Primera muestra en Buenos Aires de Agustín Larco, un artista argentino autodidacta y viajero, que en 10 años recorrió 35 países

El miércoles 13 de junio a las 19 hs. se inaugura en Bensignor Gallery (Tte. B. Matienzo 2460, PB "1") la exposición de pinturas de Agustín Larco, destacado artista emergente argentino que ha expuesto en Context Art Miami en 2016 y 2017. Viajero empedernido, en diez años recorrió treinta y cinco países, de modo que su obra adquirió una identidad cosmopolita. Esta es su primera muestra en Buenos Aires. 

“Algunas de sus pinturas sobre tela toman el ímpetu del gran formato -expresa Mercedes Casanegra-. Su método gestual es producto de la improvisación contraria al proyecto premeditado, procedimiento que lo emparienta con la abstracción informalista que hizo eclosión en Europa y Estados Unidos a mediados de siglo veinte y que tuvo una fuerte representación local en Buenos Aires. Sin embargo, la producción de Agustín es de innegable raigambre contemporánea.” 

Y continúa la crítica: “Su personal utilización del color, a menudo saturado y brillante, tiene reminiscencias del arte Pop. Se vuelve evidente que Agustín no pretende seguir una línea ortodoxa en el uso de los materiales. Así, al óleo o el acrílico suma hidroesmaltes, aerosol o glitter, componentes heterodoxos, que permiten el juego de texturas y que colaboran en la composición de las imágenes”. 

Se trata de un artista plástico que hoy relaciona su pintura con su práctica musical. Es un hábil percusionista en Azul Dadá, una banda local y la pintura y la música son para él dos modalidades expresivas de un contiguo proceso creativo. 

Interesa relacionar el termino Dadá, denominación de una tendencia fundamental en el arte occidental, vecina del surrealismo, que tuvo lugar en Zurich y Nueva York en la segunda década del siglo XX. “Aquella fue deliberadamente antiestilística -dice Casanegra-, producto del convulsionado momento en torno a la primera guerra mundial en Europa. Hoy la historia es aún más compleja y el arte transita caminos intrincados, ampliados, e infinitos en el marco de esta era posmoderna”. 

El azar y hasta el error son bienvenidos a la hora de la conjugación de las formas, siempre abstractas y variadas. Y, el color, absolutamente protagónico, juega papeles diversos: conjugado, vibrante, disruptivo, disonante, acompasado, como los sonidos, producto de una descarga operada por toques manuales sobre el cuero tensado de un djembe, instrumento musical de percusión, a menudo ejecutado por el artista.

Eduardo Barales presenta "El punto G" en La Pipeta

Eduardo Barales presenta "El punto G" en el típico bodegón porteño La Pipeta, ubicado en San Martín 498, esquina Lavalle, ciudad de Buenos Aires. 

Su muestra está dedicada al fútbol y permanecerá en exposición durante todo el mes de  junio, en ocasión del Mundial de Futbol que se realiza en Rusia.

Punto G se refiere al gol, que en el caso del fútbol es el máximo placer para fanáticos y jugadores.

Explica Eduardo Barales: 

“Anatomistas, fisiologos, neurobiologos, coinciden en afirmar que existiera mas de un punto "G".
Superando limitaciones de nuestra ciencia, podriamos plantearnos que estos existen aún por fuera de nuestro pensamiento.
O acaso es casual que palabras como: Gracia - Gozo - Gravitacion  comiencen con G
Al igual que la palabra Gol…
Aunque siga siendo utilizado con diversos, fines y sirviendo a distintos intereses y patrones…
Mi hipotesis propone tratar el punto G del Futbol...
Presento aqui una serie de obras al respecto.” 

Osvaldo Bettachini y Mirta Herrero, directores de Pandorama, con Eduardo Barales y Patricia Ludueña, gestora cultural y productora de la exposición 

 

"Eduardo Barales se convirtió en una forma de humanizar la ciencia, mezclando información y comprensión, guiada por la magia del color" expresa el periodista y artista plástico Alfredo Cernadas.

Barales es médico, artista plástico y filósofo. Desde hace años desarrolla tareas que buscan integrar la medicina, el arte y la filosofía. 

Nació el 4 de abril de 1954 en Buenos Aires, egresado de la Facultad de Medicina de la Universidad de Buenos Aires, se ha desempeñado como médico de guardia y también en atención primaria de la salud y medicina preventiva. 

La Pipeta, lugar donde se desarrolla la exposición, ha sido declarado por la Legislatura Porteña Típico Bodegón Porteño. Está ubicado en la estratégica esquina de Lavalle y San Martín, en el centenario edificio Argentino de lineas art decó y gloriosa cúpula.
Su nombre surge de las ¨chicas¨ de José Antonio Guillermo Divito, ilustrador y dibujante (1940), las cuales se caracterizaban por presentar curvas marcadas y estilizadas, con pequeñas cinturas y caderas prominentes, con actitudes audaces provocando una expresión muy conocida como ¨La Pipeta¨.

En julio llega "Caminos y Sabores" a La Rural. Estas son algunas propuestas destacadas que podrán encontrarse al recorrer los 9 caminos

Ya se acerca la 14ª edición de "Caminos y Sabores", la gran feria del producto argentino que se desarrollará del 6 al 9 de julio en La Rural de Buenos Aires. Allí, cientos de expositores de alimentos, bebidas y artesanías de todo el país mostrarán su originalidad, pasión y esfuerzo en el trabajo que realizan con los frutos de nuestra tierra.

Un recorrido preliminar por las novedades que incluirá la feria nos lleva al Camino de las Infusiones y nos pone cara a cara con la yerba mate, un emblema del producto nacional. Ahí estará la cooperativa de yerbateros creada en 1930 por un grupo de inmigrantes que se asentaron en la localidad misionera de Santo Pipó. “Piporé Sublime” es la apuesta a una nueva molienda diseñada para mateadas duraderas. Está compuesta por hojas de corte más grueso, menor cantidad de palos y contenido de polvo. 

