31 de octubre de 2018

El Centro Cultural Borges presenta la exposición de Alejandro Haloua: “La esfera”


El Centro Cultural Borges presenta la exposición de Alejandro Haloua: “La esfera”, dentro del proyecto “La línea piensa”, fundado por Luis Felipe Noé y dirigido por Eduardo Stupía.
Coordinación: Melina Ojagnan
Inauguración Jueves 1 de Noviembre a las 19 Hs
 
“Alejandro Haloua ha decidido que esta muestra prolijamente abarcativa de su trabajo se titule La esfera. Puede que lo haya querido así como consecuencia de una estimulación onírica, de acuerdo a palabras del propio artista, asumiendo que el sueño, ‘autor de representaciones’, es como una bóveda celeste nocturnal y secreta, una suerte de planetario privado donde se proyectan todas las imágenes. O bien porque la esfera es la figura más perfecta y más uniforme, dado que todos los puntos de la superficie equidistan del centro, según dice Borges que dice Platón en el Timeo. Haloua quizás percibe que esa ecuanimidad geométrica es una eficaz metáfora del modo en que él entiende y plantea el establecimiento de su lenguaje, donde ningún signo o elemento tiene mas importancia que otro y la relación entre las partes y el todo es análoga, y perfectamente equilibrada. Con óleo, acrílico, pastel, fibras, crayones, tinta, lápices –‘todo lo que esté a mano’,confiesa- Haloua avanza sin prisa y sin pausa sobre diversos soportes en una incontenible generación de formas gráficas, líneas, manchas, pinceladas, trazos, tramas, empastes y borbotones de un color invariablemente intenso y carnal, muchas veces desaforado y virulento, bajo el imperio de una dinámica constructiva donde predominan la multiplicación, la subdivisión, el encastre, la cristalización, la proliferación y diseminación barrocas. Esta peculiar morfología parece alimentada por una corriente de vitalidad creativa más proclive a dejarse llevar y extasiarse en el puro devenir hedonista de la acción, antes que a detenerse en consideraciones compositivas o en regulaciones normativas, de género o formato. En esa sensación de infinitud que invade al espectador, que cree estar en presencia de erráticas, exhuberantes cartografías, de códices excéntricos o inventados, pueden desde luego detectarse ensayos de la abstracción moderna más expresiva (Asger Jorn, Karel Appel), asi como raudos pasajes de ornamentaciones descompuestas, de configuraciones que remotamente aluden a alguna críptica narración, a alguna desquiciada fisonomía. En cualquier caso, Alejandro Haloua elude graciosamente toda domesticación para desatar las mil caras de su misterioso mundo, un mundo legislado por la indómita autonomía de su propio cánon y la saludable arbitrariedad del gesto artístico puro”. Eduardo Stupía

Nueva edición de la Bienal de la Imagen en Movimiento: una puerta de entrada al cine experimental, el videoarte y el arte contemporáneo


La Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), a través del Instituto de Investigaciones en Arte y Cultura Dr. Norberto Griffa (IIAC) y el centro de investigaciones Continente, presenta la cuarta edición de la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM), dedicada al cine y video experimental y sus vínculos con el arte contemporáneo, dirigida por Gabriela Golder y Andrés Denegri. Se realizará del 1 al 11 de noviembre en la ciudad de Buenos Aires, con entrada gratuita a todas sus actividades.
 
La BIM es un evento internacional, de corte latinoamericano, que a través de proyecciones, muestras, premios, talleres, conferencias, seminarios y charlas con artistas, propone un fuerte y necesario cruce entre artistas de diferentes latitudes con el propósito de generar diálogos sobre el contexto del arte contemporáneo con foco en las prácticas audiovisuales. Es un lugar de encuentro entre creadores, investigadores, estudiantes, productores culturales y el público amante de las artes audiovisuales en sus expresiones más diversas.

Esta Bienal es una actividad singular, es una combinación entre un festival de cine y una muestra de arte contemporáneo donde el eje central es el cine y el video experimental. En ella, un gran despliegue de obras exhibidas en museos y cines es enriquecida por una amplia oferta de actividades.
 
"Qué hacer/A pesar de todo", curada por Gabriela Golder y Andrés Denegri en MUNTREF - CAC - Hotel Inmigrantes
 
Este año, Qué hacer/A pesar de todo son los ejes que articulan la muestra central, que estará ubicada en el MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo con curaduría de Gabriela Golder y Andrés Denegri, y una serie de proyecciones y actividades especiales.

Entre las novedades de esta edición se realizará un seminario, gratuito con cupos limitados, en  Lumiton Usina Audiovisual, en el que los artistas Azucena Lozana, Leticia Ramos, Mika Taanila y Stephen Broomer analizarán las poéticas del cine experimental. Para participar es necesario enviar nombre y apellido a: actividadesespeciales@bim.com.ar.
 
Exposición "Vagar" de Matthieu Bertea, curada por Caroline Coll en la Alianza Francesa de Buenos Aires

También habrá actividades especiales en la sede de la Alianza Francesa, como la presentación del libro Fotogenias y paradojas, de Erik Bullot y, con un enfoque de género, el debate Deconstruyendo un sistema, nos componemos: trabajo y resistencia en la producción feminista audiovisual-experimental, con Silvia Rivas, Macarena Cordiviola, Florencia Levy y Mariela Yeregui.

Esta edición de la BIM establece el desafío de reflexionar sobre las tecnologías audiovisuales y sus usos en el arte moderno y contemporáneo, para vincular la creación con estos medios a cuestiones ineludibles de nuestro presente histórico. 

Por otra parte, tendrá lugar el Premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana, que alcanzó las ochocientas obras presentadas y una amplia preselección que se proyectará durante la Bienal. A su vez, se otorgará el Premio Arcoiris a la Creación Argentina, que consiste en diez rollos de Súper 8, concedidos por el Laboratorio de Súper 8 Arcoiris.
 

Además, la BIM desarrolla distintas herramientas de difusión y construcción de pensamiento alrededor del Premio Norberto Griffa, como la publicación de textos críticos de las obras ganadoras y el desarrollo de programas itinerantes llamados VER Panoramas de la Creación Latinoamericana, que ponen en circulación piezas de video y cine experimental en diferentes espacios de exhibición de diversas latitudes, con el objetivo de acercar el audiovisual latinoamericano a nuevas audiencias.

En este sentido, la BIM también publica una memoria gráfica y una memoria audiovisual que fomenta el pensamiento teórico y el estudio de las artes audiovisuales, creando un documento que materializa la experiencia del evento desde el texto escrito.

