28 de septiembre de 2016

ArtexArte - Fundación Alfonso y Luz Castillo presenta "Cuerpo y Deseo"


El sábado 1º de octubre a las 13 horas, Arte x Arte inaugura la exposición “Cuerpo y Deseo”.
Con el objetivo de aportar una nueva mirada sobre los conceptos y relaciones entre Cuerpo y Deseo en el arte contemporáneo Fabiana Barreda, curadora invitada, ha realizado una investigación en la que abordó el trabajo de destacados artistas nacionales e internacionales que han desarrollado en su obra una hipótesis personal sobre cómo se representa, siente y desea un cuerpo hoy en relación a la Historia del Arte y su sociedad.
“Desde el origen del hombre, Eva y Adán, el cuerpo es el territorio de la inscripción del deseo.
La potencia del arte contemporáneo es la creación de un territorio libertario que permite expandir, ampliar y redefinir las alternativas de construcción subjetivas. Esta muestra investiga, desde la filosofía post-estructuralista, Lacan, Foucault, Deleuze, Derrida, Nietzche y, a partir de las prácticas estéticas de nuestra época, cómo el cuerpo es un nuevo territorio de deseo.
En la historia del cuerpo, dentro del arte contemporáneo, artistas como Nan Goldin, Cindy Sherman, Robert Mapplethorpe, Helmut Newton, Araki, Larry Clark, Sally Mann, Erwin Olaf, Andrés Serrano, Joel-Peter Witkin, Diane Arbus, Ana Casas, Bettina Rheims, fueron creando nuevas formas de subjetividad erótica. Desde el psicoanálisis, la condición de deseo se piensa desde la pulsión sin objeto. Esto permite que cada sujeto designe su forma de elección de género desde sus marcas biográficas así como también designe, en el sentido de Wittgenstein, cuál es su objeto de deseo.” expresa Fabiana Barreda en un fragmento del prólogo.
Se exhiben obras de: Arturo Aguiar, Catalina Bartolomé, Amaya Bouquet, Dino Bruzzone, Ale Burset, Santiago Carrera, Martín Churba, Flavia Da Rin, DJ Le Freak Selector, Juan Doffo, Erick Foltyn, Pablo Franco, Mariano Giraud, Nan Goldin, Marcelo Grosman, Gaby Herbstein, Ignacio Iasparra, Lulú Jankilevich, Federico Klemm, Maic L’Abbate, Gonzalo Lauda, Kenny Lemes, Sofía López Mañan, Marcos López, Leonel Luna, Cruz Mendizábal, Erwin Olaf, Tatiana Parcero, Oscar Pintor, RES & Constanza Piaggio, Verónica Riedel, Humberto Rivas, Gabriel Roca, Florencia Rodríguez Giles, José Eduardo Salas, Andrea Saltzman, Mariano Sardón, Sebastián Schachtel y Gabriel Valansi, Gabriela Schevach & Ariel Authier, Luis Sens, Cindy Sherman, Costy Terreni, Fabro Tranchida, Zoe Trilnik Farji, Nicolás Trombetta, Shen Wei.
La muestra se puede visitar hasta el 16 de diciembre, de martes a viernes de 13.30 a 20 horas y los sábados de 13.30 a 16 horas en Lavalleja 1062, Buenos Aires, Argentina.

Presentación del libro de Liliana Golubinsky en el Museo Sívori


El sábado 1 de octubre a las 18 hs. la artista plástica Liliana Golubinsky presentará el libro que reúne su obra pictórica en el Museo Sívori, Avenida Infanta Isabel 555, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Participarán del encuentro, Rodrigo Alonso -autor del prólogo y de los textos de análisis crítico presentes en el libro- junto a Lorena Alfonso, quien realizó el relato biográfico del mismo.
 
El libro propone un atractivo recorrido por la obra de Golubinsky a través del tiempo, con los textos de Alonso como guía, siguiendo lo que denominó como «las batallas de la pintura»: “Cada vez que se emprende una obra se inicia una batalla que es, ante todo, una cruzada personal. Una lucha por sostener la pasión, la vocación y la energía que construyen a diario la columna vertebral del trabajo del artista.
Las pinturas de Liliana Golubinsky prolongan esta dinámica hacia el propio terreno pictórico. En sus superficies, los personajes y acontecimientos se arremolinan en una suerte de contienda agónica, heterogénea pero productiva. Un movimiento vibrante atraviesa las telas, otorgándoles una vida singular; una vitalidad que se transmite casi de inmediato al ojo que las observa y que recién encuentra la calma a medida que los conglomerados de imágenes van develándose en sus metáforas y sentidos.”

Es la primera vez que esta artista, distinguida con más de 40 premios nacionales e internacionales, recopila su trabajo en un libro.
 “La gestación de este libro fue como un largo embarazo de dieciocho meses. Luego de todo ese trabajo de selección de material, de fotos, de reuniones, al verlo listo en la imprenta se me cayeron las lágrimas. Es una emoción muy grande”, relata Golubinsky. 
Presentado como proyecto y declarado de interés cultural por el Consejo de Promoción Cultural del Ministerio de Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, el libro es beneficiario del Régimen de Mecenazgo Cultural, que permitió su realización.

