"Fulguraciones" de Renata Schussheim se exhibe en el Centro Cultural Borges hasta el 2 de julio con entrtada gratuita

 

El Centro Cultural Borges está presentando la muestra "Fulguraciones", de Renata Schussheim en el pabellón II y la plaza de las Artes del segundo piso. 

En la cúpula vidriada de la Plaza de las Artes, nadan en el aire nueve escultóricas atletas que en su danza aérea, ingrávida y silenciosa forman una espiral áurea, que remite a aquellas descritas, siglos atrás, por Leonardo de Pisa conocido también como Fibonacci.
 

La libertad y luminosidad de estas figuras, realizadas en tecnología 3D, muta a un universo más oscuro, lúdico y siniestro al ingresar a la sala mayor del Pabellón Berni. Allí se exhiben 22 fotografías blanco y negro que Renata encontró en Internet e intervino a mano. Extrañas imágenes, impresas en gran tamaño, en las que se ven personas disfrazadas de Osos junto a niñas, niños o familias.
 

El puente entre estos dos mundos lo tienden las tres esculturas pequeñas- una de un solitario oso polar y dos de las nadadoras- realizadas por Schussheim. Acompaña la experiencia un video en continuo, en cámara lenta, de una ola gigante a punto de romper. La banda sonora de la sala y del video es de Damián Laplace.
 

La exposición contó con un equipo integrado por Romina Del Prete (producción ejecutiva), Mario Astutti (realización 3D esculturas), Hernán Gigante (impresión fotográfica), Damián Laplace (banda sonora), Roberto Traferri (iluminación), Matías Otalora (video) y Martín Gorricho (diseño gráfico).

Sobre Fulguraciones, Renata Schussheim expresa: “Siempre me fascinaron los osos polares. Tan blancos, misteriosos, como Moby Dick. Creí enloquecer cuando descubrí en Internet (¡gracias J.M. Donat!) fotos que reproducen situaciones surrealistas con señores disfrazados de osos. Se suma y entrelaza otra vieja obsesión que son las nadadoras. Aéreas, intensas, zambulléndose en falsos mares y cielos estrellados. El resultado de estos mundos unidos es Fulguraciones. Estoy muy agradecida por habitar este hermoso espacio y con la gente que trabaja en él y lo conduce. Y, sobre todo, con el equipo que me acompaña en concretar mis sueños".
 

Por su parte, el director del Centro Cultural Borges, Ezequiel Grimson, señala: “Nadar, volar, bailar o disfrazarse pueden ser diversas formas de la libertad. Presentar, bajo la cúpula central de estas Galerías Pacífico, escultóricas bailarinas que nadan en el aire o, en una de las principales salas de exposición, antiguas fotografías intervenidas de personas disfrazadas de osos junto a niños o familias, son algunos de los modos con los que Renata Schussheim decidió ejercer su libertad artística en esta exhibición. Nos encontramos ante una de las propuestas más inspiradas y extrañas de Renata. La instalación de la Plaza de las Artes y la exposición de fotografías son mundos tan disímiles que sólo podrían cruzarse en sueños. Y, probablemente, los motivos últimos de estos cruces y de estas obras se encuentren en sus sueños más profundos e inconscientes. Sin embargo, podemos reconocer ciertas constantes, obsesiones, ideas y técnicas, que se distinguen como un sello personal en su obra. Este año que Argentina cumple cuarenta años ininterrumpidos de democracia, más allá de las múltiples frustraciones y dificultades, podemos con certeza enorgullecernos de las obras de nuestros artistas y de la irrestricta libertad de expresión vigente”.
 

“La obra de Renata Schussheim, que de algún modo anticipó la libertad anhelada con su puesta en escena para Bicicleta de Serú Girán, continúa sorprendiéndonos, sacudiéndonos y embelleciendo el mundo, hoy, aquí, en el Borges, tanto por su selección e intervención fotográfica, como por la potencia de sus bailarinas-nadadoras, que se zambullen en el mar, luchan, flotan, no se hunden y dan batalla”, concluye Grimson.

 

“Fulguraciones” puede ser visitada en el Centro Cultural Borges -Viamonte 525, CABA- hasta el domingo 2 de julio, de miércoles a domingo en el horario de 14 a 20 hs. La entrada es gratuita y no requiere reserva previa.

“El dorado. Un territorio” es la nueva exhibición que está presentando Fundación Proa hasta agosto de 2023

Procedentes de instituciones públicas y privadas, y colecciones particulares, esta selección de obras de artistas latinoamericanos atraviesa -mediante videos, instalaciones y performances- temas que van desde la materialidad, el sincretismo, los procesos de transformación y el paisaje de un territorio pródigo en recursos y materias primas que cambiaron el mundo a partir del siglo XVI.

