7ª edición de FASE en el Centro Cultural Recoleta

Del 28 de octubre al 1º de noviembre, se realiza en el Centro Cultural Recoleta FASE, el Encuentro de Arte, Ciencia y Tecnología más importante del país, que reúne a más de 200 artistas en representación de importantes instituciones educativas y culturales argentinas y del exterior.

En esta 7ª edición en pleno crecimiento, FASE ocupará todas las instalaciones del CCR y se convertirá  en uno de los principales eventos de la Noche de los Museos el sábado 31 de Octubre, cuando el público podrá ser parte de esa experiencia hasta las 3 de la madrugada del domingo.

Los artistas y el equipo de FASE

En cada edición, FASE propone un eje curatorial que actúa como plataforma de exhibición. La temática de este año será: "Procesos-Proyectos-Experiencias" y la exposición estará compuesta por instalaciones y videoinstalaciones, robótica, artes performaticas, objetos interactivos y experimentos lumínico-sonoros que invadirán patios, pasillos y salas.
Habrá, asimismo, tecnologías pre-cinematográficas, linternas mágicas y fantasmagorías que propiciarán nuevos encuentros digitales en los cuales el público accederá a obras de artistas nacionales e internacionales, consagrados y emergentes. 

De gran interés para el público será ver y vivir "Umbrales": la primera exhibición que presenta al arte sonoro como práctica interdisciplinaria, que tuvo una historia relevante en Argentina.

Fernando Von Raichenbac en estudio

Las obras que incluye presentan un panorama de la producción de principios del siglo XXI en los bordes de la música y las artes visuales. Los artistas participantes son: Mónica Millán, Jorge Macchi, Nicolás Bacal, Nicolás Varchausky, Leonello Zambon, Hernán Kerlleñevich, Mene Savasta, recordando a Buenos Aires Sonora y los Reynolds.
"Umbrales" incluye un homanaje a Fernando Von Raichenbach, pionero de la música electroacústica en Argentina, fue director técnico en el laboratorio de música electroacústica del Instituto Di Tella y concluyó su carrera siendo director hasta su muerte hace 10 años, del Laboratorio de Investigación y Producción Musical del Centro Cultural Recoleta. 

Plankton. El proceso de la luz y el sonido. Antes del comienzo (2015). Video-instalación, instalación sonora

Los nuevos medios han dado lugar a nuevas generaciones de artistas y curadores, que se destacan por sus trabajos, creatividad, formación y participación nacional e internacional en la escena de las artes visuales contemporáneas. Entre ellos, estarán Mariela Yeregui, Martín Bonadeo, Joaquín Fargas , Gabriela Munguía, Sonia Neuburger, Nelda Ramos, Marina Wainer de Francia, Guadalupe Ayala (Uruguay), entre otros.
El equipo curatorial de Fase a su vez, está integrado por Jazmin Adler, Juan Pablo Ferlat, Silvana Spadacini y Marcelo Marzoni. Fase es un proyecto creado y dirigido por Marcela Andino, Pelusa Borthwick y Patricia Moreira.
En Fase se podrá participar de las actividades del Educativo Fase que presentará ciclos de charlas y talleres y un ciclo de performances tecnológicas y musicales.

Pintando sonidos en la presentación de FASE en el CCEBA

Nuevas instituciones y colectivos de artistas independientes se suman en esta edición. Algunas de ellas son EAC de Montevideo, Embajada de Francia, Espacio LAB de Rosario, Universidad del Litoral, Universidad de Tucumán, Universidad de Neuquen, MAC de Bahia Blanca, UN de La Plata, AECID – CCEBA y Universidad Maimónides, FADU-UBA, UNTREF, Universidad de Quilmes, FUC, UNA y UCA. Habrá también espacios independientes: Oficina Proyectista, Continente, Forward , LPEP y galerías artísticas de todo el país.
FASE Cuenta con el apoyo de la Ley de Mecenazgo y el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.

Sound Body / Wind. Emmanuel Pidré de Forward: Arte + Nuevos Medios

Más información en:  http://encuentrofase.com.ar/ 

Twitter: /EncuentroFASE
Facebook: /encuentrofase

Casa FOA festeja sus 30 años junto al diseño argentino en una casa de principios de siglo

El Patio nos recibe apenas entramos en el edificio que alberga Casa FOA. Diseñado por la arq. Adriana Randazzo, Natalia Benedetti, arq. Inés Margot & arq. Paula Luchelli

Casa FOA, la exposición nacional de arquitectura, industria, diseño interior y paisajismo, abre las puertas de esta casa ubicada en Basavilbaso 1233, del 23 de octubre al 30 de noviembre, todos los días de 13 a 21 hs y jueves y viernes hasta las 24 hs.
Luego de tres décadas ininterrumpidas, dejando huellas en rincones emblemáticos de la ciudad, los 30 años de trayectoria permiten mirar hacia atrás y ver el camino recorrido, las sedes que se iluminaron para nunca más apagar su luz, los talentos que nacieron, crecieron y se consagraron a lo largo de estos años. 

Espacio 06: Foyer para MASISA
Julio Oropel & José Luis Zacarías Otiñano

La Borne setee es la base de esta instalación que crece en el espacio de manera orgánica y envolvente, va tomando altura, dándole al espacio un punto de gran peso visual y dramático, simbolizando los estados entrelazados del tiempo y los recursos naturales de la foresta de la Mesopotamia.

 
Se eligió esta casa con marcada reminiscencia francesa, por ser la síntesis del interiorismo de Casa FOA en estos 30 años y por estar a la altura de un gran festejo, de este homenaje al diseño argentino, los valores, la solidaridad y una exitosa trayectoria, sin intervalos.
Respetar su historia, lo que ella transmite y festejar es el leit motiv de esta edición aniversario, el eje central que guía a expositores y empresas a volver hacia atrás y sentir la forma de vida de aquellos tiempos, pero con una mirada completamente actual.