Liliana Golubinsky nació en Buenos Aires en 1954. Se formó en la Academia de Bellas Artes Augusto Bolognini, y en la escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Hasta 1987 concurrió al taller del artista Miguel Davila hasta 1987.
Ha sido distinguida con más de cuarenta premios nacionales e internacionales. Su obra se exhibió en numerosas muestras individuales y grupales, en importantes galerías, museos e instituciones de Argentina y del exterior.
El 5 de octubre a las 19 hs, inagura la muestra “Algo estarán tramando” junto a Marcelo Toledo, en la galería Rubbers Internacional, Avenida Alvear 1595, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

27 de septiembre de 2016

Dos nuevas muestras en galería Quadro


La galería de arte Quadro inauguró la semana pasada una nueva muestra y nueva sala. Se puede visitar hasta el 29 de octubre en Quadro arte contemporáneo, Av Libertador 14354, Martínez - San Isidro.

En la sala 1 se presenta "El horizonte es un circulo", del artista Alejandro Montaldo. La serie comprende sus últimos trabajos, que van desde, vídeo instalación, objetos conceptuales fiel a su trabajo y fotografía.
Esta muestra pone de manifesto, la horizontalidad de los momentos, las conexiones simples y cerradas de espacio/tiempo/personas.
“Alejandro Montaldo presenta en “El horizonte es un círculo” una reflexión simple y depurada, de un eje que atraviesa el discurso visual de la historia del Arte, la música, la literatura y prácticamente la vida en su entereza.
En una serie de piezas que oscilan entre el dibujo, la fotografía, el video y la escultura, Montaldo indagará sobre la postura del observador en la hora de otear el horizonte, y no solo exclusivamente en la naturaleza, sino también, en su aparecer dentro de los espacios citadinos.
Esa delgada línea permanente, que permite el orden de nuestro mundo y es blanco, de indagación silenciosa y constante”. Daniela Pardo Méndez.
 
 
Sofía López Mañan expone en sala 2 “Resto, una serie de trabajos que nacen en Mallorca, España su ultima residencia Artística 15.  y concluyen en Buenos Aires 16. En la misma trata del resto, del descarte, que tantas veces los fotógrafos desechan como parte de su investigación. La fotografía impresa sobre lijas de tamaño industrial, gasa/seda y una exquisita serie en Coloideo son la propuesta expositiva.
“Sofía López Mañan indagará en los procesos fotográficos de la edición y revelado, para comprender como se seleccionan las imágenes a ser utilizadas y exhibidas. Para esto, centrará su atención en el ”Resto”.
Esas imágenes que son consideradas como “malas” fotos o copias y terminan siendo despreciadas y desechadas por no ajustarse a cánones establecidos como “la buena foto” o no responden a los ideales estéticos del fotógrafo, que en muchos casos se encuentra tironeado en su práctica por respetar la norma. Este análisis crítico exteriorizará ciertos mecanismos de la psiquis y su sombra”. Daniela Pardo Méndez.

La curaduría de ambas muestra está a cargo de Daniel Pardo Mendes, licenciada en historia del arte, cursando la maestría en arte argentino y latinoamericano en UNSAM.

26 de septiembre de 2016

Claudio Larrea presenta la muestra "“República de Waires” en galería Leku


Luego de 3 años de preparación, el fotógrafo  Claudio Larrea inaugura su muestra “República de Waires” compuesta por 27 obras blanco y negro que retratan piezas arquitectónicas, rincones y situaciones cotidianas de Buenos Aires y que, por luz, texturas y encuadres, parecen extraídas del Berlín de los años 20, plena República de Weimar. 

La República. Náyades
 “El perfil neto de una arquitectura monumental enmarca la vista en picada sobre una ciudad majestuosa. Una metrópolis en sombras, negra, amenazante. Es Waires. Una fotografía que se nos aparece como síntesis de esta exposición y también de la república: sombras amenazadas y amenazantes de la bandera, melancólicas estatuas que se piensan, decadencia de edificios emblemáticos, escaleras, vitrales, pasajes vacíos, el Edelweiss amado. Suspiros y respiros contenidos de un pasado vivo.
Ausente por varios años del país, a su regreso, Claudio Larrea necesita asir la ciudad. Sale regularmente a fotografiarla y la distancia de su mirada extrañada le permite ver aquello que, por habitual, hemos dejado de ver: decadencia y grandeza, marginalidad, tensión social, asombro y angustia de una majestuosidad desepocada. 

Soledad. Sombra
El resultado de esa cacería fotográfica azarosa será organizado luego por series con la complicidad de José Manuel Elliot Eyras, su compañero, quien conoce su trajinar y actúa casi como curador en las sombras. Aparece así República de Waires, título que refiere obviamente a la república de Weimar. Instituida luego de la caída del imperio alemán, como consecuencia de la revolución obrera de 1918, tuvo una intensa actividad artística e intelectual marcado a su vez por la inestabilidad política y social –la aparición de nuevas formas sociales y el temblor de las jerarquías existentes– y cuyo dramático fin fue el ascenso de Hitler al poder, en 1933. Numerosos artistas, y los fotógrafos en particular, usaron sus imágenes para explorar la nueva sociedad alemana. Algo de ese proceder (y resultados) existe en nuestro artista. 

Nocturno. Bambalina II: “La Ogresa de Barracas” (Nahuel Bazán)
Así, es inevitable la referencia al cine alemán, y a la fotografía de August Sander y su trabajo de documentación sobre la gente de su época. Como aquel tiene Larrea el encuadre amplio que, tanto en arquitectura como en retratos, permite adivinar algo más del entorno y del lugar de lo fotografiado en la ciudad: las depuradas imágenes de Larrea hacen sospechar siempre que estamos hablando también de cuestiones sociales y políticas. Encuadre, luz, texturas resultan en la singularidad de sus fotografías. Finalmente el formato elegido para sus copias parece apelar a una aproximación personal, a una relación íntima con el espectador y un llamado a recuperar el silencio, como dice Claudio Larrea.” Maria Teresa Constantin.
Hogares de Waires. Filodendros
“República de Waires. La Divina Decadencia.
La ciudad es el tema. O, más bien, su fantasma.
De ahí el blanco y negro, las sombras expresionistas, los personajes adivinados o apenas entrevistos, una fascinación y una amenaza. De ahí Buenos Aires.
El ojo de Claudio Larrea, más irónico que melancólico, nos revela inesperadamente en sus fotos que hubo (hay) una Weimar perdurable en Buenos Aires.” Fragmento de Gonzalo Demaría (Dramaturgo y escritor).
Nocturno. Onírica
“República de Waires” inaugura el jueves 29 de septiembre a las 19 hs  en la galería Leku, Arenales 1239, Planta Alta “P” -Calle de los Artesanos- y se puede visitar hasta el 28 de octubre. 

