La celebración del Día de Muertos en el Museo Fernández Blanco se postergará al domingo 3 de noviembre, de 16 a 19 hs., en caso de mal tiempo

Tres inauguraciones en el Museo Eduardo Sívori

El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori inaugura tres muestras el sábado 2 de noviembre a las 12 hs., en la sede de Av. Infanta Isabel 555, frente al puente del Rosedal de Palermo.

"Alma de metegol" del artista argentino Miguel Ángel Ferreira, más de veinte dibujos producidos por el artista entre 2000 y 2013 mediante la técnica grafito, lápiz color, carbón, sobre aglomerado o sobre papel.

“Miguel dibuja como quien respira, como si fuese lo más natural del mundo. Seguramente para él lo es. Y dibuja sobre lo que ama, sobre lo que le importa, sobre lo que lo moviliza. Los recuerdos, por supuesto. Sin caer en un tono melancólico, sino desde la celebración”, centrando “su homenaje en tres grandes hitos de varias generaciones: la Pulpo, la Spica y el metegol”, apunta Florencia Salas.
“Miguel Angel Ferreira se atrevió a jugar con dos de los símbolos lúdicos más representativos de nuestra idiosincrasia”, asegura Héctor Agüero. En tanto, José María Valiña destaca que “las imágenes describen las andanzas del muñeco del juego de metegol, que asido por la vara que lo sostiene y dirige, se contorsiona en diversas formas dentro del espacio del cajón y mueble que forma la ilusoria cancha de fútbol”.  

"Huellas latentes" de la artista argentina Irma Amato, en la que se exhiben xilocolografías de relieves grabados con pulpa de papel y madera.
Así describe su obra Irma Amato: “Trabajo un contraste de valores en su máxima oposición, atenuados con algunas alternancias de grises, y plano con texturas superpuestas. En la imagen, el espacio, siempre presente por mi formación escultórica, es un protagonista en negativo que se articula y juega como fondo entre las figuras, en ‘calidad de sustancia’, al decir de algunos investigadores, recortándolas, acentuando la elección de formas cerradas. Formas que aparecen como elementos planos y sólidos volúmenes que se superponen en traslación, conformando un paisaje”.
Para el artista César López Osornio, la obra de Amato es una “búsqueda permanente del punto final, que a su vez es el origen de la partida (…) Pasan las técnicas y quedan las emociones. Las ideas no sirven si no se transmutan en imágenes, y estas, las imágenes de Amato, son el resultado de una férrea voluntad de querer ser libre y comprometida con la vida y su emoción sensible”.

Ambas muestras cierran el 1º de diciembre de 2013.

"Carlos Demestre. Xilografías"

Se presentará un libro dedicado a la producción xilográfica de Carlos Demestre que forma parte de la serie de publicaciones de arte del grabado de Editorial Xilón, coordinada por los artistas Osvaldo Jalil y Anteo Scordamaglia.
“Carlos Demeste era un xilógrafo de los que no hay, y en nuestra historia pasada hubo muy pocos similares, para mí es uno de los grandes grabadores argentinos, injustamente poco conocido. Tenía un amor muy particular por la xilografía, por el grabado japonés,  y todo lo que fuera investigación, siempre encontraba algo para hacer una textura, dar un poco más a la madera,  fue el precursor de eso que se llama collagraf,  sus trabajos eran casi indescifrables. Trataba la madera con pasión sacándole cosas maravillosas. Un dibujante como pocos, su grabado se  apoyaba  siempre en el dibujo y eso se notaba.
Vivía todas sus cosas con vehemencia, enamorado de la biblioteca que había heredado de su padre, bastaba comentar algo que enseguida recurría a la biblioteca y mostraba un material sobre lo que hablábamos.  Gran cocinero, muralista, España estaba presente en muchos de sus trabajos,  por sus viajes a esas tierras de sus ancestros que vivió intensamente, amigo de todo el mundo, un ser querido y querible”, segura Osvaldo Jalil
Cierra el 15 de diciembre de 2013.
El museo puede visitarse de martes a viernes de 12 a 20 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs.

Miguel Ronsino expone en la ciudad de Chacabuco

Miguel Ronsino presenta la muestra “Vencerán las flores" en el Espacio Municipal de Cultura, Teatro Italiano, Avenida Alsina 29, Chacabuco, provincia de Buenos Aires. 

Inauguración: 2 de Noviembre de 2013 a las 20,30 hs. 

Clausura: 24 de Noviembre de 2013. 