Espacio 17: Home Office
Juan Caram, Mónica Kucher & Diego Segoura

Las dimensiones del espacio son muy reducidas por lo que se aprovechó la mayor fortaleza del mismo: la altura y verticalidad. Cubriendo el techo en su totalidad con un espejo que duplica la percepción espacial. 

 
Son 2.200 m2 en dos plantas y exquisitos espacios exteriores que albergan más de 40 espacios con espíritu contemporáneo, innovación, buen uso de los metros asignados y aplicación responsable de los materiales, para generar situaciones de diseño ideales para la vida cotidiana.
Como festejo de esta especial edición, todos los días, un expositor distinto será el anfitrión de su espacio, al que vestirá de fiesta, creando nuevos focos de atención y sumando colores, objetos, géneros y materiales que multipliquen la magia festiva. 

“Círculos Opuestos” de Jorge Gamarra

El arte está presente con Jorge Gamarra, quien junto a Calello Hnos., presenta  un homenaje a Casa FOA en sus 30 años: La escultura “Círculos Opuestos”, una obra que desde el arte acompaña y enaltece el diseño de interiores. Gamarra, un reconocido y virtuoso creador, potencia sus expresividad con el uso de tecnologías de vanguardia. Así, la piedra adquiere una nueva versatilidad casi sin límites. 
En esta edición Casa FOA se vuelve a encender por las noches para un recorrido nocturno los jueves y viernes, hasta las 24 hs, donde se encontrará: música en vivo, gastronomía y un tiempo de encuentro con los protagonistas de esta muestra.
En la habitual entrega de premios, el estudio Modo Casa, de Gustavo Yankelevich y Máximo Ferraro, recibió la Medalla de Oro a la Arquitectura y Diseño de Interior "Mercedes Malbran de Campos" por el espacio 35: “El Bar”. 

Máximo Ferraro y Gustavo Yankelevich, del estudio Modo Casa, y el artista Matías Kritz, creadores del espacio 35 "El Bar"

El espacio invita a la celebración. Un revestimiento inédito se expresa en forma de mural creado por el multifacético artista Matías Kritz. La obra se materializa a partir de una novedosa técnica de impresión digital de la firma San Pietro Porcelanato.
Desde el cielorraso desciende una cúpula envolvente, que se redefine a partir de la incorporación de la tecnología, generando un remate que provoca climas sensoriales. Resultado del trabajo en conjunto entre el artista y la firma NewCom.
En el centro de la escena, el espacio de encuentro y diversión. Una contundente barra en forma de isla se erige como una escultura revestida en mármol Calacata de Calello Hnos. que invita a intercambiar, a compartir con otros la experiencia del espacio.
Cristian Mohaded expone su diseño a través de las sillas y banquetas que contienen a los invitados. Diseños de líneas simples que se conjugan en armonía con el espíritu de Estudio Modo Casa, de Gustavo Yankelevich y Máximo Ferraro.

Espacio 27: Dormitorio de Hombre para Rosen
María Anzoategui & Cecilia Bravo

Casa FOA nació con la intención de colaborar con la Fundación Oftalmológica Argentina Jorge Malbran (FOA) y continúa con esa misión, a través de los años.  
Con su campaña “Para verte mejor Argentina”, visita rincones olvidados de nuestro país con la intención de brindar atención oftalmológica a comunidades de bajos recursos y sin acceso a la salud básica.
Este año, en el mes de diciembre, su equipo de especialistas con gran vocación recorrerá caminos de la provincia de Corrientes, para llegar a San Miguel del Iberá y dar asistencia a quienes más lo necesitan.
Además, como siempre, FOA continúa con sus acciones en González Catán y abre sus puertas los jueves para asistir gratuitamente a pacientes carenciados.

El Museo de Arte Tigre recibe la donación de dos obras para su colección

El Museo de Arte Tigre continúa acrecentando su patrimonio a través de donaciones de familiares y herederos que, interesados en ceder sus obras a entidades de prestigio, ven en el MAT un lugar de referencia dentro del arte argentino.
En este caso se trata de las obras "Retrato de Manuel Espinosa" realizada por Jorge Larco y "Retrato de joven", C. 1940,  de Manuel Espinosa. Este último pertenece a su etapa figurativa antes de formar parte del grupo de Arte Concreto, con el que selló su adhesión a la geometría. Por ello resulta clave para un estudio abarcativo de su carrera. 

"Retrato de Manuel Espinosa" de Jorge Larco

Jorge Larco (Buenos Aires, 1897 - 1967) fue un pintor y escenógrafo argentino. Considerado un  gran acuarelista, cultivó el paisaje e incursionó en la decoración de interiores. Se formó en Madrid con maestros como Alejandro Ferrant y Julio Romero de Torres. Regresó a la Argentina en 1916. Larco pintó el Delta y su obra Canoa del Tigre forma parte de la colección del MAT desde su apertura en 2006.
Manuel Espinosa (Buenos Aires, 1912 - 2006). Asistió a las Escuelas Nacionales de Bellas Artes. Luego de un breve período, fue co-fundador de la Asociación Arte Concreto-Invención. Su obra se mantuvo dentro de una abstracción geométrica caracterizada por la búsqueda del movimiento virtual.

Renata Schussheim presenta “Cantata” en Mundo nuevo Gallery Art

“Cantata” así quiso Renata Schussheim titular ésta, su segunda exposición en Mundo nuevo Gallery Art, conformada por alrededor de treinta dibujos y una serie de objetos. Así como el título abarca una amplitud musical variada, también los cuadros aluden a estas formaciones de dúos, tríos, coros y otras formas.
Con una mirada llena de humor y genialidad transita el mundo de los pájaros y el de los humanos, sin saber donde comienza uno y donde termina el otro.