Para conocer la programación: http://bim.com.ar/, por consultas: contacto@bim.com.ar.

"Goya + Picasso + Dalí. Arte y tauromaquia" en el Museo de Arte Español Enrique Larreta


El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires presenta la exposición "Goya + Picasso + Dalí. Arte y tauromaquia" en el Museo de Arte Español Enrique Larreta.
 

Francisco de Goya. “Un torero en Buenos Aires”. Dos estampas de la serie Tauromaquia, 1816, aguafuerte, aguatinta y punta seca. Colección M. Larreta
La exposición reúne a tres de los nombres más relevantes del arte español: Francisco de Goya, Pablo Picasso y Salvador Dalí. El punto de encuentro que los vincula es la tauromaquia, tema representado a partir de sus grabados y litografías. Con diferentes contextos, estilos, intenciones o significados los tres protagonistas de esta muestra han representado plásticamente la pasión y dramática intensidad de las corridas taurinas mediante sus diversas miradas.
 

Pablo Picasso. “Avant la Pique, 1959, grabado sobre linóleo y “Del álbun de dibujos realizados en Vallauris, 1981, aguatinta. Colección particular
Goya (1746-1828), considerado como un precursor de la modernidad, realizó su serie de grabados mostrando una visión histórica de la tauromaquia en España; Picasso (1881-1973), creador del cubismo, fue aficionado a los toros desde su infancia y transformó esas escenas en temas centrales de su obra; Dalí (1904-1989), uno de los máximos representantes del surrealismo, sintió fascinación por el mundo del toreo y elaboró sus imágenes en clave surrealista.
La exhibición incluye grabados y una acuarela de Emeric Essex Vidal, que da cuenta de cómo eran las corridas de toros en Buenos Aires a principios del siglo XIX, sumando además objetos, libros y material audiovisual que ilustran el vínculo de la tauromaquia con la literatura y la historia del arte.
 

Salvador Dalí. Tauromaquia, litografías coloreadas, 1968. Colección particular
 
Más allá del debate, la pasión o la controversia, la muestra brinda la oportunidad de acercarse a las múltiples lecturas que ofrece el tema, apreciando de manera conjunta la obra de tres exponentes fundamentales del arte universal.
Esta exposición cuenta con el apoyo y producción del C.C.E.B.A. Curaduría: Lic. Patricia Nobilia.

Emeric Essex Vidal. Corrida de toros en la plaza de Buenos Aires, acuarela, 1817
 
Actividades complementarias:
El sábado 3 de noviembre a las 17 hs. se desarrollará la conferencia "Toros sí, Toros no ¿Toros nunca?" a cargo del Dr. Mariano Rodríguez Otero, director del Instituto de Historia de España, Filo, UBA.
Además se realizarán proyección de películas y talleres en fechas y horarios a confirmar.
 

Literatura y tauromaquia
 
La exposición cierra el 6 de enero de 2019 y se puede visitar de martes a viernes de 12 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. en Av. Juramento 2291, Buenos Aires, Argentina. Entrada General $30. Jueves gratis. Menores de 12 años, jubilados y estudiantes con acreditación, gratis todos los días. 

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30 de octubre de 2018

“La Forma della Bellezza” 2000 anni di arte, cultura e industria del bello nel Golfo di Napoli


El embajador de Italia, Giuseppe Manzo, presentó este martes 30 de octubre en el Teatro Coliseo, "La forma de la belleza", un nuevo ciclo cultural organizado por la Embajada de Italia, en colaboración con el Teatro Coliseo, el El Instituto Italiano de Cultura y la Agencia Nacional de Comercio Exterior, sobre las diversas expresiones de la belleza en el Golfo de Nápoles a lo largo de un recorrido de más de 2000 años, que finalizará el 9 de diciembre y se llevará a cabo en varios lugares prestigiosos de la Ciudad de Buenos Aires.

El ciclo “La Forma della Bellezza” se llevará a cabo a partir del próximo 28 de octubre hasta el 9 de diciembre, en distintas sedes prestigiosas de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires que serán escenario de las diversas expresiones de la belleza en el Golfo de Nápoles, desde el teatro y el baile, hasta el trabajo de los artesanos de hoy, que tienen en común a la musa inspiradora Afrodite di Capua.
 
Afrodite di Capua
La belleza está presente en el diseño y el arte, expresada a través de los cánones de la belleza clásica a los que remite la antigua escultura Afrodite di Capua, hallada en 1750 en las ruinas del Anfiteatro de la antigua Capua, así como también en los innovadores diseños de alta costura de la famosa sastrería Marinella, expuestos en el Museo de Bellas Artes.
En la terraza del Museo Nacional de Bellas Artes los productos artesanales de alta costura napolitana acompañarán la inauguración de la muestra sobre Afrodita de Capua, que se exhibirá en el hall de entrada del museo. El made in Italy contemporáneo enriquecerá las formas de la escultura clásica y las corbatas de la histórica Sastrería Marinella “desfilarán” en los modelos de prendas de otras marcas de excelente categoría, Attolini, Isaia e Kiton. con una síntesis entre creatividad y artesanía, innovación y tradición, exclusividad y elegancia. Las prendas quedarán en exhibición en el Instituto Italiano de Cultura.
 
Muestra fotográfica “Seducción sin tiempo – Coral y Camafeos, entre memoria
y modernidad”
La belleza también adquiere su forma en el más fino arte en joyería artesanal de corales del Mediterráneo, ilustrada a través de seminarios y demostraciones en vivo sobre el arte del grabado del coral por parte de expertos italianos en la materia.
Las joyas presentadas por la Asociación Nacional de Productores de Coral y Cammei de Torre del Greco narran la seducción del coral y de los camafeos.
El estilo italiano se distingue por su elegancia que incluye refinadas colecciones de preciosas joyas de fina artesanía, como las de coral.


La belleza se expresa en el gusto, destacando y revalorizando la comida napolitana con almuerzos temáticos en el Palacio Duhau Park - Hyatt Hotel, en el marco de La Semana de la Cocina Italiana en el Mundo. La protagonista será la pasta artesanal Setaro, producida en una ex fábrica de armas devenida en una fábrica de pasta de diseño, resignificando con un sentido de vida y de placer un espacio antes utilizado para la guerra. Se realizarán también Master Clases dictadas por importantes chefs italianos en la Escuela de Cocina Mausi Sebess de Vicente López, y degustaciones de la pastelería siciliana en el Sheraton Hotel.