Horarios de visita: lunes a viernes: 8 a 20 hs. sábados: 9 a 12 hs. - 17 a 20 hs. domingos: 17 a 20 hs. 

 

 "Vencerán las flores a la hora de la siesta y vencerá la siesta con ellas. el sol hecho flor, la sombra fresca, el pájaro, el vuelo, el río. Vencerá la flor a la hora del humo. Vencerá el sueño de mis brazos y el abrazo, la noche vencerá, esa noche y esta noche. Vencerá la luna de tu ojo… el de la confianza, la voz, la poesía, el sueño, la idea, el coraje, el loco, la sonrisa más linda del mundo, tu mano abierta para dar, la estrella, el cielo, el azul Patinir, el azul Tintoretto, el rojo Tiziano. Se hará flor la lucha y vencerá también como la lágrima, la caricia y la canción. El pie, la piel, lo verde, el océano y el viento. La parte Atahualpa del aire, la parte El Din y la parte Hendrix. Y así, hasta el día en que nada quede y todo vuelva a vencer en otro lugar. Siempre. Siempre."

UADE Art presenta una muestra con obras que busca integrar la estética conceptual y el valor poético de la materia

UADE Art invita a recorrer la muestra “Poéticas de la materia” que está vigente desde el 10 de octubre hasta el 6 de diciembre en el Centro Cultural UADE Art -Lima 775-. 
Se trata de un conjunto de obras que busca aunar la estética conceptual y el valor poético de la materia, mediante un proceso creativo casi artesanal que regula la organización formal de las piezas.  

Con curaduría de de Patricia Naftulewicz, Clara Ortega, Graciela Poletti, Mónica Marcos y Carolina Pampliega, la muestra está integrada por una selección de obras de Ileana Hochmann, Andrea Moccio y Estela Pereda. 

Podrá visitarse de lunes a viernes, de 12 a 20 hs., en UADE Art (Lima 775). Es de ingreso libre y gratuito presentando DNI. Para informes: uadeart@uade.edu.ar, 4000-7353, o en la web: www.uade.edu.ar/art.

"El suburbio del alma". Muestra homenaje al poeta Evaristo Carriego en el Museo Quinquela Martín

El Museo Quinquela Martín homenajea a Evaristo Carriego con una selección de  obras patrimoniales que representan tradiciones, personajes y paisajes de los suburbios porteños. 

La inauguración es el 2 de noviembre a las 13 hs. en la sala Eduardo Sívori del museo. 

La muestra coincidirá con el lanzamiento de una nueva serie de publicaciones del museo: "Colección del arrabal",  cuyo primer volumen será "Evaristo Carriego. Obra poética completa".  El libro se presentará el día Sábado 9 a las 20 hs., en el marco de la Noche de los Museos.

“Si la vida de los arrabales comenzó a ser vista como tema por los artistas visuales, en buena medida se debió a un imaginario cuyas primeras formas fueran bocetadas por Evaristo Carriego” afirma Víctor Fernández, curador del Museo y agrega “Benito Quinquela Martín, el pintor que supo crear arquetipos universales nacidos en su aldea boquense, comulga en muchos aspectos con el poeta que alumbró símbolos perennes encarnados en humildes personajes de Palermo. Hermanados en una tradición criollista, y en la vocación por crear desde los arrabales, muchas obras de Quinquela, al igual que otras de artistas que forman parte de la colección del museo, podrían ilustrar varios poemas de Carriego:  Cotorrita de la suerte de Di Taranto, Titiritero boquense de Prando, o las Mujeres desesperanzadas y lánguidas de Arato. Y lo mismo podríamos decir de estampas de la vida arrabalera como La perrera, de Caputo Demarco, o Melodía de arrabal, de Nani…”

 

Las exposiciones se podrán visitar de martes a viernes de 10 a 18 hs. y sábados, domingos y feriados de 11 a 18 hs. con entrada gratuita en Av. Pedro de Mendoza 1835/43, 2° piso, Buenos Aires, hasta el 15 de diciembre. Lunes cerrado. 

Celebración Mexicana del Día de Muertos en el Museo Isaac Fernández Blanco

Este año la ofrenda estará dedicada al creador de la primera imagen de "La Catrina": el grabador y caricaturista mexicano José Guadalupe Posada en su centenario luctuoso (1913 - 2013).

Se dedicará también a los ilustradores fundadores de la revista argentina Caras y Caretas: los gallegos José María Cao Luaces y Juan Carlos Alonso, el gaditano Manuel Mayol Rubio, el uruguayo Aurelio Giménez, el genovés Mario Zavattaro y el potosino Víctor Valdivia.