Trabajadora constante en las artes escénicas, Renata retoma con esta exposición su  talento y su vocación esencial por el dibujo.
La muestra está musicalizada por el hijo de la artista, Damián Laplace, quien compuso la música especialmente para la exposición.
La exposición se puede visitar de lunes a viernes de 11 a 20 hs. hasta el 20 de diciembre en Callao 1868, Buenos Aires.

Se presenta en Espacio Colegiales la muestra “Dibujo Argentino”

Entre el 28 de octubre y el 11 de noviembre se presenta en Espacio Colegiales la muestra “Dibujo Argentino”, con la participación de: Luis Debairosmoura, Raúl Ponce, Mauricio Nizzero y Rubén Sassano.
“Dibujo Argentino” es un encuentro de dibujantes de diferentes generaciones y formaciones plásticas, todos comprometidos con una ética común  que reivindica el hacer visual comprometido con la sociedad y la cultura contemporánea. Cada uno de ellos se encuentra con una mirada particular y una preocupación que los emparenta, al pensar y sentir que “la cultura se construye con, para y desde el otro”.
 Cada uno de ellos, desde su oficio, imagen, construye un complejo entramado de relatos, relaciones y vínculos de un imaginario en diálogo con la sociedad, dada uno de esos relatos se convierten en multitud de transcripciones que buscan una identidad cultural a través de dibujo.
La exposición se puede visitar de martes a viernes de 18.30 a 20.30 hs. en General Enrique Martínez 916, Colegiales, Buenos Aires. Otros días con cita al 3964-9511.

Dos exposiciones en la Fundación Kemm: “Mildred Burton - Laura Codega. Retratos” y “La edad del hierro” de Débora Pierpaoli

La Fundación Federico Jorge Kemm, ubicada en M. T. de Alvear 626, inaugura dos exposiciones: “Mildred Burton - Laura Codega. Retratos”, con la curaduría de Ana Gallardo y Guillermina Mongan, y “La edad del hierro” de Débora Pierpaoli, el martes 27 de octubre a las 19 hs.  

“En los trabajos de Laura Códega y Mildred Burton seleccionados para esta muestra, la pregunta por la transformación con y a través del otro (los/as otros/as) o el devenir de las identidades, resulta inevitable. No sólo por la evidencia de pertenecer a lo que se ha denominado género retrato, sino porque son las mismas imágenes (rostros) presentes en ellos las que, con pequeños gestos que operan como interrupciones visuales de lo ‘naturalizado’ (una falange que cuelga como relicario, una espina que nace de una oreja, una joya que tapa una herida de un rostro) o con explícitas ‘monstruosidades’ (no sólo el ‘monstruo’ entendido como la mixtura del animal y el humano, sino como aquello que desborda y pone en cuestión lo normado) desocultan lo abyecto, lo irreverente, lo que se escapa sin cesar de su propia forma para perturbar cualquier comodidad estanca de lo entendido como ‘normal’, ‘natural’ o ‘humano’ que no permita la convivencia de todo aquello que quiera y pueda ser habitado. Aún cuando el intentar nombrarlo sea el acto más escurridizo.” fragmento de texto de Guillermina Mongan.

“En el mundo iconográfico de Débora Pierpaoli son insistentes formas que bajo los contornos de perros, libros y bustos conforman aquello que aguda y bellamente percibió Santiago Garcia Navarro como un vasto imaginario infantil, errático y traumatizado; sin embargo una serie de desplazamientos, y grietas han cristalizado otras vías por las que su trabajo circula y se adhiere en el transcurso de los últimos dos años.
(…)
El corpus de obra que compone La Edad del Hierro fue realizado por Débora de manera inconsciente y sin referentes visuales exteriores demasiado específicos, salvo el caso citado. Imágenes que fueron tomando forma del mismo modo en el que se recuerdan los sueños, a partir de fragmentos, anotaciones, caminos interrumpidos; claramente las hizo mirando un pasado difuso, inventado, de humores beligerantes en los que siempre sobreviene la muerte.
Probablemente la imposibilidad de imaginar el futuro sea el rasgo que nos distinga como vivientes históricos, entonces son todos los Pasados -propios, ajenos, documentados, fabulados- el único capital disponible para ser ocupado por una fuerza melancólica que necesita romper todo, otra vez.” fragmento de texto de Florencia Qualina.

La Fundación Telefónica participa de la 12ª edición de la Noche de los Museos

La Fundación Telefónica, ubicada en Arenales 1540, frente a la Plaza Vicente López, en el barrio porteño de Recoleta, formará parte de la duodécima edición de “La Noche de los Museos”, organizada por el Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, que se realizará el sábado 31 de octubre, desde las 20 hasta las 3 de la madrugada.
Dentro de las diversas propuestas que podrán disfrutar los visitantes, se destacan las tres muestras en exhibición: la intervención a la fachada a cargo de Hernán Marina, con “Hermes, el Mensajero”, considerado en la mitología griega el Dios de la comunicación; “Ecosistema de la Comunicación”, de Marcello Dantas y Alberto Quevedo, en la que se observa la evolución de las comunicaciones; y “Big Bang Data”, de Olga Subirós y José Luis de Vicente, que explora el fenómeno de la explosión de los datos y promueve la visualización e interpretación de los datos de distintas disciplinas. 

También se podrá observar, en el exterior del edificio y durante toda la noche, un show lumínico con robots.

Cables submarinos: La instalación en formato de impresión digital
con el dibujo de un gran mapa en parte del suelo de la planta alta
del Espacio Fundación Telefónica sobre el cual se puede caminar
y visualizar el trazado de los múltiples sistemas de fibra óptica
submarino que nos une a todos en una gran red.

