31 de julio de 2014
La galería de arte Alejandro Bustillo presenta "Filosofía gráfica" del humorista gráfico Luis Medrano
Con una selección titulada "Filosofía gráfica", esta presentación se propone recorrer distintas etapas o variaciones de sus trabajos. Desde los recordados calendarios a color de la firma Alpargatas de 1946 y 1947, la serie Estaba escrito, pasando por Diagonal y Florida – apuntes desde un balcón, hasta las sarcásticas láminas a color Galería contemporánea, donde retrató al arquetipo del “contrera” antiperonista.
- ¿Qué es un grafodrama?
- No sé. Realmente no sé definirlo. Me propuse al comienzo hacer una historieta cómica. Pero de pronto me di cuenta de que podía ser un humorista.
- ¿Cuál es la diferencia?
- El humorismo tiene un matiz completamente distinto: más hondura, tiende a lo satírico, es más literario. Yo trato de escribir gráficamente.
Quizás en esta última frase se encuentren las palabras justas para definir a este talentoso artista y su obra. No solo su admirable calidad plástica, sino su original y aguda forma de contar le valgan el título de caballero del humor.
La exposición se puede visitar del 1º al 29 de agosto de 2014, de lunes a viernes de 10 a 15 horas, en el hall principal de la casa central del Banco de la Nación Argentina, ubicado en la planta baja de Rivadavia 325, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Las estaciones del recorrido entre Alem y Federico Lacroze de la línea B de subterráneos tendrán una nueva identidad a partir del trabajo de artistas visuales en andenes y pasillos
Subterráneos de Buenos Aires, a través de su Plan de Gestión cultural y Patrimonial continua trabajando en la mejora de estaciones y para ello convocó a más de 15 artistas para desarrollar la ornamentación artística integral de la Línea B.
La iniciativa busca generar un cambio sustancial a nivel estético y ambiental a través de la puesta en valor y el emplazamiento de murales, obras originales y restauración de objetos patrimoniales en las estaciones de la red. Estas acciones contribuyen a mejorar la experiencia de viaje y a acercar distintas expresiones culturales a los más de 300 mil usuarios que día a día utilizan esta línea.
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| Federico Bacher |
Ya finalizó la primera intervención a cargo del artista Federico Bacher en la estación Dorrego, donde un “bosque subterráneo” inundó paredes y bajadas de escalera creando un ambiente otoñal con árboles y fauna silvestre. La obra se reproduce sobre objetos, señales, columnas y carteles de la estación.
El artista trabajó durante 15 noches y explicó que el concepto de la ornamentación se basó en el cuidado del ambiente a través de la reproducción de un paisaje con árboles y pájaros. “La idea central fue usar mi arte para que la gente goce de una estación más bella”, expresó.
Federico Bacher tiene 40 años y estudió Bellas Artes en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. En 1998 obtuvo el título de Profesor Nacional de Escultura y ha participado de exposiciones individuales y colectivas a nivel local e internacional. Desde el año 2004 realiza intervenciones artísticas en el espacio público con esculturas y pintura de mobiliario urbano.
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| Claudio Baldrich |
En la estación Uruguay, el artista Claudio Baldrich continúa trabajando sobre asientos en andenes y el pasillo de conexión sobre Av. Corrientes hacia Talcahuano. Se intervinieron ambas paredes de 45 metros de lado con diseños in situ originales de sus coloridos personajes y paisajes urbanos en movimiento.
El estilo, la imagen y la paleta siguen las mismas características que las proyectadas para andenes y bajada de escaleras. La temática es dinámica, con planos de colores curvilíneos y ondulantes a través de sendas, canteros y personajes caminando, en bicicletas, en rollers, en parejas y solos, algunos sentados y otros parados, mirando.
Se buscó mejorar la estética de este espacio de circulación con la idea de que estos personajes simulen el movimiento que transcurre en la superficie.
Claudio Baldrich se dedica a la actividad artística desde el 2008 y ha realizado exposiciones en todo el país y en países como Uruguay, Bélgica, Marruecos y Brasil.
Los usuarios que visiten estas estaciones ya pueden disfrutar de estas dos intervenciones.
Además, se está trabajando en la mejora estética del resto de las estaciones -tal como ya se puede apreciar en el tramo Tronador a J.M de Rosas- con propuestas relacionadas al street art, homenajes al tango y diseños ad hoc de artistas de diversa trayectoria.
