“El sutil encanto de la materia”, una exhibición antológica de Lucy Mattos marca la reapertura del museo que lleva su nombre

 

El sábado 14 de septiembre el Museo Lucy Mattos Arte Contemporáneo abrió nuevamente sus puertas con la exposición antológica de Lucy Mattos. 

 

Bajo el título “El sutil encanto de la materia” la muestra reúne obras de distintos períodos que dan cuenta de su permanente investigación sobre las posibilidades expresivas de diferentes materiales y técnicas. Los textos críticos que acompañan la exposición estuvieron a cargo de la Lic. Laura Casanovas y el Lic. Alejandro Zuy.

El nuevo recorrido propone descubrir la línea que subyace en todo el proceso creativo de Mattos y que permite trazar una correspondencia estética entre materiales tan diversos como el grafito, la madera, el bronce, el hierro, la resina y el acrílico, entre otros. La línea, en palabras de Laura Casanovas, se convierte en testigo vital de tiempos impetuosos.

 

Es la primera vez desde su inauguración en el 2012, que se exhibe una selección exclusiva de la obra de la artista. 

 

Lucy exhibe su más reciente obra, una intervención artística de un Jeep modelo CJ-5. Foto Pablo Jantus

 
El Museo Lucy Mattos los invita a vivir estos tiempos complejos y desafiantes inspirados por sus dibujos, pinturas, esculturas, instalaciones y joyas. Además, por primera vez, Lucy exhibe su más reciente obra, una intervención artística de un Jeep modelo CJ-5 que instalado en el área de estacionamiento del Museo recibirá y sorprenderá a todos los que se acerquen.

Pueden disfrutar de una experiencia sensorial en diálogo con temas tan contemporáneos como la condición de la mujer, el medioambiente y el compromiso social. Un museo donde las referencias lúdicas, los colores vibrantes, las texturas y las formas invitan a la reflexión y al autodescubrimiento.

Dice Alejandro Zuy: "Existe, en las obras de arte, un tenue equilibrio entre aquello que en ellas permanece inalterable y aquello que el paso del tiempo, con suma discreción, les adiciona. En cada oportunidad que son mostradas, pueden ser capaces al mismo tiempo de conservar su esencia y actualizar su relación con el mundo y con sus espectadores al cobrar nuevos significados".

Y mas adelante agrega: "En la disposición de las piezas que se encuentran exhibidas se han priorizado sus aristas afines subordinando, en parte, un posible orden cronológico. Ello se observa de modo peculiar en sus dibujos donde los cuerpos femeninos ocupan no sólo la centralidad del plano, sino que además parecen compartir un mismo ángulo y distancia de la mirada que los aborda independientemente de la época en que fueron representados. Algo similar ocurre con el conjunto de bosques antropomórficos que comparten el motivo y solamente se diferencian por la intensidad del trazo o el uso del color y con las esculturas, cuyas diversas texturas visuales obedecen a la pluralidad de los materiales utilizados y, sin embargo, mantienen una especificidad en su relación dialéctica con el espacio."

Mientras que Laura Casanovas expresa: "En las distintas manifestaciones artísticas elegidas por Lucy Mattos, sean la escultura, el dibujo, la pintura o la joyería, la línea es quien hace posible formas, texturas, volúmenes, luces y sombras. La enunciación de esta característica resulta fundamental porque supone una obra que tiende a la síntesis y a la estilización. Dichas cualidades, a su vez, hacen a sus propuestas fluctuar, con gran naturalidad, entre la figuración y la abstracción.

Aquellos conceptos seguidos por la artista a lo largo de los años como el amor, los cuerpos, el deseo, la paz, encuentran en la línea el anclaje y la expansión necesarios para trabajar diversas materialidades (grafito, madera, bronce, hierro, resina, acrílico y otros), generando siluetas también en la intersección entre humanidad y naturaleza."

"La sensibilidad perceptiva y estética De Mattos logra por igual formas de apariencias blandas con materiales rígidos en esculturas donde los vacíos se colman de vida y trazos generadores de entramados de etérea belleza. La línea es entonces testigo vital de tiempos impetuosos, donde lo humano y lo no humano necesitan más que nunca aliarse y fortalecerse."