Adicionalmente, se ofrecerán actividades cada 30 minutos para compartir en familia desde las 20:30 y hasta las 3, con la inscripción en el momento. Dentro de ellas, se encuentran las experiencias “Construyendo naves espaciales” y “Desafíos con robots”. La primera invitará a los niños y sus familias a construir naves espaciales con objetos luminosos, mientras que la segunda ofrecerá manejar robots desde dispositivos móviles con el desafío de atravesar obstáculos.
Por otro lado, los jóvenes y adultos podrán presenciar, entre las 21 y las 2, de diez  performances de “Circo Eléctrico”, un evento cultural de experimentación conceptual y sensorial, que contará con numerosos musicales en vivo, DJS sets y VJ sets.
La Fundación Telefónica pondrá a disposición del público cuatro combis gratuitas, que estarán identificados con la imagen de “Big Bang Data”, y tendrán distintos recorridos para facilitar la movilidad durante la noche.
Los transportes, que estarán en circulación desde  las 21 hasta las 3, y tendrán siempre como punto de llegada la Fundación Telefónica, podrán tomarse en Avenida Pedro de Mendoza 1929 (Fundación PROA) del barrio de La Boca; en Avenida Figueroa Alcorta 3415 (MALBA); Avenida San Juan 328 del barrio porteño de San Telmo (MACBA); y en el Planetario de la Ciudad de Buenos Aires.

Podés ver los adelantos de la programación en Facebook: https://www.facebook.com/events/1488655854763552/.

Nueva exposición en galería Del Riachuelo

Del Riachuelo espacio de arte invita a visitar “Octubre Rojo en Primavera”, exposición compartida de pinturas de Ana Acebal y Roxana Suria, y esculturas de Rodolfo Kral, Haydée Serafini y Ricardo Donati, que se inauguran el sábado 24 de octubre de 2015, de 16 a 18 horas.
Cierra el 23 de noviembre de 2015.
Atención e informes:  lunes a sábados de 14 a 18 horas. en Avenida Pedro de Mendoza 1887. primer piso, La Boca, Buenos Aires, Argentina. Por teléfono a:  4302 7053 o por mail a: marthaorengo@yahoo.com.ar.

El Museo Eduardo Sívori inaugura cuatro muestras este fin de semana

El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori anuncia la inauguración de cuatro muestras, el sábado 24 de octubre a las 12 hs. en Av. Infanta Isabel 555, frente al puente del Rosedal de Palermo. 

El bosque encendido, de la artista argentina Olga Autunno.
Esta artista multidisciplinaria e inquieta, actualmente agudiza la mirada como referente de su época, tomando como eje la fotografía y el video. Mediante esas disciplinas reflexiona sobre varios temas: la naturaleza alterada por efectos de la contaminación, la problemática del ser humano, protagonista de la escena cotidiana, que se debate cada día por emerger, por recomenzar, como índice de lo imposible en el entorno social que le toca vivir. El bosque encendido es un claro ejemplo de esta faceta de la artista. Autunno Interviene el espacio y se corre de la escena: en sus fotografías vemos su huella. Su labor es profundamente poética y está sustentada por  un ojo entrenado en treinta años como grabadora y pintora. Las disciplinas están todas ahí, y la nutren en la tarea de poner en imágenes las causas que la conmueven. Hay algo curador en su práctica: el renacer que ella dibuja ofrece una esperanza.

En contraste, del artista argentino Alejandro Avakian.
Con curaduría de Adriana Laurenzi, la muestra En contraste presenta pinturas y litografías, obras recientes en las que Alejandro Avakian alterna trabajos en los que dominan abigarradas tensiones con otros en los que el espacio se expande hasta consagrar el vacío. Atormentados negros contrastan con la presencia dominante del blanco. Embarcado en la búsqueda de imágenes capaces de condensar la intensidad de la experiencia vital, Avakian se ha despojado de preocupaciones formales. 

Premio Estímulo de Fotografía “Francisco Ayerza”.
Este premio fue instituido en 2002 por la Academia Nacional de Bellas Artes y el Automóvil Club Argentino, utilizando con tema básico el automóvil. El concurso se realizó anualmente en esas condiciones durante unos años. Al finalizar su vínculo con el ACA, la ANBA resolvió continuar convocando al certamen pero con tema abierto. Los premios incluyen la adquisición de las obras. La obra que obtiene el Primer Premio es donada por la Academia a un museo nacional o provincial que posea fototeca o bien a una institución dedicada a difundir la fotografía a nivel nacional

Arte y escuela - La visita al Museo, una mirada diferente.
Esta exposición que reúne trabajos realizados por alumnos de las escuelas primarias públicas porteñas y constituye el cierre de un proceso de labor compartido entre los chicos y un artista visual. Esta propuesta tiene la particularidad de convocar a los artistas para que trabajen junto con los chicos en la escuela o en sus propios talleres, propiciando encuentros que generan innovaciones en la lógica de los saberes escolarizados.
Como es habitual, en el marco de la muestra tendrá lugar la Jornada “Arte y Escuela”, destinada a educadores de museos, docentes de escuelas, estudiantes de arte o de carreras afines y a todo el público interesado

Todas las exposiciones permanecerán hasta el 22 de noviembre y podrán visitarse de martes a viernes de 12 a 19 y sábados, domingos y feriados de 10 a 19 hs. Entrada: $10. Miércoles y sábados: gratis.

El Museo Nacional de Bellas Artes presenta “Perez Celis. Testimonio americano”

El Museo Nacional de Bellas Artes presenta “Perez Celis. Testimonio americano”, una exposición que rastrea la impronta americana que este artista imprimió en su poética; por esta razón, aunque presenta más de setenta obras de diferentes períodos, no se trata de una exhibición retrospectiva.

