22 de marzo de 2017

MALBA presenta "General Idea. Tiempo Partido", la primera exposición retrospectiva en América Latina de este colectivo de artistas canadienses formado en la década del '60


MALBA presenta "Tiempo Partido", la primera exposición retrospectiva en América Latina de General Idea, colectivo de artistas canadienses formado en 1969 por AA Bronson (Michael Tims, Canadá 1946), Felix Partz (Ronald Gabe, Canadá 1945 -1994) y Jorge Zontal (Italia, 1944 - Toronto, 1994). Durante 25 años de carrera, el grupo desdibujó las líneas entre arte, diseño y vida y se destacó por su sello vanguardista, que los transformó en una referencia para las nuevas generaciones de artistas en todo el mundo.
AA Bronson y Agustín Pérez Rubio
Curada por Agustín Pérez Rubio, Director Artístico de MALBA, la exposición presenta un repaso por la producción de General Idea y aborda temas como la historia, el sexo, la raza, la enfermedad y la autorepresentación del propio grupo, objeto recurrente de su producción.
Reúne cerca de 120 obras -provenientes de diferentes colecciones privadas y públicas como la National Gallery of Canada y la Art Gallery of Ontario (AGO)-, en todos los formatos de su trabajo: performances, videoarte, fotografías, publicaciones e instalaciones.



El proyecto pretende ampliar el horizonte y la difusión de su legado, desde sus primeras piezas conjuntas en 1969 y 1970, hasta sus últimas creaciones en 1994, año en el que murieron Partz y Zontal a causa de enfermedades relacionadas con el SIDA. El recorrido se inicia justamente con la obra Untitled (for GI), 1999 (RGB Bertoia Chairs), con tres sillas Bertoia cada una con un almohadón rojo, verde y azul, que es la paleta clásica de toda su obra. Es la primera pieza realizada individualmente por AA Bronson y un homenaje a sus compañeros de vida y trabajo.

La muestra hace foco en el problema de la alteración del tiempo, vinculado al carácter efímero de su producción artística, y a la creación de un mito a través de la publicidad, el diseño, la moda, los concursos de belleza y los medios de comunicación en general. En palabras de Agustín Pérez Rubio: “A partir de fragmentos de una sociedad estandarizada por el capitalismo, General Idea construye una iconografía llena de glamour, ironía sutil e hilarante, y juega a la creación de un tiempo que se dilata, va hacia adelante y se contrae, muta, se refiere al pasado que fue imposible habitar o se expresa en un futuro que desapareció mucho antes de llegar”, explica. “Mediante sistemas de representación entre la realidad y la ficción, entre lo natural y lo cultural, General Idea crea simulacros que constituyen una memoria real del propio grupo y sus diferentes fases de trabajo”, destaca el curador.
"The 1971 Miss General Idea Pageant Marcel". Foto gentileza MALBA
A partir de 1970 General Idea comenzó lo que tal vez sea la acción más importante del colectivo y que deriva en la relación entre mito y tiempo: "Miss General Idea", proyecto que forja gran parte de su trabajo desde la performance "What Happened [¿Qué ocurrió?", 1970], hasta la destrucción de "The 1984 Miss General Pavillion [El Pabellón Miss General Idea, 1984"], en 1977. Es en este momento cuando los proyectos de General Idea dan un giro estético de lo conceptual, efímero o performativo a lo escultórico, pictórico y videográfico. 
“One Year of AZT [Un año de AZT]” de 1991, es una obra compuesta por 1825 pastillas blancas con una tira azul colgadas de la pared, que resultan un calendario de la enfermedad: el paso del tiempo y la disolución , en un momento en el que aquella medicación era la única posibilidad de tratamiento del HIV. Son los años de la crisis del Sida y de la representación de la enfermedad, cuando los colectivos afectados por la enfermedad eran atacados por el conservadurismo.
En esta etapa final, la exposición del trabajo de General Idea es mayor en formatos, lugares y tiempos. Un ejemplo es el de los tapices y carteles de AIDS pegados por toda la ciudad y en diferentes formatos en muros, colectivos y el subte; además de remeras, bolsas, entre otros objetos.


"General Idea. Tiempo Partido" continúa en la sala 3 del museo -nivel 1- con la instalación "Fin de siècle [Fin de siglo]", de 1994. Se trata de gran paisaje glaciar romántico -construido a partir de cientos de capas de telgopor- con tres pequeñas focas blancas, ubicadas en un no-tiempo o tiempo mítico, basado en la pintura "El mar de hielo" (1823), de Caspar David Friedrich.

En cierto sentido es un “autorretrato” del grupo, como lo son todas las obras compuestas por tres figuras incluidas en la muestra. La situación de las focas blancas bebés fue objeto de debates públicos en los años 80 y 90 y, como resultado, fueron declaradas como una especie en peligro de extinción en una gran cantidad de países pero no en Canadá, donde se reproducen en gran cantidad. Allí, las focas eran cazadas y asesinadas a palazos para no lastimar su piel; y la imagen de la sangre roja sobre la nieve blanca se convirtió en un ícono mediático en aquellos años. Fin de siècle fue realizada en el período en que Partz y Zontal fueron diagnosticados como portadores de HIV, por lo que la obra fue interpretada como un retrato de los artistas como víctimas.


En el hall central del museo, se exhibe Pharma©opia (1992), compuesta por tres píldoras gigantes suspendidas en el aire, saturadas de helio y aseguradas al techo por cuerdas. Esta pieza opera como recordatorio, no sólo de las condiciones pasadas de las personas que vivieron con SIDA, sino también de la persistencia del virus en el tiempo presente y del problema farmacéutico corporativo.

General Idea realizó 123 exposiciones individuales y participó en 150 exposiciones colectivas a nivel internacional, incluyendo la Bienal de Venecia y la Documenta de Kassel, entre otras. En América Latina exhibieron únicamente en 1998 en la Bienal de San Pablo. Durante 25 años (1969 -1994) el grupo produjo un importante cuerpo de obra en diferentes soportes y formatos, que revela la habilidad de su lenguaje en el manejo de los medios de comunicación masiva.

