"Camila saldrá esta noche " de la directora cordobesa Inés Barrionuevo se estrena el jueves 26 de mayo en las salas argentinas

Tras su premiere mundial en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y luego de haber recorrido numerosos festivales internacionales, “Camila saldrá esta noche”, cuarto film de la directora cordobesa Inés Barrionuevo, llega a las salas argentinas en mayo.

 La película, protagonizada por la joven debutante Nina Dziembrowski, relata el proceso de maduración y empoderamiento de Camilia y es a la vez un relato íntimo de la vida de las adolescentes. La búsqueda de la propia identidad, la diversidad de identidad de género, el abuso, la construcción de la propia tribu y la sororidad son algunos de los temas que transita.

Listado completo de salas
 

• Cine Gaumont
• Hoyts Puerto Madero
• Atlas Caballito
• Hoyts Unicenter
• Hoyts Quilmes
• Showcase Norte
• Showcase Haedo
• Cinépolis Avellaneda
• Cinépolis Mendoza
• Showcase Rosario
• Espacio INCAA Cine Teatro Victoria – Entre Ríos
• Espacio INCAA Sala Orán - Salta
• Espacio INCAA C. C. Cotesma, San Martin de los Andes - Neuquén
• Espacio INCAA Cine Teatro Español, Cinco Saltos - Rio Negro

 

Sinopsis

Camila se ve obligada a mudarse a Buenos Aires cuando su abuela enferma gravemente. Deja atrás a sus amigos y una escuela secundaria pública liberal por una institución privada tradicional. El temperamento feroz pero prematuro de Camila se pone a prueba.

Ficha Técnica

Nombre original: Camila saldrá esta noche
Título en inglés: Camila comes out tonight
Duración: 103 min.
Idioma: Español / Inglés
Color
Países: Argentina
Calificación: SAM 13 con reservas

Con: Nina Dziembrowski, Maite Valero, Adriana Ferrer, Carolina Rojas, Guillermo Pfening, Diego Sánchez, Federico Sack, Laura Daniela Visconti.

Nacida en la ciudad de Córdoba, Argentina, Inés Barrionuevo, es una directora, guionista y productora de 39 años. Dirigió cortometrajes, documentales y tres largometrajes. Su primer cortometraje “La quietud” fue parte de la Competencia Oficial en Locarno. Su primer largometraje “Atlantida” se estrenó en el Festival de Cine de Berlín 2014, luego su segunda película “Julia y el zorro” se estrenó en la Competencia de Nuevos Directores en el Festival de San Sebastián en 2018. Su tercer largometraje “Las Motitos” se estrenó en el festival de cine de Mar del plata 2020. Su última película "Camila saldrá esta noche" forma parte de la Sección Oficial del 69 Festival Internacional de cine de San Sebastián.

 Inés Barrionuevo

Sobre El Proyecto


“Camila saldrá esta noche es una película que comenzó a filmarse en febrero del 2020. Nos agarró el fatídico marzo de ese año en el medio del rodaje y tuvimos que terminar de filmar la película casi un año después. Más allá de los conflictos que esto generó (continuidad de los actores por ejemplo) sirvió para repensar lo que faltaba por filmar y empezar montar un esqueleto de la película.  Reescribimos las escenas en medio de una cuarentena obligatoria y yo empecé un montaje para luego continuarlo post rodaje. Esto fué algo único. Lo que parecía una desgracia del destino en algún punto se volvió una potencia para dejar macerar la película en un extraño proceso. Rara vez una tiene la posibilidad de cortar un rodaje, pensar y seguir filmando.
 


