varda, film que ha recibido el Premio César al mejor documental y el premio al mejor film francés otorgado por el sindicato francés de Críticos de Cine; el reciente trabajo de Michel Gondry L’épine dans le coeur (La espina en el corazón) que ha formado parte de la selección oficial de la competencia internacional de Cannes 2009; Le Havre (El puerto) del famoso director finlandés Aki Kaurismaki quien por su película recibió el Premio de la Federación internacional de Críticos de Cine en Cannes 2010; Être et avoir (Ser y tener) de Nicolas Philibert, figura icónica del cine documental contemporáneo francés quien por su película recibió el premio al Mejor documental en el European Film Awards 2002 a la vez que participó de la selección oficial de Cannes 2010; Grand Central, opera prima de Rebecca Zlotowsky que formó parte de la selección oficial de Cannes 2013.
Cine contemporáneo argentino: Carta a un padre de Edgardo Cozarinsky
En mayo y junio se ofrecerá un ciclo de cine contemporáneo argentino con una especial impronta en cine documental y en el que se presentarán los trabajos recientes de artistas como Andrés Di Tella y Edgardo Cozarinsky, así como una selección de películas de otros cineastas emergentes y de significante trayectoria. Entre otros, se exhibirá Carta a un padre, último trabajo de Edgardo Cozarinsky que recibió una mención especial en el 16 o BAFICI y Hachazos del director argentino Andrés Di Tella.
En el mes de mayo se realizará un Ciclo de Cine Chino con el apoyo de la Embajada china en Buenos Aires, y en acompañamiento a las muestras "Desapareciendo" de Liu Bolin y "La segunda historia" de Zhang Dali. Este ciclo ofrecerá un recorte de películas de ficción y documental que pensándose como un panorama pretende demostrar la actualidad y tendencias del cine chino contemporáneo.
Un espacio entre los dos: I ́m in space de Dana Ragna
A lo largo de julio y agosto, el departamento audiovisual presentará "Un espacio entre los dos": un ciclo de cine contemporáneo internacional con curaduría de los programadores del Festival internacional de Cine de Mar del Plata, Cecilia Barrionuevo y Marcelo Alderete. "Un espacio entre los dos" propone demostrar aquella fascinación que diferentes autores tienen sobre el espacio, los viajes espaciales, el enigma que este nos despierta así como aquella figura del astronauta como personaje principal. Se presentará (a confirmar) I ́m in space, Strory y Cosmonauta Polyakov de la directora alemana Dana Ragna quien presentó sus trabajos en grandes festivales y museos como el Palais de Tokio de Paris y el festival internacional de cine documental de Marsella entre otros; Era rusa y se llamaba Laika del director español Joan Fontcuberta; La constelación Bartleby de Andrés Duque, quien formo parte de la programación del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata; Ivan Istochnikov del director español Lluis Escartín Lara; y Hacked Circuit de la directora estadounidense Deborah Stratman.

Como parte de esta exhibiciones, se convocarán a diferentes artistas, curadores y críticos que participan de diversas maneras en el escenario cinematográfico, complementando las proyecciones con diálogos abiertos al público.

Todas las proyecciones se realizan en el Auditorio del MACBA, Av. San Juan 328, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.

Entrada general: $20
Entrada con descuento para estudiantes, jubilados y docentes: $10
Más información en el blog del departamento audiovisual: http://audiovisualmacba.wordpress.com/

“La donación León Ferrari” que se exhibe en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, se prolonga hasta agosto de 2015