El Altar de Muertos y la exhibición de obras de José Guadalupe Posada podrán ser visitados del 2 al 10 de noviembre en horario de apertura de la sede Palacio Noel del MIFB.

Además del esperado montaje del altar habrá una variada programación de actividades musicales: danzas folclóricas, tango y mariachis.

Asimismo, se realizará la entrega de premios del 8º concurso de calaveritas "Que muertos tan vivos" y la primera exhibición de "Muerte Catrina" (un desfile de caracterizaciones de "La Catrina" abierto al público). Este año, junto a la tradicional celebración mexicana en los jardines del Palacio Noel se inaugura en sus salas temporarias de exhibición, la muestra "La Muerte tiene permiso" de José Guadalupe Posada, el artista que fuera el creador de la primera imagen de "La Catrina", convertida luego en símbolo de la celebración del Día de Muertos en México. 

Y en conjunto con esta exhibición, como es la costumbre, se mostrarán ilustraciones de "Los pioneros de nuestra caricatura", una selección de maestros caricaturistas del recordado semanario Caras y Caretas, José María Cao, Juan Carlos Alonso, Manuel Mayol, Aurelio Giménez, Mario Zavattaro y Víctor Valdivia.
La exhibición podrá visitarse hasta el domingo 1º de diciembre. 

Premio Lucio Fontana

El Consulado de Italia en Buenos Aires tiene el agrado de anunciar que el jurado compuesto por Laura Buccellato, Ana Battistozzi, Esteban Tedesco, Luis Parenti y Juan Doffo ha seleccionado a los dos artistas ganadores de la segunda edición del Premio Lucio Fontana 2013, seleccionando además otros 13 artistas merecedores de Segundo Premio Lucio Fontana a: Nicolas Mastracchio y Guido Yannitto

Artistas seleccionados merecedores de mencion: Julieta Bech, Erica Bohm, Ayelen Coccoz, Mariano Ferrante, Carolina Fusilier, Guido Ignatti, David Lopez Mastrangelo, Milca Ronzoni, Rosana Simonassi, Mariana Sissia, Rodolfo Schmidt, Alejandro Javier Somaschini, Valeria Traversa

El Premio, gracias al apoyo de Pirelli Neumáticos S.A.I.C., le permitirá a dos jóvenes artistas argentinos de origen italiano permanecer por casi dos meses en la ciudad de Turín, donde podrán desarrollar su propia capacidad creativa en contacto con el ambiente cultural y artístico local contando con el apoyo de la Fundacion IGAV (Instituto Garuzzo por el Arte Contemporaneo) especializado en residencias de artistas internacionales.

Con esta iniciativa, el Consulado General quiso contribuir a renovar y recrear, también idealmente, el camino de la gran relación artística-cultural entre Italia y Argentina, que en la figura de Lucio Fontana encuentra una de las figuras más emblemáticas: nacido en Rosario en 1899, después de sus primeros estudios en Italia regresa a la Argentina donde inicia su actividad artística para luego establecerse definitivamente en Italia en 1947, donde concretará lo escrito previamente en Buenos Aires en el “Manifiesto blanco”, fundando el “movimiento espacialista” que lo llevará, con sus famosos “tajos”, a ser considerado uno de los más grandes innovadores del arte contemporáneo.

Elena César Mata está exponiendo en La Paz espacio de arte, hasta el 30 de noviembre

"El paisaje como vivencia
A finales de 2011 aparece nuevamente en mis trabajos una fuerte línea divisoria y dos planos que se fusionan en un límite.
Límite y Tiempo como metáfora de lo más-allá. Distancia, presente e intangible, donde puede perderse la mirada.
Y el agua como flujo constante. Océanos insomnes.
Origen, movimiento y transformación." 

Elena César Mata.

Elena César Mata (Mar del Plata, Prov. de Buenos Aires, 1952) es pintora y docente. En Buenos Aires se formó en los talleres de Tito Pérez, Víctor Chab y Kenneth Kemble. Participó de los Salones Manuel Belgrano, Premio Fortabat, Premio Fundación Avon, Premio Fundación Deloitte. Fue convocada para la Muestra Homenaje al Maestro Kenneth Kemble. En sus pinturas tempranas la inmensidad de la pampa y el horizonte son protagonistas casi absolutos. Expone  gran parte de esta producción en Suiza. Pero es luego de recorrer  las costas del Mar del Norte, Bélgica y Holanda, que aparecen los océanos, extensas playas y cielos brumosos que son el eje de su obra actual y su indagación permanente.