Por el Camino de las Bebidas los visitantes podrán volver a enamorarse de la propuesta de "La Scala Licores", una marca instalada en la localidad sureña de Dina Huapi con gusto italiano y pasión argentina que nació en 2010 fruto del amor entre Isabella Bava y Stefano Righetti.
Con la misma receta que usaban los abuelos de Stefano en Verona, la pareja comenzó a elaborar artesanalmente licores, frutas al licor y el vino de montaña VinBrulé, que se toma caliente y forma parte de una tradición italiana. Hoy, sus productos se encuentran en casi 500 chocolaterías y vinotecas de las provincias de Buenos Aires, Santa Fe, Entre Ríos y Ciudad de Buenos Aires. Este año presentarán 5 nuevos sabores: pétalos de rosa, yerba mate, manzana verde, café y corazón negro.  También tendrán un bartender que en algunos horarios preparará cócteles para convidar al público. 

En el nuevo Camino de la Picada, donde estarán todas las variedades de quesos y chacinados, será de la partida "Frigorífico Sersale". Fundado en 1976 por el inmigrante italiano Luciano Sersale, cuenta con una planta elaboradora de 2000 metros cuadrados ubicada en Parque Patricios, un criadero propio de cerdos y cuatro sucursales.  Además, en diciembre, inauguró una fábrica de quesos con una producción de 6000 litros diarios de leche.
Sersale es un clásico de "Caminos y Sabores" que llegó a vender más de 4000 kilos de productos en las últimas ediciones. Este año va a ampliar la oferta de ahumados y embutidos tipo alemanes junto al resto de la línea que incluye más de 150 opciones de salames tipo campo, chacarero, longanizas, cantimpalos, bondiolas, pancetas, mortadelas, butifarra y jamones. Entre ellos se destaca el jamón crudo reserva de 12 meses, elaborado bajo la receta italiana, y la gama de productos aptos para celíacos con precios accesibles. 

En el Camino de los Dulces, desde Mendoza llegará nuevamente Miriam Fernández con su "Mamma Rosa", emprendimiento que el año pasado logró alzarse con el mejor dulce de leche del concurso “Experiencias del Sabor”, donde catadores no videntes de la consultora STG elige los mejores alimentos artesanales cada edición.  
Directo desde Villa Rosa (Pilar), donde está ubicada su planta, "Tau Delta" arribará al Camino de los Aceites y Aderezos con más de 30 productos que realzan el sabor de las comidas y las convierten en exquisitos platos gourmet.  Entre ellos, aderezos y crocantes para ensaladas y carnes, salsas dulces, blends de especias, sales marinas y coffe syrups.
Con sus tiendas ubicadas en el mítico Puerto de Frutos de la ciudad de Tigre, "Nueces Mecohué" aportará mix de frutas, almendras, pistachos, nueces y castañas de cajú al Camino de los Frutos de la Tierra. Con envíos a CABA, Gran Buenos Aires y el interior del país, la firma busca acercar al público alimentos sanos, de calidad y a un precio competitivo.

Pero más allá de las exquisiteces, durante la muestra también habrá lugar para las artesanías y particularidades que identifican a cada región. Será en el camino del Turismo y la Tradición, donde habrá lugar para expositores como Arte América (tejidos artesanales), Liliana Julio (ponchos y ruanas) y Melina Joyería, entre otros.  Asimismo habrá en este espacio un stand del Ministerio de Turismo de la Nación, con fuerte foco en el turismo gastronómico y su plan CocinAR.
En tanto, el Camino Federal será el sitio donde provincias como Corrientes, Jujuy, Catamarca, Chubut, Santiago del Estero y Entre Ríos, entre otras, tendrán su representación para impulsar las actividades que realizan sus emprendedores.
Por último, en el Camino de Tu Cocina, una de las novedades que se incorporará este año, los visitantes podrán encontrar diferentes utensilios y elementos que los ayudará a despuntar sus destrezas culinarias.  Así, Iron Bazar (artículos en fundición y chapa) y Borner Argentina (cortadores, accesorios, ralladores y peladores) serán algunas de las compañías que se sumarán a la gran fiesta del producto argentino. 

Del 6 al 9 de julio en La Rural, la feria vuelve con 9 caminos repletos de propuestas imperdibles, dos nuevos paseos -el de los alimentos orgánicos y el apto celíacos-, un patio donde los visitantes podrán comer y beber lo mejor de la feria. Y como siempre, los más prestigiosos cocineros, nuevas experiencias pensadas para que la familia entera conozca y aprenda sobre los sabores típicos que nos identifican y la mejor manera de alimentarse, concursos, el torneo "InnoBar" que reúne a bartenders de todo el país, y una Ronda de Negocios para que los expositores de la feria peguen un salto cualitativo en sus ventas estableciendo contacto con distribuidores y supermercadistas.

El Centro Cultural Borges inaugura una muestra socio-ambiental a favor de la Laguna de Chascomús y su entorno

El 7 de junio, en el mes internacional del Medio Ambiente, se inaugura en el 2º piso del Centro Cultural Borges la muestra “la biolaguna”, que tiene como fin la puesta en valor de un patrimonio natural de nuestro país: La Laguna de Chascomús y el sistema de Encadenadas que la comprende. Como parte culmine del proyecto del mismo nombre que inició el pasado febrero conmemorando el mes internacional de los humedales con el lanzamiento de un concurso fotográfico.

Esta exposición pretende sumar un grano de arena para la concientización sobre la importancia de la biodiversidad y del valor de estos recursos naturales para el desarrollo, la salud y el bienestar emocional del ser humano. A su vez contribuir y apoyar la postulación de la región de las Encadenadas -área de 800 km2 que abarca territorialmente a las lagunas Vitel, Chascomús, Adela, El Burro, Tablilla, Chis Chis y Barrancas-, sea declarada Humedal de Importancia Internacional ante la convención Ramsar para su protección. Para esto es fundamental la suma de voluntades a nivel nacional, provincial, municipal, del sector privado, del tercer sector y de la comunidad. 

La exposición comprenderá un sector artístico y otro documental. En el ámbito documental se presentará contenido del estudio de Regeneración de la laguna de Chascomús realizado por la empresa “B” La Ciudad Posible en la laguna. A través del mismo se dará a conocer la importancia de la implementación de un nuevo enfoque regenerativo, se presentará un proyecto a realizarse específicamente en el lugar y se propondrán acciones medio ambientales. En el ámbito artístico, para la apreciación y puesta en valor de la naturaleza, se presentarán las 35 fotografías seleccionadas bajo la consigna “la biodiversidad de las encadenadas” como parte de una gran instalación homenajeando las lagunas. Además se presentarán obras individuales creadas con el mismo fin, en diferentes expresiones escultura, fotografía, pintura e instalación.