Con la directora de fotografía Costanza Sandoval fue la primera vez que trabajamos juntas y nos entendimos perfectamente desde el primer minuto. Trabajamos junto a María Eugenia Sueiro en la dirección de arte reflexionando sobre bloques de color y texturas. Cómo era el mundo del colegio y como era el mundo de afuera, el de una posible libertad. Todo en un gama de azules celestes y grises en una monotonía de lo que significa para Camila la entrada a este nuevo mundo institucional. Como contraste el mundo de la fiesta con colores que aparecen en el vestuario la foto y el arte. Tratamos de plantear una cámara amable con los personajes, en búsqueda del rostro. Siempre acompañando a nuestra protagonista y su punto de vista. En este sentido hicimos un uso de ópticas bastante acotado, usando siempre los mismos lentes. Probando en qué personaje funcionaba mejor un lente o un tipo de encuadre y recogiendo siempre sus miradas.
 


En el casting trabajamos primero en la búsqueda de la protagonista, ella nos indicaría el camino de cómo armar su familia sus amigos, sus antagonistas y sus intereses sensuales y románticos. Cuando encontramos a Nina Ziembrowsky ya pudimos armar todo el resto de personajes que no eran pocos. Trabajamos fuertemente en los vínculos entre ellos para que cuando se mirase la película fuese tan natural como ver una familia o un grupo de amigues de siempre. Tuvimos un tiempo considerable de ensayos para poder armar estos vínculos. Siempre respetando el guión y lo que traía pero oyendo también lo que tenían para aportar los jóvenes en cómo se encaran algunas cosas desde  una mirada más fresca.

El proceso de montaje junto a Sebastian Shacjer fue de muchísima conversación. Es una película donde cada decisión se tomaba en base a posturas que tomamos nosotros frente al mundo que teníamos y cómo construimos el artificio pero sin dejar nunca de lado lo que pensara nuestro personaje. Cada cosa llevaba muchos cafés de por medio. El personaje de Camila nos dictaba lo que debíamos hacer en el montaje. Intentamos ir hilvanando estas secuencias para siempre seguir el transcurso emocional de la protagonista y que nunca eso te abandone en el transcurrir de la película. Fue un trabajo de muchísima búsqueda pero también de mucha gratificación. Hay algo que decanta cuando una escena esta armada y que casi no se puede explicar y es parte del pulso general de la película”. (Inés Barrionuevo)


Premios Konex 2022: Artes Visuales: ya se conocen los Diplomas al Mérito

La Fundación Konex informa que el Gran Jurado de los Premios Konex 2022 seleccionó a las 100 figuras más destacadas de las Artes Visuales Argentinas de la década 2012-2021. Estas personalidades recibirán el Diploma al Mérito
Asimismo se eligieron las Menciones Especiales, los Konex Mercosur y el Konex de Honor. Estos premiados son representantes de la excelencia de las Artes Visuales de nuestro país.

LOS PREMIADOS

1/ PINTURA
Max Gómez Canle, Silvia Gurfein, Gachi Hasper, Magdalena Jitrik, Leila Tschopp.

2/ ESCULTURA
Claudia Aranovich, Elba Bairon, Marcela Cabutti, Claudia Fontes, Carola Zech.

3/ OBJETO
Irene Banchero, Carlota Beltrame, Daniel Joglar, Irina Kirchuk, María Cristina Schiavi.

4/ ARTES DEL FUEGO
Gabriel Baggio, Leo Battistelli, Gabriel Chaile, Nushi Muntaabski, Débora Pierpaoli.

5/ DIBUJO
Adriana Bustos, Claudia del Río, Matías Duville, Cynthia Kampelmacher, Mauro Koliva.

6/ GRABADO
Esteban Álvarez, Lulú Lobo, Andrea Moccio, Elisa O'Farrell, María Inés Tapia Vera.

7/ ARTE TEXTIL
Celina Eceiza, Mónica Millán, Ariadna Pastorini, Inés Raiteri, Guido Yannitto.

8/ INSTALACIÓN
Eugenia Calvo, Valeria Conte Mac Donell, Alicia Herrero, Julio Le Parc, Adrián Villar Rojas.

9/ PERFORMANCE
Maricel Álvarez,  Mariana Bellotto, Diego Bianchi, Ana Gallardo, Osías Yanov.