Lucy Mattos nació en la provincia de Misiones, Argentina, donde vive hasta los siete años. Cursa sus estudios primarios y secundarios en la Ciudad de Buenos Aires. Es Profesora Nacional graduada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, especializada en Escultura. Hacia fines de la década de los 60 se traslada a San Isidro, en la zona norte de la provincia de Buenos Aires, allí establece su estudio y años más tarde, su museo.
A lo largo de su vida continuó su formación visitando reiteradas veces los museos más importantes del mundo.

Declarado de Interés Cultural, el Museo Lucy Mattos Arte Contemporáneo fue inaugurado en abril de 2012. Está ubicado en la localidad de Beccar, en el partido de San Isidro, provincia de Buenos Aires. La iniciativa surgió del interés de Lucy Mattos de mostrar su obra a la comunidad y de crear un espacio donde otros artistas pudieran exponer sus obras.

Lucy Mattos es creadora de la técnica transluz-intra-luz-neón, patentada en 1994 dado el carácter intrínsecamente original y no explorado hasta esa fecha.

 
Se puede visitar de de miércoles a sábado (domingo con cita previa)de 10 a 18 hs. (horario de invierno) y de 11 a 19 hs. (horario de verano) en Av. del Libertador 17.426, Beccar, San Isidro. Estacionamiento privado. Visitas escolares con reserva previa. 

Mas información sobre el museo:

WhatsApp +54 (11) 4732-2585 / T. +54 (11) 4747-1942

https://museolucymattos.com/
e. mail: info@museolucymattos.com
IG @museolucymattos

Biga Art Gallery presenta "Tierra intensa” de Beatriz Moreiro

Biga Art Gallery presenta "Tierra intensa”, una muestra de Beatriz Moreiro, con curaduría de Rodrigo Alonso.
Se puede visitar de lunes a viernes de 10 a 19 hs. en Arenales 1181, CABA.

 

Moreiro nació en Florida, provincia de Buenos Aires, el 19 de marzo de 1953. Desde 1978 residió en Resistencia. Se formó en Institutos de Arte de Buenos Aires.  Realizó viajes de estudio a Polonia, Francia y España. En el 2002, la Secretaría de Cultura de la Nación, la selecciona como becaria titular, para una pasantía en Cuenca, España. Desde 1992 a 1997 realizó Encuentros Latinoamericanos de Gráfica, en Resistencia. Premiada por la Academia de Bellas Artes de la República Argentina y en Salones y Bienales internacionales. En el 2005 fue becada por la Fundación CIEC, para realizar un postgrado en la Universidad de La Coruña, En 2012 y 2014 realizó junto a Matilde Marín, el evento La Gran Sombra en la provincia de Corrientes.

Su obra está centrada fundamentalmente en la naturaleza, con una presencia del entorno cada vez más gravitante. Esta producción se diversifica luego en otras expresiones como el dibujo mono y acromático, en construcción de objetos de gran tamaño, en acero inoxidable, como las caraguatás.

Realiza intervenciones en contextos naturales que la artista visita e investiga para recolectar y seleccionar vestigios del medio ambiente y de su propia historia. En los tres últimos años, realiza medianos y grandes dibujos de hongos- el quinto reino; arma objetos conformados por maderas duras, naturales o patinadas con grafito, en las cuales monta hongos de acero inoxidable de diversas formas y tamaños, que graba y moldea, antes de ser montados en el tronco. Graba sonidos del monte, grillos, ranas, pájaros, otros… que luego son editados, para dialogar con la obra. Así como también realiza video- instalaciones.
 

Dice Rodrigo Alonso en el texto que acompaña la exposición:
"Las obras de Beatriz Moreiro surgen de la observación meticulosa de un universo que es, al mismo tiempo, un reservorio inagotable de vida y un escenario de conflictos. “Mi punto de partida es un mundo agredido en su orden natural” – asegura la artista. Desde esta perspectiva, el señalamiento de un terreno todavía pródigo y de las especies que se abren paso sobre él, encarna una visión potente de una naturaleza que se resiste a perder protagonismo ante la avanzada de las civilizaciones hipertecnológicas contemporáneas. 
 

