La exposición, contará con 42 dibujos y pinturas del período de 1987 al 2003 y 22 objetos tridimensionales realizados actualmente.
31 de mayo de 2014
Julio Chávez inaugura su muestra “J.H.C. 2014” en la Galería Rubbers Internacional
30 de mayo de 2014
40 años de oficio en 30 mates de plata. La colección del maestro orfebre Emilio Patarca en el Museo José Hernández
El Mate de la Libertad y el Mate del Bicentenario encabezan la colección, además de una variedad de mates de copa, los favoritos del maestro; los más antiguos del Alto Perú, con sus bombillas redondas en vez de achatadas; los mates del litoral y algunos menos conocidos, como el mate de novios o los mates con salvilla.
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Emilio Patarca, prof. Felicitas Luna
(directora Museo José Hernández) y lic. Marta Sánchez
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En 1982 egresa de la academia de Bellas Artes “Matila C. Ghyka” fundada y dirigida por el recordado crítico de arte Antonio Osvaldo Iannarelli, graduado en dibujo y escultura y se desempeña luego como profesor adjunto de dicha institución.
Dicta numerosas conferencias y cursillos, tanto en el campo de la plástica como en el de la orfebrería. Lleva realizadas mas de 57 exposiciones, entre colectivas e individuales, en el país y en el exterior, destacándose sus ultimas seis exposiciones internacionales en Roma 1996, Nueva York 1996 y 1997, Tokio 1998, Punta del Este 2000, y Hong Kong 2001.
Dice Emilio Patarca sobre la colección:
"Estas obras, producto de la labor de más de cuarenta años en el oficio, a lo largo de los cuales me ha tocado reproducir y recrear las más variadas piezas en todos los estilos conocidos, abarcando desde la fabricación de platería civil hasta la producción de orfebrería religiosa, tuvo también su capítulo en la elaboración de platería argentina, atento a los requerimientos de exigentes coleccionistas que demandaron lo mejor de mí y que me permitieron crecer en el oficio."
Y agrega más adelante: "… siempre estuvo en mí el deseo por crear o recrear las obras que hacen a nuestra esencia como argentinos, y estas no son otras que las de la platería criolla, término que abarca tanto la platería de uso rural o destinada a las labores del campo y a su engalanamiento personal, como a la platería de uso civil de ese estilo criollo antes mencionado, que no es otra cosa que el ajuar doméstico utilizado por las familias argentinas en sus hogares, ya fueran estos radicados en el campo o en las ciudades, y dentro de ese ajuar, la figura del mate de plata se destaca con luz propia."
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Mate de novios en el centro, con dos mates de copa a los costados.
Plata 925/000, repujada, batida, forjada y cincelada
con apliques fundidos a la cera perdida
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"Estas obras, producto de la labor de más de cuarenta años en el oficio, a lo largo de los cuales me ha tocado reproducir y recrear las más variadas piezas en todos los estilos conocidos, abarcando desde la fabricación de platería civil hasta la producción de orfebrería religiosa, tuvo también su capítulo en la elaboración de platería argentina, atento a los requerimientos de exigentes coleccionistas que demandaron lo mejor de mí y que me permitieron crecer en el oficio."
Y agrega más adelante: "… siempre estuvo en mí el deseo por crear o recrear las obras que hacen a nuestra esencia como argentinos, y estas no son otras que las de la platería criolla, término que abarca tanto la platería de uso rural o destinada a las labores del campo y a su engalanamiento personal, como a la platería de uso civil de ese estilo criollo antes mencionado, que no es otra cosa que el ajuar doméstico utilizado por las familias argentinas en sus hogares, ya fueran estos radicados en el campo o en las ciudades, y dentro de ese ajuar, la figura del mate de plata se destaca con luz propia."
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Emilio Patarca, Jorge Cometti (director MIFB) y Mirta Herrero
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Además de su muestra, Patarca realizará una serie de conferencias, cursos y talleres para todo público y ofrecerá a la vista de los visitantes el cincelado del Escudo Nacional, que será donado al Museo de Arte Popular José Hernández el sábado 9 de agosto.
Esta muestra se puede visitar hasta el domingo 10 de agosto de 2014, de miércoles a viernes de 13 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. en la sede del museo, Avenida del Libertador 2373, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Cetol presenta “Skate Art”, una exposición de tablas de skate intervenidas por artistas
Cetol, marca líder del grupo Akzo Nobel en el cuidado y protección de la madera, presenta una muestra en la que el skate es protagonista como elemento inspirador del arte.
La tabla de skate históricamente ha sido un objeto de culto, no sólo para quienes practican este deporte, sino también para artistas que durante décadas han usado dicho elemento como soporte de su obra. Como objeto representativo de la cultura urbana, se lo asocia al street art (arte callejero). Se convierte en una plataforma de lanzamiento para artistas emergentes y como objeto inspirador para el mundo del arte.