Más información en: http://www.buenosaires.gob.ar/subte
Canal de You Tube: https://www.youtube.com/user/BAsubte
Ronda Cultural: un paseo distinto por museos y espacios nacionales
Ronda Cultural se trata de una iniciativa que organiza circuitos gratuitos por museos y espacios culturales nacionales en la Ciudad de Buenos Aires.
Hay nueve paseos culturales diseñados para cuatro grupos de visitantes: público general, escuelas, adultos mayores y personas con capacidades especiales. La actividad se lleva a cabo de martes a domingo, todo el año.
El punto de partida de cada circuito es la Oficina de Ronda Cultural en el Centro Cultural Néstor Kirchner, antiguo Palacio de Correos y Telégrafos, ubicado en la esquina de Av. Alem y Sarmiento en la ciudad de Buenos Aires. Los participantes se trasladan en los minibuses Ronda, en grupos de hasta 35 personas.
Guías especializados realizan los recorridos, que también incluyen actividades especiales en los Museos Nacionales y un espectáculo artístico en la última parada de la visita, en el caso del circuito para público general.
Las instituciones nacionales visitadas en los diferentes circuitos de Ronda Cultural son el Museo Nacional de Bellas Artes, el Palais de Glace, el Museo del Cabildo y de la Revolución de Mayo, el Museo Histórico Nacional, el Museo del Libro y de la Lengua de la Biblioteca Nacional, la Casa Nacional del Bicentenario, el Museo Evita y el Museo Nacional de Arte Decorativo.
Más información e inscripciones en: ronda.igualdadcultural.gob.ar.
30 de julio de 2014
Gran muestra individual de Diego Perrotta en la galería Perotti
El sábado 2 de agosto a las 19 hs. inaugura en la galería Perotti "Alquimia Salvaje", una gran muestra individual del artista Diego Perrotta, donde va a mostrar sus últimas producciones.
"Alquimia Salvaje reúne mi trabajo del último año. En ella, se expondrán pinturas, dibujos, acuarelas y esculturas. La serie desarrolla una investigación sobre diferentes estados alquímicos, indaga sus aspectos místicos y esotéricos. En un clima salvaje, humanos adoptan formas animales como un proceso dado. No es más que el hombre adentrando y conectándose con la naturaleza. Cada obra narra las transformaciones hacia lo primitivo, hacia el origen. De alguna manera, la especie recobra el refugio del bosque, los arboles y las plantas. El hombre acechado por la muerte y el diablo, figuras icónicas representativas del mal, ejercen sus oficios implacables sobre nuestra sociedad. En este caso, el hombre en el plano espiritual de la alquimia debe trasmutar su propio espíritu, alma y cuerpo para recuperar fuerzas y dar batalla." Diego Perrotta.
Eduardo Stupía cierra su texto en el catálogo diciendo "Perrotta es, también, y en sentido más estricto del oficio, un pintor contundente, y el color tiene en él, si preferimos quedarnos prendados por el hechizo alquímico, la altura suficiente para tolerar cualquier hipótesis de lectura simbólica que querramos adjudicarle, o bien la electricidad aparentemente excedida pero muy ajustadamente administrada de un cromatismo altísimamente vibrante, elástico, y a la vez de una perfecta cohesión óptica. Como sea, el encanto de su obra le debe tanto a ese espíritu de murga, de fábula popular y hechicería delirante puesto en escena con la riqueza y la inventiva de un estilo inconfundible, como a la insistente sensación que nos impone de estar confrontados por un sistemático universo paralelo, que se expande bajo el paradójico signo de cristalizadas obsesiones personales sometidas a una permanente metamorfosis”.
Diego Perrotta nació en Buenos Aires, Argentina, en 1973. Comenzó sus estudios en 1983. Estudió con Héctor y Carlos Tessarolo (1990-1992). Desde el año 2000 es editor de Colección Orbital Arte Editorial junto a Eduardo Molinari, Patricio Larrambebere y Daniel Roldán. Publicó el libro "Día de muertos", (Colección Orbital) y "El animal descansa" junto a Eduardo Molinari.
Poseen obra suya: Fundación OSDE; Universidad del Salvador; Museo Eduardo Sívori; Colegio Ward; Telefónica de Argentina; Talleres Rufino Tamayo, Oaxaca, México; Fundación Mc Donalds; Escuela de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova; Museo Emilio Caraffa, Córdoba; Banco de la Provincia de Buenos Aires; Salas Nacionales Palais de Glace; Fundación Deloitte; Banco Central de la República Argentina; Museo Rosa Galisteo de Rodríguez, Santa Fe; Fundación Banco Nación Argentina; Museo Macro-Castagnino; Museo del Barrio de New York, EEUU y colecciones privadas de Argentina, Holanda, España, Japón, Francia, Chile, Colombia, Estados Unidos, Alemania y México.