Este proyecto se realiza bajo la dirección del programa CCBorges Sustentable, y cuenta con el auspicio del municipio de Chascomús a través de la Dirección de Ambiente y Desarrollo Sustentable, la Secretaría de Turismo y Planificación y Dirección de Cultura; y el patrocinio de la empresa La Ciudad Posible. Además de la colaboración de diferentes entidades medioambientales como Aves Argentinas y el COA Las Encadenadas; el Intech (CONICET), sociedades de fomento, y medios de comunicación.

La muestra se puede visitar del 8 al 20 de junio en el Centro Cultural Borges, Viamonte 525, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Inauguración: 7 de junio, 19 hs.

El Pabellón de las Bellas Artes presenta una exposición internacional, curada por el crítico trasandino Ernesto Muñoz: "Insólita colección". 20 artistas chilenos en Puerto Madero

Libro Benjamin Guzman

Hasta el 24 de junio, el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA expone una muestra internacional, con la curaduría de Ernesto Muñoz, distinguido critico chileno. Se trata de una selección del arte contemporáneo, bajo el sugerente título de “Insólita colección”, presenta obras de 20 artistas trasandinos.
La muestra está integrada por trabajos de Carolina Barros,  María Elena Covarrubias, Carlos Edwards, Martín Eluchans, Amelia Errázuriz, Hernán Gana, Benjamín Gúzman, Paz Lira, Maite Izquierdo, Catalina Mena, María José Mir, Lorenzo Moya, Carolina Oltra, Teresa Ortúzar, Francisco Peró, Flavia Rebori, Pedro Tyler, Guadalupe Valdés, María Elena Vial y Ángela Wilson. 

Obra de Maria Elena Vial

Una idea de la variedad de técnicas, propósitos y estilos de las obras que integran esta muestra se tiene gracias a la precisa y didáctica enumeración de Cavanagh, algunas de las cuales reproducimos: “la escultura creada por Carlos Edwards y las fuerzas de la naturaleza, realzando con fidelidad las texturas y cualidades de la piedra encontrada en cantera de río, incorpora un espacio vacío que revela sutileza y seduce por su propia forma y estructura; con hilo y aguja, en la expresión ancestral de los bordados”, “el libro objeto escultórico de Benjamín Guzmán, con tapa de madera y paginas del acero de piezas halladas, encuadernado con espiral de alambre, nos invita a leer sus eruditas hojas del mucho andar”; “el silencio significativo del alquitrán derretido al fuego de Lira Paz sobre un fieltro rescatado en los mares del sur de Chile, en forma de cruz y en medidas agigantadas, imprime una densidad que da lugar a numerosas y diferentes interpretaciones”; “la colisión y, luego la coexistencia, entre el hombre y la naturaleza, en las imágenes de Carolina Oltra, que nos llevan a lo largo del  recorrido en movimiento del Río Mapocho y la vitalidad iluminada de Santiago de Chile; la figura de la mujer de Teresa Ortúzar detrás de barras doradas, entre frutos y caballitos de madera, que emerge con espontaneidad hacia la liberación en un fondo de flores”; “la instalación de cadenas con eslabones de centímetros de Pedro Tyler, que cuelga del techo y que avanza hacia el nivel del espectador invitándolo  a medir sus propias sensaciones”; “la imagen quebrantada que expone Guadalupe Valdés, con la pieza inicial todavía enmarcada dentro del propio marco, y con un trozo que se desprende en la inmensidad del mar”; “los árboles larguiruchos, y sus raíces reveladas, de María Elena Vial, en conmemoración de la naturaleza por sí misma; el sentido del mar infinito en la obra de Ángela Wilson, como un reino de misterio ilimitado y de posibilidades inagotables, manifiestan una seductora diversidad de expresiones artísticas que se han rescatado de esta Insólita Colección”. 

Obras de Carlos Edwards 

 

La muestra se puede visitar de martes a domingo, de 11 a 19 hs. con entrada libre y gratuita en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA, Av. Alicia Moreau de Justo 1300, Puerto Madero, Buenos Aires, Argentina.,

Fundación Itaú presenta el "Simposio sobre Arte con Realidad Aumentada"

En el marco de la exposición del Premio Itaú Artes Visuales 2017/2018, que permanecerá abierta al público hasta el 1 de julio, la Fundación Itaú presenta el "Simposio sobre Arte con Realidad Aumentada", a cargo de Alejandro Schianchi. 

El simposio incluye dos jornadas de 4 hs. dividida en dos módulos de 2 hs. (con un coffee break entre ambos) y se realizará el miércoles 13 de junio de 15:30 a 19:30 hs. y el jueves 14 de junio de 15:30 a 19:30 hs. en el auditorio de la Casa Nacional del Bicentenario, Riobamba 985, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, con entrada libre y gratuita.

El arte con realidad aumentada constituye un nuevo campo de creación artística que se basa en sistemas electrónicos que permiten fusionar el mundo físico con el virtual. Esta tecnología modifica las características de los materiales convencionales y lo utiliza como eje de un nuevo tipo de obra artística cada vez más común en diversos circuitos de arte internacional.
Se presenta, entonces, un panorama sobre la producción artística con realidad aumentada que relaciona la creación virtual digital con la experiencia corpórea y física del espectador. A partir de ejemplos de artistas y obras que utilizan esta tecnología se analizarán conceptualmente sus propuestas así como formas prácticas de realización.
La intención del simposio es darle mayor visibilidad a la categoría especial de Realidad Aumentada del Premio ITAU para divulgar esta nueva forma de creación artística y estimulando a que más personas la adopten en sus proyectos.
 

Yasmin Reguero y Magalí Matilla Santoro. "Efímera, la flor del eclipse". 

Obra ganadora del Premio Especial Arte con Realidad Aumentada en la edición 2017/2018 del Premio Itaú de Artes Visuales

 

En la primera jornada se expondrá un panorama histórico, teórico y conceptual sobre el arte con realidad aumentada. Introduciendo nuevos conceptos de materialidad, espacialidad, territorialidad, propiedad privada, relación entre lo virtual y lo real, formas de exhibición, de producción de obras, etc.
En la segunda jornada se hará énfasis en la parte práctica de creación de obras de arte con realidad aumentada. Tomando las obras ganadoras y con mención del Premio ITAU en la categoría Realidad Aumentada se analizará la propuesta y sobre todo realización técnica de cada una. Con la presencia de los artistas ganadores se presentarán cuestiones de producción a tener en cuenta para la creación de una obra de este tipo, requerimientos técnicos, explicación del funcionamiento del sistema, etc.

