Vení a descubrir las nuevas tendencias en Casa FOA Retiro 2022

 

Fachada Casa FOA. Foto: @uchimayfotos

 

Fiel a su espíritu, Casa FOA abre las puertas no solo de la exposición, sino también de un antiguo edificio de un gran valor patrimonial en el barrio de Retiro: el Pensionado y Casa Parroquial Madre Admirable ubicada en Suipacha 1410, esquina Arroyo, CABA. La exposición entrega la posibilidad de sumergirse en un espacio histórico reinterpretado por destacados diseñadores, arquitectos y paisajistas.

ESPACIO 34 - Patio + Arte. Desiree De Ridder + Grupo Charco.
Los Guardianes: en el centro los seres. En los puntos cardinales, cuatro guardianes totémicos. Son la Tierra y el barro transmutados por vía del agua, el aire y el fuego. 
Los guardianes de la fauna, alertas, son símbolo de la consciencia humana. Los animales fantasmales son la fragilidad inestable. 
Se trata de un grupo escultórico con figuras animales realizadas en cerámica por la escultora y ecologista Desiree De Ridder acompañadas de cuatro esculturas en adobe realizadas en conjunto con el colectivo artístico Charco. El resultado es una instalación site specific pensada para el patio del Museo Fernández Blanco que nos convoca a reflexionar sobre la necesidad de preservar el ambiente y la biodiversidad. Foto: @uchimayfotos

Además, por primera vez en su historia, estará conectada a un museo, sumando así un atractivo especial para los visitantes. Se trata del Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco, en la sede Palacio Noel que alberga las colecciones de Arte Virreinal Americano del siglo XVI, XVII, XVIII, el cual también será intervenido por la exposición en 5 espacios. En este caso se trata de un edificio neocolonial hispanoamericano.

ESPACIO 12 - Cocina Comedor. Ganadores de la Medalla de Oro Mercedes Malbran de Campos a la arquitectura y al diseño interior, la dupla compuesta por Daniel Germani y Estudio Memo (Patricia Mezzadra - Carola Moris) propusieron una Cocina-Comedor en un espacio austero en cuanto a su estética, y a la vez muy funcional.
Muros blancos con revoque grueso, piso granítico original, maderas cálidas, iluminación indirecta para acentuar la altura del espacio original, así como iluminación puntual y baja, decisiones tomadas para generar espacios íntimos y acogedores. Un jardín interior introduce la naturaleza y agrega un paisaje que toma protagonismo frente a la tranquilidad que transmite el resto de la ambientación.
Se trata de un espacio que mira al futuro con optimismo y que se beneficia y aprende de los cambios generados no sólo por la tecnología sino por los efectos de la pandemia”, definen sus autores. Foto: @uchimayfotos

La 38ª edición de Casa FOA puede visitarse hasta el 20 de noviembre de 2022 todos los días de 12 a 20 horas. Tiene 35 espacios distribuidos en tres plantas. Los amantes del diseño, el interiorismo y la arquitectura podrán ir descubriendo, a medida que avanzan en su recorrido, propuestas con una mirada puesta en el futuro. Una cava reversionada, unidades flexibles que se configuran según la necesidad, espacios de coworking con nuevas propuestas, dormitorios con rincones destinados especialmente para momentos de relax, baños que se transforman en spas y, mucho más.

Espacio 26  - Habitación principal. . Un dormitorio en esquina, con una secuencia lineal de ventanas que se asoman a la historia y proyectan al futuro a la vez.
A partir de la morfología y de su implantación, se diseñó un dormitorio con tres áreas entrelazadas, la de dormir con su área de lectura, la de trabajar y la de entrenamiento y bienestar, utilizando materiales nobles, texturas artesanales, planos espejados, muebles de nuevas melaminas y vidrios coloreados.
Muy tecnológico, domotizado, controlando todas las operaciones diarias haciendo uso de la tecnología actual.
En una caja pura, el protagonismo de un cielorraso central suspendido y de forma curvas sensuales y envolventes, con distintas capas de iluminación, envolvente, focalizada, general o decorativa,  que se va disponiendo según necesidad y momentos del día. Foto: @uchimayfotos

Las empresas sponsor, por su lado, presentarán novedades, lanzamientos y nuevas formas de aplicar sus productos de la mano de destacados talentos. Entre las marcas que acompañan esta edición se encuentran: Alba Pinturas, Roca, Canteras, Patagonia Flooring, Faplac, Nissan, Ternium, Tecnoperfiles, Vite, Silestone, Johnson Acero, Rielamericano, Rosen, Dekton, Atrim, Control4, Pampa Living, Longvie, Knauf, World  Led Go, Al Click, Rio Uruguay Seguros, ENAS y PIX Desarrollos Inmobiliarios. Asimismo, Casa FOA Retiro cuenta con el apoyo del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

Espacio 9 - Instalación Artística. Tania Ortiz y Magdalena Pujals son artistas y diseñadoras que tomaron el pasillo para crear "Trazos Hilvanados", una instalación donde entrelazan un relato a partir de líneas que sobrevuelan, se unen y se esfuman…. Foto: @uchimayfotos

Alba, marca líder de pinturas para hogar y obra del Grupo AkzoNobel, es nuevamente, y de manera ininterrumpida desde su primera edición, el color de Casa FOA mostrando las tendencias en color para el 2023. Además, en este marco también se celebran 20 años de la campaña global “Color del año” a partir de la cual se busca entregar a las personas y a los profesionales de arquitectura y diseño del mundo, la inspiración y la información necesarias para facilitar y mejorar la elección de los tonos, tanto para entornos residenciales como comerciales.

