Cuarta edición de BADA-Boutique de Arte Directo de Artista en Espacio Pilar

Ana  Spinetto  Producciones   y   Espacio  Pilar  Eventos  presentan  la  4ª edición de BADA-Boutique de Arte Directo de Artista. Del 1 al 5 de octubre la feria de arte contemporáneo más esperada de zona norte vuelve con más de 100 artistas, entre consagrados y emergentes, a Espacio Pilar Eventos (Chile 1963 – La Lonja, Pilar, PBA). 

Fotografias de Alejandro Segret

BADA es una feria de arte contemporáneo que estimula principalmente el contacto directo entre los artistas y el público.  Y “en BADA todos podemos ser coleccionistas” porque la feria promueve el coleccionismo y la compra de obra original con una oferta muy variada a precios accesibles.  Cada uno de los artistas de BADA presenta por lo menos 10 obras en formato chico (20cm x 30cm), originales a un precio de hasta $1.000.-  Además, estas obras se pueden enmarcar en la misma feria a un precio muy conveniente: Arte “prêt à porter”.
Y algo característico de BADA que entusiasma mucho al público, la pulsera de acceso ilimitado a la feria: al abonar la entrada, se entrega una pulsera de BADA 2015 con la cual el visitante puede volver a la feria cuantas veces quiera, sin tener que pagar nuevamente.

Goga Barcessat

BADA 2015 presenta un Homenaje a María Elena Walsh: una vasta selección de fotografías de Sara Facio entre ambientaciones que remiten a las canciones más populares de la artista (el Monoliso, el Jacarandá, el Reino del Revés, entre otras).  La vida de María Elena Walsh contada en imágenes; una artista querida y reconocida por varias generaciones.  Por eso, su obra sirve de inspiración para los chicos de los colegios de zona norte, que exhibirán sus producciones en la feria y podrán ser disfrutadas no sólo por los autores, sus docentes y familiares sino por todo el público que visite BADA.

BADA 2015 presenta también Body Painting: el artista plástico Darío Parvis pintará “en vivo” sobre el cuerpo de sus modelos.  Esta técnica es diferente a todo lo conocido, el soporte es el “cuerpo humano”, requiere una preparación muy cuidadosa y especial.  Arte efímero.  Obras que se inmortalizan a través del registro fotográfico.

Alfredo Segatori y el Bondi Gallery

Alfredo Segatori, artista de Street Art que realizó el mural más grande del mundo en La Boca (2.100 metros), estará pintando en vivo un mural gigante, con la ayuda de una grúa.  Asimismo, presentará su Bondi Gallery, un viejo colectivo Mercedes Benz intervenido, con un interior que es una verdadera galería que se puede recorrer.  Un proyecto muy atractivo y original.  Además, en este “bondi” tan particular porque la música es arte, la gente podrá disfrutar de una “Silent Fest”: con los auriculares de Pez Líquido, escuchar música que pasará el DJ Gastón Camisani, pero cada persona pone la música que prefiere y baila a su ritmo, se genera una especie de comunidad silenciosa que se divierte con la misma consigna pero diferente música.  

'Vala' Dupont presenta “Estoy de la cabeza”

BADA es pionera en presentar producciones de Land Art en nuestro país. En esta edición, se podrán disfrutar las obras de Paula Tarditti; también, la propuesta original de Alejandro González Álzaga (“Un pedazo de planeta”: cómo sería si el planeta Tierra fuera destruido y, luego de cientos de años, generaciones futuras vieran los vestigios de lo que fue nuestra civilización, con objetos típicos de la vida cotidiana tapados por la vegetación que todo lo ha cubierto con el paso del tiempo); de María Gassiebayle y “Vala” Dupont (“Estoy de la cabeza”: Cabezas de manequíes intervenidos con plantas –desde aromáticas y florales hasta suculentas- simulando las miles de ideas que pasan por la cabeza de las personas; manequíes enteros y estructuras realizadas con alambre a modo de “tutores” de las plantas que, a su vez, son una suerte de “espantapájaros” para que esas plantas crezcan al aire libre sin peligro).

Arte Phos presenta el libro “Raíces”

Arte Phos presenta el libro “Raíces”, una iniciativa del Grupo Libro, Papel y Tijera, conformado por 11 artistas residentes en Pilar (PBA).  Una edición de 15 ejemplares únicos con 11 imágenes numeradas y firmadas por los artistas, reproducidas por distintas técnicas de grabado tradicional y digital, impresas en papel Fabriano Rosaspina. Los artistas participantes son Cecilia Antolín Solache,  Laura Dalton, María Claudia Defante, Beba Delelis (directora del proyecto), Carolina Gutiérrez,  María Inés Nouzeilles, Adriana Mildenberger, Cuqui Sánchez, Liliana Sánchez,  María Sauzet y Claudia Cecilia Stile.

Y, como siempre, el Espacio Kids, donde los chicos pueden desplegar su imaginación coordinados por profesores de artes plásticas que les proveen diferentes elementos para que dibujen, pinten y realicen las creaciones más sorprendentes en un ambiente diferente, relajado, inspirándose muchas veces en lo que vieron en BADA. Un espacio de creación para los más chiquitos.

Como todos los años, BADA es auspiciada por la Municipalidad de Pilar, por su estímulo al desarrollo del arte en nuestro país y, especialmente, su exhibición en Pilar para público de todas las edades.
Art Catering presentará el menú creado especialmente para BADA 2015, con platos inspirados en los artistas de la feria.
Todos los años, Mercedes Courrèges se encarga de la ambientación general de esta feria de arte contemporáneo; crea climas especiales en puntos estratégicos del predio, que hacen de BADA una experiencia inolvidable y original en cada una de sus ediciones.

Jorge Azar. Ella, acrílico sobre madera

Desde la primera edición, BADA participa activamente con la comunidad a través de distintas actividades, colaborando con Asociación Amigos del Pilar (ADP) para el funcionamiento de sus consultorios odontológicos pediátricos y la atención gratuita a chicos de escasos recursos de Pilar.
Por otra parte, cuenta con artistas que destinan la venta de sus obras a instituciones de bien público y ONGs.  Tal es el caso, por ejemplo, de las especialistas en Land Art, María Gassiebayle y “Vala” Dupont, que donarán la venta de sus cabezas intervenidas, y del artista “non profit” Jorge Azar, que promueve que sus compradores donen el valor de sus obras a alguna institución de salud u ONG que lo necesite, vuelvan con el recibo de su donación y, contra ese documento, les da la obra elegida.
 

