Convocatoria para participar del 60º Salón de Artes Plásticas “Manuel Belgrano”

El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori anuncia la convocatoria a inscripción y recepción de obras para participar del 60º Salón de Artes Plásticas “Manuel Belgrano”, en la sede de Av. Pedro de Mendoza 3951 (esquina Herrera), Barracas.
Informes o consultas: salonmanuelbelgrano@gmail.com.
Durante el período de recepción de obras, las consultas telefónicas deben realizarse al 4302-4498. 
Para bajarse la planilla de inscripción y el reglamento del Salón, los participantes deberán ingresar al sito web del Museo Sívori, a través de este link: http://www.buenosaires.gob.ar/museosivori/inscripcion-y-recepcion-de-obras.

En 1944 la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires creó el “Salón de Otoño de Artes Plásticas”, que a partir de 1955 comenzó a llamarse “Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano” en homenaje al fundador de las primeras escuelas de arte. Mediante este “Premio a la obra de arte”, el Museo Eduardo Sívori ha ido conformando una vasta colección que ilustra la trayectoria del arte nacional en las disciplinas pintura, escultura, dibujo y grabado. Con fondos que el gobierno de la ciudad  destina a tal efecto, se adquieren las piezas premiadas por un jurado que representa a la secretaría de cultura y a los artistas participantes. Por lo tanto, dicho premio debe ser discernido con la única consideración de la calidad de la obra presentada, ya que la misma se convierte patrimonio de todos los habitantes de la ciudad de Buenos Aires.

Envío argentino a la Bienal de Jerusalem 2015

 

MALBA presenta “La democracia del símbolo” de Leandro Erlich

MALBA Fundación Costantini presenta “La democracia del símbolo”, primera obra site-specific de Leandro Erlich (Buenos Aires, 1973) en nuestro país, que toma al Obelisco porteño –ícono de la Ciudad de Buenos Aires- como eje central de un proyecto de arte público monumental.
A través de su intervención artística, Leandro Erlich -uno de los artistas argentinos con mayor proyección internacional- brinda la posibilidad de visitar su interior y descubrir su vista aérea por primera vez desde su fundación en 1936.
 

"Me interesa generar proyectos en los que el arte escape a las fronteras de los centros convencionales de exhibición y se imbrique en el orden de lo cotidiano”, explica Erlich. “Me interesa el arte como una herramienta de integración, de acción, de vinculación. La relación de las ciudades con los monumentos y con lo que significa visitarlos, porque no solo lo hacen los turistas; tiene que ver con la apropiación, con el orgullo, con la pertenencia. Y el Obelisco en Argentina es un monumento que nunca ha sido pensado para ser visitado", agrega.

“La democracia del símbolo” es una iniciativa artística y social única, resultado de la articulación entre el artista y su estudio, MALBA, el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y la empresa Fate, la mayor productora de neumáticos del país.
La obra consta de dos partes. Por un lado, en el emplazamiento del Obelisco, el artista interviene directamente el monumento, haciendo desaparecer su ápice, que reaparece en la explanada de MALBA con una reproducción a escala real. De esta manera, el público podrá ingresar a la cúspide, con entrada libre y gratuita, y disfrutar de las cuatro vistas aéreas del monumento central en el imaginario argentino.

El Obelisco fue construido en 1936 por el arquitecto modernista Alberto Prebisch. Desde entonces es punto de reunión, celebraciones y  manifestaciones populares.
Ha sido también inspiración de innumerables proyectos artísticos de fotógrafos pioneros como Grete Stern y Horacio Coppola -quien registró su construcción en un film-, Marta Minujín y Leandro Katz, entre muchos otros.
Su interior allá en lo alto siempre despertó la curiosidad de todos y este proyectobrinda por primera vez la posibilidad de democratizar su acceso, transformándolo en un monumento público, abierto a todos.

“PARed”, muralismo en escuelas en la que participan alumnos y artistas emergentes, que cuenta con el apoyo de Scholas Occurrentes, el proyecto educativo mundial impulsado por el Papa Francisco para promover los valores de la Cultura del Encuentro para la Paz

Toyota Argentina en conjunto con su concesionario oficial Federico S.A. presentó la primera actividad de su Proyecto Artistas en Red, “PARed”, en el barrio porteño de Saavedra. Esta iniciativa de muralismo en escuelas busca brindar un nuevo espacio de arte para alumnos y artistas emergentes que, a través de sus obras, colaboran en el enriquecimiento cultural de la comunidad. 

La iniciativa se realiza con el apoyo de Scholas Occurrentes, la entidad educativa de bien público impulsada por el Papa Francisco, con la que Toyota Argentina colabora y comparte uno de sus ejes principales de acción para la integración social: recuperar el Arte como camino educativo.
La primera intervención artística tuvo lugar en la Escuela N°6 Manuel Dorrego  y contó con la presencia de directivos, docentes y alumnos de la Institución,  representantes de Red Solidaria, la red de comunicación Mundo Invisible,  así como autoridades de Toyota Argentina y el concesionario Federico S.A.

Con la ayuda de alumnos de 5to grado de la escuela, los murales intervenidos fueron creados por los siguientes artistas locales: Alan Myers, Eugenia Mendoza, German Paino, Jiant, Nicolás Rodriguez, Sebastián Strikic, Sebastián Vendrell, Valeria Arrieta, Viktor Narsh.
Esta iniciativa coincide con el inicio de la cuarta edición del concurso nacional de dibujo “Dream Car Art Contest” que promueve Toyota Argentina junto a su red de concesionarios en todo el territorio argentino y que invita a niños menores de 15 años a dibujar el auto de sus sueños. “Desde Toyota Argentina estamos muy contentos de participar de estos espacios artísticos en donde los chicos pueden dejar volar su imaginación y contribuir a la creación de una comunidad educativa más creativa e inclusiva”, señaló Eduardo Kronberg, Gerente de Responsabilidad Social de Toyota Argentina.
“PARed” se replicará próximamente en las paredes de la Escuela Nº21 Coronel Cornelio Saavedra, que así como la escuela Nº 6 forma parte de la zona de influencia del concesionario Federico S.A.