La belleza en el movimiento será interpretada en el Teatro Coliseo, tanto por el Cuerpo de Baile del Teatro San Carlo de Nápoles, como por la puesta en escena de la obra teatral “Filumena Marturano”, una de las comedias más representadas en el extranjero, escrita por Eduardo Filippo y dirigida por Liliana Cavani.
El espectáculo “Homenaje a Nuréyev e Rossini” es parte de una serie de eventos que el Teatro San Carlo ha realizado en el 150 aniversario de la muerte del genio de Pesaro. Es además un sincero y debido homenaje en honor al talentosísimo bailarín y coreógrafo Rudolf Nuréyev a 80 años de su nacimiento y a 25 de su fallecimiento.

El Ciclo contará con la presencia de importantes personalidades italianas, entre las cuales se distinguen el presidente de la Associazione Nazionale Produttori di Corallo, Tommaso Mazza; el maestro de arte en grabado, Ciro Mazza; el presidente del Consorzio Terre di Oplontis, arq. Michele Cuomo; el chef italiano, Francesco Gagiulio, el maestro en pastelería siciliana, Santi Palazzolo, el chef Leonardo Fumarola, en representación de la Asociación Buenos Aires Cuochi Italiani (BACI), además de representantes de la moda, el diseño, la fotografía y el cine. 

29 de octubre de 2018

David Lamelas expone en Henrique Faria Buenos Aires


David Lamelas
Henrique Faria Buenos Aires presenta la muestra “Arquitectura nómade” donde David Lamelas expone Pared Doblada, un conjunto de obras que consiste en trasladar el espacio de la galería Jan Mot de Bruselas, Bélgica, al de Henrique Faria en Buenos Aires. Pared Doblada fue realizada por primera vez por Lamelas en 1994 en ocasión de que le fuera comisionada una obra para una muestra en el ICI (Instituto de Cultura Iberoamericana) de Buenos Aires. El artista residía entonces en Nueva York y trasladó una hoja de papel del tamaño de una de las paredes de su estudio, plegada en una valija, para luego volver a desplegarla en el espacio propuesto en Argentina. Se trata de una pieza site specific que resume todas las preocupaciones que el artista ha venido manifestando acerca del tiempo y el espacio desde sus instalaciones pioneras en la galería Lirolay y el Instituto Di Tella a mediados de los 60. La muestra, que podrá verse a partir del 10 de octubre y hasta el 14 de noviembre, es la primera presentación de Lamelas en el país luego de su celebrada muestra monográfica en MALBA.
 
Pared Doblada, 1994/2018, papel plegado y caja de cartón 
El mismo Lamelas explica la génesis de esta pieza. “La idea de la Pared Doblada fue por necesidad. Estaba en Nueva York en mi pequeño estudio del East Village cuando me invitaron a una muestra en Buenos Aires. Pensé en unir a través de las paredes dos ciudades muy distantes y al mismo tiempo muy cercanas para mí”. Luk Lambrecht, director artístico del Museumcultuur de Gante (Bélgica), repasa la estrategia del artista en el texto crítico que acompaña esta muestra. 

“Tras haber solicitado y recibido las medidas de las paredes del espacio de exhibición, eligió una pared de 4,3 x 4,6 metros y dobló meticulosamente una enorme hoja de papel blanco con las mismas dimensiones, y la colocó en una valija, a fin de poder llevarla como equipaje y/o despacharla a Buenos Aires”. La idea tiene un sesgo duchampiano que el mismo Lamelas reconoce. “El también, al igual que yo, vivió en Buenos Aires y en Nueva York y a los dos nos gusta jugar con la idea de lo que es arte”. Sobre esta nueva versión de Pared Doblada dice Lamelas que “lleva el espacio de Bruselas a Buenos Aires. Crea un espacio virtual. Presento el espacio abstracto de la galería Jan Mot en Bruselas en este espacio real en Buenos Aires”.
 
Para Lambrecht, Pared Doblada es “una obra que funciona como auto-instrucción. Al mismo tiempo, problematiza la noción de «in situ», pues está concebida desde la premisa fáctica y arquitectónica del lugar de exposición, pero sin fijación en el espacio/contra un muro. Es una obra contenida en una caja de cartón, la cual, una vez ubicada en el espacio se convierte en un despliegue del espacio físico. La caja que transporta la obra se transforma en una reducción, en una maqueta de arquitectura. Esta tensión de pared/pared doblada, hecha de papel blanco, y la caja «a escala» arquitectónica, propone un discurso sobre el lugar del artista, el lugar del arte, y el lugar del estudio del artista como oficina, no como taller”.
 
Desplazamiento de un círculo negro I y II, 2018, aluminio y crayón negro
 
Lamelas ha trabajado a las grandes ciudades como tema desde los primeros años de su carrera: en 1969 ya había realizado obras que tenían a Londres y Düsseldorf como centro de su preocupación a través de medios tan diversos como el cine, la fotografía o la arquitectura. Esto hace que su praxis artística rehuya definiciones previsibles como la de reducirlo al lugar de un conceptualista. 

En palabras de Lambrecht: “Es demasiado fácil definir a Lamelas como artista conceptual. Su obra, flexible y nómade, se aparta de cualquier exhibición teatral de gran porte. Hay que reconocerle que nunca quiso sacar provecho de sus orígenes «nacionales»: en lo que a él respecta, la idea de identidad tiene múltiples capas, concepto que hoy en día está bajo cada vez más presión. La producción artística de Lamelas se sitúa en la intersección de los vectores de tiempo y espacio. En consecuencia, su obra es coreográfica, y no debe ser capturada por medio de la fijación: se posiciona en el mundo de modo concreto, y es el devenir del mundo el que afecta los cambios inevitables en la percepción y la interpretación de su trabajo”.
 

Pieza de naturaleza nómade, Pared Doblada es una obra que define también la circulación de los artistas y el arte contemporáneo en los tiempos fugaces de la posmodernidad y la cultura globalizada. En ese sentido, da prueba del lugar central que Lamelas ocupa en la escena internacional como lo demuestra su permanente participación en muestras individuales y colectivas a lo largo del mundo.