Esta exposición fue coproducida por MALBA y Fundación Jumex, donde se presentó previamente entre el 27 de octubre y el 12 de febrero. Cuenta con el apoyo The National Gallery of Canadá.
En el marco de la exposición, MALBA editó una publicación en español (con un apéndice en inglés) de 180 páginas, que incluye una amplia selección de fotos que repasa la producción y la estética del grupo, además de diferentes vistas de sala de la exhibición en el Museo Jumex, donde se presentó previamente entre octubre y febrero de 2017.
El libro incluye diferentes ensayos: “Tiempo mítico: una guía para no perderse en la trayectoria viral de General Idea” del curador Agustín Pérez Rubio; “Parafernalia” de Gabriel Villalobos; “Páginas de historia. El dorado (Maracaibo) y Fin de Siècle” de Ivo Mesquita y “Espectros de un virus”, de Francesco Scasciamacchia.

La exposición se puede visitar hasta el 26 de junio de 2017 en las sala 5 y sala 3 del MALBA, Av. Figueroa Alcorta 3415, Buenos Aires, Argentina. El horario del museo es: jueves a lunes: 12 a 20 hs. y miércoles: 12 a 21 hs. Martes cerrado. Más información en: www.malba.org.ar.

20 de marzo de 2017

Hasta fin de abril se festeja el día del artesano en el Museo de Arte Popular José Hernández


El domingo 19 de marzo, el Museo de Arte Popular José Hernández festejó el día del artesano con la inauguración de la exposición “Colectivo en acción creativa”.
Artesanías para embellecer la vida cotidiana, piezas con calidad, estética y oficio, únicas realizadas con amor y dedicación por cada artesano, caracterizadas por la utilización de materiales respetuosos del medioambiente, a favor de una moda sostenible. Esta filosofía de producción y de consumo responsable es la alternativa a las compras masivas y despersonalizadas.

Luciano Polverigiani
 
Se trata de un grupo de más de 30 artesanos contemporáneos que exhiben obras en distintos materiales, técnicas y funcionalidades. Provienen de diferentes lugares del país como Córdoba, Buenos Aires, Catamarca, La Pampa, Jujuy, entre otros y también de Uruguay. Tienen en común una larga trayectoria y gran reconocimiento de premios y participaciones en distintas ferias y muestras.
Son artesanos. Son urbanos. Producen objetos útiles y estéticos. Sincretizan técnicas y formatos tradicionales en creatividad expresada con calidad y originalidad. Ser artesano urbano es desarrollar su trabajo en contacto con otros artesanos, artistas y diseñadores en un asiduo contacto con el público, lo que repercute en sus visiones, formas y carácter de las obras.
Los objetos de la muestra dan cuenta de una dinámica permanente entre lo tradicional y lo moderno. Técnicas, materiales, creatividad y formatos muestran una novedosa y dinámica tradición en el campo artesanal.

María Fernanda Silvestro
Artesanos que participan: Adriana Martínez, Alejandro De León, Amelia Tarditti, Ángela Pitta Pallota, Belén Ahumada, Carlos Leporace, Daniel Pereyra, Darío Barrozo,Diego Silvestro Crespillo, Esteban González, Fernando Iphar, Guillermo Rodríguez, Hernán Rojo, Horacio Jauregui, Inés Chiesa, Liliana Testa y Marcelo Pallas Garrido, Luciano Polverigiani, Marco Martínez, María Fernanda Silvestro, María Gabriela López, Mariela Ferraris, Olga Tarditti, Patricia Aballay, Pedro García Lanza, Rafael Gedda, Sonia Neufeld, Tristán Cabrera, Valeria Lajara, Viviana Posincovich.

Fernando Iphar
 
En el marco de la exposición, habrá una gran variedad de actividades y talleres durante marzo y abril: 20 de marzo, jornada para artesanos; 21 de marzo, taller de telar; 21 al 23 de marzo, talleres de lustre con goma laca, de cerámica y de hilado con rueca; 28 al 30 de marzo, taller de cerámica sonora; 31 de marzo y 1º de abril, taller textil; sábados 22 y 29 de abril, talleres de cerámica y de fibras vegetales y para finalizar, el sábado 29 y el domingo 30 de abril se realizará una feria de artesanías contemporáneas en el jardín del museo, con entrada gratuita.
Más información en: https://www.facebook.com/MuseodeArtePopularJoseHernandez/?fref=ts.
La muestra permanecerá abierta hasta el domingo 30 de abril de 2017, de martes a viernes de 13 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. en Av. del Libertador 2373, Buenos Aires, Argentina. Entrada $10. Miércoles gratis.

16 de marzo de 2017

The Brick Hotel Buenos Aires exhibe en su lobby la obra de Milo Lockett


Por primera vez, el artista plástico chaqueño Milo Lockett, expone en The Brick Hotel Buenos Aires, member of the Collection MGallery by Sofitel, de la cadena francesa ACCOR. La muestra se exhibirá hasta el 31 de mayo en Posadas 1232, Buenos Aires, Argentina.


La obra de Milo sale de la estructura de la galería para mostrarse en el lobby de un hotel 5 estrellas en un espacio abierto y versátil. Un total de 19 obras, con formatos y tamaños diferentes, se exhiben en los diferentes espacios proponiéndole a quien observa un juego de miradas que no necesitan explicación. Milo es Milo, su obra es amigable, y las figuras y el color son parte de su sello. Juan Carr creador de Red Solidaria, dijo de él “Milo es un artista de generosidad permanente, con valores y gran compromiso social. Su obra lo acerca a todo tipo de público”.

Actualmente Milo, además de exponer en The Brick trabaja en dos proyectos a los que le pone el corazón, uno en el Impenetrable dónde ya ha trabajado con chicos con sindrome de Down y con las comunidades locales wichis y otra en San Luis, dónde esta filmando un documental. Ambos con el mismo tema: los maestros, el alumno, las escuelas rurales.
Para Milo: “La educación es el mejor capital para legar. Al trabajar con arte, la carencia es positiva, porque se puede apelar a diferentes recursos, buscar una vuelta.”