Obra de  Alejandro Schianchi

Alejandro Schianchi es magister en tecnología y estética de las artes electrónicas, licenciado en cinematografía y técnico electrónico en computadoras. doctorando en artes. Director de la maestría y especialización en curaduría de arte contemporáneo (USAL). Profesor universitario y de posgrado. Investigador de arte electrónico y nuevas tecnologías. Su producción académica se presentó en ISEA (Inter-Society for the Electronic Arts), BANFF (Canadá) y MIT (EEUU), entre otros. Realizó publicaciones en Argentina, Alemania, Inglaterra, Francia, España y Estados Unidos entre las que se encuentra la revista Leonardo Electronic Almanac (EEUU), IEEE Computer Society (EEUU), Artnodes (España), Virtual Worlds (Francia), TEMAS de la Academia Nacional de Bellas Artes y los libros “El error en los aparatos audiovisuales como posibilidad estética” y “Arte virtual locativo: Transgresión del espacio con dispositivos móviles”. Su producción de arte electrónico y conceptual se exhibió en diversas muestras nacionales e internacionales.

Diseña, desarrolla y programa obras artísticas con realidad aumentada desde el año 2011. Brindó conferencias y ponencias sobre la implementación de realidad aumentada como medio para la creación artística en: ‘MIT8’ 2013, Massachusetts Institute of Technology (MIT) Cambridge, EEUU; ‘Congreso Internacional de Artes’, 2016 UNNE, Chaco; ‘NeoMedia Lab. Noveno Encuentro Internacional’, Xirgu, 2016; ‘Cine y Realidad Virtual’, Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, 2016; ‘Simposio Interuniversitario Argentina / Canadá’, Espacio Fundación Telefónica, 2013; ‘Circuito Arte.Mov’ 2012, San Pablo, Brasil.

Publicó artículos sobre este tema en: Leonardo Electronic Almanac (Goldsmiths University of London, MIT Press, EEUU); Interartive (España); Estudios Curatoriales (UNTREF); Irrupciones (USAL) y el libro “Radiografía del Net Art Latino”.

Roberto Plate presenta “Autoportrait” en galería Vermeer

El mítico artista y reconocido escenógrafo argentino Roberto Plate inaugura en Buenos Aires su muestra “Autoportrait”, más de 100 dibujos realizados durante diferentes períodos de su trayectoria artística, del 70 a la actualidad.
Una muestra antológica de dibujos del artista, que podrá apreciarse en la galería de arte Vermeer, ubicada en Suipacha 1168, entre el 7 y el 28 de junio.

Roberto nació en Buenos Aires en 1940, es un artista multifacético con una carrera europea que incluye cinematografía, escenografía, actuación y más que nada, pintura. Plate ha dejado una huella imborrable en la historia del arte argentino con su instalación "Baños Públicos" (1968) en la exhibición Experiencias en el Instituto Di Tella, en los que el público pintó graffitis que leían “Onganía puto” y muchas cosas más, estos mismos motivaron la clausura de la exposición.
 

Estudió bellas artes becado en la Academia de Múnich entre 1963-66 y reside en París desde los años 70. En estos últimos años participó de varias exhibiciones entre las que se destacan las de el Museo Nacional de Bellas Artes, el Instituto Di Tella, Fundación Klemm, Fundación Proa, Galería Vermeer, Centro Cultural Recoleta, École de Beaux-Arts y Galerie Skyline de París y Museo Nacional de Bellas Artes hace dos años.

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires abre la convocatoria para su Clínica de Proyectos sobre Tecnología y Gestión de Patrimonio Cultural

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires anuncia la apertura de su convocatoria para participar en la segunda Clínica de Proyectos sobre Tecnología y Gestión de Patrimonio Cultural, dirigida a trabajadores de museos e instituciones culturales de todo el país, que tendrá lugar a partir de julio en el museo ubicado en Av. San Juan 350.

Desde el área de Patrimonio, el Museo de Arte Moderno está llevando a cabo una serie integral de proyectos de digitalización y gestión digital de fondos y colecciones. En este contexto, entre los meses de febrero y abril de 2018 se realizó la primera Clínica de Proyectos sobre Tecnología y Gestión de Patrimonio. Se trató de una serie de encuentros de trabajo y capacitación con equipos de diversos museos públicos del país con el propósito de lograr la digitalización de sus colecciones para hacerlas accesibles a todo público y democratizar su acceso. En esta primera clínica participaron colegas del Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, el Museo de la Ciudad, el Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo Casa de Ricardo Rojas y el Museo del Traje.

La segunda clínica busca ampliar la red de trabajo y convocar a nuevas instituciones y sus respectivos equipos de trabajo. El programa está orientado a trabajadores de museos públicos de todo el país, tanto de las áreas de Patrimonio como otros perfiles afines. La inscripción se realiza a través de un formulario digital que será analizado por el equipo de Patrimonio del Museo para la selección de los participantes de la segunda clínica.

El trabajo aborda desde la planificación, gestión y el financiamiento de los proyectos; la conservación; la catalogación y el modelado de datos; la digitalización, gestión de derechos, publicación online, y la preservación digital.

La dinámica de la clínica propone que cada institución presente su caso específico para abordar la gestión de su patrimonio, poder identificar el estado de situación, objetivos, obstáculos, y presentar un proyecto iniciado o por iniciar. Los encuentros tienen una frecuencia semanal, y en cada uno se trabaja sobre una etapa determinada, para poner en común las problemáticas y herramientas disponibles para resolverlas. El objetivo es que, al finalizar los encuentros, cada participante cuente con un proyecto integral formulado y una guía para avanzar con su desarrollo.

En el caso del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, desde noviembre de 2017 se dio inicio al proyecto Documentos de Arte Moderno, una iniciativa de digitalización y publicación online de sus fondos documentales.