Soler espacio de arte presenta la muestra “Conjugación de la gracia” de Irene Berzero


La exhibición consiste en una serie de obras de los últimos años, donde la autora trabajó esencialmente con el papel como material y también como soporte.
Una de las ideas motoras fue resolver el color sin recurrir a la pintura y trabajar los papeles de seda como planos de color. En los de gran formato se pueden ver, transparencias, superposiciones y encuentros de planos. En los de pequeño formato, de 15 x 21 aparece también la utilización de la palabra, transferencias de imágenes y el trazo del lápiz.
La técnica empleada es la construcción del collage utilizando material encontrado y reformulado en el plano, y la temática se inscribe en una poética visual vinculada a una abstracción geométrica sensible.

 “No se puede negar que la abstracción ha observado -en periodos, lenguajes y artistas diversos- cierta natural empatía por el papel. En esa materia accesible y maleable pueden entrar los presupuestos no gurativos más inverosímiles. Y es lo que ha sucedido en este siglo último, en  que la abstracción sentó sus reales y se evidenció como un camino de sensorialidades y sensitividades in nito.
Irene Berzero apuesta por esa identicación. Y lo hace dentro de una abstracción geométrica muy suelta, de valores desaturados, en que el color pronuncia sus cargas subjetivas y, de ahí, construye un universo para visualizar y -por qué no- desestructurar a la vez.
Ritmos / traslaciones / acuerdos de diseño / rupturas / dan a sus pequeños planos el sustantivo poder de la síntesis.
La síntesis razonada que liga y disocia; la síntesis que da rotundez a la morfología propuesta; la síntesis que va tras los meandros del origen. En esta tesitura, los planteos de Irene Berzero atraen por su conjugación de la gracia. Nada menos. Simples en su elocuencia visual, atraen noblemente al ojo que indaga y que penetra.” expresa Jorge Taverna Irigoyen.
La muestra se puede visitar desde el 29 de setiembre hasta el 14 de Octubre en el horario de 16 a 20 hs. y forma parte del Circuito Palermo del Gallery Day, el sábado 1º de octubre de 12 a 17 hs. Las galerías y espacios de arte que forman parte del evento, organizado por Arte al Día, brinda la oportunidad para visitar en forma gratuita muestras de artistas consagrados y descubrir el talento de aquellos emergentes.

24 de septiembre de 2016

Henrique Faría Buenos Aires /Nueva York presenta arte argentino y latinoamericano en dos ferias internacionales


Henrique Faria Buenos Aires / Nueva York participa en dos de las ferias de arte más importantes de los Estados Unidos: ExpoChicago en Chicago y Texas Contemporary en Houston. El envío de Buenos Aires es una de las pocas representaciones argentinas en Chicago y la única en Houston, eventos donde predominan galerías de los Estados Unidos, México y Europa. Texas Contemporary (29 de septiembre al 2 de octubre) presenta obra de 47 galerías y un necesario contrapunto artístico con la ciudad de México mientras que en ExpoChicago (22 al 25 de septiembre) se hacen presentes 145 galerías de 22 países y 53 ciudades del mundo.
Norberto Puzzolo. Sin título, 1967, tinta y témpera sobre papel
Como es costumbre en estos encuentros internacionales, los espacios de Henrique Faria ponen en el ojo de la crítica, las instituciones y el mercado obras calidad museo de arte conceptual, geométrico y contemporáneo de Latinoamérica.
En ExpoChicago, Henrique Faria se encuentra en la sección central de la feria (stand 615) y presenta obras que van desde fines de los 60 hasta la actualidad. Se pueden destacar un conjunto de piezas gráficas de Mirtha Dermisache, los objetos escultórico-lumínicos del portorriqueño Rafael Ferrer, un conjunto reciente de la venezolana Mercedes Elena González y las obras geométricas en papel del rosarino Norberto Puzzolo. Pintura (1972) de Alejandro Puente es una de las obras históricas del conjunto del mismo modo que las deconstrucciones de color que Osvaldo Romberg hizo de obras clásicas como The Nightwatch (Rembrandt) y Marianna d’Austria (Velázquez).
Junto a ellos convive la obra contemporánea de Eduardo Santiere, artista que ha revitalizado la abstracción lírica.
Rafael Ferrer. Sin título (Balde), 1972, balde de acero galvanizado, neón turquesa, transformador, cables
Otros artistas pueden ser destacados en la representación de Henrique Faria en Texas Contemporary (stand C-11). En principio la salida al mercado de Sagitario - Ecuación V3 (1958), una pieza histórica de Gregorio Vardanega, miembro del grupo Arte Concreto-Invención fundado en Buenos Aires en la década de 1940. En sintonía con la muestra que se puede ver en la galería D21 de Santiago de Chile, Henrique Faria lleva a Houston una serie de foto-collage de Guillermo Deisler producidos en los años 70. Otra pionera del arte geométrico latinoamericano como María Freire (Montevideo, 1917-2015) está presente con una exquisita pieza de 1956: Composición vertical. Se pueden mencionar también una serie de piezas en madera de Luis Fernando Roldán y las obras de Omar Carreño Elementos desplazables (1967) y Transformable 24 (1967).
Osvaldo Romberg. Análisis de "The Nightwatch" (Rembrandt), 197, collage, acrílico, grafito sobre papel
Para Henrique Faria Buenos Aires / Nueva York la presencia en estas ferias consolida su objetivo de difundir e instalar en el mercado y las instituciones el arte que hace de Latinoamérica una estética en continuo descubrimiento.