En su cocktail de inauguración estuvieron personalidades del mundo diplomático, empresario y artístico y huespedes del hotel.
Para la gerente general de The Brick Hotel Buenos Aires, Montserrat García, la muestra de Milo Lockett imprime el compromiso del hotel con los artistas que como en su caso colaboran con proyectos sociales.

15 de marzo de 2017

Osvaldo Decastelli presenta obras de 1990 a 2015 en el MACLA


El viernes 17 de marzo a las 19 horas Osvaldo Decastelli inaugura “Intimar con la Materia”, con curaduría de Leticia Pasaglia, en el M.AC.L.A. Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano, ubicado en la Calle 50 entre 6 y av. 7, La Plata, provincia de Buenos Aires.

S/t, de la serie "Bloques", 1996-1999 
“La obra de Decastelli que se muestra en las salas del MACLA está atravesada por un único material - cartón corrugado.
El propósito del artista es desentrañar todo lo oculto que tiene este material. Al comienzo lo trabaja desde la materialidad, con objetos escultóricos de peso específico, hasta llegar a livianos textiles, obras que denomina con el título de “Intimidad de la Materia”, 1996 – 2011.
En una segunda etapa pasa pequeños bloques de cartón por rayos X mostrando sus imágenes en 13 backlights y un video “Halito” El conjunto lo titula “Hendiduras de Luz”, 2012 – 2013.
Por último, graba sonidos propios del corrugado, los que amplifica, haciendo que invadan el espacio de sala. Esta instalación la titula “Voces Mudas” las que habitualmente no oímos, 2014 - 2015. Prólogo de exposición de Adriana Lauría.

S/t, de la serie "Viberación", 2004-2010
 
“Hace treinta años que Osvaldo Decastelli trabaja con el cartón corrugado y en esta prolongada relación ha indagado en profundidad las propiedades de este material, volviéndolo su interlocutor en un intercambio dialéctico que va de la observación a la experimentación, de la reflexión a la manipulación, de la imaginación a la concreción de la obra, ya se trate de objetos, fotografías, video o instalaciones multimedia. En este proceso también se ha convertido en su emblema: el corrugado distingue su producción.

Formado como escultor se preguntó por las posibilidades de este producto industrial anclado en su vocación utilitaria como elemento de embalaje. A lo largo de estas décadas Decastelli amplió su destino cotidiano, trascendiendo el sentido habitual que le otorga la sociedad de consumo como algo que se usa y rápidamente se descarta y se asocia con la economía informal desarrollada por sectores cuya marginalidad es resultado de las crisis que con frecuencia esa misma sociedad desata.

Objeto de la instalación "Malas Hierbas", 2008 
(…) Percibamos con todos nuestros sentidos lo que un elemento tan simple como el cartón tiene para transmitirnos, sea a través de contundentes cuerpos en el espacio o por medio de labrados y ligeros pliegos que semejan textiles; atisbemos su interior conformando las más variadas estructuras u observémoslo expandirse en gesto respiratorio o consideremos sus sonidos que, amplificados, nos sumergen en una dimensión inesperada.”

La muestra se puede visitar con entrada libre y gratuita hasta el 30 de abril, en los horarios del museo: martes a viernes de 10 a 20 hs. y los sábados y domingos de 14 a 20 hs.

14 de marzo de 2017

Fiesta en la calle en la Fundación Esteban Lisa


El sábado 18 de marzo de 17 a 19 hs. la Fundación Esteban Lisa presenta una nueva edición de Fiesta en la calle, para chicos de 3 a 11 años.

 
La Escuela Integral de Arte para Chicos inaugura su programa de talleres con una gran fiesta de arte... ¡en la calle y gratis!

 
Los chicos podrán participar junto a sus familias, de actividades de escultura, movimiento, murales, cerámica, instalaciones... ¡a disfrutar y jugar con el arte! Este año la temática será: "Selva".
 
Esta actividad cultural abierta y gratuita es auspiciada por el Fondo Nacional de las Artes.
 
La cita es en la puerta de la Fundación Esteban Lisa, Rocamora 4555 (y Est. de Israel), Ciudad Autónoma de Buenos Aires. 
En caso de lluvia la fiesta se hace el sábado 25-03.  
+ información en: 4862-0569 o info@estebanlisa.com.

Cursos de Historia del Arte en el MAT


El Museo de Arte Tigre comienza un programa de extensión cultural y educativa con un curso gratuito de cuatro clases para jóvenes y adultos. 
 
El museo moderno, desde sus inicios a fines del siglo diecinueve, desarrolló lo que se denomina educación “no formal”, un tipo de aproximación al conocimiento que une la atracción de sus colecciones y exposiciones, con la posibilidad del intercambio social directo. Visitas guiadas o clases y cursos especiales, pensados para todo público, permiten acercarse al arte y la cultura sin requisito previo más que el interés.

El MAT inicia en abril Imágenes de nuestro arte, un curso dedicado al arte argentino y latinoamericano en cuatro clases. Los gloriosos sesenta, a cargo de la directora del MAT, María José Herrera, se focalizará en el arte de los ya míticos años sesenta.


Experimentación, juventud y trasgresión, son algunos de los conceptos para pensar ese momento que proyectó el arte argentino al plano internacional. Descubrir América a través de su arte, dictado por Patricia Nogueira, invita a pensar el continente desde las primeras culturas hasta la actualidad, a través de imágenes emblemáticas de su historia y el arte.

El curso consta de cuatro encuentros: sábado 1˚, 8 , 22 y 29 de abril, en el horario de 10.00 a 12.00hs, Salón Oval. Entrada gratuita, se requiere inscripción anticipada a través de infomuseo@tigre.gov.ar o llamando al: 4512-4528 de 9 a 19 hs. todos los días de la semana.

13 de marzo de 2017

Premio Braque 2017


La Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), junto a la Embajada de Francia en Argentina, el Institut Français y el Palais de Tokyo presentan la edición 2017 del Premio Braque Arte Contemporáneo, con obras de 30 artistas argentinos seleccionados por las curadoras Florencia Battiti, Hélène Kelmacher, Florencia Qualina y Diana Wechsler con la asistencia de Benedetta Casini. 
La inauguración y premiación será el miércoles 15 de marzo a las 13 horas en el MUNTREF - Centro de Arte Contemporáneo - Sede Hotel de Inmigrantes. El acto contará con la presencia del embajador de Francia en la Argentina, Pierre Henri Guignard, el director del Palais de Tokyo, Jean de Loisy, y el rector de la UNTREF, Aníbal Jozami.