Acción performática de Valeria Conte Mac Donell en Gachi Prieto Arte Contemporáneo

Gachi Prieto presenta a partir del 23 de septiembre al 7 de noviembre, la nueva exhibición performática de Valeria Conte Mac Donell:

- ¿Araña?
- No. ¡Dibuja! 

Esta exhibición presentará obras en diferentes formatos: dibujo, registro fotográfico y una acción-performática que se inscriben dentro del trabajo de estudio y ensayo que actualmente la artista lleva adelante. De esta manera, la nueva exhibición se constituirá en dos momentos:
1° momento: 23/24/25 y 28 de setiembre, de 14 a 19 hs. Dibujo-acción. "De las paredes infinitas de un espacio blanco, se desprenden líneas que un cuerpo en tensión, dibuja."
Durante los días miércoles 23, jueves 24, viernes 25 y lunes 28 de setiembre podrán visitar la galería, ubicada en Aguirre 1017, entre las 14 y las 19 horas y ver a la artista suspendida en el espacio de su propia obra, dibujando en alambre.  Visitas en otras fechas y/o fuera de horario, con cita previa.

Buenos Aires Fine Arts inaugura “Cuando los sueños no alcanzan” de Alicia Maffei

La galería Buenos Aires Fine Arts presenta una artista argentina que exhibe más de 70 obras de pequeño formato, realizadas con técnica mixta. La exposición puede visitarse hasta el 5 de octubre, de lunes a viernes de 14 a 20 hs. y los sábados de 9 a 13 hs. en Cuba 1930, Belgrano, Buenos Aires.
Las obras de Maffei poseen algo de juego, de sueños, de personajes, de fantasía. Nos vuelven a acercar a los juegos de la infancia, a nuestra adolescencia donde aún la fantasía se mezclaba con los deseos, las ilusiones para nuestro futuro que aún no llegaba.

Hoy se pueden revivir esos momentos, en los personajes que miran hacia el espectador, que parecen observarnos, con sus figuras estilizadas algunos, otros, grandes monigotes desamparados, que ocupan la escena, que cubren la obra como hacen los garabatos de los chicos en la hoja blanca que alguien les acerca para dibujar.
Estas obras nos retrotraen al fantástico paisaje de la literatura gótica, con sus rasgos estilizados y sus siluetas proyectadas mediante la perspectiva, en inmensos campos de juego, solitarias mansiones, patios de juego de quién sabe qué mundo fantástico y surrealista. Formas, figuras y colores que Alicia Maffei plasma en la tela blanca que alguien, alguna vez, le acercó para dibujar.

Se viene Mirá Festival de Arte 2015, en el Centro Cultural Borges. Uno de los acontecimientos más esperados dentro del calendario cultural de Buenos Aires en este año

Noemí Paviglianitti. Gravitación Universal, acrílico sobre tela, 2015

La segunda edición de Mirá Festival de Arte ya está cerca, será del 24 al 27 de setiembre en el Centro Cultural Borges y podrá visitarse con entrada libre y gratuita de 12 a 20.30 hs.

María Inés López. Las hadas del Lago (detalle), acrílico sobre tela, 2014

Se trata de una plataforma de difusión de arte argentino que promueve la adquisición de obra de manera  directa entre autor y el público, sin intermediarios.

Participan artistas noveles junto a grandes maestros, que estarán a disposición del visitante brindando conferencias y demostraciones, brindando su saber.

Alejandro Raineri. Scottish, acrílico sobre tela

Estarán presentes Eugenio Cuttica, quien acaba de presentar su retrospectiva en el Museo Nacional de Bellas Artes, y Federico Bacher, artista invitado por el ICBC -main sponsor de Mirá Festival de Arte-.  También participan, entre otros, Alejandro Raineri, Susana Beibe, Elisa Antokolec, Raquel Bigio, Marcela Pittner, Álvaro Montañes, Carmen Predacino, Tomás Balardini, Noemí Paviglianiti, Susana Tastzian, Berta Beylhe, Roxana Borzi, Patricia Martínez, Carolina Brave y un centenar de artistas con diferentes estilos y técnicas.

Lydia Tarica. Plano flotando, óleo

Mirá Festival de Arte está organizado por tres medios especializados: RevistaMagenta.com y redes sociales, el programa televisivo Cultura al Día, que se transmite semanalmente por canal Metro, 3 de Cablevisión, y la revista Qué Hacemos on line y papel.

El equipo de MIRÁ: Julio Zapollnik, Graciela Smith, Susana Araujo y Patricia Altmark

Más información en: www.mirafestival.com.ar.

Fotografía de América Latina en el Centro Cultural Kirchner

A partir del sábado 19 de setiembre se puede visitar la muestra "Aqui nos vemos. Fotografía en América Latina 2000-2015" en La Gran Lámpara, salas del sexto y séptimo piso del Area Industrial del Centro Cultural Kirchner. 

La exposición, en la que intervienen 65 autores de Argentina, México, Brasil, Peru, Paraguay, Uruguay, Cuba, Colombia y Chile se puede visitar hasta el 15 de noviembre. La curaduría de la muestra es de Adriana Lestido, Juan Travnik y Gabriel Díaz.

El conjunto de imágenes que se despliega en esta exposición, abarca las propuestas más recientes de autores ya consagrados así como las de otros más noveles. El dinamismo y la fuerza de la fotografía de nuestro continente se ha consolidado en las últimas décadas con una creciente madurez. A la ya histórica y reconocida referencia sobre las problemáticas sociales, que no han excluido a lo largo del tiempo otras experimentaciones, se le ha sumado una cada vez más notoria vitalidad.

En su texto de presentación de la muestra, Mariana Enríquez dice: "… Por eso estas imágenes, tan diversas, abrazan la diferencia y conviven: aquí hay electricidad y pasión, ojos y corazones, historia e identidad pero también obsesiones y recorridos".