León Ferrari. Echa tu hoz aguda, 2000. Guta sobre papel fotocopiado.
Colección MAMBA, Donación Familia Ferrari, 2014. 
©Fundación Augusto y León Ferrari. Arte y acervo.
La exposición “La donación León Ferrari” que se exhibe en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, permanecerá abierta al público hasta el domingo 9 de agosto de 2015, permitiendo un acceso prolongado al mayor conjunto de trabajos del artista actualmente exhibidos tanto local como internacionalmente. 
Así, la exposición se propone honrar más cabalmente el importante gesto de la familia Ferrari, que el pasado noviembre de 2014 donó generosa y desinteresadamente un valioso conjunto de obras del gran artista. 
La prolongación de la exposición permitirá, por un lado, que los visitantes puedan seguir apreciando el valor artístico de una de las más grandes donaciones que ha recibido el MAMBA a lo largo de su historia. Por otro lado, esta extensión permitirá al museo organizar el homenaje a León Ferrari, conmemoración que el artista merece en ocasión de su primera exposición luego de su fallecimiento. Finalmente, junto con la extensión de la exposición, se amplía el programa de actividades educativas realizadas en torno a la obra exhibida, el que incluirá jornadas de crítica y reflexión sobre la importantísima contribución de León Ferrari al arte argentino contemporáneo.
Escultura de alambre, detalle
Edición limitada de facsimilares de León Ferrari
A lo largo de la década de 1980, para la realización de estos facsimilares, Ferrari trabajaba con una fotocopiadora con la que elaboraba series limitadas de 200 ejemplares anillados, numerados y firmados como libros de autor que él mismo, luego, distribuía entre amigos y colegas. De esta manera fueron realizados Cuadro Escrito (1984), Parahereges (1986) e Imagens (1989). 
El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires homenajeará la publicación de los facsimilares diseñados por el artista utilizando la misma técnica que el artista utilizó para las series originales: se recuperará la cualidad de la xerografía y la riqueza del proceso artesanal, trabajando al pie de la fotocopiadora, incluso en la misma empresa y con máquinas similares a las que el artista empleó tras su regreso a la Argentina. 
La colección incluirá tres títulos distintos pertenecientes a la misma idea productiva y manifestará el carácter enciclopédico y crítico del trabajo del artista. 
Producto de la emulación de un impulso, más que de un afán editorial convencional, este ejemplar resulta, a la vez, un acercamiento íntimo a la obra de León Ferrari y una pequeña celebración de su energía creativa interminable.
La exposición se puede visitar hasta el domingo 9 de agosto de 2015 en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, de martes a viernes de 11 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 11 a 20 hs. en Av. San Juan 350, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Entrada general $15.-

25 de febrero de 2015

El MUMBAT comienza el 2015 con dos importantes muestras

El Museo Municipal de Bellas Artes de Tandil inaugura dos importantes muestras el 28 de febrero a las 20.30 hs.  en su sede de Chacabuco 353/7, Tandil.

"40 años de Humor Político" de Andrés Cascioli 
Con la exhibición de 60 originales de Andrés Cascioli, dedicados al humor político, el Mumbat nos propone un recorrido memorioso y creativo por la Argentina desde mediados de los años 70 hasta finales de la década del 2000. Es decir, abarca desde el gobierno de Isabel Perón hasta el de Néstor Kirchner, con un mayor desarrollo en los años de la dictadura.
En el contexto del mundial de fútbol del año 1978, Andrés Cascioli dirigió y dibujó la Revista Humor. En los primeros números combinó la sátira con el humor costumbrista, pero poco a poco fue acentuando la crítica a la política nacional. Uno de los blancos preferidos fue la política económica de la dictadura, que era llevada a cabo por el ministro liberal Alfredo Martínez de Hoz. Para 1981 las críticas de la revista al gobierno eran muy fuertes.
De ese modo, la crítica fue implacable con el autodenominado Proceso de Reorganización Nacional, lo que llevó a que la revista fuera vista como una herramienta de satírico combate. Las tapas de la publicación fueron obra de Andrés y resultan inolvidables para la mayoría de las personas, desde los entusiastas lectores hasta quienes solo las veían colgar de los quioscos.
Con el antecedente del gobierno de Isabel y la posterior democracia hasta años recientes, la muestra se convirtió en un recorrido privilegiado por la Historia Argentina, sin ahorrar personajes y situaciones puntuales, de la mano de un talento versátil de uno de los creadores que mejor registró desde la ilustración y la caricatura la realidad local.

“Doce Metáforas”
Basada en historias que las motivaron para crear, la muestra se presenta como un viaje al pasado, a aquellas mujeres de antaño, con sus vestimentas, sueños y convicciones. Una obra de Teruca Pereyra Iraola y Enriqueta Gahan, artistas tandilenses que se inspiraron en doce mujeres del siglo XIX, sintiéndose identificadas, reflejadas.
En una escena metafórica, como lo fue el siglo XIX, con un contexto político, económico y social agresivo y movilizado, tanto en la Ciudad de Buenos Aires ensordecida de rumores y suspicacias políticas, desangrándose en sus muros, como también lo estaba el Interior y el Norte en una lucha exhausta entre unitarios y federales. Es en este momento histórico que las autoras deciden detenerse para buscar las figuras de estas mujeres del 1800.

