Premio Arte x Arte 2017

Florencia Levy. Tierra de ciervos”, fotografía digital color - toma directa, 2016 

 

El 18 de marzo se realizó la entrega del V Premio Fotografía Arte x Arte 2017. El jurado, compuesto por Valeria González, Daniel Merle, Jorge Zuzulich y Eduardo Médici otorgó el primer premio a Florencia Levy por “Tierra de ciervos”, el segundo premio a Leonel Luna por “Balseros”, el premio estímulo joven a Joaquín Sten por su obra sin título y dos menciones honoríficas a: Andrea Ostera y Lisa Giménez. 

Leonel Luna. “Balseros”, impresión digital sobre vinilo, 2016 

 

Artistas seleccionados: Daniel Ackerman, Arturo Aguiar, Silvina Arrastia, Ananké Assef, Ariel Ballester, Verónica Bellomo, Nancy Bensignor, Sol Caride, Alejandro Chaskielberg, Cristina Chiarenza, Martín Del Pozo, Tali Elbert, Margarita Ezcurra, Lorena Fernández, Manuel Fernández, Rocío Fernández, Rodrigo Fierro, Eva Fisher, Sebastián Friedman, María Luz Gil,Lisa Giménez, Livio Giordano, Santiago Hafford, Gustavo Jononovich, Claudio Larrea, Gonzalo Lauda, Florencia Levy, Leonel Luna, Guillermo Miconi, Ezequiel Montero Swinnen, Andrea Ostera, Aldo Paparella Nix, Jackie Parisier, Esteban Pastorino, Graciana Piaggio, Francisco Rigozzi, Rosana Simonassi, Joaquín Sten, Inés Temperley, Costy Terreni, Adeline Thibaud, Martín Touzón, Leo Vaca, Nahuel Vargas Gonzalez, Pedro Wainer, Victoriano Alonso y Martín Weber.

Lisa Giménez. Sin título. De la serie “Inconsciente óptico”, fotografía digital, 2016

La muestra pernanecerá hasta el 26 de mayo y se puede visitar, de martes a vienres de 13.30 a 20 horas y sábados de 13.30 a 16 horas en Lavalleja 1062, Ciudad de Buenos Aires.

La XVI Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires -BA17- ya tiene su fecha y anunció sus próximos contenidos

El comité de la Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires, conformado por el presidente Carlos Sallaberry, Roberto Converti, Carlos Dibar, Juan Fervenza, Matías Glusberg, Daniel Muñiz y Miguel Jurado, se dio cita en el Museo de Arquitectura y Diseño para anunciar la fecha y presentar las novedades de la nueva edición. Allí, y con el apoyo de Neolith como sponsor del evento, más de 100 destacados arquitectos, amigos y periodistas se reunieron para celebrar este lanzamiento.

Con renovada sede en la Usina del Arte, la BA17 se llevará a cabo del 9 al 20 de octubre y será un acontecimiento participativo y de interés para toda la comunidad a donde se presentará lo más destacado de la arquitectura y el urbanismo.

Carlos Sallaberry y Roberto Converti

 
Esta nueva edición convocará a arquitectos representativos de los cinco continentes a relacionarse a través de exposiciones, foros, conferencias y debates con miles de jóvenes universitarios, profesionales y familias. Este año, nuevas figuras mundiales estarán presentes participando de la semana de conferencias y disertaciones. Diller Scofidio de la firma de arquitectura Diller Scofidio + Renro, el danés Bjarke Ingels, fundador del estudio BIG y el japonés Shigeru Ban lideran los nombres participantes. También se sumarán Barclay & Crousse de Perú, Carrilho de Graca de Portugal, Markus Vogl de Alemania, los arquitectos Bruther, Lan y Pablo Katz de Francia, Next Architects de Holanda, la crítica Zaida Muxi de España, el titular de Plataforma Arquitectura y curador de la muestra de Paises Escandinavos en Venecia, David Basulto. El peruano Manuel Rivero, el holandés Félix Madrazo, la brasilera Ligia Nobre cierran el listado junto a Daniel Weil de Londres, Alberto Ceccheto de Italia, Vicente Callebaut de Bélgica, Sergei Tchoban de Rusia y Freddy Massad de España.

Entre las novedades se reveló la participación de Barcelona como ciudad invitada junto con Copenhague, París y Hamburgo. Dentro de este marco, Buenos Aires se convertirá en un espacio de diálogos culturales entrecruzados, conferencias de renombrados arquitectos a nivel mundial y exposiciones que pondrán a la arquitectura en un primer plano de conversación.
Este año también estarán presentes como parte de la mesa grande del comité: Gustavo Dieguez, Ana Rascovsky, Max Zolkwer, Adrián Russo de Monoblock, Bárbara Berson, Valeria Matayoshi, Claudia Faena, Guillermina Muñiz, Sergio Castiglione, Claudia Faena. 

La Bienal cuenta con el apoyo de las Embajadas de Alemania, Dinamarca, Italia, Francia, Goethe Institut y Fundación Proa.

Miguel Jurado, Carlos Sallaberry, Roberto Converti y Matías Glusberg

 
Sobre la Bienal
La Binal de Arquitectura de Buenos Aires es uno de los eventos más importantes en su rubro de la región, pionera de las bienales de latinoamérica y reconocida dentro de la trilogía más relevante, junto con la de Venecia y San Pablo.