Durante los últimos ocho años, se distingue una creciente preferencia por los colores que se sienten positivos, cálidos y terrosos.
En las predicciones para el 2023 se aprecia cómo el medio ambiente toma el centro y lo protagoniza. La tierra se ubica como fuente de todo: bienestar, inspiración y proyectos de vida. Así se
elige un Color del año inspirado en la naturaleza, "Silencio de Invierno TM" , además de cuatro nuevas paletas que reflejan las diferentes formas en que ésta nos enseña y alimenta.

Espacio 10 - Baños públicos By ROCA. NAVE Atelier Sostenible cree que el diseño universal y sustentable es posible e imprescindible. Una planificación inteligente y dimensiones espaciales generosas pueden permitir que cualquier espacio ordinario se transforme en un espacio libre de barreras. De su lugar de origen, Jujuy, tomaron la paleta de colores que contribuye a generar un espacio cálido y vibrante a la vez. La mayoría de los baños públicos carecen del diseño y la funcionalidad necesarios para atender a las necesidades de la población. Todas las personas deberían sentirse cómodas y respetadas en estos espacios, ese es su objetivo. Foto: @uchimayfotos

La entrada puede adquirirse online en: www.casafoa.com o en boletería con un valor de $1800. Además, habrá 20% de descuento para estudiantes (presentando DNI y certificado), jubilados (carnet y DNI) y clientes RUS (presentando credencial) de lunes a viernes, e ingreso gratuito para personas con discapacidad (Acreditar certificado único de discapacidad) y menores de 15 años. También con Club La Nación 2x1 de lunes a jueves, y 20% de descuento de viernes a domingos. 

La temática que propone la exposición de arquitectura y diseño para este año es “Escenarios Futuros”, una invitación a repensar hacia adelante el sentido vínculo con el diseño, las nuevas formas de habitar, la incursión de la tecnología en la vida cotidiana, sobre cómo lo sensorial modifica la experiencia del espacio, la sinergia entre arte, naturaleza y tecnología, los materiales que ayudan a la preservación del ambiente, generando congruencia e identificación, bienestar y armonía, entre otros temas. A la vez, y como en todas las ediciones, brindará un amplio panorama sobre las tendencias en diseño interior.

La temática se presenta también como una invitación a la reflexión sobre el destino de los edificios patrimoniales cuando dejan de funcionar en su modo original y necesitan aggionarse a la vida contemporánea.

El edificio que es sede de Casa FOA 2022 es una construcción que cuenta con protección patrimonial.
No existen datos precisos de la fecha de la construcción ni de su autor. Ya para 1920 era conocida como la "Casa de Arroyo" y había pertenecido a la familia Pinedo. Fue adquirida por Concepción Unzué de Casares (una de las donantes del Asilo Unzué de Mar del Plata) quien estaba en la búsqueda de un lugar donde instalar un Taller-Escuela para niñas de bajos recursos y logró la habilitación a través Frailes Menores Franciscanos.

Eduardo Santiere y Martín Weber exhiben sus obras en Herlitzka + Faria hasta noviembre de 2022

 

Eduardo Santiere y Mauro Herlitzka

La galería Herlitzka + Faria presenta "Espacios de placer", exhibición de Eduardo Santiere que reúne una selección de obras nunca antes exhibidas, realizadas con la singular técnica del scratching, creada por el artista.  

Santiere. A mil años luz, 2022
Lápiz color y scratching sobre papel

Con gubias de las que se usaban en los orígenes del grabado y elementos cortantes que parecen escalpelos, Santiere hace texturas híper delicadas y micro incisiones controladas. A veces, al extraer con infinita paciencia una capa del papel convierte la superficie en una especie de seda traslúcida. En otros casos, separa la  hoja hasta darle volumen. En sus trabajos el soporte deviene piel, superficie de placer.  

Santiere. Flores de primavera, 2022
Lápiz color y scratching sobre papel

Algunas series, como Distancia social, Flores de primavera y Urbanos tienen anclaje conocido. Con otras, en cambio, nos lleva a imágenes galácticas o a una mirada del mundo telescópica. Amante de la ciencia ficción y de los avances espaciales, Santiere crea universos y organismos impensados.

Denomina scratching a la técnica que desarrolló en Islandia, durante su residencia artística en Straumur Art Commune. Luego, expuso en el museo Listasafn Arnesinga. La textura y las huellas de lava de los más de veinte volcanes de este pequeño país que no tiene ejército inspiraron los primeros trabajos en los que raspó suavemente el papel. Luego, durante una década, siguió desarrollando su técnica en EE.UU., donde estuvo en diferentes residencias, como la centenaria MacDowell.  

Tres obras de Eduardo Santiere.

Lápiz color y scratching sobre papel

Trabajando sobre el papel de algodón como un cirujano o un orfebre, investigó la reacción de la superficie con distintas herramientas. Eximio dibujante, Santiere estudió y enseñó en la Universidad de Wisconsin.  