Mediante este reconocimiento, el Institut Francais pone a disposición una residencia durante 6 meses en la Cite Internationale des Arts y el Palais de Tokyo ofrece un espacio de exposición para el artista.  Durante tres meses se exhibirá esta selección de arte argentino contemporáneo bajo la órbita de este premio, que tiene la particularidad de estar conformado por artistas que han sido invitados; esto implica un reconocimiento a sus trayectorias y también una apuesta para que quien obtenga la beca de creación en París pueda utilizarla como una plataforma que expanda sus posibilidades profesionales futuras.  
El criterio de selección de los artistas se definió a partir de la necesidad de pensar y exhibir un panorama amplio que dé cuenta de la diversidad de esta escena, que favorezca la coexistencia de distintas generaciones, en el que convivan artistas emergentes con los que sostienen trayectorias plenamente consolidadas. El desarrollo de las obras contó con el acompañamiento profesional de los curadores y el equipo de producción de la UNTREF.

En tanto, en el MUNTREF – Museo de Artes Visuales - Sede Caseros, se presentará a partir de abril la muestra histórica del Premio Braque (trayectoria 1963-1998) resultado de una exhaustiva investigación incubada en el marco de la maestría en curaduría en artes visuales de la UNTREF por Lucie Haguenauer.
Este Premio fue un espacio y una institución clave para los jóvenes artistas argentinos, sirvió como un espacio de experimentación, de presentación en la escena artística y de formación profesional. Construyó su prestigio en la época de su creación y a largo plazo integrando lo “joven” en una visión amplia y abarcadora de poéticas y lenguajes muy variados. Concebida como una travesía a lo largo de la historia del Premio, la exposición, que reúne obras de juventud de cerca de 50 artistas, exhibe el espíritu que lo guio, las tensiones que lo atravesaron y su impacto en las trayectorias de los artistas y en la historia del arte argentino.

Los artistas participantes son: Nelson Blanco, Nicolás García Uriburu, Emilio Renart, Honorio Morales, Delia Cancela y Pablo Mesejean, Gabriel Messil, Marie Orensanz, Daniel Ontiveros, Jorge Luna Ercilla, Mabel Rubli, Osvaldo Romberg, Miguel Harte, Eduardo Giusiano y Jorge Schneider, Daniel Scheimberg, Roberto Elia, Jorge Macchi, Carmelo Carrá, Hugo Soubielle, Carlos Alonso, Fernando X. González, Felipe Pino, Eduardo Medici, Roberto Scafidi, Víctor Hugo Quiroga, Daniel Zelaya, Claudia Zemborain, Betina Sor, Máximo Okner, Jorge Pietra, Jacques Bedel, Dino Bruzzone, Lux Lindner, Sebastián Gordin, Nora Iniesta, Pablo Páez, Leandro Erlich, Gustavo Larsen y Daniel Capardi.

10 de marzo de 2017

Espacio Pla presenta las exposiciones de Juan Rey y Pablo Ziccarello simultáneamente


Espacio Pla abre el ciclo 2017 con dos exposiciones temporales en simultáneo; se trata de "Integrados" de Juan Rey, con la curaduría de Silvana Spadaccini, y "Últimas y Primeras (impresiones)" de Pablo Ziccarello, con la curaduría de Fernando Aita y Alix de la Barriere, en planta alta y planta baja, respectivamente.

Juan Rey. “Circuitos y correspondencias”
 
En "Integrados", primera muestra individual de Juan Rey en Buenos Aires, se presentan sus trabajos más recientes: las series completas “Circuitos y correspondencias” y “Mindboard”.
En la producción de sus obras, Juan Rey combina procesos industriales, utilizando la máquina como extensión de su cuerpo. En sus trabajos aplica técnicas de la electrónica para elaborar obras sensibles a su ambiente y pinta con témpera utilizando un Router CNC, volviendo mecánico su trazo.

Juan Rey. “Mindboard” 
 
El trabajo sobre la forma se despliega, paradójicamente, en el nivel más abstracto y matemático. Bajo lo que en las obras parece explícito, subyace una situación original de diferente naturaleza y es en esa reconversión donde emerge el “gesto personal”. Imágenes clínicas, paisajes agrestes y formas expansivas son la génesis de un proceso de registro y optimización, descomposición y recomposición que, con diversos grados de complejidad, luego se materializa a través de una matriz digital.
A partir de su percepción del mundo y a través de estos mecanismos, las obras de Rey se presentan, finalmente, como objetos técnico-sensibles que ponen en evidencia su interés por los procesos de transformación.

Pablo Ziccarello. "Horarium" 
 
Por su parte, "Últimas y Primeras (impresiones)" del artista Pablo Ziccarello es una muestra que a modo de resumen retrospectivo o cronología extrema yuxtapone dos de las primeras obras y dos de las últimas realizadas entre 1997 y 2017.
Esta retrospectiva resumida no pone en escena otras obras ni paradas intermedias, ofrece solo un punto de partida y un momento del presente último y provisorio como contrapunto para hacer equilibrio con el vacío del medio. Es como encontrarse con un libro de viajero sin más hojas que la primera y la última, queriendo imaginar el contenido no disponible de un recorrido de 20 años.

Pablo Ziccarello. "Polvo 3"
 
La propuesta de dialogo sobre los modos de representación en fotografía, y en pintura, con nuevos y viejos medios es una forma de tomar nota de ciertos intereses constantes a través del tiempo. De los modos compositivos afines (el punto y la búsqueda de centro, unicidad y seriación de la imagen, el balanceo entre la ilusión de representación y le evidencia de sus mecanismos de producción...). De las preguntas similares sobre la luz como generador de la imagen, niveles de proximidad y mediación tecnológica, la tensión entre las formas de pensamiento y expresión manual/digital como condición de experiencia y contexto. Del concepto de variación constante y otras aporías que se ponen en juego, casi siempre.
Las obras que se presentan, son el resultado de traducciones y re-interpretaciones, de la idea de pintura, la idea de fotografía, la idea de libro y de video.

