31 de mayo de 2011
Las imágenes teatrales de María Luz Seghezzo
La exposición que María Luz Seghezzo realizará en el Museo Castagnino de Rosario a partir del viernes 3 de junio, propone al espectador la fascinante experiencia de asomarse a la obra de una artista que, a través de una elaborada alquimia que combina el lenguaje del teatro y el de la pintura, logra imágenes de extraña e inquietante sugestión.
La muestra, titulada con toda propiedad "Personajes en busca de su autor", está integrada por una veintena de obras, que a veces remiten al surrealismo o a la pintura metafísica, pero que muestran sobre todo la presencia de un lenguaje original, resultado de una compleja elaboración.
En efecto, cada obra está precedida por una"representación teatral" que la artista vuelca a la tela con fuerte dramatismo.
La muestra, titulada con toda propiedad "Personajes en busca de su autor", está integrada por una veintena de obras, que a veces remiten al surrealismo o a la pintura metafísica, pero que muestran sobre todo la presencia de un lenguaje original, resultado de una compleja elaboración.
En efecto, cada obra está precedida por una"representación teatral" que la artista vuelca a la tela con fuerte dramatismo.
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| "La consigna es resistir" |
La artista cuenta este interesante proceso: "Tengo una especie de pequeño teatro en mi taller. Allí, primero armo la escena‚ con modelos vivos y los ubico en las posturas y con la ropa que me va a servir para la pintura. En algunos casos agrego a la escena‚ algunos objetos que fui comprando en compraventas o mercados de pulgas y paneles de madera o cartón. En ese pequeño escenario resuelvo las luces y, básicamente, la composición. Una vez que logro la escena deseada, me pongo a pintar. O sea que la obra empieza mucho antes de que tome el pincel, ya que todo el armado de la escena‚ es parte de la obra y me da tanto placer armarla como pintarla".
Este camino de la artista hacia la imagen buscada, ya ha sido destacado por la crítica nacional e internacional. "El sentido del teatro es un elemento fundante de la pintura de María Luz Seghezzo; su cifra cultural es el punto de partida desde el cual se desata una perspectiva simbólica que resume inexorablemente aquella que comúnmente se ha denominado la condición humana", escribió Ernesto D‚Orsi, crítico, curador y dramaturgo, director artístico del Centro Artístico Europeo de la Piazza del Popolo, de Roma.
Este camino de la artista hacia la imagen buscada, ya ha sido destacado por la crítica nacional e internacional. "El sentido del teatro es un elemento fundante de la pintura de María Luz Seghezzo; su cifra cultural es el punto de partida desde el cual se desata una perspectiva simbólica que resume inexorablemente aquella que comúnmente se ha denominado la condición humana", escribió Ernesto D‚Orsi, crítico, curador y dramaturgo, director artístico del Centro Artístico Europeo de la Piazza del Popolo, de Roma.
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| "Entre voces" |
Por su parte, el crítico argentino Lucas Fragasso escribió a propósito de esta muestra: "Los personajes puestos en el escenario por María Luz Seghezzo; reconcentrados, solitarios y ensimismados permanecen expectantes frente a acontecimientos de los cuales nada se sabe; indigentes, solo dependen de sí mismos, de la comedia de la improvisación, de la Commedia dell' arte".
Y se pregunta al final de su texto: "¿No hay acaso en las figuras de María Luz Seghezzo una pantomima que afecta a esas mujeres sensuales y distantes, tímidas y concentradas? ¿No son acaso sus expresiones gestos de títere? Gestos donde cada movimiento particular tiene su centro de gravedad propio, pero el conjunto de ellos configura -como von Kleist mostró- una ceremonia similar a la más exquisita danza y de la más pura armonía. Tal vez las obras de María Luz Seghezzo vuelven visible esa armonía".
María Luz Seghezzo nació en Buenos Aires y se licenció en Artes Visuales por la Universidad de Rosario. Ha expuesto en importantes espacios de Córdoba, Rosario y Buenos Aires como el Palais de Glace y el Centro Cultural Recoleta y su obra se exhibió reiteradamente en la galería Spacio Visivo en Roma. Además realizó muestras en Chile y Estados Unidos y obtuvo premios nacionales e internacionales.
La exposición permanecerá hasta el 27 de junio y, entre el 5 de Agosto y el 3 de Septiembre, se exhibirá en el Museo de Arte Moderno de Santa Fe.
María Luz Seghezzo nació en Buenos Aires y se licenció en Artes Visuales por la Universidad de Rosario. Ha expuesto en importantes espacios de Córdoba, Rosario y Buenos Aires como el Palais de Glace y el Centro Cultural Recoleta y su obra se exhibió reiteradamente en la galería Spacio Visivo en Roma. Además realizó muestras en Chile y Estados Unidos y obtuvo premios nacionales e internacionales.
La exposición permanecerá hasta el 27 de junio y, entre el 5 de Agosto y el 3 de Septiembre, se exhibirá en el Museo de Arte Moderno de Santa Fe.
Adrián Villar Rojas representa a la Argentina en la 54° Bienal Internacional de Venecia
Dos meses de trabajo in-situ, diez escultores y constructores, seis asistentes, productores y diseñadores, y 25 toneladas de materiales consumió la producción de la instalación El asesino de tu herencia, con la que Adrián Villar Rojas representa a la Argentina en la 54° Bienal Internacional de Venecia, y que quedará oficialmente inaugurada el próximo 3 de junio de 2011.