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| David Sisso |
La exhibición “Skate Art”, que se presenta en espacio Cetol, busca rescatar ese espíritu. Un elemento en el que confluye el deporte, el diseño y el arte construido por un material noble como la madera. Los amantes del deporte y el diseño podrán encontrar en la muestra diversos modelos de tablas de los años 70s, 80s y 90s.
“Los apasionados por el arte descubrirán en la exposición las intervenciones de 30 artistas de diversos estilos, quienes toman el skate como punto de partida para generar una obra”, señala el curador de la muestra Federico Platener.
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| Hernán Cagliano |
De la muestra participan: Acampante, Alan Berry Rhys, Alejandro Thornton, Andrés Sautú, CHU, Collage Lab, David Sisso, Felipe Giménez, Gallo Art, Guille Irmscher, Hernán Cagliano, Kilomba, Marcelo Balquinta, Mark Rechax, Mauro Lobato, Mc Bess, Milo Lockett, Monk, Nacho Cattaneo, Paco Savio, Parvo, Pedro Perelman, Ricky Crespo, RRAA.-, Tec, Tempe Hernández, Tercer Artista y Tito Khabie.
Los criterios de selecciones se basaron en la búsqueda artistas que provengan de los ámbitos más diversos del mundo del arte, para que esa misma diversidad se vea reflejada en cada intervención. Entre quienes participan se encuentran pintores, fotógrafos, ilustradores y artistas urbanos.
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| Alejandro Thornton |
Esta muestra, representa el punto de partida del Laboratorio de Experimentación en Madera. “Es una iniciativa que proponemos desde Cetol para destacar a artistas, diseñadores, luthiers y otros proyectos, que usan la madera de una forma innovadora, creativa y sustentable. De esta forma espacioCetol se convierte una vez más en un ambiente de intercambio de ideas y difusión de talentos”, comentó Cecilia Ferrario, Gerente Departamental de Marketing Marcas Especiales de AkzoNobel Pinturas Decorativas.
La muestra “Skate Art” se podrá visitar hasta el 29 de julio de manera gratuita en espacio Cetol, Av. del Libertador 6188, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Cine "Mujeres de Suecia" en el Centro Cultural San Martín
El ciclo “Cine de mujeres de Suecia” organizado por la Embajada de Suecia, se desarrollará los días 3, 4 y 5 de junio a las 19 horas en el Centro Cultural San Martín, ubicado en Sarmiento 1551, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Martes 3 de Junio: “El amor en tiempo de guerra” (92´, 2012, Suecia/Dinamarca/USA) de Gabriella Bier.
Seguirá a la proyección una conversación entre la actriz alemana-israelí Jasmin Avissar y la actriz argentina Graciela Verónica Spinelli ("Beirut Buenos Aires Beirut").
Miércoles 4 de junio: “Comer, dormir, morir” (100´, 2012, Suecia) de Gabriela Pichler.
Seguirá a la proyección una conversación entre la productora y directora de casting sueca Lotta Forsblad y la directora argentina Ana Cacopardo ("Ojos que no ven").
Jueves 5 de Junio: “Monas” (84´ , 2011, Suecia) de Lisa Aschan.
Seguirá a la proyección una conversación entre la actriz sueca Mathilda Paradeiser y la directora argentina Wanda López Trelles ("Comadres").
Exposición de pinturas de Norberto Cresta en el Palacio Duhau
El Paseo de las Artes del Palacio Duhau está presentando una muestra de pinturas de Norberto Cresta, con la curaduría de Mariana Povarché, directora de la Galería Rubbers Internacional.
El plano, la línea, el espacio y el color, protagonistas en más de cincuenta cuadros en acrílico sobre tela, guiarán al espectador en un recorrido del más puro constructivismo geométrico.
Norberto Cresta nació en Santa Fe, Argentina, en 1929 y falleció en 2009 en Buenos Aires. En 1949 terminó sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Córdoba. Vivió en Brasil. En 1962 fue becado en la Universidad Central de Quito, Ecuador y en 1965 en la Fundación Fritz Thiesen de Alemania, donde se radició en Stuttgart y Bad Gobdesberg-Bonn.
Invitado por el Gobierno de la República Federal de Alemania, como Gass-Profesor; trabajó en el Prof. R.H.K. Sonderberg en la Akademie der Bildemden Kunste de Sttutgart, Alemania.
En 198O retornó a la Argentina y estableció domicilio en Buenos Aires, pero alternadamente viajó a Europa y a Estados Unidos para realizar trabajos periodísticos.
Realizó exposiciones en Estados Unidos, Alemania, Suiza, España, Colombia, Inglaterra y Brasil.
Sus obras se encuentran en los principales museos de la Argentina y el extranjero y en colecciones particulares nacionales e internacionales.