Entre los años 2003 y 2006 crea y realiza la curación de "Enfoque”, ciclo de exposiciones en FM La Tribu. En el año 2008 editó el libro “Desenfoque, entre el arte y la comunicación”. En el año 2011 realizó el mural “El Matasiete y los guardianes” en Tecnópolis. Vive y trabaja en la Ciudad de Buenos Aires, Argentina.
Más información en: www.diegoperrotta.com.ar
La exposición permanecerá hasta el viernes 5 de septiembre de 2014 y se puede visitar en Freire 1101, esquina Zabala, Colegiales, Buenos Aires, Argentina.
Recorrido guiado por la exposición de Claudia Aranovich a cargo de la artista
El sábado 2 de agosto a las 17 hs. la artista Claudia Aranovich realizará un recorrido guiado sobre su muestra en el Museoi Sívori, Av. Infanta Isabel 555 -frente al puente del Rosedal-, Parque Tres de Febrero.
La exhibición, que se puede visitar hasta el 17 de agosto, recorre los puntos de inflexión en su carrera artística, y reúne sus piezas más significativas de distintas épocas.
Aranovich utiliza el juego entre lo natural y lo artificial, creando una obra rica y diversa, con apelaciones a la memoria.
Es conocida por el uso de resinas transparentes en combinación con maderas, metales y otros materiales, a los que confiere una impronta orgánica.
Para la muestra se editó un libro prologado por las críticas Elena Oliveras y Nelly Perazzo quienes lo presentarán en la Academia Nacional de Bellas Artes, el 14 de agosto.
Silvana Robert expone en la Catedral de La Plata
Silvana Robert está exhibiendo en la Catedral de La Plata su última muestra: “Filum”.
En la misma se exhiben más de treinta obras entre dibujos y pinturas realizados en los últimos cuatro años pertenecientes a sus series de “Bosques”, “Maderas” y “Redes”.
La muestra se podrá visitar hasta el 17 de agosto, de martes a domingos de 11 a 19hs. en Calle 14, entre 51 y 23, La Plata.
Continúa la convocatoria para participar de la 7ª edición del Concurso de Afiches Arte Único2° premio 2013 Pablo Derka Arte Único de Fernet Branca
Hasta el 13 de octubre, todos los jóvenes artistas del país podrán participar de este concurso único y formar parte de la colección de afiches de la marca. Este año, nuevamente, la temática será libre y los jóvenes podrán enviar, en una primera instancia, sus obras en formato digital.
En esta edición, el jurado estará integrado por Enrique Longinotti (arquitecto y docente), y Florencia Battiti, (docente y curadora externa del MALBA); y tres nuevos integrandes; Ana María Battistozzi (crítica de arte y curadora), Santiago Porter (Fotógrafo), y Cristian Turdera (Ilustrador), quienes se incorporan al concurso aportando nuevas y diferentes miradas.
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| 2° premio 2013: Pablo Derka, Arte Único |
Al igual que el año pasado, la temática del Concurso "Arte Único" será libre con el objetivo de aumentar la creatividad de los participantes. Además, continuará la modalidad de que envíen, en una primera instancia, sus obras de manera digitalizada a través de una plataforma online que se generará en www.arteunico.com.ar y que estará vigente desde el 14 de julio hasta el 13 de octubre. En dicho micrositio, los interesados en participar podrán descargar las bases y condiciones del Concurso que les explicará en qué formato y calidad deberán enviar los archivos y como es el mecanismo de envío de obras del concurso.
Este año los ganadores serán premiados con $20.000, para el primer puesto; $14.000, para el segundo; y $8.000, para el tercero. Además, Fernet Branca premiará los participantes que reciban menciones con una beca de estudio por $3.000 para realizar cursos, talleres o capacitaciones relacionadas al arte y al diseño en cualquier institución educativa del país, con total libertad de elección tanto de la actividad a realizar como del lugar.
En el renovado sitio de Arte Único, los jóvenes encontrarán un blog novedoso en el que podrán mantenerse informados no sólo sobre las diferentes instancias del Concurso, sino también de noticias relacionadas al mundo del arte. Por otro, todas las novedades se postearán en la fan page en Facebook (www.facebook.com/ConcursoArteUnico) y en un canal oficial en YouTube (www.youtube.com/ConcursoArteUnico), en donde se difundirá información relacionada al concurso, tanto histórica como actual; contenido sobre las ediciones anteriores, entrevistas a jurados, experiencias de ganadores de todas las ediciones, afiches históricos de la colección de Fernet Branca, entre otros materiales.