La obra está emplazada en un destacado espacio de los Arsenales, en el corazón mismo del importante evento del arte contemporáneo, frente al predio donde se ubicará el Pabellón Nacional permanente de nuestro país cuando ese mismo día se firme el comodato con la fundación que gestiona la Biennale.
La instalación toma como punto de partida las teorías de los multiversos, o universos paralelos, que proponen la posible coexistencia de mundos alternativos al nuestro como consecuencia de los diversos senderos que podría haber tomado la humanidad durante su historia evolutiva. Estas especulaciones se articulan con una ficción apocalíptica, en la que los últimos seres del planeta se confabulan para erigir una última obra artística de la especie. Todo esto da vida a un conjunto escultórico atravesado por referencias culturales heterogéneas de contundente impacto físico y emocional.
La obra está emplazada en un destacado espacio de los Arsenales, en el corazón mismo del importante evento del arte contemporáneo, frente al predio donde se ubicará el Pabellón Nacional permanente de nuestro país cuando ese mismo día se firme el comodato con la fundación que gestiona la Biennale.
La instalación toma como punto de partida las teorías de los multiversos, o universos paralelos, que proponen la posible coexistencia de mundos alternativos al nuestro como consecuencia de los diversos senderos que podría haber tomado la humanidad durante su historia evolutiva. Estas especulaciones se articulan con una ficción apocalíptica, en la que los últimos seres del planeta se confabulan para erigir una última obra artística de la especie. Todo esto da vida a un conjunto escultórico atravesado por referencias culturales heterogéneas de contundente impacto físico y emocional.
En palabras del curador Rodrigo Alonso, “Adrián Villar Rojas es un joven y talentoso artista que ha venido recibiendo una importante atención crítica en los últimos años. Con él representando a la Argentina en la Bienal de Venecia, profundizamos nuestro compromiso con la producción emergente, insuflamos energía y vitalidad al nuevo espacio, y apostamos al futuro, creando una plataforma que permita establecer un diálogo continuado con la escena artística internacional.”
“Su obra posee un tinte marcadamente personal. Reúne la experimentación formal con la construcción de una narrativa que le permite reflexionar sobre el arte, sus modos de aparición, su sentido y su significación en el final de los tiempos y del mundo. Sus últimas piezas parten de un relato que desde un futuro hipotético reflexiona sobre el presente, desplegando cierta dimensión política de la fantasía. Desde una mirada situada en ese fin del mundo –el nuestro– nos propone repensar el lugar de la creación artística como un refugio de la existencia, la pasión y la sensibilidad.”
“Al mismo tiempo, Villar Rojas entiende su producción como una alternativa a la imagen tradicional del arte latinoamericano, ligada a la simplicidad y las prácticas ready-made. Por tal motivo, emprende proyectos ambiciosos, complejos, que buscan dialogar con la obra de sus pares internacionales al mismo nivel de potencialidad y riesgo.”
La instalación que se presenta en la Bienal de Venecia, tendrá una continuación en una pieza monumental similar que será emplazada en el Jardin de Tuileries de Paris durante 2011, con la cooperación de SAM ART Projects y el Musée du Louvre.
La presentación en Venecia estará acompañada por la publicación de dos libros, uno dedicado a los proyectos monumentales de Adrián Villar Rojas, editado por Kültur Büro (Bélgica), y el catálogo oficial de la representación argentina en la Bienal de Venecia, editado por la Cancillería Argentina (Buenos Aires).
El equipo de trabajo del artista para esta ocasión estuvo compuesto por: César Martins, Alan Legal, Mariano Marsicano, Luis Miguel Villar Rojas, Nicolás Panasiuk, Martín Paziencia, Andrés Gauna, Matheus Villarinho, Adriano Nasutti-Wood, Laura Langer, Vanina Scolavino, Cecilia Szalkowicz, Sebastián Villar Rojas, Julia Enriquez, Margherita Guastamacchia, Juan Beccar Varela, Mariana Sández
“Su obra posee un tinte marcadamente personal. Reúne la experimentación formal con la construcción de una narrativa que le permite reflexionar sobre el arte, sus modos de aparición, su sentido y su significación en el final de los tiempos y del mundo. Sus últimas piezas parten de un relato que desde un futuro hipotético reflexiona sobre el presente, desplegando cierta dimensión política de la fantasía. Desde una mirada situada en ese fin del mundo –el nuestro– nos propone repensar el lugar de la creación artística como un refugio de la existencia, la pasión y la sensibilidad.”
“Al mismo tiempo, Villar Rojas entiende su producción como una alternativa a la imagen tradicional del arte latinoamericano, ligada a la simplicidad y las prácticas ready-made. Por tal motivo, emprende proyectos ambiciosos, complejos, que buscan dialogar con la obra de sus pares internacionales al mismo nivel de potencialidad y riesgo.”
La instalación que se presenta en la Bienal de Venecia, tendrá una continuación en una pieza monumental similar que será emplazada en el Jardin de Tuileries de Paris durante 2011, con la cooperación de SAM ART Projects y el Musée du Louvre.
La presentación en Venecia estará acompañada por la publicación de dos libros, uno dedicado a los proyectos monumentales de Adrián Villar Rojas, editado por Kültur Büro (Bélgica), y el catálogo oficial de la representación argentina en la Bienal de Venecia, editado por la Cancillería Argentina (Buenos Aires).