La exposición se puede visitar hasta el 30 de julio de 2014, en el tradicional espacio cultural del Palacio Duhau - Park Hyatt Buenos Aires, Av. Alvear 1661, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Se exhibe una obra de Chang Dai-Chien en el Museo Nacional de Bellas Artes
Dentro del marco de una política llevada a cabo por la directora ejecutiva del Museo Nacional de Bellas Artes, la Doctora Marcela Cardillo, comprometida en exponer obras de la colección que no fueron exhibidas con anterioridad, se presenta en el Museo la acuarela sobre seda del destacado artista chino Chang Dai-Chien (1899-1983), "Flor de loto", realizada según una técnica que alcanzó enorme relevancia en Japón. Se trata de un kakemono, es decir una caligrafía o pintura colgada en el sentido vertical, usualmente dentro del cubículo elevado llamado tokonoma.
Esta obra fue donada por el artista en mayo de 1952, cuando se encontraba en Argentina invitado por el Instituto Cultural Argentino-Chino y por razones políticas decidió exiliarse en Argentina temporariamente.
Chang Dai-Chien se inició en la pintura en Japón y continuó su formación en Shangai. Su relevancia en el arte del siglo XX surge por haber logrado, a partir de los estilos históricos de Oriente, establecer nexos con la modernidad artística occidental. Es célebre su encuentro, en 1956, con Picasso en Niza.
Chang fue uno de los más importantes pintores chinos del siglo XX, influyó en las jóvenes generaciones de artistas y su obra goza hoy de fama universal.
Presentación del libro "Educación ambiental a través de técnicas didácticas participativas" de la bióloga y ecóloga Irene Wais de Badgen
El libro "Educación ambiental a través de técnicas didácticas participativas", que tiene como subtítulo: "Los juegos de salón en la enseñanza de la ecología: una propuesta lúdica para la fijación de conceptos)", de la bióloga y ecóloga Irene Wais de Badgen, es la concreción de una vasta suma de experiencias de 23 años de la autora en la utilización de estas técnicas.
Este novedoso libro, de inmenso valor práctico, sugiere la aplicación de juegos de salón en la enseñanza de la ecología. En su prólogo Irene Wais de Badgen resalta que la educación ambiental no es simplemente un aspecto de la educación, como todavía se lo sugiere en muchos ámbitos. A partir del momento en que se asume que el ambiente debe estudiarse desde una óptica transdisciplinaria para lograr la armonía de todos sus componentes, también se debe asumir, entonces, que la educación ambiental es "un todo", y por lo tanto es de "la educación" y no una parte de ella.
Irene también diseñó el interior del libro, su cubierta y cuidó personalmente cada detalle de su exposición, acompañando el volumen con una presentación personalizada. La fotografía de la portada reproduce uno de sus cuadros figurativo-geométricos que se titula "cuando la educación ambiental esta ausente… " y presente ilustrar las consecuencias de esa falencia y el deterioro del ambiente.
Exposición retrospectiva del artista Eugenio Zanetti en Córdoba
Provincia NET, la empresa del Grupo Provincia que brinda soluciones tecnológicas a los sectores público y privado, patrocina la exposición del consagrado artista Eugenio Zanetti.
Este evento, organizado por la Fundación Melian y la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de Córdoba presenta, por primera vez, la restrospectiva del trabajo de Zanetti en Argentina y Provincia NET decidió acompañar al artista en esta muestra única en su formato, que representa una mirada sobre algunas de las áreas más importantes en la carrera de este cordobés reconocido a nivel mundial. La exhibición itinerante recorrerá el país durante este año y se lanzó el 30 de abril en la ciudad de Córdoba, en donde permanecerá abierta hasta el 1 de junio.
La muestra denominada Más allá de los sueños se presenta en el Cabildo Histórico de la ciudad de Córdoba, situado en Independencia 30 y, en simultáneo, se desplega la otra muestra pictórica El teatro del mundo en el Museo Municipal de Bellas Artes Dr. Genaro Pérez, ubicado en Av. General Paz 33.
Las salas del primer piso del Cabildo serán la sede en donde el público podrá apreciar el trabajo cinematográfico del escenógrafo, dramaturgo y director de cine. Entre las películas más destacadas y memorables se pueden mencionar las siguientes: Restauración, Línea Mortal, Más allá de los Sueños, entre otras. La labor pictórica más reciente será presentada en el Museo Genaro Pérez en una exposición, que ya ha sido exhibida en la galería Maman de Buenos Aires y en el Museo Mube de San Pablo.
La exposición estará abierta de lunes a domingo de 9 a 18 h. La entrada es libre y gratuita.