Leda Catunda. El dorado II, 2018, acrílico sobre tela, voile y plástico. Colección privada

Agrupadas en distintos núcleos argumentales se presentan piezas emblemáticas como la balsa de Clorindo Testa, los experimentos con la papa de Víctor Grippo y los mensajes dorados de Mathias Goeritz, Stefan Brüggemann, Laura Vinci, Leda Catunda y Olga de Amaral; se suman Pedro Terán, Mazenett & Quiroga, Andrés Bedoya, Betsabée Romero, Ximena Garrido Lecca, Santiago Montoya, Gastón Ugalde, Iván Argote, Tania Candiani, Florencia Sadir y Benvenuto Chavajay Ixtetela; Marta Minujín paga la deuda externa argentina con maíz y Evi Tártari construye textiles con chalas, entre otras obras que conviven con objetos originales del período colonial cedidos en préstamo por el Museo Fernández Blanco, entre ellos, la serie de capas pluviales, el par de alas de plata y una coquera realizada en el mismo material durante el siglo XIX.

Olga de Amaral. Estelas, lino, yeso, pintura acrílica, pan de oro; dimensiones variables. Cortesía de Lisson Gallery


“El dorado. Un territorio” es un proyecto conjunto de Fundación Proa, Americas Society y el Museo Amparo. Las tres instituciones se reunieron entre 2021 y 2022 para profundizar en la problemática del mito de El dorado y su vigencia. El resultado de esta iniciativa se estructura en tres exhibiciones, no itinerantes, a desarrollarse a lo largo de 2023 y 2024 en Buenos Aires, Nueva York y Puebla. Cada una de ellas busca reflejar dilemas y puntos de vista propios sobre la leyenda y el alcance que tuvo en sus respectivas regiones. Es una oportunidad para revisar el impacto de uno de los mitos americanos más influyentes en la historia de la humanidad.  

Marta Minujín. Pago de la deuda externa argentina a Andy Warhol, 1985, fotografía, dimensiones variables. Estudio Marta Minujín


“El dorado, ¿existió o no? Proa decide abordar el tema a partir de esta pregunta, para buscar respuestas en el territorio. ¿El dorado existió a través de las materias primas y la inmensidad de recursos que había en América?. Marta Minujín lo expresa en su obra “Pago de la deuda externa argentina a Andy Warhol”, en la que salda la deuda con maíz. Podemos decir que todas esas riquezas del Nuevo Mundo cambiaron la vida cotidiana de Oriente y Occidente, por supuesto, sin olvidar el costo y las consecuencias que tuvo para los protagonistas” explica Adriana Rosenberg, directora de Fundación Proa. “¿Por qué obras de arte contemporáneo, y no históricas? En principio, somos un centro de arte contemporáneo, y creemos que revisitar la historia exige hacerlo con herramientas del presente como el video, la fotografía, las instalaciones. Es el lenguaje al que estamos acostumbrados, tanto el artista como el espectador”.  

“El Dorado. Un territorio” está concebida por el equipo de Fundación Proa sobre la base de la investigación realizada durante el seminario a cargo de Edward Sullivan.

Mazenett & Quiroga. Selva intervenida II (Pacífico, Colombia), 2018; impresión digital y pan de oro. Colección de los artistas e Instituto de Visión


EL MITO DEL DORADO

El supuesto caudal de metales preciosos y extraordinarias riquezas que se encontraban en América despertó la fascinación de los aventureros en el siglo XV, entonces convencidos de la existencia real de un lugar llamado El dorado, una “región de riquezas incalculables, cuya imagen surge del relato deformado de las ceremonias de los chibchas en la laguna del rey Guatavita y despliega luego en el imaginario de la mítica ciudad de Manoa. Se trata de un auténtico utopos, un no-lugar cuyo espejismo desata las más exageradas ilusiones, motoriza penosas aventuras y acaba en tremendas acciones” escribía en sus apuntes Graciela Sarti, a propósito de un ensayo publicado en 1990 por el Grupo CAyC.

Esos tesoros yacían a lo largo y ancho del continente y eran sustento esencial de las comunidades locales. Papa, batata, maíz, territorio, América del sur, oro latinoamericano, artesanía y alimentos aparecen en las obras de los artistas convocados que exploran esos recursos naturales en un lenguaje contemporáneo.

Dalmática y capa pluvial, gross de seda bordado con tachas e hilos metálicos dorados, siglos XVIII y XIX. Colección Museo Isaac Fernández Blanco

La exhibición recibe al visitante con la obra inmersiva de Carolina Caycedo, que nos sumerge en el río Cauca, donde se encuentran, flotando con una singular belleza, pepitas de oro. La balsa de Clorindo Testa y el barco de Víctor Grippo, junto a la obra de Fernando Bryce se convierten en la metáfora del viaje, la precariedad, la ilusión y la codicia. 

Las implicancias religiosas y también de poder, la materialidad de la pintura, del cuerpo y del espacio arquitectónico del mito están presentes en las obras de Mathias Goeritz, Stefan Brüggemann, Leda Catunda, Laura Vinci y Olga de Amaral. Y en diálogo con estas obras contemporáneas, las capas pluviales doradas usadas por los sacerdotes en las peregrinaciones, cedidos por el Museo Fernández Blanco para esta exhibición. 

Teresa Pereda. Habla la tierra - Territorio posible, 1993-2023, tierras e impresión digital sobre vinilo, instalación. Colección de la artista

En la siguiente sala, nos sumergimos en el territorio a través de una serie de obras que incluyen un video, realizado por Pedro Terán, que reconstruye la ceremonia del pueblo muisca; un muestrario de colores realizado con montículos de tierra de diversas regiones y que conversa con el sol, presentado Teresa Pereda; la imagen intervenida de la selva colombiana del colectivo Mazenett & Quiroga, y las páginas también intervenidas de las primeras aproximaciones al estudio de la flora continental de Sandra Gamarra. 