El equipo de trabajo del artista para esta ocasión estuvo compuesto por: César Martins, Alan Legal, Mariano Marsicano, Luis Miguel Villar Rojas, Nicolás Panasiuk, Martín Paziencia, Andrés Gauna, Matheus Villarinho, Adriano Nasutti-Wood, Laura Langer, Vanina Scolavino, Cecilia Szalkowicz, Sebastián Villar Rojas, Julia Enriquez, Margherita Guastamacchia, Juan Beccar Varela, Mariana Sández
Veintitrés artistas argentinos en la Bienal de Venecia 2011
En el ámbito de la 54ª Bienal Internacional de Arte se presenta en Venecia, en la Isla de San Servolo, esta muestra de veintitrés artistas argentinos curada por Massimo Scaringella que despliega un recorrido por el arte contemporáneo de la Argentina, desde el 1º de junio hasta el 27 de noviembre de 2011.
El arte argentino actual, de algún modo hijo de Europa pero vivido y operado en una línea latinoamericana, refleja una separación entre la obra y el contexto en donde son muy fuertes los recuerdos de la historia y la materialización del presente. Y sea cual sea el alma básica del proceso, figurativa, abstracta o conceptual/digital, se notan dos vías distintas: aquella colorístico-matérica, con una fuerte impronta abstracta, y aquella ligada a la proyectualidad de la obra y al auténtico conceptualismo visual.
Las obras presentadas en esta muestra marcan un recorrido posible en la realidad artística del país, mostrando junto a creadores de clara fama, tanto nacional como internacional, a algunas jóvenes promesas que permiten augurar un buen futuro en la producción de ulteriores obras de un óptimo nivel.
Las obras presentadas en esta muestra marcan un recorrido posible en la realidad artística del país, mostrando junto a creadores de clara fama, tanto nacional como internacional, a algunas jóvenes promesas que permiten augurar un buen futuro en la producción de ulteriores obras de un óptimo nivel.
Se presentarán obras de: Silvia Abrevaya, Gala Berger, María Rosa Braile, Alejandra Brito, Alfonso Castillo, Juan Cavallero, Fe Cipriani, Yvonne Delor, Patrizia Dottori, Silvina Figueiras, Carlos Gigena Seeber, Mirta Gontad, Eduardo Hoffmann, Isabel Hooft, Jazz Buk, Hilda Marinsalda, Uri Negvi, Silvia Ovsejevich, Diana Randazzo, Mónica Rizzi, Mercedes Sierra, Carlos Vera y Marcela Zelikowicz. Esta exposición se realiza con el auspicio de la Embajada de Argentina en Italia.
30 de mayo de 2011
Restauran un valioso tapiz flamenco del siglo XVII en el Museo Larreta, con el apoyo de la Fundación Bunge y Born
Un tapiz flamenco de cuatro siglos de antigüedad, que perteneció al gobernador de Flandes en 1612 y que el fundador de la ciudad de La Plata, Dardo Rocha, compró en España para su residencia en la calle Lavalle, comenzó a ser restaurado en el Museo de Arte Español Enrique Larreta, con el apoyo de la Fundación Bunge y Born.
La obra, una verdadera joya de la Escuela de Flandes del siglo XVII, se llama "Dialogo entre Alejandro y Diógenes", mide 3,42m x 3,84m y está en muy mal estado de conservación. Pertenece al Museo Larreta que lo adquirió en 1968 en 1 millón 250 mil pesos equivalentes a 5000 dólares de la época, aunque los expertos dicen que su valor internacional era superior a los 10 mil dólares de la época. Se estima que su valor en la actualidad es varias veces superior.
El tapiz tiene una historia interesante. Perteneció originalmente a Don Gabriel Núñez de Guzmán, Marqués de Toral en 1612 y gobernador de Flandes, en la época de Felipe III. La pieza pasó por varias manos hasta que fue adquirida en España por el Dr. Dardo Rocha, quien lo tuvo colgado en su residencia porteña hasta su fallecimiento en 1921.
Fue expuesto en la muestra de Colección de tapices, siglos XV al XVIII, organizada en 1939 por el Museo Nacional de Arte Decorativo En el catalogo figura como propiedad de la familia de Dardo Rocha.
En 1965, la Casa de Arte Moctezuma se lo ofrece al Museo Larreta por la suma que se menciona más arriba. La compra se concretó tres años más tarde.
Fue expuesto en la muestra de Colección de tapices, siglos XV al XVIII, organizada en 1939 por el Museo Nacional de Arte Decorativo En el catalogo figura como propiedad de la familia de Dardo Rocha.
En 1965, la Casa de Arte Moctezuma se lo ofrece al Museo Larreta por la suma que se menciona más arriba. La compra se concretó tres años más tarde.
Epson y el arte digital en América Latina
La Galería de Arte Digital Epson, ubicada en la Ciudad de México D.F., fue inaugurada bajo la premisa del evidente complemento que resultan las artes y la tecnología, la misma que le dio al arte las herramientas para llegar a las personas, y a su vez, arte que ha dado formas creativas a la tecnología. Este espacio dedicado exclusivamente a la técnica digital fue inaugurado en el año 2002, con el objetivo de promover y difundir este estilo tan particular, como así también para que las personas puedan conocer otras formas de expresión, y adentrarse en las nuevas corrientes artísticas.