Más información en: www.arteunico.com.ar.
“Los vencedores y los vencidos. Marcas de violencia en la colección del Museo de Arte Moderno”
El sábado 2 de agosto a las 17 hs. inaugura la exposición “Los vencedores y los vencidos. Marcas de violencia en la colección del Museo de Arte Moderno”, un proyecto propuesto por Ana María Battistozzi, el cual se gestó durante la dirección de Laura Buccellato al frente del Museo de Arte Moderno.
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Diana Dowek. El hambre, 1981, acrílico sobre tela
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Esta exposición reúne cerca de 50 obras de gran formato del patrimonio del MAMBA de artistas fundamentales de la historia del arte argentino, en las cuales se pone de manifiesto, de diversas maneras, la dimensión de la violencia a lo largo de los últimos 60 años. Su concreción de esta y la publicación del catálogo ha sido posible gracias al apoyo de la Comisión de Mecenazgo y del trabajo del equipo de Patrimonio y Curaduría del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
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Horacio Zabala. Anteproyecto. Carcel flotante para el Río de la Plata, 1973, grafito sobre papel
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El arte, sostiene la curadora, ha actuado como caja de resonancia de la violencia de nuestro tiempo. Ese eco ha sido revelado por gran parte del arte y la cultura argentinos en distintos momentos, como consecuencia de acontecimientos históricos o políticos puntuales pero, inclusive, más allá de ellos. Así es posible reconocer uncontinuumque se presenta a través de alusiones explícitas, procedimientos retóricos y en los modos de producción de los artistas a lo largo de las últimas décadas.
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Jorge De la Vega. Los vencedores, 1961, óleo sobre tela (díptico)
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La Colección del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires constituye un corpus que refleja de manera rotunda esa presencia inquietante. “Nacida la institución al año siguiente de la denominada 'Revolución Libertadora', el patrimonio que llegó a conformar no podía crecer al margen de las tensiones entre 'vencedores y vencidos' que se generaron en esa década”, señala Battistozzi.
El impulso de retorno que ha hecho de la violencia una inminencia siempre al acecho que la sociedad argentina ha empezado a naturalizar, plantea la necesidad de una reflexión y, en este sentido, la producción artística de las últimas cinco décadas tiene mucho por aportar.
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Antonio Seguí. Los Generales, 1964, litografía y témpera
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Así lo atestiguan las obras de Ananké Assef, Oscar Bony, Ricardo Carpani, Jorge de la Vega, Diana Dowek, León Ferrari, Nicolás García Uriburu, Norberto Gómez, Alberto Greco, Nicolás Guagnini, Alberto Heredia, Enio Iommi, Guillermo Kuitca, Jorge Macchi, Rosalía Myriam Maguid, Nuna Mangiante, Hernán Marina, Gian Paolo Minelli, Luis Felipe Noé, Daniel Ontiveros, Margarita Paksa, Sandro Pereira, Duilio Pierri, Cristina Piffer, Santiago Porter, Alfredo Prior, Dalila Puzzovio, Silvia Rivas, Florencia Rodríguez Giles, Juan Carlos Romero, Graciela Sacco, Antonio Seguí, Regina Silveira, Gabriel Valansi, Mónica Van Asperen, Edgardo Antonio Vigo y Horacio Zabala.
29 de julio de 2014
Charla abierta entre Liliana Livneh y Pelusa Borthwick en Arte x Arte
Ciclo de cine experimental en el Museo de Arte Moderno
El Museo de Arte Moderno tiene el agrado de invitar al ciclo de cine experimental "El cine es otra cosa", cuyo programa de agosto, "Y la televisión también", está dedicado a la relación video-arte-televisión. Este viernes 1º de agosto se presentará "Video en la Puna: el viaje de Valdez", del realizador e investigador Jorge La Ferla, a las 19 hs. en el Auditorio del museo, Av. San Juan 350, Buenos Aires, Argentina.
Se accede con el ticket de ingreso al museo, cuyo valor es de 15 pesos.
Inédita exposición sobre la vida de Rosario Vera Peñaloza
Por tercer año consecutivo el Museo Bernasconi viaja a La Rioja para exponer en su Feria del Libro el legado de Rosario Vera Peñaloza. Este año lleva una muestra inédita, especialmente pensada para los riojanos. Se podrá visitar del 1 al 10 de agosto en el paseo Castro Barros de dicha ciudad.