 

Betsabeé Romero. Atropellando maíz, 2014, 42 fragmentos de llantas con incrustaciones de maíz (detalle). Colección de la artista  

 

Además, la obra de Betsabeé Romero problematiza la explotación del caucho y el maíz como elemento de valor (avasallado), Santiago Montoya presenta obras de y sobre el chocolate, y Ximena Garrido Lecca hace lo propio con el cobre, mientras que Gastón Ugalde despliega hojas de coca sobre el mapa de América del Sur. Todas estas obras trazan un exhaustivo panorama de los hallazgos y presentan, de forma compleja y diversa, tanto las materias primas como las problemáticas asociadas a su extracción.

Alas (Argentina) c.1870. Plata batida, repujada y cincelada. Convento de Santo Domingo de La Rioja. Colección Museo Isaac Fernández Blanco

La plata extraída del Cerro de Potosí se aprecia en las monedas encontradas en los cimientos de la Pirámide de Mayo; en tanto las alas plateadas, la coquera de plata (c. 1800) y las moscas de Andrés Bedoya dan cuenta de la excelencia del trabajo artesanal y de la importancia que tuvo para la Corona española la producción de plata en la formación de una economía global.  Cada una de esas piezas documentan o remiten a la destreza de los pueblos originarios y el aprovechamiento de la mano de obra indígena, con las injusticias y penurias que ocasionaron a las comunidades locales, primeras propietarias de estas tierras.

Benvenuto Chavajay Ixtetela. Elote de balas, 2016, 4 elotes de maíz y balas calibre 48. Colección del artista


Si pensamos esta exhibición como un viaje por el túnel del tiempo, al final de la escena el espectador podrá visualizar lo que podría considerarse el verdadero dorado: la papa, el maíz, el tomate, la batata. Eso parece expresar Marta Minujín, que paga la deuda externa a Andy Warhol con maíz, mientras que el guatemalteco Benvenuto Chavajay Ixtetela recupera la historia reciente de la violencia en Colombia, Venezuela y Guatemala apelando a esa narrativa para construir elotes o choclos con balas. La artista tucumana Evi Tártari hace telas y cortinas de chala para resaltar la importancia del choclo en su tierra. La ruta de la papa, la papa de Víctor Grippo, la batata de Iván Argote y la pieza de Tania Candiani teñida de rojo con tinta de cochinilla nos recuerdan a otros de los commodities que América legó al mundo.

Tania Candiani. Beneficios de la grana cochinilla, del proyecto Cromática, 2015, 10 mantas de algodón e hilo de seda teñidas con grana cochinilla. Colección privada

 

A través de un conjunto de obras de artistas contemporáneos latinoamericanos reunidos en esta exhibición denominada “El dorado. Un territorio”, Fundación Proa invita a revisar el mito de El Dorado en América, uno de los más influyentes en la historia de la humanidad. 

Esta muestra se puede visitar hasta agosto de 2023, de miercoles a domingos de 12 a 19 hs. en Fundación Proa, Av. Pedro de Mendoza 1929 y Caminito, Buenos Aires, Argentina. 

Estela Pereda. Aquí mi lugar, instalación, 2004, 11 piezas en papel de algodón hecho a mano gofrado sobre el fósil. Colección de la artista

Más información en: http://proa.org/.

Nuevo Open House de BROTA residencia de artistas

 

Patricia Miani y los artistas

El martes 28 de marzo se realizó un Open House donde presentaron sus obras los artistas en residencia: Alexander Sokol (Dinamarca), Pola Martinez & Jeanne Borensztajn (Francia) y Tin Nguyen (Estados Unidos).  Acompañaron la exposición las artistas locales Verónica Martinez Castro y Luz Kaplan.

Verónica Martinez Castro

Verónica Martinez Castro nació en un pequeño pueblo rural del sur de Santa Fe y vive desde hace casi 30 años en la Ciudad de Buenos Aires. Abogada de profesión y artista por pasión, autodidacta, evolucionó impulsada por su espíritu itinerante y el afán de transmitir la dicha, la opulencia, la aflicción, el olvido, la indiferencia, la magia, el misterio, el deseo, entre tantos otros sentimientos que desvelan al ser humano.
Su obra nació del entusiasmo por fotografiar la vida, sus lugares y el ansia de trascender a las imágenes, interviniéndolas con diversos materiales, texturas y paletas de colores. El soporte gráfico de su obra nace de un gesto intuitivo, de una relación amorosa entre la fotografía y el retrato que se apoya a la vez, sobre el cimiento de sus propias palabras.

La artista nos cuenta acerca de su trabajo: “Pulso es un proceso de cooperación por sobre la competencia, de conexión con uno mismo y reconexión con los otros. Muchas veces, las palabras no alcanzan para expresar lo que sentimos o pensamos. Entonces, precisamos imágenes que nos ayudan a reflejar quiénes somos. Aplicando la técnica de "collage" (con revistas, libros antiguos, fotografías, imágenes diversas y papeles de colores, tijeras, pegamento y marcadores de color) atravesamos un proceso simple, lúdico, amoroso y nos encontramos reflejados en las imágenes que elegimos pegar en un papel. Al encontramos, encontramos al otro. Y en el otro, somos uno.” 