En la última edición, más de 100 mil personas disfrutaron las casi treinta muestras nacionales e internacionales. Las conferencias de cerca de 50 profesionales de todo el mundo, fueron vistas por un promedio de 600 asistentes. Kai Uwe Bergmann de BIG, el danés Jan Gehl, el australiano Peter Stutchburry, la española Clara Solá Morales, desde Perú, Oscar Gonzalez Moix y el siempre presente César Pelli, entre otros, expusieron y debatieron sobre los avances y desarrollos de la arquitectura y el urbanismo. A lo largo de sus 32 años, también contaron con presencias notables comonueve de los Premios Pritzker: Richard Meier, Hans Hollein, Paulo Mendes da Rocha, Jean Nouvel, Richard Rogers, Norman Foster, Toyo Ito, Zaha Hadid y Alejandro Aravena.

La organización del evento está a cargo de la Bienal de Arquitectura de Buenos Aires - BienalBA, y Grupo Mass.

Link para ver el video de presentación de la BA17: https://vimeo.com/210486793.

Fan Page en Facebook: Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires.

Para informes sobre la Bienal BA, enviar mail a: labienal@grupomass.net.

"Sinatra Centennial Experience" se exhibe en el Centro Cultural Borges

A 35 años de la histórica visita de Frank Sinatra a la Argentina, y celebrando su centenario, se presenta en el Centro Cultural Borges la muestra "Sinatra Centennial Experience". La exhibición presenta una colección íntima y personal de fotografías nunca vistas, cedidas por Frank Sinatra Enterprises, el archivo de la familia Sinatra, Capitol Records y Warner Bros. Records, así como también presentaciones audiovisuales del icónico artista y sus más celebradas performances en el escenario y en la pantalla grande.

Producida por Finkel Productions en asociación con Frank Sinatra Enterprises, la muestra puede visitarse en Viamonte 525, entre el 1º y el 30 de abril, e incluye fotos familiares recientemente descubiertas, autorretratos tomados durante los años formativos de Sinatra, e imágenes espontáneas de su Era Dorada a cargo de fotógrafos legendarios como Milton Greene, David Sutton, Ed Thrasher, Ken Veeder, John Bryson, Terry O’Neill y Allan Grant.

Curada por Cristina Carrillo de Albornoz, en cooperación y con el apoyo de Frank Sinatra Enterprises, la exhibición se divide en cuatro secciones temáticas:
1) Frank Sinatra en Argentina: los conciertos del Luna Park y el Sheraton Hotel en 1981 – incluyendo objetos, audio y video de su estadía en Buenos Aires. 

2) Frank Sinatra, el cantante: un talento vocal innato, con fotografías nunca vistas de su archivo familiar e imágenes, música y videos de sus cinco décadas de trayectoria. 

3) Sinatra, el artista versátil: actor, fotógrafo, escritor, amantes de las palabras, litografías firmadas y fotos únicas de su carrera en cine y TV.

4) Sinatra: su influencia y legado, el estilo de Sinatra continúa influyendo a las mayores estrellas de hoy. Testimonios originales y material en video que mostrará su duradero legado.

Entradas en venta en: plateanet.com.

El Centro Cultural Borges exhibe "Bruma Púrpura" de Charly Galuppo

El jueves 30 de marzo a las 19 hs. se inaugura en el Centro Cultural Borges la exposición “Bruma Púrpura” de Charly Galuppo, artista que enfrenta con sorprendente destreza el desafío de construir con imágenes “realistas” del cuerpo femenino una obra de rigurosa e impactante contemporaneidad.
La muestra, curada por María Carolina Baulo, está integrada por una serie de pinturas de diferentes tamaños que, por un lado, renuncian al recurso fácil del exhibicionismo para dar paso a una sutil sensualidad, y que por el otro, en un juego de mostrar y encubrir, crea un inquietante universo que oscila entre la realidad y lo imaginado.
 

“Galuppo explora una intimidad que no es propia -expresa Rodrigo Alonso-. Se interna en el universo vital de unas chicas adolescentes cuya cotidianidad transcurre entre la puerilidad, el hastío y la seducción permanente, y lo retrata con la serena minuciosidad de un cirujano. Para esto, parte de fotografías tomadas por las protagonistas, quienes imprimen su mirada participante a las situaciones y los encuadres. Una mirada que -a su vez– está atravesada por las configuraciones visuales de nuestro tiempo y que oscila  entre la instantánea, la curiosidad espía y la selfie.”

Por su parte, Baulo afirma: ”Charly Galuppo es dueño de una obra de factura exquisita y alto virtuosismo técnico. Es exactamente el tipo de obra que frente a muchas de las propuestas artísticas contemporáneas, se presta a debate por su fuerte impronta realista. ¿Es válida en la escena actual la persistencia de ciertas elecciones estéticas que parecieran responder a otro tiempo?  En mi opinión, la democratización sin precedentes que experimenta el siglo XXI, habilita la posibilidad del "todo vale", pero eso debe ir acompañado de interrogantes que pongan en crisis la obra…”

Charly Galuppo nació en Buenos Aires en 1976 y se formó en diseño gráfico, pintura, dibujo, fotografía y análisis de obra. Realizó siete muestras individuales y participó de numerosas exhibiciones colectivas. Entre las numerosas distinciones recibidas se encuentran una mención en el Salón Nacional de Pintura, 2º premio Salón SAAP (Sociedad Argentina de Artistas Plásticos), 1er. premio galería Braque, 3er. premio galería Espacio 10, 1er. premio, Salón Nacional FAF (Federación Argentina de Fotógrafos) y 1er. puesto concurso de fotografía UADE 2003.