Bajo el nombre “Por siempre Maestra”, el Museo Bernasconi expone la vida y obra de su fundadora Rosario Vera Peñaloza. Es un merecido reconocimiento a la ardua tarea de esta pedagoga, eterna forjadora de la educación en el país. La exposición consta de un recorrido por la vida de Rosario, ilustrada con sus propias obras, que se estructura en cinco partes. La primera se refiere a Malanzán, al origen y a los primeros pasos en su larga carrera educativa. Luego están sus años en Paraná, su contacto con Sara Eccleston y los principios del Kindergarden. En un tercer núcleo se encuentran sus viajes por el interior del país, donde se dedicó a registrar paisajes y costumbres argentinas. Los últimos dos sectores se refieren a su vida en Buenos Aires, primero con su faceta más política desplegada mientras fue rectora del Normal 1 y luego la síntesis artística y pedagógica que significó la creación del Museo Bernasconi.
“Rosario se enfrentó a todo por sus convicciones, por lo que ella consideraba su deber. Educó a todos los que pudo: niños, jóvenes, adultos. Y educó en todo, no sólo en las primeras letras sino en deberes y derechos, el amor a la patria, valores morales, en diversas formas de aprender, en higiene, puericultura y hasta en gastronomía regional” expresa Mirta Cobreros, coordinadora del museo.
La exposición estará abierta a todo público desde el viernes 1º de agosto, a las 20 hs, hasta el cierre de la feria el domingo 10 de agosto. La entrada es libre y gratuita y se ofrecerán dos visitas guiadas especiales a cargo de la coordinadora del Museo Bernasconi Lic. Mirta Cobreros, el sábado 2 a las 20 hs y el martes 5 a las 19 hs.
Visita guiada por la muestra Re-Make / Re-Model
El viernes 1º de agosto a las 18:30 hs. La galería Dacil invita a una visita guiada por la muestra "Re-Make / Re-Model" junto al curador Ariel Authier y los artistas Bruno Dubner, Alejo Hoijman, Gabriela Schevach, Alfredo Srur, Gastón Pérsico y Cecilia Szalkowicz.
28 de julio de 2014
En el marco del Festival de la Luz, Rolf Art presenta la muestra "Clerk" de Timur Kuznetcov
Los personajes principales del proyecto "Clerk" (Oficinista) retratan a aquellos típicos trabajadores empleados de oficina u “oficinistas”. Ellos visten ordinariamente, con uniformes de oficina, con peinados típicos de oficina y con sus respectivas placas estándar. Ellos viven una rutina de oficina, como muchas otras personas. Tienen el típico conjunto de responsabilidades y de retribuciones propias a sus puestos de trabajo. Estos hombres y mujeres siguen el cronograma típico de cinco días hábiles laborales. Día a día realizan las mismas funciones como si fueran parte de un mecanismo de engranaje. Sus vidas cotidianas se encuentran llenas de normas, nóminas y plantillas. Las compañías que los emplean están más interesadas en sus características “tipo” (antigüedad en el servicio, experiencia, edad, etc) que en otros atributos como su personalidad, individualidad y sus almas. Así, estas personas aparecen retratadas como una especie de copias estándar y llegado el momento, cuando estos empleados ya no sean necesarios, serán reemplazados, por otros, copias o clones de la misma muestra.
Las imágenes aquí presentadas son fotografías obtenidas a partir de utilizar una copiadora. Una fotocopiadora que los graba en blanco y negro, que los registra y los uniformiza. Lejos de este retrato están sus expectativas y sus aspiraciones, de las cuales el artista toma nota, y coloca a modo de epígrafe invitándonos a reflexionar sobre las realidades que habitamos.
Timur Kuznetcov nació en 1983 en Krasnodar, Rusia. Aún en la escuela, llegó a sus manos una cámara, y desde entonces supo que este le sería su mejor instrumento de cognición del mundo. Esforzándose por desarrollarse en el ámbito creativo, estudió historia del arte, asistió a seminarios y reuniones sobre fotografías y arte moderno. Desde entonces ha trabajado en numerosos proyectos fotográficos, y en paralelo se ha dedicado a la pintura y al dibujo.
La muestra, con entrada libre y gratuita, podrá visitarse de lunes a viernes, de 11 a 20 hs., en la galería Rolf Art, sito Dr. Gervasio Posadas 1583, PB “A”, Recoleta. La misma permanecerá hasta el 29 de agosto de 2014.
Primera edición de ARDI en el Hipódromo de Palermo
Desde el 31 de julio al 4 de agosto, de 12 a 21 hs. en el Hipódromo Argentino de Palermo se podrá visitar la primera edición de ARDI, la Feria de Arte y Diseño Buenos Aires.