Luz Kaplan

Luz Kaplan cuenta que pinta desde que tiene memoria. Desde siempre las líneas curvas marcaron su trabajo como eje de todo lo orgánico que es fuente continua de su inspiración. Utilizando materiales variados, va explorando diferentes técnicas pero siempre haciendo foco en la armonía del trazo, que responde a una melodía interna intrínseca del ser entrelazada a la naturaleza circundante. 

Tenía seis años cuando le pidió a su mamá que la lleve a aprender dibujo y pintura porque ya sabía que era su vocación. Tiene grabada en su retina la imagen de la caja de tres pisos Stadler que vendían en la librería artística de su barrio, la artista cuenta que se pegaba a la vidriera para observarla y era lo que más deseaba en la vida. 

Tin Nguyen

Tin Nguyen es un talentoso artista visual vietnamita-estadounidense que vive en Nueva York. Sus pinturas parten de una re-investigación y observación de momentos vividos y estados emocionales. 

De carácter autobiográfico, Tin pinta lo ocurrido en su espacio y entorno. Su obra, reflexiona sobre la belleza y la poesía de los momentos más tranquilos que a menudo se pasan por alto como temas, relacionados a la identidad “queer”, la intimidad y la vulnerabilidad. Durante su mes de residencia en BROTA, el artista ha explorado en sus pinturas su amor por la naturaleza, a través de este tiempo de meditación en Buenos Aires, caminando y recorriendo los parques y jardines de la ciudad. 

Pola Martinez

Pola Martinez es estudiante de diseño textil en la escuela de Artes HEAR Mulhouse, en Francia. Su trabajo se enfoca en explorar temas de misterio y mensajes ocultos a través de varias técnicas textiles, incluyendo el tejido y el uso de patrones en sus diseños.
Jeanne Borensztajn, es graduada de la Academia de Bellas Artes de París, editora y escritora. Ha escrito varias obras, incluyendo una novela, textos cortos y también cuentos. Ha realizado una residencia artística en Islandia y editó y publicó en su editorial artesanal Éditions Dynastes la primera novela de Pola Martinez, que trata sobre un tapiz codificado. 

 

Durante su residencia de un mes en BROTA, ambas artistas han desarrollado un proyecto en común, centrado en la realización de una investigación paralela en los campos de lo textil y lo textual.
Reuniendo este material en torno a la idea de “Texto/Tela/Contexto”, han explorado en conjunto la geografía y la cultura de la ciudad de Buenos Aires. Además, colaboran en la realización de un libro interactivo con dibujos y textos, inspirado en la emblemática novela Rayuela de Julio Cortázar, escrita en París por el autor.

Recién llegado de una residencia en Islandia, donde ha estado trabajando en una novela, el escritor danés Alexander Sokol, ha realizado una residencia de tres meses en BROTA donde ha terminado de
escribir su novela, relacionada a la visita a un hogar de infancia abandonado en Dinamarca.
Alexander es un escritor danés de novelas y cuentos. Está particularmente interesado en temas de optimismo y pesimismo, cinismo y esperanza, pérdida y rejuvenecimiento. Su manuscrito de trabajo actual se refiere a un hijo que visita una casa de infancia en ruinas, donde aún vive un padre  ermitaño enfermo, mientras la naturaleza invade y recupera su espacio. Antes de comenzar a trabajar como autor, Alexander obtuvo una maestría en matemáticas y escribió un doctorado ganador de un premio por su tesis sobre la “causalidad”. Se graduó de dos escuelas de escritura en Copenhague y también escribe regularmente artículos de opinión para la mayoría de los principales periódicos daneses.

El MARCO de la Boca presenta "América" de la artista Adriana Bustos

El MARCO,  Museo de Arte Contemporáneo de La Boca, y la Fundación Tres Pinos presentan la muestra "América" de la artista argentina Adriana Bustos, con curaduría de  Eva Grinstein.

"Bajo el título América, este proyecto se inicia con un gesto de reapropiación lingüística y simbólica: tomar para el sur el nombre que suele ser usufructuado por una parte del norte del continente. América para los sudamericanos, propone a su manera la artista. ¿Qué es América? ¿Dónde está? En este recorte ficcional, América puede ser narrada desde la geopolítica de nuestros ríos.