Antecedentes de Eugenio Zanetti. Su prolífica obra comprende múltiples campos de la producción artística: cine, teatro, ópera, pintura, diseño. En cada uno de ellos se ha destacado por el desarrollo de una particular estética y virtuosismo, lo que valió numerosos premios internacionales entre los que se destaca El Oscar de la Academia de Hollywood. Eugenio es un ilustrador, escenógrafo, pintor, dramaturgo y director de cine. Su talento no conoce límites y su formación autodidacta le plantea un sinfín de posibilidades y libertades a la hora de trabajar. Trabajó junto a Pier Paolo Pasolini y éste lo hizo parte de su equipo de arte. Desde entonces su rubrica incluye más de 20 muestras de artes en todo el mundo, 17 películas, decenas de nominaciones y 1 un premio Oscar a la Mejor Dirección Artística en 1995, por su trabajo en Restoration; premio al que estuvo también nominado por su labor en el film Más allá de los Sueños. Sus experiencias, su curiosidad, su conocimiento ha funcionado siempre como un canal de inspiración y nutrición en relación a los proyectos con los que trabaja. En los últimos cinco años ha realizado una retrospectiva de más de 500 dibujos en la Academy of Motion Pictures Art and Science en la ciudad de Hollywood. Su arte es vanguardia, lo fue en los ochenta cuando planteaba sets increíbles para súper producciones, lo es ahora con su segundo largometraje en el que oficia de director: Amapola. Su talento para interpretar una idea y darle volumen y forma a esa imaginación también ha tenido su desarrollo en desafíos teatrales, lienzos en blanco y proyectos arquitectónicos entre los que se destaca Ciudad Diversia, especialmente pensado para Córdoba. En 2010 la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina lo distinguió con un Premio Cóndor de Plata especial en el año del Bicentenario argentino por haber expandido el conocimiento del cine argentino y de los profesionales argentinos por el exterior. Este premio lo obtuvo junto con Juan José Campanella, Luis Puenzo, Gustavo Santaolalla y Luis Bacalov. Sus tantos trabajos, sus expresiones plásticas y sus premios prestigian a Córdoba, ubicándola como una usina creativa para el resto del mundo.
“El pintor cuenta historias. Nos prepara el ojo para que su lectura sinuosa recorra los dominios de cada imagen que siempre emerge de lo oscuro como recién nacida. Es una luz deleitante y escenográfica. Ella penetra para aflorar en la mirada de cada personaje y delatar emociones. La obra de Eugenio Zanetti provoca un estado de encantamiento. Nos invita a cruzar las márgenes de otra realidad, mas sensual, enigmática y suntuosa.” Patricia Pacino.
29 de mayo de 2014
La Ciudad estuvo presente en arteBA con tres espacios y el lanzamiento del concurso “Buenos Aires - Sitio Específico”
El Gobierno de la Ciudad participó de la vigésimo tercera edición del evento artístico y cultural más importante del país -arteBA-, con distintas iniciativas vinculadas a la creatividad y al diseño como herramienta fundamental para transformar espacios de la Ciudad y mejorar la calidad de vida.
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| “Punto de Encuentro CMD” |
El distrito de diseño de la ciudad, a través del Centro Metropolitano de Diseño, estuvo presente con 3 espacios desarrollados e instalados por artistas y estudios creativos:
“Punto de Encuentro CMD”, una iniciativa que surge como resultado de una convocatoria que se realizó entre diseñadores, estudios y arquitectos porteños de la que fue ganador el estudio La Feliz.
“Encofrado”, una instalación realizada por el estudio del Arquitecto Martín Huberman en homenaje a la obra de Amancio Williams, con la curaduría de CMD junto a arteBA y que formó parte del “Barrio Joven Chandon”.
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| Maximo Jacoby, curador de artes visuales y diseño; Victoria Noorthoorn, directora de MAMBA; Patricio Di Stéfano, subsecretario de Espacios Públicos de la Ciudad; Teresa Frías, gerente general de arteBA Fundación; Augusto Rodriguez Larreta, subsecretario del Gobierno de la Ciudad; Enrique Avogadro, subsecretario de Economía Creativa del Gobierno de la Ciudad; Alec Oxenford, presidente de la Fundación arteBA; Julia Converti, directora ejecutiva arteBA y Andrés Gribnicow, gestor cultural |
En esta misma línea, también se presentó “Buenos Aires - Sitio Específico”, un concurso de intervenciones urbanas que está orientado a artistas visuales, arquitectos y diseñadores de todas las disciplinas, que premiará a las cinco propuestas de intervención urbana que mejor interpreten y transformen el espíritu del espacio, conjugando arte y diseño con la vida cotidiana, que sean capaces de generar valor para el barrio acercando a los vecinos de la Ciudad al espacio público.
El concurso se lanzó el domingo 25 de mayo en el marco de arteBA y contó con la presencia de autoridades del GCBA y de arteBA Fundación. La convocatoria se lanzó en el marco de una intervención artística participativa “Festival sobre ruedas” del Gran Aula, un laboratorio cultural nómade, que desde la puerta de La Rural, llevó el arte de los stands a la calle, poniéndolo al alcance de todos los ciudadanos de un modo creativo e innovador. ”Festival sobre ruedas” consiste en un dispositivo constructivo móvil y desmontable compuesto por una serie de módulos que permiten múltiples acciones culturales.