La muestra se puede visitar de lunes a sábados de 10 a 21 hs. y los domingos y feriados de 12 a 21 hs. en Viamonte 525, Buenos Aires, Argentina.

Carmen Steffens presentó la nueva fragancia Mon Guerlain

Directivos Carmen Steffens Argentina y Gueirlain

Carmen Steffens Argentina presentó en su local de galerías Pacífico la nueva colección otoño - invierno 2017 y compartió un momento único con la presentación exclusiva de la nueva fragancia Mon Guerlain. 

Mirta Herrero y Patricia Ludueña

Inspirada en Angelina Jolie para una mujer extraordinaria, sincera y auténtica, es una fragancia oriental y fresca, con notas de vainilla de Tahití, lavanda, jazmín de Sambac y sándalo australiano, envasado en una botella en forma de diamante cuya tapa evoca un trébol de 4 hojas.

MACBA inaugura su programación anual con la exposición "Pensar en abstracto"

El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires – Fundación Aldo Rubino presenta la exposición "Pensar en abstracto. Colección MACBA" en diálogo con artistas geométricos contemporáneos, que podrá visitarse hasta el domingo 30 de julio de 2017.

La exposición reúne obras de Manuel Álvarez, Sergio Avello, Germaine Derbeq, Graciela Hasper, Daniel Joglar, Marta Minujín, Juane Odriozola, Karina Peisajovich, Martín Pelenur, Amalia Pica, Alejandro Puente, Inés Raiteri, Andrés Sobrino, y Luis Wells, entre otros, y cuenta con la curaduría de Rodrigo Alonso, quien propone considerar a la abstracción geométrica como un terreno de producción de pensamiento más que como un ejercicio formal. "Pensar en abstracto" se organiza de acuerdo con una serie de investigaciones que han guiado el desarrollo de esta vertiente plástica, creando un contrapunto productivo entre las obras que integran la colección y los artistas invitados.

En palabras del curador, “La abstracción geométrica es mucho más que el resultado del escrutinio de las posibilidades formales de la geometría. En la práctica de los artistas modernos y contemporáneos, se constituye como un campo de pensamiento a través del cual se desarrollan numerosas investigaciones plásticas y conceptuales. La configuración del espacio, los sistemas compositivos, el dinamismo óptico, los efectos combinatorios, las modulaciones cromáticas, la construcción y deconstrucción de visualidades y formas, las reflexiones materiales y contextuales, son algunos de los intereses que han orientado esas búsquedas.” 

Rogelio Polesello. Sin título, 1971, acrílico sobre tela 

 

La exposición está compuesta por pinturas, fotografías, instalaciones, obras cinéticas y lumínicas, esculturas, videos e intervenciones site-specific que dan cuenta de la pluralidad que presenta la abstracción en la actualidad y de su potencialidad para expandir los límites de las disciplinas artísticas tradicionales.
Al mismo tiempo, propone una reflexión sobre el museo y su capacidad para dar cuenta del estado de la producción artística. “Un museo es siempre una entidad fragmentaria -asegura Alonso- no sólo porque no puede albergar la totalidad de una producción sino, además, porque ésta se halla en desarrollo permanente”. De ahí, la decisión de incorporar obras que no pertenecen a la colección del MACBA. “Esta es una forma de señalar el valor de su patrimonio. Si los diálogos que pueden establecerse entre las piezas pertenecientes al museo y el arte que se desarrolla más allá de sus puertas son significativos, entonces la colección atesora en alguna medida algo del espíritu de la abstracción geométrica local”. 

Marcolina Dipierro. Sin título, 2015, metal, elástico y madera policromada

 

Con esta exposición el museo lanza su programa de intervenciones en su fachada, en esta ocasión con un proyecto de Diego Mur.
Cada piso del museo se organiza de acuerdo a núcleos conceptuales que ponen de manifiesto diferentes orientaciones en los desarrollos de la abstracción. 

A manera de introducción, la planta baja articula las nociones de construcción, sistema y deconstrucción, a través de piezas de Juan Melé, Alejandro Puente y Sergio Avello. La sala se completa con una referencia solapada a la utopía de la abstracción geométrica de expandirse hacia la vida cotidiana, al incluir trabajos de artistas que ejercen o ejercieron el diseño gráfico, como Rogelio Polesello, Luis Wells, Julia Masvernat y Andrés Sobrino, más una intervención sobre la fachada del edificio de Diego Mur que funciona como una suerte de interfaz entre su interior y exterior. 

Amalia Pica. “Monumento a intersecciones #7”, 2013, hierro y acrílico

 

El primer piso gira en torno al concepto de combinatoria. Está presidido por el "Monumento a intersecciones #7" de Amalia Pica, en torno del cual se organizan obras basadas en combinaciones formales y cromáticas de Manuel Álvarez, Germaine Derbeq, Graciela Hasper, Carola Zech, Marcolina Dipierro y Juane Odriozola.