En la planta baja del museo, una extensísima carta de navegación -emparentada con aquellas que utilizaban los conquistadores del s XVI para hacer más eficaces las rutas hacia los nuevos mundos- presenta una apabullante colección de imágenes y datos relacionados con la vida contemporánea de algunos de los principales cursos de agua del Cono Sur. Un hilo que respeta, en parte, la distribución norte-sur de la geografía real, incluyendo el Orinoco y el Magdalena que descienden por Venezuela y Colombia; los caudales exuberantes que cruzan el Brasil verde tropical; un Urubamba abrazado a las montañas de Machu Picchu; los ríos marrón rojizo corriendo a desembocar en el Río de la Plata y un final abierto en las corrientes heladas del Canal de Beagle.
Las calamidades generadas por “el progreso”, los tráficos legales e ilegales, las floras y faunas reconfiguradas, la voracidad extractivista y los efectos del avance sobre costas y seres vivos, incluyendo humanos, son algunas de las líneas que atraviesan un itinerario anclado en el más crudo presente. Puentes, mineras, barcos, represas, cuerpos violentados. Postales de la devastación.
En la instalación que ocupa el primer piso, una mujer-pez de tamaño natural y evidente color arcilla desanda la tradición de las bellas sirenas cautivantes y yace, inerte, en su extraña condición de pescado barroso con branquias y vulva. El paisaje selvático y el rumor de los bichos de tierra y agua la acompañan con indolencia, ensimismados en la maravilla de su propio fluir. Sin saberlo, se han vuelto testigos de mutaciones y monstruosidades que nada tienen que envidiar a aquellas fabuladas por los cronistas de Indias.
La América de Adriana Bustos es una invitación a conectar e interpretar; es el mapa desmesurado de una viajera mental. Del sueño a la pesadilla y de ahí, si fuera posible, a la utopía otra vez. Podría haber algún mensaje oculto en la sonrisa del delfín rosado del Amazonas. Casi extinguido, vive alrededor de treinta años en libertad y unos treinta meses promedio en cautiverio, donde no se deja adiestrar." Eva Grinstein. 

La muestra se puede visitar hasta el 10 de setiembre de 2023, de miércoles a domingos de 11 a 19 hs. en Av. Almirante Brown 1031, La Boca. 

+ información en: https://museomarco.org

El MACBA exhibe "Línea y Vibración" de Josefina Robirosa

 

El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires - Fundación Aldo Rubino presenta la primera exhibición del año: "Josefina Robirosa (1932-2022, Argentina) - Línea y Vibración", curada por Rodrigo Alonso.
La exhibición reúne obras de una etapa de su producción en diálogo con artistas mujeres presentes en la colección permanente de MACBA.

Según Mercedes Casanegra, "La obra de Robirosa posee un hilo medular que es la naturaleza y que a la vez es el velo de otro más profundo: un interés por los lazos espirituales del mundo, por la realidad no visible".

Josefina Robirosa. “Cabezas”, acrílico sobre tela, Colección MACBA

"Sin embargo, ese hilo conductor -que, en efecto, es el más evidente a lo largo de su trayectoria- no ha sido el único. Durante un período entre mediados de las décadas de 1960 y 1970, la figura humana cobra un lugar central, en sintonía con la explosión poblacional que sigue a las Grandes Guerras, el protagonismo de la juventud, el crecimiento de la cultura de masas, y la importancia social cada vez mayor de las comunicaciones y las nuevas tecnologías. En este contexto, la artista argentina desarrolla una serie de obras singulares, a medio camino entre la geometría y la figuración, conformada por líneas y franjas multicolores, que no sólo empatiza con la revolución cromática del pop-art y los dinamismos del arte óptico y cinético, sino que, además, ofrece una mirada especial sobre el mundo contemporáneo." Fragmento de texto curatorial de Rodrigo Alonso.

Josefina Robirosa. “Hombre caminando”, c.1969, óleo sobre tela. 

Colección privada

La exposición se puede recorrer hasta el 26 de junio, de 12 a 19 hs. (martes cerrado) en el MACBA, Av. San Juan 328, CABA. 

Se inaugura "Donde vos estás" de Maitemazz en galería Centoira

El martes 7 de marzo se inaugura "Donde vos estás", una muestra de la artista internacional Maitemazz en la galería Centoira. En el Mes de la Mujer se exhiben obras de gran compromiso ideológico.

La mirada de Maitemazz registra y descubre lo que la mayoría de la gente no percibe cuando circula por las calles de la ciudad. Todos vemos carteles, grafitis, adornos o publicidades sujetas al accionar de los transeúntes y al paso del tiempo. Pero ¿qué aparece por debajo de lo arrancado? ¿Qué aparece pegado o escrito por encima?  Frase sobre frase, cartel sobre cartel, rostro sobre rostro, diálogos anónimos. Las fotografías aparentan comunicar algo, pero el espectador atento descubrirá en ellas las contradicciones y paradojas que marcan el pulso vital de la ciudad. Nada mejor que la calle como testimonio de una época, de las modas, de la política, y de una forma de vivir.

Muchas veces preferimos no hablar de grieta, ni de política, ni de religión, mejor no hablar de temas que puedan potencialmente encadenar un enfrentamiento, exponernos a la cancelación de quienes opinan diferente.  Pero la calle no miente porque muchas veces la gente se expresa en forma anónima – o no.   Unos hablan y otros contestan. Para descubrir esos diálogos hay que “leer” las paredes.

Nos es fácil encontrar soluciones para todos estos problemas de abusos, trata, femicidios, abortos, pero ya es un buen principio tomar conciencia de cuáles son; para empezar desde abajo, desde la casa, desde la escuela. Para que cada uno piense cómo alegrar, cómo defender, como aportar paz a su pequeña porción de mundo.