"El tapiz del General San Martín: historia de una restauración. Obras maestras de la Manufacture des Gobelins de Francia” se exibe en el Museo Nacional de Bellas Artes

El Museo Nacional de Bellas Artes presenta, del 8 de mayo al 19 de agosto, la exposición "El tapiz del General San Martín: historia de una restauración. Obras maestras de la Manufacture des Gobelins de Francia”, que reúne, además del histórico tapiz dedicado al Libertador, piezas antiguas, modernas y contemporáneas, de artistas como Joan Miró, Fernand Léger, Sonia Delaunay, Antonio Seguí y Alicia Penalba, fabricadas en la Manufacture des Gobelins de París.
 

“El General San Martín cruzando los Andes”, tejido entre 1911 y 1914, a partir de un modelo de Alfred Roll

Antes de su emplazamiento permanente en la Casa Rosada, se exhibe en el MNBA el gobelino “El General San Martín cruzando los Andes”, tejido por la Manufacture des Gobelins entre 1911 y 1914, y recientemente restaurado en la prestigiosa manufactura real.
 

El tapiz, donado por Francia a la Argentina en 1916, con motivo del Centenario de la Independencia, es un homenaje al General José San Martín, donde se representa al Libertador cruzando triunfal los Andes a caballo, rodeado de su ejército. El cartón del tapiz fue diseñado por Alfred Roll (1846-1919), uno de los artistas oficiales de la Tercera República, responsable de renovar el género de la pintura histórica. En la iconografía sanmartiniana, esta imagen del Libertador, fallecido en Boulogne-sur-Mer el 17 de agosto de 1850, ocupa un lugar muy especial. El obsequio francés llegó a nuestro país en 1917, durante la presidencia de Hipólito Yrigoyen, y fue ubicado en un lugar honorífico en la Casa Rosada, frente a la escalera que conduce a los salones de recepción y recintos presidenciales.
 

El Presidente de la Asociación de Amigos Julio César Crivelli, El director del MNBA Andrés Duprat, la curadora Morgane Luquet Laforgue y la agregada cultural de la embajada de Francia Hélène Kelmachter durante la presentación a la prensa de la exposición

En marzo de 2017, el gobelino fue trasladado a París con la colaboración de la empresa Groupe PSA Argentina, para un minucioso trabajo de limpieza y restauración realizado por técnicos y artesanos especializados. Finalizada la tarea, se mostró en la Galerie du Mobilier, el espacio de exhibición del Mobiliario Nacional, antes de regresar al país para ser presentado al público argentino en el Museo Nacional de Bellas Artes y, posteriormente, en la Casa Rosada.
 
"El del tapiz es un arte que remite al espacio íntimo del hogar, a la delicada y paciente labor de artesanos y artistas, que a lo largo de los siglos produjeron en todas las culturas piezas de inestimable valor”, sostiene Andrés Duprat. “Mundo de representaciones, en su diálogo con la pintura, el tapiz confiere una densidad material a las escenas concebidas por grandes artistas para ser tramadas en el telar; volumen y textura recuerdan el sustrato físico del cual las imágenes son versiones espejadas", agrega.

“La inocencia”, tejido entre 1884 y 1886, a partir de modelos de Léon-Pierre-Urbain Bourgeois

La muestra en el Museo Nacional de Bellas Artes -con curaduría del director del Museo, Andrés Duprat, y de Thomas Bolh y Morgane Luquet Laforgue, por la Manufacture des Gobelins– incluirá, además, trece tapices antiguos y creaciones modernas y contemporáneas pertenecientes al acervo patrimonial de la Manufacture des Gobelins, de artistas como Charles Le Brun y Léon-Pierre-Urbain Bourgeois, Joan Miró, Fernand Léger, Sonia Delaunay, Antonio Seguí, Alicia Penalba y Roberto Matta, entre otros.
 
La historia de la Manufacture Nationale des Gobelins comenzó en el siglo XV, cuando Jehan Gobelin, joven tintorero, instaló su taller de tintura en París, a orillas del Bièvre. El lugar adquirió un nombre y, desde hace más de medio siglo, es una referencia en materia de tintura y tejido. En 1662, el rey Luis XIV compró el hotel des Gobelins para agrupar allí los talleres parisinos de tejido: así nació la Manufactura Real des Gobelins. Su primer director fue el pintor Charles Le Brun. En ella trabajaban unos 250 artesanos: tejedores, bordadores, orfebres, grabadores, ebanistas. Durante 30 años, 775 tapices se fabricaron en estos talleres, siguiendo los métodos artesanales del siglo XVII y los diseños de grandes maestros.

“Composición fondo blanco”, tejido en 1973, de Alicia Penalba

En 1936, la manufactura des Gobelins ingresó en la esfera del Mobiliario Nacional, guardamuebles de los palacios nacionales franceses, junto con la manufactura de Beauvais. Entre 1950 y 1970, la técnica evolucionó: se comenzó a tejer a partir de ampliaciones fotográficas y también se exploraron la abstracción y el arte óptico. Las colecciones, de una riqueza excepcional, poseen en la actualidad alrededor de 5500 tapices.

"El tapiz del General San Martín: historia de una restauración. Obras maestras de la Manufacture des Gobelins de Francia” cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura de la Nación, la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes, la Embajada de Francia en Argentina, el Instituto francés de Argentina, y el patrocinio de la empresa Groupe PSA Argentina.

“La Dorotea y el mercader de carne”, tejido en 1768-1773, a partir de modelos de Charles-Antoine Coypel, Louis Tessier y Pierre Lenfant (Detalle)

Obras exhibidas:
-“El General San Martín cruzando los Andes”, tejido entre 1911 y 1914, a partir de un modelo de Alfred Roll.
-“La zarza ardiente”, tejido antes de 1685, a partir de modelos de Charles Le Brun y Nicolas Poussin.
-“La Dorotea y el mercader de carne”, tejido en 1768-1773, a partir de modelos de Charles-Antoine Coypel, Louis Tessier y Pierre Lenfant.
-“El choque”, tejido en el siglo XVIII, a partir de modelos de François Casanova (bosquejo de 1787).
-“San Miguel”, tejido entre 1875 y 1879, a partir de modelos de Luc-Olivier Merson.
-“La inocencia”, tejido entre 1884 y 1886, a partir de modelos de Léon-Pierre-Urbain Bourgeois, y presentado en la Exposición Universal de 1889 en París.
-“El verano”, tejido entre 1914 y 1918, a partir de modelos de Paul Seguin-Bertault.
-“Mujer con espejo”, tejido en 1966, de Joan Miró.
-“Cielo de Francia”, finalizado en 1970, a partir de un modelo de Fernand Léger.
-“Composición fondo blanco”, tejido en 1973, de Alicia Penalba.
-“Composición”, tejido entre 1998 y 2004, de Roberto Matta.
-“Cartel 1954”, tejido en 1999-2000, de Sonia Delaunay.
-“El sol no sale para todos”, tejido entre 2003 y 2008, a partir de modelos de Antonio Seguí.
-“Parzeczew 4”, terminado en 2011, de Bertrand Lavier.