Alumnos del Colegio Michael Ham participan del Mural Homenaje a María Elena Walsh

En lo que se refiere a Arte y Educación, se estimula la intervención de estudiantes de colegios y universidades de la zona en diferentes propuestas artísticas. Este año, alumnos de la Universidad del Salvador (USAL) realizarán una instalación en BADA 2015. Por otra parte, estudiantes de colegios de la zona (St. Catherin’s Moorlands School, Godspell, St. John’s, Santa María, Colegio del Pilar, Michael Ham, St. Mathew’s) crearán producciones de 2,60m x 1,80m, que formarán parte de un gran mural inspirado en las emblemáticas canciones de María Elena Walsh.

Para estar al tanto de las novedades de la nueva edición de BADA 2015, visita la página web: www.directodeartista.com.ar.

Alfredo Williams exhibe esculturas que van del pop al comic, en el Pabellón de Bellas Artes de la UCA

Alfredo Williams, artista que el viernes pasado recibió el Gran Premio Adquisición del Salón Nacional de Artes Visuales 2015, expone sus insólitas figuras de poliestireno expandido en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA. Se trata de obras "a veces diabólicas, otras amenazantes o cargadas de humor", en palabras de uno de los curadores.
 

La exhibición, titulada "Mutantes" está curada por la directora del Pabellón, Cecilia Cavanagh, y el crítico Raúl Santana, y la integran  dibujos y 2 esculturas monocromas, en colores vivos, con la picardía del Pop Art y del Comic, que suscitan la atención del espectador", afirma Cavanagh.
 

Alfredo Williams nació en 1955 en Buenos Aires y a los 22 años se trasladó a España, donde estudio dibujo con el artista aragonés Fernando Fueyo y grabado en la Escuela de Artes aplicadas y Oficios de Madrid. En 1983 regresa al país e ingresa a la Escuela Prilidiano Pueyrredón de donde egresa con el título de profesor de dibujo y escultura.

Desde entonces, expuso en innumerables muestras colectivas e individuales y participó en importantes salones. Además del premio que recibirá esta semana, obtuvo numerosas distinciones: Primer Premio del Salón Nacional de Artes Visuales 2011, Segundo Premio del Salón Manuel Belgrano 2011, Primer Premio del Salón Pampeano de Artes Pláticas 2008 y Segundo Premio del Salón Nacional de Artes visuales 2006, entre otras.

Santana escribe sobre el artista: "estas obras, a veces diabólicas, otras amenazantes o cargadas de humor, con sus incesantes transfiguraciones en las que el espacio entra y sale generando un dinámico juego de luces y sombras, nos ponen frente a dos raíces de la historia del arte: las grillas del gótico con sus violaciones anatómicas siempre en tránsito, por una parte, y por la otra el pop art, que supo llevar el estatuto del arte al «comic», antes del pop considerado una forma menor".

Finalmente, Cavanagh, explica: "Realizadas (las obras) a partir del 2001, con los materiales que le permitieron e hicieron posible la transformación de aquello orgánico e inorgánico del boceto en la escultura, y que a su vez se convirtieron en su marca y distinción: la talla en poliestireno expandido, hierro, resina epoxi, masilla plástica y esmalte sintético. De esa manera, los primeros dibujos o bocetos, se unen a las esculturas de la etapa final, quedando resuelta la heterogeneidad, del transcurso intermedio, en la obra de Williams. En un lenguaje de complejidad simple, Alfredo Williams nos invita a reflexionar en cuestiones profundas".

La muestra se puede visitar hasta el 18 de octubre, con entrada libre y gratuita, de martes a domingos de 11 a 19 hs. en Alicia M. de Justo 1300, PB, Puerto Madero, Buenos Aires.

PS Gallery presenta la muestra “Leyendas” de Javier De Aubeyzon

"Bob Marley"

PS Gallery, el nuevo espacio de arte de Paraná Seguros presenta la serie de retratos “Leyendas” de Javier De Aubeyzon. El artista no solo busca  brindar tributo a personajes como Marilyn Monroe, Marlon Brando, Bob Marley, y Mick Jagger, sino que busca profundizar en ellos para lograr interpretaciones inéditas de los ya conocidos personajes. Además, Ernesto Echegaray Guevara, acompañará la inauguración con su obra “Traición Griega“, una esfera llena de 13.000 votos de ciudadanos griegos del más reciente referéndum junto con una esfera idéntica llena de un millón de euros reales destruidos.  

"Marlon"

“Ellos nos pertenecen a todos y no pertenecen a nadie, son parte de la historia y del mundo, no tienen fronteras ya que en la pasión de sus actividades tampoco tuvieron límites.“ remarca De Aubeyzon. Si bien los retratos pertenecen a artistas de diversas actividades, los une el arte y la creación pero sobre todo la pasión, concluye Javier.
Según el personaje, el artista exalta los rasgos físicos de su carácter. Rostros curtidos o suaves a través de juego de luces y sombras, texturas de piel y volumetrías del rostro, y por supuesto también profundiza en los rasgos de la personalidad, en su interior a través de la mirada. El espejo del alma.

"Ítalo Argentina"

Completan la muestra 4 obras de construcciones urbanas, "Buena estrella Argentina" e "Ítalo Argentina" de la serie " Catedrales industriales ", más "Pasaje Barolo" y "Nudo de transferencia", de la serie "Paisajes urbanos".

 La muestra se puede visitar hasta el 11 de diciembre en Tte. Gral. Perón 690, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

El MUNTREF presenta la exposición “Migraciones (en el) arte contemporáneo” en el Centro de Arte Contemporáneo

El Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero -MUNTREF- Centro de Arte Contemporáneo inaugura, el 1° de octubre a las 13 hs., “Migraciones (en el) arte contemporáneo”, una exposición que reúne videoinstalaciones, fotografías, instalaciones sonoras, videos para dos pantallas, films en super 8 y super 16 digitalizados y objetos de destacados artistas de Argentina, Francia, Irán, Italia, Paraguay, República Checa, Guatemala, Turquía, Israel, Polonia, Brasil, España, Chile y Camerún.
Las obras, aunque de orígenes y materialidades diversas, indagan en problemáticas comunes: exilios, itinerancia, identidad, pertenencia, límites y fronteras.
 