El primer subsuelo toma a la línea como herramienta de construcción espacial. Las obras de Inés Raiteri, Martín Pelenur y Mariano Vilela ponen de manifiesto su protagonismo en la conformación de topologías plásticas. César Paternosto la utiliza para conmover los límites entre el plano y el volumen, mientras Ary Brizzi y Mariano dal Verme la trasladan al ámbito de la creación escultórica. Daniel Joglar lleva la línea literalmente al espacio en su instalación site-specific. Christian Wloch, por su parte, utiliza la línea como eje de experimentación en el terreno electrónico. 

Mariano Vilela. Sin título, 2013, grafito sobre papel montado en aluminio 

 

El segundo subsuelo está dedicado a la expansión de la geometría a través de los nuevos medios tecnológicos. Marta Minujin trasciende la superficie pictórica a través del video, mientras Karina Peisajovich ensaya modulaciones cromáticas con su "Máquina para hacer color" (2010). Finalmente, las formas geométricas adquieren nuevas fisionomías en las fotografías de Arturo Aguiar, un video de Marcolina Dipierro y las cajas de luz del joven artista chileno Benjamín Ossa.
 

La exposición se puede visitar de lunes a viernes de 11 a 19 hs. y sábados y domingo de 11 a 19.30 hs. en Av. San Juan 328, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina. Ingreso hasta 30 minutos antes del cierre. Martes cerrado.

Más fotos en facebook.

MALBA presenta "General Idea. Tiempo Partido", la primera exposición retrospectiva en América Latina de este colectivo de artistas canadienses formado en la década del '60

MALBA presenta "Tiempo Partido", la primera exposición retrospectiva en América Latina de General Idea, colectivo de artistas canadienses formado en 1969 por AA Bronson (Michael Tims, Canadá 1946), Felix Partz (Ronald Gabe, Canadá 1945 -1994) y Jorge Zontal (Italia, 1944 - Toronto, 1994). Durante 25 años de carrera, el grupo desdibujó las líneas entre arte, diseño y vida y se destacó por su sello vanguardista, que los transformó en una referencia para las nuevas generaciones de artistas en todo el mundo.

AA Bronson y Agustín Pérez Rubio

Curada por Agustín Pérez Rubio, Director Artístico de MALBA, la exposición presenta un repaso por la producción de General Idea y aborda temas como la historia, el sexo, la raza, la enfermedad y la autorepresentación del propio grupo, objeto recurrente de su producción.
Reúne cerca de 120 obras -provenientes de diferentes colecciones privadas y públicas como la National Gallery of Canada y la Art Gallery of Ontario (AGO)-, en todos los formatos de su trabajo: performances, videoarte, fotografías, publicaciones e instalaciones.

El proyecto pretende ampliar el horizonte y la difusión de su legado, desde sus primeras piezas conjuntas en 1969 y 1970, hasta sus últimas creaciones en 1994, año en el que murieron Partz y Zontal a causa de enfermedades relacionadas con el SIDA. El recorrido se inicia justamente con la obra Untitled (for GI), 1999 (RGB Bertoia Chairs), con tres sillas Bertoia cada una con un almohadón rojo, verde y azul, que es la paleta clásica de toda su obra. Es la primera pieza realizada individualmente por AA Bronson y un homenaje a sus compañeros de vida y trabajo.

La muestra hace foco en el problema de la alteración del tiempo, vinculado al carácter efímero de su producción artística, y a la creación de un mito a través de la publicidad, el diseño, la moda, los concursos de belleza y los medios de comunicación en general. En palabras de Agustín Pérez Rubio: “A partir de fragmentos de una sociedad estandarizada por el capitalismo, General Idea construye una iconografía llena de glamour, ironía sutil e hilarante, y juega a la creación de un tiempo que se dilata, va hacia adelante y se contrae, muta, se refiere al pasado que fue imposible habitar o se expresa en un futuro que desapareció mucho antes de llegar”, explica. “Mediante sistemas de representación entre la realidad y la ficción, entre lo natural y lo cultural, General Idea crea simulacros que constituyen una memoria real del propio grupo y sus diferentes fases de trabajo”, destaca el curador.

"The 1971 Miss General Idea Pageant Marcel". Foto gentileza MALBA

A partir de 1970 General Idea comenzó lo que tal vez sea la acción más importante del colectivo y que deriva en la relación entre mito y tiempo: "Miss General Idea", proyecto que forja gran parte de su trabajo desde la performance "What Happened [¿Qué ocurrió?", 1970], hasta la destrucción de "The 1984 Miss General Pavillion [El Pabellón Miss General Idea, 1984"], en 1977. Es en este momento cuando los proyectos de General Idea dan un giro estético de lo conceptual, efímero o performativo a lo escultórico, pictórico y videográfico. 

“One Year of AZT [Un año de AZT]” de 1991, es una obra compuesta por 1825 pastillas blancas con una tira azul colgadas de la pared, que resultan un calendario de la enfermedad: el paso del tiempo y la disolución , en un momento en el que aquella medicación era la única posibilidad de tratamiento del HIV. Son los años de la crisis del Sida y de la representación de la enfermedad, cuando los colectivos afectados por la enfermedad eran atacados por el conservadurismo.
En esta etapa final, la exposición del trabajo de General Idea es mayor en formatos, lugares y tiempos. Un ejemplo es el de los tapices y carteles de AIDS pegados por toda la ciudad y en diferentes formatos en muros, colectivos y el subte; además de remeras, bolsas, entre otros objetos.