23 de septiembre de 2016

Exposición de los asistentes de la Fundación Río Pinturas en el Museo Lucy Mattos


El Museo Lucy Mattos brinda su espacio a la Fundación Río Pinturas. Creada en 1997, esta fundación está dirigida a la atención de jóvenes y adultos con discapacidad intelectual leve y moderada. Su misión es brindar los espacios físicos, la capacitación y la contención necesaria para incentivar en cada una de ellas el desarrollo al máximo de sus capacidades, privilegiando el arte y el deporte como puntales de su trabajo.
Situada en la localidad de Martínez, partido de San Isidro, brinda actividades como dibujo, pintura, educación física, cocina, cerámica, informática y muchas otras que promueven la socialización y la autonomía.
La ONG busca crear conciencia acerca de la aceptación de las personas con discapacidad intelectual para obtener la integración de las mismas en la sociedad. Fomenta el respeto por la diversidad de las personas y sus diferencias, brinda un entorno de inclusión para cada uno de sus concurrentes y los acompaña en los deseos y propuestas que surjan de ellos mismos. Más información en: http://www.riopinturas.org.ar/.

Se exhiben las obras realizadas en el taller de arte por más de 20 asistentes al centro de día, muchas de ellas realizadas con materiales reciclados  El objetivo es difundir la tarea de la Fundación y el papel del arte como agente transformador y de inclusión, además de resaltar su importancia para el desarrollo de la percepción y la sensibilidad.

La exposición permanecerá hasta el 12 de octubre y se puede visitar de miércoles a sábados de 11 a 19 horas y domingos de 10 a 18 horas en el Museo Lucy Mattos, Av. Libertador 17426, San Isidro, provincia de Buenos Aires. Entrada: $100.- Miércoles: entrada gratuita.

El Museo de Arte Tigre realizó un video de la muestra "Geometrías, arte geométrico argentino de los años 60 y 70"


"Geometrías, arte geométrico argentino de los años 60 y 70" continúa hasta el 16 de octubre en el Museo de Arte Tigre, y, como parte de la difusión de la muestra, el museo produjo un video con todas las obras en exhibición. Los artistas que participan son: Brizzi, Espinosa, Fioravanti Bangardini, Gerstein, Girola, Hlito, Heras Velasco, Iommi, Kosice, Laham, Le Parc, Mac Entyre, Martorell, Polesello, Puente, Rodríguez, Silva, Vidal y Wells.

En la década del sesenta, marcada por la experimentación y la expansión de los límites del arte, se desarrolló una nueva geometría que exploró otras posibilidades del espacio en el cuadro y el movimiento, real o virtual. Influenciados por la ciencia que ampliaba nuestra idea de la realidad, un grupo de artistas buscó mostrar los límites de la percepción humana, investigando las leyes de la visión y el modo en que el ojo responde al estímulo visual.
 Estas inquietudes se afianzaron en un momento de profundos cambios: el del nuevo orden de la posguerra. El desarrollo de la tecnología, su impacto en los objetos de la vida diaria, la inmediatez de la comunicación y el boom de los medios masivos, dieron lugar a una nueva generación marcada por el vértigo y la velocidad con que circulaban las imágenes.

La muestra se puede visitar en los horarios habituales del museo: miércoles a viernes de 9 a 19 horas y los sábados, domingos y feriados de 12 a 19 horas en el MAT, Paseo Victorica 972, Tigre.

22 de septiembre de 2016

Colección Alvear de Zurbarán presenta la exposición de Jesús Marcos


Un lienzo en blanco es el punto de partida de todo artista, allí su imaginación fluye, crea, se divierte. 
Jesús Marcos destruye los elementos cotidianos con los que estamos familiarizados y los reinterpreta sin que perdamos la oportunidad de identificarlos. Son los instrumentos musicales, los caballos y las personas las figuras que aparecen con mayor frecuencia en sus últimas creaciones, las cuales están inmersas en un entorno plagado de sugerencias que nos invita a imaginar nuestra historia.
La muestra se puede visitar de lunes a viernes de 10.30 a 21 hs. y los sábados de 10 a 13 hs. en Colección Alvear de Zurbarán, Av. Alvear 1658, Buenos Aires, Argentina.

21 de septiembre de 2016

Joaquín Aras presenta "El futuro será una ficción" en Móvil


Del 24 de setiembre al 3 de diciembre de 2016 se presenta la muestra “El futuro será una ficción” de Joaquín Aras, en la galería Móvil, ubicada en Iguazú 451, Parque Patricios, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. La muestra se puede visitar con entrada libre y gratuita los viernes y sábados de 15 a 19 horas.

Los trabajos que Aras presenta en Móvil tienen al rostro como motivo: aquel canal que habilita la empatía del espectador. Unidad de sensibilidad, éste revela y moviliza pero también finge, es medio de expresión y de comunicación tan deliberado como involuntario de gestos a veces formateados pero siempre provocadores.