Ambas muestras podrán visitarse hasta el 29 de abril, de miércoles a sábados de 16 a 20 hs. o con cita previa en Malabia 1841, Loft 2,  Buenos Aires. 
Más información en: www.espaciopla.com.

Arte, moda y turf en el Hipódromo de Palermo


El Hipódromo de Palermo presentará el próximo domingo 12 de marzo, de 12 a 22 hs. una propuesta para toda la familia, donde se correrán más de diez carreras de caballos, siendo la más importante el Premio “Clásico Otoño”, acompañadas por propuestas de arte, moda y gastronomía.

Entre los importantes premios de carrera del domingo que comenzarán a las 14 hs, se destacarán los clásicos Santiago Luro (largará a las 15.45h), Saturnino J. Unzué (17.15h), Otoño (18.15h) y Arturo R. y Arturo Bullrich (19.30h). El reconocido artista plástico Alfredo Segatori entregará la Copa Lunática durante la premiación de la carrera Saturnino Unzué. El sobrino del Papa Francisco, José Bergoglio, entregará la Copa Haciendo Lío, ONG que él fundó, a los ganadores del "Clásico Otoño". El joven diseñador de indumentaria Artemis, elegido por Kate Perry, estará presente en la premiación del Clásico Arturo R. y Arturo Bullrich.

Alfredo Segatori presentará en la planta baja y en el tercer piso de la Tribuna Paddock la muestra de arte “Lunática” (nominada en recuerdo del caballo favorito de Gardel), donde participan más de 350 artistas visuales, músicos y actores, que además de exhibir pinturas, fotografías y esculturas, realizarán shows de música, teatro y performances artísticas. Entre los artistas plásticos, podríamos destacar a Nicolás Menza, Marino Santamaría, Luis Debairosmoura, Nico Alligator, Carlos Reggazoni, Daniel Hirsch, Paula Pons y Niclás Martino. Entre los músicos -de jazz, tango, percusión y ópera- estarán Leo y Gastón Satragno, de Ultratango y el DJ Diego Ramallo. También habrá un show denominado “Jocketas”. La muestra permanecerá abierta de 12 a 22 hs.

En los exteriores de la Tribuna Oficial del hipódromo, a las 18 hs- y bajo el nombre “Le Grand Mensonge”, Visage Entertainment presentará un desfile a cargo del reconocido diseñador Santiago Artemis. La nueva y exclusiva colección de Artemis está inspirada en los atributos rígidos del power dressing de los años 80, estilo clave del autor. La presentación será acompañada por la banda WOM liderada por el músico Miguel Larreta.

Para los amantes de la gastronomía, se presentará la tercera edición de la feria “Apetito”, con más de 30 foodtrucks: Aramburu Street, Cocina Inquieta,Compañía De Chocolate, Cuk Catering, Delisabores, Freddys, Happy Truck, Hard Rock Café, Hoboken, Juana Ti, L´Ostia Foodtruck, La Molina, Oh Namur!, Pizza Toppic, Pura Cepa, Rincon De Pau, San Gennaro, So Bagel, Stick Station, The Craft Beer, The Veggie Burger, Trixie y Voui, entre otros. El restaurante Azul Profundo, tendrá un gran espacio exclusivo de sushi.

La entrada es libre y gratuita, no se suspende por lluvia, y quienes quieran colaborar podrán traer alimentos no perecederos y entregarlos en la galería de arte de la planta baja de la Tribuna Paddock. Éstos serán destinados al proyecto Recorridas Solidarias de la Asociación Civil "Haciendo Lío", que asiste a más de 1500 personas en situación de riesgo.

9 de marzo de 2017

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires inaugura la exposición de Gabriel Chaile: "Patricia"


El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presenta "Patricia", una exposición de Gabriel Chaile, que inaugura el día sábado 11 de marzo a las 16 hs. y se exhibirá hasta el 18 de junio en Avenida San Juan 350, San Telmo, Buenos Aires, Argentina.

Esta es la primera gran exposición en un museo del joven artista tucumano (nacido en San Miguel de Tucumán en 1985) y fue diseñada para la sala de proyectos especiales del museo. Allí se exhiben una escultura, una instalación y una escritura ilegible, tres obras que se relacionan con necesidades básicas como la alimentación, la vivienda y el trabajo.

“En estas obras, Chaile realiza una operación semejante al sincretismo¨, escribe Laura Hakel, curadora de la exposición. ¨Combina objetos, materiales y métodos constructivos vinculados a oficios manuales y a la producción en pequeña escala del hábitat y del alimento. Toma elementos austeros y populares cargados de valor y significados simbólicos por su continuidad en el tiempo y sus usos sociales”, agrega.


"Patricia", la escultura que le da nombre a la exposición, es una diosa-horno de adobe que se ubica en el centro de la sala. En ella, Chaile relaciona una figura materna, una cerámica antropomorfa de la cultura candelaria de Tucumán y un horno de barro para hacer pan, todos elementos vinculados a la fertilidad, a la historia del arte y al alimento que tal como escribe la curadora, “imagina como los componentes para una nueva alegoría de la Patria”. Por otro lado, al fondo de la sala, se encuentra la instalación "Los jóvenes olvidaron sus canciones", un entrepiso de madera realizado como un obrador de construcción con un colchón: una cama-encofrado que relaciona la precariedad de los materiales con la necesidad de un espacio habitacional. Por último, "Forma y Razón" hace referencia a la trasmisión de los saberes por medio de los oficios. Se trata de una escritura cuneiforme diseñada sobre las líneas de polvo de ladrillo de una chocla de albañil.

Gabriel Chaile nació en San Miguel de Tucumán, ciudad en la que vivió hasta 2009, cuando se mudó a Buenos Aires para continuar su carrera de artista. “Tucumán es densa en sus formas y en su historia, desde la resistencia de los indios Quilmes en la Conquista, hasta la del cierre de los ingenios de azúcar en los años ’70”, describe. Su familia, el desplazamiento y la densidad que acarrean los objetos y los materiales a través del tiempo son hilos conductores que atraviesan sus obras desde esos primeros años.