Alejandro Chaskielberg

Los autores, por orden alfabético, son: Marcelo Abud, Marcos Adandía, Nahuel Alfonso, Hugo Aveta, Valeria Bellusci, Florencia Blanco, Carlos Bosch, Marcelo Brodsky, Marcela Cabezas Hilb, Rafael Calviño, Iatâ Cannabrava, Raúl Cañibano, Eduardo Carrera, Alejandro Chaskielberg, Sub Coop, Christian Cravo, Milagros de la Torre, Facundo de Zuviría, José Diniz, Paz Errázuriz, Martín Felipe, David Fernández, Cristina Fraire, Julio Fuks, Eduardo Gil, Maya Goded, Alberto Goldenstein, Rodrigo Gómez Rovira, Luis González Palma, Pablo Guidali, Fernando Gutiérrez, Graciela Iturbide, Andrea Knight, Diego Levy, Marcos López, Paula Luttringer, Cecilia Lutufyan, Nuna Mangiante, Verónica Mastrosimone, Emiliana Miguelez, Guadalupe Miles, Daniel Muchiut, Mauricio Palos, Jorge Panchoaga, Julio Pantoja, Esteban Pastorino, Ataúlfo Pérez Aznar, Oscar Pintor, Leopoldo Plentz, Santiago Porter, Res, Cecilia Reynoso, Hector Río, Miguel Rio Branco, Rubén Romano, Jorge Sáenz, Mariela Sancari, Diego Sandstede, Alessandra Sanguinetti, Gustavo Silveti, Alfredo Srur, Lena Szankay, Sebastián Szyd, Gabriel Valansi, Cassio Vasconcellos, Dani Yako, Marcos Zimmermann, Helen Zout.

La entrada es libre y gratuita y los horaarios de visita son de viernes a domingos, de 14 a 24 hs. entrada por Sarmiento 151, Buenos Aires, Argentina.

El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori presenta la exposición del “XXIV Salón de Arte Textil”

El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori anuncia la inauguración oficial y entrega de premios del “XXIV Salón de Arte Textil”, el sábado 26 de septiembre a las 12 hs. en su sede de Av. Infanta Isabel 555, frente al puente del Rosedal de Palermo.

Viviana Rodríguez. “Tienda Manuela”, tejido de papel

Se exhiben las obras premiadas y seleccionadas en dicho salón, que comprende las categorías clásica y aArtesanal. Este premio se enmarca en la política de adquisición de obras que enriquecen la colección de arte argentino de la Ciudad de Buenos Aires y que atesora el Museo Eduardo Sívori. Es, además, uno de los más importantes estímulos a la labor de artistas textiles de todo el país.

Cecilia Koppmann. “Agua”, patchwork y quilting

Artistas premiados:
En Técnicas Clásicas el Primer Premio Adquisición es para Cecilia Koppmann, con “Agua”, patchwork y quilting (122 x 175 cm); el Segundo Premio Adquisición para Viviana Rodríguez con “Tienda Manuela”, tejido de papel (150 x 80 x 70 cm) y una mención para Susana H. Salzamendi con“Todavía no tiene 15”, bordado con hilos de distinto tipo sobre tela (75 x  75 cm).

Pat Müller. “Pronombre personal”, collage bordado

En Técnicas Artesanales el Primer Premio Adquisición lo recibió Pat Müller con “Pronombre personal”, collage bordado (180 x 80 cm); el Segundo Premio Adquisición es para Silvina de las Carreras  con “Vertebral”, tela teñida y bordada (191 x 44 x 21 cm) y las menciones para Ana Paredes (“Contenido frágil” -díptico-, técnica mixta) y Marina Soria (“Plumas de coser”, gouche, caligrafía, bordado).
Además se otorgó el Premio “Homenaje a Joan Wall” a Carmen Imbach Rigos, con “Destejiendo pliegues III”, hilos de seda, macramé, pigmentos y aglutinantes. 

La exposición se puede visitar desde el 19 setiembre hasta el 18 de octubre, de martes a viernes de 12 a 20 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. Entrada: $10. Miércoles, gratis.

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires anuncia la inauguración de “La Menesunda según Marta Minujín”

Cincuenta años después de la histórica ambientación que Marta Minujín realizó junto a Rubén Santantonín en mayo de 1965 en el Centro de Artes Visuales del Instituto Torcuato Di Tella, el Museo de Arte Moderno se convierte en escenario y testigo de una reconstrucción fiel que se desplegará dentro de un espacio de 400 metros cuadrados en el primer piso del Museo.
La Menesunda -"mezcla", "confusión", en lunfardo- consistía en una estructura laberíntica que incluía un recorrido por once situaciones y se organizaba a partir de una secuencia de espacios cúbicos, poliédricos, triangulares y circulares, recubiertos por diferentes materiales, que generaban estímulos multisensoriales en el visitante.

Marta Minujín y Rubén Santantonín en el ingreso de La Menesunda. Registro fotográfico de Menesunda, mayo de 1965, Instituto Torcuato Di Tella. Archivo Marta Minujín

“La Menesunda según Marta Minujín” recupera en la actualidad el conjunto de relaciones materiales, sensoriales y simbólicas que hicieron posible su existencia en 1965. Fue una experiencia de ruptura respecto a los lenguajes visuales de la década. Durante medio siglo se fue cargando de múltiples significaciones y relecturas, hasta transformarse en una obra central del imaginario cultural argentino.

Como se lee en el texto curatorial de la exposición: "La Menesunda era, decididamente, una provocación; su objetivo, sacar a la gente del estupor de la vida cotidiana y obligarla a enfrentarse a esa cotidianeidad representada por objetos en extremo familiares, para abrir nuevas lecturas".
Realizada en 1965 con la colaboración de los artistas Pablo Suárez, David Lamelas, Rodolfo Prayón, Floreal Amor y Leopoldo Maler, La Menesunda -según dijeron sus creadores- no era obra ni happening, tampoco espectáculo. Era pura experiencia y provocación. Un proyecto de una magnitud descomunal que se convertiría en el escándalo del año, pero también en uno de los grandes hitos de la historia del arte argentino.