En los dibujos, plantas de diferentes y elegantes figuras – flores, hongos, verduras, hojas – brotan exultantes del papel a partir de las bondades más extremas del claroscuro. A diferencia de dibujos anteriores, en los cuales el blanco del soporte era preponderante, acá es el negro del grafito el que domina la conformación de las atmósferas cromáticas. Los objetos, solitarios o reunidos en conglomerados densos, tienden a ocupar el centro de la composición y a proyectarse desde allí con una intensidad centrífuga arrolladora. Los fondos engendran una profundidad aguda, quizás porque no son del todo lisos, sino que están elaborados mediante la continua y paciente superposición de capas de lápiz.
 

El libro de artista Flores en la noche (2021) prolonga este procedimiento para referir no sólo de un acontecimiento natural particular – las plantas que florecen al cobijo del cielo nocturno –, sino también, a la larga “noche” de la pandemia que asoló recientemente al planeta. “Entre noviembre y diciembre de 2020, en la chacra-estudio donde vivo y trabajo, emergieron en la oscura noche cientos de flores que se abrieron gigantes y esplendorosas. Las vi como un símbolo esperanzador” – relata Moreiro. Los dibujos fueron realizados copiando directamente a las flores en medio del sonido de los grillos; de ahí que el registro sonoro fuera incorporado luego a la publicación. 

Esta idea de una naturaleza que se sobrepone a las adversidades, que trasciende la muerte y la destrucción, reaparece en un conjunto de piezas escultóricas en las cuales unos hongos de metal germinan de troncos de madera inertes. La metáfora es potente. También lo es el vínculo sensible que surge de la contraposición de los materiales, de sus propiedades, cualidades y texturas.
 

Del juego de estos elementos y combinaciones, de sus formas y sentidos, nace una cosmología plástica que Beatriz Moreiro ha sabido modular hasta transformarla en una marca propia. En ella subyace un deseo que trasciende el gesto contenido de dibujos, esculturas e instalaciones. Un deseo que probablemente encarne el anhelo de buena parte de la humanidad: la necesidad de preservar la vida de una tierra desprotegida."

Terminó arteba 2024 en el Centro Costa Salguero

 

Con Santander como Patrocinador Principal y por tercer año en Centro Costa Salguero, la Fundación arteba realizó una nueva edición de su feria. Manteniendo el firme propósito de constituirse como plataforma de encuentro, artistas, galeristas, coleccionistas, curadores, referentes de la cultura y un público masivo confluyeron en esta gran celebración alrededor del arte contemporáneo.

Esta edición de arteba 2024, contó con la participación de más de 400 artistas, representados por 65 galerías de 16 ciudades diferentes. 

Larisa Andreani, presidenta de Fundación arteba, afirmó: "Estamos muy felices con esta edición de arteba. La feria se ha consolidado como un espacio de confianza para el coleccionismo, tanto institucional como privado, que ha apostado por el talento de los y las artistas argentinos.".
Por su parte, Federico Braun, vicepresidente de la fundación, expresó: "Fue mi primera feria como vicepresidente de arteba, me dio una gran admiración ver el trabajo excepcional de todas las galerías para lograr una feria tan potente. Durante el transcurso de arteba, pude ver públicos muy diversos recorriendo la feria y la presencia de muchísimos artistas que estaban exponiendo o acompañando el trabajo de sus colegas. Arteba es un gran punto de encuentro para el arte argentino y me llena de orgullo ser parte de esta institución".

La Programación Artística presentó una amplia diversidad de formatos existentes para la producción contemporánea que no siempre están representados en el mercado. Entre las propuestas se encontró el Espacio Andreani curado por Alejandra Aguado, el Programa de Performance Fundación Williams curado por Osías Yanov, la clásica Isla de Ediciones Fundación Proa coordinada por Carlos Ávila y, por primera vez en la feria y gracias al apoyo de Balanz, el Comedor Gourmet Belleza y Felicidad Fiorito.
Además, el Ministerio de Cultura GCBA ofreció sus visitas guiadas de arte curadas por Laura Batkis y tuvo un stand con obras del movimiento Madí y Arte Concreto Invención. Los concurrentes a la feria también pudieron recorrer otras propuestas como el stand de Banco Ciudad con obra del artista Andrés Arzuaga y el espacio del Equipo ELA con su muestra Otras historias posibles II. Por primera vez, Zonaprop se sumó a la feria con Vivir con Arte: curaduría para incluir obras en tu casa, un programa de asesoría para la adquisición de obras. Zurich, por su parte, participó con el Programa Matching Funds para museos locales cuyo objetivo fue que cuatro museos argentinos puedan adquirir obras durante la feria, a través de un fondo de inicio.
Este año, la feria tuvo la colaboración de Fundación Medifé, IRSA y ND - Nueva Dirección en la Cultura y Secretaría de Cultura, así como también tuvo el acompañamiento fundamental de La Nación como medio asociado, y Clarín como auspiciante.