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| Instalación Gran Aula |
"La Ciudad es dinámica, va mutando, y es por eso que queremos que todos puedan participar e intervenir el espacio público", expresó Augusto Rodríguez Larreta, Subsecretario de Gobierno. Por su parte, Patricio Di Stéfano, Subsecretario de Espacios Públicos manifestó: "Con esta iniciativa queremos llevar el arte al espacio público, sacarlo de las galerías para que todos puedan disfrutarlo".
El concurso está abierto hasta el 30 de julio y los ganadores, seleccionados por un jurado de seis especialistas y autoridades del Gobierno de la Ciudad, recibirán un premio de 250 mil pesos para realizar el proyecto.
Información para los participantes
Podrán elegir entre los cinco espacios dispuestos en la Ciudad, ubicados en cuatro distritos porteños: Tecnológico, Audiovisual, de las Artes y de Diseño. Deberán presentar una propuesta de una obra urbana que transforme el espacio público -plazoletas, calles peatonales, rotondas y explanadas- en un sitio funcional que genere la interacción del público: un punto de encuentro para los vecinos, un lugar referente para los visitantes, un elemento que identifique al barrio que lo distinga de cualquier otro, que lo vuelva humano, dinámico y único.
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| Instalación Gran Aula |
Sobre el Concurso
Desarrollado en conjunto entre la Subsecretaría de Uso del Espacio Público, la Subsecretaría de Economía Creativa y la Subsecretaría de Gobierno de la Ciudad, se suma a la tendencia que está tomando las calles de las urbes más importantes del mundo y que apunta a humanizar el espacio de todos, a partir de una propuesta que invite a redescubrir y adueñarse de la Ciudad. Al respecto, Enrique Avogadro, subsecretario de Economía Creativa, afirmó: “Esta convocatoria es participativa e interdisciplinaria, invitamos a los que tengan ideas para intervenir la ciudad”.
En la misma línea, el lunes 26 de mayo, tuvo lugar la charla “Arte Público en Buenos Aires”, en la que especialistas del universo de las artes y el diseño disertaron sobre distintas temáticas y ejemplos relacionados con el arte público y las intervenciones urbanas en la Ciudad y el resto del mundo.
Más información en: www.buenosaires.gob.ar/basitioespecifico o contactarse al mail: basitioespecifico@buenosaires.gob.ar.
José Hidalgo Anastacio ganó la V edición del Concurso + Solo Show Arcos Dorados de Pintura Latinoamericana
En la quinta edición del Concurso + Solo Show Arcos Dorados de Pintura Latinoamericana, José Hidalgo Anastacio (Guayaquil, Ecuador) resultó ganador del Premio Adquisición con un acrílico sobre tela titulado "Hispanics red on red on red", de 45 x 45 centímetros, que formó parte del conjunto de la exposición concebida bajo el nombre Topoi–plana & experiments.
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| José Hidalgo Anastacio. "Hispanics red on red on red", parte de la instalación Hispanics red on red on red. Star spans. Shiny and Yellow (A corner trinity). Convivium Polygon, 2014, acrílico sobre tela |
El trabajo de Anastacio fue el resultado de elucubraciones teóricas sobre formas arcaicas y obsoletas de medición. Las enigmáticas pinturas instaladas en el espacio terminan siendo el registro de estas reflexiones. Antes de la universalización del sistema métrico (adoptado por casi todo el mundo occidental excepto los Estados Unidos), cada territorio cultural tenía sus propios patrones de medida y maneras de aplicarlos.
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| Woods Staton, presidente & CEO de Arcos Dorados, entrega el premio a José Hidalgo Anastacio |
Woods Staton, presidente & CEO de Arcos Dorados, se enorgulleció de esta edición y distinguió el trabajo del curador José Roca, que según sus palabras “hizo una selección innovadora en el ámbito de la pintura, que pudo dar muestra de la contemporaneidad de los artistas y poner en valor nuevas propuestas de trabajo. Una vez más, el propósito de este Concurso es apoyar la producción artística latinoamericana y generar una plataforma de circulación para la producción contemporánea de la región.”
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| Santiago Villanueva. Museo del fondo del Paraná, 2012-2014 |
Del certamen participaron, también, el argentino Santiago Villanueva, el brasileño Rodrigo Bueno, el uruguayo Richard Garet, el chileno Cristóbal Lehyt y la mexicana Tania Pérez Córdova.
El Concurso se llevó a cabo durante el mes de mayo en Buenos Aires, en el marco de la 23° edición de la Feria arteBA. El colombiano José Roca tuvo a su cargo la selección de seis artistas provenientes de Argentina, Brasil, Uruguay, Ecuador, Chile y México, quienes participan en la feria representados por sus respectivas galerías. Cada artista concursó con una obra inédita por el Premio Adquisición de USD15.000. La obra ganadora formará parte de la colección privada de la Compañía.