“La exhibición busca sondear la experiencia vital de nuestro tiempo desde el concepto de migrar”, explica Diana B. Wechsler, subdirectora del MUNTREF y curadora. agregando “Además de la lectura social, la muestra plantea una reflexión sobre las formas de producción en el arte contemporáneo desde el concepto móvil de migración, en el sentido de las migraciones de ideas, medios, soportes, prácticas, representaciones socioculturales e, inclusive, la propia condición del artista.”
Forman parte de la muestra obras de Leila Alaoui (Francia), Reza Aramesh (Irán), Hugo Aveta (Argentina), Gabriele Basilico (Italia), Claudia Casarino (Paraguay), Fouad Elkoury (Francia), Harun Farocki (República Checa), Regina José Galindo (Guatemala), Gülsün Karamustafa (Turquía), Sigalit Landau (Israel), Alberto Lastreto (Argentina), Matilde Marín (Argentina), Angelika Markul (Polonia), Gisela Motta & Leandro Lima (Brasil), Natacha Nisic (Francia), Khalil Rabah (Israel), Silvia Rivas (Argentina), Isabel Rocamora (España), Zineb Sedira (Francia), Catalina Swinburn(Chile) y Barthélémy Toguo (África).
 

 Claudia Casarino

 

Las piezas exhibidas pertenecen a las colecciones de instituciones como la galería de arte Leila Heller (Nueva York/Dubai), Rampa Istanbul Art Gallery, Centre Pompidou (París), Sfeir-Semler Gallery (Beirut/Hamburg) y Galería SENDA (Barcelona), entre muchas otras, así como a colecciones de los propios artistas.  

“Todos somos viajeros desde que fuimos echados del paraíso, decía un pensador del siglo X. Mil años más tarde, doscientos treinta y dos millones de personas en desplazamiento en el mundo confirman su aserto. Migraciones (en el) arte contemporáneo, conlleva el concepto de fronteras –en su sentido más amplio–, desde las nacionales hasta las de estilo artístico. La sensibilidad de quienes forman parte esta exposición nos permite, en el marco de la belleza de sus obras, rastrear en la profundidad de esas temáticas”, reflexiona Aníbal Jozami, rector de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF).
La muestra permanecerá abierta hasta el 31 de diciembre y se puede visitar, con entrada libre y gratuita, de martes a domingo de 12 a 20 horas en Av. Antártida Argentina (entre Dirección Nacional de Migraciones y Buquebus), entrada por Apostadero Naval, Puerto Madero. Se complementa con actividades gratuitas para las familias los domingos a las 15.30  horas.

Homenaje a Julio Le Parc en el Centro Cultural Kirchner

El Centro Cultural Kirchner celebra la trayectoria del artista visual mendocino Julio Le Parc con la instalación de la obra "Esfera azul”, enmarcada  dentro del ciclo Homenajes realizado a artistas argentinos consagrados.
Desde el jueves 24 de setiembre la obra ya estará emplazada en el hall central del edificio ubicado en Sarmiento 151 para que el público pueda disfrutarla. Además, y como parte del homenaje a este gran artista argentino, en el Auditorio 513 se realizará una proyección de cortos sobre exposiciones sobresalientes de Le Parc: “Le Parc Lumière”, “Biennale de París” y “Di Tella”.

Teresa Parodi y Julio Le Parc

“Las primeras experiencias que hice con elementos móviles partían de las cajas luminosas, y se realizaron a comienzos del año 1960. Estaban destinadas a servir como una suerte de diafragmas que modificaban sus formas según su posición, dejando pasar más o menos cantidad de luz. Me di cuenta, casi de inmediato, que con ellas podía experimentar, de forma independiente, los mismos problemas que me preocupaban en aquel momento. Es decir, la múltiple variedad de situaciones en una misma experiencia. Las nociones de movimiento, de inestabilidad y de probabilidad se me aparecían de forma muy clara, se desarrollaba el trabajo con contingencias exteriores a la obra. La tendencia a alejarme de la noción de obra estable, única y definitiva, se acentuaba más cada vez". (fragmento) Julio Le Parc

Yamil Le Parc, Julio Le Parc y Laura Malosetti Costa

Desde fines de los años cincuenta, Julio Le Parc (Mendoza, 1928) ha llevado adelante obras basadas en las relaciones entre espacio, materia, luz y movimiento. Su trabajo apunta a provocar los modos convencionales de la percepción, formulando un planteo dinámico de las formas en su relación con el entorno y la mirada. La noción de inestabilidad es central en su propuesta artística; la idea de transformación, una clave de sentido.

Radicado desde 1958 en Francia, Le Parc mantiene una activa participación en el circuito artístico argentino y latinoamericano. Como representante de nuestro país, fue ganador del premio mayor otorgado en la XXXIIIª Bienal de Venecia. También ha sido protagonista de algunas de las más impactantes y exitosas exposiciones en Buenos Aires: por ejemplo, su muestra individual en el Centro de Artes Visuales del Instituto Torcuato Di Tella en 1966 fue la que más público convocó en toda la historia de esa renombrada institución.

Le Parc es autor de un vasto corpus de obras: objetos, pinturas, grabados, esculturas que conjugan recursos formales de la tradición de la vanguardia abstracta con elementos del pop art y del cinetismo. Con frecuencia, el artista empleó materiales de origen industrial como parte de su repertorio: el aluminio, las luces de neón y el acrílico de colores han sido insumos para sus creaciones. Precisamente, es con placas de acrílico que Le Parc realiza los imponentes y a la vez ligeros móviles como el que aquí se presenta. Esta producción prolonga y reformula las búsquedas que, desde principios de los años sesenta, sostuvo con sus continuels-mobils.
En este caso, cientos de cuadrados de acrílico azul conforman una trama de superficies ortogonales que, desplegada en el espacio, invita al espectador a recomponerla visual y espacialmente como masa esférica. De la proximidad o la distancia, de la circulación o la perspectiva fija que sostenga el asistente, el móvil devendrá en diversas reconfiguraciones. Le Parc propone a través de su obra poner en discusión la cualidad de obra estable y definitiva, revisando nuevamente las relaciones entre geometría, espacio y cuerpo.