Más de 130 artistas y diseñadores, tanto consagrados como emergentes, serán los protagonistas de esta feria que ofrecerá al público experiencias sensitivas creativas. Comprometidos con la calidad y la innovación, el objetivo principal de ARDI es satisfacer la necesidad de tener un espacio en donde exponer y mostrar su trabajo a un público interesado en invertir en arte y diseño.
ARDI contará con la participación de artistas de renombre, como Antonio Pujía, Ides Khilen, Hermenegildo Sabat, Vito Campanella y Luis Debairosmoura, y de artistas emergentes con gran potencial. El diseño, por su parte, estará representado por Cesar Joyce, Leonor Sanjurjo y Matías Konstandt.
En el Hipódromo de Palermo, ARDI realizará además una subasta de arte a beneficio de la Fundación Sales que apoya a la investigación científica sobre el cáncer. La subasta contará con obras donadas por los artistas con gran variedad de precios para que puedan participar coleccionistas y amantes del arte.
Quimera del Arte presenta la muestra “Un brote en el desierto” obras gráficas de Hernán Paganini junto al lanzamiento de la obra gráfica de Hernán Marina
En esta ocasión se presenta el resultado de un largo proceso desarrollado junto al artista Hernán Paganini, reunido en una muestra titulada "Un brote en el desierto", una exposición de 8 ediciones limitadas de grabados en punta seca, junto con una selección de estampas iluminadas.
Por otra parte, se lanzarán las series "Abrazo" y "Clavadistas" del artista Hernán Marina, el primer convocado a participar en este proyecto de alianza.
Quimera del Arte es un espacio donde conviven; una galería de arte, una librería con textos nacionales e importados y un espacio Deli. Este proyecto de Gabriel Bitterman, que abrió sus puertas en setiembre de 2012, está ubicado en Humboldt 1981, en el barrio denominado Palermo Hollywood.
Malevo Estampa es un centro de edición de grabado fundado en 2005 por los artistas Luciano Murúa Tolcachier y Ana Wingeyer.
Se dedican editar, imprimir y promover series limitadas de obra gráfica original. Invitan regularmente artistas e ilustradores contemporáneos a mantener diálogos estéticos y técnicos sobre grabado.
Miguel Ángel Giovanetti expone en Ro galería de arte
La galería de arte Ro presenta la exposición de Miguel Angel Giovanetti, "Proyecto Pentágono", que inaugura el día jueves 31 de julio, a las 19 hs.
La exhibición reúne una serie de obras recientes en las que Giovanetti continúa con la investigación que lleva adelante junto a Luis Espinosa sobre el pentágono, su desarrollo en el espacio y sus posibilidades expresivas. La investigación comenzó en 2011 con la exposición "Universos Paralelos" en la que ambos artistas trabajaron sobre el dodecaedro desplegado en el plano.
En esta oportunidad, Giovanetti presenta una serie de dibujos y pinturas donde explora las posibilidades del pentágono reduciendo el lenguaje plástico a los mínimos elementos y tratando la figura geométrica a través de la multiplicación, repetición y superposición.
Según Luis Espinosa: el artista “expande el discurso de ese único elemento en complejas composiciones que él mismo llama ‘enjambres'. Me ha llamado la atención este término ya que alude a un gran movimiento, además de la superposición donde el conjunto adquiere y realiza nuevas formas.”
Miguel Angel Giovanetti (Buenos Aires, 1948) vive y trabaja en Buenos Aires desde 2009, cuando regresó de su estancia en Estados Unidos. Entre sus últimas exposiciones se destacan “Concepto pentágono” en el Museo Emilio Caraffa (Córdoba, Argentina), “Parallel views” en el Mulvane Art Museum (Kansas, Estados Unidos), “Fragmentar el Universo” en el Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires, Argentina). Su obra se encuentra en las siguientes colecciones: MoMA Museum of Modern Art (New York, EE.UU.), The Patricia & Phillip Frost Art Museum (Miami, EE.UU.), MoLAA Museum of Latin American Art (Long Beach, EE.UU.), Mulvane Art Museum (Kansas, EE.UU.) Stockhausen Museum (Stockhausen, Alemania) , Ludwin Museum (Aachen, Alemania), Kunsthalle (Düsseldorf, Alemania), Goethe Institut (Colonia, Alemania), Museo Emilio Caraffa (Córdoba, Argentina), Museo Timoteo Navarro (San Miguel de Tucumán, Argentina).