10/ COLECTIVOS ARTÍSTICOS
Belleza y Felicidad Fiorito, Croquiseros Urbanos, Etcétera, GAC - Grupo de Arte Callejero, ONG Vergel, arte y salud.

11/ ARTE EN EL ESPACIO PÚBLICO
Elian Chali, Franco Fasoli, Marta Minujín, Marino Santa María, Tec.

12/ DISEÑO EN EL ESPACIO PÚBLICO
Daniel Becker, CCFGM Arquitectos Asociados, Estudio a77 / Diéguez - Gilardi, Estudio Cabrera - Trlin, Martín Torrado.

13/ ARQUITECTURA
Nicolás Campodonico, Estudio Bares, Estudio del Puerto-Sardin, Monoblock, RDR Arquitectos / Richter - Dahl Rocha.

14/ DISEÑO GRÁFICO
Hernán Berdichevsky, Martín Gorricho, Estudio Marius, Estudio ZkySky, Fabián Muggeri.

15/ DISEÑO INDUSTRIAL
BCK ID, Hernán Fretto, Francisco Gómez Paz, Alexandra Kehayoglou, Cristián Mohaded.

16/ DISEÑO DE INDUMENTARIA
Gino Bogani, Mariana Cortés, Mariana Dappiano, Pablo Ramírez, Andrea Saltzman.

17/ HUMOR E HISTORIETA
Max Cachimba, Sergio Langer, Delius - María Delia Lozupone, María Luque, José Antonio Muñoz.
 
18/ ILUSTRACIÓN
Mariana Chiesa Mateos, Decur - Guillermo Decurgez, Juan Manuel Lima, Gustavo Rosemffet (Gusti), María Wernicke.

19/ FOTOGRAFÍA 
Cristina Fraire, Alberto Goldenstein, Adriana Lestido, Esteban Pastorino, Santiago Porter.

20/ ARTE Y TECNOLOGÍA
Gabriela Golder, Narcisa Hirsch,
Florencia Levy, Tomás Saraceno, Mariela Yeregui.

21/ ENTIDADES DE ARTES VISUALES
Bienal Sur - UNTREF, Fundación Federico Jorge Klemm,  Fundación Forner-Bigatti, Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodríguez.
 
MENCIONES ESPECIALES POR TRAYECTORIA
Rubén Fontana, Liliana Porter.

KONEX MERCOSUR
Alfredo Jaar (Chile), Rosana Paulino (Brasil), Ana Tiscornia (Uruguay).

KONEX DE HONOR
Quino (Joaquín Lavado)

LOS INOLVIDABLES
Norberto Gómez, Jorge Gumier Maier, María Juana Heras Velasco, Gyula Kosice, Margarita Paksa, Alejandro Puente, Juan Carlos Romero, Guillermo Roux, Graciela Sacco, Clorindo Testa.

El Museo Nacional de Bellas Artes presenta “Juan Carlos Distéfano. La memoria residual”, una muestra que reúne esculturas y dibujos del artista inspirados en obras pictóricas

Con la presencia del artista en sala, el Museo Nacional de Bellas Artes inauguró “Juan Carlos Distéfano. La memoria residual”, la muestra curada por María Teresa Constantin, que reúne en el pabellón de exposiciones temporarias, una selección de esculturas y dibujos en los que el maestro reescribe sus influencias de la pintura argentina y universal.

Durante el acto de apertura, el director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat, sostuvo: “Es una muestra delicada e interesante en su concepto, que presenta obras escogidas entre Juan Carlos y la curadora, vinculadas con el universo de creación del artista”. “Al recorrerla, descubrirán conexiones sutiles, tanto con pintores argentinos, como Spilimbergo o Gómez Cornet, como con grandes maestros de la historia del arte, entre ellos, El Bosco, Brueghel o Grünewald”, agregó.
“Celebramos esta exposición, que es a la vez un homenaje de Distéfano a los artistas que él considera que fueron sus influencias, pero también un homenaje a un escultor del que nos sentimos orgullosos”, concluyó Duprat.