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| Los selecionados |
La ceremonia de premiación se realizó el día viernes 23 de mayo a las 19:30 hs. en el stand de Arcos Dorados. En esta edición el jurado de premiación estuvo compuesto por Lucía De La Puente, Directora de da Galería Lucía de la Puente, de Perú, Fabio Cypriano, crítico de arte de Fohla de San Pablo, Brasil y José Luis Lorenzo, reconocido coleccionista de la provincia de Córdoba; además del público que también emitió su voto vía web y durante la Feria. Unánimemente resultó ganador José Hidalgo Anastacio quien recibió el Premio Adquisición en el stand de Arcos Dorados durante la Feria.
"El cine según la música" en el MACBA, con la presentación de "Fuego Gris" y otras proyecciones
El día sábado 31 de mayo a las 17:30 hs. se presentará en el MACBA, a 20 años de su estreno, “Fuego Gris”, film musicalizado por Luis Alberto Spinetta y dirigido por Páblo César, destacado realizador argentino quien ha sostenido su producción cinematográfica desde el año 1982. La misma contará con la presencia del director que presentará su obra luego de la película.
Acompañando las proyecciones, el viernes 30 de Mayo a las 19 hs. se exhibirá “Villegas” de Gonzalo Tobal, película presentada en la Selección Oficial del Festival de Cannes 2012 y estrenada en el 14º BAFICI, donde obtiene el premio a Mejor Película otorgado por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina.
El sábado 31 a las 15:30 se exhibirá “El pasante” de Clara Picasso. Un film que hace su camino en el cine de hoteles a lo Kubrick y Fellini pero en Buenos Aires. Una historia que nos invita a descubrir todos los personajes y espacios incógnitos de los lugares en los que nos alojamos. El film se proyectará con la presencia de Clara Picasso.
Finalmente, el domingo 1 de Junio a las 16:00 se presentará "Circe", de Manuel Antín película fundante en la historia del cine nacional inspirada en el cuento de Julio Cortazar y escrita junto a este gracias a una serie de audiocartas a distancia en el año 1963.
El Patio Bullrich lleva el arte latinoamericano al Tate Modern
Patio Bullrich presentó la primera edición del Programa de adquisiciones Patio Bullrich, con una conferencia en la Embajada Británica, mediante el cual donó al Museo Nacional Británico de Arte Moderno la obra “Una milla de cruces sobre el pavimento” de la artista visual chilena Lotty Rosenfeld, expuesta en arteBA 2014 y especialmente seleccionada por el curador colombiano José Roca. En este sentido, la obra elegida formará parte de la colección permanente del museo, abriendo el camino a nuevos artistas latinos y promoviendo la interculturalidad del arte. Estuvieron presentes en el acto el embajador británico en Argentina, Dr. John Freeman; la gerente de Patio Bullrich, Carolina Rodríguez Pañeda y el curador de arte latinoamericano del Tate, José Roca.
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| El embajador británico en Argentina, Dr. John Freeman; la gerente de Patio Bullrich, Carolina Rodríguez Pañeda y el curador de arte latinoamericano del Tate, José Roca |
La obra elegida es una serie de siete fotos que documentan los happenings realizados por Lotty Rosenfeld en Santiago de Chile y Washington a finales de los 70 y principios de los 80. Según su biografía: "Las acciones consistían en ubicar un centro político de significación como la Casa Blanca (Washington D.C.) y luego cruzar con una línea blanca la señalización del tránsito en un gesto de diferencia con respecto a la política oficial". Más adelante, realizó la misma acción en Cuba.
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| Serie de 7 fotos que componen la obra que documenta los happenings realizados por Lotty Rosenfeld, adquiridas por la Tate |
La colección permanente de Tate Modern es considerada una de las más completas e importantes de arte contemporáneo del mundo. En ella figuran obras de gran parte de los artistas más destacados del siglo XX, entre ellos Pablo Picasso, Andy Warhol, Salvador Dalí, Mark Rothko y otros.
Patio Bullrich es uno de los lugares más tradicionales de Buenos Aires, un espacio emblemático en donde conviven la historia, la tradición, lo clásico y atemporal junto a la moda y las tendencias de las marcas más sofisticadas. Atracciones musicales, muestras artísticas, festivales internacionales de cine y performances conviven con lanzamientos de colecciones y tendencias en moda, diseño, gastronomía, perfumes y música.
El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presenta la exposición antológica del artista Eduardo Costa, Moda ficción, naturaleza, joyas y bicicletas.
La presente exposición antológica permite recorrer más de 40 años de trayectoria de Costa, a través de numerosas piezas realizadas en distintas ciudades -Buenos Aires, Nueva York, Río de Janeiro-, que lo han tenido como protagonista de la escena artística local e internacional.