Santiere. Urbanos, 2021
Birome sobre papel

Colorea con lápices de colores, sin embargo no es fácil darse cuenta del material que usa. Hay en su trabajo obsesivo con las gubias, y en las infinitas capas pintadas con lápices de deslumbrantes colores, un gesto potente, a contrapelo de la cultura de la distante pantalla. El delicadísimo scratching y los colores con los que Santiere crea espacios de placer sólo son visibles con el contacto visual directo. Sin mediaciones ni pantallas de celular o computadora.  

Weber. Día Peronista #3, 2018
Cianotipo sobre papel

Mientras tanto en el espacio de la sala E, se inauguró "Bajo el mismo cielo" de Martín Weber. La muestra presenta las obras de la serie Día Peronista, cianotipos sobre papel que reflexionan sobre el pasado y su interrelación con el presente, sobre la importancia de la historia y de cómo los objetos y los cuerpos pueden alojar la memoria al ser un registro del contacto con los Blindex que protegían el féretro de Juan Domingo Perón, y que fueron rotos a martillazos para cortar y extraer sus manos, como bien expone Paula Bertúa en el texto curatorial.  

Martín Weber

Esta serie forma parte del proyecto Historias encarnadas, donde este artista de origen Argentino-Chileno indaga estos temas del pasado para ahondar en ellos y desentrañar sus referencias contextuales, los diversos rostros del anacronismo y de cómo aún interpelan el presente. 

Weber. Día Peronista, 2018
Cianotipo sobre papel

Ambas muestras se pueden visitar hasta el 9 de noviembre de 2022, de lunes a viernes de 11:30 a 19 hs. en Libertad 1630, Buenos Aires, Argentina.

Cuando la tierra habla: las artesanías tuvieron su gran noche en la Casa de la Cultura del FNA

 

Juan Pérez, Gran Premio Adquisición

 
"Mari mari pu peñi mari mari pu lagmien" ("Buenos días hermanos y hermanas"). En lengua ranquel, el pampeano Juan Pérez, ganador del Gran Premio Adquisición del Concurso de Artesanías FNA 2022 se dirigió a las autoridades del Fondo Nacional de las Artes y a la nutrida concurrencia que acompañó la inauguración de la muestra y la entrega de diplomas en la Casa de la Cultura (Rufino de Elizalde 2831). 

Los ganadores junto a las autoridades del FNA

Así, las culturas regionales de todo el país no solo quedaron representadas en las 39 piezas que se lucen en la sala con un montaje audaz y contemporáneo sino que se hicieron presentes vivas y con todo el peso histórico de cada comunidad. De tal manera que, en el cierre del acto, la cantante chaqueña Charo Bogarín interpretó una canción de cuna toba que terminó de definir el espíritu de la convocatoria. 

 

Lucas Martín Oviedo. Cajas infinitas, calabazas de diferentes tamaños. Rosario, Santa Fe

 

La convicción de que las artesanías y las expresiones originarias tienen el mismo valor que las artes visuales y deben ser visibilizadas en un mismo plano tal como expresaron a su turno la presidenta del FNA, Diana Saiegh y Alicia Santaló, quien desde el directorio del organismo tuvo a su cargo la organización del concurso y la muestra que se podrá visitar hasta el 20 de noviembre. Saiegh manifestó: "Trabajar en este concurso nos enseñó la deuda enorme que tenemos. Queda mucho por escuchar, ver y aprender de estas expresiones genuinas y auténticas de nuestra cultura que no debe quedar rezagada". 

 

Oscar Lagarejos, Cuencos emergentes,  madera.  Berazategui, Buenos Aires - GBA 

Interrumpido por la pandemia, el Concurso de Artesanías volvió con renovada fuerza en 2022. Alicia Santaló destacó que el jurado se vio desbordado por la respuesta de mil artesanos de todo el país y que se tuvo que hacer una preselección de 350 piezas hasta llegar a los ganadores con representación de las cinco regiones del país en que fue dividido el concurso. Varios de los premiados se acercaron a recibir su diploma en el jardín de la Casa de la Cultura. El Gran Premio Adquisición Juan Pérez, los Premios Regionales Adquisición Oscar Lagarejos (Buenos Aires) y Lucas Oviedo (Santa Fe); los Premios Especiales Adriana Lara Beltzer (Entre Ríos) y Luciano Polverigiani (Buenos Aires) y los Premios Estímulo Florencia Aparicio (Buenos Aires), Fabiana Berghole (CABA), María Lourdes Chicco Ruíz (Jujuy), Fernanda Dahbar (Catamarca) y Dolores Mallea (CABA).  

 

La muestra se puede visitar hasta el 20 de noviembre, de jueves a domingos de 14 a 19 hs. en la Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes, Rufino de Elizalde 2831, ciudad de Buenos Aires. Entrada gratuita.

 

Fundación Proa presenta “Laberintos”, una exhibición que relaciona las diversas prácticas artísticas desde el grabado hasta la tecnología contemporánea

 

Adriana Rosenberg junto a Cecilia Jaime y Mayra Zolezzi, las curadoras de la exhibición

Fundación Proa presenta la exhibición “Laberintos” que expone ejemplos de la historia, la literatura, el cine y las artes plásticas realizando un recorrido por sus salas organizadas en cuatro núcleos temáticos. 