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| Galería Digital Epson México |
Epson Argentina, por su parte en diciembre de 2001 conjuntamente con el Centro Cultural Recoleta, inauguró la Sala de Arte Digital Prometeus Espacio Digital, constituyéndose en un espacio permanente donde mensualmente es exponen muestras de artistas emergentes y consagrados.
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| Sala Prometeus en el Centro Cultural Recoleta - Epson Argentina |
El trabajo conjunto entre los artistas y Epson, consiste en poner a disposición de los primeros, los distintos medios de impresión en pequeño y gran formato con calidad fotográfica. También los scanners de alta definición de captura o la diversa gama de papeles en los que se puede plasmar la producción creativa. Completan el aporte, la disponibilidad de distintas gamas de video proyectores que permiten las video instalaciones multimediales.
Cada año dispone recursos en todos los países de Latinoamérica con el fin de apoyar el desarrollo e implementación de proyectos de arte digital, combinando tecnología y creatividad, ésta contribución busca ser el espacio por excelencia dedicado a esta expresión.
Cada año dispone recursos en todos los países de Latinoamérica con el fin de apoyar el desarrollo e implementación de proyectos de arte digital, combinando tecnología y creatividad, ésta contribución busca ser el espacio por excelencia dedicado a esta expresión.
El espacio Stile Italia presenta a Hermenegildo Sabat con la muestra “Los clásicos”
Fiat presentó la muestra “Los clásicos” del artista Hermenegildo Sábat en el marco de la nueva edición de Gallery Nights. Las obras estarán en exposición desde el viernes 27 de mayo en el espacio Stile Italia, sito en Posadas 1029, y podrán ser visitadas durante todo el mes de junio.
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| Alberto Ginastera |
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| Émile Frédéric Jules Massenet |
Su carrera en los medios comenzó en Uruguay, donde colaboró en Marcha, Acción y El País. En Argentina trabajó en Editorial Abril, revista Primera Plana, Buenos Aires Herald, La Opinión, Crisis y El periodista.
Sus libros de dibujos hacen referencia a distintos temas, aunque el tango y el jazz ocupan un lugar privilegiado. Algunos son “Al troesma con cariño” (1971), “Scat” (1974), “Dogor” (1979) y “Tango Mío” (1981).
Fue declarado ciudadano ilustre de Montevideo y de Buenos Aires. En 1988 la Universidad de Columbia le entregó el María Moors Cabot por los dibujos satíricos que hizo durante la última dictadura militar. En 1997 fue declarado “Personalidad Emérita de la cultura Argentina”.
2° Muestra de Artistas Coreanos en Argentina
El Centro Cultural Coreano albergará una vez más la muestra de Artistas Coreanos residentes en nuestro país, quienes nos darán a conocer no sólo su talento sino también la influencia que su vida en Argentina ha tenido en ellos. Así se edifica, nuevamente, un puente cultural que une a ambas naciones.
La exhibición se puede apreciar de lunes a viernes de 11 a 13 y de 14:30 a 17:30 hs. en la sala de exhibiciones temporales del Centro Cultural Coreano, Coronel Díaz 2884 -entre Castex y Av. Libertador- hasta el viernes 17 de junio de 2011.
"invocando el verano eterno", una instalación de Juan Miceli en Itaú Cultural
Del 26 de mayo al 24 de junio se presenta en el patio de Itaú Cultural -Cerrito 740/48, CABA- la instalación de Juan Miceli "invocando el verano eterno", con la curaduría de Nora Schulman.
"Ninguna potencia se nos aparece o manifiesta sin un pequeño chantaje, ninguna nos dará aquello que tienen para dar sin una ofrenda. Me ofrezco entonces yo mismo, carne y alma como médium para que hablen a través de mí.
Cruzo el umbral, desaparezco.
Vuelvo al mundo real de la mano del verano eterno." Juan Miceli
Vuelvo al mundo real de la mano del verano eterno." Juan Miceli
"La obra de Juan Miceli consiste en abrir la puerta a esos seres que lo habitan, que son, fueron o serán él. No hay boceto ni conceptualizaciones previas. Existe sí, la obsesión por re-significar hechos, objetos y palabras. En su hacer queda clara la voluntad de empujar y torcer sus funciones y sentido. Así el artista se transforma en objeto y el patio Cultural Itau, hoy, se convierte en la vidriera para esta temporada, verano eterno que se plantea como definitiva". Nora Schulman, curadora.
29 de mayo de 2011
Arte en el BAC: Agustina Sáez
El miércoles 1º de junio el British Arts Centre inaugura la muestra "Variaciones" de Agustina Sáez.
Se puede visitar de martes a viernes de 16 a 21 hs. hasta el 24 de junio (gallery nights) con entrada libre y gratuita en Suipacha 1333.
"Postales de viaje, ríos, lianas, tierra seca.
Subir y bajar las montañas. Las estrellas se caen.
Pasto y pájaros. El paisaje impregnado en la retinas.
El viaje se temrina y el paisaje se escapa, sobreviene otra cosa.
Líneas sinuosas, enredaderas de líneas, pesadas.
La pintura es lava caliente, siempre.
Si fuera tan azul.
...una hierba es una antena...
Hiedra infinita." Florencia Qualina
Subir y bajar las montañas. Las estrellas se caen.
Pasto y pájaros. El paisaje impregnado en la retinas.
El viaje se temrina y el paisaje se escapa, sobreviene otra cosa.