"General Idea. Tiempo Partido" continúa en la sala 3 del museo -nivel 1- con la instalación "Fin de siècle [Fin de siglo]", de 1994. Se trata de gran paisaje glaciar romántico -construido a partir de cientos de capas de telgopor- con tres pequeñas focas blancas, ubicadas en un no-tiempo o tiempo mítico, basado en la pintura "El mar de hielo" (1823), de Caspar David Friedrich.

En cierto sentido es un “autorretrato” del grupo, como lo son todas las obras compuestas por tres figuras incluidas en la muestra. La situación de las focas blancas bebés fue objeto de debates públicos en los años 80 y 90 y, como resultado, fueron declaradas como una especie en peligro de extinción en una gran cantidad de países pero no en Canadá, donde se reproducen en gran cantidad. Allí, las focas eran cazadas y asesinadas a palazos para no lastimar su piel; y la imagen de la sangre roja sobre la nieve blanca se convirtió en un ícono mediático en aquellos años. Fin de siècle fue realizada en el período en que Partz y Zontal fueron diagnosticados como portadores de HIV, por lo que la obra fue interpretada como un retrato de los artistas como víctimas.

En el hall central del museo, se exhibe Pharma©opia (1992), compuesta por tres píldoras gigantes suspendidas en el aire, saturadas de helio y aseguradas al techo por cuerdas. Esta pieza opera como recordatorio, no sólo de las condiciones pasadas de las personas que vivieron con SIDA, sino también de la persistencia del virus en el tiempo presente y del problema farmacéutico corporativo.

General Idea realizó 123 exposiciones individuales y participó en 150 exposiciones colectivas a nivel internacional, incluyendo la Bienal de Venecia y la Documenta de Kassel, entre otras. En América Latina exhibieron únicamente en 1998 en la Bienal de San Pablo. Durante 25 años (1969 -1994) el grupo produjo un importante cuerpo de obra en diferentes soportes y formatos, que revela la habilidad de su lenguaje en el manejo de los medios de comunicación masiva.

Esta exposición fue coproducida por MALBA y Fundación Jumex, donde se presentó previamente entre el 27 de octubre y el 12 de febrero. Cuenta con el apoyo The National Gallery of Canadá.

En el marco de la exposición, MALBA editó una publicación en español (con un apéndice en inglés) de 180 páginas, que incluye una amplia selección de fotos que repasa la producción y la estética del grupo, además de diferentes vistas de sala de la exhibición en el Museo Jumex, donde se presentó previamente entre octubre y febrero de 2017.
El libro incluye diferentes ensayos: “Tiempo mítico: una guía para no perderse en la trayectoria viral de General Idea” del curador Agustín Pérez Rubio; “Parafernalia” de Gabriel Villalobos; “Páginas de historia. El dorado (Maracaibo) y Fin de Siècle” de Ivo Mesquita y “Espectros de un virus”, de Francesco Scasciamacchia.

La exposición se puede visitar hasta el 26 de junio de 2017 en las sala 5 y sala 3 del MALBA, Av. Figueroa Alcorta 3415, Buenos Aires, Argentina. El horario del museo es: jueves a lunes: 12 a 20 hs. y miércoles: 12 a 21 hs. Martes cerrado. Más información en: www.malba.org.ar.

Hasta fin de abril se festeja el día del artesano en el Museo de Arte Popular José Hernández

El domingo 19 de marzo, el Museo de Arte Popular José Hernández festejó el día del artesano con la inauguración de la exposición “Colectivo en acción creativa”.
Artesanías para embellecer la vida cotidiana, piezas con calidad, estética y oficio, únicas realizadas con amor y dedicación por cada artesano, caracterizadas por la utilización de materiales respetuosos del medioambiente, a favor de una moda sostenible. Esta filosofía de producción y de consumo responsable es la alternativa a las compras masivas y despersonalizadas.

Luciano Polverigiani

 

Se trata de un grupo de más de 30 artesanos contemporáneos que exhiben obras en distintos materiales, técnicas y funcionalidades. Provienen de diferentes lugares del país como Córdoba, Buenos Aires, Catamarca, La Pampa, Jujuy, entre otros y también de Uruguay. Tienen en común una larga trayectoria y gran reconocimiento de premios y participaciones en distintas ferias y muestras.
Son artesanos. Son urbanos. Producen objetos útiles y estéticos. Sincretizan técnicas y formatos tradicionales en creatividad expresada con calidad y originalidad. Ser artesano urbano es desarrollar su trabajo en contacto con otros artesanos, artistas y diseñadores en un asiduo contacto con el público, lo que repercute en sus visiones, formas y carácter de las obras.
Los objetos de la muestra dan cuenta de una dinámica permanente entre lo tradicional y lo moderno. Técnicas, materiales, creatividad y formatos muestran una novedosa y dinámica tradición en el campo artesanal.