El primero -a modo de introducción- con una video instalación 360º, muestra el origen del laberinto en el mito de Teseo y el Minotauro, posteriormente como símbolo religioso, más tarde -en el Renacimiento- en el interior del ser humano, hasta llegar a la contemporaneidad que se expande técnicamente al laberinto de la internet, considerado el más grande del mundo.

Laberinto de Jericó

El segundo núcleo, la ciudad como laberinto, exhibe grabados de la mítica Jericó presentes en manuscritos realizados por maestros escribas, pasando por las cárceles de Giovanni Battista Piranesi y llegando a obras de artistas contemporáneos con ciudades intrincadas, reales o imaginarias, como los planos de León Ferrari, las obras de Xul Solar o el molinete de Dan Graham.

Laberinto de Borges

El laberinto en la literatura y el cine es el tercer eje temático que presenta textos de Jorge Luis Borges, -Umberto Eco, Julio Cortazar y Manuel Mujica Lainez.
Los laberintos son sagrados y paganos, representan el camino de la perdición o el de la salvación y pueden provocar, como señala Borges en una entrevista, temor pero también esperanza; temor porque estamos perdidos, esperanza porque hay un centro, un plano, una arquitectura.

Completa la sala un homenaje al laberinto en el relato cinematográfico, realizado en Proa por Ananda Rigoni Aller, con una selección de películas que abarca desde “Metrópolis” de 1927 hasta “La isla siniestra” de 2010.

En la última sala se expone el laberinto en el cuerpo como deja entrever Antonella Bussanich en su video que comienza con el trazado de un laberinto en la arena, que remite al de la Catedral de Chartres, hasta transformarse en un cerebro humano, presente también en la obra de Yoan Capote o como en la instalación de Michelangelo Pistoletto, quien convierte al espectador en parte de la obra recorriendo su laberinto hasta finalmente encontrarse con el reflejo de uno mismo, cual Narciso en el agua.

La sala está acompañada por ilustraciones del laberinto del oído, la parte anatómica, además de la emocional, que concierne anuestra especie.

Javier Bilatz. Todos estamos, serie Estancia, 2010-2022-Instalación interactiva de video, software propio sobre CPU, pantalla y cámara

 
Cada una de estas propuestas está acompañada por textos de sala y actividades durante la exhibición que tienen como intención profundizar en los distintos significados, usos y adaptaciones del laberinto que le otorgan artistas nacionales e internacionales de todas las épocas, poniendo en evidencia el enigma que continúa suscitando.

Pablo Siquier. 0503, 2005, pintura acrílica sobre tela

Explica la directora de Fundación Proa, Adriana Rosenberg, que "las curadoras de la exhibición, Cecilia Jaime y Mayra Zolezzi,  entusiasmadas con la propuesta comenzaron a investigar y al confirmar que el laberinto estuvo presente en innumerables civilizaciones y culturas a lo largo del tiempo, propusieron la exhibición, cuyo resultado se ve en la exhibición desde la mano del arte. Conocemos el laberinto por la familiaridad con Borges y es a través de él que se abre el campo a muchas y diversas disciplinas y como Proa es una institución dedicada al arte, decidimos circunscribir la exposición al mundo artístico en todos sus lenguajes y exhibir las diversas prácticas artísticas, desde el grabado hasta la tecnología más contemporánea, como la sala envolvente de 360 grados".

 

La exposición se puede visitar hasta noviembre de 2022 en Av. Pedro de Mendoza 1929, La Boca, Caminito, Buenos Aires, Argentina.

“Escrituras en el aire. Obra escultórica de León Ferrari” se exhibe en el Centro Cultural Borges

La muestra “Escrituras en el aire” invita a un recorrido por un conjunto de piezas de la producción escultórica del gran artista León Ferrari. Se trata de una selección que se conecta con sus obras relacionadas con la escritura.
La serie despliega parte de la cosmovisión de Ferrari, quien dedicó su vida a denunciar con valentía, rigor y genio artístico aquello que fue la causa de sus mayores preocupaciones: los daños provocados por la religión, las dictaduras, la intolerancia y la guerra, y sus consecuencias. Además, dialoga con otro de los espacios del Centro Cultural, donde se viene exhibiendo desde marzo del corriente año la reconocida serie “Nunca más”, del mismo autor. 

El ministro de cultura de la Nación Tristán Bauer, el director del Centro Cultural Borges Ezequiel Grimson y el curador Yaya Firpo presentan la muestra

Dice Yaya Firpo sobre la muestra: “Una maraña de líneas surca el espacio. Un lenguaje ilegible, pero con una fuerte intención, propone un grafismo encriptado que quizás no busca ser traducido. Como rayos, miles de direcciones metálicas y brillantes generan una infinidad de posibilidades a la hora de elegir un rumbo de lectura dentro de las tres dimensiones. Hay fuerza, hay tensión. Una descarga enérgica se posa sobre el material. El artista arremete una y otra vez contra el alambre, lo dobla, lo domina, lo hace dar vueltas y, sin mirarlo directamente a los ojos, lo conduce. Las manos tiernas y los movimientos lentos lo engañan y lo someten una y otra vez a reacomodarse en un interminable estrangulamiento expresivo.
Durante años vi a León trabajar en estas obras. Lo observaba y algo me decía que él no estaba en esta dimensión. Se transportaba, viajaba, visitaba otros espacios, otros tiempos al encuentro de ideas, personas, momentos. Tal vez haya recorrido caminos en el pasado para dar batalla a viejos demonios, o quizás decidió visitarnos hoy para escribirnos en el aire un hermoso poema.”