Exposición "Paisajes Recientes", pinturas de Emilio Fatuzzo en el Museo Fernández Blanco

El Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernandez Blanco presenta la exposición temporaria “Paisajes Recientes”, pinturas de Emilio Fatuzzo, que inaugura el 1º de octubre a las 19 hs. en el Palacio Noel, ubicado en Suipacha 1422, Buenos Aires.

Emilio Fatuzzo nació en Buenos Aires, Argentina, en 1981. Realizó seminarios de análisis de obra con Luis Felipe Noé, pasó por los talleres de Miguel Ángel Ferreira, Nicolás Menza y Germán Gárgano. Ha participado en numerosas muestras entre exposiciones individuales, colectivas y salones dentro y fuera del país. Vive y trabaja en la Ciudad de Buenos Aires. Sus obras forman parte de fundaciones y colecciones particulares en Argentina, Uruguay, Chile, Alemania, Italia, México, España, Túnez, Emiratos Árabes Unidos y Estados Unidos. 

"Los cuadros de Emilio Fatuzzo nos remiten a un universo trágico, en el que seres atormentados contemplan un horizonte acaso imposible. Sobre fondos oscuros, sus rostros expresan la desesperación de vivir, la trágica condición de la existencia. Son cuadros que conmueven, y que revelan la notable sensibilidad de este joven pintor". Ernesto Sábato 

"Paul Valery decía que todo pintor pinta con el cuerpo. Solucionan el espacio pictórico con el trazo como si danzasen en un escenario. Todo el mundo puede caminar y bailar, pero nadie baila y camina igual a otro, pero hay, además, muy pocos que hacen de ello su lenguaje expresivo. Emilio Fatuzzo lo sabe y es un especialista. El gesto es tan consciente en el artista como en acto del discurso. El gesto es en la vida y en el arte un reflejo del espíritu que lo anima. La pintura de Emilio Fatuzzo es austera y juega a la presencia de pocos elementos que quedan en la obra como los actores en una escena. Su vitalidad nos habla sin hablar, alude sin precisar, pero trasciende de él y nos llega". Luis Felipe Noé

Organizada por la Asociación Amigos del Museo Fernandez Blanco en el espacio anual que la Dirección de la Institución le cede, esta muestra se puede visitar hasta el 24 de octubre, de martes a viernes de 13 a 19 horas y sábados, domingos y feriados de 11 a 19 horas.
Entrada General: $10. Miércoles Gratis.

Intervención de Ramiro Quesada Pons en las salitas del espacio de arte de Fundación OSDE

Ramiro Quesada Pons presenta la intervención “Delirios de grandeza” en las salitas del espacio de arte de la Fundación OSDE, desde el 24 de setiembre al 24 de octubre.
El artista nos propone una experiencia sensorial a partir de la imagen y el color con la proyección de cuatro videos. 
A través del engaño que producen las imágenes digitales, los elementos formales son los protagonistas; su contemplación no está mediada por palabras. Como menciona Quesada Pons:” Todo lo que se pueda escribir sobre un color jamás reemplazará la experiencia de estar frente a él”.

 

Una obra de Fermín Eguía completa la intervención. Esta tiene una especial relación con el video El enfermo imaginario: ambos comparten ese universo donde los objetos cotidianos son humanizados en forma simpática, pero a la vez grotesca y aterradora.
Ramiro Quesada Pons nació en Mendoza en 1987. Estudió artes visuales en la Universidad Nacional de Cuyo. En 2009 participó del programa de artistas de la Universidad Torcuato Di Tella realizando talleres y clínicas coordinados por Jorge Macchi, Diego Bianchi y Valeria González, entre otros.
En 2010 formó parte del programa Entrecampos Regional y en 2012 fue seleccionado como agente becario en CIA (Centro de Investigaciones Artísticas).
Se puede visitar de lunes a sábado de 12 a 20 hs. con entrada libre y gratuita en Suipacha 658, primer piso, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Domingos y feriados cerrado.

En octubre se presentará la exhibición "Obsesión Geométrica. American School 1965-2015" en el MACBA

Richard Anuszkiewicz, Texas Red, 1969

En el mes de octubre de 2015 se inaugurará en MACBA la exhibición “Obsesión Geométrica. American School 1965-2015”, donde se presentan treinta piezas de artistas estadounidenses de la colección MACBA. La muestra se encuadra en una investigación sobre la abstracción geométrica de corte hard edge en diálogo con artistas contemporáneos que dieron continuidad y/o revisaron críticamente su legado en la actualidad. 

James Turrell, Reflective Hologram XXXC, 2010

En el recorrido de los diversos movimientos y de las obras de artistas seleccionados y organizados en cuatro núcleos temáticos, la exhibición revisa corrientes contemporáneas tales como el minimalismo, el movimiento light and space y las escuelas del color como investigaciones que ampliaron los postulados de la abstracción geométrica y el arte óptico, luego de su emergencia en los años 60.

Larry Bell, untitled (Vapor Drawing), 1984

Esta exhibición es concebida como una relectura de la colección MACBA, bajo la iniciativa y visión de su director ejecutivo Aldo Rubino y curada por el crítico norteamericano Robert Morgan. Realizada en colaboración junto a la embajada de Estados Unidos en Argentina, el apoyo de Related Group, como también de otras instituciones culturales y educativas, Obsesión Geométrica. American School 1965-2015 nos presenta un panorama sugerente y preciso en su recorte, de la actual relevancia de la pintura abstracta y de las posibilidades de este lenguaje en la escena internacional.

Donal Judd, untitled, july 1968

Entre las actividades de extensión se prevé la presentación del libro con título homónimo a la muestra y ensayos críticos de especialistas en el tema. Asimismo se realizará una jornada donde disertará el curador Robert Morgan e invitados especiales que ampliaran las formulaciones y alcances este lenguaje específico de la abstracción pictórica. Se realizarán talleres y actividades organizadas por el Departamento de Educación a partir del programa de Curaduría Educativa. También programas de recorridos con adultos mayores y actividades organizadas por el Departamento Audiovisual curadas específicamente para la muestra.

Los grabados de Joan Miró en Galerías Witcomb durante todo octubre

Galerías Witcomb anuncia la muestra de Joan Miró, titulada “Danza de formas y colores”, que se llevará a cabo a lo largo del mes de octubre, en la sala Juan Carlos Castagnino de dicha institución. Allí se podrán ver, en forma libre y gratuita, 100 obras, entre ellas litografías de diferentes series y carteles de las distintas muestras realizadas por el autor. 

