Biga Art Gallery presenta “En el plexo, la raíz”, inicio del proyecto Excéntrica, con obras cuatro artistas tucumanos

 

“En el plexo, la raíz” es el nombre de la exposición que presenta Biga Art Gallery. Cuenta con la curaduría de Cecilia Quinteros Macció y presenta obras de los artistas tucumanos Eugenia Correa, Jessica Morillo, Emiliano D’Amato Mateo y Florencia Vivas.
 

Florencia Vivas. Obra

Dando inicio con esta propuesta al proyecto: Excéntrica, plataforma de arte contemporáneo de Biga Art Gallery pensada como un espacio que busca propiciar, visibilizar y difundir artistas contemporáneos efervescentes, innovadores y creativos provenientes de nuestra diversidad territorial, en consonancia con la identidad de la galería.
 

Obra textil de Jessica Morillo

 
Se trata de una muestra colectiva que enlaza e integra pinturas, textiles e instalaciones que proponen una mirada foco a las raíces, lo natural, lo femenino y las tramas, tanto en la materialidad como en los ensayos conceptuales que abordan.
En palabras de la curadora la propuesta busca indagar en la “conexión única, manifiesta desde poéticas de la disrupción en convivencia con lo entrañable, que presenta una naturaleza humana en constante disputa con su propia identificación”
 

Alejandra Britos y Gabriela Campo, directora de Biga

Biga Art Gallery es una galería de arte pensada como plataforma de visibilización que busca enriquecer el entorno cultural, que contiene a sus referentes, amplificando desde espacios diversos de difusión dentro del campo artístico argentino.
 

Emiliano D’Amato Mateo

Emiliano D’Amato Mateo nació en Tucumán en 1988. Artista visual, licenciado en Artes Plásticas de la UNT e investigador independiente. A partir del 2007 participa en muestras individuales, grupales, salones y ferias. Entre ellos podemos mencionar: 18º Concurso Nacional UADE de Artes Visuales (CABA); Mención de Honor 53º Salón de Artes Visuales Fernán Félix de Amador (Bs. As., 2023); 1er. Premio de Artes Visuales de Yerba Buena (Tucumán, 2023); Mención 50º Salón de Artes Visuales MUMBAT (Tandil, PBA, 2023); 66º Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano (CABA, 2022); 27º Salón de Arte Textil (CABA-2022); Premio Argentino a las Artes Visuales de Fundación OSDE (Bs AS 2021). Sus obras se encuentran en colecciones públicas y privadas del país. Actualmente reside en Buenos Aires.
 

Eugenia Correa

Eugenia Correa es artista visual tucumana, licenciada en Artes Plásticas egresada de la Universidad Nacional de Tucumán. Participó en muestras individuales y colectivas entre las que se destacan: 365, muestra individual en el Museo Provincial Timoteo Navarro; Tucumán Eclosión, Borde Galería; Tucumán en Frecuencia - Programa de Artes Visuales Norte Cultura expuesto en Catamarca, Jujuy, La Rioja, Santiago del Estero, Salta y Tucumán; Dolls - Museo de la Universidad Nacional de Tucumán, entre otros.
 

Participó recientemente en ferias Internacionales de Arte como ARTEBA, Mapa, FAS entre otras. Obtuvo premios en salones nacionales y regionales y sus obras pertenecen a diversas colecciones privadas en países como Italia, Brasil, entre otros. Actualmente vive y produce en Tucumán.
 

Obra de Florencia Vivas

Florencia Vivas es una artista y arquitecta nacida en Tucumán. Egresada de la Escuela de Bellas Artes de la UNT, cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón (Bs As) y en la SUPSI (Scuola Professionale della Svizzera Italiana), Suiza.
Participó en diversas propuestas colectivas e individuales, Ferias de Arte exponiendo a nivel local, nacional e internacional, generando proyectos de gestión independiente y participando en diversos Salones y Premios de Artes en el país. Fue Secretaria de Extensión de la Facultad de Artes de la UNT y docente de la Universidad San Pablo T (San Miguel de Tucumán)
 

Diseñó y realizó obras en espacios públicos así como obras de pequeño formato para la Municipalidad de San Miguel de Tucumán, Tafí Viejo, Monteros, Secretaria de Estado de la Mujer, Secretaría de Relaciones Internacionales y otros organismos públicos de la provincia de Tucumán. Su obra se encuentra dentro del patrimonio artístico de la provincia y en colecciones privadas en nuestro país y el exterior.
 