Mientras que Ezequiel Grimson, director del Centro Cultural Borges, comenta: “León Ferrari, más allá de toda discusión, es uno de los más originales y extraordinarios artistas argentinos. Esta exposición, curada por Yaya Firpo -artista y su más cercano colaborador-, nos ofrece a la contemplación una serie de creaciones suspendidas en el aire. Abstractas, aéreas, geométricas, contrastan con una única pieza instalada en el piso: Huesos, un objeto escultórico compuesto por réplicas de huesos humanos que evoca la tragedia argentina y el compromiso con las banderas de memoria, verdad y justicia. El agnóstico León Ferrari, hijo del inspirado pintor y arquitecto de iglesias Augusto Ferrari, hace aquí materia de su obra restos de cuerpos arrasados, enjaulados, junto a formas etéreas entretejidas con alambres, maderas y aceros, en una aproximación al enigma de la redención desde la belleza y el arte.”

“Escrituras en el aire” se presenta en el Centro Cultural Borges en articulación con la Fundación Augusto y León Ferrari. Arte y Acervo.

La muestra permanecerá hasta octubre de 2022 y se puede visitar de miércoles a domingo de 14 a 20 hs. en la Plaza de las Artes del segundo piso del Centro Cultural Borges, Viamonte 525, Buenos Aires.

Se viene una nueva edición de Pinta BAphoto en Casa Basavilbaso

 

Pinta BAphoto se renueva y presenta su 18° edición, del 21 al 25 de septiembre, por segundo año consecutivo, en Casa Basavilbaso; con un formato que combina la presencialidad con propuestas virtuales. El encuentro artístico, dedicado a la promoción, difusión y comercialización de fotografías, a partir de este año se presenta como parte del universo Pinta Group acompañado por EFG Wealt Managnent como main sponsor.

BAphoto se convirtió en Pinta BAphoto pasando a formar parte de la unificación de ferias Pinta y expandiendo el arte latinoamericano al mundo. De esta forma, se renueva el propósito de la feria de visibilizar y potenciar el talento de artistas emergentes y consolidados vinculados con la región.

Galería Vasari. Anatole Saderman. Jorge de la Vega, gelatina de plata sobre papel vintage print, 1966

“Pinta BAphoto es un espacio de encuentro para la comunidad artística que permite reunir a más de 100 fotógrafos en un amplio recorrido por el mundo de la fotografía. En esta edición decidimos homenajear a Sara Facio por su trayectoria y su gran trabajo de registro y documentación a través de fotografías emblemáticas de la cultura argentina y de todo el mundo”, comentó Diego Costa Peuser, Director de Pinta BAphoto.

Desde la inauguración de BAphoto en 2005, Pinta en 2007 y PArC en 2013, los paradigmas americanos han cambiado, y con ello las ferias fueron creciendo en experiencia. Hoy se reúnen en un universo que conecta, convoca y atrae a artistas, curadores, coleccionistas, galeristas, instituciones públicas/privadas y amantes del arte en general en un ecosistema que impulsa el talento y la gestión.

Carmen Araujo Arte (Venezuela).Carlos Puche. serie Nieblas, sales de plata en gelatina sobre papel de fibra, 1960

En esta nueva edición, Pinta BAphoto 2022 recibe a sus visitantes en Casa Basavilbaso donde se presentan galerías nacionales e internacionales representadas por Uruguay, Venezuela y Estados Unidos. Las entradas disponibles para el viernes 23, sábado 24 y domingo 25 de septiembre se adquieren en Ticketek.

Pinta BAphoto contará nuevamente con su espacio Media Point curado por Verónica Santalla que llevará a cabo sus Live Talks, compuesto por eventos presenciales y virtuales así como también un ciclo de charlas online junto a diferentes artistas, curadores y coleccionistas para conversar sobre sus proyectos y trayectorias. Al igual que en ediciones anteriores, se renovará Open File con una serie de videos en el que fotógrafos y fotógrafas cuentan detalles acerca de sus obras. 

Wunderkammer. Daguerrotipo, Mujeres del siglo XIX

También estará presente Wunderkammer, curado por Hilario Letras, Artes y Oficios, es un sector consagrado de la feria que se dedica a la fotografía patrimonial. Tiene como objetivo destacar el trabajo de diferentes agentes especializados en recuperar y poner en valor material fotográfico de carácter histórico y documental.

Otra sección infaltable es Video Project, curada por Irene Gelfman y dedicada exclusivamente a la imagen en movimiento. Apunta a consolidarse como un espacio de reconocimiento y legitimación para los artistas dentro del circuito artístico argentino. 

Artista homenaje. Sara Facio, Salta, 1980. Rolf Art

Por otro lado, Francisco Medail será nuevamente el encargado de la curaduría de la sección Artista Homenaje, un programa que reconoce la trayectoria de fotógrafos y fotógrafas que tuvieron una participación activa en el campo de la fotografía argentina, con el objetivo de recuperar y poner en valor su figura dentro de la historia local. Este año, la galería Rolf Art presentará la obra de la fotógrafa argentina Sara Facio, reconocida por la ejecución de retratos de figuras importantes de la cultura argentina y mundial.