Marta Minujín en el túnel de neón. Registro fotográfico de La Menesunda, mayo de 1965. Instituto Torcuato Di Tella. Cortesía Archivo Centro de Artes Visuales, Universidad Torcuato Di Tella

Como declaró Minujín, ícono del arte de vanguardia de la Argentina en la década del 60 y acérrima cuestionadora de las normas y modalidades establecidas del arte: “La Menesunda fue un hecho histórico. Miles de personas fueron en aquel momento, revolucionó todo Buenos Aires. Era un recorrido a través de situaciones que buscaban sorprender y sensibilizar al espectador para ser participante”.
La obra apareció en el circuito del arte argentino como una exposición inusual, que arrastró tanto escándalo mediático como éxito masivo. Los visitantes esperaban hasta tres o cuatro horas en la calle Florida para ingresar a la exposición. La prensa rioplatense recogió por entonces epítetos como "tontería", "estupidez" (La Gaceta), "lamentable" (La Nación), "enervante" (La Prensa), mientras que sus creadores fueron adjetivados de "locos", "sinvergüenzas", sin omitir un "sentimos que nos han tomado el pelo descaradamente" (Careo).
En contraste con la burla irónica de los medios, el potencial crítico de esta obra se encontraba en su capacidad para romper con los límites establecidos por una sociedad aún conservadora, desdibujando los contornos del objeto, para reemplazarlo por una obra de arte total, que apelaba a todos los sentidos del participante, interpelándolo y provocándolo con  imágenes de la intimidad de los hogares argentinos y de su cotidianeidad, apuntando a su voluntad para romper con las antiguas restricciones.

La Menesunda, mayo de 1965, Instituto Torcuato Di Tella, cortesía Archivo Marta Minujín

"El enrevesado laberinto confrontaba, incomodaba, sorprendía y zarandeaba a todo aquel que osara traspasar su umbral. Sacudiendo al espectador de su habitual pasividad y sumergiéndolo en un agitado revoltijo, la obra confundía la cotidianeidad doméstica con el bullicio de las calles del centro y el más reciente de los lenguajes de la vanguardia, todo en una misma sala", según la lectura de Sofía Dourron, integrante del área de Curaduría del Museo de Arte Moderno y autora de textos del catálogo de la exposición.
La exposición “La Menesunda según Marta Minujín” inaugura el 8 de octubre a las 18 hs. y se podrá visitar en Avenida San Juan 350, de martes a viernes de 11 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 11 a 20 hs. Entrada general: $20. Martes gratis.
Nota a tener en cuenta: la sala tendrá una capacidad limitada, por lo tanto el ingreso será por orden de llegada. Los niños y menores de 16 años deberán ingresar acompañados por un adulto (hasta un niño por adulto). La sala no cuenta con acceso para personas con movilidad reducida y se solicita el acceso con calzado sin tacos.

ÁreaTEC presenta la muestra "Imagen" en el Edificio Cassará

El Museo Eduardo Sívori presenta la exposición del Premio Nacional Estímulo Diseño Gráfico “Basilio Uribe” edición 2015, organizado por la Academia Nacional de Bellas Artes

Convocados por la Academia Nacional de Bellas Artes, jóvenes diseñadores gráficos presentan anualmente sus obras con el objeto de participar de este premio, que consiste en un diploma de honor, la suma de 12 mil pesos y la exposición de sus trabajos.
El Primer Premio se le otorgó a Juan Emilio Lemos, en tanto que recibieron menciones Dan Waisman y Jimena Passadore. 
El jurado del concurso estuvo integrado por los académicos Antonio Antonini, Ricardo Blanco, José Burucúa, Matilde Marín y Justo Solsona.

En esta edición “percibimos una mirada disciplinar que enlaza lo tradicional de la gráfica con los nuevos recursos tecnológicos, encontrándose en un camino que puede ser clarificador de las últimas tendencias en las cuales el juego visual a veces supera al comunicacional. La valorización de la imagen, el tratamiento de los objetos como una totalidad, y no como un conjunto de planos, nos permiten leer un diseño gráfico evolucionado en el cual el espacio real tiene una riqueza visual que muchas veces la gráfica no utiliza”, asegura Ricardo Blanco, presidente de la ANBA.

La inauguración y entrega de premios se realizará el sábado 19 de setiembre a las 12 hs. en Av. Infanta Isabel 555, frente al puente del Rosedal de Palermo, y la muestra se puede visitar hasta el 15 de octubre, de martes a viernes de 12 a 20 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. Entrada: $10. Miércoles, gratis.

Exposición de Daniel Corvino y Amalia Bonholzer en la galería Rubbers Intenacional

Galería Rubbers Internacional presenta "Divergentes urbanos" de Daniel Corvino y "Presente del pasado" de Amalia Bonholzer.
La muestra inauguró el martes 8 de septiembre en Av. Alvear 1595, Buenos Aires, Argentina, y se puede visitar de lunes a viernes de 11 a 20 horas. y los sábados de 11 a 13.30 horas. hasta el sábado 3 de octubre.

Mariana Povarché, Daniel Corvino y Amalia Bonholzer

El pintor argentino Daniel Corvino nació en Buenos Aires en 1950. Estudió en los talleres de los maestros Santiago Mirabella, Luis Mastro, Marino Santa María y Luis Felipe Noé. Perfeccionó la técnica de Grabado en el taller de Alicia Diaz Rinaldi y Leonardo Gotleyb.
Sus obras se exponen en los Museos de La Pampa, Rosa Galisteo de Rodriguez, Sívori, Damaso Arce de Olavarría, Colegio Ward, Municipalidad de Lomas de Zamora, Avellaneda y Villa Constitución. Y en colecciones privadas de Brasil, Miami, México, New York y Francia.

Mariano Couso presenta su libro “La danza del pincel” en dos eventos culturales con entrada libre y gratuita

 

Mariano Couso presenta este mes su primer novela La Danza del Pincel (Ediciones Croupier). El miércoles 16 de septiembre a las 19 hs. en la Sala Solís de la Biblioteca Nacional -Agüero 2502- se presentará su libro y con la compra de un ejemplar se participa en el sorteo de la obra original de tapa, a realizarse en el segundo evento.