Jessica Morillo

La artista, diseñadora y educadora Jessica Morillo  nació en Tucumán en 1987. Desarrolla su trabajo en el campo de las artes visuales y el diseño. Sus obras textiles adquieren diversas materialidades como intervenciones en el espacio público, instalaciones, esculturas, joyería, piezas digitales, etc. Activa el textil desde diferentes espacios, la calle, la virtualidad, la educación, desde lo personal a lo
colectivo, y como motor en torno a discusiones sobre género y política.
Participó de exposiciones individuales y colectivas dentro y fuera del país. Construyó espacios autogestivos de aprendizaje que se
enfocan en procesos creativos y técnicos en torno a la obra textil y las derivas de la joyería contemporánea de manera individual y con otros artistas.
 

Fue seleccionada en el Programa de artistas - virtual Curadurías Itinerantes coordinado por Gelen Marquez y Ana Larrere (2004); Salón Nacional de Artes Visuales MACA, Junín (Bs As).
Fue jurado de selección y premiación del Salón de la mujer del CAAT ( Centro de Arte Textil Argentino) Recibió mención en el 50º Salón Nacional de Artes Visuales del Museo Prov. Timoteo E. Navarro (Tucumán); distinción en el 109º Salón Nacional de Artes Visuales Palais de Glace categoría textil; 2º Premio en el 110º Salón Nacional de Artes Visuales Palais de Glace (2022); mención en el 111º Salón Nacional de Artes Visuales Palais de Glace, categoría textil (2023); Salón Regional de Artes Visuales, prov. de La Rioja (2022). Actualmente reside en Tucumán.
 

Las artistas Eugenia Correa y Jessica Morillo, la curadora Cecilia Quinteros Macció y la galerista Gabriela Campo

 
La curadora Cecilia Quinteros Macció nació en 1980 en Tucumán donde vivió hasta 2006, es licenciada en artes plásticas (2005) Facultad de Artes de la UNT. 

 

Emiliano D’Amato Mateo. obra

En 2006 estudia curaduría y gestión de arte en ESEADE (Bs. As.).
Fue parte de Espacio Tucumán en Bs. As. como asistente general de cultura y curadora. En 2012 regresa a Tucumán para trabajar en el Museo Timoteo Navarro y la Dirección de Artes Visuales del ente cultural de Tucumán como coordinadora del área de producción y curaduría. En 2017 toma la dirección del museo hasta la actualidad; además de coordinar la organización general de la Semana de Artes Visuales de Tucumán. Es co-directora del proyecto de gestión independiente MALEZA Tucumán, parte de curaduría profesional y miembro de la Asociación Argentina de Críticos de Arte. 

 

Eugenia Correa. Obra

Curadora independiente con proyectos en distintos espacios del país, entre los que se destacan: La función de la Utopìa. Colección Fundaciòn Tres Pinos y Artistas de Tucumàn, Museo MArCo de la Boca. Buenos Aires; Entre los Suspiros. Juan Carlos Iramain/ Alexis Minkiewicz, Museo Juan Carlos Iramain. El desborde y la reorganización de lo existente de Eugenia Correa, Galería Fulana, Tafí Viejo; Nos queremos bien, Museo de la Universidad de Tucumán en el marco del #8M. El cuarto Misterio de María Rosa Mamana, Museo de Arte Sacro de Tucumán. Archivo y recolección...peligro de acumulación de Mané Guantay, Museo Laureano Brizuela de Catamarca y Museo Histórico del Norte de Salta.
 

Florencia Vivas. Obra

Como gestora independiente organiza eventos como Circuito Abierto así como el Premio Caps de Arte. También ha sido jurado de diversos premios y salones nacionales como Premio Itaú, Salón de Arte Contemporáneo MUNT, Salon de Artes Visuales de Jujuy, Premio Ledesma, entre otros; y participa en diversas publicaciones y catálogos con sus textos curatoriales y de investigación.
En la actualidad vive en Tucumán.

 

 
 

 

Pinta BAphoto celebra sus 20 años de trayectoria en La Rural, del 24 al 27 de octubre

En el emblemático bar notable Los Galgos se realizó el lanzamiento de Pinta BAphoto 2024, que se presenta del 24 al 27de octubre de 2024 en el Pabellón 8 de La Rural.
 