Se dedica intensamente a la docencia, organizando muestras y promoviendo artistas de su taller.

Vive y trabaja en Buenos Aires.

Game on! El Arte en Juego ha sido invitado a participar con su muestra de arte en videojuegos en el Festival Cervantino en la ciudad de Azul

La ciudad de Azul desarrolla este Festival desde hace 7 años cuando fue elegida por la Presidencia del Centro Unesco de Castilla-La Mancha como Ciudad Cervantina de la Argentina (http://www.ciudadcervantina.org.ar/). 

Botanícula

El festival convoca a artistas de todo el país de todas las vertientes del arte y Game on! El Arte en Juego ha sido invitado como una muestra representativa del Arte en Nuevos Medios, que estará compuesta por cinco áreas: 

Área 1: cuatro desarrollos de fuerte impronta estético-visual influidos por la historia del cine, de las artes visuales y de los videojuegos mismos: Limbo, Vestigios, Botanícula y Krautscape.

Anamorphoss

Área 2: Playable media. Dos instalaciones lúdicas: Anamorphoss y Dynacity. El espacio enfrenta al jugador ante dos posibles abordajes: el juego libre, por su propio valor creativo y estético o el juego como portador de un mensaje.  

Área 3: Juego físico: Johann Sebastian Joust. Recuperación de la tradición de los “folkgames”, juegos infantiles o tradicionales donde el protagonista principal es el cuerpo. 

Dynacity

Área 4: cinco juegos narrativos, “Rabbits for my closet” indaga en las posibilidades que la transposición de género tiene con el dispositivo videojuego, “Storyteller” toma inspiración en las teorías de Scott McCloud sobre el lenguaje del comic. "Dys4ia" nace casi como una autobiografía interactiva. "The Path" es una reversión contemporánea en tono lúdico-trágico de un clásico infantil. "Journey" recibe o despide a los visitantes de la mejor forma posible: con el viaje del héroe.
Área 5: espacio de relax y consulta de información. Aquí los visitantes podrán acceder a un registro de las ediciones previas de Game on! El arte en juego.

Journey

La muestra inaugura el 31 de octubre a las 19 hs. y cierra el 5 de noviembre, pudiendo visitarse de 10 a 21 hs. en el Sumac - 25 de mayo y San Martin, Azul, provincia de Buenos Aires. El 31 de Octubre a las 21 hs. se realizará una mesa debate con Micaela Puigg, Federico Joselevich Puiggrós y Agustin Perez Fernández, coordinada por Maria Lujan Oulton, creadora de Game on! El Arte en Juego.

Se está exhibiendo en el Museo Nacional de Bellas Artes "Memoria de la escultura 1895-1914. Colección del MNBA"

Hasta el 24 de noviembre se puede visitar en el Museo Nacional de Bellas Artes la exposición "Memoria de la escultura 1895-1914. Colección del MNBA", que se presenta en el pabellón de exposiciones temporarias.

La directora del MNBA Marcela Cardillo y la curadora María Florencia Galesio, durante la presentación de la muestra

Este proyecto concebido por el Área de Investigación y Curaduría, es una producción integral del MNBA con la curaduría de María Florencia Galesio. Resultado de un esmerado trabajo de investigación y conservación, a cargo de los equipos técnicos del museo, permite la exhibición de las piezas e invita a la reflexión sobre las tensiones de la escena artística de la época. 

El diseño, a cargo de Valeria Keller y Mariana Rodríguez y el equipo de museografía del MNBA, cruza el recorrido histórico del momento de institucionalización de las artes, con los espacios de creación y de exhibición como el del taller. En tanto el equipo de restauración realizó un exhaustivo trabajo de puesta en valor de las piezas, algunas de las cuales se exhiben al público después de casi cien años. 

Arturo Dresco, Bacante, restaurada por el equipo del MNBA

Entre ellas se destaca Bacante (1896) de Arturo Dresco, una de las primeras obras de un escultor argentino en ingresar al museo, escultura restaurada especialmente para esta ocasión. También se exponen documentos de época a partir de un proceso de investigación y trabajo en archivos en cuya búsqueda intervinieron las áreas de Documentación, Biblioteca e Investigación. Parte de este rastreo se utilizó a su vez en dos videosdocumentales que se proyectan en esta exposición.