"El pez mágico", 1960, óleo sobre tela

Pérez Celis fue un viajero incansable y se estableció en diferentes países: en 1959 vivió en Montevideo, en 1963 se instaló casi dos años en Lima -desde allí llegó al Cuzco y Machu Picchu- y después fue un asiduo visitante de los campos de Quemú Quemú, en la provincia argentina de La Pampa. Sin perder su asiento en Buenos Aires, más tarde, vivió en Caracas, París, Nueva York y, finalmente, en Miami. Con un particular acento americano, su sensibilidad interpretó cada uno de estos escenarios, y de todos supo llevarse algún signo emblemático.

"Consagración a la luz y a la vida", 1969, acrílico sobre tela

El guión curatorial está organizado en seis núcleos que muestran las transformaciones desde su temprano período vasarelyano al acercamiento a las raíces americanas, sea a través de su simbología, la particular expresión del horizonte pampeano y las tradiciones que lo habitaron, el contacto con la luz caribeña y su mestizaje cultural, la recuperación de la función expresiva del oro y la plata entre los incas, mayas y aztecas o el gesto libre, con el que interpretó su tiempo y puso en obra la espiritualidad de los pueblos americanos.

"Sur-Norte", 2005, técnica mixta

En consecuencia, Pérez Celis, testimonio americano es una muestra que pone en foco la fuerza que adquirió ese particular vínculo identitario expresado a través del gesto, la materia y el color. El guión curatorial prioriza su trabajo sobre el vocabulario plástico, así como sobre su vocación por instalar la producción artística en la vida cotidiana mediante la importancia que le otorgó al arte público y a la obra múltiple (tapices, grabados, ilustraciones de libros, diseños, etc.).

Visita guiada con Cristina Rossi

"(Pérez Celis) elaboró un lenguaje plástico que interpretaba en clave americana una suma de lecturas, afinidades y experiencias intercambiadas en esos tránsitos. No habían transcurrido en vano las horas compartidas con Rafael Squirru y Fernando Demaría, quienes encendieron la llama del hombre nuevo. (…) Celis se interesó por fortalecer la inserción de los valores sensibles en la vida diaria y practicó a lo largo de su trayectoria el arte mural, la obra multiejemplar, la ilustración y todas las posibilidades que, por esos años, abría el diseño gráfico y de productos. Sensible al impacto de su entorno, también manifestó con libertad los valores plásticos de la recta, la curva, las texturas y el color en una gran cantidad de obras abstractas. 

"De las antiguas leyes - Los testigos, 1978, acrílico sobre tela (políptico, cuatro partes)

(…) Las composiciones organizadas a partir del horizonte pampeano de finales de los 60, fueron sucedidas por espacios gobernados por la dirección ascendente de las formas pintadas mientras vivía en Caracas, rodeado por sus rascacielos, torres de petróleo y montañas. Más tarde, el contacto con la pintura bizantina de los museos  en Paris imprimió tonos dorados y plateados en sus telas y, con un gesto libre, en los Estados Unidos hizo explotar el color. No obstante, la simbología, el tratamiento plástico y las alusiones a través de los títulos, mantuvieron la impronta de las ideas que tempranamente había sostenido en el contexto del Movimiento del Hombre Nuevo.”  Cristina Rossi, curadora de la exposición.

La exposición cuenta con el apoyo de la Asociación Amigos del MNBA y será acompañada con la edición de un catálogo que incluye ensayos de Cristina Rossi, José Emilio Burucúa y Sandra Szir, una cronología documentada e ilustrada por Milena Yolis y la reproducción de toda la obra exhibida.
Esta muestra, que ha sido declarada de interés por la Honorable Cámara de Diputados de la Nación, se puede visitar hasta el 22 de noviembre, de martes a vierens de 12.30 a 20.30 hs. y los sábados y domingos de 9.30 a 20.30 hs. en Avenida del Libertador 1473, Buenos Aires. El MNBA ofrecerá visitas guiadas especialmente diseñadas para adultos y para niños. 

Más fotos de la exposición en: https://www.facebook.com/mirta.herrero.52

Henrique Faria Buenos Aires presenta la exposición “América”

Del 21 de octubre de 2015 al 10 de Febrero de 2016, la galería de arte Henrique Faria Buenos Aires presenta la exposición “América”, con obras de los artistas: Emilia Azcárate, Jacques Bedel, Fernando ‘Coco’ Bedoya, Paulo Bruscky, Jorge Caraballo, Elda Cerrato, Emilio Chapela, Guillermo Deisler, Noemí Escandell, Nicolás García Uriburu, Anna Bella Geiger, Leandro Katz, Leonel Luna, Jonier Marín, Juan José Olavarría, Alejandro Puente, Osvaldo Romberg, Horacio Zabala y Carlos Zerpa.

“A través de las obras que participan de esta exposición es posible distinguir, no sólo cómo los diversos problemas de las agendas americanas fueron recurrentes en las investigaciones de los artistas contemporáneos, sino la manera en que sus estrategias, sus fundamentos políticos y sus objetivos de intervención se modificaron a lo largo del tiempo.
Sin embargo, es necesario regresar hacia las obras, establecer nuevos diálogos entre artistas y clarificar sus contextos de circulación para dar lugar a la tarea que parece más urgente: desarmar lecturas naturalizadas que en el estado actual del arte definen los perfiles de lo latinoamericano.” (fragmento) Agustín Díez Fischer.

Se puede visitar de lunes a viernes de 11.30 a 20 hs. en Libertad 1628, Buenos Aires, Argentina.

El Museo de Arte Popular José Hernández presenta la muestra "Sutileza. Otros caminos para la joyería"

La Subsecretaría de Patrimonio y el Museo de Arte Popular José Hernández anuncian la inauguración de la muestra  “Sutileza / Otros caminos para la joyería” que se realizará el jueves 22 de octubre a las 18.30 horas en la sede del museo,  Avenida del Libertador 2373. 