David Lamelas
David Lamelas nació en Buenos Aires en 1946. Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes. En 1965 participó del Premio Braque, del Premio de Honor Ver y Estimar y de una exposición curada por Jorge Romero Brest en la galería Guernica. En 1966 recibió una mención en el Premio Nacional del Instituto Torcuato Di Tella y volvió a participar del Premio de Honor Ver y Estimar. En 1967 participó en Más allá de la geometríaExperiencias visuales 67 y Estructuras primarias II. El mismo año fue distinguido en la IX Bienal Internacional de San Pablo junto a Jasper Johns (Estados Unidos), Carlos Cruz-Diez (Venezuela) y Michelangelo Pistoletto (Italia). En 1968 obtuvo una beca del British Council y viajó a Londres, donde estudió en la St. Martin’s School of Arts y comenzó a realizar cortometrajes y cine. Participó también en Materiales, nuevas técnicas, nuevas expresiones y en Experiencias 68 del Instituto Torcuato Di Tella. Representó además al país en la XXXIV Bienal de Venecia y participó en Beyond Geometry, en el Center for Inter-American Relations de Nueva York. En 1972 expuso en Documenta 5 (Kassel).
 
Sus obras han sido exhibidas en importantes instituciones del mundo, como el MoMA (Nueva York), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) y Documenta 14 (Kassel). Recientemente se presentó Con vida propia, una exhaustiva muestra individual organizada conjuntamente por MALBA (Buenos Aires) y University Art Museum (UAM), California State University, Long Beach. Actualmente se presenta la exposición monográfica A fiction of a production en el MSU Broad Museum (Estados Unidos).
Sus obras forman parte de importantes colecciones, entre las que se destacan Tate Modern (Londres), LACMA (Los Ángeles), Pinault Collection (Venecia), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), The Metropolitan Museum of Art (Nueva York), MoMA (Nueva York), y MALBA (Buenos Aires).
Desde 1976 alterna su residencia entre Los Ángeles, Nueva York, Bruselas, Berlín, París y Buenos Aires.

Situación de un círculo azul, 2018, hierro y crayón azul
La muestra se puede visitar hasta el 14 de noviembre dew 2018, de lunes a viernes de 11:30 a 19 hs. en Henrique Faria Buenos Aires, Libertad 1630, Buenos Aires, Argentina.
 


Murales de la ciudad: un reflejo de la cultura porteña


"Buenos Aires es una Ciudad en la que constantemente la cultura, a través de sus expresiones y sus talentos, continúa consolidándose como capital cultural de la región. No sólo en las zonas más comerciales o donde predominan los teatros se puede ser testigo de dicha creciente cultural, sino también en los medios de transporte, veredas o calles de sus barrios más antiguos y alejados en los que predomina fuertemente la presencia de los artistas porteños.

El barrio de Barracas perteneciente al 'Distrito de las Artes' ubicado en el sur de la Ciudad tiene su propia identidad artística impregnada a lo largo de sus extensos paredones, donde a través del uso de la pintura quienes desean expresarse lo hacen interviniendo con sus diseños las fachadas edilicias que caracterizan esta zona en la confluyen fábricas, industrias, centros culturales y casas vecinales.

Allí el muralista Alfredo Segatori, quien se define así mismo como un 'artista callejero', fue uno de los primeros en salir a pintar las calles de Buenos Aires. De una extensa trayectoria autodidacta que comenzó en el año 1990, cuando dio sus primeros pasos en el arte de la pintura mural, lleva realizadas más de un centenar de obras, charlas, talleres y conferencias en todo el paí­s y en el exterior.

'Hice un mural hace unos años en homenaje a Benito Quinquela Martín frente al riachuelo, en el barrio de Barracas. Cuando los vecinos lo vieron me pidieron que continúe en sus casas y tomando la esencia de Quinquela y su rol social, decidimos hacer retratos de vecinos en los frentes de las casas pegadas al mural' cuenta con orgullo Alfredo Segatori.

Sin quererlo Segatori logró un un objetivo no planeado: 'Así conseguimos el récord mundial de más metros pintados por una sola persona al llegar a los 2100 metros. Los vecinos se unieron, le dimos alegría al barrio y generamos un atractivo para el turismo' explicó el artista.

Con la meta de poder realizar la restauración y puesta en valor de esta obra tan valorada por él como por la Ciudad, el muralista decidió presentarse en la convocatoria que realizó el Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias: 'Ahora con el proyecto aprobado vamos a poder restaurar este mural tan importante para el sur de la Ciudad y si todo va como esperamos en 2019 vamos por la ampliación de la obra' aseguró con confianza Segatori.

Este año esta línea de Impulso Cultural que ofrece la Ciudad, ha tenido este año un fuerte acompañamiento que se reflejó en un crecimiento significativo: la cantidad de proyectos presentados aumentó un 235%, los recursos un 167%, las propuestas aprobadas pasaron de 75 en 2017, a 213 este año y se redujeron los tiempos entre la inscripción y la resolución.

Segatori es además docente del Centro Cultural Ricardo Rojas, donde desarrolla el curso de Aerosol Urbano dado que su técnica predilecta a la hora de volcar sus ideas en una pared, se basa en el uso de aerosol a mano alzada.

El Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias, una herramienta para que los vecinos puedan llevar adelante sus proyectos, cumplir sus sueños y fortalecer el compromiso social.

24 de octubre de 2018

Die Informale. La semana en que Berlín y Hamburgo irrumpen Buenos Aires con intervenciones artísticas


Hasta el 27 de octubre, por primera vez a nuestra ciudad y bajo el título Die Informale, artistas de Berlín, Hamburgo y Buenos Aires se reúnen en un programa evolutivo de intervenciones de video, desarrollado en varias locaciones, tanto públicas como escondidas, acompañado de muestras, charlas y eventos culinarios.

A Night At The Pool, el evento apertura de Die Informale Buenos Aires. Crédito: Kevin McElvaney  
 
Die Informale celebra la calidad de lo informal, mezclando el arte audiovisual, plástico y musical, despojando de formalidad a toda intervención artística, recorriendo espacios porteños impensados y convocando al público a ser sorprendido. Se trata de un diálogo entre las ciudades alemanas de Berlín y Hamburgo, y la ciudad de Buenos Aires; sus contextos urbanos y, por sobre todo, entre sus artistas y habitantes.

“La proyección del tamaño de un edificio de una extraña criatura nocturna aparece en el corazón de la ciudad. Una vieja pantalla de televisión emite imágenes entre pilas de latas de comida, sobre el estante de un supermercado. Imágenes titilantes y música tecno habitan un taller mecánico”, puede leerse en el sitio www.dieinformale.com que anuncia de forma simple y efectiva la propuesta germana.

Proyección del video work -Nachtwache- por el artista Björn Melhus en A Night at The Pool, evento apertura de Die Informale Buenos Aires. Copyright: Übermut Project, PH Kevin McElvaney
El programa, además, incluye charlas de los mismos artistas y muestras de arte, acompañado por delicias culinarias en ambientes distendidos y espontáneos. “Buscamos impulsar y desarrollar lo espontáneo desde dos ciudades hermanas: Berlín y Buenos Aires. En un campo donde no hay nada planeado crece lo creativo y surge el diálogo”, afirma Lutz Henke, su curador y director artístico.