Joaquín Aras (Buenos Aires, 1985) es licenciado en comunicación y está actualmente terminando su tesis de posgrado en la European Graduate School, Suiza. Asistió en 2008 al taller del artista Martín Bonadeo y entre 2009 y 2011 al de Diana Aisenberg. En 2012 participó del programa de artistas en la Universidad Torcuato Di Tella y, un año después, del laboratorio de cine que se dicta en la misma institución. A partir de 2009 comenzó a exhibir su trabajo en distintos espacios de Buenos Aires y del exterior.

Más información en: www.movil.org.ar

El Museo Benito Quinquela Martín presenta la exposición “Quinquela y la máquina. El espíritu de la modernidad”


La muestra reúne más de 30 obras, entre óleos y aguafuertes, que testimonian el compromiso de Quinquela con un espacio, La Boca, y una época, los tiempos modernos. 
La máquina, uno de los íconos de la modernidad, es el tema principal de la mayor parte de las obras que componen la muestra.  Inmensos engranajes, grúas, grampas… elementos que se tornan amenazantes e incontrolables y a través de los cuales Quinquela supo resumir el espíritu del tiempo que le tocó vivir.
Benito Quinquela Martín. "Engranaje en reparación", aguafuerte
Un renovado enfoque acerca del artista y su obra que testimonia la relación del hombre con lo mecánico, los avances de la modernidad, sus contradicciones y conflictos, a la vez que descubre, el variado universo de intereses que Quinquela supo cultivar como acabada síntesis de  los tiempos modernos.
La exposición se completa con obras de destacados artistas contemporáneos, quienes abordan las mismas cuestiones a través de diferentes lenguajes, poniendo en dialogo el patrimonio con las producciones actuales. Ellos son Silvina Babich, Eleonora Butin, Leandro Frizzera, Marta Pérez Temperley, Lucio Vega y el colectivo artístico Una pequeña república dentro de una ciudad.
Eleonora Butin. "Con la sangre de la espada y la palabra",
lápiz y tinta sobre tela, 2012
Una de las curiosidades que podrán encontrarse en las salas será el insólito Kinkelin, aparato que Quinquela patentó en Argentina con el objetivo de purificar la atmósfera e impedir su contaminación. Asimismo, se contará con la reproducción de fragmentos de films clásicos que abordan algunos de los tópicos que definieron la modernidad: los sueños de ilimitado progreso, basado en las conquistas científicas, y también la lucha entre los hombres y la dominación que las maquinarias ejercen sobre ellos.
Una vez más, Quinquela sigue provocando curiosidad y asombro, y las imágenes pasadas y presentes apuestan su proyección hacia el futuro cada vez con más fuerza.
Benito Quinquela Martín. "Rascacielos", aguafuerte, 1940
La exposición se inaugura el sábado 24 de septiembre a las 13 hs. y podrá visitarse hasta el 4 de diciembre, de martes a viernes de 10 a 18 hs. y sábados, domingos y feriados de 11.15 a 18 hs. con entrada gratuita en Av. Pedro de Mendoza 1835/43, La Boca, Buenos Aires, Argentina. Lunes cerrado. Bono contribución $30.

20 de septiembre de 2016

Menéndez Libros presenta en su espacio de arte, la muestra “Fluir” de Stella Brieva


"La serie “Fluir” es temática y técnicamente introspectiva, un viaje al encuentro de mis raíces. Cuenta en imágenes y trazos de pincel mi fluir entre ciudades comunicadas por ríos. Nací en Santa Fe -el litoral argentino- húmeda, calurosa, vegetal y rodeada de agua:  hacia el este por el brazo del Paraná llamado Laguna Setubal, al oeste  el Rio Salado y a 500 km Buenos Aires… mi puerto próximo.
Stella Brieva y Mirta Herrero
Lo bueno de nacer mirando el río es aprender de orillas, y cuando aprendiste esto cruzas puentes, navegas o nadas en espiral siguiendo la corriente. Fluir me suena a libertad consciente como un brotar natural sin interrupciones. Mis peces y personajes cuentan vida: la que vivo y sucede frente a mis ojos" expresa la artista Stella Brieva, que es oriunda de Santa Fe.
La muestra permanecerá en exposición durante los meses de setiembre y octubre y se puede visitar de lunes a viernes de 10 a 19 horas en Paraguay 431, Buenos Aires, Argentina.

Diego Perrotta presenta la exposición “El fuego secreto de la serpiente” en el Palais de Glace


El viernes 23 de setiembre a las 19 horas Diego Perrotta inaugura “El fuego secreto de la serpiente” en el Palais de Glace. La exposición reúne sus obras recientes, incluyendo pinturas, dibujos, acuarelas y esculturas.
La exposición se podrá visitar hasta el 20 de noviembre, de martes a viernes de 12 a 20 horas y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 horas, con entrada libre y gratuita en Posadas 1725/ Av. del Libertador 1248, Buenos Aires, Argentina.