Estos trabajos permiten conocer y comprender al artista y trasmiten, a su vez, algunas de  las características comunes a toda su producción, como son la impresión de libertad e inmediatez. Las litografías, con las posibilidades de color intrínsecas a ésta técnica, se convirtieron para  Miró en uno de sus medios de expresión preferidos, por la espontaneidad y la capacidad de improvisación que le brindan.

Dueño de un estilo personal e inconfundible, y de una amplísima producción tanto en pintura como en escultura, grabado y cerámica, Joan Miró fue uno de los artistas más importantes e influyentes del siglo XX, quien además de poblar el mundo con sus obras, recibió todo tipo de reconocimiento en vida, y formó parte de movimientos vanguardistas como fue en su momento el surrealismo.

“La exposición de Miró es la tercera de las grandes muestras que teníamos planificadas para este año. Y al igual que lo que ocurrió con Picasso, en junio, y Castagnino, en septiembre, aquí nos propusimos abrir al público la obra de uno de los artistas más importantes que dio el siglo XX y que sigue marcando tendencias en el arte actual”, señaló Jorge Calvo, titular de Galerías Witcomb y curador de la muestra.

La muestra se puede visitar con entrada libre y gratuita, de lunes a viernes de 15 a 20,30 hs. y los sábados de 11 a 15 hs. hasta el 31 de octubre, en Rogríguez Peña 1050, Buenos Aires, Argentina.

Se presentará la muestra “El adiós de Paloma” en el Teatro Colón, celebrando sus 25 de carrera como bailarina

En el marco de su extenso programa Cultural, Galicia Éminent que acompaña hace más de 18 años a Paloma Herrera, llevará a cabo, en el Teatro Colón, una muestra en su homenaje en donde se exhibirán objetos que reflejan sus 25 años de carrera, desde sus inicios, con apenas siete años y como alumna de Olga Ferri, hasta el día de hoy.

 

Además de acompañarla en las funciones de la obra Romeo y Julieta, de Serguéi Prokófiev, basada en el clásico de William Shakespeare, el Banco presentará esta exposición curada por Florencia Sabá en el foyer del Teatro Colón.  

 

De esta forma, se podrá apreciar más de cerca detalles de la vida profesional de Paloma y de algunas de sus presentaciones más emblemáticas, hitos de una carrera impecable y virtuosa. Se exibirán trajes, coronas, zapatillas, registros fotográficos y premios, entre otros objetos, que reflejan la belleza, el amor y la pasión con la que Paloma Herrera dedicó su vida a la danza.

La exposición en homenaje a la carrera de la bailarina se podrá visitar los días 2, 5, 7, 9, 14, 15 y 16 de octubre en el foyer del Teatro Colón. La recorrida incluye: el foyer, sala de espectáculo, Salón Dorado y galería de los Bustos.
Cupo por visita: 34 personas. Horario de las visitas guiadas: 13 hs.

 

14ª Feria de Libros de Fotos de Autor

 

Desde hace 14 años la Feria de Libros de Fotos de Autor, reúne a fotógrafos y artistas latinoamericanos en un espacio en el cual se debate acerca de la producción editorial en la fotografía contemporánea.
 

Este encuentro se realiza con el objetivo de difundir y promover la fotografía y los libros fotográficos, de facilitar la ejecución de proyectos y de contribuir a la formación profesional. Como eje de la dinámica se exhiben libros recientemente editados y se ofrece un ciclo de charlas de expertos nacionales e internacionales. Este año además de los autores de los libros autoeditados, van a participar editoriales independientes de Argentina, Chile, Brasil, Perú, Uruguay y Paraguay. 
Asimismo, y como parte de las actividades que impulsan la autogestión, se proponen revisiones de maquetas de libros y se realizan talleres de edición, diseño y marketing editorial. En el mismo contexto se realizará la entrega de Premio Latinoamericano FELIFA 2015.
La Feria se propone como punto de contacto con el trabajo de más de 300 autores, interesados en el intercambio y la producción de libros fotográficos, en un ámbito en donde concurren editores, coleccionistas y gran cantidad de público.
La Inscripción está abierta hasta el 15 de octubre de 2015, a través del sitio:  www.fotolibrosdeautor.com.

Se presenta la exposición “Paisajes de proximidad”, con curaduría de Kekena Corvalán, en tres localidades diferentes

Inauguración en Buenos Aires: miércoles 30 de setiembre a las 19 hs. en galería Jacques Martínez, Av. Mayo 1130, 4º piso “G”.

Inauguración en Coronel Suárez: viernes 23 de octubre en Isidoro Espacio de Arte, Casey 1052.

Inauguración en Córdoba: viernes 27 de noviembre en Cabildo de Córdoba, Independencia 30.

“Provocamos intercambios dentro del triángulo imaginario que conforman estas tres ciudades, repensando territorios y acercando subjetividades desde prácticas que son distintas por los contextos geográficos, quizás, pero que se unen y piensan en diálogo a partir del mar de deseos y expectativas comunes, construyendo nuevos paisajes…

El planteo curatorial busca provocar aproximaciones entre los 15 artistas seleccionados, que giren en torno a 3 términos: calles, bestias, secretos. Estos ejes fueron tomados por los artistas para trabajar, explorando en imágenes de obra ya realizada o generando otras nuevas”. 



Artistas de Córdoba: Sofía Torres Kosiba, Verónica Molas, Carola Desiré, Eugenio Puccio, Verónica Maggi.
Artistas de Coronel Suárez: Cristina Elorriaga, Veronica Plaza, Leticia Jencquel, Ana Paula Hall, Matias Longo.
Artistas de Buenos Aires: Silvia Creo, Lucía Harari, Melissa Schmitz, Gio Satori, Julieta Laino.
Curaduría general: Kekena Corvalán.

La exposición en la galería Jacques Martínez puede visitarse hasta el 16 de octubre de lunes a viernes de 14 a 20 hs.