Fuera de foco. Clara Johnston, In Situ. Reflexiones en torno al paisaje, fotografía y láminas de oro sobre papel de algodón, 92 x 62 cm

Por su parte, la sección Fuera de Foco (a cargo de Bárbara Golubicki) será un espacio con representación federal, donde exhibirán galerías emergentes de la escena artística nacional.

Dentro de la feria se presenta el "Proyecto Calle". Se trata de un proyecto fotográfico que se realiza desde el año 2001 en Buenos Aires. Personas, que por distintas razones han sido empujadas a vivir en la calle, reciben cámaras fotográficas descartables para tener la oportunidad de registrar su realidad en la ciudad. Son ellos los protagonistas y autores de las fotos que muestran los lugares, personas, vivencias y situaciones de su vida cotidiana. 

Proyecto Calle. Anonimo, Gato Negro Plaza Barrientos, Recoleta, fotografía color 20 x 30 cm - Selección Facundo de Zuviria

"Calle" pretende invertir la lógica habitual en la cual ellos son “mirados” para producir su propia “mirada” de la sociedad. La selección de fotos fue realizada por: Eduardo Longoni, Marcos López y Facundo de Zuviría.

Cecilia Caballero Arte Contemporáneo. Gustavo Daniel Ríos y Lucila Orozco. Serie Charade 1. Intervención digital sobre impresión inkjet de fotografía de Boris Lipnitzki de 1935, con modelo de Madeleine Vionnet. Roger Viollet Collection. Impresion inkjet sobre papel

De la feria participan 21 galerías en total, 18 son nacionales: Acéfala, AG Studio, ArtexArte, Cecilia Caballero Arte Contemporáneo, Del Infinito, Hilario Artes, Letras & Oficios, Imaginario, Julia Baitalá, OdA Oficinas de Arte, OTTO Galería, Peuser Art Project, Rolf Art, Talenta, Vasari, Zona V art point y  Zona de Photo - ZDPH de Buenos Aires; Subsuelo de Rosario y Remota Galería de Salta. Del exterior participan: Black Gallery de Puerto Garzón - Uruguay, Carmen Araujo Gallery de Caracas - Venezuela, y +GALLERyLABS, con sede en Buenos Aires - Argentina y New Haven - USA.

La Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes exhibe "En todos estos días. Obras de Gustavo López Armentía"

El Fondo Nacional de las Artes exhibe en la Casa de la Cultura -Rufino de Elizalde 2831, CABA- más de 30 piezas realizadas por el artista Gustavo López Armentía, entre 1979 y 2022.

"Llegada a Buenos Aires", Hierro, 88 x 89 x 31 cm, 2022

Pinturas, dibujos, tintas y esculturas realizadas en hierro, alambre o tejido metálico forman parte del recorrido. Se trata de obras poco vistas, en las que aparecen referencias directas a sucesos argentinos que, sin embargo, marcan nuestro presente.

Nacido en Buenos Aires en 1949, comenzó a exponer en Buenos Aires en 1984. Participó de las bienales de San Pablo y Valparaíso en 1987 y en la de Venecia en 1997.  

Tras los muros, óleo s/tela, 50,5 x 70,5 cm, 1999

La muestra se suma a las cuatro retrospectivas realizadas anteriormente por el artista: Valencia (2000), Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, 2002), Museo Sívori (Buenos Aires, 2013) y Museo Caraffa (Córdoba, 2014). Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas: Museo Nacional de Bellas Artes; el MAM, de San Pablo; el MAM, de Río de Janeiro; MOLAA, de Los Ángeles; Casa de las Américas, de La Habana; Instituto Domeq, de México e Instituto Andino de Artes Populares, de Quito, entre otros.

Podrá visitarse del 10 de septiembre al 9 de octubre, de jueves a domingos de 14 a 19HS, con entrada gratuita, en Rufino de Elizalde 2831, CABA.

 

Más de 150 obras de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes se exhiben en el Centro Cultural Kirchner

El Museo Nacional de Bellas Artes presenta en el Centro Cultural Kirchner la muestra “Escenas contemporáneas. Recorridos por la colección del Museo Nacional de Bellas Artes. Arte argentino 1960-2001”.

Margarita Paksa
Comunicaciones, 1968, disco y cubierta, 18 x 18 cm
Donación de la artista, 2007

La exposición organizada por ambas instituciones permitirá apreciar en las salas de la Gran Lámpara, en el 6° y 7° piso del Centro Cultural Kirchner, más de 150 obras de artistas argentinos, pertenecientes al acervo del Bellas Artes, creadas entre la década de 1960 y el año 2001. La muestra, con curaduría de Mariana Marchesi, directora artística del Museo, se articula en cinco recorridos temáticos, cada uno de los cuales funciona como una pequeña exhibición en sí misma.