María Fernanda Silvestro

Artesanos que participan: Adriana Martínez, Alejandro De León, Amelia Tarditti, Ángela Pitta Pallota, Belén Ahumada, Carlos Leporace, Daniel Pereyra, Darío Barrozo,Diego Silvestro Crespillo, Esteban González, Fernando Iphar, Guillermo Rodríguez, Hernán Rojo, Horacio Jauregui, Inés Chiesa, Liliana Testa y Marcelo Pallas Garrido, Luciano Polverigiani, Marco Martínez, María Fernanda Silvestro, María Gabriela López, Mariela Ferraris, Olga Tarditti, Patricia Aballay, Pedro García Lanza, Rafael Gedda, Sonia Neufeld, Tristán Cabrera, Valeria Lajara, Viviana Posincovich.

Fernando Iphar

 

En el marco de la exposición, habrá una gran variedad de actividades y talleres durante marzo y abril: 20 de marzo, jornada para artesanos; 21 de marzo, taller de telar; 21 al 23 de marzo, talleres de lustre con goma laca, de cerámica y de hilado con rueca; 28 al 30 de marzo, taller de cerámica sonora; 31 de marzo y 1º de abril, taller textil; sábados 22 y 29 de abril, talleres de cerámica y de fibras vegetales y para finalizar, el sábado 29 y el domingo 30 de abril se realizará una feria de artesanías contemporáneas en el jardín del museo, con entrada gratuita.
Más información en: https://www.facebook.com/MuseodeArtePopularJoseHernandez/?fref=ts.
La muestra permanecerá abierta hasta el domingo 30 de abril de 2017, de martes a viernes de 13 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. en Av. del Libertador 2373, Buenos Aires, Argentina. Entrada $10. Miércoles gratis.

The Brick Hotel Buenos Aires exhibe en su lobby la obra de Milo Lockett

Por primera vez, el artista plástico chaqueño Milo Lockett, expone en The Brick Hotel Buenos Aires, member of the Collection MGallery by Sofitel, de la cadena francesa ACCOR. La muestra se exhibirá hasta el 31 de mayo en Posadas 1232, Buenos Aires, Argentina.

La obra de Milo sale de la estructura de la galería para mostrarse en el lobby de un hotel 5 estrellas en un espacio abierto y versátil. Un total de 19 obras, con formatos y tamaños diferentes, se exhiben en los diferentes espacios proponiéndole a quien observa un juego de miradas que no necesitan explicación. Milo es Milo, su obra es amigable, y las figuras y el color son parte de su sello. Juan Carr creador de Red Solidaria, dijo de él “Milo es un artista de generosidad permanente, con valores y gran compromiso social. Su obra lo acerca a todo tipo de público”.

Actualmente Milo, además de exponer en The Brick trabaja en dos proyectos a los que le pone el corazón, uno en el Impenetrable dónde ya ha trabajado con chicos con sindrome de Down y con las comunidades locales wichis y otra en San Luis, dónde esta filmando un documental. Ambos con el mismo tema: los maestros, el alumno, las escuelas rurales.
Para Milo: “La educación es el mejor capital para legar. Al trabajar con arte, la carencia es positiva, porque se puede apelar a diferentes recursos, buscar una vuelta.”

En su cocktail de inauguración estuvieron personalidades del mundo diplomático, empresario y artístico y huespedes del hotel.
Para la gerente general de The Brick Hotel Buenos Aires, Montserrat García, la muestra de Milo Lockett imprime el compromiso del hotel con los artistas que como en su caso colaboran con proyectos sociales.

Osvaldo Decastelli presenta obras de 1990 a 2015 en el MACLA

El viernes 17 de marzo a las 19 horas Osvaldo Decastelli inaugura “Intimar con la Materia”, con curaduría de Leticia Pasaglia, en el M.AC.L.A. Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano, ubicado en la Calle 50 entre 6 y av. 7, La Plata, provincia de Buenos Aires.

S/t, de la serie "Bloques", 1996-1999 

“La obra de Decastelli que se muestra en las salas del MACLA está atravesada por un único material - cartón corrugado.

El propósito del artista es desentrañar todo lo oculto que tiene este material. Al comienzo lo trabaja desde la materialidad, con objetos escultóricos de peso específico, hasta llegar a livianos textiles, obras que denomina con el título de “Intimidad de la Materia”, 1996 – 2011.

En una segunda etapa pasa pequeños bloques de cartón por rayos X mostrando sus imágenes en 13 backlights y un video “Halito” El conjunto lo titula “Hendiduras de Luz”, 2012 – 2013.

Por último, graba sonidos propios del corrugado, los que amplifica, haciendo que invadan el espacio de sala. Esta instalación la titula “Voces Mudas” las que habitualmente no oímos, 2014 - 2015. Prólogo de exposición de Adriana Lauría.

S/t, de la serie "Viberación", 2004-2010
 

“Hace treinta años que Osvaldo Decastelli trabaja con el cartón corrugado y en esta prolongada relación ha indagado en profundidad las propiedades de este material, volviéndolo su interlocutor en un intercambio dialéctico que va de la observación a la experimentación, de la reflexión a la manipulación, de la imaginación a la concreción de la obra, ya se trate de objetos, fotografías, video o instalaciones multimedia. En este proceso también se ha convertido en su emblema: el corrugado distingue su producción.