"La urpila en Buenos Aires", homenaje a Gómez Cornet, 2009/10

Evitando el ordenamiento cronológico o temático, la exhibición -que incluye obras de la colección personal de Distéfano, del MNBA y de acervos privados- reúne 19 esculturas creadas entre 1972 y 2022, junto con 16 estudios para la realización de varias de ellas, en las que el artista argentino expresa su atracción por la pintura.

“La muestra está armada en torno a dos núcleos que Juan Carlos ha trabajado a lo largo de su vida, y que fueron surgiendo como esa memoria residual: la pintura centroeuropea del Renacimiento, La Edad Media, el Románico catalán… y un solo moderno, Van Gogh” explicó María Teresa Constantin. “En referencia al núcleo de los pintores argentinos -añadió la curadora- toma a Lacámera, a Cúnsulo, a Spilimbergo (pero el menos refulgente, el de los grabados más duros), a Gómez Cornet, a Policastro, enormes trabajadores del arte, como el mismo Distéfano, que batallan con la materia siempre. No eran pintores a los que les estaba regalado nada”.

"La necesidad del arco iris", 2005

Durante el recorrido para la prensa, previo a la apertura general, Distéfano comentó por qué eligió la escultura como medio de expresión artística: “Traté de ser pintor, pero cuando uno pasa a la tercera dimensión y toma la arcilla, nunca más se puede dejar por el placer que genera tocarla. Es extraordinaria, es maleable, es realmente tocar carne, y hago lo que se puede con eso”. 

El artista también se refirió al vínculo de su producción con la historia política, cultural y social del país, y manifestó: “Vivo en la Argentina y añoro la Argentina cuando estoy afuera. Es un sentir, es un vivir acá. Hay muchas formas de hacerlo. Creo en esa forma de trabajar”. Y continuó: “No tengo ideas, tengo imágenes, que es lo primero que sale. Y sobre todo estoy muy atento al error, si hay algo bueno en él, se abre un camino inimaginado, aparece la aventura, y esa aventura es lo mejor que hay en cada uno de mis trabajos. La idea es traicionera; creo en la imagen”.

"Florero roto en 1890", 1988/89

Numerosos visitantes participaron de la apertura, como autoridades y grandes artistas argentinos que quisieron estar presentes para saludar a Distéfano, que estuvo acompañado de su esposa, la escritora Griselda Gambaro. Asistieron Sara Facio, Roberto Plate, Daniel Santoro, Luis Felipe Noé, Marcia Schvartz, Alicia Herrero, Pedro Roth, Matilde Marín, Adriana Lestido, Elba Bairon, Karina El Azem, Irene Banchero, Tulio De Sagastizábal, Anahí Cáceres, Marino Santa María y Alejandra Fenocchio, entre otros.

 “Emma traviesa. Homenaje a Lino Enea Spilimbergo”, 2015

Entre las piezas en exhibición, se incluyen dos versiones de la escultura “Emma traviesa. Homenaje a Lino Enea Spilimbergo” (2014-2015) y una serie de estudios preparatorios realizados en sanguina sobre papel. Una de estas obras ingresó a la colección del MNBA en 2018, cuando Distéfano fue distinguido con el Premio Nacional a la Trayectoria Artística.
Además, puede verse la última obra creada por Distéfano: “La necesidad del arco iris”, una escultura en resina poliéster fechada entre 2020 y 2022, que abre el recorrido por el Pabellón.
Otra de las esculturas reunidas en la exposición es “La Urpila en Buenos Aires. Homenaje a Gómez Cornet” (2009-2010), realizada en poliéster reforzado y materiales varios, en diálogo con la pintura de 1946 del artista santiagueño, perteneciente a la colección del Museo. 