“Cielo de Francia”, finalizado en 1970, a partir de un modelo de Fernand Léger

 

La exposición podrá visitarse en el Museo Nacional de Bellas Artes hasta el 19 de agosto, de martes a viernes de 11 a 20 hs. y sábados y domingos de 10 a 20 hs., en las salas 31, 32 y 33, ubicadas en el primer piso del Museo Nacional de Bellas Artes, Av. del Libertador 1473, Buenos Aires, Argentina.

Se inauguran dos intervenciones site specific creadas entre artistas de India, Líbano y Argentina en Quinta Trabucco durante el III Festival Internacional de Dramaturgia

En el marco de la tercera edición del Festival Internacional de Dramaturgia que cuenta con la curaduría y dirección de Matías Umpierrez y es presentado por Plataforma Fluorescente, un dispositivo de creación transdisciplinar que promueve la colaboración entre creadorxs de distintas geografías, se estrenarán dos intervenciones site specific en Quinta Trabucco, Rosetti 752, Vicente López.

La tercera edición del Festival Internacional de Dramaturgia está organizada en cinco secciones que dialogan con el lema y proyecto curatorial Estados emocionales: Dramaturgia de los mundos paralelos (conformada por 5 obras de teatro); Dramaturgia de una urbanidad desconocida (conformada por 2 intervenciones site specific:); Dramaturgia en movimiento (conformada por 2 espectáculos de danza); Dramaturgia para una conferencia (conformada por 3 conferencias performáticas); y Dramaturgia para una exhibición descentralizada que invita a un artista visual a desplegar su obra a través de distintos soportes gráficos del festival.

Nacho Iasparra - sección Dramaturgia de una urbanidad desconocida

 

La sección Dramaturgia de una urbanidad desconocida, una coproducción entre Plataforma Fluorescente, la Secretaría de Cultura de Vicente López y el Festival Internacional de Dramaturgia, se desarrolla en Quinta Trabucco. A partir de las imágenes de una casona emblemática del barrio de Florida (Vicente López, Buenos Aires, Argentina), Abhishek Majumdar (India) y Maya Zbib (Líbano) -que nunca visitaron este país- construyen textos ficcionales que no están necesariamente relacionados con el presente del lugar ni con hechos del pasado. Crean historias, mundos emocionales que incitan otros paralelos y posibles ficciones. A continuación, las artistas locales Sofía Medici, Laura Kalauz, Florencia Rodríguez Giles y Alina Marinelli toman esos manifiestos e intervienen el sitio específico elegido, creando dos instalaciones perfomance: Línea histórica y Método Innana. 

Línea histórica de Sofía Medici y Laura Kalauz (Argentina) sobre el texto Profeta de Abhishek Majumdar (India): sábado 2 y 9 de junio a las 18 , 19  y 20 hs.

Este proyecto nace a partir del encuentro con Profeta, un texto escrito por el artista hindú Abhishek Majumdar, que se sitúa en el período colonial del siglo XIX y donde una profecía asegura que un profeta de los esclavos nacerá en la propia familia de los amos. Usando episodios bíblicos y cuánticos, la pieza de Majumdar desarrolla como tesis, que religión y política han sido inseparables desde tiempos inmemoriales. A partir del texto Profeta de Abhishek Majumdar, Laura Kalauz y Sofía Medici crean una visita guiada a un museo del futuro. Allí los espectadores se encuentran con objetos que conmemoran distintas revoluciones y contra-revoluciones del siglo XXI. En Línea histórica los profetas son esta vez Diego Golombek (científico), Marcelo Valko (psicólogo e investigador), Florencia Montfort (periodista y feminista), Soledad Barrutti (experta en sobieranía alimentaria) y Nicolás Cohen (experto en tecnología). A través de estas cinco fuentes, se narran distintas versiones de un futuro tan cercano como inédito en donde la predicción y la ficción se confunden para  completar el sentido de un discurso histórico plural.

 

Edgardo Giménez, donde todos los sueños se hacen realidad

Edgardo Giménez presenta la exposición “Donde todos los sueños se hacen realidad” en el Museo de Arte Tigre. Desde su título, la muestra está inspirada en la obra de Walt Disney, a quien el autor confiesa deberle todo su mundo creativo.
 

La exhibición está compuesta por trabajos inéditos realizados en diversas técnicas: esculturas, pinturas en acrílico sobre tela, madera y hasta PVC. La estrella de la muestra es una escultura de 2,50 metros que reproduce la imagen de Tarzán y su mona Chita. Pero hay, además, otras monas bailando el hula hula y agita maracas, dos torres con columnas alrededor, retratos de monos y monas, serigrafías de hipopótamos, peras y terremotos, muebles de cajonera y una Coca Sarli que flota en el agua.
 

Innovador incansable con alma de niño, que se recorta la realidad y se da el lujo de vivir como un niño grande, Edgardo Giménez, debe de ser el único creativo sin título de arquitecto cuyo proyecto para la casa de Jorge Romero Brest integró la muestra del MOMA Transformations in Modem Architecture.

Artista autodidacta, Edgardo Giménez nació en Santa Fe, en 1942. Comenzó trabajando en gráfica publicitaria y en 1964 hizo su primera exposición individual. En 1965 obtuvo el Premio de Honor en la Primera Bienal de Artes Aplicadas de Punta del Este, y la Biblioteca del Congreso en Washington adquirió sus afiches. En Buenos Aires, formó la compañía La Siempreviva, junto con Marilú Marini, Dalila Puzzovio, Miguel Ángel Rondano y Carlos Squirru. Con ellos organizó Microsucesos y la exposición La siempreviva líquida (Galería del Este). Meses más tarde, con Dalila Puzzovio y Carlos Squirru, proyectó y montó el póster-panel ¿Por qué son tan geniales?, ubicado en la esquina de Florida y Viamonte, en Buenos Aires.
 