Formado como escultor se preguntó por las posibilidades de este producto industrial anclado en su vocación utilitaria como elemento de embalaje. A lo largo de estas décadas Decastelli amplió su destino cotidiano, trascendiendo el sentido habitual que le otorga la sociedad de consumo como algo que se usa y rápidamente se descarta y se asocia con la economía informal desarrollada por sectores cuya marginalidad es resultado de las crisis que con frecuencia esa misma sociedad desata.

Objeto de la instalación "Malas Hierbas", 2008 

(…) Percibamos con todos nuestros sentidos lo que un elemento tan simple como el cartón tiene para transmitirnos, sea a través de contundentes cuerpos en el espacio o por medio de labrados y ligeros pliegos que semejan textiles; atisbemos su interior conformando las más variadas estructuras u observémoslo expandirse en gesto respiratorio o consideremos sus sonidos que, amplificados, nos sumergen en una dimensión inesperada.”

La muestra se puede visitar con entrada libre y gratuita hasta el 30 de abril, en los horarios del museo: martes a viernes de 10 a 20 hs. y los sábados y domingos de 14 a 20 hs.

Fiesta en la calle en la Fundación Esteban Lisa

El sábado 18 de marzo de 17 a 19 hs. la Fundación Esteban Lisa presenta una nueva edición de Fiesta en la calle, para chicos de 3 a 11 años.


 

La Escuela Integral de Arte para Chicos inaugura su programa de talleres con una gran fiesta de arte... ¡en la calle y gratis!


 

Los chicos podrán participar junto a sus familias, de actividades de escultura, movimiento, murales, cerámica, instalaciones... ¡a disfrutar y jugar con el arte! Este año la temática será: "Selva".

 
Esta actividad cultural abierta y gratuita es auspiciada por el Fondo Nacional de las Artes.

 
La cita es en la puerta de la Fundación Esteban Lisa, Rocamora 4555 (y Est. de Israel), Ciudad Autónoma de Buenos Aires. 

En caso de lluvia la fiesta se hace el sábado 25-03.  

+ información en: 4862-0569 o info@estebanlisa.com.

Cursos de Historia del Arte en el MAT

El Museo de Arte Tigre comienza un programa de extensión cultural y educativa con un curso gratuito de cuatro clases para jóvenes y adultos. 

 

El museo moderno, desde sus inicios a fines del siglo diecinueve, desarrolló lo que se denomina educación “no formal”, un tipo de aproximación al conocimiento que une la atracción de sus colecciones y exposiciones, con la posibilidad del intercambio social directo. Visitas guiadas o clases y cursos especiales, pensados para todo público, permiten acercarse al arte y la cultura sin requisito previo más que el interés.

El MAT inicia en abril Imágenes de nuestro arte, un curso dedicado al arte argentino y latinoamericano en cuatro clases. Los gloriosos sesenta, a cargo de la directora del MAT, María José Herrera, se focalizará en el arte de los ya míticos años sesenta.

Experimentación, juventud y trasgresión, son algunos de los conceptos para pensar ese momento que proyectó el arte argentino al plano internacional. Descubrir América a través de su arte, dictado por Patricia Nogueira, invita a pensar el continente desde las primeras culturas hasta la actualidad, a través de imágenes emblemáticas de su historia y el arte.

El curso consta de cuatro encuentros: sábado 1˚, 8 , 22 y 29 de abril, en el horario de 10.00 a 12.00hs, Salón Oval. Entrada gratuita, se requiere inscripción anticipada a través de infomuseo@tigre.gov.ar o llamando al: 4512-4528 de 9 a 19 hs. todos los días de la semana.

Premio Braque 2017

La Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), junto a la Embajada de Francia en Argentina, el Institut Français y el Palais de Tokyo presentan la edición 2017 del Premio Braque Arte Contemporáneo, con obras de 30 artistas argentinos seleccionados por las curadoras Florencia Battiti, Hélène Kelmacher, Florencia Qualina y Diana Wechsler con la asistencia de Benedetta Casini. 

La inauguración y premiación será el miércoles 15 de marzo a las 13 horas en el MUNTREF - Centro de Arte Contemporáneo - Sede Hotel de Inmigrantes. El acto contará con la presencia del embajador de Francia en la Argentina, Pierre Henri Guignard, el director del Palais de Tokyo, Jean de Loisy, y el rector de la UNTREF, Aníbal Jozami.

Mediante este reconocimiento, el Institut Francais pone a disposición una residencia durante 6 meses en la Cite Internationale des Arts y el Palais de Tokyo ofrece un espacio de exposición para el artista.  Durante tres meses se exhibirá esta selección de arte argentino contemporáneo bajo la órbita de este premio, que tiene la particularidad de estar conformado por artistas que han sido invitados; esto implica un reconocimiento a sus trayectorias y también una apuesta para que quien obtenga la beca de creación en París pueda utilizarla como una plataforma que expanda sus posibilidades profesionales futuras.  

El criterio de selección de los artistas se definió a partir de la necesidad de pensar y exhibir un panorama amplio que dé cuenta de la diversidad de esta escena, que favorezca la coexistencia de distintas generaciones, en el que convivan artistas emergentes con los que sostienen trayectorias plenamente consolidadas. El desarrollo de las obras contó con el acompañamiento profesional de los curadores y el equipo de producción de la UNTREF.