24 de febrero de 2015

Nuevas convocatorias para participar en la Bienal de Arte Joven

Fueron preseleccionadas las obras que conformarán la segunda etapa del XLIV Salón Nacional de Arte Sacro 2015

Víctor Fernández y Julio Sánchez
El pasado 21 de febrero fue una jornada de intenso trabajo para Florencia Salas, Víctor Fernández y Julio Sánchez, quienes efectuaron el juzgamiento de las propuestas que participarán de la nueva etapa, hasta conformar el grupo de obras que enaltecerán al emblemático Salón Nacional de Arte Sacro llevado a cabo anualmente en el Museo de Bellas Artes de nuestra ciudad.
El Mumbat tuvo el privilegio de recibir ciento setenta y cuatro carpetas de diversos lugares del país, entre los que quedaron preseleccionados dieciséis artistas tandilenses, además de artistas de muchas de las ciudades de la provincia de Buenos Aires y Ciudad Autónoma de Buenos Aires. También sobresalieron obras de artistas de provincias del interior como de Santa Fe, La Pampa, Río Negro, Córdoba y Entre Ríos.
Del total de los participantes y cumpliendo con la etapa de preselección, el resultado arrojado fue de cincuenta y dos obras. En las mismas se puede advertir una heterogeneidad en la interpretación de la espiritualidad y lo “religioso”. Por otro lado, cada uno de ellos expresó una técnica y variante diferente.
Julio Sánchez y Florencia Salas
Los artistas preseleccionados resultaron ser los siguientes: Abraham Luis (Gral. Pico-La Pampa), Achaval Rodrigo (Tandil-Bs. As.), Aranguren Gustavo (Tandil-Bs. As.), Arcuri Andrea (San Isidro-Bs.As.), Audisio Rosa (Gral. Pico-La Pampa), Banzer Gisela (La Plata-Bs.As.), Cabré Flores Santiago (Ralenagh-Bs. As.), Canciani Sabrina (Tandil-Bs. As.), Carbia Federico (Tandil-Bs. As), Casado Sarralde M. Angélica (Cnel. Suárez- Bs. As.), Cassiau Clarisa (San Isidro-Bs. As.), Cuevas Cabrera Huberto (Tandil-Bs. As), Dalton Laura (Escobar-Bs. As.), De Lorenzo Jorge Luis (Cautelar-Bs. As.), Duarte Carlos (Tandil-Bs. As.), Erman Ana (CABA), Fabián Marcos (Tandil-Bs. As), Fasola Sergio René (Santa Fe-Santa Fe), Furguelle M. Fernanda (Cnel. Dorrego-Bs. As.), Fischbein Silvio (CABA), Dalgaard Cristian (Mar del Palta-Bs. As.), Gallucci Verónica (Las Rosas- Santa Fe), Gigli Alejandro (Lanús-Bs. As.), Greda Eliana (Lanús-Bs. As), Guerreiro María (Vte. López-Bs. As.), Hauk Cristina (Vte. López-Bs. As.), Hernandonera Nicolás (Tandil-Bs. As), Irastorza Mercedes (Tandil-Bs. As), Kleiner Diana (Rosario-Santa Fe), Malincónico Miguel (9 de Julio-Bs. As.), Martínez Pablo (Gral. San Martín-Bs. As.), Mele Silvina (Azul-Bs. As.), Mendivil Nora (Tandil-Bs. As), Montesano Orejanera Carolina (Fúnes-Santa Fe), Moris Miriam Cecilia (Tandil-Bs. As), Paladino Lidia (CABA), Peralta Samanta (Tandil-Bs. As), Pousa M. Emilia (CABA), Rochaix Cristina (CABA), Rojas Mónica (Merlo-Bs. As.), Rossanigo Augusto (Tandil-Bs. As), Rucci Damián (CABA), Salgado Gabriela (CABA), Suso Silvina (Laprida-Bs. As.), Sutton Flora (CABA), Urdampilleta Gastón (Tandil-Bs. As), Vaháoslo Berta Graciela (Tres Arroyos-Bs. As.), Viegas Enriqueta (Tandil-Bs. As), Vogrich Cristian (Tandil-Bs. As), Zar Graciela (CABA), Zariquiegui Estela (CABA) y Zusaeta Marcia (CABA).