Antonio Seguí. La distancia de la mirada,
1976, carbonilla y pastel sobre tela, 150,5 x 150,5 cm
Donación Benson & Hedges
(Premio Benson & Hedges a la nueva Pintura Argentina), 1977

El director del Bellas Artes, Andrés Duprat, expresa: “Estamos felices de concretar esta exposición porque, además de presentar una selección de importantes piezas de arte argentino de la colección de nuestro Museo, articula, en una acción conjunta, a dos instituciones culturales relevantes: el Museo Nacional de Bellas Artes y el Centro Cultural Kirchner. El primero, un museo centenario que atesora una de las memorias visuales más significativas, y el segundo, el más nuevo y moderno centro cultural de la Argentina”.

Alejandro Puente
Killakas, 1986, acrílico sobre tela, 135 x 195 cm
Donación Fundación Antorchas, 1990

El conjunto presentado incluye pinturas, grabados, esculturas, fotografías e instalaciones de un centenar de artistas argentinos emblemáticos, como Carlos Alonso, Antonio Berni, Juan Carlos Distéfano, Sara Facio, León Ferrari, Nicolás García Uriburu, Carlos Gorriarena, Gyula Kosice, Julio Le Parc, Liliana Maresca, Marta Minujín, Luis Felipe Noé, Liliana Porter, Narcisa Hirsch, Diana Dowek y Antonio Seguí, entre otros.

Pablo Suárez
El sillón azul, 1972, óleo sobre tabla, 200 x 120 cm
Donación Alberto Elía y Mario Robirosa, 2018

“A través de recorridos independientes, se plantean preguntas vinculadas con la historia, la identidad, la práctica artística y sus contextos de producción durante las últimas décadas del siglo XX en el ámbito local”, explica Marchesi.

León Ferrari
Autopista del Sur, 1980, heliografía, 100 x 100 cm
Donación del artista, 2004

“Se trata de dirigir la mirada hacia temas que atravesaron la sociedad y la cultura argentinas entre los años 60 y 90” ‒agrega la curadora‒. Cada eje explora las obras surgidas en tiempos de alternancia de gobiernos democráticos y militares; los planteos que desafían el canon, desde las rupturas radicales de las vanguardias de los años 60 hasta la redefinición del lugar de la pintura en la década del 80; los dilemas de una estética latinoamericana, y la intervención del cuerpo como soporte de la acción artística o como práctica política”.

Sara Facio. "Los muchachos peronistas", 1974, copia al gelatino-bromuro de plata, 30 x 40 cm
Donación María Elena Walsh, 1999 

“Escenas contemporáneas” podrá visitarse hasta el 11 de diciembre, con entrada libre y gratuita, en las salas del 6° y 7° piso del Centro Cultural Kirchner (Sarmiento 151, Ciudad de Buenos Aires), de miércoles a domingos, de 14 a 20 hs.

El Centro Cultural Borges exhibe dos muestras imperdibles: "Marcos López: Clásico y Moderno" y "El Caso Breccia"

Presentación de ambas muestras, con la presencia de Marcos López y de los hijos de Breccia, la curadora Judith Gociol y autoridades de Interpol

La muestra “Marcos López: Clásico y Moderno” reúne una serie de noventa imágenes, algunas del propio autor y otras halladas en anticuarios y luego pintadas e intervenidas a mano. López compra las fotos en anticuarios o mercados de pulgas de Buenos Aires y otras ciudades de América latina y las trabaja con todo tipo de materiales; las resignifica y convierte en piezas únicas.
Este creador multidisciplinario utiliza infinitas variables a la hora de intervenir las imágenes y provoca una especie de “surrealismo precario”, según sus propias palabras, conservando al mismo tiempo la magia original de las fotografías. 

Dice Marcos López: “Esta exposición se podría llamar El pasado, y el título funcionaría perfecto. Toda fotografía tiene que ver con el pasado. Hasta las selfis hechas con los teléfonos. Atrapar el recuerdo. Si me pongo a pensar por qué desde hace tres o cuatro años me puse obsesivamente a revisar cajas de fotos viejas en los anticuarios de San Telmo, diría que tiene que ver con que desde hace un tiempo -yo diría desde que cumplí sesenta- siento que todo lo que tenía que fotografiar ya lo fotografié. Los temas, las luces, las situaciones que tienen que ver con una reflexión visual sobre la «Identidad Cultural» (con mayúsculas) ya las hice. Además, siempre me gustó pintar. Y con la pandemia, la ecuación de pintar, de las fotos antiguas y de quedarme dentro de mi casa fue una excusa perfecta para terminar una serie de más de cien fotos pintadas a mano. Tengo cajas llenas. Todo este último tiempo fue un trabajo de laborterapia ocupacional. Los temas se repiten y son todos temas centrales a mi estructura emocional, cultural, de identidad y de formación y de traumas irresueltos: el pecado, la culpa, la formación católica, patriarcal, autoritaria y los casamientos para toda la vida. 

La fotografía antigua -copias de plata gelatina- tiene una fuerza energética, un aura, un misterio muy potente: en principio tiene un autor y aparece gente de verdad. Entonces, el hecho de pintarles encima de una novia un fuego o un cocodrilo, o un lobo que amenaza con comerse a una niña (cuyo vestido de comunión transformo en el de Caperucita Roja), me hace pensar qué derecho tengo yo para pintarle unos cuernitos de diablo al mismo tiempo que me da un placer enorme -ya que implica soltarme en un trazo infantil sin bocetos- y también me da culpa.
 