En 1966 exhibió su obra individualmente en el Museo Rosa Galisteo de Rodríguez, de su ciudad natal; expuso Las panteras, en la Galería del Sol; y nuevamente con la compañía La Siempreviva, organizó el happening El rayo helado, presentado en el Primer Festival Argentino de las Formas Contemporáneas (Córdoba). Además, en la Bienal del Afiche de Varsovia obtuvo el Premio de Honor.

Tomó parte en las Experiencias Visuales 67 en el Instituto Torcuato Di Tella (ITDT). Desde 1967 realizó escenografías para distintos espectáculos y producciones. En cine participó de los films de Héctor Olivera: Psexoanálisis (1967), y Los neuróticos (1968, por el cual recibió en 1973 un premio de la Asociación de Cronistas Cinematográficos).

Desde 1971 dirigió distintos proyectos arquitectónicos en la provincia de Buenos Aires: el primero fue la casa de los Romero Brest en City Bell, y a éste le siguieron La casa colorada (1976), La casa amarilla (1982) y La casa blanca (1983), en la localidad de Punta Indio. En 1973, con el apoyo del FNA, instaló su taller-estudio. Su labor en el diseño gráfico fue reconocida una vez más en 1977, cuando obtuvo el Primer Premio en el Festival Iberoamericano de la Publicidad. Un año más tarde, el proyecto de la casa para Romero Brest integró la muestra del MOMA Transformations in Modem Architecture.

Entre los años 1980 y 1982 se desempeñó como diseñador de la imagen gráfica del Teatro San Martín. Por su trabajo en esa institución, recibió el Premio Vigencia (1982). Un año más tarde el Teatro Colón le encargó su nueva imagen gráfica e institucional.

En 1987 participó en Los afiches más bellos del mundo, exposición de la UNESCO en el Grand Palais de París. Desde mediados de los 90, su obra estuvo presente en la mayoría de las exposiciones antológicas sobre los años 60 en nuestro país. En 1997, el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires (MNBA) organizó una retrospectiva de su obra y lo distinguió con el Premio Leonardo. Dos años más tarde recibió una mención del jurado en el Premio Costantini. También en el MNBA (2000) mostró obra reciente en ocasión de la presentación de un libro dedicado a su trayectoria editado por la Fundación Fortabat. Para la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad dirigió el área de comunicación visual en la vía pública durante 2000-2004 y 2006-2007.

En 2004, sus obras Cupido (1964) y La araña blanca (1972-1997) ingresaron en la Colección del Museo Nacional de Bellas Artes, sección Arte Siglos XX y XXI, donadas por el artista.

En 2008 realizó la muestra Arte y calles, una experiencia comunicacional en la ciudad de Buenos Aires, en Fundación Centro Cultural Altos de Chavón, República Dominicana. Al año siguiente participó de una exposición colectiva de esculturas en el marco de XII Bienal Internacional de Arquitectura, en el Centro Cultural Recoleta; y realizó la instalación Esta noche no, junto a Diego Figueroa, en el Centro Cultural de España en Buenos Aires. Durante ArteBA 2010, en el espacio de consagrados, con el patrocinio del Patio Bullrich, reconstruyó la instalación que hiciera en 1967 para la película Psexoanálisis, de Héctor Olivera. Ese mismo año hizo su muestra individual Boomerang, en Braga Menéndez Arte Contemporáneo; fue invitado al sector esculturas de Expotrastiendas, en La Rural; y formó parte de la gran exhibición antológica Pop! La consagración de la primavera, en el Espacio de Arte de Fundación OSDE.

En el 2012 realizó en el Centro Cultural Borges la mega-instalación Fiesta en el cielo, para la Asociación Argentina de Aeronavegantes; y participó de la exhibición Pop, realismos y política, que se mostró en Fundación Proa (Buenos Aires) y el Museu Oscar Niemeyer (Curitiba, Brasil), e itineró durante 2013 por la GAMeC - Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo (Italia) y el Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (Brasil). A fines de 2016 publico Carne Valiente, su desopilante autobiografía. 

La exposición se puede visitar de miércoles a viernes de 9 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 12 a 19 hs. en Paseo Victorica 972, Tigre. Lunes y martes cerrado. 

Visitas guiadas: miércoles a viernes 11 y 17 hs., sábados, domingos y feriados 13, 15, 17 y 17:45 hs. 

Visitas grupales programadas: llamar al 4512 4528 - Int. 101 los lunes, miércoles y jueves de 9 a 14 hs.

Milo Lockett expone en galería Witcomb

El viernes 1º de junio a las 18 horas, galería Witcomb inaugura la muestra de Milo Lockett, uno de los más importantes artistas plásticos contemporáneos de nuestro país.

La exposición incluye más de 100 obras recientes de Lockett, en pequeño, mediano y gran formato, realizadas en técnica mixta, sobre diferentes soportes (tela, madera y cartón).   

Con una identidad pictórica muy particular y una fuerte presencia social, a través de su arte, Milo Lockett se ha convertido, en los últimos años, en el artista plástico más popular de nuestro país. Nació en Resistencia, Chaco, donde actualmente vive y trabaja. Se considera un autodidacta, ya que su obra no responde a las reglas establecidas por las instituciones culturales ni el mercado del arte. A pesar de ello, tiene sus referentes: Jorge de la Vega, Nigro, Macció y Deira.

Como parte de su labor social, Lockett dona anualmente decenas de cuadros para subastas en su provincia, colabora con UNICEF en diferentes proyectos y realiza talleres masivos de pintura en escuelas, hospitales e instituciones de diferentes provincias de la Argentina y países vecinos. Su popularidad lo llevó a realizar talleres y exponer durante el mes de mayo en China, invitado por la Embajada de Argentina en dicho país.  

“La muestra de Milo inaugura una nueva etapa en la historia de Galerías Witcomb, caracterizada en los últimos años por la exposición de los clásicos de nuestro país. A partir de ahora, también los artistas contemporáneos, asociados generalmente a un público más joven, serán parte de la institución. En ese sentido, es un gran honor que un artista de la envergadura de Lockett, tanto por su capacidad de trabajo como por su humildad y solidaridad, forme parte de esta nueva etapa de la Galería”, señaló Jorge Calvo, titular de Witcomb.    