Luis Acosta

Según Luis Acosta, curador y artista expositor: “La joyería contemporánea incurre en todos los campos posibles trabajando con los materiales con el objetivo de obtener de ellos un resultado artístico. El material importa sólo en ese sentido. Podemos comprobar que las exposiciones de joyas con materiales no convencionales van ganando terreno cada año. Vemos así piezas realizadas, por ejemplo, con neumáticos, plástico quemado, metal combinado con chocolate... en fin, todo puede ser admitido. Para el colectivo artístico Beyond Textile la propuesta es abordar la joyería contemporánea desde técnicas textiles.  Nuestra cotidianeidad está atravesada por lo textil, aún cuando para muchos esto pasa desapercibido. En lo que se refiere a los textiles, siempre que me transmita algo, puede atraerme tanto un tapiz como un bordado, un complemento o una pieza de joyería. Lo que una obra debe transmitir es un 'aquí estoy', un 'este es mi lenguaje'. En ese sentido los diseños deben tener algo de intrépidos y no temer al qué dirán”.

Lilia Breyter

Agrega el curador: “En 2013 cumplí 25 años de graduado (Academia de Bellas Artes Gerrit Rietveld de Amsterdam) y de trabajo como diseñador. Con el objetivo de festejar este aniversario abrí una convocatoria a joyeros argentinos que conocía. La aceptación fue enorme. La selección no fue fácil, el nivel era excelente. Finalizamos con 20 diseñadoras seleccionadas, 16 de los cuales exponen en esta oportunidad.
Así nació Beyond Textile, que abarca una serie de obras que, si bien tienen como referente el género de la Joyería Contemporánea  utilizan técnicas provenientes del diseño textil.Era la primera vez que una muestra de joyeros argentinos  con estas características se realizaba en Europa.  Luego vino la itinerancia, presentándose en distintas ciudades europeas: Winterswijk y Utrecht en Holanda, en Alemania Dusseldorf y en España Madrid y Sant Cugat del Vallés –Barcelona-.
Después de un año y medio transcurrido, decidimos despedir este proyecto con miras a uno nuevo. 

Para nosotros estar en el Museo de Arte Popular José Hernández es un honor ya que, por primera vez en Argentina, se cierra la itinerancia de una exposición temática de joyas contemporáneas de tal envergadura".

María Rosa Mongelli

Luis Acosta es un diseñador textil y de joyas internacionalmente reconocido. Es argentino y reside en Holanda. Bajo su iniciativa se formó el colectivo Beyond Textile que hoy presenta la exposición "Sutileza. Otros caminos de la Joyería".
Lo acompañan: Ana Arlía, Gabriela Bonelli, Lilia Breyter, Fabiana Gadano, Ansiosa Hormona, (Jessica Morillo), María Alejandra Koreck, Graciela Lescano, María Rosa Mongelli, Bárbara Paz, Mabel Pena, Paola Victoria Saavedra, Mai Solorzano, Sabina Tiemroth, Patricia Trigub, Fabiana Vodanovich Casañas y Luis Acosta.
La muestra podrá visitarse hasta el martes 8 de diciembre de 2015, de martes a viernes de 13 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 horas. Entrada $10. Miércoles gratis.

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires está presentando “La Menesunda según Marta Minujín”

 Victoria Noorthoorn, Marta Minujín, Horacio Rodriguez Larreta y Hernán Lombardi

Cincuenta años después de la histórica ambientación que Marta Minujín realizó junto a Rubén Santantonín en mayo de 1965 en el Centro de Artes Visuales del Instituto Torcuato Di Tella, se presenta en el primer piso del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, una reconstrucción fiel que se desplega dentro de un espacio de 400 metros cuadrados. 
La Menesunda -"mezcla", "confusión", en lunfardo- consistía en una estructura laberíntica que incluía un recorrido por once situaciones y se organizaba a partir de una secuencia de espacios cúbicos, poliédricos, triangulares y circulares, recubiertos por diferentes materiales, que generaban estímulos multisensoriales en el visitante. 

Marta Minujín entrando a "La Menesunda"

“La Menesunda según Marta Minujín” recupera en la actualidad el conjunto de relaciones materiales, sensoriales y simbólicas que hicieron posible su existencia en 1965. Fue una experiencia de ruptura respecto a los lenguajes visuales de la década. Durante medio siglo se fue cargando de múltiples significaciones y relecturas, hasta transformarse en una obra central del imaginario cultural argentino.
Como declaró Minujín: “La Menesunda fue un hecho histórico. Miles de personas fueron en aquel momento, revolucionó todo Buenos Aires. Era un recorrido a través de situaciones que buscaban sorprender y sensibilizar al espectador para ser participante”.

El proyecto de reconstrucción de La Menesunda -realizado a partir de documentación, fotografías, videos, notas de prensa, material audiovisual y testimonios de los artistas que colaboraron con Minujín y Santantonín en la pieza original de 1965- implicó un trabajo conjunto de los departamentos de curaduría, diseño y producción de exposiciones, y conservación del museo, junto a Marta Minujín, quien acompañó cada etapa de su desarrollo. El hecho de contar con la presencia de la artista hizo posible este gran proyecto. También se trabajó junto a un equipo de especialistas contratados para la ocasión, incluido el arquitecto Fernando Manzone.

Quienes visiten esta exposición también podrán recorrer las otras salas del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, donde se exhiben actualmente: La paradoja en el centro. Colección del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires: Ritmos de la materia en el arte argentino de los años 60; Marina De Caro. Contra la gravedad; y Sala Dr. Ignacio Pirovano: Episodios del Arte Moderno.
La exposición "La Menesunda según Marta Minujín" se puede visitar de martes a viernes de 12 a 18 hs.  y los sábados, domingos y feriados de 12 a 18 hs. en Avenida San Juan 350, San Telmo, Buenos Aires, Argentina.
Entrada general: $20. Martes gratis.   