La inauguración y entrega de premios se llevará a cabo el sábado 28 de marzo a las 20 hs. con entrada libre y gratuita, luego de la instancia definitiva de selección el 7 de marzo.

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presenta a la artista brasileña Laura Lima con la exposición “El Mago Desnudo” y un film de 100 horas en el Teatro Margarita Xirgu

La artista Laura Lima y la directora del MAMBA Victoria  Noorthoorn durante la presentación de la muestra
El jueves 19 de febrero se inauguró la exposición “El Mago Desnudo” de la artista brasileña Laura Lima, en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
El público puede visitar el taller de trabajo y hogar de un mago, quien producirá dibujos, esculturas y nuevos objetos a partir de los materiales que tenga a su disposición.
El Mago Desnudo
El espacio, totalmente transformado y en cambio permanente: un gran taller de trabajo creado gracias a la donación de objetos diversos por parte de los ciudadanos de Buenos Aires. El mago desnudo viene de presentarse en Bonniers Konsthall, Estocolmo; Casa França Brasil, Río de Janeiro; y Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich. La obra puede leerse como una representación del proceso artístico en el cual se devela el truco, el artificio, en oposición a la lógica de acción de un mago. En este caso, el truco queda al desnudo en medio de un ámbito doméstico, donde se encuentran los elementos necesarios para que el mago pueda vivir y realizar sus tareas cotidianas. 
El Mago Desnudo
Esta obra reúne varios de los elementos que caracterizan los trabajos de la artista: la presencia del cuerpo humano, su irrupción contundente y sorpresiva en el mismo espacio que recorre el visitante, el desarrollo y la modificación de la exposición a medida que transcurre, el diálogo entre el trabajo artesanal, el trabajo artístico y el espacio de exhibición, la intervención de objetos, entre otros.
A su vez, se estrenará “Cinema Shadow Segundo”, una película de 100 horas de duración dirigida por Laura Lima con la colaboración de Emanuel Aragão.
La avant-premiere mundial del film será en el Teatro Margarita Xirgu, el martes 17 de marzo a las 19 hs.
Cinema Shadow Segundo (captura) - Foto: Andrea Capella
La película “Cinema Shadow Segundo” fue realizada y proyectada en planos secuencia de tres horas filmados cada día durante 33 días siguiendo una partitura especial -con instrucciones de filmación- creada por Lima. La artista juega con la atmósfera del cine sin construir una película tradicional.
Laura Lima (Minas Gerais, 1971) es una de las figuras más relevantes de la escena artística contemporánea internacional. Su presencia en Buenos Aires es un verdadero acontecimiento. Para Victoria Noorthoorn, directora del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, la exhibición de Laura Lima significa un gran salto para la institución: “Por primera vez durante mi gestión podemos concretar una coproducción internacional de gran envergadura y tener entre nosotros a una artista de nivel mundial en su momento de mayor esplendor creativo. Su presencia en el Moderno es una excelente oportunidad para vivir de primera mano sus ambientaciones y puestas mágicas”.
Laura Lima
La presencia de la artista en Buenos Aires se relaciona directamente con su reciente consagración como ganadora del BACA 2014 (Bonnefanten Award for Contemporary Art), el premio más relevante en los Países Bajos para un artista contemporáneo, que en su edición 2014 decidió galardonar a un artista latinoamericano. Para esta edición del premio BACA, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires colaboró activamente en tres instancias: como jurado, en la realización de un catálogo/libro de artista y con la presente exposición, con la que el museo comienza una nueva etapa de colaboración con la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), que generosamente cede el Teatro Margarita Xirgu para la presentación del film de Lima.
El Mago Desnudo
El libro de artista que acompaña la exposición a modo de catálogo es parte del premio otorgado a la artista y fue coproducido por el Bonnefantenmuseum, de Maastricht, y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. El museo holandés editó 1.000 ejemplares y el Museo argentino 1.000 más. Se trata de un libro de artista de enorme atractivo visual y teórico.
El libro incluye tres capítulos, donde el lector encontrará una primera sección con textos seleccionados por Lima y el editor de Río de Janeiro, Renato Rezende. La segunda sección presenta al público un amplio abanico de trabajos de Lima, que cuestionan y expanden las nociones de instalación, performance, objeto y dibujo, entre otras propuestas artísticas. La tercera sección, a manera de gran cierre, ofrece una nueva serie de Ouro Flexíveis -modalidad artística creada por Lima- sobre las imágenes del catálogo Collectie Nederlandse en Duits e schilderkunst 1500-1800, del Bonnefantenmuseum, cuyas imágenes de obras del Renacimiento y otros períodos de la historia del arte fueron intervenidos con tinta dorada por la artista.