 

 
El viernes 18 de septiembre se realizará a partir de las 19 hs., en el Salón de los Pasos Perdidos de la Facultad de Derecho -Av. Figueroa Alcorta 2216-, una muestra de las 62 obras del autor, de las cuales 26 están incluidas en el libro y el resto formarán parte de una retrospectiva del artista. Además, acompañarán esta presentación un concierto de chelos y violines del grupo Tarambaires.
En este segundo encuentro, también se podrá acceder a la compra exclusiva de obras a un precio diferencial y se finalizará con el sorteo de la obra que ilustra la tapa del libro.
Mariano Couso es un pintor, dibujante y diseñador argentino. Se formó en la facultad de Diseño Gráfico de la Universidad de Buenos Aires. Como pintor expone  sus obras en el país desde 1993 en  museos, salones y galerías. Ha obtenido numerosos premios y sus obras forman parte de la colección de instituciones municipales y  privadas. Además, trabaja como  director de arte  en diferentes empresas y medios audiovisuales. “La Danza del pincel” es su primera novela.

El artista digital Pablo Mazza participa de una muestra en Nueva York

"Sabrina". Digital artwork on canvas

El artista digital argentino, Pablo Mazza, junto con otros prestigiosos artistas latinoamericanos, inaugura próximo mes de setiembre la muestra  "Masters of the Imagination: The Latin American Fine Art Exhibition". La inauguración será el 17 de setiembre y la muestra permanecerá abierta hasta el 6 de octubre en Agora Gallery, 530 West 25th Street, New York, USA.

Más información sobre la muestra en: http://www.agora-gallery.com/ExhibitionAnnouncement/Masters_9_16_2015.aspx.

Homenaje a Miguel Ángel Bengochea en la galería Jacques Martínez

El 17 de septiembre Miguel Ángel Bengochea hubiera cumplido 70 años. La muestra que la galería Jacques Martínez presenta es un homenaje al artista y a la persona. Está constituida por grandes dibujos que nunca han sido exhibidos en conjunto. El tema es el ser humano en distintos espacios sociales. Como dijera nuestro colega Álvaro Castagnino en el año 1987, con motivo de una muestra de sus pinturas “El pintor, al exponer sus personajes nos hace cómplices, nos participa, nos ‘mete’, no nos deja pasar por alto ésta, su visión descarnada y dura pero profundamente humana, tal como Velázquez muestra sus enanos o el Goya de la serie negra. Con el ojo detenido cual si fuera fotográfico, Bengochea desnuda a sus personajes y nos pone frente a una realidad que, dramática y grotescamente, transmite ternura y profundo amor por esos seres que él señala con su pincel” (Texto que acompañó la exposición de Miguel Bengochea en la Galería Arte Nuevo en el año 1987).

La galería los invita a compartir un brindis en su recuerdo en la inauguración de su muestra el jueves 17 de septiembre a las 19 hs. en Av. de Mayo 1130 - 4° “G”, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Ciclo de Arte, Cultura y Salud abierto a la comunidad: Jesica Trossman en el Hospital de Clínicas

Como parte del ciclo "Arte, Cultura y Salud", la diseñadora Jesica Trosman brindará una charla en la que repasará su carrera profesional, su visión de la moda, la creación de su estilo y su historia de vida, el 17 de septiembre a las 11 horas en el aula 70 (7º piso) organizada por la 4º Cátedra de Medicina y coordinados por su profesor titular doctor Roberto Iermoli.

El estilo de Trossman es reconocido vanguardista. Desde hace más de 20 años explora nuevas texturas, formas y dimensiones. Desde 2011, se ocupa de su laboratorio de investigación y desarrollo textil, cuyos productos son utilizados por marcas como Chanel o Rick Owens entre otras. Su marca JT posee un estilo propio, valorado en los principales centros de la moda: Milán, París, New York,

A lo largo de su carrera, la diseñadora ha recibido numerosos premios, como el "Premio tijeras de plata" al mejor diseñador de moda o el "Premio estilo profesional 2013".

Ana Spinetto Producciones y Espacio Pilar eventos presentan la 4ª edición de BADA - Boutique de Arte Directo de Artista

Mónica “Colo” Sartori, Ana Gallart, Ana Spinetto, Nico Da Rocha, Alejandro Segret, Paula Pons y Alfredo Segatori junto al Bondi Gallery

Del 1 al 5 de octubre se llevará a cabo la feria de arte contemporáneo de zona norte,  que  este  año  reúne  a  más  de  120 artistas -consagrados y emergentes- en Espacio Pilar (Chile 1963 – La Lonja, Pilar - PBA - Salida Km 47 de Ruta Panamericana). 

BADA es una feria de arte contemporáneo que estimula principalmente el contacto directo entre los artistas y el público.  Asimismo, promueve la compra de obra original con una oferta muy variada y oportunidades a precios accesibles: se pide a cada uno de los artistas participantes -más de un centenar- que tengan por lo menos 10 obras en formato chico (20cm x 30cm) a un precio de hasta $1.000, de modo de incentivar la compra de originales de artistas consagrados y contemporáneos que estarán en la feria.

Mónica “Colo” Sartori presenta sus mujeres, esculturas en metal

Este año, además de las propuestas más originales de pintura, dibujo, escultura, fotografía, instalaciones, Street Art y Land Art, se suma Body Painting: el artista plástico Darío Parvis pintará “en vivo” sobre el cuerpo de sus modelos. Esta técnica es diferente a todo lo conocido. Tener como soporte de la obra al “cuerpo humano” es muy distinto de contar con un lienzo, madera, metal o papel, requiere una preparación muy cuidadosa y especial. Se trata de arte efímero visto desde otra óptica. Obras que se inmortalizan a través del registro fotográfico.

Nico Da Rocha y algunas de las obras que llevará a BADA

Además, habrá una muestra “Homenaje a María Elena Walsh”, con ambientaciones que remitirán a sus canciones más populares y, especialmente, una selección de  fotografías de Sara Facio que contará en imágenes la vida de esta artista polifacética conocida y querida por varias generaciones. Y la obra de María Elena servirá también como inspiración para las producciones artísticas de los colegios de zona norte que participan en BADA desde sus inicios, que se exhibirán en la feria y podrán ser disfrutadas no sólo por los autores, sus docentes y familiares sino por todo el público que visite BADA 2015.

Alfredo Segatori, artista de Street Art, estará pintando en vivo un mural gigante y también presentará su Bondi Gallery, un viejo colectivo Mercedes Benz intervenido por él que en su interior es una verdadera galería que se puede recorrer.  Un proyecto simpático y original, muy atractivo.