Francisco Cafferata, La niñez de Giotto, yeso, 1880

Con esta exposición el museo presenta un amplio panorama de los comienzos de su colección de esculturas a partir de un recorte temporal que comprende el período de institucionalización del campo artístico argentino, desde la fundación del MNBA en 1895 hasta el IV Salón de Artes Plásticas de 1914. Revisa especialmente cuáles fueron las motivaciones que animaron a Eduardo Schiaffino, primer director de la institución (entre 1895 y 1910), a conformar un conjunto de esculturas de autores extranjeros y a impulsar la escultura argentina. 

Rogelio Yrurtia, Solicitude, bronce, 1916

 La muestra traza el camino de un grupo de escultores, desde su aprendizaje académico y el trabajo en el taller hasta la exhibición de sus obras en espacios nacionales e internacionales. Piezas de reconocidos autores argentinos y extranjeros del siglo XIX y principios del XX, como Lucio Correa Morales, Mateo Alonso, Francisco Cafferata, Víctor de Pol, Arturo Dresco, Pedro Zonza Briano, Antonio Tantardini, Jules Lagae, Auguste Rodin y Émile Bourdelle, forman parte del corpus de esculturas seleccionadas.

René Auguste Rodin, Cabeza de Balzac, yeso

Vinculada con la política de adquisiciones de Schiaffino, la exposición recupera este primer grupo de obras (en su mayoría en la reserva de la institución), y manifiesta su idea de museo con una función social y educativa, acorde al programa modernizador de la época. Schiaffino reconocía el papel indispensable del museo en la educación de los estudiantes de arte, y su intención fue que en sus salas alcanzaran una experiencia directa con las obras. La muestra busca además comprender en qué medida interactuaron en esos años germinales de la institución, coincidentes con el cambio de siglo, los representantes del campo artístico local, gestores, coleccionistas y espacios de exposición.

Mateo Rufino Alonso, Indio moribundo, terracota, 1902

Seis núcleos temáticos hilvanan esta historia: Los inicios de la colección de esculturas, Salones y exposiciones, Los calcos y la enseñanza de las bellas artes, Camino a la modernidad, Lo moderno, y El Salón de 1914.

Las visitas guiadas para público general serán a partir del martes 22 de octubre de martes a domingo a las 18 hs., excepto feriados.
Se realizarán también visitas especiales para ciegos y personas con baja visión los sábados 19 y 26 de octubre y 16 de noviembre a las 11 hs.
La exposición cuenta con el apoyo de la Asociación Amigos del MNBA y se puede visitar de martes a viernes de 12.30 a 20.30 hs., sábados y domingos de 9.30 a 20.30 hs., con entrada libre y gratuita, en Av. del Libertador 1473, Buenos Aires, Argentina.

Malba rescata un mural desconocido de Antonio Berni

El Malba – Fundación Costantini exhibe un mural de Antonio Berni (Rosario, 1905 - Buenos Aires, 1981), único fresco buono de temática indigenista que se conserva del gran maestro argentino. Documentado fotográficamente en el archivo Berni de la Fundación Espigas, no se le conoce título pero podría llamarse Mercado colla o Mercado del altiplano (ca. 1940). Esta incorporación al acervo del museo y a la colección permanente implica una importante iniciativa de restauración y difusión del patrimonio nacional.
 

Junto con el mural se exhiben 15 aguafuertes realizadas en los años 40 (impresas en 1951) cedidas en comodato por José Antonio Berni, hijo del artista; además de un video documental realizado por El Pampero Cine, que muestra todo el proceso de extracción del muro, traslado, restauración y emplazamiento final en Malba.

Localizado en la galería de una quinta en San Miguel, Provincia de Bs. As., el mural fue adquirido en octubre de 2012 y constituye la primera compra realizada por el Comité de Adquisiciones de Malba (CDA), creado a principios de ese año con el objetivo de colaborar en la ampliación del patrimonio del museo. La pieza fue ofrecida a Malba por intermedio de Silvia Braier (presidenta de la Asociación Amigos de Malba), quien elevó la propuesta a Marcelo E. Pacheco, entonces curador en jefe del museo. Pacheco, especialista en Berni, constató la relevancia de la pieza y asesoró al CDA para concretar su incorporación al acervo del museo.

La extracción del mural estuvo coordinada y financiada por Malba. Durante seis meses, un destacado equipo de profesionales argentinos, encabezado por la restauradora Teresa Gowland de Frías y el arquitecto Marcelo L. Magadán, trabajó con las mejoras técnicas de traslado y restauración hasta su emplazamiento final en una de las salas del museo.