“… la obra de Diego Perrotta abreva en las creencias múltiples que emergen en las culturas periféricas, que solapadamente inundan la vida cotidiana, elementos que él percibe, caza, reflota y se apropia en nuevas mixturas. El llamado efecto collage producto del nomadismo, mestizaje e hibridación contemporánea.(…) Él encuentra y excava en la santidad igualitaria que le brindan sus propios recorridos contemporáneos. Lo urbano, el mercado callejero del Liniers de su infancia -nacido de las migraciones latinoamericanas- y a partir del cual vislumbró el continente sin salir de la General Paz. Deformaciones, deslizamientos de creencias pero también apropiación de colores y formas, ‘espíritu de murga, de fábula popular y hechicería delirante…’ dijo de él Eduardo Stupía. Vendría luego el viaje real, Argentina, Latinoamérica, Europa y más cercanamente, el Sureste Asiático. Viajes en los que encuentra ídolos y signos que siente suyos, lenguas mixtas de la calle y de los templos, plegarias que le resuenan próximas. El goce y el infierno, aquí o allá se exploran siempre en formas y colores. La paleta se modifica, se apaga o resuena vibrante, y emergen también nuevos motivos.” expresa María Teresa Constantin en parte de un texto de agosto de 2016.
En otro párrafo agrega: “… Para Diego Perrotta la serpiente y el dragón son excusas para hablar de miedos y temores. Son lo no dicho de lo humano (el cruce espejado), lo que acecha en la oscuridad y espera el momento oportuno para atacar. Entiéndase: aquello que preocupa al artista, lo personal pero también los abruptos vaivenes sociales y políticos en Argentina y el mundo, o los desastres que el hombre puede ocasionar.”

19 de septiembre de 2016

La galería Buenos Aires Fine Arts presenta "Flores de Belgrano"


El jueves 22 de setiembre a las 19 hs. se inaugura la muestra colectiva que celebra el florecer de los jacarandás en Buenos Aires.
Cristina Santander. "Homenaje a Monet", óleo sobre tela
La galería Buenos Aires Fine Arts exhibe obras de Cristina Santander, Ana Lavarello, Eduardo Gualdoni, Jakubowicz, y Manuel Rubín. Plásticos argentinos destacados y premiados a nivel nacional e internacional.
En setiembre, cuando en las calles de Belgrano comienzan a florecer los jacarandás, se exhibirá una muestra de plástica cuyo tema disparador es la representación de flores, cinco artistas apoyarán la propuesta constituyendo así una muestra ecléctica de estilos y percepciones.
Ana Lavarello. Serie "Flores", técnica mixta
Acompañando de la mejor manera al mes de la primavera, lo que la muestra propone es un recorrido que busca elevar este género pictórico a un alto nivel de belleza estética y plantear la atracción que ha tenido desde siempre la naturaleza muerta a través de la historia del arte. Sus puertas estarán abiertas a partir del 10 de setiembre.
La muestra se puede visitar hasta el 30 de octubre, de lunes a viernes de 14 a 20hs., en Cuba 1930, Belgrano.

Se presentó el Compromiso Federal por la Cultura en la Usina del Arte


El 12 de setiembre, en un acto en la Usina del Arte, se presentó el Compromiso Federal por la Cultura por el que las autoridades culturales de todo el país acordaron las bases para una gestión federal de la política cultural nacional.
El Compromiso por la Cultura Federal de los Argentinos establece los lineamientos para el desarrollo de una gestión federal de la política cultural con el foco en la protección y difusión del patrimonio cultural material e inmaterial de la Argentina.
Promueve además el fortalecimiento de la cultura comunitaria y la diversidad cultural, el desarrollo del ecosistema cultural y creativo del país y fomenta el encuentro y la unión a través de la cultura.
Además se presentó el proyecto de Ley Nacional de Desarrollo Cultural que se enviará en los próximos días al Congreso de la Nación. La iniciativa busca incentivar la inversión privada en el financiamiento de actividades y proyectos culturales de artistas o instituciones para promover la diversidad en la producción de bienes y servicios culturales.

El Museo de Arte Popular José Hernández presenta la muestra “Trama Americana” de la artista Gabriela Giurlani


El jueves 22 de septiembre a las 18.30 horas inaugura la exposición temporaria “Trama Americana”, perteneciente a la serie “América Bicentenaria”. La misma está compuesta por dípticos de arte y letras de la artista Gabriela Giurlani.

Se trata de una singular propuesta de arte digital de inspiración textil con temática bicentenaria. Con verso libre en 6 tiempos, liga en forma renovadora el arte y las letras contemporáneas con la tradición popular y la historia.
Durante la inauguración se presentará además el libro “Bicentenarios Hispanoamericanos - América Bicentenaria” de Silvia Giurlani, Daniel Giurlani, y Gabriela Giurlani (ensayo, arte y letras), que cuenta con el apoyo de la Academia Argentina de Cultura.

Gabriela Giurlani es artista, escritora e investigadora. Recibió becas honoríficas del extranjero y sus trabajos fueron declarados de interés cultural con apoyos y premios en el ámbito nacional e internacional. En los últimos años expuso sus obras y acciones artístico/ literarias en USA, México, España, Italia, Francia, Centros Culturales San Martín, Borges y Recoleta, participando además en su stand institucional en ARTEBA.
La muestra permanecerá abierta hasta el domingo 30 de octubre y se puede visitar de martes a viernes de 13  a 19  y sábados, domingos y feriados de 10  a 20 horas en el Museo de Arte Popular José Hernández, Av. del Libertador 2573, Buenos Aires, Argentina.

Tamara Stuby interviene las salitas del espalcio de arte de la Fundación OSDE


El espacio de arte de la Fundación OSDE presenta una nueva intervención en las salitas: "Privado: Balance" de la artista Tamara Stuby.
La propuesta de Stuby consiste en presentar, a través de diversos objetos y recorridos sugeridos al espectador, la experiencia de la privacidad.
Situaciones próximas a las gestiones cotidianas ocurrirán, en esta oportunidad, dentro de la sala de exposiciones. Biombos, realizados a partir de ventanitas de sobres de banco, se convierten en un irónico objeto transparente, rompiendo con cualquier posibilidad de intimidad. Por último, sirviéndose de muebles de oficina, la artista construye un recorrido espacial para, una vez más, hacer experimentar al espectador una idea de privacidad, en palabras de la artista "pérdida", "escapada", "raptada".
Tamara Stuby nació en Poughkeepsie, Estados Unidos, en 1963.
Obtuvo el título de Bachelor of Fine Arts en Pratt Institute, en Brooklyn, Nueva York. Participó de residencias en Gasworks Studios (Londres, 2000) y Capacete (Río de Janeiro, 2007). Recibió una beca de creación de la Fundación Antorchas (2004), la beca nacional del Fondo Nacional de las Artes (2013) y una mención en el XIX Premio Klemm (2015). 
Inauguración: jueves 22 de setiembre a las 19 horas.
Permanecerá hasta el 22 de octubre y se puede visitar de lunes a sábado de 12 a 20 horas, con entrada libre y gratuita, en Suipacha 658, primer piso, Buenos Aires, Argentina.