23 de febrero de 2015



Convocatoria Abierta Proyecto Imaginario 2015 / Casa Florida Galería

Casa Florida Galería presenta Proyecto Imaginario: un programa de formación destinado a fortalecer la producción de cada autor, el análisis y la circulación de la obra.
Equipo docente: Ignacio Iasparra, Alfredo Srur, Fabiana Barreda, Eduardo Carrera, Silvia Gurfein, Lorena Fernández, María Lightowler, Martín Estol, Eugenia Rodeyro y Magdalena Pardo.

El Programa anual intensivo de análisis y producción fotográfica está orientado a potenciar la obra de cada participante dirigido a fotógrafos y artistas que trabajen con la fotografía.
La inscripción estará abierta desde el 9 de febrero hasta el 15 de marzo inclusive.
Para más información ingresar en: www.proyectoimaginario.com.ar o escribir a: convocatoria@proyectoimaginario.com.ar

Manuel Ameztoy expone en Madrid

La Galería Cecilia Caballero, junto a la Galería Aina Nowack han invitado a exponer a Manuel Ameztoy en Madrid, coincidiendo con la feria ARCO. 
El opening es el 26 de febrero a las 19 hs.
Dar vuelta la pagina es dejar algo en el pasado y continuar con la lectura. 
Avanzo en mi propio relato manteniéndome en el presente. 
Los teselados son un intento de mirada simultánea, en donde cada página del libro, cada sección del mapa de la ciudad y cada día del almanaque son atomizados y reconfigurados en una sola y enorme página. 
La narración se anula, el espacio geográfico se atomiza, y los días del año se concentran en una única imagen. 
Ya no es posible avanzar o retroceder en el relato, ubicarse en espacio y tiempo. Lo que queda a la vista es otra cosa.” Manuel Ameztoy, 2014.

Julio Hirsch Chávez presenta su muestra individual en Daniel Rueda Galería de Arte