La exposición se puede visitar de lunes a viernes de 14 a 20 hs. hasta el 29 de agosto en RO galería de arte, Paraná 1158, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
27 de julio de 2014
Exposición de Liliana Livneh en el Centro Cultural Borges
"El poema y El cuerpo" de Liliana Livneh se presenta en Centro Cultural Borges hasta el domingo 3 de agosto con la curaduría de Pelusa Borthwick.
"La relación entre el poema y el cuerpo se establece en forma de metáfora especialmente en la danza, pero una relación inesperada y poco frecuente es la del poema, el cuerpo, y la arquitectura. Una vez que sacamos el poema del libro, su existencia puede darse en el espacio a través del sonido o de la visión. Cuando el poema y la visión se confrontan, entran a jugar factores de escala, recorridos del espectador, y un sentido nuevo que no se da en el libro, el de la relación macro-micro.
En su obra son una constante las Mujeres- Cariátide. Estas mujeres, estén en reposo o en vigilia, son claramente el soporte de estructuras a veces intangibles, quizás internas, que los cuerpos expresan tan vívidamente como si fueran exteriores a ellos actuando como metáforas de una nueva mitología. También el mar, de profundos azules y pintados con la mano desnuda, sin pinceles, es para la artista la metáfora de un gran vientre que guarda celoso como el más democrático de los museos, el secreto de todas las culturas.
Los materiales, ya sean óleo, grafito, acrílico o asfalto sobre telas de lino inmensas o pequeñas miniaturas en papel crean el nexo y son voceros de lo cognitivo, de lo intelectual a través de lo sensorial. Sus obras de los últimos años se basan en la emoción de recordar poesías, John Donne, Jorge Luis Borges, Gonzalo Rojas (poeta con quien ha trabajado en Chillan, Chile), Natan Zach, Constantin Kavafis, Dobrisa Cesaric, Fernando Pessoa…
En esta muestra, Liliana Livneh ha buscado materializar esa heterogeneidad que se provoca al cambiar las letras de escala y de lugar. Siguiendo con su tradicional forma de ilustrar a través de cariátides - aquellas mujeres que soportan el peso de la poética griega - ha decidido que esas figuras que por tantos años ha realizado, sean las vigías que custodian este intento de convertir los poemas en una experiencia físico-mental."
La muestra se puede visitar de lunes a sábados de 10 a 21 hs. y domingos de 12 a 21 hs, en la sala 31 del tercer piso del Centro Cultural Borges, Viamonte 525, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
26 de julio de 2014
"Deira, más allá de la Otra figuración" en el MUNTREF
El MUNTREF está presentando la exposición "Deira, más allá de la Otra figuración", en su sede de Valentín Gómez 4838, Caseros. Se puede visitar hasta el 28 de setiembre, de lunes a domingos de 11 a 20 hs. con entrada gratuita.
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| "Sin título (Retrato imaginario pero sin sombrero)", 1975, acrílico sobre tela |
El objetivo del proyecto es revisitar, conocer a otro Deira y valorizar su producción artística, significativa en cantidad y calidad. Esta muestra reúne más de 100 obras, entre pinturas y dibujos, a las que se suman una serie de bocetos, afiches y retratos que otros artistas realizaron de él, que exponen su lado íntimo. Un grupo de pinturas corresponden al período por el que es mayormente conocido, iniciado en 1961 junto con Luis Felipe Noé, Rómulo Macció y Jorge de la Vega, con quienes realizó la muestra Otra figuración en la Galería Peuser. Fueron cuatro años que coincidieron con la etapa que es conocida, como la “nueva figuración”. Deira utilizó distintos recursos expresivos, siempre en relación a un mismo tema: la humanidad.
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| Diana Wechsler, Marina Aguerre, Anibal Jozami y Carla Bettino |
“Hay un Deira más allá de la Otra figuración. Estos cambios están atravesados por su especial recurso de la línea, elemento constante en toda su obra y que proponemos rastrear a lo largo de esta exhibición. Otros de sus trabajos muestran un cuerpo humano que se va develando progresivamente, desde sus entrañas hacia el exterior, y señala incluso -como en las de 1966, relacionadas con Vietnam- lo más inhumano del hombre: su capacidad destructiva. Una paleta más sombría, y el cambio en el tratamiento de las carnaciones se evidencian en las obras que constituyen la serie Imágenes de la pasión (1976).”, agrega Marina Aguerre del Instituto de Investigación en Arte y Cultura “Dr. Norberto Griffa” de la UNTREF, y coordinadora del equipo curatorial.