"Geisha", escultura en papel de diario y cinta adhesiva de Paula Pons

En materia de esculturas, obra realizada con los materiales más diversos: metal, madera, piedra, papel.  La artista plástica Paula Pons presentará obra creada con papel de diario y cinta adhesiva transparente.  El público quedará cautivado con lo que logra esta artista con materiales tan comunes.  Una obra frágil pero que se conserva en el tiempo gracias a una terminación de resina. 
Por su parte, la “Colo” Sartori mostrará a sus mujeres –unas, gigantes y otras, pequeñas-, mujeres felices con diferentes historias, realizadas en metal y concebidas a fuerza de dobleces y soldaduras exquisitas.
Fotografía de varios artistas, entre ellos, Alejandro Segret y sus increíbles paisajes del altiplano, a 4000 metros de altura, el registro de cómo viven comunidades quechuas y aimarás.  El registro de 184 comunidades desde la selva hasta el mar, de Cuzco hasta las costas de Arequipa. Un testimonio sociológico de nuestra época.

Obras de Ana Gallart

En pintura, gran diversidad de estilos y propuestas. Ana Gallart presenta su “periodo azul” con mujeres estilizadas, cuadros concebidos con espátula.  Variadas tonalidades azules se funden y se combinan para comunicar la esencia del mundo de esas mujeres; el azul representa al cielo, lo espiritual de los personajes inmortalizados en la tela.  Entre las decenas de artistas de pintura, Nico Da Rocha con sus personajes que van de la ironía a la inocencia, una dualidad permanente en su obra;  colores  saturados  hacen  vibrar sus  producciones  ante  las  que  el  espectador  queda  atrapado  quizás  porque –evocado por algunos elementos- reconoce algún personaje (Freud, Frida Calo, superhéroes…).  
Como todos los años, el visitante compra la entrada una vez, se le entrega una pulsera de “pase libre” y puede volver a visitar la feria los cinco días sin tener que volver a pagar.
BADA fomenta el coleccionismo y el contacto directo entre los artistas y el público, una experiencia enriquecedora para ambos.

Mundo Nuevo Gallery Art presenta “Sacrificio”, pinturas de José Alberto Marchi

Esta nueva serie de pinturas de José Alberto Marchi está inicialmente inspirada en la escena final de Sacrificio (1986), último film del realizador ruso Andrei Tarkovsky (1932-1986). 
Obras de grandes dimensiones nos sumergen en esta exposición fascinante y que él mismo describe así:  

"Espera"

“Más allá del implícito (y explícito) homenaje a Tarkovsky —artista que ha influido en mi obra desde los comienzos mismos de ella—, no hay aquí ninguna intención de ilustrar o interpretar su filmografía. Sí, en cambio, busqué trabajar alrededor del tema del ‘sacrificio’, a partir de la imagen de la casa incendiada por quien todo lo ofrenda, hasta su silencio, en pos de una presunta salvación individual o, quizá, colectiva. “En torno de este núcleo, visual y conceptual, he ido desarrollando las primeras composiciones de la serie a la manera de pequeños bocetos en grisalla con óleo sobre tela que, finalmente, adquirieron una mayor escala, con los ajustes técnicos y compositivos que el nuevo formato requirió, pero tratando de conservar el espíritu monocromo e inacabado propio de la grisalla.  

"Iconoclastas"

Los protagonistas de estas obras son anónimos personajes retratados en  fotografías de finales del siglo XIX y principios del XX, fuentes visuales citadas recurrentemente en mi obra desde la década del 90, que, descontextualizados de sus labores originales, se concentran en esos mismos —pero ahora casi paradójicos— quehaceres alrededor del ‘fuego’ o de la luz (única zona de color en la tela), y así ejecutan acciones tan metódicas y precisas como, en este nuevo contexto, extrañas e inexplicables, que configuran escenas en las que se detiene su labor cotidiana o más bien la aplican a: observar el sacrificial incendio (Sacrificio); pintar una maqueta en escala que se prende fuego ante sus ‘académicas’ miradas; incinerar, cual iconoclastas, montículos de cuadros (Iconoclastas); presenciar una clase en cuya pizarra arden los dibujos esbozados (Clase); o sentarse en círculo alrededor de una luz silenciosa (Espera).
 

"Sacrificio"

Al referirse a su último film, Tarkovsky sostenía: ‘todo lo que sucede en Sacrificio permite una multiplicidad de interpretaciones. Hay varias lecturas, lecturas diferentes, y ésa era mi intención: no quiero imponer a nadie una solución determinada, aunque por supuesto tengo mis propias ideas respecto a todo ello’. Siguiendo sus palabras, no pretendo explicar o interpretar estas obras cerrando la mirada del público con soluciones determinadas y, ‘aunque por supuesto tengo mis propias ideas respecto a todas ellas’, prefiero ‘sacrificarlas’ en pos de las que puedan suscitar, para que así imágenes y conceptos se reconfiguren de forma abierta a través del lenguaje pictórico; justamente ése es mi intento en el quehacer diario con la pintura.”
La muestra se puede visitar de lunes a viernes de 12 a 20 hs. hasta el 20 de octubre en Callao 1868, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Sábados con cita previa.

Cables submarinos: la forma de comunicarnos con el mundo

En el marco de la muestra Big Bang Data, la Fundación Telefónica invita a la charla que se dictará el 16 de setiembre a las 10 hs. “Big Data: secretos bajo el mar”, a cargo de Vicente Álvarez, director de Red en Argentina para Telefónica Global Solutions; quien analizará la historia de los cables submarinos, los servicios que transportan, sus ventajas y desventajas, características, su diseño e instalación, entre otros.

“Submarine Cable Map”, de TeleGeography, que forma parte de la exposición “Big Bang Data”, es una instalación en formato de impresión digital con el dibujo de un gran mapa en parte del suelo de la planta alta del Espacio Fundación Telefónica sobre el cual se puede caminar y visualizar el trazado de los múltiples sistemas de fibra óptica submarino que nos une a todos en una gran red. 