A lo largo de su historia, Costa ha desplegado diferentes estrategias artísticas para incorporar las múltiples formas de lo real y retenerlas, aunque sea de manera fragmentaria, en múltiples formatos: piezas sonoras, performances, moda, diseño, joyas, ready-mades y pinturas.
Cada una de sus obras incluye a otras que las resignifican y potencian. De esta forma, se genera un conjunto de múltiples vasos comunicantes que conforman una enciclopedia dispersa, en la cual caben la naturaleza, la moda, la revisión de tópicos de las vanguardias históricas, la música pop, la literatura oral, el métier del joyero y hasta una pinacoteca redefinida en objetos realizados con pintura sólida. Así, fragmentos de un diálogo casual devienen en un poema;una mariposa atrapada en alas de plástico que duplican las suyas se transforma en una joya que ilustra las revistas de moda; un caracol muestra su forma perfecta para funcionar como un anillo, y las ramas de un árbol se modelan para convertirse en un exclusivo brazalete. Diferentes objetos y acciones artísticas se establecen en un equilibrio complejo y, a la vez, armónico.
Para esta ocasión, el artista instaló su taller en la sala del museo para que los espectadores puedan observar en directo cómo se van enhebrando cada una de estas continuidades.
Costa es un creador que irrumpió a mediados de los años 60 en la escena porteña (los años de oro del Instituto Di Tella) con propuestas que se conocieron como Arte de los medios, esto es, una forma estética y táctica en lacual la información, el evento y la ficción dieron un paso más allá delhappening, lo que se definió entonces como la desmaterialización de la obra de arte. Fue autor, junto con Roberto Jacoby y Raúl Escari, del manifiesto Un arte de los medios de comunicación (1966) y del llamado Arte de los medios que incluyó, entre otros trabajos, el happening ficticio conocido como Happening para un jabalí difunto, una acción que se materializó en los propios medios de comunicación.
Con posterioridad a este celebrado debut -más específicamente desde el suceso conocido como The Fashion Show Poetry Event, realizado en Nueva York en 1969 y que contó con la participación de Andy Warhol, Alex Katz, Claes Oldenburg y Marisol Escobar, entre otros- puso en marcha una visión aún más personal de la moda, de su circulación, de sus accesorios, de su difusión y de sus sistemas visuales.
Cada vez que un lector vuelva a hojear las páginas de la edición neoyorquina de la célebre revista Vogue de febrero de 1968 y se encuentre con la serie Fashion Fiction I, cuya fotografía fue tomada por Richard Avedon, experimentará muy posiblemente la misma sensación de seducción e incomodidad que aún hoy sentimos frente a esta imagen-ícono producida por Costa. En parte escultura, ornamento y prótesis, estas joyas calcan la anatomía humana y, al mismo tiempo que la modelan, le dan una nueva existencia,cubriendo el cuerpo con una piel con las cualidades divinas del oro. Orejas, dedos de manos y pies, y cabellos dorados cosifican el cuerpo y lo convierten en objeto de deseo.
Una de las características que recorre toda la producción de Costa es el permanente desafío al canon moderno, entendido como la pureza de las formas y su aislamiento de todo residuo del mundo exterior. En cambio, el valor de sus obras se afirma en su condición porosa y contaminada a medida que el artista busca deliberadamente retener las múltiples formas de lo real, apelando siempre al juego, al humor y a la parodia.
Otro importante capítulo dentro de su producción son las pinturas volumétricas. Si bien siendo muy joven había realizado algunos ensayos de pintura académica, el «descubrimiento» de la pintura se produce de forma azarosa en 1994. El hallazgo accidental de un pote seco de pintura acrílica amarilla se ubica en el inicio de una larga serie de obras que llegan hasta nuestros días. Costa descubrió en aquel rastro de pintura seca una presencia corpórea que le permitió imaginar otros caminos para la pintura. Sus pinturas son pinturas hechas de pintura: una forma tautológica que derriba los códigos fijados por la tradición ilusionista.
Cuando hoy se le pregunta a Costa acerca de qué es el arte, responde: "Estoy tratando de averiguarlo. Algunas palabras conectadas al problema serían: expresión, creación, elaboración, desarrollo, trabajo y edición". Una precisa síntesis del trabajo de este gran artista.
La muestra se puede visitar hasta el 14 de setiembre de 2014, de martes a viernes de 11 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 11 a 20 hs. en Avenida San Juan 350, San Telmo, ciudad de Buenos Aires.
Para esta ocasión, el artista instaló su taller en la sala del museo para que los espectadores puedan observar en directo cómo se van enhebrando cada una de estas continuidades.