  

Se trata de una pintura mural al fresco buono, con detalles de terminación al secco, de 129 x 330 x 2 cm. Se desconoce la fecha de su ejecución, pero se calcula que podría haber sido hecha entre 1936, cuando Berni realizó su primer viaje por el Noroeste Argentino, y 1943, luego de su segundo viaje por la Puna, en el que pasó por Bolivia, Perú, Ecuador y Colombia, gracias a una beca de la Comisión Nacional de Bellas Artes para estudiar las tipologías de las culturas coloniales y precolombinas en Latinoamérica. 

El mural pertenece a una época clave en la producción de Berni en la que refuerza su compromiso con la realidad social. La pieza se inscribe dentro del “Nuevo Realismo”, doctrina estética que el artista inició en 1934, luego de la visita al país del mexicano David Alfaro Siqueiros. En esos años, Berni había descubierto el norte del país y, a partir de 1936, realizó un conjunto de obras dedicadas a la exaltación del carácter singular de la Puna y sus habitantes. Significó el encuentro con la raza indígena y con una cosmovisión común a gran parte de los países de la región. 

Eduardo Costantini y Marta Minujín durante la presentación del mural

De esta temática, Berni pintó además un mural en la entrada de su casa (ca. 1940), supuestamente destruido; los grandes óleos Jujuy (1937), hoy colección del Museo de la Patagonia Francisco P. Moreno, Bariloche; y Mercado indígena (1942) desaparecido; tres acuarelas tituladas Boceto de composición (1942) y otras dos, Apuntes de paisaje (1943), además de dos óleos, Coyas en el Altiplano (ca. 1940-1942) y Boceto para Mercado indígena (1942), todas de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes. 
 

En Mercado colla o Mercado del altiplano, el artista exalta la etnia americana y mestiza colla como arquetipo del Norte Argentino, pero también del norte chileno, Perú y Bolivia, a la vez que rescata su cultura, su forma de vida, sus vestimentas coloridas, sus labores y su forma de comercio en su entorno geográfico: el paisaje árido de montañas del altiplano de la Puna y el poblado de arquitectura colonial-española. Esa pertenencia americanista puede funcionar como un nuevo punto de entrada para el estudio de la producción artística de Berni.

El Centro Cultural Rector Ricardo Rojas presenta las actividades para celebrar "30 años de democracia"

Serie de León Ferrari “Nosotros no sabíamos” + proyección simultánea en el Rojas y en diversos puntos del país del documental “Argentina 30 años de democracia: cultura y universidad” + entrevista documental en vivo al Dr. Francisco Delich, rector normalizador de la UBA (diciembre 1983/marzo 1985) + Festival de música +  proyecciones + lecturas.

"El Centro Cultural Rector Ricardo Rojas de la Universidad de Buenos Aires cumple el año próximo 30 años. Fue fundado en septiembre 1984, en plena apertura del gobierno democrático, y desde el inicio, El Rojas acompañó en la práctica el proceso de democratización de la cultura.

En este sentido es para toda la Universidad de Buenos Aires muy importante celebrar el acontecimiento que determinó nuestra identidad, que nos dio las libertades de crear, producir conocimiento y fomentar la cultura como herramienta fundamental para el desarrollo humano."

Más información en: www.rojas.uba.ar

 

Forward: en el Palais de Glace

Forward: Arte + Nuevos medios.  

Muestra colectiva / Instalaciones

Artistas participantes: Leandro Garber, Maximiliano Aduki, Manomadé, Carola Bony, Luciano Foglia, Emmanuel Pidré, Esteban Rodolfo, Cecilia Rosso.

Coordinación: Ariel Ireneo Chavez y Luisa Tomatti

Producción: DFCL es Difícil

 

Forward es un espacio producido por  DFCL es Difícil con el objetivo de generar un encuentro con la obra de jóvenes artistas y diseñadores que llevan adelante proyectos donde la búsqueda tecnológica va de la mano de la creatividad y la producción artística.
Los nuevos medios y soportes tecnológicos son incorporados velozmente a nuestra vida cotidiana y son parte también de la forma que tenemos de entendernos y comunicarnos. El arte, como parte y transformador de la cultura, no es ajeno a este diálogo y participa activamente de estas necesidades en constante desarrollo.
Esta nueva edición de Forward: se propone llevar adelante una serie de eventos cuyo objetivo es poner en evidencia la forma en que las estrategias de comunicación, estrechamente vinculadas al desarrollo de las nuevas tecnologías, se relacionan con distintas manifestaciones culturales.
A partir del trabajo en conjunto de artistas, diseñadores e investigadores de la tecnología, se pretende generar un espacio de intercambio, experimentación y aprendizaje donde las premisas Arte, Tecnología y Comunicación sean disparadores para pensar nuevas formas de conocimiento y creatividad.