La obra, que forma parte del bloque temático de Big Bang Data “El peso de la nube: geografías de datos”, intenta romper con el mito de que la mayoría de las comunicaciones se realizan a través de satélite. Cuando hacemos clic en un sitio online de Estados Unidos o realizamos una llamada a cualquier parte del mundo, estamos utilizando los cables submarinos que recorren el planeta, ya que son los responsables de que se concreten el 90% de las comunicaciones en el mundo.

“Big Bang Data”, que se exhibirá hasta el 28 de noviembre, explora la emergencia de la base de datos como un marco de pensamiento social, y puede visitar se de lunes a sábados de 14 a 20.30 hs. en Arenales 1540, y con entrada libre y gratuita.

Hoy en el Arte galería presenta la exposición “Diálogo entre Maestros”

Hoy en el Arte galería presenta “Diálogo entre Maestros”, un proyecto expositivo de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán. Se trata de 11 obras de maestros fundadores en diálogo con 11 obras de artistas contemporáneos.

“Cada época acude a ciertas franjas de la memoria para justificar o comprender el presente. En esta oportunidad hemos promovido un dialogo entre las obras de los maestros del arte argentino,  algunos de ellos fundadores de nuestra Facultad de artes y, los artistas contemporáneos que hoy ejercen la docencia en la institución. La estrategia de confrontación visual que proponemos, busca abrir algunas reflexiones sobre el arte y los artistas, como también la posibilidad de indagar en un pasado que sigue formando parte de nuestro presente.
Se trata de un momento propicio para una revisión y lectura que nos ayude a entender las grandes polaridades en las que el arte del siglo XX y XXI ha visto discurrir la aventura de sus procesos creativos. Las relaciones de poder en la esfera del arte a través del enfrentamiento entre el pasado y el presente, los paradigmas modernos ante los contemporáneos, la vigencia y caducidad de los  conceptos de maestro, artista y sobre todo de arte, son algunos de los temas que nos interesan destacar para reescribir nuestra historia” expresa Silvia L. Agüero, vice decana de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán.

La exposición se puede visitar desde el 9 de setiembre hasta el 3 de octubre de 2015, de lunes a viernes de 12 a 20 hs. y los sábados de 11 a 14 hs. en Juncal 848, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Llega a Buenos Aires una plataforma de artistas bonaerenses que promueven la escena contemporánea con el lema ¡El futuro es rosa!

Desde el 10 de septiembre hasta el 31 de octubre inclusive, el espacio de arte y fotogalería del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas presenta “Las manos en el fuego” Beca Mundo Dios Vol. I y II.
“Mundo Dios es una plataforma de origen abstracto creada por un grupo de artistas en la ciudad de Mar del Plata con el objetivo de promover el arte contemporáneo en todas sus disciplinas. Ubicado frente al puerto, se despliega físicamente en un antiguo edificio francés, catapulta de un espíritu naturalmente colectivo que descansa en las espaldas de lo joven y lo sagrado. Esta muestra es el resumen de 6 años de intensa actividad en los cuales la formación ha concentrado gran parte de los esfuerzos en pos del desarrollo de una escena estimulante para las nuevas generaciones de artistas locales. Así pues, el programa Beca Mundo Dios se ha constituido en herramienta fundamental para alcanzar dichos objetivos.  En sus dos ediciones, 2011 y 2014, con el apoyo decisivo del Fondo Nacional de las Artes, 26 artistas asistieron a encuentros periódicos, talleres, seminarios, clínicas y muestras con el seguimiento de calificados referentes a nivel nacional. Mundo Dios en el Rojas presenta entonces con orgullo a los protagonistas de esta cruzada, pero ya nunca en forma individual, sino amalgamados, bajo un mismo presagio; ¡El futuro es rosa!”
Artistas participantes: Ariel Bassano, Benjamín Malvicino, Federico Domínguez Zacur, Rocío Englender, Celina Eceiza, Lala Ladcani, Melisa Casella, Julia Andreasevich, Corina Arrieta, Felipe Reynoso, Nahuel Agüero, Santiago Ruau, Franco Nicolás Cajal, Pedro Argel, Ignacio Mendía, Agustín Huarte, Carla García Rebecchi, Leticia González, Facundo Miranda, Julieta Paladino, Florencia Reisz, Sabrina Federico, Marcos Eugenio Montoya y Marina Di Milta.
La muestra se puede visitar de lunes a sábados de 9 a 20 hs. con entrada gratuita en Av. Corrientes 2038 y 2040, Buenos Aires, Argentina.

Silvina Benguria presenta la muestra "El alma voraz" en Menéndez Libros

"El alma voraz", es el título de la muestra que la artista plástica SiIvina Benguria inaugurará el próximo jueves 10 de setiembre a las 19 hs. en el espacio de arte de Menendez Libros. Se exhibirán 18 obras, 9 con lápiz y 9 con pintura acrílica.
 

"La artista ha creado un universo fruto de una larga acechanza de la figura humana y su psicología, para desnudar en sus telas, esa ridiculez a que conducen ciertos sistemas de convenciones, rituales y hábitos. 

Sus personajes son frágiles y solemnes, confundidos, siempre capturados en trance de ser arrojados al absurdo".

La muestra se podrá visitar hasta el 30 de octubre en Paraguay 431, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Inauguraron un mural en homenaje a Spinetta en Villa Urquiza

Un mural en homenaje a Luis Alberto Spinetta, realizado por el artista Osky Di Biase se inauguró en la estación Villa Urquiza del ferrocarril Mitre, con la presencia de músicos, amigos y vecinos del artista.
El proyecto, una iniciativa del Ministerio de Cultura, se propone rendir tributo a uno de los artistas más destacados de la música popular argentina. En tanto, el espacio donde se emplazó la obra fue cedido por el Ministerio del Interior y Transporte, a través de Trenes Argentinos.