Irene Gelfman, Curadora global de Pinta BAphoto, compartió su entusiasmo por esta edición: “Será un encuentro imperdible que reunirá a más de 200 fotógrafos y artistas visuales. En sus 20 años, Pinta BAphoto nos convoca a una edición tributo a la fotografía y a la huella imborrable que representa para el arte de toda América Latina. Es además, una aproximación audaz a como conversa la fotografía con otros lenguajes artísticos”.
 

Fotogaleria Teatro San Martín.Oscar Pintor. Puerta de piedra, San Luis, Argentina 
La feria cuenta con la presencia de más de 55 galerías destacadas provenientes de distintas ciudades. La Sección Principal presenta una gran variedad de galerías que se caracterizan por la calidad de sus propuestas de artistas modernos y contemporáneos cuyas prácticas artísticas se encuentran atravesadas por el lenguaje de la fotografía. La sección NEXT | Fuera de foco con curaduría de Joaquín Rodríguez y Bárbara Golubicki, exhibe la fotografía de artistas y galerías emergentes de todo el país, donde la heterogeneidad permite plantear el universo de posibilidades del medio.
 

NEXT | Fuera de focoLinse Galería. Erica Bohm, Testigos (Permafrost) 
Presentada por primera vez, la sección RADAR con curaduría de Sebastián Vidal Mackinson, busca visibilizar a una generación de artistas nacionales, mayormente, de mediana edad que continúan su trayectoria y sus varios procedimientos fotográficos, colaborando con la ampliación de lo que entendemos por arte contemporáneo.
 

Galería Vasari. Annemarie Heinrich, sin título

Los proyectos especiales como Artista Homenaje, con curaduría de Francisco Medail, presenta la obra de Jaime Bolotinsky (1894-1969), un fotógrafo ruso emigrado a la Argentina, en donde desarrolló su cuerpo de obra durante la primera mitad del siglo XX. Entre los artistas que han sido homenajeados en esta sección, que cumple 10 años, se encuentran: George Friedman (2015), Juan Di Sandro (2016), Frans van Riel (2017), Pepe Fernández (2018), Pedro Otero (2019), Foto Estudio Luisita (2020), Lucrecia Plat (2021), Sara Facio (2022) y Boleslaw Senderowicz (2023).
 

Homenaje a la Trayectoria Destacada: Luz Castillo, Aldo Sessa y Pedro Roth Además, en relación al Homenaje a la Trayectoria Destacada, se destacará el trabajo de tres grandes figuras del arte argentino: Luz Castillo, Aldo Sessa y Pedro Roth. Se trata de un reconocimiento a la incansable labor, continua dedicación, creatividad y entusiasmo de estos tres referentes que han dejado una huella trascendental en la escena artística nacional hasta el día de hoy. Un trabajo que inspira a generaciones de artistas, historiadores, curadores, críticos y amantes del arte.
 

Gallery Labs. Masako Kano, Rosas de mi jardin

A su vez, la feria llevará adelante un Special Project dedicado a la obra instalativa de Cecilia Lenardón además de Video Project que volverá a estar presente en esta edición presentando la noción de territorio como hilo conductor. A través de la obra de seis artistas seleccionados, Amadeo Azar (Galería Nora Fisch); Nicolás Martella (Galería Isla Flotante);  Ivana Vollero (Galería Hache); Alejandro Kuropatwa (Galería Vasari); Tadeo Muleiro (Galería The White Lodge) y Érica Bohm (Galería Linse), estos proyectos buscan expandir la materialidad física y conceptual de la noción de territorio.

Espaciio Pinasco. Eliseo Miciu, Pompón

La feria ofrece una consolidada sección editorial con Photo Zine a través de una selección de propuestas de más de 20 editoriales emergentes, además de la participación de sellos invitados como La Paragráfica y Ediciones Lariviere.

También contará con FORO, un ciclo de charlas con más de 25 oradores invitados con conversaciones variadas con la participación de instituciones como El Moderno, proyecciones especiales como el Banquete Telemático de Federico Klemm, presentaciones de libros y charlas entre artistas y fotógrafos, todas ellas habilitando un cálido encuentro de reflexión y pensamiento. Además, también se ofrecerán recorridos por la feria con especialistas a través de un programa de visitas guiadas.
 

OdA. Claire Dunn, Un mundo entretejido, 2024

Pinta BAphoto sigue convirtiéndose en un faro para artistas, curadores, coleccionistas, galeristas, instituciones públicas y privadas, así como amantes del arte en general. Este universo conecta, convoca y atrae a todos aquellos que valoran el talento y la gestión en el mundo de la fotografía y del arte.

Las entradas disponibles se adquieren a través de La Rural Tickets.

 

Poème presenta "Fractales, una cuestión de luz", pop up con obras de Cynthia Carllinni, Marcela Ferrero, Luisa Freixas, Claudia Iturralde y Ángeles Jacobi

 

Hasta el 17 de octubre, Poème, espacio de arte contemporáneo ubicado en Palermo, presenta "Fractales, una cuestión de luz", una muestra que explora la relación entre el arte, los artistas y el público a través de estructuras repetitivas y patrones infinitos.

Las artistas

 
Se exhiben trabajos de Cynthia Carllinni, Marcela Ferrero, Luisa Freixas, Claudia Iturralde y Ángeles Jacobi. 

“Los seres humanos siempre hemos querido comprender el mundo. La naturaleza ha sido nuestra maestra, portadora de misterio, reveladora de un orden (en el aparente caos) que da belleza a lo que llamamos mundo.

 

 

Las cinco artistas reunidas en Fractales una cuestión de luz (primera muestra de Poème Studio) se concentran en la celebración de ese misterio, permiten que sus manos adopten los gestos que imaginamos detrás de los patrones naturales, de los espirales cósmicos que conforman nuestra galaxia pero que también encontramos en una telaraña, en un ojo que visto desde arriba nos recuerda a un volcán, en la repetición de las formas. 

 

Claudia Iturralde

Los fractales no sólo son objetos geométricos que se repiten sino ecos de lo infinito.

 Cinco artistas cuyas destrezas técnicas hacen del trazo o la puntada, la ejecución de un movimiento de apertura, de transformación y conexión entre el micro y el macrocosmos.


 

En el mundo que intentamos comprender, nada está desconectado. Desde tiempos ancestrales, en tradiciones antiguas occidentales y orientales, domina un principio de interconexión que nos sigue sorprendiendo hoy en día. Fractales honra, en el trabajo de cada una de las artistas convocadas, la dimensión sagrada y también primitiva que interpela el lugar de lo humano en el cosmos, la necesidad de convertir en arte el esfuerzo por comprender todo lo que nos rodea.



 

Cynthia Carllinni

Detrás de cada artista siempre emerge una fascinación por la búsqueda y un vínculo especial con la luz. Los ojos de Cynthia Carllinni nos insisten en adoptar nuevos modos de ver, interpelándonos sobre aquello que percibimos y lo que no. Si prestamos la suficiente atención, el mundo entero puede reflejarse en una pupila, como el infinito en un junco. 

 

Luisa Freixas

 
Luisa Freixas corta la tela a cuchillo, logrando una repetición de vacíos que se vuelven espacios de plenitud. En el gesto del corte habitan los ecos del arte primitivo, la serie entera vuelve espiral al tiempo cronológico que pierde la rigidez de la línea. 

 

Marcela Ferrero

 
Marcela Ferrero nos permite conectar con la vibración de los cristales y las piedras, en un trabajo donde la abstracción geométrica se convierte en meditación tanto para la artista como para quienes lo
observamos. 

 

Claudia Iturralde

 
Claudia Iturralde encuentra en el trabajo artesanal con el fieltro y la lana, la belleza de los senderos que se bifurcan, se entrelazan y se vuelven urdimbre. Tramas que también son ecos de la sabiduría antigua escrita sobre vitela, refugio de conocimientos y oficios ancestrales que llegan a nuestro tiempo presente en un delicado lenguaje silencioso.

 

 

Angeles Jacobi

En esa ruptura de la rigidez lineal de Cronos, nos sumerge el laberinto textil de Angeles Jacobi; una instalación que al igual que Penélope, desteje lo que ha sido tejido en un movimiento que es también ritmo, pulso vital. Des-enredar es necesario para toda
transformación profunda.

 





Marcela Ferrero

Las cinco artistas de Fractales rinden un sincero homenaje a la creación artesanal en el corazón mismo del arte contemporáneo. Nos proponen un viaje hacia lo sagrado a través del eco de una búsqueda común: entender y celebrar la belleza que emana del caos.
 El recuerdo insistente de que la experiencia estética ha sido siempre una vía auténtica para la comprensión del mundo. ”

Sofía Di Scala

"Fractales" se puede visitar en Honduras 5952, Palermo, CABA, hasta el 17 de octubre de 9 a 19 hs.




La #MareaColapinto llegó a la FIT de la mano de Manuel Rodriguez Villa y Adrián Puente

 

Mundo Tour estuvo presente junto a Adrián Puente, conductor y comentarista de las transmisiones de Fox Sports, reconocido periodista deportivo y referente especializado en Fórmula 1, hablando sobre el fenómeno Colapinto en el ámbito turístico deportivo. 

 

Adrián Puente y Manuel Rodriguez Villa

 
Adrián Puente dijo “Este Gran Premio de Brasil con Colapinto, va a ser una carrera argentina, muchos argentinos están dando hasta lo que no tienen para estar ahí. Lo que ha logrado Franco en tres competencias es increíble, se puso a la altura de los grandes pilotos de F1. Colapinto conoce el circuito de Abu Dabi y podría ser una gran oportunidad para asegurarse un lugar en 2025”.

Por su parte Manuel Rodriguez Villa CEO de Mundo Tour comentó que “Luego del fútbol que tracciona muchísimo al turismo deportivo a nivel mundial, llega la F1 y de la mano de un argentino como Franco Colapinto. Actualmente está convocando a miles y miles de argentinos en cada circuito de cualquier parte del mundo, es increíble lo que está logrando. Nosotros llevamos vendidos 4 charters para ir al Gran Premio de Brasil, tres de ellos con JetSMART y uno con Gol y ya estamos vendiendo para el próximo Gran Premio”. 

Con más de 20 años de experiencia en viajes deportivos, Mundo Tour se caracteriza en ofrecer calidad y servicio incomparables. Luego de llevar al frente a nivel mundial hace más de 30 años la #MareaAzul de Fernando Alonso y la #MareaSenna, llega la #MareaColapinto de la mano de Manuel Rodriguez Villa. Actualmente Mundo Tour lleva vendidos 4 jets que tienen como destino final el Gran Premio de F1 de Brasil a finales de octubre. 

Mirta Herrero y Arian Puente junto al cartel de Franco Colapinto

 
Los paquetes completos, incluyen hoteles, traslados y pasajes, y varias sorpresas, garantizan que cada aspecto del viaje se maneje meticulosamente y de manera exclusiva. Como socio de confianza en cada etapa de su viaje, Mundo Tour garantiza que cada experiencia sea una ocasión única y memorable. Además, ofrece programas de incentivos especializados diseñados para ayudar a los grupos a explorar juntos eventos emocionantes, lo que los convierte en un viaje inolvidable.  

 

“El sutil encanto de la materia”, una exhibición antológica de Lucy Mattos marca la reapertura del museo que lleva su nombre

 

El sábado 14 de septiembre el Museo Lucy Mattos Arte Contemporáneo abrió nuevamente sus puertas con la exposición antológica de Lucy Mattos. 

 

Bajo el título “El sutil encanto de la materia” la muestra reúne obras de distintos períodos que dan cuenta de su permanente investigación sobre las posibilidades expresivas de diferentes materiales y técnicas. Los textos críticos que acompañan la exposición estuvieron a cargo de la Lic. Laura Casanovas y el Lic. Alejandro Zuy.

El nuevo recorrido propone descubrir la línea que subyace en todo el proceso creativo de Mattos y que permite trazar una correspondencia estética entre materiales tan diversos como el grafito, la madera, el bronce, el hierro, la resina y el acrílico, entre otros. La línea, en palabras de Laura Casanovas, se convierte en testigo vital de tiempos impetuosos.

 

Es la primera vez desde su inauguración en el 2012, que se exhibe una selección exclusiva de la obra de la artista. 

 

Lucy exhibe su más reciente obra, una intervención artística de un Jeep modelo CJ-5. Foto Pablo Jantus

 
El Museo Lucy Mattos los invita a vivir estos tiempos complejos y desafiantes inspirados por sus dibujos, pinturas, esculturas, instalaciones y joyas. Además, por primera vez, Lucy exhibe su más reciente obra, una intervención artística de un Jeep modelo CJ-5 que instalado en el área de estacionamiento del Museo recibirá y sorprenderá a todos los que se acerquen.

Pueden disfrutar de una experiencia sensorial en diálogo con temas tan contemporáneos como la condición de la mujer, el medioambiente y el compromiso social. Un museo donde las referencias lúdicas, los colores vibrantes, las texturas y las formas invitan a la reflexión y al autodescubrimiento.

Dice Alejandro Zuy: "Existe, en las obras de arte, un tenue equilibrio entre aquello que en ellas permanece inalterable y aquello que el paso del tiempo, con suma discreción, les adiciona. En cada oportunidad que son mostradas, pueden ser capaces al mismo tiempo de conservar su esencia y actualizar su relación con el mundo y con sus espectadores al cobrar nuevos significados".

Y mas adelante agrega: "En la disposición de las piezas que se encuentran exhibidas se han priorizado sus aristas afines subordinando, en parte, un posible orden cronológico. Ello se observa de modo peculiar en sus dibujos donde los cuerpos femeninos ocupan no sólo la centralidad del plano, sino que además parecen compartir un mismo ángulo y distancia de la mirada que los aborda independientemente de la época en que fueron representados. Algo similar ocurre con el conjunto de bosques antropomórficos que comparten el motivo y solamente se diferencian por la intensidad del trazo o el uso del color y con las esculturas, cuyas diversas texturas visuales obedecen a la pluralidad de los materiales utilizados y, sin embargo, mantienen una especificidad en su relación dialéctica con el espacio."

Mientras que Laura Casanovas expresa: "En las distintas manifestaciones artísticas elegidas por Lucy Mattos, sean la escultura, el dibujo, la pintura o la joyería, la línea es quien hace posible formas, texturas, volúmenes, luces y sombras. La enunciación de esta característica resulta fundamental porque supone una obra que tiende a la síntesis y a la estilización. Dichas cualidades, a su vez, hacen a sus propuestas fluctuar, con gran naturalidad, entre la figuración y la abstracción.

Aquellos conceptos seguidos por la artista a lo largo de los años como el amor, los cuerpos, el deseo, la paz, encuentran en la línea el anclaje y la expansión necesarios para trabajar diversas materialidades (grafito, madera, bronce, hierro, resina, acrílico y otros), generando siluetas también en la intersección entre humanidad y naturaleza."

"La sensibilidad perceptiva y estética De Mattos logra por igual formas de apariencias blandas con materiales rígidos en esculturas donde los vacíos se colman de vida y trazos generadores de entramados de etérea belleza. La línea es entonces testigo vital de tiempos impetuosos, donde lo humano y lo no humano necesitan más que nunca aliarse y fortalecerse."

Lucy Mattos nació en la provincia de Misiones, Argentina, donde vive hasta los siete años. Cursa sus estudios primarios y secundarios en la Ciudad de Buenos Aires. Es Profesora Nacional graduada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, especializada en Escultura. Hacia fines de la década de los 60 se traslada a San Isidro, en la zona norte de la provincia de Buenos Aires, allí establece su estudio y años más tarde, su museo.
A lo largo de su vida continuó su formación visitando reiteradas veces los museos más importantes del mundo.

Declarado de Interés Cultural, el Museo Lucy Mattos Arte Contemporáneo fue inaugurado en abril de 2012. Está ubicado en la localidad de Beccar, en el partido de San Isidro, provincia de Buenos Aires. La iniciativa surgió del interés de Lucy Mattos de mostrar su obra a la comunidad y de crear un espacio donde otros artistas pudieran exponer sus obras.

Lucy Mattos es creadora de la técnica transluz-intra-luz-neón, patentada en 1994 dado el carácter intrínsecamente original y no explorado hasta esa fecha.

 
Se puede visitar de de miércoles a sábado (domingo con cita previa)de 10 a 18 hs. (horario de invierno) y de 11 a 19 hs. (horario de verano) en Av. del Libertador 17.426, Beccar, San Isidro. Estacionamiento privado. Visitas escolares con reserva previa. 

Mas información sobre el museo:

WhatsApp +54 (11) 4732-2585 / T. +54 (11) 4747-1942

https://museolucymattos.com/
e. mail: info@museolucymattos.com
IG @museolucymattos

Biga Art Gallery presenta "Tierra intensa” de Beatriz Moreiro

Biga Art Gallery presenta "Tierra intensa”, una muestra de Beatriz Moreiro, con curaduría de Rodrigo Alonso.
Se puede visitar de lunes a viernes de 10 a 19 hs. en Arenales 1181, CABA.

 

Moreiro nació en Florida, provincia de Buenos Aires, el 19 de marzo de 1953. Desde 1978 residió en Resistencia. Se formó en Institutos de Arte de Buenos Aires.  Realizó viajes de estudio a Polonia, Francia y España. En el 2002, la Secretaría de Cultura de la Nación, la selecciona como becaria titular, para una pasantía en Cuenca, España. Desde 1992 a 1997 realizó Encuentros Latinoamericanos de Gráfica, en Resistencia. Premiada por la Academia de Bellas Artes de la República Argentina y en Salones y Bienales internacionales. En el 2005 fue becada por la Fundación CIEC, para realizar un postgrado en la Universidad de La Coruña, En 2012 y 2014 realizó junto a Matilde Marín, el evento La Gran Sombra en la provincia de Corrientes.

Su obra está centrada fundamentalmente en la naturaleza, con una presencia del entorno cada vez más gravitante. Esta producción se diversifica luego en otras expresiones como el dibujo mono y acromático, en construcción de objetos de gran tamaño, en acero inoxidable, como las caraguatás.

Realiza intervenciones en contextos naturales que la artista visita e investiga para recolectar y seleccionar vestigios del medio ambiente y de su propia historia. En los tres últimos años, realiza medianos y grandes dibujos de hongos- el quinto reino; arma objetos conformados por maderas duras, naturales o patinadas con grafito, en las cuales monta hongos de acero inoxidable de diversas formas y tamaños, que graba y moldea, antes de ser montados en el tronco. Graba sonidos del monte, grillos, ranas, pájaros, otros… que luego son editados, para dialogar con la obra. Así como también realiza video- instalaciones.
 

Dice Rodrigo Alonso en el texto que acompaña la exposición:
"Las obras de Beatriz Moreiro surgen de la observación meticulosa de un universo que es, al mismo tiempo, un reservorio inagotable de vida y un escenario de conflictos. “Mi punto de partida es un mundo agredido en su orden natural” – asegura la artista. Desde esta perspectiva, el señalamiento de un terreno todavía pródigo y de las especies que se abren paso sobre él, encarna una visión potente de una naturaleza que se resiste a perder protagonismo ante la avanzada de las civilizaciones hipertecnológicas contemporáneas. 
 

En los dibujos, plantas de diferentes y elegantes figuras – flores, hongos, verduras, hojas – brotan exultantes del papel a partir de las bondades más extremas del claroscuro. A diferencia de dibujos anteriores, en los cuales el blanco del soporte era preponderante, acá es el negro del grafito el que domina la conformación de las atmósferas cromáticas. Los objetos, solitarios o reunidos en conglomerados densos, tienden a ocupar el centro de la composición y a proyectarse desde allí con una intensidad centrífuga arrolladora. Los fondos engendran una profundidad aguda, quizás porque no son del todo lisos, sino que están elaborados mediante la continua y paciente superposición de capas de lápiz.
 

El libro de artista Flores en la noche (2021) prolonga este procedimiento para referir no sólo de un acontecimiento natural particular – las plantas que florecen al cobijo del cielo nocturno –, sino también, a la larga “noche” de la pandemia que asoló recientemente al planeta. “Entre noviembre y diciembre de 2020, en la chacra-estudio donde vivo y trabajo, emergieron en la oscura noche cientos de flores que se abrieron gigantes y esplendorosas. Las vi como un símbolo esperanzador” – relata Moreiro. Los dibujos fueron realizados copiando directamente a las flores en medio del sonido de los grillos; de ahí que el registro sonoro fuera incorporado luego a la publicación. 

Esta idea de una naturaleza que se sobrepone a las adversidades, que trasciende la muerte y la destrucción, reaparece en un conjunto de piezas escultóricas en las cuales unos hongos de metal germinan de troncos de madera inertes. La metáfora es potente. También lo es el vínculo sensible que surge de la contraposición de los materiales, de sus propiedades, cualidades y texturas.
 

Del juego de estos elementos y combinaciones, de sus formas y sentidos, nace una cosmología plástica que Beatriz Moreiro ha sabido modular hasta transformarla en una marca propia. En ella subyace un deseo que trasciende el gesto contenido de dibujos, esculturas e instalaciones. Un deseo que probablemente encarne el anhelo de buena parte de la humanidad: la necesidad de preservar la vida de una tierra desprotegida."

Terminó arteba 2024 en el Centro Costa Salguero

 

Con Santander como Patrocinador Principal y por tercer año en Centro Costa Salguero, la Fundación arteba realizó una nueva edición de su feria. Manteniendo el firme propósito de constituirse como plataforma de encuentro, artistas, galeristas, coleccionistas, curadores, referentes de la cultura y un público masivo confluyeron en esta gran celebración alrededor del arte contemporáneo.

Esta edición de arteba 2024, contó con la participación de más de 400 artistas, representados por 65 galerías de 16 ciudades diferentes. 

Larisa Andreani, presidenta de Fundación arteba, afirmó: "Estamos muy felices con esta edición de arteba. La feria se ha consolidado como un espacio de confianza para el coleccionismo, tanto institucional como privado, que ha apostado por el talento de los y las artistas argentinos.".
Por su parte, Federico Braun, vicepresidente de la fundación, expresó: "Fue mi primera feria como vicepresidente de arteba, me dio una gran admiración ver el trabajo excepcional de todas las galerías para lograr una feria tan potente. Durante el transcurso de arteba, pude ver públicos muy diversos recorriendo la feria y la presencia de muchísimos artistas que estaban exponiendo o acompañando el trabajo de sus colegas. Arteba es un gran punto de encuentro para el arte argentino y me llena de orgullo ser parte de esta institución".

La Programación Artística presentó una amplia diversidad de formatos existentes para la producción contemporánea que no siempre están representados en el mercado. Entre las propuestas se encontró el Espacio Andreani curado por Alejandra Aguado, el Programa de Performance Fundación Williams curado por Osías Yanov, la clásica Isla de Ediciones Fundación Proa coordinada por Carlos Ávila y, por primera vez en la feria y gracias al apoyo de Balanz, el Comedor Gourmet Belleza y Felicidad Fiorito.
Además, el Ministerio de Cultura GCBA ofreció sus visitas guiadas de arte curadas por Laura Batkis y tuvo un stand con obras del movimiento Madí y Arte Concreto Invención. Los concurrentes a la feria también pudieron recorrer otras propuestas como el stand de Banco Ciudad con obra del artista Andrés Arzuaga y el espacio del Equipo ELA con su muestra Otras historias posibles II. Por primera vez, Zonaprop se sumó a la feria con Vivir con Arte: curaduría para incluir obras en tu casa, un programa de asesoría para la adquisición de obras. Zurich, por su parte, participó con el Programa Matching Funds para museos locales cuyo objetivo fue que cuatro museos argentinos puedan adquirir obras durante la feria, a través de un fondo de inicio.
Este año, la feria tuvo la colaboración de Fundación Medifé, IRSA y ND - Nueva Dirección en la Cultura y Secretaría de Cultura, así como también tuvo el acompañamiento fundamental de La Nación como medio asociado, y Clarín como auspiciante.

Inés Vionnet participará en BADA 2024

 

Inés Vionnet es una artista plástica con más de tres décadas de exploración creativa. 

Del 29 de agosto al 1 de setiembre participará de BADA 2024 en La Rural, de 14 a 21 horas, en el stand 41.

 

Su viaje artístico comenzó a los 29 años en el taller de Marta Porreta, en Mar del Plata, ciudad donde reside desde 1982. Desde entonces, ha dedicado su vida a la búsqueda de nuevas formas de expresión y a la profundización en diversas técnicas artísticas. Su trayectoria ha abarcado el dibujo y el estudio de la figura humana con carbón prensado, antes de expandirse hacia la pintura acrílica, el collage, la instalación y el video arte. Estas disciplinas le han brindado una mayor libertad para explorar y expresar su mundo interior. 

 

Vionnet trabaja desde un lugar intuitivo e inconsciente, sin una idea preconcebida. Su proceso creativo es un diálogo constante con el papel, que le guía en la construcción de la imagen, en el acto de expresarse y, posteriormente, en el proceso de interpretación. A veces comprende lo que ha creado; otras veces, no. Lo que se oculta en lo más profundo del inconsciente no siempre se revela con claridad, pero, como solía decirle su maestra, “Más vale afuera que adentro”. A través de su trabajo, expresa sucesos y emociones, sean propios o ajenos, siempre relacionados con la existencia humana. 

 

En su obra, a menudo se entrelazan la concentración, la disciplina y la voluntad con momentos de juego y experimentación. Su arte es un reflejo de su constante diálogo con la vida, un espacio donde lo intuitivo y lo racional se encuentran, donde lo consciente y lo inconsciente coexisten en una búsqueda perpetua de significado y de verdad.