Ernesto Deira fue un incansable indagador de la figura humana antes y después del período de la nueva figuración. Esa época, que representó para algunos el estallido de la pintura (aunque hoy veamos cómo ese y otros estallidos hicieron sobrevivir la pintura y negar todos los pronósticos y opiniones agoreras sobre su futuro), fue sin lugar a dudas uno de los momentos de mayor originalidad del arte argentino y dio lugar e inspiró innumerables variantes en los años siguientes.
Los dibujos, mezclados con las pinturas, integran la muestra a modo de gran rompecabezas, para generar asociaciones, nuevas lecturas y contribuir a redescubrir la obra del artista.
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| "El hombre mosca" y "Prometeo", 1962, óleo sobre tela |
También se montó un espacio con un Deira más íntimo, en el cual se exponen elementos que atesoró como bocetos, dibujos, afiches, trabajos que muestran su modo de producción y retratos que hicieron de él otros artistas en distintos soportes como servilletas.
"Deira fue, junto con Luis Felipe Noé, Jorge de la Vega y Rómulo Macció, protagonista de ese momento. Sin embargo, y para no caer en el tipo de error al que hacíamos referencia, corresponde analizar y mostrar a este artista en toda su trayectoria y esto es lo que estamos haciendo en esta exposición. Con ello, cumplimos el tipo de misión que siempre hemos asumido como museo universitario" expresa Anibal Jozami.
Ernesto Deira nació en Buenos Aires en 1928 y desde adolescente demostró interés por el dibujo.
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| "Canta oh Diosa la cólera del Pélida Aquileo", 1984, acrílico sobre tela |
En 1947 conoció a Olga Galperín, con quien se casó en 1953 y tuvo dos hijos: Silvina y Martín. En 1947 ingresó a la carrera de Derecho, profesión que ejerció hasta 1974. En 1952, en Piriápolis, conoció a Leopoldo Torres Agüero con quien se inició –al regresar de un viaje por Europa en 1953– en el estudio sistemático de la pintura.
En 1957 comenzó a asistir al taller de Leopoldo Presas y empezó a participar en salones y exposiciones colectivas; realizó su primera muestra individual en 1958 en la Galería Rubbers de Buenos Aires.
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| Dibujos |
En 1963, Deira, Noé, Macció y De la Vega expusieron en el Museo Nacional de Bellas Artes.
En 1965 fue premiado en el 1º Salón Artistas Jóvenes de América Latina en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
En 1966, en la III Bienal Americana de Arte en Córdoba, obtuvo el Segundo premio de pintura con Variaciones para un bastidor bien tensado y en 1967 recibió el Premio Palanza de la Academia Nacional de Bellas Artes.
En 1970 se concretó su primera retrospectiva en el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Caraffa de Córdoba. Al año siguiente realizó su primera exposición individual en la galería Carmen Waugh de Buenos Aires (luego denominada galería Jacques Martínez), que inició una serie de muestras tanto en esta ciudad como en otras del exterior, que marcaron en 1974 el ingreso al circuito artístico europeo.
En 1982 obtuvo el diploma al mérito en los Premios Konex y en 1983 el Primer premio de Pintura de la Fundación Fortabat. Ernesto Deira falleció en París en 1986.
Juan stoppani expone en Mundo Nuevo hasta el 14 de agosto
Mundo Nuevo Gallery Art presenta la exposición "El diablo me sigue de día y de noche porque tiene miedo de estar solo”, de Juan Stoppani, uno de los artistas más originales y polifacéticos de la Argentina.
"Mi arte es popular –dice Stoppani-, me inspiro en lo que veo en la calle, los graffitis en las paredes, luego lo paso por la geometría, toda mi obra tiene que ver con la geometría. (…) Yo nunca hice nada para revolucionar el mundo, solo hice algo para provocar el goce. (…) Yo no digo que soy artista, yo soy Juan Stoppani y listo".
Stoppani se radicó en París, donde, entre otras actividades, se vinculó al teatro del Museo de Arte Moderno y entre 1974 y 1989, ya desvinculado del grupo TSE, realizó vestuarios para Lavelli, Savary, Legavre, Roland Petit y Jean-Louis Barrault. Particular interés generó el telón que realizó para la obra Le Frigot de Copi, en 1984. Desde 1989 diseñó vestuarios de opera, entre ellas, Joseph (París); Le Roi Pausole (Ginebra); Simon Boccanegra (Bruselas); Cristóbal Colón (Compiegne); Madame Butterfly, El castillo de Barba Azul y La voz humana (Metz).
La exposición se puede visitar de lunes a viernes de 12 a 20 hs. hasta el 14 de agosto en Callao 1868, Buenos Aires, Argentina.
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