Continuado de actividades del sábado 11 de marzo: 
16 hs: Inauguración de la exposición "Patricia" de Gabriel Chaile. 
17 hs: Charla abierta en el auditorio a cargo del artista Gabriel Chaile y Laura Hakel, curadora de la exposición. 18.30 hs: Live Set, música en vivo a cargo de DJ Lolo en el hall de planta baja.

Aquellos que visiten esta exposición también podrán recorrer el resto de las salas del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, donde se exhiben actualmente: "Antonio Berni. Revelaciones sobre papel. 1922-1981" (hasta el 16 de abril), "La paradoja en el centro. Colección del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires: Ritmos de la materia en el arte argentino de los años 60"(hasta el 6 de agosto), "Episodios Colección Pirovano II. Vitullo / Iommi: evocaciones del pasado y proyecciones al futuro" (hasta el 2 de abril).

Los horarios de visita del museo son: de martes a viernes de 11 a 19 hs. y los sábados, domingos y feriados de 11 a 20 hs.

7 de marzo de 2017

La galeria Hoy en el Arte presenta la muestra “Habitando metáforas, bajo la cruz del sur”, de la artista plástica Silvia Goltzman


El 9 de marzo a las 19 horas inaugura la muestra “Habitando metáforas, bajo la cruz del sur”, de la artista plástica Silvia Goltzman, en la galería Hoy en el Arte, ubicada en Juncal 848, Buenos Aires, Argentna. 

Silvia Goltzman. Habitando metáforas, óleo sobre cartón
 
“Trabajo desde este lugar del continente, como mandato irracional, el sur. Será él entonces el nexo hacia lo universal. Su sonido es metáfora que convoca hermandades; en mi concepción estética., naturaleza y existencia presentes, y en dialogo permanente; .sosteniendo diseños, que intentan evocar el gesto anónimo de las culturas eternas.
El orden, como principio de armonía, organiza el dinamismo de las formas. Partir del azar como disparador para que luego en sintonía cada espacio este sentido, pensado y, construido, La estructura presente, como signo de vitalidad y unicidad. Así entonces la obra está presente como metáfora, como pretensión de poesía. Es dialogo permanente entre existencia y esencia. Signos y grafismos como arquetipos deseosos de configurar totalidades.
Es, desde este  lugar de América. , donde aprendí a abrevar. Mis imágenes, como decía Alberto Delmonte, sugieren un universo de contenidos mágicos, como aquellos que fueron posibles en los estados primigenios, y que llegan para advertirnos de que aun es posible en el contexto globalizado y material del mundo actual, alcanzar para nuestras vidas un marco estético de equilibrio emocional.” expresa la artista en el catálogo. 

Silvia Goltzman. En Complemento, óleo sobre tela
 
Silvia Goltzman nació en Buenos Aires, Argentina,. Es profesora nacional de pintura. Amplió su formación plástica en el Taller Sur del maestro Alberto Delmonte, taller de orientación americanista ligado al constructivismo de Torres García.
Ejerce la docencia artística desde 1983, (pintura, dibujo, proyecto de murales, en distintos ámbitos y niveles de enseñanza, y ha participado en seminarios de educación por el arte, historia precolombina y ha visitado centros arqueológicos y museos de interés artístico y cultural en Argentina, Sudamerica, y Europa.
Ha recibido premios y distinciones a nivel Nacional e Internacional, integrando su obra museos e Instituciones del país y del extranjero.
Desde 1981, ha participado en numerosas exposiciones conjuntas, grupales e individuales, en galerías de arte, entre las que cabe destacar la Sala Gaspar, la Sala Maragall, la Colección Ernest Ventós , Francesc Mestre Art de Barcelona, la galería Muro de Valencia, la galería Art Sud de Toulouse y la galerie Intemporal de París, así como en museos de Argentina y España. La mayoría de sus exposiciones en Europa, cuentan con el auspicio Institucional del Ministerio de Relaciones Exteriores de la República Argentina.

El MALBA presenta "La música es mi casa", una experiencia sonora que involucra a otras disciplinas artísticas


El proyecto expositivo "La música es mi casa" se centra en la experiencia sonora y su convivencia con otras disciplinas: involucra a las artes visuales, la poesía, la música y el diseño gráfico. Este espacio constituido por una síntesis de lenguajes remite a diferentes situaciones en las que es posible reflexionar sobre la experiencia perceptiva. Esta síntesis implica una abstracción, dado que en la sala no se encontrarán recreaciones de una casa, ni de una discoteca, incluso tampoco música, sino analogías formales, alusiones y moldes temáticos. Esta abstracción contempla el uso y la recontextualización de diferentes referencias culturales, históricas y estéticas. De este modo, la propuesta busca desarrollar relaciones inesperadas que promuevan diversas capas de sentido y experiencias vivenciales.


La pieza central, que da título al proyecto, consiste en una obra de audio en la que dos actores (una voz femenina y otra masculina) recitan las letras de un DJ-set de música house traducidas al español, sin música. El resultado es un ejercicio de traslación de un medio a otro, haciendo referencia y trazando vínculos entre discoteca y poesía concreta; entre los cuerpos, su ausencia y el lenguaje. En el espacio expositivo, protagonizado por las voces, se dispondrán además distintas piezas escultóricas realizadas a partir de deconstrucciones de entornos arquitectónicos y materiales asociados a mobiliarios domésticos, discotecas, salas de ensayo y conciertos.

"La música es mi casa" está compuesta además por otros dos núcleos: por una parte, una serie de participaciones e intervenciones de artistas invitados agrupados bajo el título de “Featuring”; por otra, dos publicaciones: una plaquette que contiene las traducciones de las canciones que forman parte de la obra principal y un libro con textos teóricos de autores invitados.

El jueves 9 de marzo a las 18 horas se realizará un encuentro, que además de inaugurar la exposición, está pensado como introducción a los ejes que el proyecto desarrolla y como una oportunidad para repasar algunas otras obras anteriores de Pérsico. Participan: Gastón Pérsico, Mariano Mayer (curador de la exposición) y Agustín Pérez Rubio (director artístico del MALBA). 