Lucas Pisano presenta "Cúmulos" en 704 oficina de arte


Desde el 22 de setiembre y hasta al 26 de octubre, llega a 704 Oficina de Arte la muestra “Cúmulos” del artista plástico Lucas Pisano. Una serie de obras realizadas con grasa grafitada y vaselinada (con color) sobre papel producidas entre el 2015 y el 2016 por el autor.

“Cúmulos” es un estudio de la relación entra la imagen y sus materiales de construcción.
Acumulación de grafismos; planos; montes de desechos; escombros;  mantas o papeles.
Juego óptico de resonancias entre lo reconocible y lo no reconocible; un cuerpo-figura que en sus fronteras parece definido, pero que hacia su adentro es multitud.
Obstinados estudios de anatomía: aquí no hay doctores exhibiéndose, retratándose como en el cuadro de Rembrandt, solo... el Cúmulo, irónicamente, presentándose como reverso del producto de consumo: el desperdicio que debería estar al margen, entronizado en el centro de la escena.

“Cúmulos” puede visitarse de miércoles a viernes de 16 a 19 hs. o bien concertando cita en otros horarios al mail de Lucas Pisano: dilukas@gmail.com en Florida 336, 7º piso, Buenos Aires, Argentina.
Lucas Pisano nació en Buenos Aires en 1977. Profesor Nacional de Pintura, egresado de la extinta Escuela Nacional Prilidiano Pueyrredon y autodidacta colectivo.
Su producción se desarrolla tanto en el dibujo como en la pintura, collage, escultura e instalaciones. En los últimos años incursiona en la investigación de diferentes experiencias interdisciplinarias audio visuales y performáticas.
 

18 de septiembre de 2016

"Uno por tres no es lo mismo que tres por uno". Karina El Azen presenta la muestra de Cristina Frigerio, Florencia Pinos y Eduardo Crespin


Con el compromiso de acompañar y potenciar los objetivos de Fundacion Beethoven, nace el proyecto Aire generando un nuevo ciclo expositivo para promover artistas que trabajan dentro de las artes plásticas y visuales.
El proyecto Aire es un conjunto de muestras anuales para promover a aquellos artistas con menores posibilidades de exponer en Buenos Aires, donde serán impulsados por artistas consagrados potenciando así sus obras.
La exposición "Uno por tres no es lo mismo que tres por uno" cuenta con el apoyo de la gran artista Karina El Azem donde acompaña el trabajo realizado por los artistas Cristina Frigerio, Florencia Pinos y Eduardo Crespin.
La muestra inaugura el 21 de setiembre a las 18:30 hs. y se puede visitar hasgta el  25 de noviembre en Av. Santa Fe 1452, Buenos Aires, Argentina.

MALBA presenta "Verboamérica"


Tarsila do Amaral. Abaporu, 1928
En el marco de la celebración por su 15° aniversario, MALBA presenta "Verboamérica", una nueva exposición de la colección permanente, curada por la historiadora e investigadora Andrea Giunta y por Agustín Pérez Rubio, director artístico del museo. La exhibición es el resultado de un proyecto de investigación más amplio -de más de dos años-, que propone una historia viva de América Latina, que se expresa en acciones y experiencias. Una historia poscolonial que asume que el arte latinoamericano no debe entenderse tan sólo a partir de las denominaciones que propuso la historia del arte europeo, sino a partir de los nombres que los propios artistas formularon cuando crearon sus programas estéticos.
Joaquín Torres García. Libro Universalismo Constructivo, 1944
Verboamérica es una exhibición performativa y temporal, y pone en evidencia la crisis de la linealidad y unicidad del tiempo histórico que ha tenido lugar durante la globalización”, explica Pérez Rubio en el catálogo que acompaña la exposición, donde destaca el famoso mapa de Joaquín Torres-García, América invertida, que ya en 1936 enseñaba una modificación de preeminencia geográfica y espacial de América, pero también temporal.
Frida Kahlo. Autorretrato con chango y loro, 1942
La exposición rompe el clásico recorrido cronológico e incluye 170 obras divididas en ocho núcleos temáticos, en los que conviven obras de diferentes períodos históricos y de una multiplicidad de formatos: pinturas, dibujos, fotografías, videos, libros, documentos históricos e instalaciones. Los núcleos son: En el principio; Mapas, geopolítica y poder; Ciudad, modernidad y abstracción; Ciudad letrada, ciudad violenta, ciudad imaginada; Trabajo, multitud y resistencia; Campo y periferia; Cuer-pos, afectos y emancipación; y América indígena, América negra.
Jorge de la Vega. Rompecabezas, 1968
En palabras de Andrea Giunta: “Los términos clave de esta exposición provienen de la experiencia artística en América Latina: Antropofagia, Indigenismo, Negritud, Martín Fierro, Neoconcretismo, Madi, Perceptismo, Universalismo Constructivo, Muralismo. Provienen también de la experiencia latinoamericana de las ciudades, las ciudades reales, soñadas, utópicas; del trabajo, la explotación y la geopolítica; de los márgenes de la ciudad, los paisajes reales e imaginados, y de lo expulsado: la prostitución, la pobreza, los cuerpos insubordinados, descalzados del canon patriarcal que cons-truyó tanto a la mujer como al hombre. Se trata, también, de la insurrección negra, indígena, campesina, del reclamo de la tierra. Volver visibles las poéticas de lo indomesticable, las formas de la emancipación estética”.
Antonio Berni. Manifestación, 1934
Con motivo de los 15 años, se lanza en la web de MALBA la primera parte del trabajo de investigación y catalogación exhaustiva del acervo realizado durante los últimos dos años por el área de curaduría del museo e investigadores de arte latinoamericano. Las primeras 180 fichas técnicas de obras de la colección, podrán ser consultadas online gracias a esta investigación aún en curso. Además, con motivo de la exposición y como parte de las iniciativas de los departamentos de educación y comunicación, se podrán descargar gratuitamente de la web, audioguías que repasen los ocho núcleos temáticos de la exposición y focalicen también en 25 obras significativas de la colección expuestas en "Verboamérica".
"Verboamérica" se presenta como un proyecto integral del museo. Junto con la nueva exposición, se editó un catálogo de 380 páginas -en doble edición español e inglés-.