Con posterioridad a este celebrado debut -más específicamente desde el suceso conocido como The Fashion Show Poetry Event, realizado en Nueva York en 1969 y que contó con la participación de Andy Warhol, Alex Katz, Claes Oldenburg y Marisol Escobar, entre otros- puso en marcha una visión aún más personal de la moda, de su circulación, de sus accesorios, de su difusión y de sus sistemas visuales.
Una de las características que recorre toda la producción de Costa es el permanente desafío al canon moderno, entendido como la pureza de las formas y su aislamiento de todo residuo del mundo exterior. En cambio, el valor de sus obras se afirma en su condición porosa y contaminada a medida que el artista busca deliberadamente retener las múltiples formas de lo real, apelando siempre al juego, al humor y a la parodia.
Cuando hoy se le pregunta a Costa acerca de qué es el arte, responde: "Estoy tratando de averiguarlo. Algunas palabras conectadas al problema serían: expresión, creación, elaboración, desarrollo, trabajo y edición". Una precisa síntesis del trabajo de este gran artista.
La muestra se puede visitar hasta el 14 de setiembre de 2014, de martes a viernes de 11 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 11 a 20 hs. en Avenida San Juan 350, San Telmo, ciudad de Buenos Aires.
28 de mayo de 2014
Andrés Pablo Matteucci y Luis Munitz exponen en Modena Design
Entre el 26 de mayo y el 8 de junio se presentan en el espacio de arte de Modena Design, ubicado en Figueroa Alcorta 2270, la muestra de pintura de los artistas Andrés Pablo Matteucci y Luis Munitz, con la coordinación de Lucila Isaurralde.
Andrés Pablo Matteucci nació en Argentina el 4 de marzo de 1972. Es Diseñador Gráfico y artista visual. Realizó sus primeros trabajos como autodidacta. Posteriormente estudió con Natalio Galluzzi, Dario Zana y en la actualidad con Adrián Lirman.
Vive en la Ciudad de Buenos Aires, en el barrio de Caballito.
"En mi obra coexisten la introspección y los contrastes emocionales. Habitan la lucha, el humor, el drama y la soledad. Utilizo la ironía como una forma de manifestación y rebeldía.
Como artista visual en mis pinturas empleo distintas técnicas. Me apropio de imágenes que me inspiran y aplicándoles mi impronta creativa, las ubico en un contexto diferente. El resultado puede ser incierto y sorprendente.
El arte nos moviliza siempre de alguna manera: nos encandila, nos emociona, nos expulsa o nos enternece. Jugar con la pasión y con esos extremos a través de mi propia fuerza expresiva, es lo que me impulsa e inspira durante el proceso de creación." dice el artista.
Luis Munitz nació en Buenos Aires el 9 de mayo de 1967. Desde el año 2003 concurre al taller de pintura de Adrian Lirman. En el año 2008 crea junto a Flor Kaplan y Mime Giraudi la galería de arte Proyecto Bisagra, donde participó hasta el año 2010.
Participa de muestras y concursos desde el año 2004. Recibió el primer premio en el concurso Colegio Tarbut de Olivos, en el 2007. Expuso en el taller de Adrian Lirman en 2004; Art-Fuzión (Pilar), ArteClásica y Expotrastiendas en 2008; en Il Ballo del Matone en 2009; Espacio Umbral en 2011 y en Art Godoy (San Isidro) en 2013. Realizó muestras individuales en Restó Ravello y Unicred en 2007, UCEMA en 2008, Bisagra Arte Contemporáneo en 2009 y Espacio Antidomigo en 2013.
Última función de Nave Cinética en la Ex Esma
Última función de Nave Cinética en la Ex Esma: Galpón de la Mujer Originaria. Av. Libertador 8151.
Entrada libre y gratuita (Se suspende por lluvia)
Sábado 31 de mayo 19 hs. Sistema solar (Sonnensystem)
Thomas Heise, Alemania, 2010, 100 min.
Filmada en los soberbios escenarios naturales de Orán, en la provincia de Salta, donde habita la comunidad indígena del pueblo Kolla Tinkunaku, Sistema Solar articula sin palabras, casi sin más sonidos que los de la naturaleza -el viento que baja por valles y montañas; los truenos sacudiendo la oscuridad de la noche; una vaca pariendo-, un relato que es puro cine: el de la desaparición, lenta pero fatal, de una cultura, en la encrucijada de las viejas tradiciones y la modernidad.
Organizan Goethe-Institut Buenos Aires y Movimiento Mujer Originaria. Con el apoyo de Fondo Nacional de las Artes y Mecenazgo Cultural.
En el marco de su ciclo inaugural, la escultura Nave Cinética invita a ver cine al aire libre en distintos puntos de la ciudad. Nave Cinética es a la vez un proyector de cine móvil, un automotor y un proyecto social que busca avanzar con la expresión y la acción artística sobre terrenos despojados de ella: en particular las calles, los caminos y las rutas son espacios sobre los cuales esta obra de arte puede actuar, además de transitar.
Para más información www.navecinetica.com.ar.
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