Daniel Rueda Galería de Arte presenta una muestra individual que definitivamente sigue posicionando al espacio, su gestión y Mendoza, como parte integrante de los circuitos legitimados del arte moderno y contemporáneo de Argentina.
Luego de las recientes inauguraciones de los Art Points en Villa La Angostura en Neuquén y Valle de Uco Andeluna Argentina, la galería mendocina sigue apostando al arte por excelencia.
En esta ocasión lo hará en la galería ubicada en el centro mendocino y presentará al público mendocino y turistas al reconocido y talentoso artista Julio Hirsch Chávez. La propuesta está pensada bajo la mirada de la curadora internacional invitada especialmente para la ocasión, Nora Dobarro, quien nos adelanta sobre la muestra lo siguiente:
“Ensayo -sin método aplicable a las obras, sin crítica- .
En este somero acercamiento albergo el deseo de indagar sobre el acto de escribir y su relación con la acción curatorial, interrogantes aptos al formato de ensayo. Este, al ser una especulación acerca de objetos específicos, se encuentra en una situación de dependencia respecto a lo preexistente. Se trata de comentarios de la poesía de otros y de la pretensión de hablar de igual a igual, de entablar un diálogo de pares. El campo de acción elegido para presentarlo es la estética sin pegamento a las clasificaciones sobre lo que sería una producción de arte. 
Encontramos obras únicas de ninguna manera intercambiables, que exigen enfoques originales,  con nuevas significaciones y diferentes niveles de lectura.
En ellas sobreviene un lenguaje que se va diciendo a sí mismo. De la misma manera que no hay modelos para hacerlas, tampoco puede haber modelos para analizarlas. El arte excedería a una reflexión que se limite a merodear la ideología o la técnica.
La reflexión de los vínculos entre escultura y arquitectura, surge de la red de miradas que el artista logra organizar en el espacio y de la regularidad del principio físico constructivo. En un trabajo de pionero inventa su objeto, delimita su territorio; sus trazos, ¿convergen todos en un núcleo? ¿Qué tiene de particular esa línea y no otra?
La luz traspasa los cristales, juega con proyecciones lineales, su recorrido y sus tensiones. La luz barre…”
Julio Hirsch Chávez, nacido en Buenos Aires en 1956, artista plástico, actor, autor y director de teatro argentino, y además maestro de actores de teatro. Como artista plástico, ha participado en en exhibiciones individuales y colectivas en el Centro Cultural Recoleta, las galerías Vogt (Herten), Scheffel (Frankfurt), Euroamericano (Caracas), Lisenberg-Art Frankfurt’94 (Alemania) y Lisenberg-Art Miami’93 (Miami), entre otras.
Posee una larga trayectoria en el teatro, como actor tanto como director. Protagonizó varias películas en el cine y varias series en la televisión. Es ganador de numerosos premios, entre ellos el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín, tres Cóndor de Plata, el ACE de Oro, cuatro Martín Fierro, el Premio Clarín Espectáculos a la Figura del Año y el Premio Konex de Platino. Además dirige el "Instituto de Entrenamiento Actoral" que lleva su nombre, en la Ciudad de Buenos Aires.
Hijo de padre alemán de origen judío y de madre de ascendencia egipcia, Julio Hirsch comenzó a construir un camino en la actuación a los 17 años. Como era común a comienzos de los años setenta, en aquel momento tuvo la oportunidad de elegir un nombre artístico: ahí nació Julio Chávez. Lo que el artista no podía saber es que la popularidad de su nueva identidad sería tal, que ambas acabarían fundiéndose en una sola. Y aunque todavía firme sus cuadros con el nombre que figura en su documento de identidad, la mayoría de las personas insistirá en comentar que es el actor el que los pinta. El propio Chávez les da la razón. No pocas veces ha dicho que ambas actividades, actuar y pintar, son tan indivisibles como su identidad. “Un cuadro o una escultura es una escena y creo que ya no hay más nada fuera de la escena: todo es escena, todo es representación, todo es lenguaje, todo es una construcción” afirmó el mismo artista.

La exposición estará abierta al público a partir del 26 de febrero hasta el 10 de abril de 2015. Visitas con cita previa a: info@danielrueda.com.ar | Celular +54 (9) 261 (15) 4 166590 
La galería mendocina está asociada a la AAGA - Asociación Argentina de Galerías de Arte. Ha sido premiada en EGGO 2013 como ¨Mejor propuesta por el público¨ en el Centro Cultural Recoleta, Bs.As.. Seleccionada por la prensa azteca como TOP 5 en Affordable Art Fair México, D.F. y en la persona de su director, el abogado y gestor cultural Dr. Daniel Rueda ha recibido reconocimientos públicos por la promoción y difusión del arte, por el Honorable Senado de Mendoza, la Cámara de Diputados de la Nación Argentina entre otros.
La galería mendocina actualmente trabaja para vincularse al actual concepto de ¨industria cultural¨, conjugando lo artístico, la producción y el desarrollo de bienes y servicios con el objetivo de posicionar a Mendoza en los circuitos nacionales e internacionales de las artes visuales.

22 de febrero de 2015


Miau Miau participa por primera vez de ARCO con obras de Nahuel Vecino


Miau Miau participa por primera vez de ARCO, la feria internacional de arte de Madrid, con un proyecto de Nahuel Vecino: “El Reino de este mundo”,  en el marco de la sección Solo Projects.

21 de febrero de 2015


17 de febrero de 2015


16 de febrero de 2015



Muestra de Hernán Dompé en el nuevo espacio de la galería Daniel Rueda: Art Point Valle de Uco, Bodega Andeluna, Argentina


La Galería de Arte Daniel Rueda y Andeluna Argentina presentan una producción de nivel internacional en las artes visuales. Se trata de la muestra individual del consagrado artista Hernán Dompé, ganador del Gran Premio de Honor Escultura del Salón Nacional en el 2000 y Premio Konex Plantino 1992 entre otros.