Así, en Die Informale, los espacios libres y aquellos huecos de posibilidades dentro del paisaje urbano sirven como terreno fértil e inspiración para artistas de todo tipo. “Die Informale” forma parte del Übermut Project, una iniciativa de visitBerlin y Hamburg Marketing, avalada por la Oficina Federal Alemana de Asuntos Extranjeros.

Proyección de Ablaze por el artista berlinés Uros Djurovic, en A Night At The Pool, el evento apertura de Die Informale Buenos Aires. Crédito: Kevin Mc Elvaney 
 
PROGRAMA:

Neureöffnung: St. Kreuz-Telmo
Dónde: Aram Döner Kebab, Perú 424, & Fabrica Perú
Fecha: jueves 25 de octubre
Hora: desde las 14 hs. Döner, musica, videos; a las 19 hs. habrá un encuentro musical en Fabrica Perú (termina 23 hs.).
Qué: Un encuentro con el espiritu creativo de barrios como San Telmo, St. Pauli o Kreuzberg.
Döner Kebab, Proyección de videos, instalaciones y encuentro musical con Jorge Crowe, Rosario Blefari, Tobe, Paul Speckmann, Carsten “Erobique” Meyer, Ole Wulfers, Nevin Aladag, Die Tödliche Doris, Baltic Raw Org.
 
Open Studios: La Ira De Dios
Dónde: La Ira de Dios/CheLA, Iguazu 451 (chela.org)
Fecha: viernes 26 de octubre
Hora: 18 hs. Open Studios, presentacion de artistas, 19:30 hs. proyección de video-arte (termina 22 hs.).
Qué: Exhibición y Open Studio con artistas que trabajan en la residencia La Ira de Dios, en una vieja fábrica que ahora pertenece a cheLA, convertida ahora en espacio para la producción y exploración artística. Habrá instalaciones y proyección de piezas de video al mismo tiempo en que habrá intervenciones urbanas.

Grand Final: The Bank At Nigh
Dónde: Palacio de la Reconquista, Reconquista 46
Fecha: 27 de octubre
Hora: desde las 18 hs. performance y proyección de video (termina 23 hs.)
Qué: Una noche de performance y proyección pública de videos icónicos de artistias como Julian Rosefeldt y Julian Charrière.

23 de octubre de 2018

Galería Calvaresi exhibe “La montaña no es la montaña” de Juan Pablo Marturano

El escultor que trajo la Cordillera de Los Andes al barrio de San Telmo

Acaba de inaugurarse en galería Calvaresi la exposición “La montaña no es la montaña”, de Juan Pablo Marturano, escultor argentino que el año último recibió el Gran Premio Adquisición en el Salón Nacional de Artes Visuales. Sus obras se han expuestos  en museos de Japón, Italia, Francia, Alemania y Estados Unidos. 

Marturano es un experimentado montañista, que suele pasar tres o cuatro semanas solo en la cordillera y establece una relación muy honda con el paisaje. Desde hace 20 años viene escalando montañas y deja como ofrenda una pesada escultura de piedra, que él mismo sube dentro de una mochila. Esa costumbre de dejar ofrenda la adquirió en Japón, donde veneran a las montañas desde hace siglos y es muy común ver esas ofrendas en piedras. 



Ofrenda al Aconcagua fotografiada en la cumbre



La muestra, curada por María José Herrera, está integrada por obras relacionadas con la cordillera de Los Andes, que vinculan escultura, piedra y montañismo, proyecto que comenzó durante su doctorado en arte en Japón. Se exhibirán tallas en mármol y granito, y una instalación diseñada especialmente para esta exposición. 

A propósito de esos trabajos, cuenta Marturano: “Escalo montañas. A su vez, las retrato en escultura. Y si bien cada montaña es distinta, todas me remiten a la idea de una misma montaña imaginaria. Esta concepción de 'La Montaña' se relaciona con una rica variedad de mitos y leyendas, tales como los de la montaña mágica o sagrada, en donde se simboliza aquello que actúa como puente entre el cielo y la tierra. Es una metáfora que nos indica que el camino que une lo visible y lo invisible pasa inevitablemente por nuestro mundo tangible”.
 


Por su parte, María José Herrera, expresa: “Juan Pablo Marturano realiza paisajes escultóricos, retratos de montañas. Si los pintara, la materia de la pintura, sea óleo, acrílico, acuarela, no guardaría ninguna similitud con aquello que representa. En cambio, sus montañas de piedra, que no son montañas reales sino una imagen, sí son de piedra, como las verdaderas montañas.” 

Y continúa la curadora: “Como maquetas, o mejor dicho, como modelos reducidos, las montañas de Marturano son escenas, paisajes por derecho propio. Todo paisaje es una construcción cultural,  resultado de una forma de concebir la naturaleza determinada por los códigos conceptuales y estéticos de cada época. Contemplar la naturaleza la convierte en paisaje. Buscar los pliegues, doblegar los planos, permite tallar la montaña que cada partícula de granito o mármol lleva dentro. En un doble homenaje a la montaña y al escultor, Marturano dispone en el medio de la sala una instalación: 'Otro cielo, un mismo sol', que evoca la incontable materia que contiene una montaña. No son piedras incultas, son fragmentos con cortes, marcas o golpes, mínima expresión de la presencia de una mano humana, de una escultura. Gravitan, penden, se mecen, apenas agitadas por nuestra propia presencia frente a ellas. Como si respondieran a la mirada, nos señalan: “cada uno asciende su propia montaña”.  


Juan Pablo Marturano nació en Buenos Aires en 1975. Es doctor en artes por la Tama Art University de Tokio. Realizó una maestría en escultura en Kanazawa College of Art (Japón) y es graduado de la Accademia di Belle Arti di Carrara (Italia) y de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. 
En 2017 recibió el Gran Premio Adquisición en el Salón Nacional de Artes Visuales, en 2010 la Distinción “Shidosakka” en el Concurso Showakaiten de la Galería Nichido (Tokio), en 2006 la Beca Monbukagakusho del gobierno japonés y en 2002 la Beca MAE del gobierno italiano, entre otros.

Participó en NY Art Book Fair 2014 (MoMA PS1, Nueva York), Premio Itaú de Artes Visuales 2014 (Centro Cultural Recoleta), Graduation Works (Kanazawa 21st Century Museum, Japón), Tres visiones latinoamericanas (Museo del Marmo di Carrara, Italia), Simposio Internacional de Escultura en Piedra de Wunsiedel (Alemania), Symposium International de Sculpture sur Pierre de Menet (Francia), entre otros.
 