El trabajo textil que se exhibe en la vidriera, Tejiendo paz, realizado con los capuchones de vino no se desvincula de todos los temas relacionados con esta muestra.  “La profesión del arte es muy individualista, nos lleva muchas veces a encerrarnos en el taller, donde perdemos la noción del tiempo.  Con este trabajo descubrí un modo de conciliar el trabajo artístico con largos momentos de diálogo en familia, puedo escuchar, y al mismo tiempo “tejer” capuchones de vino que la gente me regala, y de paso reciclar material precioso que iría a parar a la basura. La palabra Paz se repite en diferentes idiomas, paz, peace, pace,  y mnp con la n  invertida que  significa Paz tanto en Ucrania como en Rusia.  Paz en el mundo, paz en las familias, paz dentro de nosotros mismos.  Sin paz tampoco es posible luchar por otros valores, sin paz no podemos ni empezar a hablar, ni escucharnos, ni ser libres de pensar y expresar nuestras ideas con libertad», nos explica Maitemazz.

También se exhibe una serie de 4 obras, Sin clientes no hay negocio. La idea de una sociedad que se queja de la prostitución y de la trata de personas, pero paga por sexo no es nada nueva, Berni y muchos otros lo representaron,  pero no por eso pierde dramatismo.  Si bien es cierto que  puede haber algunos casos de prostitución libremente consentida, en la mayoría de los casos existe un aprovechamiento de personas vulnerables para Trata. Esto implica el ofrecimiento engañoso de trabajo, la captación, el traslado, la recepción o acogida de personas con fines de explotación, ya sea dentro del territorio nacional, como desde o hacia otros países. La trata de persona es un delito, sin importar si hay consentimiento o no de la víctima. Constituye una de las más graves violaciones a los derechos humanos, ya que su finalidad es la obtención de una ganancia a costa de considerar a las personas como mercancías, afectando su dignidad, integridad y libertad.  Las víctimas permanecen escondidas tras oscuras paredes – pocas llegan a contar su historia – pero si uno mira los carteles de la calle los indicios son abrumadores.  Sin embargo, muchas veces la corrupción estatal y policial esconde y protege a quienes pueden garantizarles una “tajada” de sus negocios de sangre.  Y los clientes prefieren no preguntar, no involucrarse. Pagan por un servicio y miran para otro lado. Sin ellos no habría negocio.

La instalación Literal, aborda sin tapujos el tema del aborto. Ella lo explica de la siguiente forma «Muy duro y difícil abordar el tema del aborto. Ahora ya es ley, y la ley es amplia, por lo cual se ha convertido en un tema ideológico y muy dramático. La instalación lleva por nombre Literal porque muestra exactamente de qué se trata. Eso es un aborto. Tirar a la basura lo que “no sirve”. Los abortos son así, esos “seres” que se extraen del cuerpo de la mujer, terminan muchas veces de morir en un plato aséptico y luego se arrojan a la basura. El tema viene en si consideramos que “eso” que muere es una parte del cuerpo de la mujer que ya no sirve, en cuyo caso es un final lógico, como una pierna amputada o un apéndice. Pero si consideramos que “eso” es un ser humano, pues entonces estamos matando un ser humano. La enorme diferencia con la pierna amputada o el apéndice es que estos nunca podrían llegar a vivir. En cambio ese ser que se arroja – en algunos casos todavía vivo – a la basura … viviría! si se lo permitieran, aunque fuera con adoptantes. No es mi intención lastimar a nadie y comprendo que hay casos extremos, pero se hacen por día miles de abortos, cada vez más, y se va perdiendo la noción de lo que está ocurriendo en realidad.

Maitemazz nació y vive en Buenos Aires.  Es abogada (UBA) y artista plástica (IUNA) con orientación Dibujo.  Expuso muchas veces en forma individual y colectiva en el País y en el Extranjero (Lima, Paraguay,  Uruguay,  Miami, New York, Palm Beach,  Tokio, Dubai, Madrid, Roma, Bergen). Expone todos los años en BAPhoto.    Ganó varios premios sobre todo de Fotografía y  Arte Digital.

Fundación Proa presenta "Antropoceno", una exhibición que combina arte, cine, realidad virtual, realidad aumentada e investigación científica

Los artistas canadienses Edward Burtynsky, Jennifer Baichwall y Nicholas de Pencier durante un recorrido por la eshibición

 
Fundación Proa presenta el proyecto “Antropoceno”, una exhibición del gran fotógrafo canadiense Edward Burtynsky por primera vez en Argentina. A lo largo de las cuatro salas se reúnen monumentales fotografías, films de los artistas Jennifer Baichwal y Nicholas de Pencier y murales para sumergirse a través de dispositivos de realidad aumentada.

Edward Burtynsky. Carrara Marble Quarries, Cava di Canalgrande #2, Carrara, Italy, 2016. (Canteras de Mármol de Carrara, Cava di Canal Grande #2, Carrara, Italia).
Mural. Impresión por inyección de tinta de pigmento sobre vinilo adhesivo, 304.8 x 609.6 cm.
Cortesía del artista y Nicholas Metivier Gallery, Toronto .

Una muestra contemporánea que da cuenta de las nuevas formas de producción de arte y que se concentra en la problemática más actual que nos responsabiliza a todos: el cuidado de nuestro planeta. 

Edward Burtynsky. Uralkali Potash Mine #4, Berezniki, Russia, 2017. (Mina de Potasa Uralkali #4, Berezniki, Rusia).
Impresión por inyección de tinta de pigmento, 148.6 x 198.1 cm.
Cortesía del artista y Nicholas Metivier Gallery, Toronto.