A través de esta acción la galería, a su vez inaugura su segundo Art Point, después de la reciente apertura realizada en enero en Villa La Angostura, Neuquén. Ambos espacios dependen de la galería con sede en la ciudad de Mendoza. 
El Art Point Valle de Uco Bodega Andeluna Argentina, estará abierto todo el año, presentando 3 (tres) exposiciones anuales, preferentemente en la disciplina esculturas, sumándose una vez más al circuito legitimado del arte a nivel nacional e internacional.
"El casco de alcornoque", materiales varios, 2011
En esta ocasión la galería y la bodega nos traen una oportunidad singular en las artes visuales para Mendoza desde el Valle de Uco, similar a las oportunidades brindadas sólo en ciudades como Buenos Aires, Bogotá, San Pablo, Berlín o Nueva York. Así se les ofrece a mendocinos y turistas un nuevo privilegio y es precisamente el de disfrutar de las obras de un ¨grande y consolidado artista contemporáneo¨. 

El artista internacional compartirá una cuidadosa selección de obras de distintas series pertenecientes a ¨Totems¨, ¨Guerreros¨, ¨Comadres¨ y ¨Barcos¨. Es importante destacar que se contará con la presencia de la artista.
"Luna Azul"
Hernán Dompé, nacido en Buenos Aires en 1946, es Profesor Nacional de Escultura, vive y trabaja en Capilla del Monte, Córdoba, Argentina. Es un artista claramente inmerso en la vida contemporánea. No obstante, sus imágenes imbuidas de la admiración por las manifestaciones culturales de la América antigua, hablan de la fascinación por tiempos en que arte, religión y vida cotidiana no eran esferas separadas. Un tiempo remoto en el que el hombre vivía en una mayor armonía con la naturaleza. En este sentido su arte tiene un profundo mensaje ecologista.

El flamante Art Point de la  Galería de Arte Daniel Rueda está ubicado en Bodega Andeluna Argentina, Ruta Provincial 89 sin número, Gualtallary, Tupungato. 

La exposición estará abierta al público desde el 19 de febrero hasta el 7 de junio de 2015, pudiendose coordinar horarios y visitas especiales a la bodega a: +54 (9) 261 (15) 5 089525 | +54 (9) 261 (15) 5 403467 | hospitality@andeluna.com.ar | turismo@andeluna.com.ar.

Luis Rodíguez expone en Cecilia Caballero Arte Contemporáneo

Luis Rodriguez presenta “Supernova” en Cecilia Caballero Arte Contemporáneo, Av. Alvear 1761 - local 9, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Inauguración: 19 de febrero a las 19 hs. 
Cierre: 13 de marzo.
“Me sitúo en el lugar en el que la imagen se forma y deforma, aparece y desaparece, como si se tratara de un juego ilusionista. Una plataforma geométrica, un patrón de figuras que se esconden bajo la luz que se posa sobre nuestro propio reflejo. 
Mi obra es instalativa, profundamente ilusoria y abstracta. Utilizo el dibujo como proyección del gesto, la línea como construcción territorial.” Luis Rodriguez.

15 de febrero de 2015

Galería Holz inaugura “Habitantes” de Magdalena Beccarini


El miércoles 18 de febrero a las 19 hs. galería Holz inaugura “Habitantes” de Magdalena Beccarini, en República Árabe Siria 3065, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

13 de febrero de 2015

Bruno Gruppalli y Juan Sebastián Bruno presentan “Escapándose del sol” en la sala 8 del Centro Cultural Recoleta

"Verano. Sala 8. El lugar donde circularon muchas muestras, épocas y personas. En las paredes y en el piso hay rastros de algunas de ellas. La arquitectura del lugar, cielorraso, bocas de aire acondicionado, algunos enchufes y las  luces de sala apagadas. Que la luz venga de afuera. De a poco, a medida que el sol se va, ese momento que el ojo tarda en acomodarse para poder definir los detalles, entramos en las construcciones mínimas y la relación: función - espacio/ tiempo. La sala, un espacio definido por la presencia y ausencia de luz y sonido. Por instalaciones que podrían ser restos de espacios arquitectónicos o escenografías dejadas de lado, Una ventana que deja pasar la luz para iluminar una escalera que no es para subir, si no para poner en relación una serie de objetos o hacer un catálogo de sombras. El disco favorito sonando, algo que podría ser la entrada a algún lugar,  una línea a lo largo de la sala. Señalar que un espacio contiene paredes, piso, techo, aire, luz, sonidos. Por ello los invitamos a la inauguración de esta instalación pensada para este espacio".
Se puede visitar hasta el 1 de marzo de martes a viernes de 13.30 a 20.30 hs. y sábados, domingos y feriados de 11.30 a 20.30 hs. en la sala 8 del Centro Cultural Recoleta, Junín 1930, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