La muestra se puede visitar de lunes a viernes de 11 a 18 hs., sábados de 12 a 18 hs y domingos de 12 a 17 hs. en galería Calvaresi, ubicada en Defensa 1136, del barrio de San Telmo, con entrada libre y gratuita. 




22 de octubre de 2018

Mio Buenos Aires Hotel presenta la exposición de Juan Ranieri


Dos obras de Juan Ranieri
Atravesando la imponente puerta de seis metros de  alto de roble francés proveniente de toneles de vino, sobre la distinguida Avenida Quintana, en pleno corazón de Recoleta, se encuentra Mio Buenos Aires Hotel. A la izquierda, enmarcada por dos sillones, podremos observar "Los importadores de nazis", una obra en antioxido y acrilico sobre tela que forma parte de la exhibición que Juan Ranieri presenta en el hotel. Algunas obras en la planta baja y otras dos, subiendo la escalera hacia un acogedor living, completan la exposición.

Juan Ranieri con la obra "Rambla Dock Sud" de 2013 detrás
 
Formado como arquitecto, Juan Ranieri (Escobar, Buenos Aires, 1969) aborda la actividad pictórica con todos los prejuicios inherentes a su profesión. Entiende la ciudad y la periferia a través de uss patologías estéticas y coyunturales, sin olvidar las carencias éticas de la sociedad contemporánea. Utiliza técnicas convencionales como el dibujo en grafito, pintura acrílica, etc.
Sus obras forman parte de importantes colecciones en Argentina y en el exterior, tales como la del Museo De Bellas Artes Quinquela Martín, Museo de Arte Latinoamericano de Long Beach, California (Molaa), Grupo Merrill Lynch de Miami, Telecom Argentina, McDonald's, BASF, Colección Fortabat, Colección Bunge, Universidad Argentina de la Empresa y Laboratorios Gador, entre otras.

"La Gran Tribulación", antioxido y acrilico sobre tela
Mio Buenos Aires es un hotel boutique de lujo que combina arte y diseño con el espíritu del vino, en un solo espacio. Está orientado al turismo de negocios y de alta gama y cuenta con 30 suites, un restaurante, un lounge, un spa, piscina y biblioteca.
Mezcla de futuro con tradición, el acero, vidrio, mármol, piedra, se mezclan armoniosamente con la calidez de la madera de las puertas de roble francés centenario proveniente de toneles de vino, el caldén de las bañeras y las sedas y lanas de cada pieza de decoración elegida.


Comenzó el primer programa de residencias del Fondo Nacional de las Artes en la Casa Victoria Ocampo con el objetivo de devolver al lugar el espíritu que supo otorgarle la escritora


El Fondo Nacional de las Artes inició un programa de residencias en la mítica casa que perteneció a la escritora y fundadora del FNA, Victoria Ocampo. Si bien, desde el inicio de la actual gestión, la casa recibe habitualmente a artistas de todo el país vinculados con el Fondo  para que se presentan en sus ciclos de letras, música o cine; o realiza sus Labs -encuentros de ganadores de becas FNA de todo el país en los cuales muestran el avance de sus proyectos y se genera una red interdisciplinaria-,  esta vez, con el programa de residencias,  se pudo tener acceso a las habitaciones del segundo piso y alojarse por un tiempo determinado.
 
De esta manera, los artistas estrecharon vínculos y consolidaron una red cultural, contribuyendo con su creación y trabajo en beneficio de nuestra producción artística. 
El Fondo Nacional de las Artes inició este programa junto a la Fundación Filba, alojando allí a cuatro de sus invitados al festival FILBA10. Del 10 al 15 de octubre, la casa estuvo habitada por la escritora y crítica colombiana Carolina Sanín, la poeta y performer cordobesa Camila Sosa Villada, el guitarrista Marcos Bueno y el escritor argentino radicado en España Rodrigo Fresán. Cuatro talentosos artistas de perfiles muy distintos compartieron, a lo largo de 5 días, los espacios marcados aún hoy por el aura innovador y provocador que le impuso Victoria Ocampo.
Durante el festival, los residentes tuvieron la oportunidad de intercambiar experiencias y trabajar en conjunto. Además, Carolina Sanín y Rodrigo Fresán fueron los encargados de escribir la bitácora de esos días, que fue leída en el cierre de FILBA10 en el auditorio del MALBA.

La histórica casa de Victoria Ocampo en Barrio Parque -construida en 1928 por Alejandro Bustillo- ha sido restaurada íntegramente por el Fondo Nacional de las Artes con el fin de ponerla en valor para actividades  culturales y residencias para artistas.
Entre esas paredes, en 1930, se fundó la mítica revista Sur y por allí pasaron personalidades de la talla de Jorge Luis Borges, Silvina Ocampo, Oliverio Girondo y María Rosa Oliver, entre muchísimas otras.

Más información sobre la casa de Victoria Ocampo:  https://fnartes.gob.ar/casa-victoria-ocampo/historia.

22 ce octubre: 87º Aniversario de Amigos del Bellas Artes


Amigos del Bellas Artes celebra sus 87 años. Es la asociación de amigos de museos pionera de la Argentina y se destaca por promover actividades culturales y artísticas y generar vínculos sólidos con la comunidad, aportando desde el arte al bienestar general. 


La Asociación de Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes fue creada el 22 de octubre de 1931 con el objetivo de allegar su concurso moral y material al Museo Nacional de Bellas Artes y estimular el sentimiento artístico social de la comunidad. Sin dejar de lado aquellos sueños fundacionales hoy, gracias al aporte de los socios, a donaciones individuales, a eventos específicos de recaudación de fondos y al desarrollo de actividades declaradas de interés cultural y educativo por la Legislatura Porteña, la Asociación acompaña al Museo Nacional de Bellas Artes en la ejecución de sus exposiciones temporarias, en la actualización de su patrimonio a partir de la donación de obras de arte, en la ampliación de sus servicios de extensión cultural y en la realización de obras edilicias y apoyo de gastos de funcionamiento. 