En tanto, en el MUNTREF – Museo de Artes Visuales - Sede Caseros, se presentará a partir de abril la muestra histórica del Premio Braque (trayectoria 1963-1998) resultado de una exhaustiva investigación incubada en el marco de la maestría en curaduría en artes visuales de la UNTREF por Lucie Haguenauer.
Este Premio fue un espacio y una institución clave para los jóvenes artistas argentinos, sirvió como un espacio de experimentación, de presentación en la escena artística y de formación profesional. Construyó su prestigio en la época de su creación y a largo plazo integrando lo “joven” en una visión amplia y abarcadora de poéticas y lenguajes muy variados. Concebida como una travesía a lo largo de la historia del Premio, la exposición, que reúne obras de juventud de cerca de 50 artistas, exhibe el espíritu que lo guio, las tensiones que lo atravesaron y su impacto en las trayectorias de los artistas y en la historia del arte argentino.

Los artistas participantes son: Nelson Blanco, Nicolás García Uriburu, Emilio Renart, Honorio Morales, Delia Cancela y Pablo Mesejean, Gabriel Messil, Marie Orensanz, Daniel Ontiveros, Jorge Luna Ercilla, Mabel Rubli, Osvaldo Romberg, Miguel Harte, Eduardo Giusiano y Jorge Schneider, Daniel Scheimberg, Roberto Elia, Jorge Macchi, Carmelo Carrá, Hugo Soubielle, Carlos Alonso, Fernando X. González, Felipe Pino, Eduardo Medici, Roberto Scafidi, Víctor Hugo Quiroga, Daniel Zelaya, Claudia Zemborain, Betina Sor, Máximo Okner, Jorge Pietra, Jacques Bedel, Dino Bruzzone, Lux Lindner, Sebastián Gordin, Nora Iniesta, Pablo Páez, Leandro Erlich, Gustavo Larsen y Daniel Capardi.

Espacio Pla presenta las exposiciones de Juan Rey y Pablo Ziccarello simultáneamente

Espacio Pla abre el ciclo 2017 con dos exposiciones temporales en simultáneo; se trata de "Integrados" de Juan Rey, con la curaduría de Silvana Spadaccini, y "Últimas y Primeras (impresiones)" de Pablo Ziccarello, con la curaduría de Fernando Aita y Alix de la Barriere, en planta alta y planta baja, respectivamente.

Juan Rey. “Circuitos y correspondencias”

 

En "Integrados", primera muestra individual de Juan Rey en Buenos Aires, se presentan sus trabajos más recientes: las series completas “Circuitos y correspondencias” y “Mindboard”.
En la producción de sus obras, Juan Rey combina procesos industriales, utilizando la máquina como extensión de su cuerpo. En sus trabajos aplica técnicas de la electrónica para elaborar obras sensibles a su ambiente y pinta con témpera utilizando un Router CNC, volviendo mecánico su trazo.

Juan Rey. “Mindboard” 

 

El trabajo sobre la forma se despliega, paradójicamente, en el nivel más abstracto y matemático. Bajo lo que en las obras parece explícito, subyace una situación original de diferente naturaleza y es en esa reconversión donde emerge el “gesto personal”. Imágenes clínicas, paisajes agrestes y formas expansivas son la génesis de un proceso de registro y optimización, descomposición y recomposición que, con diversos grados de complejidad, luego se materializa a través de una matriz digital.
A partir de su percepción del mundo y a través de estos mecanismos, las obras de Rey se presentan, finalmente, como objetos técnico-sensibles que ponen en evidencia su interés por los procesos de transformación.

Pablo Ziccarello. "Horarium" 

 

Por su parte, "Últimas y Primeras (impresiones)" del artista Pablo Ziccarello es una muestra que a modo de resumen retrospectivo o cronología extrema yuxtapone dos de las primeras obras y dos de las últimas realizadas entre 1997 y 2017.
Esta retrospectiva resumida no pone en escena otras obras ni paradas intermedias, ofrece solo un punto de partida y un momento del presente último y provisorio como contrapunto para hacer equilibrio con el vacío del medio. Es como encontrarse con un libro de viajero sin más hojas que la primera y la última, queriendo imaginar el contenido no disponible de un recorrido de 20 años.

Pablo Ziccarello. "Polvo 3"

 

La propuesta de dialogo sobre los modos de representación en fotografía, y en pintura, con nuevos y viejos medios es una forma de tomar nota de ciertos intereses constantes a través del tiempo. De los modos compositivos afines (el punto y la búsqueda de centro, unicidad y seriación de la imagen, el balanceo entre la ilusión de representación y le evidencia de sus mecanismos de producción...). De las preguntas similares sobre la luz como generador de la imagen, niveles de proximidad y mediación tecnológica, la tensión entre las formas de pensamiento y expresión manual/digital como condición de experiencia y contexto. Del concepto de variación constante y otras aporías que se ponen en juego, casi siempre.
Las obras que se presentan, son el resultado de traducciones y re-interpretaciones, de la idea de pintura, la idea de fotografía, la idea de libro y de video.

Ambas muestras podrán visitarse hasta el 29 de abril, de miércoles a sábados de 16 a 20 hs. o con cita previa en Malabia 1841, Loft 2,  Buenos Aires. 

Más información en: www.espaciopla.com.