Se puede visitar hasta el 1º de diciembre, de martes a viernes de 12 a 20 hs. y sábados y domingos de 10 a 20 hs. con entrada libre y gratuita en Posadas 1725, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Diálogo entre las colecciones del Palais de Glace y la Fundación Vittal

El 29 de octubre a las 19 hs. se inaugura "Diálogo entre las colecciones del Palais de Glace y la Fundación Vittal", una exposición del patrimonio del Palais de Glace y la colección Fundación Vittal, un encuentro entre memoria e historia. 

Jorge González Perrin, sin título, serie Paradigmas, 2011, acrílico sobre tela y fibras indelebles. Colección Fundación Vittal

Artistas participantes: Jorge González Perrin, Ernesto Pesce, Jorge Pietra,  Ricardo Roux, Mariana Schapiro, Oscar Smoje.  

"Los artistas involucrados han sido galardonados en distintas ocasiones en el Salón Nacional de Artes Visuales que organiza anualmente el Palais de Glace y la Secretaría de Cultura de la Nación, fueron publicados en Ediciones Vittal y obras de su autoría forman parte de la Colección". Fundación Vittal.

Ernesto Pesce, Alma, tan lejos, tan cerca, 2011, acrílico sobre tela

"¿Cuál es el vínculo entre Patrimonio Público y Colección Privada? ¿Son realmente incompatibles como se los suele presentar? Si el primero es la memoria de la nación, ¿la segunda es una antagonista que la dilapidaría? O, por el contrario, ¿resulta más productivo pensar ambos territorios como complementarios e imbricados, impuros y nutriéndose mutuamente en y con regulares vías de contacto? Un mapa, más real, cuya observación pondría en evidencia tramas seguramente más complejas, entretejidas alrededor de la producción artística, sus modos de circulación y el gusto que la atraviesa en permanencia. Uno y otra parecen destinados a reforzar una cierta identidad cultural, cambiante y dinámica, que se enriquece y modifica con cada generación. 

Jorge Pietra, Zabala esquina Ganesha, 2011, carbón, pastel y tinta china sobre tela. Gran premio Adquisición Dibujo, 101º Salón Nacional de Artes Visuales 2012. Patrimonio Palais de Glace

Es desde esa perspectiva que puede ser pensado el encuentro, en formato exposición, entre el patrimonio del Palais de Glace y la colección Fundación Vittal y su proyecto de edición de libros sobre la obra de artistas argentinos."

"… La publicación de libros iniciada por Fundación Vittal en 2001 se afianza en el último período y fue definiendo sus objetivos en diferentes momentos a la vez que participa de las mismas circunstancias que afectaron a nuestra sociedad."

Ricardo Roux, La ventana y el mar, 1987,  acrílico sobre tela

"… Ernesto Pesce y Oscar Smoje, los mayores, fueron maestros en los talleres de Paso y de Cangallo, no sólo en formación plástica sino en las convicciones de compromiso social asumidas por un amplio sector de la sociedad en los años 1960-1970. Ricardo Roux, Jorge Pietra y Jorge González Perrin fueron afectados duramente por el período de la última dictadura, mientras que Mariana Schapiro, la más joven y alumna del taller de Paso, se plantó en la escena artística bien avanzada la democracia. 

Mariana Schapiro, Sólo abraza lo que fluye, 2004, chapa de hierro y madera pintados

Lo singular es que la obra de estos artistas, cuyo análisis excede el propósito de estas líneas (allí están los libros), ingresa al patrimonio público, salvo por algunas obras de Pesce que ingresaron anteriormente, por vía de las diferentes ediciones del Salón Nacional de los últimos treinta años.
El reconocimiento institucional y privado, a un mismo tiempo, y no como en el pasado, donde la una podía aparecer preservando lo desdeñado por el otro, aparecen así cerrando un ciclo con la misma voluntad reparadora de los años transitados en democracia." María Teresa Constantin

Oscar Smoje, sin título, serie Rupturas, 1984, técnica mixta sobre tela. Colección Fundación Vittal

La exposición se puede visitar con entrada libre y gratuita hasta el 1º de diciembre, de martes a viernes de 12 a 20 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. en Av. del Libertador 1248, Buenos Aires, Argentina.
Visitas guiadas: sábados a las 17 y 18 hs.