Inés Vionnet participará en BADA 2024

 

Inés Vionnet es una artista plástica con más de tres décadas de exploración creativa. 

Del 29 de agosto al 1 de setiembre participará de BADA 2024 en La Rural, de 14 a 21 horas, en el stand 41.

 

Su viaje artístico comenzó a los 29 años en el taller de Marta Porreta, en Mar del Plata, ciudad donde reside desde 1982. Desde entonces, ha dedicado su vida a la búsqueda de nuevas formas de expresión y a la profundización en diversas técnicas artísticas. Su trayectoria ha abarcado el dibujo y el estudio de la figura humana con carbón prensado, antes de expandirse hacia la pintura acrílica, el collage, la instalación y el video arte. Estas disciplinas le han brindado una mayor libertad para explorar y expresar su mundo interior. 

 

Vionnet trabaja desde un lugar intuitivo e inconsciente, sin una idea preconcebida. Su proceso creativo es un diálogo constante con el papel, que le guía en la construcción de la imagen, en el acto de expresarse y, posteriormente, en el proceso de interpretación. A veces comprende lo que ha creado; otras veces, no. Lo que se oculta en lo más profundo del inconsciente no siempre se revela con claridad, pero, como solía decirle su maestra, “Más vale afuera que adentro”. A través de su trabajo, expresa sucesos y emociones, sean propios o ajenos, siempre relacionados con la existencia humana. 

 

En su obra, a menudo se entrelazan la concentración, la disciplina y la voluntad con momentos de juego y experimentación. Su arte es un reflejo de su constante diálogo con la vida, un espacio donde lo intuitivo y lo racional se encuentran, donde lo consciente y lo inconsciente coexisten en una búsqueda perpetua de significado y de verdad.

El Grupo Jack presenta "In movimento", obras de Patricia Martínez en su espacio de la Recova de Posadas

El Grupo Jack, Multimarca Premium con más de 30 años de experiencia en el rubro automotriz comienza su Ciclo de Arte en Auto Dante, Carlos Pellegrini 1526, Recova de Posadas.
 

En esta oportunidad se presenta “In Movimento”, obras de la artista Patricia Martínez que podrán visitarse hasta el 9 de agosto.
  

Patricia es autodidacta, posee un gran manejo del color, la luz y la técnica. Le gusta tomar un color y probar con él todo lo que puede dar. Trabaja sabiamente el acrílico y el óleo. Sus obras nos inducen a una contem- plación silenciosa en un encuentro para escuchar las propias pulsaciones. Su pintura es una combinación sensible de pasión y color. Concreta el milagro de convertir casi totalmente la abstracción en una declarada figuración, con presencia de los cálidos en agudos contrastes con los fríos. Afirma la artista: “El arte es la expresión más auténtica del alma. Me gusta jugar con la fuerza del color y la espontaneidad de las mezclas. Cuando veo como se integran los elementos, dialogo y disfruto con mi obra”.
  

Patricia Martínez, Susana Araujo y Eleana Pardini

 
La exposición cuenta con la curaduría de Susana Araujo y Eleana Pardini.
 
Esta muestra acompaña el nuevo Fiat Fastback diseñado por el equipo de Stellantis Design Center South America y desarrollado sobre la plataforma MLA. Es su primer SUV coupé y nuevo tope de gama entre los vehículos de pasajeros de la marca. Posee la mejor combinación de habitabilidad, performance y elegante diseño italiano.