Líneas sinuosas, enredaderas de líneas, pesadas.
La pintura es lava caliente, siempre.
Si fuera tan azul.
...una hierba es una antena...
Hiedra infinita." Florencia Qualina
28 de mayo de 2011
A un año de la muerte de Louise Bourgeois, 45 mil personas ya vieron su muestra en Proa
Con admisión libre para todos los asistentes, el próximo martes 31 de mayo de 11 a 19 hs., Fundación Proa conmemora el primer año de la muerte de Louise Bourgeois (París, 25 de diciembre de 1911 - Nueva York, 31 de mayo de 2010).
La fecha coincide con la presentación en Proa de la mayor exposición de la artista en Latinoamérica, "Louise Bourgeois: el retorno de lo reprimido", que desde su inauguración en la sede de La Boca, el sábado 19 de marzo, convoca miles de visitantes: ya han recorrido sus salas 45.000 personas.
La fecha coincide con la presentación en Proa de la mayor exposición de la artista en Latinoamérica, "Louise Bourgeois: el retorno de lo reprimido", que desde su inauguración en la sede de La Boca, el sábado 19 de marzo, convoca miles de visitantes: ya han recorrido sus salas 45.000 personas.
"Maman", la gigantesca araña de la artista instalada en la vereda de Proa, continúa acercando una inestimable cantidad de público, entre asistentes a la exhibición, docentes, estudiantes, turistas, transeúntes y vecinos. Maman continuará expuesta en la explanada de Proa hasta el 24 de julio. La muestra, en cambio, cierra el 19 de junio.
Hacia el fin de la exposición, el catálogo "Louise Bourgeois: el retorno de lo reprimido", habrá agotado su primera edición, alcanzando un récord y determinando otro de los factores que convierten a la exhibición en un destacado acontecimiento artístico.
Hacia el fin de la exposición, el catálogo "Louise Bourgeois: el retorno de lo reprimido", habrá agotado su primera edición, alcanzando un récord y determinando otro de los factores que convierten a la exhibición en un destacado acontecimiento artístico.
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| Louise Bourgeois contemplando Germinal, 1967. Fotografía: Studio Fotográfico I. Bessi Carrara. |
Como parte de la conmemoración, Proa publicará a partir del martes 31 en su página web, www.proa.org, y en versión bilingüe con traducción simultánea, una audioguía de la muestra realizada por su curador, Philip Larratt-Smith. Un material de notable valor, disponible para descargas.
Además, el martes a las 16 hs., los asistentes podrán profundizar en el universo creativo de Bourgeois con la proyección del documental "Chère Louise", de Brigitte Cornand: un viaje al interior de una artista inclasificable.
"Louise Bourgeois: el retorno de lo reprimido" emprenderá en julio una itinerancia que la llevará, primero, al Instituto Tomie Ohtake, en San Pablo (Brasil), y en septiembre, al Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (Brasil).
Además, el martes a las 16 hs., los asistentes podrán profundizar en el universo creativo de Bourgeois con la proyección del documental "Chère Louise", de Brigitte Cornand: un viaje al interior de una artista inclasificable.
"Louise Bourgeois: el retorno de lo reprimido" emprenderá en julio una itinerancia que la llevará, primero, al Instituto Tomie Ohtake, en San Pablo (Brasil), y en septiembre, al Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (Brasil).
Inauguraciones en Espacio 10 Arte
El martes 31 de mayo de 19 a 21 hs. Espacio 10 Arte inaugura la exhibición de los artistas: Noelia Rodríguez, Anna y Dolores Noguer, Cristina San Martin, Laila Gruarin, Clara Bonholzer y su grupo, Fabiana Laborde.
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| Obras de Noelia Rodríguez y Laila Gruarin |
Esta exhibición podrá visitarse hasta el 14 de Junio de 2011 en Guatemala 4757, de lunes a Viernes de 15 a 20 hs. con entrada libre y gratuita.
Julio López Vietri expone en el Centro Cultural Borges
Hasta el 12 de junio se exhibe en el Centro Cultural Borges, la muestra "Vivencias y geometría en mi mundo interno" del artista Julio López Vietri.
La exposición ofrece un acercamiento a las metáforas visuales. Vietri trabaja la figura y las abstracción con expresividad geométrica y lineal. Su obra tiene mucho que ver con la geometría abstracta y el constructivismo. En ese sentido, el artista señala: "Tanto lo metafísico como el surrealismo están presentes en mi obra. Tomo una actitud frente al mundo del inconsciente, el mundo de los sueños, tratando de proyectarme hacia un futuro incierto que, pareciera, lo tengo claro".
Julio López Vitri nació en Martínez, Provincia de Buenos Aires, el 27 de diciemnte de 1950. En 1977 egresó como Arquitecto de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de Buenos Aires.
Entre 1988 y 1992 realizó estudios de dibujo, pintura, historia universal del arte y capacitación artística en la Escuela Superior de Bellas Artes de La Nación "Ernesto de la Cárcova". Además, entre los años 1990 y 1993 llevó a cabo estudios de Urbanismo, en la Facultad de Arquitectura.
Algunos de sus maestros en el arte fueron Miguel Angel Bengochea, Ruben Celestino Daltoé, Miguel Angel Vidal y Marta Inés Fernández. Ha intervenido en más de 20 exposiciones individuales y más de 40 exposiciones colectivas en Argentina, Chile, Uruguay y España. Ha participado como jurado en numerosos concursos de pintura, y fue artista durante varios años en el Grupo Bapro.