"El camioncito del Dock Sud, II"; 1996/97

“Juan Carlos Distéfano. La memoria residual” podrá visitarse hasta el 31 de julio en el pabellón de exposiciones temporarias del museo, de martes a viernes de 11 a 20 hs. y los sábados y domingos de 10 a 20 hs. con entrada libre y gratuita. 

El Museo Nacional de Bellas Artes, que depende del Ministerio de Cultura de la Nación y cuenta con el apoyo de Amigos del Bellas Artes, está ubicado en Av. del Libertador 1473, Ciudad de Buenos Aires, Argentina.

Eugenio Cuttica presenta "Serendipia" en el hotel Anselmo del barrio de San Telmo

El hotel Anselmo del barrio de San Telmo inauguró la exposición “Serendipia”, del artista plástico Eugenio Cuttica, de visita.  La muestra, que se extenderá hasta el 15 de junio, recorre los últimos años de su producción y se exhibe en diálogo con la arquitectura y la vegetación envolvente que destaca al hotel para dejarse atrapar por una atmósfera espiritual de reflexión.

"Guerrero+Luna+rojo"

 

La muestra propone una experiencia inmersiva única en Buenos Aires. Nos invita a observar lo que nos rodea con nuestra mirada interior. Ligarnos con la verdad ulterior en sincronía con el ser. Es una invitación a reconectar con la divinidad con la que todos nacemos y a transitar el flujo de la abundancia que ofrece la dimensión de lo sublime. Saldremos transformados de la muestra, atravesados por un mensaje actual y espiritual de transformación.

La palabra Serendipia hace referencia a un descubrimiento inesperado, producido durante la búsqueda de algo diferente. Es una invitación a abrirse a lo inesperado y dejarse atravesar por una experiencia espiritual.

 

Hasta sus 40 años Cuttica fue expresionista, la belleza estaba dada por el acto mismo de pintar, en su mayoría obras abstractas, con mucha materia. Una energía que le brotaba de los centros emocionales. Era una pintura que salía de un grito, o sea una pintura de lo que más es más. En ese momento comenzó a darse cuenta de un fenómeno que sucede llamado el límite de la enunciación. Cuando uno grita y vuelve a gritar y vuelve a hacerlo, el grito se oye cada vez menos, por acostumbramiento, hasta que ya casi deja de producir su efecto y se crea un callejón sin salida. Por más que el artista agregue materia, agregue el gesto, agregue más energía de las entrañas, se encuentra con un límite que no se puede traspasar.

 

Cultor de la lectura del budismo y de la práctica de la meditación, Cuttica comenzó a investigar sobre la filosofía oriental y lo proyectó hacia su pintura. Su obra en esta etapa comenzó a surgir de un estado del espíritu.

 

Eugenio Cuttica en su taller de Central Park

 

Es allí donde Cuttica se enfrenta a un dilema del mismo lenguaje, seguir con ese grito ahogado o dejar de pintar. Se produjo una vuelta a los dibujos, de sus trece, catorce, quince años, una pintura más económica en términos de energía, más mesurada, más amorosa, más inclinada hacia la ternura, hacia la verdad, hacia el amor, y hacia el silencio… una pintura basada en conceptos budistas y las enseñanzas de maestros espirituales.

 

Dejó a un lado sus pinturas fuertemente expresionistas, abandonando un sentimiento que se había agotado en él, para pasar a una pintura que surge desde su interior, desde un estado del espíritu. Mientras que su obra expresionista estaba cargada de fuertes vibraciones de colores y una paleta primitiva que surgía de sus entrañas, de sus pasiones, sus obras nuevas comenzaron a surgir desde el acto interno de la meditación y el silencio.

 

La pintura cambio por completo y se dio la paradoja, de que se transformó en una expresión silenciosa, mucho más poderosa que el grito. Un vacío energético que atravesó todo. La obra de Cuttica se catapultó y empezó a llegar a todas partes.