En el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires se realiza el VIII Congreso Internacional de Teoría e Historia de las Artes organizado por el Centro Argentino de Investigadores de Arte

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires anuncia el VIII Congreso Internacional de Teoría e Historia de las Artes organizado por el CAIA (Centro Argentino de Investigadores de Arte), que se llevará a cabo entre el miércoles 30 de septiembre y el viernes 2 de octubre, en el Auditorio del Museo (Avenida San Juan 350). El tema convocante, Imagen/Deseo. Placer, devoción y consumo en las artes, reunirá a especialistas de todo el país, Brasil, Chile, México y Uruguay.

Entre las múltiples sesiones y actividades del programa se destacan las conferencias de Laura Malosetti Costa, “Cartografías del deseo”, el miércoles 30 de setiembre a las 18.45 hs. y la de María Angélica Melendi titulada “La canción de las locas. Una historia sudamericana”, al cierre del congreso el viernes 2 de octubre a las 18.30 hs. 

Asimismo, despierta gran interés la mesa redonda “Deseo, política, arte y frenesí. Las derivas estéticas y éticas de Liliana Maresca y Néstor Perlongher para pensar la historia cultural reciente”, coordinada por Viviana Usubiaga. Se llevará a cabo el jueves 1 de octubre a las 18 hs. y participarán Daniel Molina, Mario Cámara, Adriana Lauría, Mariana Cerviño y Cecilia Palmeiro. 

Programa completo en: http://www.caia.org.ar/docs/Programa%20%20VII%20Congreso%20CAIA%202013.pdf

La Fundación ICBC presenta la exhibición “Tirar de la cuerda”

El jueves 1 de octubre a las 19 hs. se inaugura la exhibición “Tirar de la cuerda” en la Fundación ICBC –Ríobamba 1276- con participación de los artistas Francisco Diaz, Nicolas Romero Escalada, Pum Pum, Christian Riffel y Nerf, curada por Victoria Tolomei.
Tirar de la cuerda es una exposición que reúne el trabajo de distintos artistas urbanos contemporáneos. La muestra plantea, a partir de una selección muy diversa de artistas que tienen un mismo origen (ámbito urbano), como el movimiento ha evolucionado ya no solo en lo que refiere a las formas sino también en contenido.
 

La muestra no solo busca generar una reflexión acerca de la evolución del movimiento sino también acerca de la relación entre estos artistas y la ciudad, motivo por el cual el arquitecto Martin Marcos, director del Museo de Arquitectura y Diseño de Buenos Aires fue convocado a escribir el texto curatorial. Museo en el que además se llevara a cabo durante el 2016 un programa que reflexionara acerca de esta misma temática, curado por Victoria Tolomei.
Tirar de la cuerda es una muestra colectiva que además invita a ir un poco mas allá, a no quedarse con etiquetas que solo limitan la propuesta artística y por lo tanto la experiencia de cada uno, es una invitación a intercambiar.
Martin Marcos es director del Museo de Arquitectura y Diseño de Buenos Aires, profesor titular FADU-UBA en las carreras de arquitectura y diseño industrial y en el postgrado gestión estratégica de diseño - GED; secretario de extensión universitaria de la UBA y director del Centro Cultural Ricardo Rojas entre 1990-2000.

La exposición se puede visiatar de lunes a viernes 10 a 19 hs. con entrada gratuita, hasta el 15 de noviembre, en Riobamba 1276, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Maureene Dinar nos muestra su nueva colección Mo Mo 2016, que presentará en el New York Fashion Week

La talentosa Maureene Dinar presenta su nueva colección Spring Summer. Hoy, un desafío más para esta diseñadora vanguardista e internacional, que esta temporada nos sorprende con “Mo Mo 2016”. La creadora presenta una impactante performance-producción con las modelos más elegantes del país, en un exclusivo desfile un anticipo Preview de lo que Maureene lanzará en el marco del New York Fashion Week para el que fue preseleccionada e invitada a participar.
Esta colección esta basada en el arte y color, con expresión de pinceladas que hacen de cada prenda un shock de energía, alegría y color.
Siempre buscando nuevas tendencias, reinventando año a año su impronta, Dinar deja bien claro que no le tiene miedo al cambio y que sus propuestas son siempre innovadoras, atractivas y vitales.
"Mo Mo 2016" es un trabajo de arte y frescura con los géneros que Maureene utiliza tales como fibras naturales, sedas, gasas, bordados, apliques y, su ya icónica, mezcla de texturas.
La primavera verano de Maureene Dinar reúne todo lo necesarios para impactar, sensualidad, color y creatividad.

Daniel Rueda Galería de Arte presenta una muestra individual de Carlos Gómez Centurión

El oro de America. Cerro Matoso

El reconocido arquitecto y artista Carlos Gómez Centurión, integrante del staff de Galería Rubbers Internacional  compartirá -con presencia del autor- obras de sus series “El oro de América” y “del Silencio”.

Es el mismo Gómez Centurión quien expresa que considera a la pintura como un modo de pensar el mundo, un modo de pensarse a uno mismo.  Que si en la ejecución de la obra de arte, puedes concentrarte en tu hacer, seguramente digas algo del orden de lo universal. En este caso, es concretamente donde interpreta estar perdido en la inmensidad, en el sentido de finitud y el sentido de tu escala mínima en el universo.

Con técnicas mixtas sobre tela en la serie “El oro de América” y con un uso exquisito en acrílico y tinta sobre telas y cartulinas en la serie “del Silencio”, ratifican al artista en su compromiso con la región cuyana a través en su obra pictórica.

Nacido en San Juan, Argentina, Gómez Centurión residió en Buenos Aires entre 1970 y 1982. En 1988 residió en la Citè  Internationale des Arts en París donde realizó su primer exposición individual. Actualmente vive y trabaja en San Juan, Argentina.

Durante la década del 90 y hasta inicios de la actual, su trabajo se concentró fuertemente en el universo de la mitología americana. Fue miembro fundador del grupo El Mito Real.

Actualmente trabaja en el proyecto llamado “Digo la Cordillera”. Es un registro   multidisciplinario sobre los Andes desde Jujuy hasta Santa Cruz y cuenta  con la participación de un cineasta, un sonidista, un semiólogo, un poeta, un ingeniero en minas y un crítico de arte,  además del pintor.

La primera etapa fue presentada en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires en 2004. La segunda y tercera etapa -"Digo la Cordillera, el viaje como obra"- fue presentada en el Palais de Glace de Buenos Aires en el año 2012 con curaduría de Fernando Farina, quien participó en los últimos viajes a la alta cordillera.