Algunos de sus maestros en el arte fueron Miguel Angel Bengochea, Ruben Celestino Daltoé, Miguel Angel Vidal y Marta Inés Fernández. Ha intervenido en más de 20 exposiciones individuales y más de 40 exposiciones colectivas en Argentina, Chile, Uruguay y España. Ha participado como jurado en numerosos concursos de pintura, y fue artista durante varios años en el Grupo Bapro.
Rosario Briones realiza su primera muestra individual en el Centro Cultural Recoleta
La artista Rosario Briones, expone su obra en la sala 11 del Centro Cultural Recoleta, "Entre la memoria y la imaginación" hasta el 10 de julio inclusive. Es el resultado del trabajo de estos últimos años y su primera muestra individual.
“Qué fácil es a veces borrar el umbral entre memoria e imaginación, sabemos que los recuerdos se magnifican o se esfuman, pero nadie conoce el mecanismo de la memoria.
La serie de pinturas de Rosario Briones nos pone frente a esta cuestión. Nuestra artista es una mujer que indaga el alma femenina; en gran parte de sus obras no hay más que figuras de mujeres, especialmente niñas, como si se remontara a su propio pasado o si imaginara la vida de otra. Cada uno de sus cuadros funciona de manera autónoma, pero a la vez son parientes de una gran familia” comenta el crítico Julio Sánchez.
La serie de pinturas de Rosario Briones nos pone frente a esta cuestión. Nuestra artista es una mujer que indaga el alma femenina; en gran parte de sus obras no hay más que figuras de mujeres, especialmente niñas, como si se remontara a su propio pasado o si imaginara la vida de otra. Cada uno de sus cuadros funciona de manera autónoma, pero a la vez son parientes de una gran familia” comenta el crítico Julio Sánchez.
Esta muestra compuesta por una colección de 10 cuadros realizados sobre diversos soportes como telas de tapicería con algunos materiales asociados a lo estrictamente femenino, se mantienen siempre dentro de los límites de la pintura.
Se podría decir que la esencia de su trabajo parte de la estética de lo femenino. Pero a diferencia de los retratos, en este caso lo que habla es el cuerpo. Son escenas donde la mujer es protagonista de distintas situaciones o emociones universales que la marcan de una manera única, la conciencia de su sensualidad, la pasión, el drama y el suspenso.
Lo atemporal, los sueños o recuerdos del pasado y cierta narrativa están cargados de dramatismo y subjetividad, constituyendo su interés pictórico.
Se podría decir que la esencia de su trabajo parte de la estética de lo femenino. Pero a diferencia de los retratos, en este caso lo que habla es el cuerpo. Son escenas donde la mujer es protagonista de distintas situaciones o emociones universales que la marcan de una manera única, la conciencia de su sensualidad, la pasión, el drama y el suspenso.
Lo atemporal, los sueños o recuerdos del pasado y cierta narrativa están cargados de dramatismo y subjetividad, constituyendo su interés pictórico.
27 de mayo de 2011
“Torres García. Utopía y tradición” en el MUNTREF
La exposición de Torres García está conformada por 72 pinturas, dibujos y esculturas hechos en tela, cartón, papel y madera.
Aníbal Jozami, rector de la UNTREF, señala: “Con este proyecto buscamos ampliar las oportunidades para ingresar en el mundo del arte moderno a partir de un repertorio significativo de obras. Ya sentamos nuestro interés en este sentido en exposiciones como las de Antonio Berni o Pablo Picasso, entre otras tantas realizadas desde 2002, cuando nace MUNTREF. Avanzamos ahora con este artista clave para la historia del arte moderno, ya que ha sido él quien señaló un punto de inflexión en el debate sobre la abstracción y el lugar de las artes en el universo cultural de la primera mitad del siglo XX”.
El proyecto expositivo abarca dos muestras simultáneas:“La ciudad y los signos”, con la curaduría de Gabriel Peluffo Linares, que comprende 50 obras del artista uruguayo; y otra con 22 obras de los alumnos del taller de Torres García “Norte en el Sur, el legado de Joaquín Torres García”, curada por Laura Malosetti.
“Torres García. Utopía y tradición” está acompañado por la publicación de un libro catálogo del mismo nombre, que reúne los ensayos curatoriales de Peluffo y Malosetti, más una serie de artículos de Edward Sullivan, de la Universidad de Nueva York; Jacqueline Lacasa, de la Universidad de la República en Uruguay; y Norberto Griffa y Pablo Jacovkis, de la UNTREF.
En “La ciudad y los signos” puede seguirse el recorrido de las investigaciones de Torres-García en la pintura, el dibujo y la escultórica urbana, desde el momento que se hace cargo de las potencialidades individuales frente al desafío de la vida y la ciudad modernas (“El descubrimiento de sí mismo”, 1917), hasta la consolidación doctrinaria de lo que denominó Arte Constructivo (1930-1949), un modo de producción simbólica que partiendo de ciertas condiciones de espacio y de tiempo contemporáneas, pretendió volver a encontrarse con el saber oculto de las grandes tradiciones culturales de la humanidad. En ese proceso, la ciudad como laboratorio del sentido ocupó el lugar central de su experiencia estética y de su elaboración conceptual.