Biga Art Gallery está presentando “El camino del deseo”, una muestra de Santiago Torriglia

 

En esta, su primer muestra individual en una galería de arte, el artista nos invita a explorar el deseo desde diferentes ángulos y perspectivas, mostrándonos como éste se transformó en el motor que lo llevó hasta donde está hoy. Nos permite entrar en su intimidad y nos cuenta de manera casi cronológica el camino recorrido, siempre impulsado por la intensidad del deseo.
De la plenitud, a etapas más oscuras marcadas por la tragedia, el autodescubrimiento, la relación con sus vínculos más intensos, sus pasiones, sus fortalezas y sus puntos más débiles, todo lo que lo llevó a romper con estructuras propias e impuestas y poder crear un nuevo ser sobre viejos patrones.

 

“Mi formación artística se nutre de diversas fuentes, desde el arte popular y el muralismo hasta el minimalismo y el arte conceptual. Mi obra se inscribe dentro del minimalismo figurativo, una corriente que busca reducir la forma a lo esencial y que se caracteriza por el uso de colores planos, formas geométricas y líneas simples. El deseo es el concepto que articula la obra, es lo que me impulsa a crear, a expresarme, a comunicarme. El deseo es lo que me conecta con el espectador. El deseo es lo que cuestiona las normas, las convenciones, los límites. El deseo es lo que revela la complejidad y la diversidad del ser humano.

 

 

Mis obras se componen de líneas moduladas de distinto grosor, que crean formas orgánicas y dinámicas, y de rectas que cortan la tela con precisión, creando contrastes y tensiones. Los colores vibrantes que predominan en la obra son una invitación a entrar en mi mundo, a sentir lo que yo siento, a ver lo que yo veo. 

 

La ambivalencia de los dibujos, que pueden ser leídos como figuras o como fondos, como objetos o como espacios, representan el deseo; que puede ser fuente de placer o dolor, de libertad u opresión, de unión o de separación. Busco, a través de mi obra, interpelar al espectador, lo invito a reflexionar sobre su propio deseo, sobre sus motivaciones, sus aspiraciones y sus contradicciones. Poniendo al deseo como motor de la expresión y como una fuerza vital que nos impulsa a crear, a comunicar, a transformar” expresa el artista.

 

 

La muestra se puede visitar hasta mediados de agosto, de lunes a viernes de 10 a 19 hs. en Biga Art Gallery, Arenales 1181, Buenos Aires, Argentina.

 

Herlitzka & Co. festeja sus diez años de vida con una muestra que exhibe sus propias entrañas

La galería Herlitzka & Co. presenta “Descifrar el porvenir”, propuesta con la que celebra una década. La exhibición, que ocupa la galería entera como una gran instalación, invita a los espectadores a conocer su espacio desde sus entrañas, para repensar y analizar el porvenir. 

En esta década, Herlitzka & Co. enfrentó diferentes desafíos, en contextos socioeconómicos adversos. Mostrar todas las obras (con sus embalajes, en muchos casos) -exhibir sus propias entrañas- implica también un mecanismo de análisis que incluye conocer la dinámica propia de nuestro espacio, y el contexto nacional e internacional en lo que concierne al mercado del arte y consumos culturales. Consideramos que este estudio de situación es clave para rever acciones a futuro, repensar nuestra praxis y alcances. Mediante un trabajo en equipo, se apunta a una instancia superadora, a una renovación. 

“En la antigüedad consultar las entrañas de los animales era una práctica para descifrar el porvenir que se extendió de la Mesopotamia a Grecia y fue adoptada por etruscos y romanos. La exhibición que acompaña los primeros diez años de esta galería podría ser pensada como la intención de consultar las entrañas. Tomar distancia de una determinada narrativa llamada a articular un sistema de afinidades formales o lingüísticas y expresar un movimiento de adentro hacia afuera. Algo así como un desplazamiento destinado a invertir los términos habituales de una muestra. Sacando las entrañas y exponiendo todo aquello que habitualmente se encuentra lejos de la mirada ajena, en almacenes y trastienda. La operación parecería metaforizar intentos de respuestas a las numerosas inquietudes que plantea la incertidumbre del presente con relación al porvenir. Repensar todo y sopesar el balance en términos de lo que se puede proyectar como debe y haber”, escribe Ana María Battistozzi en el texto de sala.

Se puede visitar hasta el 5 de agosto, de lunes a viernes de 11,en a 19 horas en Libertad 1630, CABA.