 

Dice Cuttica: “Logré hacer una obra que atraviesa directamente al corazón de la gente y que ayuda a reencontrarse con el ser y a recordar algo muy importante que se ha olvidado. Esta pintura del silencio ligada a la espiritualidad genera muchas situaciones emotivas en las exposiciones. Porque utilizo el lenguaje de la pintura para hacer el amor con la gente. Un amor en que soy ampliamente correspondido y así se genera una rueda emotiva que gira y se retroalimenta entre el artista y el público.”

 

La práctica de meditar no es una línea recta hacia la búsqueda de la calma, el silencio y la tranquilidad, sino más bien, un camino sinuoso hacia un entrenamiento de la mente para elegir nuestros pensamientos, buscando desterrar aquello que puedan dañarnos. 

 

 Luna y la Glicina II

 

La figura de una solitaria niña -a veces son dos- se transforma en un espíritu transparente que atraviesa la materia y la naturaleza. De rasgos delicados y una actitud calma, la niña observa una calavera, interactúa pacíficamente con otra niña, o bien aparece fantasmagóricamente envuelta en un vestido que se vuela al viento, en la esquina contraria a la figura de un guerrero que resulta de una particular mezcla de un guerrero medieval, con una deidad precolombina. Una niña que, desde otro plano físico, se contacta con el más allá, con la divinidad, con la vida y con la muerte, en forma de un ente espiritual. Una serie de personajes transparentes esculpidos en resina avanzan iluminados por una intensa luz interior. Parecen querer mostrarnos la supremacía del espíritu por sobre la razón.

 

El Hotel Anselmo es sin lugar a dudas uno de los hoteles más destacados de la Cuidad de Buenos Aires. Inmerso en pleno barrio de San Telmo y emplazado frente a la icónica Plaza Dorrego, el espacio designado para esta muestra de arte nos brinda un ambiente mágico y envolvente, ideal para el mensaje espiritual de la obra de Cuttica.

 

Eugenio Cuttica es uno de los principales artistas contemporáneos argentinos. Nacido en Buenos Aires en 1957, actualmente reside en Nueva York. Su exposición en el Museo Nacional de Bellas Artes en 2015 congregó a más 100.000 espectadores.

 Cuttica estudió arquitectura en la Universidad de Buenos Aires y pintura y escultura en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Fue asistente de los pintores como Howard Martínez y Antonio Berni. Obtuvo el primer premio Jóvenes Pintores Gran Premio Amalita Fortabat, Juries Exhibition of Expressionist Painters of Argentina y fue seleccionado como finalista de la Bienal de Venecia, Italia. En 2019 fue nombrado como “Personalidad destacada de la cultura de la Ciudad de Buenos Aires”, por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

Ha expuesto su obra en ciudades como Nueva York, Boston, Los Ángeles, Sevilla, Ámsterdam, Atami (Japón), Shanghai, Buenos Aires, Santiago de Chile, Río de Janeiro y Bogotá, entre otras ciudades del mundo. En el presente, prepara una gran muestra en Sevilla, España.

 

 

2 nuevas muestras en el Museo Nacional de Bellas Artes: “CAYC Chile | Argentina | 1973-1985-2022" y "Sara Facio: fotografías 1960/2010"

El Museo Nacional de Bellas Artes está exhibiendo dos interesantes muestras. Una de ellas, “CAYC Chile | Argentina | 1973-1985-2022. La exposición olvidada y una lectura a cuatro artistas chilenos”, rescata dos muestras históricas impulsadas por el Centro de Arte y Comunicación (CAYC) de Buenos Aires durante las décadas de 1970 y 1980. También se presenta “Sara Facio: Fotografías 1960/2010”, que reúne más de 40 obras de la artista argentina, a modo de homenaje por su incansable tarea como gestora cultural e iniciadora de la colección fotográfica del Museo, en 1995. 

Además, en el hall de ingreso al Museo, también se exhibe una de las siete obras de la serie “Identificaciones”, realizadas por el artista argentino Ernesto Deira en 1971, que regresan de Chile luego de medio siglo.