En tanto, las obras de sus alumnos que integran “Norte en el Sur” fueron realizadas a partir de los años ’50, luego de la muerte del maestro y cuando cada artista tomaba su propio camino de reflexión respecto de la experiencia compartida. Las enseñanzas de Torres García tomaron, en cada uno de estos artistas, un camino diferente, aunque resulta evidente en ellos una serie de elementos y principios en común que permanece en el tiempo. Participan con sus obras Gonzalo Fonseca, Manolita Piña de Torres, Walter Deliotti, Augustin Torres, Manuel Pailós, Sergio de Castro, Amalia Nieto, Joaquín Torres García, Horacio Torres, Julio Alpuy, Alceu Ribeiro, José Gurvich, Alberto Delmonte, Juan Antonio Cavo, Adolfo Nigro, Hector Ragni y Francisco Matto.
Joaquín Torres García nació en Montevideo en 1874. A los 17 años, se radicó en Barcelona donde realizó su formación artística.
Se destacó como uno de los principales impulsores de la vida artística e intelectual de esa ciudad participando del movimiento Noucentista Catalán, basado en un retorno al clasicismo y al arraigo en la tradición mediterránea. En 1917 publicó su libro "El descubrimiento de Sí Mismo".
A partir de 1920 viajó por Nueva York, Italia y París, donde se estableció en 1928. Se relacionó con los principales exponentes de las vanguardias; junto a Seuphor y otros artistas abstractos creó el grupo y la revista Cercle el Carré. Elaboró su sistema estético-filosófico; el Universalismo Constructivo, un arte construido en base a los principios de proporción, unidad y estructura.
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| "Estación", 1918, óleo sobre cartón Colección privada. Gentileza Galería Sur, Punta del Este |
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| "Hombre Universal", 1938, tinta sobre papel Museo Torres García. Montevideo |
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| Izq.: Alceu Ribeiro. Col. privada. Gentileza Galería Sur, Punta del Este Der.: Adolfo Nigro. Colección del artista, Buenos Aires |
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| Puerto Metafísico, 1947, óleo sobre tela Colección privada. Gentileza Galería Sur, Punta del Este |
Se destacó como uno de los principales impulsores de la vida artística e intelectual de esa ciudad participando del movimiento Noucentista Catalán, basado en un retorno al clasicismo y al arraigo en la tradición mediterránea. En 1917 publicó su libro "El descubrimiento de Sí Mismo".
En 1934 regresó a Uruguay con el ideal de impulsar un arte propio e inédito para el continente americano bajo los postulados de la doctrina Constructiva. Realizó una intensa labor didáctica dictando más de 500 conferencias sobre arte y estética. Reanudó la publicación de "Círculo y Cuadrado", construyó el Monumento Cósmico Constructivo en granito, editó varios libros, entre ellos Estructura, La Ciudad sin Nombre, La tradición del Hombre Abstracto y Universalismo Constructivo. Pintó la serie de retratos constructivos "Hombres Héroes" y "Monstruos".
En 1942 se formó el Taller Torres García, lugar de trabajo y enseñanza colectiva, donde hizo transitar a sus discípulos el camino del arte, no por la sola imitación de las formas externas, sino enfrentando los más íntimos problemas del quehacer artístico, con la consigna de que el artista es primero un hombre, y que se debe ser para hacer.
Es así que forjó una escuela pictórica uruguaya y americana con identidad propia; La Escuela del Sur, que permanece como uno de los más consistentes movimientos artísticos del siglo XX.
Falleció en Montevideo el 8 de agosto de 1949.
Es así que forjó una escuela pictórica uruguaya y americana con identidad propia; La Escuela del Sur, que permanece como uno de los más consistentes movimientos artísticos del siglo XX.
Falleció en Montevideo el 8 de agosto de 1949.
Salió la Guía de Artes Visuales 2011
Se presentó en Arte Ba, la quinta edición de la Guía de Artes Visuales. En casi 500 páginas, editadas a todo color, en papel ilustración brinda toda la información necesaria para quienes se desempeñan en el campo de las Artes Visuales.
Está dividida en 5 grandes rubros: Artistas, Exhibición, Capacitación, Insumos y Servicios y en más de 60 subrubros como museos, galerías, art dealers, centros culturales, fundaciones, asociaciones, espacios no convencionales, anticuarios, casas de remate, cursos, talleres, universidades y escuelas, concursos, premios, becas, ferias, bibliotecas y archivos, librerías artísticas, marquerías, vidrierías, hornos, fundiciones, madereras, acrílicos, cerámicas, restauradores, diseñadores gráficos y de páginas web, diseñadores de joyas, iluminación, fotografía, imprentas, multicopiado de cds y dvds, carteles y gigantografías, medios especializados, periodistas, críticos y curadores, oficinas de prensa, traslado de obras, servicios de aduana y datos útiles, entre muchos otros.
Como broche final posee un completísimo índice, primero dividido por rubros y luego por nombre lo que facilita la búsqueda de manera rápida y sencilla.
La Guía se puede adquirir en: Las Heras 2166 2° / Olga Cosettini 1135 1° D o solicitarla por mail a: guiadeartesvisuales@fibertel.com.ar / guiadeartesvisuales@yahoo.com.ar o telefónicamente a los números: 4805-2126 / 4804-2927 / 5290-2625 / 15-6172-2112.
Como broche final posee un completísimo índice, primero dividido por rubros y luego por nombre lo que facilita la búsqueda de manera rápida y sencilla.