Su gran trabajo de difusión de la cultura ha convertido a la sede de Avenida Figueroa Alcorta 2280 en un activo centro cultural. La programación educativa incluye los tradicionales cursos de historia general del arte, diseño, música, literatura, estudios culturales, talleres de artes visuales, a la vez que cuenta con una sala de cine con capacidad para 235 personas. En los últimos años ha incorporado el programa Amigos hacia la Comunidad, que busca promover el bienestar social y mejorar la calidad de vida de grupos vulnerables a través de su acercamiento y vínculo con el arte. El campo de acción del programa se despliega en un abanico de actividades, desarrolladas junto con instituciones especializadas que brindan capacitaciones y proponen un sustento pedagógico sólido. Desde 2007 Amigos es, además, sede de una Cátedra de la UNESCO especializada en cultura, turismo y desarrollo. 


“Ya cercanos a celebrar nueve décadas de historia, es imposible no destacar la satisfacción por la tarea realizada a favor de este gran museo público, emblema de nuestra cultura”, dice Julio César Crivelli, presidente de la entidad desde el año 2011. Un espíritu de aporte al patrimonio de todos que se mantiene desde 1931 y que hoy se proyecta hacia la comunidad.

18 de octubre de 2018

Eugenio Cuttica, invitado de honor de los Diálogos en el Paraíso en el Museo MOA de Arte en Atami, Japón


Silvia Zimmermann del Castillo presenta un enriquecedor ciclo audiovisual dedicado al arte y la cultura.
Los Diálogos en el Paraíso, son un intercambio entre oriente y occidente y fueron creados por Silvia Zimmermann del Castillo y Yasu Saito director del Museo MOA de Atami.
Se celebran dos veces al año en otoño y primavera y consisten en encuentros con artistas y personalidades de la cultura de distintos países para hablar del arte y la belleza en un entorno inigualable como el Museo MOA de Arte en Atami, Japón, destacado por su extraordinaria arquitectura, sus jardines y la vista sobre la bahía de Atami.
Algunas de las obras que atesora el Museo MOA han sido reconocidas como Tesoros del Japón.
Se han realizado diálogos con Giorgio Bevignani, artista italiano, y Claudio Limon, artista mexicano, todos invitados por Silvia Zimmermann del Castillo.
Argentina estará presente en el próximo diálogo de otoño, a realizarse el 19 de octubre 2018, con el gran maestro, Eugenio Cuttica, artista invitado de honor.

Silvia Zimmermann del Castillo es una mujer de la cultura y escritora argentina de reconocida trayectoria. Es egresada en filosofía de la UBA. Fue discípula y colaboradora de Jorge Luis Borges. Siguió estudios de antropología social y cultural en l’ École Pratique des Hautes Études de París. 
Escribe permanentemente en la página de opinión del diario La Nación. Ha dictado y dicta conferencias, seminarios y ateliers de arte y contemplación en la Universidad de Bath, la Universidad de Bolonia, Universidad de La Sorbonne, Tokio, Santo Domingo y Quito, entre otros. 
Preside actualmente el Capítulo Argentino del Club de Roma y coordina junto con el Dr. Alfredo Job, el atelier de Calidad de Vida del Hospital Italiano. En 1983, fue incluida en el Diccionario de Mujeres Argentinas. Ha sido reconocida como Embajadora de Paz.

El llamativo edificio del
Museo de Atami se encuentra sobre una exuberante colina verde con vistas a la ciudad.
El museo fue establecido en 1982 por la Asociación Mokichi Okada (MOA), una organización dedicada a preservar la memoria del ávido coleccionista de arte Mokichi Okada, quien también abrió el Museo de Arte Hakone.
El espacio fue fundado con la esperanza de compartir y exhibir la amplia variedad de arte local y fomentar y promover el desarrollo del turismo, y el arte y la artesanía en el área. 
Más información en: http://www.moaart.or.jp/en/.
 
Eugenio Cuttica es un artista contemporáneo argentino nacido en Buenos Aires el 3 de abril de 1957. Pertenece a la denominada “generación intermedia” y ha expuesto en galerías, museos, centros culturales y ferias de arte internacionales durante más de 30 años.
Posee talleres en las ciudades de Buenos Aires (Argentina), New York (USA), Miami (USA) y Milán (Italia). A su vez, se desempeña como director artístico de la galería de arte Espacio Ensō, ubicada en el barrio de Recoleta desde donde promueve a artistas jóvenes argentinos.
Su trabajo artístico se basa en una fuerte impronta de sincronicidad y conexión con lo que él llama “la dimensión de la frecuencia infinita del no tiempo.”
El arte de Cuttica apela a la belleza, no desde la construcción intelectual, sino como algo que simplemente sucede, refiriendo a la idea del artista como el vehículo de una energía que lo traspasa y es ajena.
Ha expuesto su obra en ciudades como Buenos Aires, Santiago de Chile, Rio de Janeiro, Bogotá, Amsterdam, New York, Boston, Los Angeles, Indianápolis, Shanghai, entre otras del mundo. 
Más información en: www.eugeniocuttica.com.ar.

17 de octubre de 2018

Cuatro artistas presentan en el Pabellón de las Bellas Artes de lla UCA, “Metamorfosis, una crítica visión de la sociedad contemporánea


El jueves 18 de octubre a las 18.30 hs. se inaugura en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA, la exposición “Metamorfosis”, con obras de Fernando Brizuela, Fabián Nonino, Silvia Lucero y Andrés Toro, cuatro artistas irreverentes que presentan una visión impactante y, a veces, cruel de aspectos controvertidos de la sociedad contemporánea.   
 
La muestra, curada por Ismael Dande y Cecilia Cavanagh, directora del Pabellón de las Bellas Artes, está integrada por una serie de trabajos realizados en diversas técnicas y materiales -acuarela, acrílico, óleo, impresión digital, madera, metal y plástico- forman un conjunto homogéneo en su diversidad.
 

A este respecto, expresa Cavanagh: “Con agudeza e ingenio, los artistas consolidan sus miradas con un lenguaje de fortaleza y aplastadora presencia, de su interpretación y propios fundamentos de la realidad en el arte. En reiterados modos de manifiestos y alocuciones de la obra, delatan lo que puede corresponder como idea o sentimiento, y que suponen una metamorfosis de su modo de pensar”.
 
En su texto curatorial, Cavanagh ofrece agudas observaciones que ayudan a comprender el complejo y polifacético sentido de la exhibición: “El Monstruo de flores de marihuana de Fernando Brizuela (de material artificial o con procesos de cristalización que la preservan) es parte de una serie que emprendió utilizando el cannabis como material de trabajo (…) Fabián Nonino captura la experiencia completa del clima dolarizado de nuestro país en una disposición de formas y billetes que evocan un sentimiento particular. La tensión cambiaria que sacude el mercado financiero y presiona fuerte sobre la moneda norteamericana (…)  Silvia Lucero produce una conmovedora observación acerca de la brutalidad de diferentes formas de violencia, de intransigencia y de resistencia transcurridos en la actualidad (…) En su serie Cementerio, Andrés Toro crea un juego ingenioso de ideas proyectadas, de palabras relacionadas y de hechos imaginados o sucedidos, que parece concebir obsoletos presentando los medio sepultados en cemento”.
 