La muestra se extenderá a lo largo de todo el mes de junio y se puede visitar de lunes a viernes de 15 a 20 hs. y los sábados de 11 a 15 hs., con entrada libre y gratuita, en Rodríguez Peña 1050, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Saráchaga inaugura exposición remate de arte contemporáneo

Casa Saráchaga inaugura una nueva exposición dedicada íntegramente al Arte Contemporáneo Joven. Desde el 31 de mayo al 4 de junio de 16 a 20 hs. en Juncal 1248  se exhibirán 56 obras de 32 artistas contemporáneos emergentes de todo el país (más dos invitados internacionales), con trayectorias variadas y en distintos momentos de sus carreras. El remate se llevará a cabo el martes 5 de junio a las 19hs.

Casa Saráchaga, institución porteña que en este 2018 celebra sus ochenta años de existencia, se propone no sólo continuar su legado como baluarte del arte tradicional sino también renovarse e incluir nuevas manifestaciones artísticas extendiendo su alcance hacia las nuevas generaciones. Dice Ana Saráchaga, nieta del fundador de la casa (establecida en 1938) e hija de su actual director: “Nos interesa fuertemente acompañar el arte contemporáneo y apoyar a los artistas jóvenes a la vez que buscamos fomentar y desarrollar a los coleccionistas del mañana”.

Diseñado y curado por Lucía Lachetti, este nuevo remate presenta un panorama variado del arte contemporáneo local. Para los artistas, es una oportunidad de extender el circuito de visibilidad y comercialización de su producción. Para los compradores, es un espacio amigable y transparente donde poder acceder a sus primeras obras a precios abiertos y accesibles y a información detallada sobre las mismas, favoreciendo un espacio de intercambio entre artistas y potenciales coleccionistas.

Las obras se presentan con un amplio rango de precios, con valores de base que arrancan en los $1500 (pesos argentinos), con el objetivo de ampliar el acceso al arte, alentar el crecimiento del mercado, impulsar un coleccionismo joven e invitar a un público más amplio a participar del fascinante mundo de los remates.

Listado de artistas participantes: Mikel Aboitiz, Marcos Acosta, Francisca Amigo Heras, Lucía Buchar, Aurora Castillo, Cecilia Catalin, Carlos Cima, Valentín Demarco, Ignacio Fanti, María Ferrari Hardoy, Sebastián Garbrecht, Agustín González Goytía, María Gimena Herrera, Daniel Leber, Valeria López, Lules, Alexis Minkiewicz, Alejandra Mizrahi, Molokid, Laura Ojeda Bär, Guadalupe Ortega Blasco, Santiago Paredes, Fática Pecci Carou, Tomás Rawski, Irene Ripa Alsina, Julia Romano, Amadeo Seguy, Julián Sorter, Mauro Stefanazzi, Daniela Stubbs, Santiago Villanueva, Lucía Von Sprecher.

Villa Ocampo presenta la exposición "Sicilia, sitios del patrimonio UNESCO"

En el marco de la 18ª edición del "Día Mundial de la Diversidad Cultural para el Diálogo y el Desarrollo", el próximo 30 de mayo se inaugura "Sicilia, sitios del patrimonio UNESCO". Se trata de una muestra de fotografías de Francesco Ferla organizada por el Observatorio UNESCO Villa Ocampo y El Instituto Italiano di Cultura de Buenos Aires.

Esta exposición ilustra de manera excepcional que el patrimonio y la cultura en general, tal como las concibe UNESCO, son el resultado de innumerables interacciones entre tradiciones culturales que son además recursos y herramientas para impulsar la creatividad y el desarrollo de las sociedades actuales. Este dialogo entre civilizaciones, culturas y pueblos, sobre la base de la mutua comprensión y respeto y la igual dignidad de las culturas, es condición fundamental para la construcción de la cohesión social, de la reconciliación entre los pueblos y de la paz entre las naciones. Así lo enuncia la Declaración Universal de UNESCO sobre la Diversidad Cultural de 2001. 

Como destaca Audrey Azoulay, Directora General de la UNESCO, en su mensaje con motivo de esta celebración, “la diversidad cultural no es en sí misma un factor de paz y de progreso. Para ello es necesario un aprendizaje: el aprendizaje de la alteridad, la aptitud para salir de sí mismo y para dialogar, el reconocimiento del valor que atesora cada cultura. (…). Esta jornada nos invita a ir más allá de la simple constatación de la diversidad y a reconocer los beneficios del pluralismo cultural, entendido como un principio ético y político de respeto igualitario de las identidades y tradiciones culturales.”

Italia cuenta con 53 sitios reconocidos por UNESCO en la lista del Patrimonio de la Humanidad. La denominación de estos sitios, de acuerdo con la Convención de UNESCO sobre la protección del patrimonio mundial, cultural y natural de 1972, tiene como objetivo identificar zonas y lugares de particular importancia universal desde un punto de vista cultural, artístico, arqueológico y paisajístico. Su aplicación universal hace excepcional al concepto de Patrimonio Mundial. Los sitios del Patrimonio Mundial pertenecen a todos los pueblos del mundo, independientemente del territorio en el que se encuentren.

Italia también cuenta con un rico patrimonio inmaterial: ocho elementos fueron incluidos en la Lista representativa de la Convención de UNESCO para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial de 2003.

Esta muestra reúne estos sitios interpretados en forma creativa por Francesco Ferla, autor de las fotografías del Municipio de Palermo, Departamento de Cultura, para la muestra: “Palermo árabe- normanda, las Catedrales de Cefalù y Monreale. Candidatas a la incorporación como Patrimonio Mundial de la Humanidad de UNESCO”.

El elemento caracterizador de la muestra es la particularidad de las imágenes, que se abstraen del contexto arquitectónico circunstante en una operación de “sublimación” de la arquitectura, que destaca el valor arquetípico de los monumentos. De esta manera, Ferla logra enfatizar el lenguaje multiétnico de Palermo acompañando al espectador en el descubrimiento de una ciudad famosa mundialmente pero de la cual, paradójicamente, muchos aspectos artísticos y arquitectónicos han quedado escondidos a los ojos de la mayoría. Se trata de indagar el patrimonio histórico-artístico y arquitectónico de la ciudad, revelando su futuro revela a partir de la fotografía del pasado.

Arquitecto, diseñador, artista digital y fotógrafo, Francesco Ferla vive y trabaja en Londres y París. Su tesis sobre la representación del Barroco ganó el primer premio del Centro Internacional de Estudios Barrocos.