 

Participaron del acto el director nacional de artes de la cartera de Cultura, Rodolfo García; Sebastián Bruschetti, vicepresidente de la Sociedad Operadora Ferroviaria Sociedad del Estado (SOFSE), y Julieta Rizzolo, gerente de Planificación y Control de Gestión de SOFSE, además de músicos y allegados al recordado “Flaco”.
García, amigo y compañero de ruta de Spinetta en el grupo Almendra, destacó “todo lo que Luis ha significado para nuestra cultura, especialmente para nuestra poesía y para nuestra música”. “Es alguien que ha partido hace pocos años, pero que ha dejado una marca indeleble, y creo que su figura se agiganta cada día más”, agregó el funcionario.
“Está bueno poder recordar en un lugar público a aquellos artistas que le han dado tanto al país y, en consecuencia, a nuestra gente”, completó el director nacional de Artes.
La obra, que lleva por título “Alma de diamante”, fue realizada con la técnica de mosaiquismo trencadís, sobre una base de fenólico de más de tres metros de largo y más de dos metros de alto. La pieza fue amurada junto a la estación del barrio en el que vivía el músico.
“Soy de una generación que siempre escuchó rock nacional, y el 'Flaco' es uno de nuestros referentes –comentó Di Biase–. Este mural es un homenaje en agradecimiento a su obra y también a los vecinos del barrio”.
El artista, que realiza cuadros en azulejos y utiliza la técnica del vitraux para sus obras, contó que “Alma de diamante” le demandó cuatro meses de trabajo. “Siento un gran placer por participar en este homenaje –manifestó– y que se pueda ver el mural en un espacio público. Espero que sea un pequeño aporte, que algún día los chicos les pregunten a sus padres quién es esa persona y ellos les hablen de lo grande que era Spinetta”.

El Museo Eduardo Sívori presenta “El Grupo de París. Arte y viajes en los años 20”

El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori presenta, del 12 de setiembre al 1º de noviembre la exposición “El Grupo de París”, con curaduría de María Elena Babino.
Se trata de la primera exposición sobre los artistas que integraron el colectivo conocido como “Grupo de París”. Cuenta con curaduría externa de María Elena Babino y coordinación general de Graciela Limardo, responsable del Departamento de Museografía del Sívori, y apunta a dar a conocer de modo integral la obra de aquellos importantes referentes del arte argentino y su actividad en París durante los años 20.Comprende 61obras, entre óleos, tintas, acuarelas, dibujos en lápiz y esculturas.

Esta propuesta no solo atiende a la trayectoria artística, sino también, de manera particular, a los modos en que esos artistas se vincularon entre ellos y con el ambiente cultural europeo para poner en relieve los aportes que sumaron en su retorno a Buenos Aires. En ese sentido, se pretende abordar el fenómeno del “viaje estético” como uno de los aspectos más observados en las nuevas perspectivas de los actuales estudios culturales, ofreciendo un conocimiento actualizado del Grupo de París. Se parte de una investigación llevada a cabo hace unos años para el Centro Virtual de Arte Argentino, conjugada ahora con avances más recientes derivados del acceso a fondos documentales y obras existentes en la localidad de Worpswede, Alemania. 

Lino Enea Spilimbergo. San Sebastiano Curone, óleo, 1928 

 

“El Grupo de París constituye un núcleo de gran interés en la colección del Museo Sívori, representado por obras emblemáticas y trascendentales. La investigación y la curaduría de Malena Babino despliegan un entramado de relaciones humanas y decisiones estéticas para comprender la dimensión y el impacto de los aportes de estos jóvenes artistas en el ambiente de los años 20”, asegura Graciela Limardo, y añade: “La ‘vuelta al orden’ que promueven los integrantes de ese colectivo en concordancia con el pensamiento estético de André Lothe, comporta una idea de modernidad que no se contradice con el legado clásico. Es en los museos donde descubren a los grandes maestros, la tradición clásica y los conceptos constructivos que se proponen renovar. El museo, entonces, abre la posibilidad de repetir ese gesto de enlazar a los maestros con las nuevas generaciones de artistas que han perdido el rastro de la historia y la tradición, no para generar veneraciones vacuas, sino apropiaciones atravesadas de presente”. 

 

Aquiles Badi. Naturaleza muerta, óleo, 1927

“Horacio Butler, Héctor Basaldúa, Aquiles Badi, Raquel Forner, Alfredo Bigatti, Pedro Domínguez Neira, Antonio Berni, Lino E. Spilimbergo, Víctor Pissarro, Juan Del Prete y Alberto Morera fueron los jóvenes protagonistas de una aventura donde el espíritu de lo nuevo convivió con la tradición para articular la conciliación entre el pasado y el presente”, destaca Malena Babino. “En términos generales, y pensando en conjunto las obras, los recorridos y las acciones, consideramos que en el caso del ‘Grupo de París’ se trató de un conjunto de artistas vinculados principalmente por lazos de amistad y visiones compartidas sobre la idea del arte moderno.
Pertenecientes a una generación común, los une el anhelo de una renovación en el lenguaje y en los modos de circulación y promoción de la actividad artística.”
“Al mismo tiempo –resalta Babino–, la muestra procura sumar los trayectos españoles e italianos verificados en estudios y exposiciones anteriores, espacialidades que por fuera de París permiten reponer desplazamientos y experiencias que nutrieron los días y los años vividos en la capital francesa. Tal es el caso de Horacio Butler en la colonia alemana de Worpswede o de Víctor Pissarro, Héctor Basaldúa, Aquiles Badi y Horacio Butler en Cagnes y, más tarde, Alberto Morera, Horacio Butler, Raquel Forner, Alfredo Bigatti y Aquiles Badi en Sanary-Sur-Mer, junto a la insoslayable presencia del escritor Leopoldo Marechal. En paralelo, -agrega- nos interesa ampliar el conocimiento de la producción artística de los integrantes del grupo con la aportación que ahora hacemos de la obra de Alberto Morera, pintor, actor, teatrista y titiritero apenas registrado hasta la fecha a pesar de la activa participación que asumió dentro del conjunto”.

Raquel Forner. Paisaje, óleo, 1929

Cabe destacar que para la concreción de esta exposición, declarada “De Interés Cultural” por el Consejo de Promoción Cultural, resultó fundamental la acción del Programa de Mecenazgo Cultural de la ciudad de Buenos Aires y la gestión de la Asociación Amigos del Museo Sívori, así como el apoyo y la invaluable colaboración de la Dirección General de Museos y del Ministerio de Cultura porteño.

La muestra se puede visitar de martes a viernes de 12 a 20 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. en Av. Infanta Isabel 555, frente al Rosedal de Palermo, Buenos Aires. Entrada: $10. Miércoles y sábados gratis.