Hasta cuatrocientos metros por debajo de Berezniki, Rusia, tuneladoras, referidas como "combinaciones", revelan capas de colores vivos de un antiguo fondo marino. Tiempo atrás los estratos de Zumaia se elevaron sobre el nivel del mar, estas sales minerales permanecieron bajo tierra.
Hoy, han sido revelados a través de la minería de potasa—un fertilizante indispensable. A medida que pasan las cosechadoras, se van detrás de las impresiones en la roca blanda que pueden parecer fósiles de la antigua vida marina del que se formaron.
Estas paredes de colores contienen los minerales que constituyen la potasa: una combinación de halita, carnalita y silvita. Completamente envueltas en la oscuridad, y con una extensión estimada de tres mil kilómetros.

Antropoceno, la nueva era geológica que, a grandes rasgos, se define por los resultados de las acciones humanas sobre la tierra, es un proyecto que lleva años de investigación, producción y desarrollo para los fotógrafos, documentalistas y cineastas que trabajan juntos desde aproximadamente el año 2006.
La exposición se compone de fotografías, videos y piezas en realidad aumentada que documentan y procuran concientizar sobre el impacto de nuestras acciones sobre el ambiente. 

Edward Burtynsky. Cathedral Grove #1, Vancouver Island, British Columbia, Canada, 2017. (Cathedral Grove #1, Isla de Vancouver, Columbia Británica, Canadá).
Mural. Impresión por inyección de tinta de pigmento sobre vinilo adhesivo, 304.8 x 609.6 cm.
Cortesía del artista y Nicholas Metivier Gallery, Toronto

Jennifer Baichwal y Nicholas de Pencier. Exploding Danger Trees, Cathedral Grove, B.C., 2018.
(Árboles en Riesgo de Explosión, Cathedral Grove, B.C.). Video, 9’ 44’’. Cortesía de los artistas

Según el New York Times “Mucho antes de que la crisis climática fuera el centro de la preocupación mundial, el fotógrafo canadiense Edward Burtynsky viajaba por el mundo documentando lo que las personas han infligido al medio ambiente y, por extensión, a sí mismas.”

Burned Ivory Tusks #1, May 1, Nairobi, Kenya 2016. (Elephant Tusk Burn, Nairobi National Park, Kenya, 2018).
Acumulación de colmillos de elefante y su posterior quema, como mecanismo para lograr la abolición de la comercialización ilícita del marfil en el Parque Nacional de Nairobi, Kenia, 2016

En palabras de Edward Burtynsky, artista, fotógrafo y documentalista: “Nuestro planeta ha sido testigo de cinco grandes eventos de extinción, y estos han sido provocados por una variedad de causas: el impacto de un colosal meteorito, erupciones volcánicas masivas y actividad de cianobacterias oceánicas que generaron una toxicidad mortal en la atmósfera. Estos fueron los fenómenos naturales que rigen el flujo y reflujo de la vida. Ahora está quedando claro que la humanidad, con su explosión demográfica, industrial y tecnológica, se ha convertido en muy poco tiempo en un agente de un inmenso cambio global. 

Edward Burtynsky. Flood Damaged Cars, Royal Purple Raceway, Baytown, Texas, USA, 2017. (Automóviles Dañados por Inundación, Royal Purple Raceway, Baytown, Texas, EEUU).
Impresión por inyección de tinta de pigmento, 148.6 x 198.1 cm.
Cortesía del artista y Nicholas Metivier Gallery, Toronto.

Podría decirse que estamos a punto de convertirnos (si no lo somos ya) en los perpetradores de un sexto gran evento de extinción. Nuestro sistema planetario se ve afectado por una magnitud de fuerza tan poderosa como cualquier catástrofe global que ocurra naturalmente, pero causada únicamente por la actividad de una sola especie: nosotros. […] He llegado a pensar en mi preocupación por el Antropoceno, las marcas indelebles dejadas por la humanidad en la faz geológica de nuestro planeta, como una extensión conceptual de mis primeros y más fundamentales intereses como fotógrafo. Siempre me ha preocupado mostrar cómo afectamos a la Tierra a lo grande. Para ello, busco y fotografío sistemas a gran escala que dejan marcas duraderas. 

Edward Burtynsky. Makoko #2, Lagos, Nigeria, 2016. (Makoko #2, Lagos, Nigeria)
Impresión por inyección de tinta de pigmento, 148.6 x 198.1 cm
Cortesía del artista y Nicholas Metivier Gallery, Toronto

[…] Como grupo colaborativo, Jennifer, Nick y yo creemos que un compromiso experiencial e inmersivo con nuestro trabajo puede cambiar la conciencia de quienes se involucran con él, lo que ayuda a fomentar un debate ambiental cada vez mayor. Esperamos llevar a nuestra audiencia a la conciencia del resultado normalmente invisible del impacto acumulativo de la civilización sobre el planeta. Esto es lo que nos impulsa a seguir haciendo el trabajo". 

Edward Burtynsky. Muro Pengah #1, Parque Nacional de Komodo, Indonesia, 2017.