“La guitarra vuela" se presenta en Buenos Aires. La gira que Paco de Lucía no pudo hacer…


El miércoles 21 de setiembre a las 19 hs. se presenta en la Cúpula del CCK (Sarmiento 151 - C.A.B.A.) “La guitarra vuela”, un evento organizado en colaboración con el CCK y el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA). Este es un espectáculo con entrada libre y gratuita, hasta agotar la capacidad de la sala.
Una guitarra, trece ciudades de nueve países de América y Europa y más de 34.000 kilómetros recorridos son algunos de los ingredientes de este proyecto homenaje que incluye un documental, un disco, un concierto y la beca Paco de Lucía, primera beca con el nombre del genio gaditano, para estudiar en el Berklee College of Music de Boston.
La última guitarra de Paco de Lucía, “La Maestro”, ha salido de viaje de la mano de Iberia en una gira homenaje por toda Iberoamérica: Mariza, Caetano Veloso, Carlinhos Brown, Alejandro Sanz, Alain Pérez, Luis Salinas y Tomatito, entre otros muchos, la han acompañado en esta gira inédita, maravillosamente plasmada en el documental La guitarra vuela creado por Javier Limón y Jorge Martínez.

Este proyecto, ideado y dirigido por el músico y productor Javier Limón y el creativo Jorge Martínez, con el objetivo de que “La Maestro”, única guitarra diseñada por el propio Paco de Lucía y fabricada por su amigo y lutier Toni Morales, exprese su dolor y llore, por fin, a su dueño a través del talento de algunos de los mejores guitarristas e intérpretes iberoamericanos.
Con el patrocinio de Iberia, que este año celebra el 70º aniversario de su primer vuelo entre España y América Latina, “La guitarra vuela” ha llevado a cabo la gira que Paco de Lucía no pudo hacer.  Un homenaje al músico español más universal y a un instrumento sin el cual no se puede entender su figura ni la cultura musical española.

Luis Salinas con "La Maestro"

Así, “La Maestro” ha viajado por algunos de los lugares que más han marcado musicalmente a Paco de Lucía y a su música: desde Mallorca a Jerez de la Frontera, pasando por Lisboa, Nueva York, Boston, México, Bogotá, La Habana, Matanzas, Montevideo, Salvador de Bahía y Río de Janeiro. Y ahora llega a Buenos Aires, con la presencia especial del Maestro Luis Salinas. 
En cada destino se encuentra con algunos de los más grandes músicos y guitarristas: Mariza, Magos Herrera, Gregoire Maret, Alain Pérez, Muñequito de Matanzas, Alejandro Sanz, Chabuco, Rubén y Julieta Rada, Julio Cobelli, Lobo Núñez, Carlinhos Brown, Caetano Veloso, Guinga, Luis Salinas, Tomatito y Diego del Morao, entre otros.

El documental "La guitarra vuela" recoge este increíble viaje de “La Maestro” por los lugares que más marcaron la vida y obra del gran músico gaditano. La vemos tomar un avión de Iberia, como un pasajero más, para encontrarse con algunos de los mejores artistas del planeta.  La vemos dialogar con estos artistas como si se tratara de una vieja amiga; vemos a estos músicos hablar de ella y de Paco, recordando situaciones y anécdotas -nostálgicas, simpáticas, conmovedoras- nunca antes reveladas que, de alguna forma, captarán todo el universo de aquel personaje icónico al que todo el mundo quería y admiraba.

Junto con el documental, y de la mano de Universal Music Spain, un disco con su banda sonora en el que se incluyen los temas musicales tocados por los artistas que han participado en el proyecto.  Una selección de canciones, algunas inéditas y otras que ya forman parte de la historia de la música, interpretadas con un solo instrumento, el único capaz de recuperar el espíritu de Paco de Lucía.

Como parte de este proyecto, Iberia, en colaboración con Berklee Meditarranean Music Institut, puso en marcha la beca Paco de Lucía. Consiste en dos “Five Weeks Program” repartidos en tres disciplinas artísticas/musicales: cante, cajón y guitarra española.
 Podrán optar a estas tres becas alumnos de España e Iberoamérica que tendrán la oportunidad de seguir formándose en la universidad privada de música más importante y prestigiosa del mundo y de la que Paco de Lucía fue el primer músico español investido Doctor Honoris Causa.