Notas a tener en cuenta: la sala tendrá una capacidad limitada, por lo tanto el ingreso será por orden de llegada. Debido a la existencia de espacios restringidos y a la compleja circulación, la obra no es apta para menores de 16 años, personas que sufren claustrofobia, con insuficiencia cardíaca y/o con movilidad reducida. Tampoco podrán ingresar a la sala personas con tacos o zapatos en punta.

Miguel Angel Ferreira presenta "Cosas de barrio" en el Museo Casa Carnacini

"Tarde con olas", técnica mixta - látex, acuarela y lápiz color. (sobre MDF), 2015

Desde el 17 de octubre al 19 de noviembre Miguel Angel Ferreira expone sus obras en el Museo Casa Carnacini - Espacio Cultural Peláez, ubicado en Calle 110 (Pueyrredón) Nº 2720, Villa Ballester. 

“Miguel Ferreira descubre la ‘excusa’ para crear en la sencillez de lo cotidiano. Su obra nos dice que sólo hay que saber buscar, observar porque la creatividad suele estar escondida en algún rincón del recuerdo. Una pelota, un viejo metegol son los boletos necesarios para viajar a nuestro pasado, donde alguna vez nos emocionamos con el sólo hecho de jugar por jugar.Miguel nos trae esa historia latente, ese "ayer" aún vivo y lo enciende con su lápiz para descubrir dentro nuestro esas mismas sensaciones, ese mismo gusto por el juego. 

"Por las rayas blancas", grafito y lápiz color (sobre MDF con látex), 2012

Tal vez reviviendo ese placer del niño frente a la pelota descubramos que aún tenemos esa capacidad de jugar; que nosotros, como esos muñecos del metegol, nos amontonamos para formar equipos, nos enfrentamos, nos unimos, nos tironeamos, nos amamos en este partido más complejo que es la vida, pero sin embargo tarde o temprano comprendemos que la meta no consiste en anotar un tanto sino que se trata de seguir jugando. Bienvenidos a esta experiencia.” Seguir jugando, por la lic. Carolina Ferrari.
La muestra se puede visitar de martes a viernes de 10 a 20 hs. y los sábados de 16 a 20 hs. con entrada libre y gratuita.

Presentación de la revista "Temas de la Academia", volumen XIII

La Academia Nacional de Bellas Artes  invita a la presentación de la revista "Temas de la Academia", volumen XIII: "Memorias, apropiaciones y referencias" con textos de: Alberto G. Bellucci, Ricardo Blanco, José Emilio Burucúa, Consuelo Císcar Casaban, Gracia Cutuli, Carmelo Di Bartolo, Diana Fernández Calvo, Laura Malosetti Costa, Nelly Perazzo y Alejandro Schianchi, Graciela Taquini y Jorge Taverna Irigoyen.
El evento se realizará el jueves 22 de octubre a las 18 hs. en Sánchez de Bustamante 2663, 2° piso, Buenos Aires.

Pabellón 4 presenta la muestra "6 palabras" de la artista peruana Natalia Revilla

“Al amparo de las palabras, los universos de vida de toda comunidad se han ordenado en el mundo; maravillándose de él, resistiendo en sus recuerdos y propagándose en sus historias. 
Desde la experiencia peculiar más fugitiva, o del cotidiano murmurar del río, una constelación de asombros cautivos se condensan en nuestras palabras significándonos. Cada lengua  recoge la historia de sus gentes en un canto tejido de experiencias heredadas por sucesivas generaciones en sus tradiciones orales y escritas. La palabra, como primer eslabón de esta cadena, es  la primera institución humana, de la que toda producción se sirve y participa para completar sus creaciones. Cada lengua evidencia la presencia de un espíritu comunitario y es reflejo de una forma particular de vivir en el mundo.
Vemos que toda universalidad encuentra su límite en la particularidad del testimonio y  el despliegue del ímpetu comunicativo más urgente se desbarata en ambigüedades del lenguaje como las que surgen del encuentro entre distintas lenguas. Donde creemos encontrar la posibilidad de esquivar los equívocos, surgen palabras únicas que expresan lo que para nosotros sería casi un proverbio, disolviendo cualquier posibilidad de referencia en el mundo de nuestra experiencia hablada. Aun así, la incapacidad para encontrar un valor certero no desestima la sabiduría que hayamos en ellas, la que Benjamin llamó “el lado épico de la verdad”, y que encontramos en la elocuencia de su expresividad narrativa.
Esa es la cuestión a la que estas imágenes nos enfrentan. Surgidas del encuentro de un diccionario Mtsiguenga – Castellano y de entrevistas realizadas a hablantes de ambas lenguas, estas 6 palabras se presentan sin admitir paridad en la nuestra, y desde esa imposibilidad nos hablan de una cualidad compleja de la comunicación que también encontramos en la imagen. Aquí, la palabra se debate entre la trampa de resolver una equivalencia y la amplitud narrativa del mundo simbólico que las originó en sus figuraciones sobre la muerte, la naturaleza y sus gentes.” (texto del catálogo).

Esta muestra, con curaduría de Néstor Zonana, se puede visitar del 19 de octubre al 28 de octubre y del 12 de noviembre al 27 de noviembre de lunes a viernes 14 a 20 hs. en Ramírez de Velazco 556, Villa Crespo, Buenos Aires, Argentina.

En el Centro Cultural Kirchner se inauguraron dos muestras: “Escultura, Música y Danza”, con obras pertenecientes al Museo Nacional de Bellas Artes, y “Gil de Castro: Pintor de Libertadores”, con piezas del Museo Histórico Nacional

El Centro Cultural Kirchner (CCK) inauguró el jueves pasado las muestras “Escultura, Música y Danza”, con obras pertenecientes al Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), y “Gil de Castro: Pintor de Libertadores”, con piezas del Museo Histórico Nacional (MHN), en una ceremonia que encabezó la ministra de Cultura de la Nación, Teresa Parodi.