Aura Gallery presentó 4 jóvenes artistas mujeres de su staff: Fernanda Kusel, Lucía Erijimovich, Constanza Pulit y Martina Ponssa

 

Aura Gallery es una galería de arte pensada como espacio de impulso y difusión de artistas representativos del pensamiento y producción contemporáneas. 

La galería comenzó en 2020 de manera pop up, participando de ferias y muestras, en varias ocasiones en colaboración con otras galerías y espacios culturales.

En abril 2024 Aura Gallery abrió sus puertas como home gallery en Recoleta, Buenos Aires, procurando un espacio físico que permite una programación planificada y desarrollo de exhibiciones, contribuyendo al circuito artístico de la ciudad.

Aura se interesa por los lazos transdisciplinares, exhibe proyectos individuales, colectivos, experimentales y de investigación. Asume la diversidad de espacios, formatos y actores de las prácticas artísticas actuales y emergentes.

El 6 de junio Aura Gallery presentó 4 jóvenes artistas mujeres de su staff: Fernanda Kusel, Lucía Erijimovich, Constanza Pulit y Martina Ponssa.

Fernanda Kusel 

Fernanda Kusel compone escenas cotidianas de mesas con comida, ofrecidas como ofrenda amorosa. Todo está planeado para la aceptación de los comensales, pero éstos no se conocen y parecen no llegar nunca. Ante su ausencia, la tensión queda focalizada en la coyuntura de los objetos y alimentos, en los instantes previos a su consumación. En contrapunto a la paleta pastel y colores vibrantes queda expuesto un componente enigmático de melancolía y de evidente paso del tiempo.

Lucia Erijimovich

 

El trabajo artístico de Lucia Erijimovich es a primera vista una exploración constante de lo cotidiano para adentrarse en un viaje de descubrimiento a la complejidad de las experiencias emocionales, a los vínculos y la vida colectiva.
La síntesis de los elementos pintados y de los momentos efímeros que muestran la riqueza de la vida cotidiana dan lugar a una representación cargada de capas de significados que trascienden lo evidente y lo tangible.

La velocidad y el ritmo de los trazos expresionistas acentúan la búsqueda de condensar una carga emocional, psicológica y social.

Constanza Pulit

Constanza Pulit se inspira en experiencias íntimas y fábulas de su infancia, recrea imágenes que alguna vez vio o soñó. Los límites entre lo real y lo ficticio se pierden al punto de no saber qué imágenes fueron documentadas y cuáles puestas en escena. Sus obras investigan la tensión entre dualidades cómo la inocencia y la oscuridad, la ternura y el erotismo, la belleza y la decadencia. Trabaja sus fotografías sometiéndolas a distintos procesos de impresión generando un diálogo entre la imagen y su materialidad.

La obra de Martina Ponssa supone a la pintura como acto de búsqueda de verdad interior y de liberación.
Trabaja la imagen como posición crítica, se percibe una atmósfera “soft punk” por el gesto urbano del grafiti, el descontrol en el uso de la pintura y conceptos que invitan a mirar más allá de la superficie.

La obra es un recordatorio de los misterios y profundidades que merecen ser descubiertos y celebrados.

 

“Mahuida: pintura de los Andes” de Guido Franco Ferrari en el Espacio de Arte del Banco Ciudad

 

“Un lugar cerca del cielo”, 2023 – 30 x 75cm – óleo con espátula sobre lienzo

Hasta el 28 de junio el artista plástico Guido Franco Ferrari presenta “Mahuida: pintura de los Andes” en el Espacio de Arte del Banco Ciudad (Florida 302 – CABA).

“Mahuida: pintura de los Andes” es una celebración de la naturaleza andina en Buenos Aires. Una ventana a la belleza y la serenidad de la Patagonia a través de la mirada única y talentosa de Guido Franco Ferrari, artista emergente nacido en Bariloche (Río Negro) y residente en Villa La Angostura (Neuquén).
 
La muestra busca visibilizar la Cordillera de los Andes ante el público para contribuir a la promoción de su belleza y fomentar su cuidado y preservación.