Rosa Olivo, María de la Iglesia y Carlos Baldas exponen en Modena Design

Rosa Olivo, María de la Iglesia, Carlos Baldas y Lucila Isaurralde
Foto: Marko Vombergar

El espacio de arte de Modena Design presenta esta vez una muestra triple:  las pinturas de Rosa Olivo y María de la Iglesia, acompañadas por las esculturas de Carlos Baldas, con la coordinación de Lucila Isaurralde.

Obras de Rosa Olivo

Rosa Olivo nació en Adrogue, Pcia de Buenos Aires, Argentina.
Su necesidad de expresarse a través del arte la lleva a iniciar estudios de pintura y composición en el taller de los artistas plasticos Heriberto Zorilla y Helena Distefano.

Participó en más de 50 muestras y exposiciones colectivas e individuales en Argentina, Estados Unidos e Italia.
Fue distinguida en 12 ocasiones, entre premios y menciones. Sus obras se encuentran en colecciones particulares, en Argentina, Francia, Chile, Italia, Panamá y U.S.A.

Cristiano Rattazzi, Rosa Olivo y Lucila Isaurralde
Foto: Marko Vombergar

"La obra de Rosa Olivo es lo más parecido a un estallido de fuegos artificiales en una noche de verano, sólo que ese estallido de colores tiene la cualidad de presistir en la mirada del espectador aún cuando ya no está frente al cuadro. Su obra es una cartografía de sensaciones e intensidades que recorren la tela. Inmersa en el caos, como pez en el agua, la autora va en busca de un encuentro, es el que va más allá de la forma o de la represntación, más allá de lo que el ojo espera, esos imposible de nombrar pero que un alma sensible puede presentir. Rosa Olivo apunta al corazón del espectador con cada color, haciendo suyas las palabras de Kandinsky: la pintura tiene como objetivo despertar la emoción del observador y en él deben actuar solamente el sentimiento" expresa el artista y maestro Eduardo Medici. 

Obras de María de la Iglesia

María de la Iglesia es una artista autodidacta que cuenta sobre su experiencia: "Comencé en el camino del arte a los 22 años, con el embarazo de mi primera hija Francisca, siguiendo el legado de mi abuela materna Aurora, quien toda su vida realizó increíbles obras en silencio.
Mis primeros pasos fueron junto al reconocido artista español Tony Vila, quien me enseñó el manejo de los oleos.
Ya radicada en Buenos Aires, en el año 2006, comencé a incursionar en lo abstracto con acrílicos como forma de expresar mi sentir.
Definitivamente ser artista despierta en mí cosas impensadas, permite exteriorizarme libremente a través del lenguaje visual dejando fluir lo más profundo de mi esencia y reflejando mis distintos estados de ánimo.

Obras de María de la Iglesia

Como amante de la libertad, de la felicidad, de identificar nuevos caminos que me motiven , el arte me lleva a explorar emociones adaptándome a los constantes cambios de la realidad."

Además realizó un curso de Esencialismo Abstracto dictado por la artista Amalia Montangero en 2007, un curso de expresionismo abstracto y técnicas mixtas con la artista Vivi Julliand y de arte pop con el artista Marcelo Gaggino, ambos en 2013. 

Realizó prácticas y trabajó con la escultora Nélida Demarchi en San Isidro, en 2005. 

Carlos Baldas y sus esculturas

El escultor Carlos Baldas nació Carlos nació en Buenos Aires, Argentina. Arquitecto de profesión, fue estimulado desde su infancia por el arte gráfico y musical. Hace más de una década expresa esta pasión a través del modelado en gres y el tallado en piedra.  

Participó del High Point Market, Carolina del Norte, Estados Unidos, en 2009; de Expo-artistas, del XXVII Salón Anual "Premio Mauricio Algieri" y de Kevin McPherrin Gallery en Boca Raton, Florida, Estados Unidos, en 2010; expuso en Fontenla, Arteclásica, Arte Espacio, Madero Mystic y Museo Metropolitano  en 2011; participó del Gallery Nights de Puerto Madero en Fontenla, de BADA en Estilo Pilar y de la muestra "Brasil por 2" en Estilo Pilar, en 2012, y expuso en varios locales de Fontenla en 2013.

Obtuvo una Mención de Honor en el Salón Internacional de Escultura Contemporánea en el Museo Metropolitano, Buenos Aires, Argentina, en 2011 y 2012.

Las muestras "Estreno de emociones" de Rosa Olivo, "El Arte en mi esencia" de María de la Iglesia permanecerán expuestas hasta el 3 de noviembre y "Feminas"de Carlos Baldas hasta el 25 de octubre. Todas se pueden visitar en Modena Design, Av. Figueroa Alcorta 2270, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.