Luego fue expuesta en el Museo de Arte Moderno de Mendoza, en el Museo de Bellas Artes de Salta, en el Museo Castagnino de Rosario, en el Museo Caraffa de Córdoba, en el Palacio Duhau de Buenos Aires y en el Museo de Bellas Artes Franklin Rawson de San Juan.

Carlos Gómez Centurión tiene una significativa trayectoria: Ha realizado  diversas exposiciones en Argentina y en el exterior: Buenos Aires, Rosario, Córdoba, Tandil, Tucumán, Salta, Ushuaia, Mendoza, San Juan,  San Luis y,  en París, Santiago de Chile, Guayaquil y Quito, entre otras.

Ha sido jurado de premios de pintura en varias ocasiones en Argentina, Chile y Ecuador. Recientemente fue designado jurado del Festival Internacional de Cine Unasur.

La exposición se puede visitar desde el 24 de setiembre al 16 de octubre en Daniel Rueda Galería de Arte ubicada en The Plaza Business, Montevideo 230, piso 8, oficina 4, Ciudad de Mendoza. Visitas con cita previa a: info@danielrueda.com.ar | Celular +54 (9) 261 (15) 4 166590.

Arte con Neón en el Museo Perlotti

Hasta el 12 de octubre de 2015 se puede visitar la exposición “Arte con Neón - 2015-“ en el primer iso (Sala César Fioravanti) del Museo de Esculturas Luis Perlotti, ubicado en Pujol 644, Buenos Aires, conmemorando el XX aniversario de la primera exposición nacional de piezas de neón.

Artistas invitados: Elena Acquarone, María Inés Camara, Clarissa Cassiau, Elvira Chapo, Salvador Costanzo, Genaro De Tomasso, Laura Filippi, César Ariel Fioravanti, Roberto Firpo, Mónica Fuksman, María Guallar, Celia Jabbaz, Darío Julio Klehr, Elvira Lovera Laspiur, Carlos Malvestitti, Hilda Mans, Eugenio Monferran, Claudia Montico, Adriana Omahna,  Juan Orellana, Marta Pérez Temperley, Armando Ramaglia, Elena Riccardi, Enio Riccieri, Pedro Roth, Emiliano Rubinacci, Marino Santa María, Sergio Santos, Cristina Sicardi, María Pía Suárez Caviglia, Enrique Tommaseo, María Eugenia Varela, Carlos Vera.
Horario: Martes a domingos y feriados de 11 a 18 hs. Entrada: General: $5. Miércoles y viernes gratis.

En su tercera edición, Gallery Day llega al barrio de La Boca

Con el objetivo de transformar la dinámica de la Ciudad de Buenos Aires, brindar la posibilidad de acercar el arte a nuevos públicos y potenciar todos los polos artísticos de la Capital Federal, Gallery Day amplía sus límites y se presenta por primera vez en el barrio de La Boca. La tercera edición de este novedoso formato, invita a disfrutar el próximo sábado 26 de septiembre entre las 15 y las 18 hs de los espacios de arte de uno de los puntos turísticos más emblemáticos de nuestro país. 

"Luce - El imaginario italiano"

Nueve espacios confirmaron su participación abriendo sus puertas para presentar las obras de artistas consagrados y emergentes. Entre ellos, se destaca la participación de Fundación Proa inaugurando especialmente la muestra "RAQS Media Collective" y "Forensis", acompañada de la muestra del Espacio Contemporáneo "Las medidas del vacío"; la Usina del Arte con la muestra "Luce - El imaginario italiano", en la sala Laberinto, e invitaciones para disfrutar de buena música a cargo de Opus Trío y la Orquesta Académica del Teatro Colón, así como también la inauguración de los proyectos de Residencias R.A.R.O., Cosas que aparentemente no importan de Paola Sierra y Proyecto arquitectónico de Gaspar Nuñez que se llevó a cabo con la colaboración del Fondo Nacional de las Artes; y por último, con lo que respecta al circuito de galerías de arte y talleres de artistas, se encuentran Barro Arte Contemporáneo, Prisma KH, La Verdi, laboca783 y Galería Isla Flotante.

laboca783

Esta tercera edición de #GalleryDay, organizada en conjunto por Arte al Día Internacional con la colaboración del Distrito de las Artes y Proa comprenderá un recorrido entre las calles Juan Manuel Blanes y Benito Quinquela Martín y la avenida Don Pedro de Mendoza y la calle Dr del Valle Iberlucea. Para los interesados, será una invitación a disfrutar por su cuenta o en compañía y al mismo tiempo nutrirse con algunas de las mejores expresiones de arte de nuestro país en un ambiente social y descontracturado. El meeting point para realizar dicho paseo de manera guiada será a las 15 hs. desde Fundación Proa, en el cual saldrá un transporte cada treinta minutos - hasta las 18 hs - para recorrer los espacios participantes y además, habrá servicio de traslado gratuito desde el barrio de Recoleta dispuesto a las 14:30 hs. en la esquina de Av. Del Libertador y Callao.

La Verdi

Este evento será posible gracias al apoyo incondicional de empresas como ICBC Exclusive Banking, Omint, Palacio Duhau Park Hyatt Bs. As., Hotel Sofitel Arroyo, el diario La Nación y también del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.  Además, Nieto Senetiner se suma al portfolio de compañías amigas con una promoción exclusiva para los visitantes. Aquellos que mencionen su participación en el evento en los locales gastronómicos Il Matterello y Zairis y consuman un vino de Bodegos Nieto Senetiner, recibirán un espumante Nieto Senetiner Brut Narute como obsequio.
Gallery es una propuesta que nació en el año 2001 y cumple 15 años ininterrumpidos acercando la creatividad de los artistas al público. Se desarrolla de abril a diciembre en Buenos Aires (Barrio Norte, Retiro, Palermo y La Boca).
No es un tour guiado, la idea es que con mapa en mano, el público pueda recorrer las galerías de la zona de la manera que prefiera, o asistir a las muestras que más le interesen. Acompañan durante el recorrido, música y espectáculos gratuitos.

Jorge Meiide presenta "Secuencias" en el Museo Lucy Mattos

El Museo Lucy Mattos continúa la temporada 2015 con la muestra de las obras del reconocido artista oriundo de San Fernando, Jorge Meijide. Se presentan grabados inéditos, pertenecientes a su más reciente producción; matrices de grabado; objetos; tintas; sus famosos collages sobre boletos de tren y una colección de sus populares trabajos de humor gráfico.