Metamorfosis  propone un diálogo sobre la realidad desde variadas perspectivas, diversos ángulos y diferentes enfoques. Componentes, técnicas e imaginaciones trascendidas de las obras en exposición, remiten a una fecunda pluralidad de percepción y arte. 
 
La muestra se puede visitar hasta el 11 de noviembre de 2018, con entrada libre y gratuita, de martes a domingo, de 11 a 19 Hs. en Alicia M. de Justo 1300, Puerto Madero, Buenos Aires, Argentina.

"Buenos Aires memoria antigua: Fotografías 1850-1900" en el Museo Fernández Blanco


El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y  la Fundación Centro de Estudios para Políticas Públicas Aplicadas (CEPPA) presentan la exposición temporaria “Buenos Aires memoria antigua. Fotografías 1850-1900”.
Con la curaduría del maestro Luis Priamo, la exhibición está compuesta por imágenes obtenidas por reconocidos fotógrafos del siglo XIX, conjunto que conforma una parte trascendente del patrimonio visual argentino. 

El ciclo de exposiciones fotográficas del Museo de Arte Hispanoamericano “Isaac Fernández Blanco” (MIFB), desarrollado ininterrumpidamente las últimas dos décadas, ha consagrado sus principales esfuerzos a mostrar a las nuevas generaciones la obra de notorios artistas americanos como así también la de destacados fotógrafos viajeros, quienes subyugados por la magia de nuestro continente, aportaron su particular mirada para la construcción de un vasto acervo fotográfico que nos permite reconocer hoy múltiples facetas de nuestra identidad.
En este marco se presenta “Buenos Aires, memoria antigua” exposición que encuentra su antecedente en el libro publicado por la Fundación CEPPA en 2015 y permite acceder al gran público a vistas y escenas costumbristas porteñas en el inicio de la trasformación de la Aldea en Metrópoli, en el contexto de la modernización de la nación y el aporte multifacético de la ola inmigratoria que trasformara culturalmente nuestra sociedad.

“Esta muestra ofrece un panorama del primer medio siglo de la fotografía de vistas y costumbres de la ciudad de Buenos Aires. Su fuente es el libro Buenos Aires, memoria antigua. Fotografías 1850-1900, editado por la Fundación CEPPA en 2015.
Para ello reunimos las obras en breves capítulos con unidad de lugar (la Boca, el Retiro, Constitución, Recoleta, el Once, entre otros), de temas (ferrocarriles, hospitales, mataderos, cementerios, mercados, conventillos), o de costumbres y sociabilidad, aplicando un criterio cronológico -el antes y el después de las transformaciones- que nos permite ver en pocas imágenes los cambios que la modernidad produjo en lugares emblemáticos de la ciudad y en sus mismos habitantes, inmigración mediante.
Hemos mantenido las leyendas utilizadas en la publicación, muchas veces extensas, confiando que las descripciones y datos que les proporcionan a las fotografías ayuden al visitante a intimar con ellas, reconociendo espacios que el tiempo ha modificado radicalmente. 

Las firmas de la mayor parte de las fotos pertenecen a los autores más relevantes que actuaron en Buenos Aires en diferentes momentos del siglo XIX: Charles DeForest Fredricks, Esteban Gonnet, Benito Panunzi, Christiano Junior, Antonio Pozzo, Carlos Feltscher, Jorge Holzweissig, Samuel Boote, Arturo W. Boote, Alejandro S. Witcomb, Eduardo Ferrari, Emilio Halitsky, Samuel Rimathé, Harry G. Olds, la Sociedad Fotográfica Argentina de Aficionados. Otras imágenes pertenecen a fotógrafos de obra más breve, aunque no menos calificada.
Las fotos reproducidas provienen, casi en partes iguales, de repositorios públicos y de colecciones privadas, y algunas localizadas en archivos extranjeros. Uno de los mayores problemas de un proyecto antológico sobre la fotografía porteña del período es llegar a las fuentes variadas y dispersas que conservan las obras y obtener la autorización de difundirlas. En tal sentido agradecemos profundamente a las instituciones y a los coleccionistas que nos permitieron generosamente disponer de estas joyas decimonónicas.
 
Este trabajo hubiera sido impracticable -incluso inimaginable- sin el apoyo sostenido que dio la extinguida Fundación Antorchas durante sus veinte años de actividad al rescate y la difusión del patrimonio fotográfico nacional, esfuerzo en el que tuvimos el privilegio de participar. Trabajar en los libros publicados por Antorchas sobre la producción fotográfica porteña en el siglo XIX nos permitió conocer acervos, establecer vínculos con otros historiadores e investigar aspectos histórico-fotográficos de distintos períodos de manera exhaustiva, lo que proporcionó una perspectiva amplia del desarrollo y la evolución de la fotografía antigua en esta ciudad. Todo ello habilitó que abordásemos esta antología sin el riesgo de excluir a ningún fotógrafo documentalista conocido de obra relevante del período, requisito esencial para un trabajo responsable de síntesis tan amplia, que la Fundación CEPPA recogió oportunamente e hizo posible con generosa y -sobre todo en nuestro medio- excepcional concurrencia.
 
El estímulo para componer Buenos Aires, memoria antigua fue elemental e incluso cándido: poner frente a los ojos contemporáneos a través de la mejor fotografía de la época una visión panorámica que, aún breve, fuese elocuente de los cambios que entre 1850 y 1900 transformaron aquella aldea colonial en ciudad moderna, poniendo las bases de la original y robusta cultura cosmopolita que la distingue. Si lo hemos logrado, aunque sea a medias, posibilitaremos quizás en esta exposición en el Palacio Noel que el visitante disfrute de aquel mundo que pervive en nuestras raíces y complete así el círculo que todo esfuerzo cultural anhela". Luis Priamo, Buenos Aires, octubre de 2018.
Inauguración: Miércoles 17 de Octubre – 19 hs. Cierre: 2 de diciembre.

La exposición se puede visitar de martes a viernes de 13 a 19 hs. y sábados y domingos de 11 a 19 hs. en la sala del subsuelo de la sede Palacio Noel del Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco, Suipacha 1422, Barrio Retiro, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Entrada General $30. Bono contribución $10. Miércoles gratis.