La exposición permanecerá hasta el 2 de julio de 2017 y se puede visitar en la sala 1 del nivel 1 del MALBA, ubicado en Av. Figueroa Alcorta 2415, Buenos Aires, Argentina.

6 de marzo de 2017

El Museo Nacional de Bellas Artes inicia el 2017 con la exposición "Xul Solar. Panactivista", a 130 años del nacimiento del artista


La temporada 2017 de exposiciones en el Museo Nacional de Bellas Artes comienza el martes 7 de marzo con “Xul Solar. Panactivista”, una exposición del gran artista argentino Xul Solar (Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari), dueño de un lenguaje visual y verbal propio, concebido al calor de una inquietud constante que tramitó en la lectura y el estudio, y de un vínculo estrecho con la cultura de su presente, que le permitió repensar la tradición nacional y diseñar el futuro.

Curada por Cecilia Rabossi, la muestra reúne más de 180 obras, entre acuarelas, témperas, objetos, máscaras, manuscritos, ilustraciones y documentos personales, pertenecientes al  MNBA, la Fundación Pan Klub- Museo Xul Solar y colecciones particulares. 

Está organizada en seis núcleos temáticos que despliegan los diversos campos de interés y búsquedas formales del artista. Este recorrido exhaustivo lo presenta en sus múltiples dimensiones: pintor, astrólogo, músico, visionario, transformador y “escribidor”, y en sus indagaciones atravesadas siempre por lo místico, lo trascendente.

Xul Solar. “Contrapunto de puntas”, 1948, acuarela y gouache sobre papel sobre cartón. Colección particular. Gentileza Fundación Pan Klub - Museo Xul Solar 
 
"Xul Solar Panactivista" también explora su vínculo fraternal con el pintor Emilio Pettoruti y con Borges, y a través de estas relaciones, se detiene en su estadía en Europa, el regreso a la Argentina, en 1924, y su inserción en el medio artístico y literario local.
 
El catálogo que acompaña la exposición incluye los textos Ciudadano del Universo. Xulpanactivista, de Cecilia Rabossi; El encuentro entre el Mago y el Pintor: Aleister Crowley y Alejandro Xul Solar, de Patricia Artundo, Mis recuerdos sobre Xul Solar, pintor argentino de lo desconocido, transcripción de una conferencia de Jorge Luis Borges y una selección de escritos del artista en los que reflexiona sobre sus invenciones y teorías.

Xul Solar. “Proyecto Fachada Delta”, 1954, acuarela y tinta sobre papel sobre cartón.  Gentileza Fundación Pan Klub - Museo Xul Solar
 
La muestra se puede visitar hasta el 18 de junio, de martes a viernes de 11 a 20 horas y los sábados y domingos de 10 a 20 horas, con entrada libre y gratuita, en el pabellón de exposiciones temporarias del Museo Nacional de Bellas Artes, Av. Libertador 1473, Buenos Aires, Argentina.

Desde el 14 de marzo, habrá visitas guiadas a la muestra, de martes a domingos, a las 16 hs, y los viernes y domingos, a las 18 hs. Además, los sábados, a las 18 hs. se realizará un recorrido por la exposición acompañado de una propuesta plástica para jóvenes y adultos.

Además se ha programado actividades para chicos: los sábados 11, 18 y 25, a las 18 hs: “Panjuego con Xul Solar” en el espacio de taller del museo;  los sábados 11 y 25 y los domingos 12 y 26 a las 17 hs: “Al encuentro de la magia de Xul Solar”, recorrido Al encuentro de la magia de Xul Solar.
 

En abril llega una nueva edición de Estilo Pilar, este año en Puertos de Escobar


Del 6 al 23 de abril se realizará una nueva edición de Estilo Pilar, la exposición de decoración, arte y paisajismo organizada por la Asociación Civil Amigos del Pilar a total beneficio de la atención gratuita odontológica pediátrica en Pilar. La 15ª edición, Estilo Pilar 2017, se llevará a cabo en Puertos, Escobar, un emprendimiento de Eduardo Constantini.

Desde 2004, Amigos del Pilar canaliza su obra dando asistencia odontológica gratuita a chicos carenciados, atendiendo hasta el momento a más de 50.000 niños. Para más información ingresar a: http://www.amigosdelpilar.org.ar/.

“Estilo Pilar será una exposición muy actual, comprometida con el entorno y mirando al futuro. La idea de toda la exposición será Picnic, el concepto lo rescatamos de la época de la Revolución Francesa donde tuvo su auge, ya que la gente se reunía en las plazas y espacios públicos para compartir un momento amable con amigos y estar en contacto con la naturaleza”, explicó Mercy Menditeguy, responsable del sector decoración, y continuó “decidimos aplicarla porque la definición de Picnic es muy linda, y concuerda mucho con la exposición que planeamos para el 2017, que va a ser muy diferente a las anteriores”.

Por otro lado, el masterplan de la exposición está inspirado en el movimiento de los meandros del agua, de la naturaleza, para que sea un espacio ameno, divertido, con recorrido y respetando las líneas del lugar.
El arte estará como siempre presente acompañando con obras de artistas que saben apreciar la sensibilidad del lugar. Se montará land art, esculturas y pinturas en exterior e interior dentro de containers en forma de galería para, también, recorrer y disfrutar del famosos shop de arte.

En Puertos la vida crece y es desarrollo, así lo reflejará el ya famoso paseo de compras y garden walk que ofrecerá objetos, accesorios y productos realizados por los emprendedores de siempre y los nuevos.
Y también el clásico patio de comidas con los ya conocidos food trucks dando lugar a un rato de relax y disfrute a lo largo del paseo. 

Estilo Pilar 2017 va a recibir a más de 150 expositores, distribuidos en los diferentes sectores de arte, paisajismo, deco, showrooms, paseo de compras y garden walk organizados en constainers o construcciones amigables con el medio ambiente.
Puertos está pensado para que la gente pueda vivir una experiencia en contacto con la naturaleza, el confort y los servicios de un desarrollo urbanístico de primer nivel. Se proyecta una ciudad diferente, priorizando el cuidado del medio ambiente, que tendrá actividades como una escuela náutica, club deportivo, reserva natural, una plaza central y hasta colegios.