Guido Franco Ferrari es un artista emergente de 30 años nacido en Bariloche que, luego de estudiar cine y diseño (carreras que no terminó), descubrió que su verdadera vocación es pintar sobre la naturaleza para contribuir a la revalorización de nuestros ecosistemas y su consiguiente respeto y preservación. Inspirado y apadrinado por Georg Miciú (fundador de la Colección Georg de Villa La Angostura, Neuquén), Ferrari comenzó a pintar al aire libre en contacto directo con la naturaleza (al estilo impresionista), un camino que hoy continúa con el objetivo de retratar todos los parques nacionales de la Argentina. 

"Lejos"

Desde niño, Guido estuvo especialmente cautivado por la vida natural.  Hoy, los paisajes que rodearon su infancia y adolescencia son la fuente de inspiración de su obra... Lagos y montañas, vientos y soles acariciando la fauna y la flora autóctonas tan distintivas de la Patagonia.

"Calidez invernal"

En su búsqueda por capturar la esencia de la naturaleza de cada paisaje en su lienzo, Guido Ferrari pinta “au plein air”, al aire libre, en contacto directo con animales, vegetación, imponentes montañas y valles.  Sus producciones transmiten la fuerza de cada momento; el observador puede percibir escenas de la vida rural cotidiana o bien paisajes inexplorados con protagonistas animados e inanimados que construyen escenas singulares retratadas con óleo, pinceles y espátulas. 

"Rojo ñire"

“MAHUIDA: Pintura de los Andes” presenta paisajes patagónicos contemporáneos con los que el artista busca transmitir la majestuosidad de esos escenarios de la Argentina meridional, motivando su cuidado y preservación para las generaciones futuras.
Con tan solo 30 años este artista emergente ya ha realizado numerosas exposiciones en la Argentina, así como en diversos países de Europa y en los Estados Unidos.  Ha sido galardonado con destacados premios nacionales y fue reconocido por el Concejo Deliberante de Villa la Angostura como personalidad destacada en el rubro cultural (2017).

Otros artistas cordilleranos acompañan la muestra de Guido Ferrari, se trata de los escultores Martina Sosa y Emanuel Céliz, y las tejedoras de Bordellita, a cargo de Valentina Sordelli.  Una oportunidad para experimentar la majestuosidad de la cordillera en el corazón de la ciudad capital.

 

 

 

 

 

Open studio de Isabel Picasso: “Todos contenemos multitudes”

“Las figuras que Isabel representa suelen estar en un estado meditativo. Se observan semblantes que expresan placidez y pacificación; las escenas y entornos que los circundan reflejan también beatitud. Podría decirse que sus obras se enfocan en interpretar simbologías y caracterizaciones relativas a la bienaventuranza; figuras y representaciones en una condición natural de elevación y serenidad.

Independientemente de cualquier análisis puntual sobre uno u otro de sus trabajos, hay un aspecto y perspectiva común en la producción que presenta y se ha convertido en eje central de su investigación pictórica, éste es su interés y curiosidad por la dimensión espiritual.

 

Visualmente, la materialidad de sus obras incluye tanto pinturas de gran formato como miniaturas, dibujos y pasteles y muchas de ellas incorporan luminarias LED que contribuyen a reforzar la idea de irradiación que la artista quiere incorporar en la lectura de sus obras. Llegar en lo posible a la noción de resplandor en sus representaciones. 

 

Las luces aparecen de forma intermitente y esa oscilación alterna les otorga apariencia de movilidad. «Como si las figuras se tornaran vívidas» al decir de la artista. También hay determinados objetos inanimados, como cofres o piedras en los que utiliza un lenguaje simbolista; éstos suelen ocupar un espacio central en la obra y aparentar estar en un estado de flotación, con una condición incorpórea.” Patricia Rizzo

Isabel Picasso junto a Alejandra Britos

Isabel Picasso estudió Bellas Artes en el Instituto Santa Ana y asistió a los talleres de Kenneth Kemble, Miguel Dávila y Luis Centurión entre otros. Hace más de veinticinco años pinta back-lights, pinturas sobre telas en cajas con luces leds. Su estética se basa en pintar imágenes oníricas, rostros, objetos con su luz interior. 

 

Su obra se expone galerías, centros culturales, museos, embajadas y consulados y también forma parte de diferentes colecciones. 

Su última muestra, "Todos contenemos multitudes" estuvo expuesta en el Museo Caraffa -Cordoba, Argentina- y en la embajada argentina en Washington -Estados Unidos-.

 

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