La Guía se puede adquirir en: Las Heras 2166 2° / Olga Cosettini 1135 1° D o solicitarla por mail a: guiadeartesvisuales@fibertel.com.ar / guiadeartesvisuales@yahoo.com.ar o telefónicamente a los números: 4805-2126 / 4804-2927 / 5290-2625 / 15-6172-2112.
Malba presenta una selección de obras de Pettoruti realizadas durante la primera mitad del siglo XX
Malba – Fundación Costantini presenta "Pettoruti y el arte abstracto. 1914 -1949", una selección de 37 obras realizadas por el artista argentino Emilio Pettoruti (1892-1971) durante la primera mitad del siglo XX. Curada por Patricia Artundo, esta exposición propone repensar la relación de Pettoruti con el arte abstracto, ineludible para comprender gran parte de su producción artística.
Se exhiben, collages, óleos y acuarelas, realizados por el artista entre 1914 y 1949, período que abarca sus primeros años en Italia, su regreso a la Argentina y sus posteriores viajes por Europa antes de instalarse definitivamente en París.
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| Guadalupe Requena y Patricia Artundo |
A cuarenta años de su fallecimiento, el objetivo es reflexionar acerca de lo que se ha pensado y escrito sobre Pettoruti durante los últimos años. “Recuperar desde las obras su propio ejercicio reflexivo, caracterizado por la complejidad, la variedad y la densidad de sus propuestas”, afirma Artundo, curadora de la exposición.
Las obras que integran la exposición provienen de colecciones particulares y de colecciones públicas, como el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires; el Museo de Artes Plásticas “Eduardo Sívori” de Buenos Aires; el Museo Castagnino + MACRO de Rosario; el Museo Provincial de Bellas Artes “Emiliano Guiñazú” (Casa de Fader) de Mendoza; el Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Pettoruti”- Instituto Cultural de La Plata; y la Cancillería Argentina, Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto, entre otras.
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| "Armonia-movimento-spazio (disegno astratto)", 1914, carbonilla y lápiz sobre papel. Colección Eduardo F. Costantini |
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| "Vallombrosa", 1916, óleo sobre tela Colección Eduardo F. Costantini |
maestros italianos para realizar otro tipo de investigaciones que lo llevaron, por otro camino, a la abstracción: la realización de mapas cromáticos a partir de la obra del Beato Angelico; la generación de nuevas estructuras compositivas y espaciales desde su lectura de los frescos de Masaccio; la creación de armonías tonales con los venecianos; la investigación acerca de la luz y su incidencia sobre las superficies ejercitada desde el estudio de la técnica del mosaico y del vitraux”, explica
En 1913 se trasladó a Florencia, Italia, donde se encontró con otros artistas argentinos y latinoamericanos. Allí abandonó sus estudios académicos muy pronto y se dedicó a observar las obras de los grandes maestros y a estudiar diversas técnicas.
Entre 1916 y 1917 vivió en Roma, donde trabó amistad con los artistas del círculo vanguardista de las revistas Cronache d’Attualitá y Valori Plastici, entre ellos, Enrico Prampolini, Giorgio De Chirico y Carlo Carrà. Luego se instaló en Milán, donde fue admitido como “socio pittore” en la Famiglia Artistica.
En julio de 1924 regresó a Buenos Aires, donde se unió al grupo del periódico Martín Fierro y presentó en el Salón Witcomb su primera exposición tras once años de ausencia: las ochenta y seis obras exhibidas causaron un gran revuelo por su vanguardismo asociado al futurismo y cubismo.
En 1940, Amigos del Arte realizó una retrospectiva con cuarenta y una obras de 1917-1938. Importantes museos de los Estados Unidos lo invitaron a exponer individual y colectivamente; en 1943 el MoMA de Nueva York le compró su obra "Copa verde-gris." En 1948 realizó otra retrospectiva en el Salón Peuser y en 1950 la "Exposición retrospectiva del pintor Emilio Pettoruti", en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile. Al año siguiente viajó por Europa y en 1953 se instaló en París, donde inició su última etapa pictórica.
En sus últimos años presentó exposiciones en Bonn, Berlín, Bruselas y Ginebra, entre otras ciudades europeas, y representó a la Argentina en el envío a la XI Bienal Internacional de São Paulo de 1971. Falleció en París, el 16 de octubre de ese mismo año.
Complementando la exposición, se realizará un encuentro con la curadora Patricia Artundo, el miércoles 1 junio a las 18:30 hs., en la sala 3 del primer piso.
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| "Mosaico", 1917, acuarela sobre papel, Colección Fundación Pettoruti |
En julio de 1924 regresó a Buenos Aires, donde se unió al grupo del periódico Martín Fierro y presentó en el Salón Witcomb su primera exposición tras once años de ausencia: las ochenta y seis obras exhibidas causaron un gran revuelo por su vanguardismo asociado al futurismo y cubismo.
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| "La gran copa", 1949, óleo sobre tela, colección particular |
En sus últimos años presentó exposiciones en Bonn, Berlín, Bruselas y Ginebra, entre otras ciudades europeas, y representó a la Argentina en el envío a la XI Bienal Internacional de São Paulo de 1971. Falleció en París, el 16 de octubre de ese mismo año.
Hasta el 27 de junio se puede visitar esta excepcional muestra en Avda. Figueroa Alcorta 3415, de jueves a lunes y feriados de 12 a 20 hs. Miércoles hasta las 21 hs.
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