Estilo Pilar se podrá visitar del 6 al 23 de abril en Puertos de Escobar, km 45 Panamericana ramal Escobar.
Días y horarios: miércoles, jueves, domingos y feriados de 11 hs. a 18 hs., y viernes, sábados y vísperas de feriados de 11 a 19 hs.

5 de marzo de 2017

Marzo y abril en el Centro Cultural Recoleta


Durante los meses de marzo y abril el Centro Cultural Recoleta tendrá una programación que incluirá muestras, conciertos a cielo abierto, obras de teatro, danza, eventos literarios, cine, talleres, nuevos espacios, y mucho más.

“El museo de los mundos imaginarios”. Marcela Cabutti
 
Hasta el 26 de marzo se podrá seguir recorriendo “Íconos Argentinos. Homenaje”, una muestra fotográfica de Gianni Mestichelli con curaduría de Renata Schussheim, en las salas 3, 4 y 5. Mientras que “El museo de los mundos imaginarios”, con curaduría de Rodrigo Alonso, continuará hasta el 23 de abril, en las salas Cronopios, J y C.
A partir del 11 de abril, y hasta el 25 de junio se podrán ver tres muestras, dos de ellas, “Bóveda Gagá” y “Adentro de mi casa hay un bosque”, fueron seleccionadas por el ciclo Radar, línea de promoción para artistas jóvenes que brinda un espacio para difundir a los nuevos creadores y estimular sus producciones.
“Bóveda Gagá” en sala 7, con curaduría de Daniela Brunand. La artista Ana Vogelfang despliega un programa visual que asume las supervivencias de la arquitectura y los usos del Centro Cultural Recoleta, y proyecta imágenes muy anacrónicas como una bóveda de arista en una sala de exhibición de arte contemporáneo.
“Adentro de mi casa hay un bosque” en sala 8, de Virginia Sotti. En un 8º piso de una departamente del microcentro de una ciudad, surgen interrogantes como: ¿De dónde vienen los objetos? ¿Los objetos tienen memoria? ¿La madera recordará el árbol?.
Por otro lado, se presenta “Inteligencia Artificial”, en salas 3, 4 y 5, por Oligateca Numeric, grupo de artistas formado en Buenos Aires que trabaja desde 1999 realizando instalaciones, videos, dibujos, esculturas, música y performances. En sus obras de plantean situaciones experimentales que involucran el trabajo colectivo, construcción ficcional, el punto de vista del espectador y el cruce de disciplinas. Ciencias ficción, arte y tecnología, desde una poética cyberpunk. 

Música en la terraza del Recoleta
 
Durante marzo y abril, en el Patio del Aljibe habrá dos encuentros que fusionan la literatura, el teatro, el spoken word, la música, el dibujo, el free style y otras corrientes culturales.
“Los cuentos completos”, con dirección de Tamara Tenembaum y Camila Fabbri, el jueves 9 de marzo a las 18 hs. y “Cerca de tuyo”, con dirección de Francisco López Rivarola, el jueves 13 de abril a las 18 hs.

Con respecto a la música, continúa “Pachamama Cósmica”, los jueves 30 de marzo y 27 de abril, y el ciclo “Musica en la terraza”, todos los miércoles a las 19 horas. Además, las tardes de los sábados, el Recoleta  abre sus puertas a la cultura hip hop.

Todas las actividades antes mencionadas son con entrada libre y gratuita.

También continuan los espacios de lectura y de dibujo, así como el programa anual de talleres diseñados y dictados por creadores y artistas que inspiran la creatividad, el vínculo con las artes y la experimentación: creación de fanzines, narrativa 2.0, taller de poesía performática, dramaturgia bonsai, actuación y experimentación escénica, iniciación teatral, seminario de movimiento constante, desarrollo de videojuegos wn Unity 3D, robótica creativa, curso de huerta urbana agroecológica, voz y movimiento, ¿cómo se hace una película, técnica fotográfica. Los talleres para adolescentes son gratuitos. Quienes sean mayores de 18 años pueden consultar por becas.  Grilla completa de talleres: http://www.centroculturalrecoleta.org/talleres.

Además, durante marzo, abril y mayo, la Capilla del Recoleta albergará obras de teatro y danza, mientras que en el microcine se presentarán siete directores nóveles de la mano de uno consagrado (7 + 1).

Consultá la programación completa en: www.centroculturalrecoleta.org.

1 de marzo de 2017

La galería de arte del Banco Nación presenta la exposición "Andariega" de Cinthia Rched


“Andariega” de Cinthia Rched, es la nueva exposición que presenta la galería de arte “Alejandro Bustillo” del Banco de la Nación Argentina.
La artista nos invita a conocer sus trabajos más representativos a través de una serie de retratos, y una veintena de óleos sobre papel para descubrir su impresión del paisaje.

“La contemporaneidad se nutre de transformaciones tecnológicas frenéticas y cambios sociales avasallantes. Es como un camino que muta rápidamente.
Cinthia Rched es una artista contemporánea. Juntamente con ello, sus deseos y el virtuosismo de su oficio recorren diversos y distantes lugares, y a la luz de variaciones infinitas, nos muestra paisajes y retratos de una contemporaneidad atemporal. En tiempos donde las expresiones artítsticas son tan variadas como creativas, donde sin embargo, esta pluralidad no implica un vale todo , Cinthia transita -sin cesar- el camino, el andar de su pintura.
La artista andariega reproduce escrupulosamente el color del brillo húmedo del estero, el ambiente arcilloso del banco de arena, la azulada frialdad del témpano o la mueca facial de un desconocido.” fragmento de texto del catálogo del arquitecto Marcial Sarrías, marzo 2017. 


La muestra se inaugura el viernes 3 de marzo a las 12 horas con la presencia de la artista; y se podrá visitar de lunes a viernes, de 10 a 15 horas, con entrada gratuita, en el hall principal de la casa central del BNA, ubicado en Rivadavia 325, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina