9º Edición del Premio Itaú de Artes Visuales

La 9º Edición del Premio Itaú de Artes Visuales, organizada por Fundación Itaú se presenta con una apuesta superadora, al tomar la decisión, por iniciativa de la curadora del premio Adriana Lauría y de su coordinadora Eugenia Garay Basualdo, de realizar una exposición con casi el doble de obras que en las ediciones anteriores.

Con más de 4400 inscriptos, cifra récord para este premio, la decisión de las obras a exhibir fue muy ardua, para lo cual trabajaron 22 jurados de selección de varias provincias. 92 obras fueron las que obtuvieron los mayores puntajes conferidos por los jurados en la fase final.

Realidad aumentada: Yasmín Reguero y Magalí Matilla Santoro. "Efímera, la flor en el eclipse"

A estas obras se suman dos instalaciones de arte con realidad aumentada, entre las que se encuentra el premio especial que Itaú entrega por primera vez en la Argentina a esta novísima tecnología, obtenido por Yasmín Reguero y Magalí Matilla Santoro con su obra Efímera, la flor en el eclipse, distinguida con una recompensa de 25.000 pesos, además de la mención de honor conferida por el jurado de RA -Alejandro Schianchi, Mariela Yeregui y Patricia Rizzo- a Flavio Bevilacqua (Neuquén), por Hombres de piedra.

A estas expresiones atravesadas por los más recientes aportes de la tecnología, se suma un importante número de obras fotográficas, instalaciones, videos y objetos, sin olvidar las técnicas tradicionales del dibujo, la escultura o el grabado, siendo la pintura la más extensamente representada.

Segundo Premio Adquisición: Florencia Levy. “Marea negra”

 

Es de resaltar el carácter federal del Premio Itaú de Artes Visuales, ya que a la mayoritaria presencia de la ciudad y de la provincia de Buenos Aires, se suman obras de artistas de las provincias de Córdoba, Santa Fe, Tucumán, Neuquén, Río Negro, Salta, Mendoza, San Juan, Entre Ríos, Misiones, Corrientes, Entre Ríos y La Pampa, aportando, en muchos casos, perfiles diferenciados a la producción del arte argentino contemporáneo, aparte del de artistas oriundos de Colombia, México y Uruguay, que se encuentran residiendo y desarrollando su trabajo en nuestro país. Este carácter comprensivo también se verifica en la dimensión generacional, ya que el premio, si bien está particularmente dirigido a los artistas emergentes, no tiene límite de edad, dándoles ocasión de participar tanto a los más jóvenes, como a aquellos que aún tienen algo que aportar a la labor creativa en plena madurez.
El miércoles 16 de mayo, durante la inauguración de la muestra, se anunciaron los premiados, elegidos por el jurado de premiación: Eduardo Stupía, Valeria González y Mariano Sardón.  

Dibujo: Cynthia Kampelmacher. "Proverbio alquimista"

Primer Premio Adquisición de $ 100.000 para Juan Reos por su obra “Antes / un mundo sin reliquias”.
Segundo Premio Adquisición de $ 60.000 para Florencia Levy por su obra “Marea negra”.
Tercer Premio Adquisición de $ 30.0000 para Erica Bohm por su obra  "Moonlight #1"
Mención de honor para Los Picoletos (Dúo Formado Por Dante Litvak y Fabro Tranchida)  por su obra sin título o "Carro nº 6" (serie carros fatuos).
Mención de honor para María Lorena Fernández Núñez por su obra “Heroína (estudio)”.

Fotografía: Jorge Roiger. "Guardianes del atardecer", 2015

 

Artistas seleccionados por disciplina:

Fotografía: Arturo Aguiar, Erica Bohm, Gonzalo Maggi, Mariano Grebnicoff, Ezequiel Montero Swinnen, Florencia Levy, Lorena Fernández, María Cecilia Candiani, Marcela Bosch, Agustina Triquell, Rosana Storti, Jackie Parisier, Francisco Estarellas, Mariana Belén Romero, Jorge Roiger, Néstor Barbitta, Gisela Ajzensztat.

Escultura: Fabiana Ímola, Lucía Pellegrini, Ariadna Pastorini, Juan Gugger, Mónica Van Asperen, Mariana De Matteis, Ivana Scherer, Irina Kirchuk, Victoria Schwindt, Wladimir Ojeda, Pablo Curutchet, Marina Páez, Carla Gorbalán.

Instalaciones: Gabriela Munguía, Ananké Asseff, Juan Pablo Inzirillo, Mara Andrea Caso, María Alejandra Galván, Ciro Fagioli, Nora Cecilia Lestón, Federico Galará, María Paula Massarutti, Antonella Agesta, Natalia Forcada, Mariana Guagliano, Los picoletos (Dante Litvak y Fabro Tranchida), Azul de Monte.

Grabado: Juan Reos, Federico Mattioli.

Pintura: Marina Apud. "La bola", 2017

Pintura: Juan Andrés Videla, Catalina León, Valeria Gopar, Lorena Ventimiglia, Leonel Luna, Paula Senderowicz, Marina Apud, Fernando Sucari, Tomás Carlos Ortolani, Josefina Inés Carón, Ana Vogelfang, Nubar Doulgerian, Gerardo Oberto, Laura Ojeda Bär, Franco Vico, Fátima Pecci Carou, María Sivak, María Luciana Giachino, Malcond D’Stefano.

Dibujo: Amadeo Azar, Clara Esborraz, Cynthia Kampelmacher, Matías Ércole, María Victoria Maggiori, Mauro Koliva, Catalina Scoppa, Andrés Castaño, Anahí Laurencena, Cecilia Ivanchevich.

Video: Fabián Ramos, Malen Otaño y Suyai Otaño, Virgina Buitrón, Daniel Romano, Mariel Galarza, Maia Navas, Sofía Mele.
 

Instalación: Ciro Fagioli. Sin título, de la serie "Reverberaciones de una ausencia", 2017-2018

 

Objetos: José Luis Landet, Ignacio Unrrein, María Laura Domínguez, Ruth Viegener, Hernán Aguirre García, Samuel Lasso, Luciano Burba, Federico Gloriani, Gabriela Cárdenas, Diego Aráoz.

Artistas por provincia: 13 por Córdoba, 14 por la provincia de Buenos Aires, 8 por Santa Fe, 4 por Tucumán, 3 por Neuquén, 2 por Misiones, 2 por San Juan, 1 por Salta e igual número por Mendoza, Entre Ríos, Río Negro, Corrientes y La Pampa.
 

La muestra puede visitarse hasta el 1º de julio, con entrada gratuita, de martes a domingos de 14 a 20 hs. en la Casa Nacional del Bicentenario, Riobamba 985, Buenos Aires, Argentina.

Popnografía: la serie erótica que devolvió a Marta Minujín a la pintura en los 70

Marta Minujín en su taller en Washington D.C., 1973.  Fotografía digital tomada de negativo vintage

Henrique Faria Buenos Aires presenta “Frozen Sex”, una muestra con pinturas y dibujos que Marta Minujín realizó hacia 1973 durante una estadía en Washington y que se vieron originalmente en 1974 en la galería Hard Art (bajo el nombre de Frozen Erotisme) de esa ciudad. En noviembre de 1973 habían sido presentados en Buenos Aires como Serie Erótica en la galería Arte Nuevo donde tuvieron que ser descolgados a las tres horas de la inauguración por presión de la policía. No volvieron a exhibirse desde entonces.
 

Tres obras sin título, de 1974, en acrílico sobre tela

 

Las obras de esta serie representan para Minujín el regreso a la pintura desde que a principios de los 60 abandonó el estilo informalista para trabajar con piezas bidimensionales y luego pasar a las ambientaciones. Las pinturas que fueron presentadas originalmente como Frozen Erotisme representan un paréntesis en su actividad en el campo de la performance que entonces se expresaba en obras como Kidnappening, Interppening o La academia del fracaso.

Dice Minujín: “Esta es una parte de mi obra a la que antes no había dado relevancia porque sucedió en medio de mi época de performances. El regreso a la pintura fue motivado por la fobia que se había despertado respecto del sexo en esos años. Fue entonces, antes de que se hablara del SIDA, que se empezaron a morir amigos gays en Nueva York. Se hablaba de peste rosa de manera muy underground y todos empezaron a evitar el contacto. De pronto ya nadie se quería besar ni tocarse ni sentarse en un inodoro por el miedo al contagio. En ese contexto terrorífico pensé que había que dignificar los órganos sexuales que estaban siendo demonizados. Por eso me dediqué a pintarlos como si fueran retratos o naturalezas muertas, para glorificarlos. Mientras trabajaba en esta serie estuve muy influenciada por la lectura de El erotismo de Georges Bataille".
 

Dos serigrafías de 1974 y vitrina con fotos y publicaciones 

Así estas pinturas de estilo pop marcan también el paso de la liberación sexual en el seno de la contracultura de los años 60 a los inicios de la industria pornográfica en los 70. Para realizarlas, Minujín se zambulló en el submundo del consumo erótico. “Como en todo lo que hago fui a fondo con el tema. Recorría la calle 14 de Washington que es donde se concentraba la oferta de sexo y hasta hice amistad con una prostituta para entender todo”.

El resultado son estas obras que Minujín duda en considerar pinturas o fotografías y que muestran primerísimos planos de genitales a la manera del cine y las revistas porno. El nombre original de Frozen Erotisme tiene que ver con la asociación que la artista hizo entre el “sexo congelado” y la forma de helado a la que remiten algunas de sus pinturas de genitales. “A quienes entonces compraron algunas de las obras yo les decía que si las colgaban en su living los iba a erotizar”, señala la artista.
 

A propósito de Frozen Sex escribe Francisco Lemus en el texto crítico de la muestra: “El pop se caracteriza por tomar con frialdad las imágenes emblema, las que están en una góndola, las que eclipsan por su belleza o rechazo, las que exhiben los signos mediáticos y los de la contracultura. Estas imágenes no son narrativas, tampoco contestatarias, son lo real puesto en la obra en su versión simulacro. El ejercicio conceptual que ofrece el pop es habitar la sinceridad brutal al mismo tiempo que lo superficial resulta encantador. Los órganos sexuales, pintados por la artista, dispuestos en planos enteros, ocupando toda la tela, intensifican esta operación aunque no mantienen una relación mimética con el original. Si bien el tamaño es exagerado, las formas planas y los volúmenes esquemáticos en distintos rosados nos ahorran los detalles que el close up pornográfico daría en diez minutos. La pintura, como gesto performático que se desliza y va cubriendo lentamente la superficie, proporciona una temperatura diferencial a estas representaciones, incluso la posibilidad de derretirse ante nuestros ojos”.
La inauguración de Frozen Erotisme en Washington resultó antológica. Minujín puso dos fisicoculturistas pintados de rosa, un bolero romántico, dio de tomar champagne rosé y para comer pastillas rosas, ella y los invitados también llevaban vestimenta rosa. En su momento el crítico Julián Cairol comparó las pinturas de Minujín con publicidades de alimentos congelados: “A través de este proceso, la artista revela el instrumento empírico sobre el que se construyó el erotismo y lo representa como objetos anónimos de consumo. El sexo ya no pertenece al individuo, sino a la cultura.”
 

El Obelisco de pan dulce

 

Marta Minujín realizó su primer happening, titulado La destrucción, en 1963. En 1966 hizo “Simultaneidad en simultaneidad”, como parte de Three Countries Happening, con Allan Kaprow (New York) y Wolf Vostell (Berlín).
Algunas de sus obras efímeras de participación masiva fueron “El Partenón de libros” (1983), “Carlos Gardel de fuego” (1981), “La Torre de Babel” con libros de todo el mundo (2011). A su vez, realiza pinturas transpsicodélicas, colchones tecnicolor y performances. Su obra forma parte de colecciones nacionales e internacionales, como por ejemplo: Museum of Modern Art (Nueva York), Guggenheim Museum (Nueva York), Tate Modern (Londres), Art Museum of the Americas (Washington D.C.), Walker Art Center (Mineápolis) Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Olympic Park (Seúl), Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires), Malba-Fundación Costantini (Buenos Aires) e importantes colecciones privadas. En las últimas décadas llevo a cabo numerosas exhibiciones individuales y retrospectivas entre las que se destacan "Marta Minujín. Obras 1959-1989" (Malba, 2010) y "La Menesunda por Marta Minujín" (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 2015-2016). Ha participado en muestras colectivas en el Guggenheim Museum (Nueva York); Place du Palais Royal (París); Museum of Modern Art (Nueva York); Fundación PROA (Buenos Aires), entre otras instituciones artísticas prestigiosas. En 2016 fue galardonada con el Premio Velázquez a las Artes Plásticas (Madrid). En 2017 desarrolló para Documenta 14 su obra “Pago de la deuda griega con olivas a Angela Merkel” (Atenas) y “El Partenón de libros prohibidos” (Kassel). A principios de 2018 fue distinguida con el Americas Society Cultural Achievement Award en Nueva York. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.

Afiche de la exposición en la galería Arte Nuevo en Buenos Aires, 1973

La muestra se podrá ver hasta el 4 de julio, de lunes a viernes de 11.30 a 19 horas, en Libertad 1630, Buenos Aires, Argentina.

Exposición de Eduardo Costa en MCMC

La galería MCMC presenta la exposición “desmaterialización / aplausos a la materia” de Eduardo Costa, una serie de pinturas volumétricas que muestran la vigencia y creatividad inagotable de uno los artistas más talentosos y representativos del arte conceptual en Argentina.

Costa (1940, Buenos Aires) es un artista argentino que vivió veinticinco años en los Estados Unidos y cuatro en Brasil. Comenzó su carrera en Buenos Aires como parte de la generación del Insituto Torcuato Di Tella y continuó trabajando en Nueva York, donde realizó una contribución fuerte a la vanguardia local. Ha colaborado con los artistas americanos Vito Acconci, Scott Burton, John Perreault y Hannah Weiner, entre otros. En Brasil, participó en proyectos organizados por Hélio Oiticica, Lygia Pape, Antonio Manuel, Lygia Clark y otros de la escuela de Río de Janeiro.
 

En la poderosa producción conceptual que el artista realiza hasta el presente, impone su presencia. Un nuevo arte surgió a partir de las posibilidades que ofrece el empaste pictórico. La pintura en estado sólido se aviene en sus manos a adoptar formas un inusitado relieve. Parodiando las naturalezas muertas y las figuras geométricas.
Las pinturas volumétricas surgieron al explorar los límites de la materia con un afán experimental.
“Hace ya 20 años quería rescatar la pintura del aburrimiento estructural en que se encontraba y pensé en Lucio Fontana y los Madí que renovaron el mundo pictórico a fuerza de profundidad y de sentido”. Costa le pegó entonces una vuelta de tuerca a la pintura, descubrió que podía dejar de ser la representación de un florero y adquirir el volumen real de las cosas.
Su trabajo se ha discutido en el arte en América, Art Forum y en los principales libros de arte conceptual: Alberro A., MIT, 1999; P. Osborne, Phaedon, 2002; Mari Carmen Ramírez y Héctor Olea, Museo de arte de Yale/Houston, 2004; Inés. Katzenstein, MoMA, Nueva York, 2004, Luis Pérez-Oramas y otros, Museo de arte de San Antonio, 2004; Luis Camnitzer, Universidad de Texas, 2007, entre otros. Su obra ha sido expuesta en el New Museum, Nueva York; Victoria and Albert Museum, Londres; Museo Reina Sofía, Madrid; Museo de arte de Queens, Queens, Nueva York; Lista Art Center, Boston; Museo de arte de Miami, centro de arte Walker, Minnesota, MOMA; Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, entre otros. Participa de un proyecto que consiste en fabricar bicicletas de Duchamp/Costa 30 inspirados en un modelo de 1980, para una exposición sobre el trabajo de Duchamp comisariada por Jessica Morgan (Tate Modern) para la Fundación Jumex en la ciudad de México.

Se abre un Nuevo Espacio de Arte en Buenos Aires: Adriana Budich - Arte & Cultura

Un nuevo espacio de arte abre sus puertas el 12 de mayo en Buenos Aires. Está ubicado en Gurruchaga 1145,  Villa Crespo, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Una gran nave blanca de 300 metros, con un entrepiso que balconea sobre la sala. La metodología para el funcionamiento difiere de una galería tradicional. Es un concepto diferente, la propuesta para los artistas es exposición anual conjunta con intercambio de obra quincenal, y una  muestra individual para cada uno de los que integren este colectivo. Es un espacio de gestión y desarrollo de artistas plásticos a largo plazo.  

Un tiempo expandido que va a permitir por un lado el desarrollo y difusión de los artistas a nivel nacional e internacional, con curadurías personalizadas, promoción en las redes, newsletters, etc., y por otro poder descifrar el gusto de los compradores en la diversidad de estilos reunidos en un espacio con asesoramiento  acertivo.
A su vez se ofrece a los artistas del interior una trastienda  para guardar sus obras en custodia. La propuesta es dinámica, ya que cada 15 días se renuevan las obras con propuestas curatoriales innovadoras. 

Adriana Budich

Asimismo se harán residencias, concursos, se dictarán cursos, charlas, seminarios con docentes nacionales e internacionales, talleres dedicados a público con capacidades diferentes y actividades integradas que colaboren en la decodificación del discurso estético.
Los artistas y los compradores necesitan un espacio que los aloje, un lugar de referencia legalizado e institucionalizado.
Los espacios de exhibición no pueden desaparecer, se tienen que modificar. Hay que inventar estructuras nuevas como ésta que Adriana Budich propone hoy.

Llega ARTEBA 2018

Ya estamos en la cuenta regresiva para la feria de arte contemporáneo más importante de la región. 

Staff y directorio de ARTEBA, durante su lanzamiento en el MALBA 

La edición 27 de arteBA abre al público desde el jueves 24 al domingo 27 de mayo en La Rural, renovando su apuesta en la selección de curadores y en las secciones de la feria en la que este año participan más de 400 artistas de más de 80 galerías de 14 países con enriquecedores diálogos entre artistas emergentes, consagrados y propuestas de performances, charlas, debates y presentaciones.

Con más de un 50% de galerías del exterior y una extensa convocatoria de profesionales y coleccionistas, arteBA se posiciona en la agenda internacional como un evento clave para generar redes, intercambios y colaboraciones. Una semana en donde el protagonista es el arte y las galerías, las instituciones culturales y los museos de Buenos Aires se preparan para ofrecer lo mejor de la ciudad a sus visitantes. 

Tomás Saraceno. Biosphere 17, detalle

 

Además, en 2018, arteBA lanza Zoom, un programa de intervenciones artísticas sponsoreado por Quinquela Fondos.

En su año inaugural, su curadora Alejandro Aguado, curadora y actual co-directora de Móvil, presenta dos proyectos de dos grandes artistas para dar la bienvenida en ambos pabellones de la feria.
Con el objetivo de hacer visibles vínculos entre el arte moderno y el contemporáneo, la propuesta de Zoom para arteBA 2018 pone en diálogo obras de Gyula Kosice (Eslovaquia, 1924-Argentina, 2016) y Tomás Saraceno (Argentina, 1973), dos artistas cuyos trabajos comparten la pasión por imaginar a los hombres despegados de la Tierra, en espacios habitables que permitan repensar las relaciones entre ellos, y entre ellos y el cosmos.

arteBA Niños

 

Finalmente, para que los adultos puedan compartir la “experiencia arteBA” con su familia, se inaugura arteBA Niños, un espacio que, con el apoyo del Ministerio de Cultura de la Nación, ofrecerá un programa de talleres y actividades para lo más chicos.

Durante las cuatro jornadas los asistentes tendrán la posibilidad de conocer el amplio abanico de artistas modernos y contemporáneos que ofrecen las galerÍas participantes de la edición 27 de la feria y participar de múltiples opciones de agenda y actividades: tours de arte, programa de conferencias, ciclo de performances, presentaciones de libros, premios y otros destacados.

La Sección Principal, con su comité de selección integrado por Ana María Battistozzi, Orly Benzacar, Eduardo Brandão y Sabine Schmidt, contará con 52 galerías de las cuales 9 participan de la nueva modalidad Stage IRSA y 17 presentarán a un artista destacado en Cabinet GNV Group. La sección dedica además una Plaza de los Maestros a piezas claves de grandes artistas modernos. La séptima edición de Solo Show Zurich curada por José Luis Blondet contará con la participación de 9 artistas latinoamericanos de importantes galerías invitadas. Una renovada edición de U-TURN Project Rooms será curada por Magalí Arriola, quien invita a 12 galerías a dialogar entre sí con proyectos específicos.

Homenaje a Graciela Sacco

 

En esta edición de ARTEBA, la artista Graciela Sacco contará con un espacio dedicado, para rendirle homenaje a su vida y a su obra.
“Cuerpo a Cuerpo” será el nombre del espacio creado con la iniciativa de brindar un reconocimiento a su trayectoria y un espacio de encuentro con su trabajo para todos aquellos que visiten la feria, presentando piezas inéditas e históricas -génesis de su obra- a partir del rescate de matrices heliográficas que desarrollara en ocasión de la Bienal de Porto Alegre, Brasil, 1997, exponiendo no solo un gesto sino su propio cuerpo en ellas.
Este espacio será un complemento y extensión de las exhibiciones tributo a la artista que actualmente presentan en sus instituciones CAC Hotel de los Inmigrantes MUNTREF y MNBA, respectivamente.

Finalmente, el Barrio Joven, con dupla curatorial compuesta por Santiago Villanueva y Miguel A. López, es la sección que da lugar a los espacios nuevos, innovadores o alternativos que representan artistas de joven trayectoria y este año cuenta con 15 galerías con propuestas entre las que toman fuerza la performance con un espacio físico dedicado especialmente. Performance Box se afirma en la feria con una programación a cargo de la Bienal de Performance y, gracias al apoyo de ArtexArte, combina artistas destacados de la disciplina y videos curados por Rodrigo Alonso. 

En su sexta edición, Isla de Ediciones, con el sostenido apoyo de Fundación Proa, estrena dúo curatorial compuesto por Nancy Rojas y Santiago García Navarro e invita a 6 proyectos editoriales internacionales, ofrece un espacio de librería especializada en arte contemporáneo y una mesa colectiva con sellos independientes a cargo de Panorama Pulso. Diseñada por Federico Churba con materiales de Ternium, Isla de Ediciones cuenta además con un auditorio propio con programación de mesas y presentaciones de libros.

Click en la imagen para ver la programación de Open Forum

 

Este año, el programa de Prime Time del Open Forum, patrocinado por el Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos, explora el coleccionismo a través de diversas experiencias y trayectorias impulsadas por destacados coleccionistas nacionales e internacionales; y tres conversaciones con artistas consagrados formarán parte del fragmento de Art Conversations.

La feria, además, realiza un programa de Networking para que los invitados puedan conocer la escena local y participar de visitas especiales a colecciones, galerías y museos. Con ellos llegan curadores y directores de más de 20 museos que forman parte del Programa Internacional de Adquisiciones de Museos y del Programa Federal con el que, gracias al apoyo de empresas y donantes particulares, podrán adquirir obra en la feria y acrecentar su colección.

Visitas guiadas 

Este año se inauguran, junto al Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, las visitas guiadas realizadas por curadores y artistas para todo el público. Del 24 al 27 de mayo desde las 16.30 a las 20 horas, con una frecuencia de media hora, punto de encuentro: Plaza BA de ARTEBA.

Además de las actividades dentro de la feria, ARTEBA propone un mapa cultural de la ciudad, para que, durante esa semana, se visiten circuitos clave del arte contemporáneo en Buenos Aires: Distrito de las Artes, el nuevo polo Palermo/Villa Crespo y el corredor Recoleta/Retiro.

ARTEBA se desarrollará en los pabellones Azul y Verde de La Rural -Sarmiento 2704, CABA- y se puede visitar del 24 al 27 de mayo de 2018 de 14 a 21 hs.
Adquirí tus entradas en: www.arteba.org/entradas.

   

Décima edición de "Impulsarte" en ARTEBA

En el marco de la 27° edición de ARTEBA, La Rural celebra la 10° edición de Impulsarte, su programa de estímulo al arte contemporáneo. La iniciativa ya cuenta con una colección de 46 obras de 42 artistas argentinos.

Leopoldo Estol. "Territorio de Rio Negro"

 

Impulsarte nació en 2009, con el objetivo de estimular a la generación emergente del arte nacional; y de contribuir con su posicionamiento y crecimiento, en el marco de la feria de arte más importante del país. Hoy, 10 ediciones más tarde, se consolidó como una plataforma de talentosos artistas argentinos, cuyas obras forman parte de una valiosa colección de arte corporativa. Todas las piezas adquiridas mantienen un estilo a lo largo del tiempo, con diferentes  técnicas como: pintura, dibujo, grabado, fotografía y mixtas; lo que da cuenta de la diversidad del campo de las artes visuales en la Argentina.

Este año, para continuar con el objetivo de promover y alentar el desarrollo de jóvenes talentos, se renovó la alianza con Diseñadores de Interior Argentinos Asociados (DArA) y la Universidad Argentina de la Empresa (UADE), para el diseño del espacio. Por su parte, el comité de adquisición -compuesto por Eva Grinstein, Victoria Verlichak y Juan Pablo Maglier- está a cargo de la selección de las obras que se compren.

Alfio Demestre. "Sin título"

“La continuidad de Impulsarte a través de estas 10 ediciones, demuestra el compromiso que asumimos con la promoción de los nuevos artistas y del arte local. Confiamos en perdurar muchos años más con esta iniciativa, que nos llena de orgullo y satisfacción” sostuvo Juan Pablo Maglier, director de relaciones institucionales de La Rural.

Impulsarte tendrá su espacio con un diseño especial, pensado para destacar la trayectoria del programa. En este sentido, contará con un gran ventanal que invitará a conocer las obras exhibidas, recorriendo el paso del tiempo y proyectando hacia el futuro del programa y sus artistas.

Además, en el marco de esta celebración, todos los artistas que formaron parte de dicho programa fueron convocados para intervenir el stand con su firma. 

El diseño está a cargo de las alumnas de UADE: Emilia Caracoche y María Eugenia Alonso.

Gisela Gaffoglio presenta su nueva muestra individual en el Centro Cultural Borges

Gisela Gaffoblio presenta “Imperfecta”, su nueva muestra individual, en la sala 26 del Centro Cultural Borges, ubicado en Viamonte 525, Buenos Aires.
 

“Una relación pasional, intuitiva, une a Gisela con el lienzo en blanco.
La tela en blanco le exige y le implica una entrega total. Como un amante insaciable, como la vida misma: ámbito en el que se despliegan los mundos contenidos en constante reconfiguración, en un dinamismo perpetuo, en el que habrá que hacerse a lo imperfecto, a lo abierto, a las cargas con las que transitamos, para hallar una nueva belleza.
Las obras de esta muestra denotan una tensión. La realidad vacila, oscila. La ciudad se fragmenta, asediada por surcos, por remolinos de color. El orden de lo establecido se somete a otra lógica.
 

En el pincel de Gisela Gaffoglio, el lienzo en blanco,  lejos de encarnar la mancha en el cuadro, deviene la potencia de todos los colores posibles, desviando y captando de manera total la mirada, que se desplaza de las pequeñas ventanas de la ciudad, sugerentes de seres palpitantes en sus cotidianeidades, en sus haceres, hacia los torrentes cromáticos que rodean dicha ciudad, que la penetran.
Los matices se tornan luz que atrae, desdibujando lo rectilíneo, lo uniforme, lo coherente.
El lienzo muestra su fuerza desde los márgenes vertiginosos.
Los colores vibrantes, ya se trate de metaforizar la inmensidad del mar o lo intangible del aire, nos descubren una belleza diferente que nos cautiva, denotando un work in progress. Una metamorfosis, una búsqueda tan inherente al arte como a la vida.” Leonor Curti, psicoanalista y escritora.
 

Gisela Gaffoglio nació en la Ciudad de Buenos Aires, Argentina en 1966. Desde niña se vinculó con el mundo del arte en sus diversas manifestaciones (danzas, teatro, piano, canto y pintura). Su formación como artista devino espontáneamente con la primera guía de Marcos Aquistapace, continuando luego su formación con los maestros, Duilio Pierri, Maggie de Koenisberg, Graciela Cocozza y en la actualidad con Ariel Mlynarzewicz.
En 2016 fue invitada por el INAC para oficiar como jurado de arte en el premio Roberto Lewis de pintura.

La muestra se puede visitar hasta el 3 de Junio, de lunes a sábados de 10 a 21 horas y los domingos de 12 a 21 horas en el Centro Cultural Borges, Galerías Pacífico, Viamonte 525, Buenos Aires.

Maria Marta Fasoli expone en el Centro Cultural Borges su obra “Vuelos y Caídas”

María Marta Fasoli, artista visual, oriunda de Mar del Plata y con más de 30 años de experiencia en el rubro; llega al Centro Cultural Borges para presentar su obra "Vuelos y Caídas", perteneciente al proyecto La línea piensa dirigido por Luis Felipe Noé y Eduardo Stupia.
La exposición se encuentra disponible hasta el 27 de mayo en el primer piso del CCB, sala 10 con entrada libre y gratuita.

María desarrolla su sensitiva vinculación con el dibujo en dos territorios bien diferenciados, cada uno con su cualidad de estilo y temperamento; ambos sostenidos en una dinámica fluidez técnica, que se hace obsesivamente sutil cuando lo requieren sus texturadas marejadas paisajísticas, y proporcionalmente expresiva en las satíricas figuras de su teatro privado.

“Son obras que tratan, creo, acerca de la fragilidad de los cuerpos y nuestras mentes, y la fugacidad de las sensaciones y los recuerdos. La inestabilidad de las relaciones, y las mil maneras de tratarnos con los otros y nosotros mismos.” Comentó María Marta Fasoli, artista visual.

La artista propone la lectura individual de actitudes, vínculos y situaciones y coincidentemente la concepción de una arbitraria coreografía de ritualidad colectiva, donde la verosimilitud antropomórfica compite con la más pura gratuidad semántica de manchas, trazos extemporáneos y acuosas derivaciones, en una feroz fenoménica de ritmos en pugna, mutaciones imposibles y alucinatorias viñetas.

El Centro Cultural Borges, ubicado en San Martín 525, se encuentra abierto de lunes a sábado de 10 a 21 hs. y los domingos de 12 a 21 hs.

Día Internacional de los Museos 2018

Por iniciativa del Consejo Internacional de Museos-ICOM- el 18 de mayo se celebra desde 1977 el Día Internacional de los Museos. Cada año, el ICOM elige un tema específico. Este año es “Museos Hiperconectados: Enfoques Nuevos, Públicos Nuevos”.

“Ante un público cada vez más conectado mediante la tecnología, los museos se redefinen. Además de ser espacios de conocimiento y conservación de patrimonio, se consolidan como lugares de encuentro, de intercambio y de transformación. Cada vez más buscan la cercanía con la gente. Salen a la calle para encontrarse con los vecinos y a la vez, mediante las redes sociales, propician un diálogo con sus audiencias”, expresa Juan Vacas, Director General de Patrimonio, Museos y Casco Histórico de la Ciudad de Buenos Aires.

Para celebrar esta fecha en redes se convocará al público a postear sus visitas a museos en Instagram y Twitter con el hashtag #FelizDíaMuseos y #DIM2018.

Tanto los museos nacionales como los porteños tendrán un amplio abanico de actividades con entrada libre y gratuita. Podés consultarlas en: https://www.cultura.gob.ar/dia-internacional-de-los-museos-estas-son-todas-las-actividades-que-podes-disfrutar_3957/  para los museos nacionales, o en: http://www.buenosaires.gob.ar/museos para los museos porteños.

Andrea Juan presenta "¡Quién!" en el Museo de Altamira, en el Día Internacional de los Museos

El viernes 19 de mayo el Museo de Altamira -Cantabria, España- celebrará un año más la Noche Europea de los Museos con una serie de actividades entre las que destaca la especial visita a la Neocueva que, para la ocasión y para recrear el ambiente que envolvería la cavidad hace unos 13000 años, abrirá la gran boca de entrada y se iluminará con su “luz original”, aquellas lámparas de tuétano que nos permitirán ver el efecto extraordinario de volúmenes, luces y sombras que inspiraran a los artistas paleolíticos para plasmar en sus paredes y techos lo que ha sido calificado como el “Primer Arte de la Humanidad”, “La más bella Prehistoria”.
 

Otras actividades conducirán al público durante esta jornada festiva del 19 de mayo, que se prolongará hasta las 00 horas. Para esta ocasión señalada el museo ha programado un taller de prehistoria, “Con otra luz”, en el que se mostrará cómo obtener fuego y cómo fabricar estas lámparas prehistóricas con las técnicas originales.
Una de sus propuestas más novedosas consistirá en conectar el patrimonio cultural europeo a través de una participativa actividad, desarrollada a lo largo de su exposición Los Tiempos de Altamira cuyo eje será una de las piezas de su colección permanente, el rodete procedente del yacimiento de la cueva de El Linar (Cantabria) que se pondrá en relación con otras piezas de claras similitudes culturales y formales, unos 130 rodetes del Magdaleniense, hallados a lo largo del continente europeo y procedentes de diferentes yacimientos, desde la Península Ibérica hasta los Urales.
Y para que nunca olvide su participación en esta jornada tan especial, que contará con música en directo, el visitante podrá fotografiarse en el photocall “Yo estuve en la Noche de los Museos 2018”, acto simbólico que, promovido por la propia organización de la Noche Europea de los Museos se convierte cada año en un espacio compartido en redes sociales para conectar los lugares que se unen a la celebración con el hashtag #NDM18.
Pero la semana festiva de los museos dará comienzo ya durante la jornada anterior, con la celebración del "Día Internacional de los Museos". Altamira lo festejará en esta ocasión con la instalación en directo y al aire libre de ¡Quién!, obra de arte visual contemporánea tridimensional con la que la artista argentina Andrea Juan invitará al público a participar en un recorrido en el que se descubrirá quienes han sido los hacedores del arte de Altamira.
 

Para Andrea Juan ¡Quién! es ante todo una exclamación de entusiasmo, de saber que fuimos nosotros mismos los que realizamos, hace tiempo atrás, esta maravilla... Nosotros!!!.
Los que visiten el viernes 18 de mayo el museo, de 15 a 20 horas, podrán compartir el montaje de una estructura que estará delimitada por los árboles cercanos a la cueva de las estalactitas y que contará con elementos geométricos básicos: triángulos, cuadrados y círculos que a su vez representan los cuatro elementos fundamentales de la naturaleza: agua, tierra, aire y fuego. Los espejos serán los objetos principales de la obra de Andrea Juan que, suspendidos en la estructura a diferentes alturas, reflejarán parcialmente al visitante en su recorrido, multiplicando con ello sus imágenes y las del entorno.
Un llamador de sueños, según define la propia artista a su obra, que irá enhebrando formas e imágenes para que el participante pueda atravesarlo, disfrutarlo y encontrarse con un texto-espejo en el que se reflejará de cuerpo entero.
La visita y participación de los asistentes será gratuita para todos tanto el viernes por la tarde de 15 a 20 hs. como durante la de la Noche Europea de los Museos de 20.30 a 00 hs.

El cielo pampeano brilló en Buenos Aires

El astrofotógrafo Leonardo Julio inauguró, en la Casa de La Pampa en Buenos Aires, la muestra “Astronomía Pampeana”, en el marco del ciclo de Artes Visuales 2018. La apertura tuvo lugar  en la delegación provincial y contó con la participación del trío de piano y saxo Kalús, integrado por Stefanía Schanton, Alejandro Bidegain y Agustín Campo.
El evento estuvo encabezado por el subdirector de la Casa de La Pampa, Pablo Rubio; y los responsables de las áreas de Cultura y Relaciones Institucionales, Cristian Accattoli y Nora Raina, respectivamente.

“Esta vez hemos decidido traer el cielo de La Pampa a la ciudad de Buenos Aires a través de la muestra fotográfica “Astronomía Pampeana”, de un talentoso astrofotógrafo como Leonardo Julio. Hacía tiempo que teníamos ganas de contar con su trabajo en Casa de La Pampa y en esta oportunidad logramos concretarlo”, señaló Rubio.
Leonardo Julio desembarcó en Buenos Aires con una serie de fotografías tomadas desde el “Observatorio La Banderita”, ubicado en la localidad de Ceballos, creado por él mimo en 2014.  

El fotógrafo nacido en Intendente Alvear agradeció a la Casa de La Pampa por el espacio para exponer su trabajo y contó cómo nació su amor por la astrofotografía. “Cuando uno se inicia en esto comienza como todos: observando. Observas la luna, galaxias, nebulosas. Y luego de muchos años de observar querés empezar a capturar lo que observas”, explicó Julio.
Además de mucha “paciencia”, el astrofotógrafo asegura que es clave contar con un buen cielo. “El cielo pampeano es uno de los mejores que tenemos en la Argentina. El mejor cielo del mundo se califica con un 1 y el peor cielo con un 8, que sería Buenos Aires. El cielo que tenemos en el ‘Observatorio La Banderita’ es un 2, lo que significa que es un cielo muy bueno”, aclaró.

 

El trabajo de Leonardo Julio fue reconocido por la National Aeronautics and Space Administration (NASA), que en tres oportunidades publicó sus fotografías. “La Nasa tiene lo que se llama la ‘Foto del Día de la Nasa’. De los 365 días del año 300 fotos son de su telescopio espacial Hubble, que está en órbita. Las otras 65 las elije entre astrofotógrafos aficionados que le envían fotos. Que te elijan una foto tuya entre los miles de foto que reciben es todo un honor para mí”, afirmó Julio.  

La muestra “Astronomía Pampeana” permanecerá en exposición en Casa de La Pampa hasta el 1 de junio y puede visitarse de lunes a viernes de 9 a 16 horas, en Suipacha 346, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, con entrada libre y gratuita.

Más fotos en: http://astronomiapampeana.com.ar/imagenes-todas.html

Cuatro inauguraciones en Fundación OSDE

El jueves 17 de mayo a las 19 horas, el espacio de arte de la Fundación OSDE inaugura, en su sala central, la exposición "En defensa propia. Enrique Ježik". Simultáneamente se presenta en las salitas la intervención: "ritmos y variaciones sobre un tema" de Cecilia Ivanchevich; "Teatro", la segunda intervención en la vidriera de Paula Otegui y Eugenia Streb presenta "Concubinas" en el ascensor.  

Enrique Ježik, Círculos Concéntricos, 2013, foto: Daniel Castillo Reynoso

 

Luego de más de dos décadas viviendo en México, el artista vuelve a Buenos Aires para presentar lo que será su primera gran exposición individual en territorio argentino, desde su partida.
Ex integrante del Grupo de la X, colectivo artístico argentino que funcionó entre 1986 y 1987, junto a Pablo Siquier, Ana Gallardo, Ernesto Ballesteros, Jorge Macchi, Carolina Antoniadis y María Causa, entre otros; la obra de Enrique Ježik fue mutando desde la escultura de corte primitivista, para luego, en palabras de Cuauthémoc Medina devenir en "un complejo ciclo de trabajos que giran en torno a varias modalidades del empleo y visibilidad de la fuerza y su instrumental, como signos y factores de la historia contemporánea". 
"En defensa propia", retoma el título de una obra realizada en 1996, en la que huesos humanos se presentaban en una caja de cristal protegidos por un alambrado, aludiendo a las guerras sucias y las aberraciones cometidas contra los ciudadanos por los regímenes en América Latina y otras regiones.

Enrique Ježik, What Comes from Outside is Reinforced from Within, 2008, foto :Viktor Vejvoda

 

Hoy, bajo ese mismo título, una serie de obras producidas entre 2001 y 2018, forman parte de esta exposición, como establece la curadora, María Teresa Constantin: "Un territorio donde prácticas performáticas, videos, instalaciones, fotografías y sonidoson atravesados por un fleje que conduce la disputa entre territorios de poder, dominación, violencia, resistencia y destrucción. Así, la brutalidad del gesto resuena en la institución en los sonidos que se prolongan en la sala."

Conformada por doce obras que giran en torno al concepto de violencia, las mismas se ocupan de hacer visible la vigilancia en los medios de comunicación, la utilización de maquinaria de construcción para consumar acciones de destrucción,y la presencia de golpes, disparos y martillazos, que resuenan en el espacio que "persistentes, repetidos incansablemente, ejercen ellos también un acto de violencia" como declara la curadora.
Por último, Ježik realizará una obra especialmente para esta ocasión: una instalación en la que las palabras se transforman en una declaración política, tanto por sus dichos, como por su materialidad escultórica.  

Enrique Ježik, Desmonte, 2012, foto: Tania Candiani

 

Actividades en relación a la muestra:

Viernes 18 de mayo a las 18 hs: encuentro con el artista. Enrique Ježik recorre la exposición junto al público.
Jueves 14 de junio a las 18 hs: visita guiada. Eduardo Gruner, en diálogo con María Teresa Constantin, se detiene en algunas problemáticas de la obra de Enrique Ježik.
Viernes 6 de julio a las 19hs: dos miradas sobre la obra de Enrique Ježik. Participan: Gabriela Golder y Viviana Usubiaga, coordina: María Teresa Constantin.

Cecilia Ivanchevich. "Ritmos y variaciones sobre un tema"

 

La intervención "ritmos y variaciones sobre un tema" de Cecilia Ivanchevich parte de una base rítmica, una cualidad común entre el dibujo y la música. Sobre la arquitectura de dos salas, casi a oscuras, líneas, puntos, planos reflejan una luminosidad blanca, fluorescente. Los elementos gráficos acentúan distintos rincones del espacio o los apagan; complementan esas líneas arquitectónicas o entran en tensión con ellas y las redibujan, proponiendo, así, un espacio nuevo. Al seguir las direcciones y señalamientos del dibujo, el espectador pasa a formar parte de la obra a través de sus propios reflejos fluorescentes -en la ropa, en el cuerpo-. 

Dice Ivanchevich: “(...) pasa a ser otro elemento móvil en la composición. En sus recorridos, tal vez imprevisibles, siempre variables, los visitantes aportan un componente de improvisación que, como en el jazz, genera versiones y variaciones sobre el tema". 

Paula Otegui. "Teatro"

 

"Teatro" es la segunda intervención en la vidriera, a cargo de Paula Otegui, para el espacio de arte de la Fundación OSDE. 

La artista genera a través de una estructura fragmentada de tres módulos de papel, una superposición de capas visuales en una exploración que conecta estructura, color y espacio. A modo de un gran telón extendido, se crea un ámbito escénico por medio de paños intervenidos con pintura acrílica, lápiz carbón y pastel tiza y al óleo, sobre los que se superponen imágenes que generan un itinerario de pequeñas escenas entrelazadas.
En esta propuesta la expresión pictórica transita un lenguaje fronterizo que sale de la bidimensión desestabilizando su propia esencia. La organización de una estructura en base a opuestos, figura-fondo y bidimensión-tridimensión, genera tensiones, contraposiciones y conflictos que predisponen al espectador a formular un juicio y una propia interpretación de esas formas dialécticas.

Eugenia Streb. "Concubinas"

 

La intervención de Eugenia Streb en el ascensor es la nueva propuesta que acoge este pequeño ámbito, el cual conserva las características originales desde que fue emplazado en el siglo pasado.
La artista concibió su obra como un lugar de encierro inmóvil en el que se estimula la expectativa a entrar. Es allí donde los materiales, con sus colores y texturas, atrapan la atención desde el fondo oscuro de la cabina. Las mórbidas telas empleadas se convierten en pétalos que se abren como labios y que transforman la emoción en un mensaje íntimo y callado. En ese preciso instante es cuando se percibe la sensualidad de las concubinas entre materiales y formas.
Presencia, invitación y juego es la propuesta de esta obra que apela tanto a lo sensorial como a lo ornamental.

Todas las muestras se pueden visitar hasta el 21 de julio de 2018, con entrada libre y gratuita, de lunes a sábado de 12 a 20 hs. en Suipacha 658, primer piso, Buenos Aires, Argentina. Domingos y feriados cerrado.