11 de febrero de 2015

El Museo Nacional de Bellas Artes reabre sus puertas


El sábado 14 de febrero el Museo Nacional de Bellas Artes reabre sus puertas en su horario habitual de 9.30 a 20.30 hs. y asimismo, los días lunes 16 y martes 17 de carnaval, permanecerá abierto en su horario habitual. Todas las actividades son gratuitas, sin inscripción previa.
La programación es la siguiente:

Sábado 14
Visitas guiadas para Público General
A las 11 hs. Entre bambalinas, Edgar Degas. Retrato, desnudo y danza, nuevas miradas para viejos temas.
Se ofrece la posibilidad de ampliar las interpretaciones sobre temas, artistas y obras, con el objetivo de enriquecer el conocimiento de la colección permanente y la experiencia estética del visitante.
A las 13 hs. Visita guiada en inglés.
A las 16 hs. El Greco y sus contemporáneos.
A las 16,30 hs. Visitas guiadas en portugués.
A las 18 hs. La seducción fatal.Imaginarios eróticos del siglo XIX.
Actividades para chicos
A las 17 hs. Uno, dos, tres, cuadros con historias esta vez.

Domingo 15 de febrero
Visitas guiadas para Público General
A las 16 hs. El Greco y sus contemporáneos.
A las 18 hs. La Seducción fatal. Imaginarios eróticos del siglo XIX.
Actividades para chicos
A las 17 hs. De paletas, pinceles y pintores.

Martes 17
A las 13 hs. Visita guiada en inglés.
A las 15.15 y a las 17.15 hs. Este es mi Museo.
A las 16.00 El Greco y sus contemporáneos.
A las 16.30 hs. Visita guiada en portugués.
A las 18 hs. La seducción fatal. Imaginarios eróticos del siglo XIX.

10 de febrero de 2015

Omar Panosetti presenta “La mata” en la Quinta Trabuco

Omar Panosetti, el reconocido artista plástico argentino, presenta su nuevo trabajo denominado “La Mata”, en una exposición que podrá visitarse desde el 7 de febrero y hasta el 7 de marzo en la Quinta Trabuco, Florida, Vicente López.
"Mirador amarillo"
Acerca de este trabajo, el artista expresa: "La mata" es una forma de dialogo entre la civilización, el trabajo y una pelea al mismo tiempo con la naturaleza, que a través de la mata, el verde va comiéndose todo rastro de civilización, como algo que va apretando y asfixiando todo lo que ve a su paso.
Al respecto, la autora del prólogo y esposa de Panosetti, Laura Cesanelli, explica que La Mata es “aquella que cuida pero rompe, cubre pero ciega, abriga pero sofoca. Así, en constante contradicción, en la obra de Panosetti, la Mata, vive”.
"Hombre edificio y mata"
La exposición puede visitarse de martes a sábados de 9 a 18 hs. y los domingos de 14 a 18 hs. en espacio Quinta Trabuco, ubicado en Melo 3050, Florida, Vicente López.  
Parte de esta muestra fue presentada durante el año 2013 en la Galería Perotti. Tras continuar trabajando sobre ella, Omar Panosetti la presenta en su totalidad, ofreciendo al visitante un concepto que viene trabajando desde el año 2011.
"Ladera amarilla"
Panosetti nació en Buenos Aires el  25 de Abril de 1960. Su formación en pintura la adquiere con los maestros Ana Eckell y Luis Felipe Noé. Ha realizado muestras individuales y grupales en países de Latinoamérica, Estados Unidos, Europa y Asia. Poseen obras de Omar Panosetti: Museos de Argentina, China, Polonia, Colombia, España y Paraguay. Colecciones privadas de Argentina, Estados Unidos, Inglaterra, Alemania, Italia, Francia y España. Más información en:  www.mondopano.com.ar.