"Navegando entre todos", 2009, litografía intervenida con tinta

Jorge Meijide nació en San Fernando en 1947. Estudió en los talleres de dibujo y pintura de la profesora Guinard en San Fernando; de dibujo de la Asociación Estímulo de Bellas Artes con  Salvador Benjuya, Carlos Fels y Rubén Locaso; de escenografía del Teatro Colón con Gerardo Pietrapertosa y Jorge Rulio; de grabado de Zulema Petruschansky y, desde 2005 hasta la fecha, taller de litografía del Centro de Formación y Edición Gráfica de Buenos Aires de Natalia Giachetta. 

"Rompecabezas",2001. Boletos de tren intervenidos con acrílico, marcador, lápiz color, bolígrafo y corrector

Realizó numerosas exposiciones individuales y colectivas. Recibió el Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Grabado y Dibujo; Primer Premio del Salón Municipal Manuel Belgrano; Primer Premio del Salón de Santa Fe; Tercer Premio de la Bienal Internacional de Taipei, Taiwán; Primer Premio del Salón de Entre Ríos, Museo Guaman Poma; Premio Trabucco, Academia Nacional de Bellas Artes. 

"Ciudad en Blue / Ciudiad en Red", 2000, cartapesta policromada con látex

Poseen sus obras las colecciones de la Sala Nacional de Exposición, Palais de Glace; el Museo Eduardo Sívori;  el Museo Rosa Galisteo de Rodríguez, Santa Fe; el Museo de Bellas Artes de Salta; el Museo de Arte Contemporáneo de Salta; el Florean Museum, Rumania; el Museo de Bellas Artes de Taipei, Taiwán, entre otros.
En humor gráfico colaboró, entre otras, en las revistas Tía Vicenta, Humor, Hurra, El periodista, Billiken, El Gráfico, Cronopios de España y P'alante de Cuba y en el diario La Voz. Es autor de las historietas La Clínica del Dr. Cureta, Protección al menor y Desvínculos, entre otras.  

"Señora Martillo", 2007, tinta sobre papel

La exposición “Secuencias” se puede visitar desde el domingo 20 de septiembre al miércoles 21 de octubre, en el mencionado museo, sito en Av. del Libertador 17.426, Beccar, Partido de San Isidro (Buenos Aires).
Los horarios de visita son de miércoles a sábados de 11 a 19 horas y los domingos de 10 a 18 horas. El valor de la entrada es de $70, los miércoles es gratuita. Para averiguar por visitas guiadas o mayor información llamar al 4732.2585 ó al 4747.1942.

Lucy Mattos y Jorge Meijide

Más información en: www.museolucymattos.com, www.facebook.com/museolucymattos, info@museolucymattos.com.

El Museo de Arte Popular José Hernández presenta la exhibición “Joyas del rock 2”

La segunda edición de esta exhibición inaugura el viernes 25 de setiembre a las 18.30 horas en la sede del Museo de Arte Popular José Hernández,  Avenida del Libertador 2373, Buenos Aires, Argentina.

"Canción animal, de Soda Estereo"

Joyas del Rock 2 presenta piezas únicas de joyería inspiradas en canciones de rock nacional. Cada joya cita una canción en particular y se propone como un espejo subjetivo de la misma, con una nueva materialidad. Realizadas entre 2008 y 2015, rinden homenaje a bandas y solistas desde los años 60 hasta la actualidad.
Hace 7 años se inauguraba en estas salas la primera edición de “Joyas del rock”. Esta propuesta significó entonces, y significa ahora, la oportunidad y el desafío de hacer converger en una muestra universos que a primera vista parecen totalmente disimiles, como el rock, la artesanía y un museo.
Los joyeros buscan un diálogo entre la música y la artesanía que se plasma en forma de homenaje. Poesía con melodías, técnicas con oficio reunidas en una sola obra con resultados estéticos y artísticos sorprendentes. A lo que se suma un destacado adicional, son piezas de uso: anillos, pulseras, collares y prendedores que podemos lucir. 

"Marcha de la bronca, de Miguel Cantilo"

El visitante podrá disfrutar en esta muestra de veinte piezas de joyería inspiradas en veinte canciones de rock nacional. Piezas únicas realizadas con técnicas de joyería tradicionales. 
Joyas que nos cuentan la historia de la construcción de las propias subjetividades artísticas en la exposición según tres ejes temáticos. El primero, llamado Los sueños, mandatos, rock y libertad, hace referencia a los inicios del rock nacional en Argentina y las características de este surgimiento. El segundo núcleo, La denuncia: plomo y metáfora aborda 5 canciones con 5 joyas desde su perspectiva política. El tercer eje está dedicado al rock y amor.
Actividades en el marco de la muestra:
Los viernes 2 y 9 de octubre se realizarán a las 17 hs. charlas y demostraciones con los artesanos expositores.
Los sábados 3 y 10 de octubre habrá música en vivo a cargo de los expositores y artistas invitados.

"El Ojo blindado, de Sumo"

La muestra podrá visitarse hasta el domingo 1 de noviembre de 2015, de martes a viernes de 13 a 19 horas y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 horas. Entrada $10. Miércoles gratis.

Zurbarán presenta las últimas obras de Ernesto Bertani

En Zurbarán se exhiben las últimas obras de Ernesto Bertani, que nos sorprende con una novedosa serie sobre las letras del abecedario, o el ingenio de “Flor de Estrella”, una pintura que tiene movimiento y color, a través de ella podemos recordar los efectos que produce un calidoscopio, o pensar que podríamos estar bajo los efectos de un hipnotizador.

Ernesto Bertani nació el 3 de febrero de 1949, en Buenos Aires. Estudió con Leonardo Rodríguez y Víctor Chab. Vive y trabaja en Parque Leloir, en la Provincia de Buenos Aires. Es considerado un pintor urbano porque refleja en sus obras el sentir del ciudadano de las grandes urbes, el hombre que utiliza la vestimenta como su segunda piel. Creativo, original, ingenioso, es respetado y admirado en nuestro arte.

La muestra se puede visitar de lunes a viernes de 10:30 a 21 hs. y los días sábados de 10 a 13 hs. en Cerrito 1522 con entrada libre.