 

En la exposición "CAYC Chile | Argentina" se retoma dos muestras emblemáticas del CAYC. Una de ellas es “Hacia un perfil del arte latinoamericano”, una exhibición con 143 heliografías de 68 artistas de distintas nacionalidades, que no pudo presentarse en el museo chileno debido al golpe de Estado de 1973 que derrocó al gobierno de Salvador Allende y estuvo décadas guardada en los depósitos de la institución.

 

Eugenio Dittborn, Santiago de Chile, 1943. Pinturas aeropostales, concebidas para ser enviadas por correo permitiendo al artista movilizar internacionalmente su producción durante los restrictivos tiempos de la dictadura. Realizadas en papel de envolver y plegadas 4 veces.

La muestra propuso analizar las problemáticas políticas del continente con copias heliográficas de medida uniforme, bajo tres premisas planteadas por Jorge Glusberg, fundador del CAYC: portabilidad, economía de recursos y reproductibilidad. Con su exhibición en Chile y en Argentina, se cierra un ciclo truncado 49 años atrás. Antonio Berni, Clorindo Testa, Víctor Grippo, Nicolás García Uriburu, Juan Carlos Romero, Marie Orensanz, Jacques Bedel, Luis Benedit, Elsa Cerrato, Luis Pazos son algunos de los artistas argentinos presentes.

 

La otra muestra histórica del CAYC ahora recreada es “Cuatro artistas chilenos en el CAYC”, que se exhibió en Buenos Aires en 1985 e incluye obras -algunas de ellas reconstruidas- de cuatro referentes de la escena contemporánea chilena: Gonzalo Díaz, Eugenio Dittborn, Alfredo Jaar y Carlos Leppe. 

Mariana Marchesi y Sebastián Vidal Valenzuela

En las obras y textos que acompañaban la exposición -organizada originalmente por la crítica cultural Nelly Richard y por el director del CAYC, Jorge Glusberg-, puede advertirse el modo en que se reformulaba el problema de “lo latinoamericano”. Muchos artistas se apropiaron de los lenguajes tecnológicos de la época, pero a su vez daban cuenta de su condición política desde una enunciación periférica y marginal. El uso de soportes frágiles y de técnicas básicas, o las tácticas de desjerarquización de los símbolos o la deconstrucción de los estereotipos regionales, hacían visible la inestabilidad de lo precario, y habilitaban a los artistas a repensar sus prácticas y sus tradiciones desde sus propios contextos.

Con curaduría conjunta de los historiadores del arte Mariana Marchesi, directora artística del MNBA Argentina, y Sebastián Vidal Valenzuela, académico de la Universidad Alberto Hurtado, esta exposición puede verse en las salas 37 a 40 del primer piso del museo hasta el 17 de julio. 

 

 Julio César Crivelli, Sara Facio y Pedro Roth durante la inauguración de la muestra

En la muestra homenaje a Sara Facio se exhiben más de 40 imágenes registradas entre de 1960 a 2010 y seleccionadas por la propia Facio de su colección particular. El cuerpo de obra recorre distintos momentos de la vasta producción de la artista, que el 18 de abril cumplió 90 años, e incluye fotografías de sus prestigiosas series “Primeros premios”, “Humanitario”, “Buenos Aires Buenos Aires”, “Funerales del presidente Perón” y “Bestiario”, entre otras.

 

Fotografias de  Julio Cortázar, Maria Elena Walsh, Ernesto Sábato, Rómulo Macció, Jorge Luis Borges y Juan Manuel Fangio pertenecientes a la Colección Sara Facio

Además, pueden verse algunos de los retratos más emblemáticos realizados por Facio a artistas, escritores, músicos, deportistas y otras personalidades de la cultura en Argentina y Latinoamérica, como Jorge Luis Borges, Julio Cortázar, María Elena Walsh, Ernesto Sabato, Astor Piazzolla, Pablo Neruda, Gabriel García Márquez, Octavio Paz, Doris Lessing o Federico Leloir.