Jennifer Baichwal y Nicholas de Pencier. Pengah Mural Extension #1 Coral Portraits, Komodo National Park, Indonesia, and Great Barrier Reef, Australia, 2018.
(Muro Pengah Extensión #1 Coral Portraits, Parque Nacional de Komodo, Indonesia, y Gran
Barrera de Coral, Australia), Video, 0’ 41’’. Cortesía de los artistas

A través de una instalación mural y una serie de vídeos de extensión que se activan a partir del mismo, los artistas nos sumergen en la problemática del blanqueamiento de corales y la tensión resultante entre su preservación y la pérdida de coloración causada por estrés.
 

Edward Burtynsky. Freeman Island, Long Beach, California, USA, 2017. (Isla Freeman, Long Beach, California, EEUU).
Impresión por inyección de tinta de pigmento, 148.6 x 198.1 cm.
Cortesía del artista y Nicholas Metivier Gallery, Toronto.

 

Coproducida por la Galería de Arte de Ontario (AGO), el Instituto Fotográfico Canadiense -dependiente de la Galería Nacional de Canadá (NGC)-, y la Fundación MAST de Bologna, en Italia, esta exhibición es la culminación de un ambicioso proyecto artístico colaborativo, que incluye un largometraje documental, dos publicaciones, un programa educativo, un podcast y esta exposición en Fundación PROA.
Se puede visitar de jueves a domingos de 12 a 19 hs. en Av. Pedro de Mendoza 1929, Buenos Aires, Argentina.

Se presentó el libro "República de Waires" de Claudio Larrea en Arte x Arte

El sábado 3 de diciembre de 2022 se realizó la presentación del libro "República de Waires" de Claudio Larrea, con la participación de Eduardo Villar y Luz Castillo, en Arte x Arte, que además de poseer varias salas de exhibición de fotografía es una editoral especializada en libros y catalogos de fotografía.

Claudio Larrea, Luz Castillo y Eduardo Villar

"Para su relato y su fundación poética de Waires, el artista no recurre a datos históricos ni objetivos de Buenos Aires, sino exclusivamente a los que percibe o intuye su mirada de sensibilidad expresionista: lo que queda de una ciudad oscura que alguna vez, en otro tiempo -según otros relatos, otras ficciones- fue luminosa; que fue moderna y hoy parece melancólicamente detenida o fuera del tiempo; que quiso elevarse hacia el cielo en los años treinta y hoy parece sumergida en un pozo sin fin; con un paciente trabajo de arqueólogo visual, retira capa sobre capa y recoge con su cámara los restos velados que en esta ciudad quedan de aquella. Palacios sombríos, cúpulas majestuosas, juegos de la luz y la geometría, sueños de piedra y cristal, engañosa arquitectura de las finanzas, del poder y las instituciones, el orden de los hogares suntuosos y el de los modestos, monumentos de héroes olvidados bajo densos nubarrones grises, maniquíes que parecen a punto de despertar... En esos paisajes escenográficos se mueven los habitantes de Weimar, más cerca del sopor que de la vigilia. Con fragmentos de otros sueños, de otras épocas, Larrea sueña la larga noche de Waires y nos la muestra, siempre en pausa, huérfana de futuro y cargada de silencio." Eduardo Villar.

Mirta Herrero y Claudio Larrea durante la presentación del libro

Claudio Larrea nació en 1963, en Buenos Aires, Argentina.
Se mudó a Barcelona en 2001 y regresó a Buenos Aires en 2010.
Desde 2018, vive entre Barcelona y Buenos Aires.
Estudió en el Instituto Superior de Periodismo, Buenos Aires, Argentina.
Cursó una maestría en técnicas audiovisuales en el Instituto RTVE, Madrid, España.
Trabajó como director de arte gráfico en las revistas Playboy, Rolling Stone, MAN, Cosmopolitan (Argentina), Interiores (Barcelona).
Desde 1999 al presente es director de arte y production designer en publicidad, cine y videoclips, para varias productoras en Argentina, España y Europa.
Combina sus trabajos de publicidad y cine con su gran pasión: la fotografía.
Obtuvo el primer premio en el Concurso de Fotografía “Llocs del Món 2009”, Barcelona, España.
En 2015, Rise Art Gallery, Londres, Reino Unido y Praxis Art Gallery, Buenos Aires, Argentina y New York, Estados Unidos, comenzaron a representar algunas de sus obras fotográficas.
En 2016, Microsoft contrató una licencia mundial de un año para una de sus obras. En 2017 exhibió en la Fundación Getty de Los Ángeles, Estados Unidos, en la exposición internacional "Cómo leer El Pato Pascual" (Pacific Standard Time) y también fue galardonado con el Primer Premio en el concurso de fotografía "Art Decó Buenos Aires".
En 2019, la Opéra national du Rhin contrató una serie de sus trabajos fotográficos para ser proyectados como único escenario en la ópera-tango “María de Buenos Aires” de Astor Piazzolla, en la Ópera de Estrasburgo, Francia.
Desde 2020, Otto Galería lo representa en Buenos Aires,  Argentina. 

 

El libro puede conseguirse en las librerías del MALBA,  Museo Nacional de Bellas Artes, Asunto Impreso, Eterna Cadencia, Fundación PROA, Museo MARCO y claro, también en la tienda de ArtexArte, su sello editorial.