Siempre traté de ser «transgresor» con mi obra y siempre lo viví con miedo y culpa. Esos sentimientos están en esta muestra. Hay también una especie de surrealismo precario.
Otra cosa que me resulta interesante es que todas las obras son originales, son objetos. Tienen olor a químico. Son pinturas, pero al mismo tiempo son estructuralmente fotográficas. A la mirada de ilusión de una novia en un retrato de estudio, por más cielos rosados flúor, muebles con tapizados de leopardo, maridos con cuernos de diablo -que yo les pinto en el fondo-, la mirada, el gesto siguen teniendo la magia original de la fotografía.

El «hallazgo» característico de la fotografía (Benjamin o Cartier-Bresson o no me acuerdo quién la definió como «la estética del hallazgo») se da, en este caso, en el hallazgo de la foto en el cajón de fotos viejas de los anticuarios de mi barrio.
La muestra se llama «Marcos López: Clásico y Moderno». Me gusta como suena. Incluye sesenta imágenes antiguas de plata gelatina pintadas e intervenidas a mano con todo tipo de materiales: aerosol flúo, aplicaciones de pelo de verdad, pintura dorada para corona de reyes... del coronavirus.
Ya me intimaron a cerrar la lista de las obras y sigo yendo todos los días a los anticuarios a ver si encuentro alguna foto nueva que me diga algo nuevo, o me despierto en la madrugada y compro compulsivamente en Mercado Libre.”

Marcos López nació en 1958 en Santa Fe, Argentina. Comienza a tomar fotografías en blanco y negro en 1978. En 1982 se traslada a Buenos Aires tras obtener una beca de perfeccionamiento del Fondo Nacional de las Artes. En 1989 integra la primera promoción de becarios extranjeros de la Escuela Internacional de Cine y TV de Cuba y realiza documentales para cine en 16 mm y video. Comienza a investigar con el color y desarrolla la serie Pop latino durante los 90 y, en los últimos años, la serie Sub-realismo criollo.
En 2013 culmina Ramón Ayala, su ópera prima en el campo cinematográfico, un documental-ficción sobre el compositor, músico y pintor argentino homónimo, que gana el premio del público del BAFICI 13 (2013) y se estrena posteriormente en numerosos cines de Argentina.
Sus fotografías forman parte de las colecciones del Museo Nacional de Arte Reina Sofía de España, de la Daros Latinamerica Collection de Suiza y de la Tate Modern Gallery de Londres, entre otras colecciones públicas y privadas.
Sus libros publicados son Retratos (1993, reeditado en 2006), Pop latino (2000), Sub-realismo criollo (2003), El jugador (2007), Pop latino plus (2007) y Marcos López (2010).

El “Caso Breccia” se trata de una muestra en la que se expone un conjunto de originales de Alberto Breccia, reconocido como uno de los mayores historietistas no solo en Argentina sino en el mundo.
A causa de un juicio sucesorio, los materiales que estaban en la casa del dibujante -en Haedo- fueron
depositados en la caja fuerte de una empresa de seguridad que quebró en 2005. Luego, las piezas fueron robadas y vendidas ilegalmente por el mundo.
Los originales que se exponen -con autorización judicial- fueron recuperados por Interpol-Buenos Aires y
permanecen bajo su custodia hasta tanto terminen las causas en trámite.
fuera de lo exhibido, varias piezas sustraídas fueron localizadas en Europa, pero la justicia de los países donde se hallaban resolvió no devolverlas, y de otras no se ha podido descubrir aún su paradero, pero tienen orden de
secuestro internacional.
La muestra incluye además dos producciones audiovisuales que completan la información sobre este inusual,
complejo y doloroso destino de una obra excepcional. la curaduría, investigación y textos de la exposición estuvieron a cargo de la investigadora y periodista Judith Gociol. 

Alberto Breccia (1919-1993), considerado uno de los mayores dibujantes de historietas no solo en la Argentina sino en el mundo, realizó trabajos infantiles y láminas didácticas, adaptaciones literarias, páginas policiales y de ciencia ficción protagonizadas -en los casos más emblemáticos- por sicarios, detectives y viajeros del tiempo inmersos en ambientes lúgubres y en atmósferas linderas con la inquietud y el terror.
En 1997, a causa de un litigio judicial por el acervo sucesorio entre los hijos y la segunda esposa del autor, una parte de esa obra fue depositada para su resguardo en la caja fuerte de una empresa de seguridad que quebró en 2005 y, a partir de entonces, los originales fueron robados y vendidos ilegalmente por el mundo.
Hacia 2008 se denunció que las piezas eran ofrecidas para su compra y, un año después, la justicia penal y la fiscalía solicitaron la intervención de Interpol: algunas de esas obras resultaron recuperadas; otras ya fueron localizadas pero las autoridades judiciales europeas no autorizan su repatriación; el resto continúa sin aparecer.
La calidad de esas páginas, de una gráfica absolutamente innovadora, invaluable para sus lectores, tiene ahora un precio en el mercado (negro) que ni por asomo cobró nunca este artista que pasó largas épocas de ahogo económico, en oscilación entre dos necesidades no excluyentes: la de experimentar gráficamente y la de trabajar “para el puchero”, como decía.
Es un destino cruel y paradójico para la producción de un maestro del blanco y negro -justamente-, experto en el manejo de la luz y de la oscuridad.