 Fotografias en blanco y negro pertenecientes a la Colección Sara Facio

La estrecha relación de Facio con el Museo Nacional de Bellas Artes comenzó en 1995, cuando acercó la propuesta de conformar una colección de fotografías, que en la actualidad cuenta con más de 1500 imágenes. Desde su creación hasta 2012, la artista estuvo a cargo de gestionar el crecimiento de este acervo y fue curadora de distintas exhibiciones temporarias con este patrimonio, tanto en el museo como en otros espacios. En esas décadas, además, realizó otras cinco donaciones al MNBA de piezas de su colección particular.  

La muestra puede visitarse en la sala 33 del primer piso del museo hasta el 19 de junio.

El Museo Nacional de Bellas Artes está ubicado en Av. del Libertador 1473 -ciudad de Buenos Aires- y puede visitarse de martes a viernes de 11 a 20 hs. y los sábados y domingos de 10 a 20 hs. con entrada gratuita y reserva de visita desde la página web: https://www.bellasartes.gob.ar/paginas/planea-tu-visita/.

  

 

 

 

 

"Matar a la bestia" ópera prima de Agustina San Martín, se estrena el jueves 5 de mayo

 

Tras su premiere mundial en la 46° edición del Toronto International Film Festival (TIFF), y luego de haber recorrido numerosos festivales internacionales, “Matar a la bestia”, ópera prima de Agustina San Martín, llega a las salas argentinas en mayo. 


El film formó parte del 66º Berlinale Talents Script Station y BAFICI Talents. También de Bolivia Lab, Los Residentes en Paraguay y fue parte de la Competencia de guiones inéditos en el Festival de Cine de La Habana y del Producers Lab en BAL BAFICI. 

En la 36º edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, “Matar a la bestia” obtuvo una Mención Especial de la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina y el Premio a mejor diseño de locaciones de APPLA. También, en el Festival de Huelva se alzó con el Premio a la Mejor Obra Audiovisual con Perspectiva de Género que entrega La Asociación Andaluza de Mujeres de Medios Audiovisuales.

Sinopsis
Emilia, 17, llega a un particular pueblo religioso en el borde entre Argentina y Brasil. Está buscando a su hermano, con quien tiene un oscuro asunto que resolver. Se aloja en la posada del monte de su extraña tía Inés donde, según los rumores, hace una semana apareció una bestia. Según dicen, esta bestia es el espíritu de un hombre malo que habita el cuerpo de distintos animales.
Entre lo real y lo mitológico, lo humano y lo animal, la culpa y lo sexual, Emilia buscará enfrentarse con su pasado.

Ficha técnica
Nombre original: Matar a la bestia
Título en inglés: To Kill the Beast
Duración: 79 min.
Idioma: Español y Portugués
Color / DCP / 5.1
Países: Argentina, Brasil y Chile
Calificación: SAM 13

Salas confirmadas de exhibición, del 5 al 11 de mayo
Sala Lugones - CABA


Sala Hugo del Carril - Córdoba


Centro Cultural Leonardo Favio -Rio IV- Córdoba


Showcase Haedo - Buenos Aires


Espacio INCAA Barrio Alegre Trenque Lauquen - Buenos Aires


Espacio INCAA Cine Teatro Renzi La Banda – Santiago del Estero 


Espacio INCAA Cine Teatro Talia Puerto San Julián - Santa Cruz


Directora, guionista y colorista, Agustina San Martín escribió y dirigió los cortometrajes No hay bestias (2015), estrenado en el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias; La prima sueca (2017), estrenado en Berlinale; y Monstruo Dios (2019), Mención Especial del Jurado en el Festival de Cannes. Matar a la bestia (2021) es su ópera prima y tuvo estreno mundial en el Festival Internacional de cine de Toronto. Actualmente está bajo la beca de la Iniciativa de Artes de Rolex.