El hombre del contrabajo de Pablo Curatella Manes, yeso

La muestra “Escultura, Música y Danza”, curada por Roberto Amigo y Laura Malosetti Costa, presenta obras de los escultores argentinos Pablo Curatella Manes (1891-1962) y Hermi Baglietto de Alió (1908-1954) y es la primera serie de piezas del patrimonio del MNBA que se exhibirá en forma temporaria en el CCK.

Simón Bolivar

En tanto, la exhibición “Gil de Castro: Pintor de Libertadores” ofrece 28 retratos de grandes héroes de la independencia latinoamericana como José de San Martín o Simón Bolivar, realizados a comienzos del siglo XIX. Las obras de este artista peruano -también conocido como el “Mulato” Gil-, algunas de ellas restauradas recientemente, pertenecen al Museo Histórico Nacional, que complementa la muestra con indumentaria y accesorios de la época.

“Escultura, Música y Danza”, con obras pertenecientes al MNBA

La muestra “Pintor de Libertadores” se puede visitar hasta el 3 de enero en la sala 512 (Área Noble, piso 5), en tanto, la exposición “Escultura, Música y Danza” se exhibe en las salas 508 y 509, hasta el 23 de noviembre. El Centro Cultural Kirchner se puede visitar de jueves a domingo de 14 a 20 hs. con entrada libre y gratuita, en Sarmiento 151, ciudad de Buenos Aires.

Convocatoria abierta Internacional para participar de los XIX Encuentros Abiertos - Festival de la Luz 2016

XIX Encuentros Abiertos - Festival de la Luz 2016 anuncia la convocatoria abierta Internacional “Rastros de Irrealidad”.

"La fotografía es una enorme posibilidad de acercarnos a los más diversos matices de los rastros de Irrealidad, tema al que convocamos a los autores de todo el mundo.

Los trabajos pueden aportar muchas Irrealidades diferentes, porque la irrealidad no es más que una realidad distinta, otro punto de vista, otro sueño."

Puedes enviar tu propuesta hasta el 30 de noviembre de 2015. Un comité se selección elegirá los trabajos que se expondrán durante el mes de agosto de 2016 en diferentes ciudades de Argentina.

Para mayor información: http://www.encuentrosabiertos.com.ar/

Expo Arte y Ser. Un encuentro para celebrar la unidad a través de la cultura y el arte

El Museo de la Ciudad invita a formar parte de la “Expo Arte y Ser - Buenos Aires Cree 2015”, una invitación a mirar la ciudad desde sus religiones, creencias y cultos a través del arte. La muestra tendrá lugar en la sede del museo, ubicado en Defensa 223, los días jueves 22, viernes 23 y sábado 24 de octubre en el horario de 11 a 18 horas.
En el recorrido por los espacios destinados a cada credo recrea los valores universales, la reflexión y la comunión espiritual. Una gestora cultural acompañará y explicará la exposición presentada por cada institución (reliquias, símbolos sagrados, arte litúrgico, pinturas, típicos e históricos instrumentos musicales, vestuario, esculturas, bibliografía, iconos).
Además, se podrá disfrutar de una breve obra alusiva con títeres y se hará entrega de un material didáctico para la biblioteca y folletería.
Para participar en grupos: 15-3118-7304.

La Galería de Arte María Elena Kravetz presenta arte digital de Oscar Gubiani en el Gran Hotel Victoria

La Galería de Arte María Elena Kravetz invita a inauguración de la muestra “Paisajes inasibles”, arte digital de Oscar Gubiani, el 20 de octubre de 2015, de 19.30 a 21.30 hs. en la sala Merit del Gran Hotel Victoria, Peatonal 25 de Mayo 240, Córdoba, Argentina. Cierra el 11 de diciembre.

“Mirar y ver son experiencias sensoriales y cognitivas que han evolucionado en el hombre con el tiempo. Su propia capacidad de expresar ideas y producir sentido con imágenes es algo que también ha evolucionado revolucionariamente en la cultura.
Hoy en ‘La Era de las Pantallas’ las posibilidades de lo digital en el ámbito del arte presentan innumerables modos de expresión visual, aunque no siempre valiosos estéticamente. En esta serie de obras, Oscar Gubiani refleja su particular incursión en este terreno desde su profundo manejo de los lenguajes artísticos, lo que seguramente apreciaremos con placer en esta muestra.
Conocer a Gubiani es adentrarse en un mundo polifacético y encontrar un vasto despliegue de dominios técnicos en el dibujo, el grabado, la pintura, el muralismo. Basados en fuertes vivencias sensibles; representan toda una vida comprometida con la producción artística desde lo emotivo y desde la razón, plasmadas también con pasión en la investigación y la docencia.
La serie “Paisajes Inasibles” es producto de su experimentación con nuevos medios. Explora los límites del grabado en las fronteras de la tecnología, utilizando como fuentes analógicas grabados de los ’70 -que ya incorporaban técnicas mixtas en una original hibridación de lenguajes- y sus dibujos recientes.
Lo digital le permite hoy atemporales mixturas de lo antiguo y lo nuevo, en las que se aprecian fuertes contrastes, un vigoroso trazo del carbón, su distintivo manejo del color y las formas, en su notable capacidad de concebir imágenes.
En la mente de Gubiani ‘mirar y ver’ han evolucionado en el tiempo junto a su capacidad de expresión y de producción de sentido, intersecciones en esta retórica inasible que, transparentando lo tecnológico, provoca verdadero goce estético.” Carlos Alberto Viciano, área de artes & tecnologías, Mediarte Estudios, Buenos Aires.